Littérature scientifique sur le sujet « Scène photographique »

À travers l’ekphrasis d’un tableau de Rembrandt, Autoportrait en Zeuxis, une rencontre énigmatique a lieu, à contretemps, ou à retardement, entre ce tableau et une photographie de Jacques Derrida prise par Raymond Depardon en juin 2004. La ressemblance troublante levée par l’autoportrait de Rembrandt, particulièrement dans la version révélée par les rayons X, interroge autant la portée du regard de Derrida (aura-t-il « survu » cette image au moment de la prise photographique ?) que l’effet de la survie inscrite dans le sourire indécidable dont le philosophe aura fait ses « derniers mots ». Énigme du palimpseste qui se joue ici entre le peintre et le philosophe, sans négliger l’intercession d’un tiers, passeur déterminant dans cette scène, Jean Genet.

Représentation d’un groupe d’élèves, la photo de classe est devenue depuis le milieu du XIXe siècle un “rituel scolaire”, une tradition et un usage qui mérite d’être étudié. Point aveugle de la recherche, source à l’interface de l’institution scolaire, des enseignants, des élèves et des parents, nous avons fait l’hypothèse que la photo de classe n’était pas seulement un témoin culturel mais un outil pour la compréhension des usages et des pratiques scolaires.Notre objectif est, en nous basant sur le corpus abondant des photos de classe du XIXe siècle à nos jours, d’utiliser l’analyse historique de la photo de classe non pas comme une illustration d’un contexte mais comme un élément de compréhension même de l’histoire de l’école Pour préciser notre réflexion nous proposons trois axes. Le premier nous amène à définir cet objet singulier qu’est la photo de classe. Dans un second temps nous nous attacherons à établir les contours juridique et symbolique de ce rituel scolaire fortement codifié depuis 1927. Dans un troisième temps nous nous interrogerons sur l’analyse même de cette photo pour comprendre si au-delà de la mise en scène photographique, l’institution scolaire a fait de la photo de classe un reflet voire un modèle de l’école.

Cet article vise à poser les premiers jalons d’une histoire de la photographie séquentielle du mouvement. Après en avoir recherché les origines dans les premiers cas de prise de vue multiple ayant donné lieu à la variation des poses (série) ainsi qu’à leur succession (séquence), l’auteure entend démontrer que les premières formes séquentielles du mouvement sont apparues dès les années 1850. Un autre rapport de la photographie au mouvement existe en dehors des « incontournables » bougé, instantané et chronophotographie : un mouvement mis en scène, posé et composé image par image. L’auteure examine des formes photographiques obtenues notamment au moyen du châssis multiplicateur et de la chambre à objectifs multiples, qui souvent présentent une ambiguïté entre sérialité et séquentialité : le portrait multiple, le portrait-carte et le portrait tournant, en interrogeant en particulier les liens étroits entre ce dernier, expérimenté par Nadar, et la photosculpture.

Marius Barbeau a mené plusieurs carrières de front : anthropologue des cultures autochtones, folkloriste en quête de chansons et de contes au Québec, communicateur diffuseur et commissaire d’expositions, muséologue et conservateur. Son legs est d’une richesse fascinante et exceptionnelle. On connaissait moins de lui le photographe de terrain qu’il a été et la grande qualité de son oeuvre photographique. À l’exemple de ces grands photographes qui nous ont apporté des témoignages extraordinaires et émouvants, Barbeau a parcouru le Canada à la recherche de scènes en voie de disparition. Mais au-delà du témoignage photographique, il émerge une photographie à la fois esthétique et documentaire dont il fallait rendre compte pour situer autrement ce grand homme dans l’Histoire. Pêcheur d’images représentant l’humain dans son quotidien, avec la patience du pêcheur qui l’a bien servi, Barbeau se souciait évidemment de la dimension humaine, mais il accordait aussi de l’importance au décor, qui donne un sens à l’image et la positionne ainsi dans le temps et l’espace.

Critiquée pour les stéréotypes véhiculés en matière de représentation du corps de la femme, la presse magazine féminine s’est donnée comme mission de célébrer la diversité féminine en optant pour de nouvelles mises en scène photographiques. Bien avant les mouvements sociaux revendiquant le bannissement de l’exposition médiatique sexuée et standardisée du corps féminin, le titre Vogue Paris a proposé dès les années 2010 des scènes photographiques revendiquant une certaine audace car utilisant des mannequins issues de la catégorie descriptive dite taille plus. Cette recherche interroge la façon dont la prétention à la diversité des représentations du corps de la femme par l’industrie de la mode ne fait que renforcer l’assignation de la femme dans un stéréotype immuable : celui de la réification du corps féminin.

L’utilisation des documents d’archives par les artistes contemporains offre une nouvelle perspective sur leur diffusion et leur mise en valeur. Nous verrons comment cinq artistes canadiens ont créé, chacun à leur manière, des oeuvres à partir d’archives photographiques. En effet, selon les tactiques utilisées pour sa mise en scène, l’archive jouera différents rôles : elle sera décontextualisée par Patrick Altman, comparée à une trace plus récente par Andrzej Maciejewski, intégrée à un lieu significatif par Dominique Laquerre ainsi que Dominique Blain, et réexposée selon un procédé original par Vid Ingelevics.

Durant la décennie 1980, des photographes non-blancs et des femmes photographes Noirs imaginent des formes d’opposition à un milieu qui les ignore obstinément. Individuellement et collectivement, les photographes Noirs se confrontent aux multiples dénégations au moyen de gestes de résistance. Ensemble, mais seuls, ils vont faire scène. Instigateurs d’une multitude d’actes, ils deviennent agents de leur réalisation en tant qu’artistes-photographes. La scène produit un empouvoirement et l’empouvoirement façonne la scène. Cette thèse raconte les stratégies mises en place pour défier le statu quo. Cette thèse propose ainsi d’analyser la formation de cette scène à travers deux gestes fondamentaux : la publication (première partie) et l’exposition (deuxième partie). Dans un premier temps, l’étude des objets imprimés révèlent les mécanismes d’exclusion et d’inclusion de ces individus et indique leur rôle essentiel à la rencontre, aux échanges, à l’expérimentation, au débat, à l’élaboration théorique et la monstration des productions. À cet effet, nous examinons trois magazines de photographes : Camerawork, Ten.8 et Polareyes ; et commentons l’absence de livres de photographes. Dans un deuxième temps, l’étude de la nécessité de montrer son travail sur des cimaises, à travers des expositions, nous permet d’identifier une attitude du « faire soi-même » où les artistes deviennent commissaires et coordinateurs d’espaces de monstration. La thèse se termine sur l’institutionnalisation de la scène à travers l’analyse de l’évolution de l’Association des Photographes Noirs vers la création d’une organisation, Autograph ABP. À travers ces deux axes principaux, cette thèse appréhende l’émergence d’une scène malgré une société qui s’oppose à elle et fait le récit de sa lente inclusion dans le monde de la photographie britannique de la seconde moitié du XXe siècle
During the long 1980s, non-white photographers and Black women photographers imagined forms of opposition to a milieu that consistently ignored them. Individually and collectively, Black photographers challenged continual denial with gestures of resistance. Together, and on their own they made their scene. Instigators of a multitude of acts, they became the agents of their being recognised as artist-photographers. The scene produced an empowerment which in turn shaped that scene. This thesis recounts the strategies they put in place to challenge the status quo. The creation of this scene occurred through two fundamental axes: firstly publications; and secondly exhibitions. In the first place, the study of printed matter reveals the mechanisms of exclusion and inclusion of these individuals, and indicates their essential role in encounters, exchanges, experimentation, debate, theoretical elaboration and the display of visual productions. To this end, we examine three photographers' magazines: Camerawork, Ten.8 and Polareyes; and comment on the absence of photographers' books. In the second place, our study of the need to show work on walls, through exhibitions, enables us to identify a "Do It-Yourself" attitude in which artists become curators and coordinators of spaces. The thesis concludes on the institutionalization of the scene through the history of the Association of Black Photographers as an organization. Our pivot is the emergence of a scene despite a society opposed to it, and tells the story of its slow inclusion in the world of British photography in the second half of the 20th century

Cette thèse aborde le problème de l'estimation du mouvement d'une caméra filmant une scène fixe, à partir de la séquence d'images obtenue.
La méthode proposée s'applique à l'estimation du mouvement entre deux images consécutives et repose sur la détermination d'une déformation 2D quadratique.
A partir du mouvement estimé, nous étudions ensuite le problème de l'estimation de la structure de la scène filmée. Pour cela, nous appliquons une méthode de Belief Propagation directement sur un couple d'images, sans rectification, en utilisant l'estimation du mouvement.
Enfin, nous examinons l'injectivité de la fonction associant un flot optique au mouvement d'une caméra et à la structure de la scène filmée. Deux mouvements de caméra étant donnés, nous décrivons le domaine d'observation où les flots générés sont susceptibles d'être identiques, et les surfaces filmées qui, associées aux deux mouvements, produiront ces flots ambigus.

La thèse en Arts plastiques que nous proposons associe une pratique artistique personnelle de photographie et une recherche à la croisée des sciences de l’art, de la sociologie et de la psychologie. Elle développe une analyse de la représentation du travail dans l’art à travers l’utilisation du médium photographique, du début du 20ème siècle à aujourd’hui, avec un intérêt particulier pour l’extrême contemporain. L’enjeu principal de cette recherche est de démontrer comment une pratique artistique peut traduire un fait d’actualité pourtant peu visible, ici lié à la représentation sociale du travail. Elle se focalise sur un exemple précis, celui du mal-être au travail, qui fait l’objet à la fois de la pratique artistique personnelle et de la recherche proposée. Que ce soit par une expérimentation du portrait ou par l’élaboration de mises en scène, les choix plastiques de cette représentation amènent à s’interroger sur les caractéristiques et la production de sens d’un dispositif de création qui allie théâtre vivant et images fixes assemblées en polyptyques – tout en suscitant la réflexion sur un problème humain devenu un phénomène sociétal
The thesis in Arts that we present associates a personal artistic practice of photography and a research at the crossing of arts sciences, sociology and psychology. It develops an analysis of the representation of work in arts through the use of the photographic medium, from the beginning of the 20th century until today, with a particular interest in the extreme contemporary period. The main stake of this research is to demonstrate how an artistic practice can translate a current event with little visibility, linked to the social representation of work. It focuses on a specific example, the malaise at work, which is the object of both the personal artistic practice and the research work. Whether by the use of portrait or by a staging work, the choices of this artistic representation interrogate the characteristics and the production of meaning of a creative device which combines theatre and still images assembled in polyptyches – while inciting reflexion on a human problem that has become a social phenomenon

L’enjeu de la représentation en images du corps et l’utilisation de mon propre corps comme support de création est une réaction à l’échec communicationnel contemporain. Le dispositif artistique peut-il déjouer, pour un moment au moins, la puissance d’aliénation qui réside dans l’obligation de se conformer à une certaine idée du corps, à ce « corps social », et permettre une certaine construction identitaire? Les façons de montrer le portrait, l’autoportrait et le corps et de les traiter sont les modes du « vivre ensemble » ; et manipuler ces codes me permet de réfléchir sur ma propre identité dans une société tout en interrogeant la relation du « soi » au « nous ».Les photographies et les vidéographies introduisent la notion d’identité à travers une mise en scène. Dans certaines œuvres, j’interviens sur mon corps par un travail d’autoreprésentation. Je travaille alors à la transformation de moi-même, à l’invention d’un nouveau corps, d’une nouvelle identité. Il s’agit d’abord d’un questionnement narcissique, cependant, l’autofiction, ici, n’est pas « égocentrée » et rejoint notre sujet principal, à savoir l’interrogation de l’image de soi comme médiation afin de réenvisager l’identité individuelle dans un horizon collectif
The challenge of the pictorial representation of the body and the use of my own body as the medium of creation is a reaction to the failure of contemporary communication. Can this artistic device, even for a moment, thwart the power of alienation that resides in the obligation to conform to a particular idea of the body, of this “social body”, to allow for a certain construction of identity? The ways of showing the portrait, the self-portrait and the body and their treatment are modes of “community living.” The manipulation of these codes allowed me to consider my own identity in society while questioning the relation between “self” and “us.”The photos and videos introduce a notion of identity by way of a display. In some of the works, I use my body as a means of self-representation. I work on transforming myself, on the invention of a new body, of a new identity. In the first place, it is a narcissistic questioning, although the autobiographical fiction is not “self-centred”, but is in line with our principal subject, that of the interrogation of the self-image as mediation to envisage individual identity anew by means of a collective horizon

S'inscrivant dans une approche phénoménologique, cette recherche propose une réflexion et une analyse de l'image de danse ; image fixe (photographie) et image-mouvement (cinéma, vidéo). Je me suis principalement intéressée à la rencontre entre la danse et l'image, ainsi qu'aux rouages menant à une image de danse, et non uniquement au résultat final ; c'est-à-dire l'œuvre. Il apparaissait que la photographie, la vidéo et le cinéma entretenaient depuis le début du siècle des rapports complexes, mais pour la plupart du temps mal définis, voire sous exploités. En premier lieu je me suis donc attardée à relever les données qui, dans l'histoire propre des mediums en cause, les avaient menés l'un vers l'autre, de même que la multiplicité des tangentes de création retrouvées. À la suite de ce (re)positionnement historique, il demeurait capital de faire un bref arrêt sur la nature de la danse, du corps dansant, et de la perception que j'en ai en tant que spectateur. À partir de là, le glissement qui s'opère lors de la mise en image de la danse, les rapports entretenus entre l'image et la danse, la nature même de cette image de danse, ainsi que l'identité plurielle qu'elle épouse, constituent le cœur de cette recherche. L'extension d'une approche chorégraphique à travers la pratique de l'image photographique, cinématographique et vidéographique, s'installe en dernier lieu comme une voie possible de la notion de danse à l'image. La première partie de cette recherche présente donc l'image de danse en tant qu'art impur résultant du phénomène d'hybridation propre à la création artistique du vingtième siècle. La seconde partie, quant à elle, s'attarde uniquement à témoigner de quatre expériences personnelles de création; deux séquences photographiques, flore. . . Où te caches-tu? et la mort d'Anna, une courte vidéo ssss. . . , et un film bice
Adhering to a phenomenological approach, this research consists of both a reflection on and analysis of dance images : static images (photography) and moving images (film, video). I focused primarily on the place where dance and image intersect, as well as on the structure leading to a dance image, and not only on the final result, that is, the work itself. Photography, video and film produced since the beginning of the century have been immersed in complex, but for the most part poorly defined, even underexploited relationships. At the outset, my research concentrates on revealing the historical facts and events that brought these media together, as well as on the various creative tangents pursued. Following this historical (re) positioning, it was critical to conduct a brief overview of the nature of dance, the dancing body, and my perception thereof as a spectator. From here, the transition that occurs when creating an image of dance, the relationship between image and dance, the nature of this image of dance, as well as its various identities, constitute the heart of this study. Finally, the extension of a choreographic approach applied to photographic, cinematographic and video images, is offered as possible evolution in our notion of the relationship between dance and image. The first part of this research thus presents the image of dance as an impure art form resulting from the phenomenon of hybridization inherent in the artistic process in the twentieth century. The second part explores four personal creative experiences : two photographic sequences, flore. . . Ou te caches-tu? and la mort d'Anna, a short video ssss. . . , and a film bice

Il existe désormais une grande variété de lentilles panoramiques disponibles sur le marché dont certaines présentant des caractéristiques étonnantes. Faisant partie de cette dernière catégorie, les lentilles Panomorphes sont des lentilles panoramiques anamorphiques dont le profil de distorsion est fortement non-uniforme, ce qui cause la présence de zones de grandissement augmenté dans le champ de vue. Dans un contexte de robotique mobile, ces particularités peuvent être exploitées dans des systèmes stéréoscopiques pour la reconstruction 3D d’objets d’intérêt qui permettent à la fois une bonne connaissance de l’environnement, mais également l’accès à des détails plus fins en raison des zones de grandissement augmenté. Cependant, à cause de leur complexité, ces lentilles sont difficiles à calibrer et, à notre connaissance, aucune étude n’a réellement été menée à ce propos. L’objectif principal de cette thèse est la conception, l’élaboration et l’évaluation des performances de systèmes stéréoscopiques Panomorphes. Le calibrage a été effectué à l’aide d’une technique établie utilisant des cibles planes et d’une boîte à outils de calibrage dont l’usage est répandu. De plus, des techniques mathématiques nouvelles visant à rétablir la symétrie de révolution dans l’image (cercle) et à uniformiser la longueur focale (cercle uniforme) ont été développées pour voir s’il était possible d’ainsi faciliter le calibrage. Dans un premier temps, le champ de vue a été divisé en zones à l’intérieur desquelles la longueur focale instantanée varie peu et le calibrage a été effectué pour chacune d’entre elles. Puis, le calibrage général des systèmes a aussi été réalisé pour tout le champ de vue simultanément. Les résultats ont montré que la technique de calibrage par zone ne produit pas de gain significatif quant à la qualité des reconstructions 3D d’objet d’intérêt par rapport au calibrage général. Cependant, l’étude de cette nouvelle approche a permis de réaliser une évaluation des performances des systèmes stéréoscopiques Panomorphes sur tout le champ de vue et de montrer qu’il est possible d’effectuer des reconstructions 3D de qualité dans toutes les zones. De plus, la technique mathématique du cercle a produit des résultats de reconstructions 3D en général équivalents à l’utilisation des coordonnées originales. Puisqu’il existe des outils de calibrage qui, contrairement à celui utilisé dans ce travail, ne disposent que d’un seul degré de liberté sur la longueur focale, cette technique pourrait rendre possible le calibrage de lentilles Panomorphes à l’aide de ceux-ci. Finalement, certaines conclusions ont pu être dégagées quant aux facteurs déterminants influençant la qualité de la reconstruction 3D à l’aide de systèmes stéréoscopiques Panomorphes et aux caractéristiques à privilégier dans le choix des lentilles. La difficulté à calibrer les optiques Panomorphes en laboratoire a mené à l’élaboration d’une technique de calibrage virtuel utilisant un logiciel de conception optique et une boîte à outils de calibrage. Cette approche a permis d’effectuer des simulations en lien avec l’impact des conditions d’opération sur les paramètres de calibrage et avec l’effet des conditions de calibrage sur la qualité de la reconstruction. Des expérimentations de ce type sont pratiquement impossibles à réaliser en laboratoire mais représentent un intérêt certain pour les utilisateurs. Le calibrage virtuel d’une lentille traditionnelle a aussi montré que l’erreur de reprojection moyenne, couramment utilisée comme façon d’évaluer la qualité d’un calibrage, n’est pas nécessairement un indicateur fiable de la qualité de la reconstruction 3D. Il est alors nécessaire de disposer de données supplémentaires pour juger adéquatement de la qualité d’un calibrage.
A wide variety of panoramic lenses are available on the market. Exhibiting interesting characteristics, the Panomorph lens is a panoramic anamorphic optical system. Its highly non-uniform distortion profile creates areas of enhanced magnification across the field of view. For mobile robotic applications, a stereoscopic system for 3D reconstruction of objects of interest could greatly benefit from the unique features of these special lenses. Such a stereoscopic system would provide general information describing the environment surrounding its navigation. Moreover, the areas of enhanced magnification give access to smaller details. However, the downfall is that Panomorph lenses are difficult to calibrate, and this is the main reason why no research has been carried out on this topic. The main goal of this thesis is the design and development of Panomorph stereoscopic systems as well as the evaluation of their performance. The calibration of the lenses was performed using plane targets and a well-established calibration toolbox. In addition, new mathematical techniques aiming to restore the symmetry of revolution in the image and to make the focal length uniform over the field of view were developed to simplify the calibration process. First, the field of view was divided into zones exhibiting a small variation of the focal length and the calibration was performed for each zone. Then, the general calibration was performed for the entire field of view. The results showed that the calibration of each zone does not lead to a better 3D reconstruction than the general calibration method. However, this new approach allowed a study of the quality of the reconstruction over the entire field of view. Indeed, it showed that is it possible to achieve good reconstruction for all the zones of the field of view. In addition, the results for the mathematical techniques used to restore the symmetry of revolution were similar to the results obtained with the original data. These techniques could therefore be used to calibrate Panomorph lenses with calibration toolboxes that do not have two degrees of freedom relating to the focal length. The study of the performance of stereoscopic Panomorph systems also highlighted important factors that could influence the choice of lenses and configuration for similar systems. The challenge met during the calibration of Panomorph lenses led to the development of a virtual calibration technique that used an optical design software and a calibration toolbox. With this technique, simulations reproducing the operating conditions were made to evaluate their impact on the calibration parameters. The quality of 3D reconstruction of a volume was also evaluated for various calibration conditions. Similar experiments would be extremely tedious to perform in the laboratory but the results are quite meaningful for the user. The virtual calibration of a traditional lens also showed that the mean reprojection error, often used to judge the quality of the calibration process, does not represent the quality of the 3D reconstruction. It is then essential to have access to more information in order to asses the quality of a lens calibration.

Impulsée par une pratique artistique faisant du corps le support d’une mise en signes et le cœur d’une mise en scène, l’étude ici menée est une invitation à parcourir trois voies plastiques et discursives : le corps, l’écriture et la photographie. Sur le corps, j’écris, je peins, je calligraphie. Je trace des signes. Je le crée ou le recrée par un acte éphémère. Cette mise en signes du corps, fugitive, est ensuite articulée à un rituel photographique qui la met en scène, l’image, l’expose. La mise en signes et la mise en scène du corps sont donc les deux actions (ou rituels) qui forment et transforment le corps, qui le transportent dans un ailleurs référentiel cristallisant les imaginaires les plus variés. Philosophie, anthropologie, ethnologie, histoire de l’art, sociologie, cinéma…, sont les champs métissés dans lesquels la pratique du corps écrit et imagé s’inscrit. Entre théories et plasticités, les rituels instaurent un autre corps : un corps nourri d’invocations culturelles, artistiques et disciplinaires ; un corps « tissé » de représentations, de discours et de rêves. À la rencontre des rituels d’écritures du corps dits primitifs, à la rencontre des signes, à la rencontre des regards et des images, un autre corps, une seconde peau se dessinent entre modelage plastique et jeu visuel, entre autoreprésentation et esthétique du voile, entre investissement et mise à distance. Ce travail propose d’explorer un rituel de mise en signes et de mise en scène du corps, un processus de création, de transformation et d’occultation, un entrelacement d’imaginaires, un corps à corps
Triggered by an artistic practice in which the body is a medium for written signs at the heart of a staged conceptualisation, this study is a means to discover three visual and discursive languages : body, writing and photography. I paint, write, make signs on the body. Creating it, recreating it through transient additions. These fleeting bodywritings become the pretexts for a photographic ritual that composes, stages and displays them. Creating signs and staging signs are the two steps (or rituals) which form or transform the body and then drag it into a referential elsewhere ; a place where the wanderings of imagination take shape. Written and staged bodies are used in many intertwined fields, such as philosophy, anthropology, ethnology, art history, sociology, cinema and so on. Standing on a thin line between theory and plasticity, rituals bring about another body : a body fed with cultural, artistic and disciplinary invocations ; a body made up with representations, conceptualisations and dreams… Through the so-called 'primitive' use of bodywriting, through signs, through looks and pictures, another body, a new skin is arising. It is made of artistic modelling and visual play-abouts ; self-representation and veils ; presence and absence. This study is the exploration of a ritual which consists of taking written bodies into a creative process implying transformations, concealments, interlaced imaginations and body settings

Mon travail s'appuie sur l'expérience duale du corps humain, particulièrement le corps de la femme. Pour exprimer cette expérience corporelle, je me sers de la photographie et de la vidéo où je fais interagir les corps avec des objets sculpturaux que je nomme objets portables, du fait de leur rapport étroit avec le corps. Ces objets sont dérivés de bijoux, de prothèses médicales ou d'ornements et ont une fonction de médiation. Mon travail se nourrit des souvenirs du passé, pour lesquels j'ai recours à la mémoire et au rêve. Dans les images créées pour l'ensemble de mes projets s'établit une ambigüité temporelle, située entre une réactualisation du passé et une résurgence de souvenirs d'enfance.

Récemment, le problème de la compréhension de l’image a été l’objet de beaucoup d’attentions dans la littérature. La catégorisation de scène peut être vue comme un sous-ensemble de la compréhension d’image utilisée pour donner un contexte à la compréhension d’image ainsi qu’à la reconnaissance d’objet afin de faciliter ces tâches. Dans cette thèse, nous revisitons les idées classiques de la catégorisation des scènes à la lumière des approches modernes. Le modèle proposé s’inspire considérablement de la façon dont le système visuel humain comprend et perçoit son environnement. À cet égard, je soute qu’ajouter un niveau de classificateur extérieur – intérieur combiné à des caractéristiques globales et locales de scène permet d’atteindre une performance de pointe. Ainsi, un tel modèle requiert ces deux éléments afin de gérer une grande variété d’éclairage et points de vue ainsi que des objets occultés à l’intérieur des scènes. Le modèle que je propose est un cadre hiérarchique en deux étapes qui comprend un classificateur extérieur – intérieur à son stade initial et un modèle de scène contextuelle au stade final. Je monte ensuite que les fonctionnalités locales introduites, combinées aux caractéristiques globales, produisent des caractéristiques de scène plus stables. Par conséquent, les deux sont des ingrédients d’un modèle de scène. Les caractéristiques de texture des scène extérieures agissent comme caractéristique locale, tandis que leur apparence spatiale agit comme caractéristique globale. Dans les scènes d’intérieur, les caractéristiques locales capturent des informations détaillées sur les objets alors que les caractéristiques globales représentent l’arrière-plan et le contexte de la scène. Enfin, je confirme que le modèle présenté est capable de fournir des performances de pointe sur trois jeux de données de scène qui sont des standards de facto; 15 – Scene Category, 67 –Indoor Scenes, et SUN 397.
Recently the problem of image understanding has drawn lots of attention in the literature. Scene categorization can be seen as a subset of image understanding utilized to give context to image understanding also to object recognition in order to ease these tasks. In this thesis, I revisit the classical ideas, model driven approaches, in scene categorization in the light of modern approaches, data driven approaches. The proposed model is greatly inspired by human visual system in understanding and perceiving its environment. In this regard, I argue that adding a level of outdoor – indoor classifier combined with global and local scene features, would reach to the state-of-the-art performance. Thus, such a model requires both of these elements in order to handle wide variety of illumination and viewpoint as well as occluded objects within scenes. The proposed model is a two-stage hierarchical model which features an outdoor – indoor classifier at its initial stage and a contextual scene model at its final stage. I later show that the introduced local features combined with global features produce more stable scene features, hence both are essential components of a scene model. Texture-like characteristics of outdoor scenes act as local feature meanwhile their spatial appearance act as the global feature. In indoor scenes, local features capture detailed information on objects, while global features represent background and the context of the scene. Finally, I have confirmed that the presented model is capable of delivering state-of-the-art performance on 15 – Scene Category, 67 – Indoor Scenes, and SUN 397, three de-facto standard scene datasets

Notre but est de proposer un systeme qui permettre de retrouver la position et l'orientation d'une camera de prise de vue, a partir d'une seule photographie, connaissant par ailleurs un modele de la scene photographiee. Apres avoir propose un modele de scene et de stockage (dans une base de donnees relationnelle, en rapport avec les primitives que l'on a pu extraire de facon fiable dans les images (des segments de droites), nous etudions l'etape globale de mise en correspondance 2d-3d, c'est-a-dire celle qui consiste a guider et a limiter la recherche combinatoire des correspondances entre segments d'image et segments du modele. La methode developpee est fondee sur l'emploi d'un module de traitement geometrique, qui, a partir de correspondances donnees a priori entre segments, emet une hypothese de position et d'orientation de la camera de prise de vue. Nous decrivons de facon detaillee ce module, ainsi que les contraintes que son utilisation impose a un algorithme global. Ces contraintes nous ont d'ailleurs amenes a elaborer une methode originale, fondee sur l'extraction des points de fuite dans l'image, pour estimer la rotation entre repere de l'image et repere de la scene ainsi que les collections de segments d'image, projection de segments de la scene paralleles entre eux. Ces deux donnees permettent de reduire la complexite du probleme de mise en correspondance entre segments du modele et segments de l'image, et de conclure sur la faisabilite d'une methode entierement automatique

’apprentissage d’une langue étrangère ne se limite pas à l’accumulation de connaissances linguistiques, c’est aussi la découverte d’une civilisation étrangère. Les établissements d’enseignement supérieur consacrant peu d’heures aux langues étrangères, les manifestations hors-cursus à caractère culturel ou festif jouent, de ce fait, un rôle très important. Au cours de chaque année académique, le département des langues étrangères et de linguistique de l’Institut de la culture de Saint-Pétersbourg organise des événements culturels étudiants récurrents tels que l’« Examen-concert à la faculté des arts », le « Festival de l’amitié internationale, la « Soirée de la traduction poétique ». Au cours des deux premières manifestations, les participants montent sur scène et présentent au public un vrai spectacle de variétés en langues étrangères. Une part belle y est faite aux arts de la scène (théâtre, musique, chanson, danse), mais d’autres disciplines artistiques dont le cinéma, la poésie, la photographie sont aussi au rendez-vous. La soirée de la traduction poétique, plus intime, est un récital où sont présentés, traduits en russe, des poèmes et des chansons. Les étudiants qui apprennent le français comme première ou seconde langue et qui prennent part à ces manifestations s’initient à la culture et à la civilisation françaises. Au cours des années, ce procédé didactique s’est révélé très motivant. Les apprenants sont ainsi incités de manière stimulante à approfondir leurs connaissances et compétences linguistiques pour communiquer en français dans leur futur milieu professionnel.