Thèses : « Noirs – Au théâtre »

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Douxami, Christine. « Le théâtre noir brésilien : un processus militant d'affirmation de l'identité afro-brésilienne ». Paris, EHESS, 2001. http://www.theses.fr/2001EHES0045.

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Résumé :

L'affirmation d'un théâtre noir brésilien constitue une réponse militante et artistique de la part de membres du groupe ethnique afro-brésilien à la discrimination raciale émanant de l'ensemble de la société brésilienne. En effet, malgré l'idéologie dominante de la "démocratie raciale" qui postule l'égalité de tous indépendamment de l'origine ethnique des individus, il existe une hiérarchie socio-raciale réelle qui place le Blanc au sommet et le Noir et l'Indien en position subalterne. Dès 1944, des membres du mouvement noir naissant, dont Abdias Nascimento, virent dans le théâtre une forme de lutte à même de transformer politiquement, socialement, psychologiquement et esthétiquement la société brésilienne. Ils fondèrent le Teatro Experimental do Negro destiné à un public noir et blanc. Loin d'être un théâtre de la ségrégation, ce théâtre ethnique, tant des pionniers que de ceux qui les suivirent, prône, à quelques exceptions près, l'intégration et la concrétisation du mythe de la "démocratie raciale". Ce théâtre engagé permit l'apparition d'acteurs noirs sur la scène théatrale brésilienne, favorisa la création d'une dramaturgie noire dans laquelle le personnage afro-brésilien et sa culture formèrent les figures centrales des pièces et affirma sa propre esthétique fondée sur un triptyque "danse-théâtre-musique". L'étude de cette véritable ritualisation de l'identité afro-brésilienne, permet donc de mieux comprendre la complexe situation des descendants d'esclaves africains dans cette nation effectivement multiraciale qu'est le Brésil.

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Chalaye, Sylvie. « Du noir au nègre à travers le théâtre français (1550-1960) : l'image du Noir de Marguerite de Navarre à Jean Genet ». Paris 3, 1995. http://www.theses.fr/1996PA030053.

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Résumé :

Cette recherche se propose d'analyser l'image du noir, en france, au theatre, dans le regard du blanc, de la renaissance au vingtieme siecle, et plus precisement des permieres representations du roi mage noir aux tentatives theatrales de destruction du personnage de negre a la veille des independances. Il s'agit d'envisager le noir comme personnage dramatique, mais surtout de comprendre a travers le theatre comment se sont fabriques les cliches et les stereotypes qui sont a l'origine du negre. Alors qu'il n'est encore qu'une vague couleur a la renaissance, le noir s'est recouvert d'une coque de prejuges qui l'ont peu a peu enferme dans l'image du negre, ce sont les stratifications successives de ces concretions ideologiques et culturelles que nous tentons d'analyser. Le theatre est donc ici avant tout envisage comme un phenomene de societe et l'enquete fait largement intervenir la presse afin de mesurer l'evolution des mentalites et de degager une histoire de la reception du noir au theatre. L'approche se veut chronologique et met en oeuvre l'environnement politique et economique dans lequel s'inscrivent les pieces et spectacles envisages. Etroitement liees au contexte politique, les representations du negre ont ete tout aussi bien objets de censure qu'instruments de propagande. D'autre part cette histoire de l'image du noir au theatre se veut regulierement eclairee par une etude de l'iconographie et en particulier des representations de noirs que l'on peut trouver dans la peinture. Car les recherches esthetiques des peintres, comme les influences ideologiques qu'ils subissent, rencontrent assez souvent celles des dramaturges
This research aims to analyze the image of the black man in french drama, as seen by whites, from the renaissances to the twentieth century, and in particular from the first representations of the black magus to theatrical attempts to destroy the "nigger" character on the eve of decolonization. We intend to consider the black man as dramatic character. Above all, however, by studying the theater, we strive to understand how cliches and stereotypes from which the "nigger" originated were formed. Whilst the black man was only a vague color during the renaissance, he was enveloped in a shell of prejudice which gradually locked him into the image of the "nigger"; we attempt to analyze these successive strata of ideological and cultural concretions. The theater is consequently primarily considered here as reflection of society and the survey makes ample use of the press to assess the changes in mentalities and to draw a history of how the public reacted to the black man in drama. The study is presented in chronological order and implements the political and economic environment within which the plays and shows under consideration lie. Closely linked to the political context, representations of the "nigger" were both objets of censorship and instrumental in propaganda. This history of the image of the image of the black man in theater is also regularly clarified by means of a study of the iconography and in particular of representations of blacks in art, as artist' aesthetic research, as well as the ideological influence they undergo, are often at one with those of playwrights

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Diallo, Ibrahim Hamza. « Les rémanences mélodramatiques du personnage noir dans les littératures francophones d’Afrique subsaharienne du XXe siècle ». Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030028.

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Résumé :

Avec Sélico, ou les nègres généreux (1793), Pixérécourt, qui est considéré comme le premier mélodramaturge français, place une représentation inédite du personnage noir au cœur d’un genre théâtral nouveau. Dès le début du XXe siècle, avec la création des premières écoles coloniales, la formation des premiers écrivains noirs et l’émergence de l’africanisme, le genre mélodramatique apparaît comme l’ingrédient indispensable du développement d’une littérature africaine. Le mélodrame trouve un nouveau souffle sur un autre continent, à travers cette rémanence du personnage mélodramatique noir dans les littératures subsahariennes. La première étape de notre recherche interroge cette association d’une forme théâtrale et de la représentation de l’Afrique d’un point de vue géocritique. Considéré tantôt comme édénique tantôt comme périlleux, le continent africain favorise l’apparition de situations conflictuelles qui alimentent le mélodramatique. Dans la deuxième phase, le statut du personnage noir mélodramatique est examiné. Sa perception suit la dichotomie constatée à propos du milieu africain : elle est partagée entre compassion et rejet. Le riche foisonnement des protagonistes de couleur dans les littératures mélodramatiques française et africaine fait du mélodrame un genre théâtral engagé. Le troisième temps de notre réflexion a porté sur les fonctions politiques, sociales et éthiques d’un mélodrame qui cherche à prendre toute sa place dans un monde en désarroi
With Sélico, ou les nègres généreux (1793), Pixerécourt, who is considered the first French melodrama playwright, places an original representation of the black character at the heart of a new theatrical genre. From the beginning of the 20th century, with the creation of the first colonial schools, the training of the first black writers and the emergence of Africanism, the melodramatic genre appears as the essential ingredient for the development of an African literature. Melodrama finds new life on another continent, through this persistence of the black melodramatic character in sub-Saharan literatures.The first stage of my research questions this association of a theatrical form and the representation of Africa from a geo-critical point of view. Considered sometimes as Eden-like, sometimes as perilous, the African continent favours the appearance of conflicting situations which fuel melodrama.In the second phase, the status of the melodramatic black character is examined. His perception follows the dichotomy noted about the African environment: it is divided between compassion and rejection.The rich abundance of coloured protagonists in French and African melodramatic literatures makes melodrama a committed theatrical genre. The third step of my reflection focused on the political, social and ethical functions of a melodrama that seeks to take its place in a world in disarray
مع Sélico ، ou les nègres généreux (1793) ، يضع Pixerécourt " سيليكو , أو الزنوج الكرماء " بيكسركورت الذي يعتبر أول كاتب مسرحي ميلودرامي فرنسي يمثل تمثيلًا حقيقياً الشخصية السوداء في قلب النوع المسرحي الجديد - منذ بداية القرن العشرين مع بداية إنشاء المدارس الاستعمارية الأولى وتدريب الكتاب السود الأوائل وظهور النزعة الأفريقية ظهر النوع الميلودرامي كمكون أساسي لتطوير الأدب الأفريقي لتجد الميلودراما حياة جديدة في قارة أخرى من خلال استمرار الطابع الميلودرامي الأسود في آداب أفريقيا جنوب الصحراء -تتساءل المرحلة الأولى من بحثي عن هذا الارتباط بالشكل المسرحي وتمثيل إفريقيا في هذا الشكل المسرحي من وجهة نظر جيو-نقدية. تعتبر القارة الأفريقية أحيانًا شبيهة بجنةعدن ، وأحيانًا محفوفة بالمخاطر ، وتفضل هذه الدراسة إظهارالمواقف المتضاربة التي تغذي الميلودراما -في المرحلة الثانية من الدراسة يتم فحص حالةالشخصيةالسوداءالميلودرامية تتبع الدراسة في هذه المرحلة تصور الشخصية السوداء للإنقسام الملحوظ بالبيئة الأفريقية فهي منقسمة في مواقفها بين التعاطف والرفض. توفُّر الأبطال الملونين في الأدب الميلودرامي الفرنسي والأفريقي يجعل الميلودراما نوعًا مسرحيًا ملتزمًا بمواصفات هذا النوع الأدبي - ركزت الخطوة الثالثة من الدراسة على الوظائف السياسية والاجتماعية والأخلاقية لميلودراما تسعى إلى أخذ مكانها في عالم تسوده الفوضى -

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Tchamitchian, Raphaëlle. « Dramaturgie / jazz. Le théâtre de Suzan-Lori Parks ˸ poétique et expérience créatrice ». Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030038.

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Résumé :

Cette thèse en Études Théâtrales vise à théoriser la tension « dramaturgie / jazz » à travers l’œuvre de l’autrice dramatique africaine américaine Suzan-Lori Parks. Née en 1963, Suzan-Lori Parks est aussi célèbre aux États-Unis qu’elle est inconnue en France. Traversé par la mémoire de l’esclavage et de la traite négrière, son théâtre dé(re)configure l’Histoire pour inverser le point de vue dominant, fabriquer un nouveau récit et apporter réparation aux vivants et aux morts. Aborder son écriture au prisme du jazz, c’est inclure dans l’espace de la réflexion la « double conscience » constitutive de sa poétique, et les enjeux anthropologiques, historiques et politiques qui y sont associés.Dans son théâtre, le jazz n’est pas seulement une présence musicale, mais une vision du monde, un complexe de conduites poétiques et une présence organique qui met l’écriture en mouvement de l’intérieur. De cette présence/absence paradoxale émerge non pas un modèle mais un ensemble de lignes de fuite. Instruites par le jazz, la liquidité et la fugitivité apparaissent comme les éléments clefs d’une poétique de la variabilité. Cette poétique est tributaire de l’expérience créatrice de l’autrice, laquelle donne en retour naissance à une expérience créatrice chez le spectateur. In fine, il s’agit de comprendre la manière dont le jazz affecte le théâtre au point de produire un autre type de théâtre
This dissertation in Theatre Studies aims to theorize the tension between “drama / jazz” through the works of African American playwright Suzan-Lori Parks. Born in 1963, Suzan- Lori Parks is as famous in the United States as she is little known in France. Informed by the memory of slavery and the African slave trade, her theatre dis(re)members History to reverse the dominant discourse, make a new story and provide reparation to the living and the dead. By approaching her writing through jazz, we take into account the “double consciousness” that is constitutive of her poetics, and the anthropological, historical and political issues it raises. In her theatre, jazz is not only a form of music, but also a way of looking at the world, a cluster of poetic conduits and an organic presence that sets the writing in motion from within. From this paradoxical presence/absence what emerges is not a model but instead a group of converging lines of flight. Liquidity and fugitivity appear to be key jazz-shaped elements of a poetics of mutability. This poetics is linked to the creative experience of the playwright, which in turn gives birth to a creative experience for the spectator during performance. In short, the task is to understand the ways jazz affects theatre to the point of producing a new kind of theatre

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Machado, Edilaine Ricardo. « Negritude e formação teatral : vozes mulheres na cena de Porto Alegre - Brasil ». reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2017. http://hdl.handle.net/10183/168803.

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Résumé :

Cette dissertation traite de la manière selon laquelle les actrices noires se constituent ellesmêmes à partir de la formation théâtrale et de l’exercice professionnel au théâtre. À partir du témoignagne de cinq actrices noires, de Porto Alegre au Brésil, ce travail aborde le discours du blanchiment, engendré par le projet colonisateur comme moyen de subjectivisation qui agit fréquemment sur les femmes noires. Il démontre l’occurence de pratiques sociales qui révèlent l’influence d’un tel discours sur les corps des actrices et sur la manière dont elles se conduisent dans le monde. Il examine la reproduction de stéréotypes rapportés à l’image des femmes noires dans la dramaturgie en tant que vestiges du discours du blanchiment dans ces domaines, qui font obstacle au développement professionnel des actrices noires. Il établit une relation entre les éléments abordés par la formation théâtrale et par les pratiques théâtrales contemporaines et les études de Michel Foucault, à la lumière du concept d’attention à soi et d’une pratique ascétique à lui associée, l’écriture de soi. Grâce à cette relation, cette recherche présente des alternatives pour l’élaboration de la subjectivité des actrices noires comme résistance aux processus de blanchiment, montrant la formation comme possibilité de dire de soi au théâtre.
A dissertação trata sobre o modo como mulheres atrizes negras constituem a si mesmas a partir da formação teatral e do exercício profissional em teatro. A partir do depoimento de cinco atrizes negras de Porto Alegre, Brasil, o trabalho aborda o discurso do embranquecimento, engendrado pelo projeto colonizador como modo de subjetivação que frequentemente atua sobre as mulheres negras. Em um diálogo com questões apontadas pelo feminismo negro, demonstra a ocorrência de práticas sociais que revelam a influência de tal discurso sobre os corpos das atrizes e sobre a forma como elas se conduzem no mundo. Examina a reprodução de estereótipos relacionados à imagem das mulheres negras na dramaturgia como rastros do discurso do embranquecimento nessas áreas, que obstaculizam o desenvolvimento profissional das atrizes negras. Relaciona os elementos abordados pela formação teatral e pelas práticas teatrais contemporâneas com os estudos de Michel Foucault, à luz do conceito de cuidado de si e de uma prática ascética associada a ele, a escrita de si. Por meio dessa relação, a pesquisa apresenta alternativas para a elaboração da subjetividade das atrizes negras como resistência aos processos de embranquecimento, mostrando a formação como possibilidade de dizer de si no teatro.

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Bel, Agathe. « La poétique de la truculence dans les théâtres contemporains des diasporas afro-descendantes en France, au Brésil et aux Etats-Unis : Koffi Kwahulé, Marcio Meirelles, Suzan-Lori Parks ». Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030135.

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Résumé :

Les théâtres afro-descendants contemporains de France, du Brésil et des États-Unis partagent des enjeux esthétiques qui participent d'une poétique commune : la truculence. Les dramaturgies de Koffi Kwahulé, de Suzan-Lori Parks et de Marcio Meirelles (Bando de Teatro Olodum) permettent tout particulièrement de poser les jalons esthétiques et philosophiques de cette poétique contemporaine des corps. La traversée, l'excès (esthétique de la subversion : grotesque, carnavalesque), le salut (philosophie du marronnage) et le bouillonnement (la vibration-jazz qui en résulte), les quatre sèmes qui définissent la truculence, structurent cette poétique qui met en jeu les relations humaines et les mécanismes de domination en interrogeant profondément les violences associées au corps diasporique et contemporain. La poétique de la truculence représente une nouvelle catégorie esthétique de l'altérité se faisant opérateur anthropologique de la conscience diasporique à l'oeuvre
Contemporary afro-descendant theater plays in France, Brazil and in the US all share the same aesthetic stakes which are part of a common poetics: the truculence. The plays by Koffi Kwahulé, Suzan-Lori Parks and Marcio Meirelles (Bando de Teatro Olodum) make it possible to set the aesthetic and philosophical milestones of this poetics of the contemporary bodies. The crossing, the excess (aesthetic of subversion: grotesque, carnival), the salvation (philosophy of the marronnage) and the boilover (with the jazz-vibration which derives thereof), these four semes which define the truculence, give its shape to this poetics. So as to give way to human relationships and domination mechanisms while deeply questioning the violence associated with the contemporary and diasporic body. The poetics of truculence stands as a new aesthetic category of otherness, set as an anthropological operator of the diasporic consciousness at work
Os teatros afro-descendentes contemporâneos da França, do Brasil e dos Estados Unidos possuem implicações estéticas que participam de uma poética comum : a truculência. As dramaturgias de Koffi Kwahulé, de Suzan-Lori Parks et de Marcio Meirelles (Bando de Teatro Olodum) permitem, em particular, ancorar as bases estéticas e filosóficas desta poética contemporânea do corpo. A travessia, o excesso (estética da subversão : grotesco, carnavalesco), a salavação (filosofia do marronnage) e a efervescência (a vibração-jazz resultante), os quatro semas que definem a truculência, estruturam esta poética que põe em xeque as relações humanas e os mecanismos de dominação, interrogando profundamente as violências associadas ao corpo diaspórico e contemporâneo. A poética da truculência representa uma nova categoria de alteridade, ao se constituir enquanto operador antropológico da consciência diaspórica em obra

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Darriet-Féréol, Virginie. « Théâtre et identité dans le monde noir : dans les oeuvres "La tragédie du roi Christophe" et "Une tempête" d'Aimé Césaire, "Antoine m'a vendu son destin" "Moi, veuve de l'empire" de Sony Labou Tansi, "Dutchman" et "The slave" de LeRoi Jones/Amiri Baraka ». Bordeaux 3, 2006. http://www.theses.fr/2006BOR30040.

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Résumé :

Le XXe siècle a été marquée par la révolte de la diaspora noire - aux Antilles, aux Etats-Unis et en Afrique - tant sur le plan politique, contre la colonisation ou la ségrégation, que sur le plan artistique. Aimé Césaire, LeRoi Jones/Amiri Baraka et Sony Labou Tansi ont cherché à créer une esthétique littéraire propre à leur communauté respective leur permettant d'exprimer leurs émotions personnelles et celles de leurs contemporains pour toucher leur public. Le théâtre a offert aux trois écrivains le meilleur moyen d'atteindre la masse populaire car il combine communications écrite et orale. La Tragédie du roi Christophe et Une Tempête d'Aimé Césaire, Antoine m'a vendu son destin, Moi, Veuve de l'Empire et La Résurrection rouge et blanche de Roméo et Juliette de Sony Labou Tansi ainsi que Dutchman et The Slave d'Amiri Baraka sont des pièces mettant en scène la révolte d'un personnage contre une société qui le domine et, par conséquent rappellent la vie des auteurs et leurs combats politiques. Ils ont dénoncé les dangers de la solitude qui enferme le héros dans une lutte incomprise par le peuple. Ils ont utilisé leur connaissance de la pédagogie pour faire évoluer leur société et abolir l'individualisme source de dictature et de conflits ethniques. Les dramaturges ont voulu valoriser la maîtrise du verbe en soulignant les limites du recours à la violence physique et en mettant en avant leur démarche qui, de l'intérêt pour les problèmes politiques de leur groupe en particulier mais aussi de l'homme général, les a entraînés vers l'écriture. Les trois auteurs engagés sur les scènes politique et artistique ont souhaité affirmer l'identité de leur communauté en créant une écriture particulière et un langage différent de celui inculqué par le monde impérialiste. Ils ont développé une idéologie adaptée à leur peuple et utilisé des thèmes universels dans leurs œuvres afin de regrouper les différents groupes de la diaspora pour créer une nouvelle force sur l'échiquier mondial
Twenties century has been marked by the revolt of the black diaspora - in the Caribbean, in the United States and in Africa – as well as political level, against colonization or segregation, at artistic level. Aimé Césaire, LeRoi Jones/Amiri Baraka and Sony Labou Tansi try to create a literatry aesthetic corresponding to their respective community permiting them to express their personal feeling and these of their contemporary to affect their audience. Theater offeres the three writers the best way to reach the popular mass because it links written and oral communications. Aimé Césaire's La Tragédie du roi Christophe and Une Tempête, Sony Labou Tansi's Antoine m'a vendu son destin, Moi, Veuve de l'Empire, and La Résurrection rouge et blanche de Roméo et Juliette as well as Amiri Baraka's Dutchman and The Slave put on stage the revolt of a character against society which dominates him and therefore is reminiscent of the authors' life and their political fights. They denounce the loneliness and the dangers which trap the hero in a struggle misunderstood by the people. They use their knowledge of teaching skills to make their society advance and abolish individualism root of tyranny and ethnic conflicts. The dramatists aim at enhancing the mastery of the verb by underlining limits of the use of physical violence and by putting forward their processes. It carries them away from the interest in the political issues of their group in particular but also of man in general, to writing. The three authors involving on politic and artistic stages wishe to assert the identity of their community by creing a distinctive writing and a langage different from those taught in the imperialist world. They develop an ideology fit to their people and use universal themes in their works to reassemble the different groups of the diaspora to create a new force on the scene of world affairs

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Lamko, Koulsy. « Emergence difficile d'un théâtre de la participation en Afrique Noire francophone ». Limoges, 2003. http://aurore.unilim.fr/theses/nxfile/default/1c171692-0aa1-423b-b881-d0f3a5068eec/blobholder:0/2003LIMO2002.pdf.

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Résumé :

L'objet de cette étude est de mettre en lumière, par le biais d'une analyse comparative, les idées-force récurrentes dans différentes expériences théâtrales menées en Afrique Noire francophone, notamment le concept-party, le théâtre-rituel, le théâtre pour le développement, le kotéba thérapeutique. Ces idées-force permettent de souligner l'émergence du théâtre de la participation ; mais également de montrer les difficultés de contextualisation que rencontre l'émergence d'une esthétique en situation d'interculturalité.

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Horeau, Thomas. « Le jazz et la scène : l'expression jazzistique à l'aune de la théâtralité ». Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080040/document.

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Résumé :

Ce travail appréhende la théâtralité du jazz au moyen des instruments de l’analyse scénique et dramaturgique. Trois approches sont ici articulées. La première consiste à mettre en évidence la conception symbiotique de l’art qui a présidé à la genèse du genre. Issues d’un paradigme culturel étranger au principe d’autonomie esthétique et à la séparation catégorielle des beaux-arts, les pratiques performatives afro-américaines du temps de l’esclavage n’opèrent pas de distinction entre la sphère artistique et les préoccupations sociales, pas plus qu’elles ne dissocient les différentes modalités de l’expression poétique. Intrinsèquement théâtrales et résolument ancrées dans la réalité populaire, les scènes de la préhistoire du jazz préfigurent les développements d’un art qui n’eut de cesse de déjouer les représentations dominantes pour se légitimer. La seconde approche insiste sur la fonction réflexive des manifestations scéniques du jazz et notamment sur leur capacité à rendre compte des rapports de force qui structurent le champ social. Notre analyse retrace la manière dont le processus de légitimation s’est accordé avec une spécialisation de l’expression jazzistique en un genre musical. Dans l’approche dramaturgique qui clôt notre recherche, la performance apparaît comme une pratique ludique où s’invente un discours collectif dans une dynamique relevant à la fois de l’agonistique et de la coopération. Un tel jeu implique une tentative de dépassement de soi et du médium musical qui confine au tragique. À travers ces perspectives, notre thèse rend compte de la parenté qui unit ces deux arts en même temps qu’elle entend contribuer aux réflexions sur leurs récentes mutations
This thesis captures the theatricality of jazz through the instruments of the scenic and dramaturgical analysis. Three approaches are articulated here. The first is to highlight the symbiotic conception of the art, which led to the genesis of the genre. Stemming from a different cultural paradigm with the principle of aesthetic autonomy and a categorical separation of Fine Arts, the Afro-American performance practices back to the slavery days does not distinguish between artistic sphere and social concerns, nor do they separate different forms of poetic expression. Inherently theatrical and firmly rooted in the popular reality, the scenes preceding the jazz history foreshadow the evolution of an art that never ceased to thwart the dominant representations to legitimize itself. The second approach emphasizes the reflective function of scenic jazz performances including their capacity to reflect power relations structuring the social sphere. Our analysis tracks how the process of legitimation went along with a specialization in jazz expression shaping a musical genre. In the dramaturgical approach to the phenomenon that closes our research, performances seems like a fun practice leading to a collective discourse and a dynamic that shows as much agonistic as cooperative. This kind of play implies an attempt to transcendent oneself and the musical medium that verges on the tragic. Through these intersected perspectives, our thesis reflects the deep relationship that unites these two performing arts at the same time it intends to contribute to the discussions on its recent changes

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Suriam, Suzie. « Place et fonction du conte et de l'épopée dans le théâtre contemporain d'Afrique noire francophone ». Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1999. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk1/tape9/PQDD_0021/NQ47646.pdf.

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TOURE, JEAN MARIE. « Theatre et liberte en afrique noire francophone de 1930 a 1985 ». Cergy-Pontoise, 1997. http://www.theses.fr/1997CERG0025.

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Ma these :theatre et liberte en afrique noire francophone de 1930-1985 a 6 chapitres. Le 1er porte 1) sur la liberte au service du theatre qui s'est exprimee en europe par la revolution romantique et le nouveau theatre, en afrique par le theatre-ballet ,de participation, de recherche et le koteba 2) sur le theatre comme moyen pour denoncer une dictature 3) sur le theatre ideologique donc censurable par un regime meme liberal. Le 2eme porte sur les conquetes sociales (suppression du travail force ; du code de l'indigenat) - economiques (f. I. D. E. S pour le developpement de s t. O. M) -politiques (libertes d'association citoyennete francaise, assemblees des t. O. M , r. D. A) des deputes africains au parlement francais. Ainsi en 1960 ,les independances et en 1985 , la democratie avec des rates ici ou la. Le 3eme : le theatre et le combat pour l'emancipation sociale , culturelle et politique des africains au titre de la periode coloniale traite de la satire des moeurs-sociales. Le 4eme : le theatre des independances et le combat pour la liberte de 1958-1985 prend en compte 1) la creation theatrale de la guinee sous la 1ere et la 2eme republique 2) la creation theatrale d'autres pays d'afrique noire francophone qui traite de la satire des moeurs sociales et politiques des independances et de la rehabilitation des heros de la resistance a la colonisation. Le 5eme porte sur la production de cesaire en rapport avec les preoccupations de l'afrique et des auteurs de l'exil sud-sud (s koly et w. Liking) et sud-nord (a. T. Cisse, b. Sangare, t. E. A. Bisikisi). Le 6eme rend compte du theatreet de la liberte des dramaturges au plan economique, politique et esthetique. Les festivals en et hors de l'afrique et le concours theatral de r. F. I. Contribuent a l'elargissement de l'espace culturel francophone.

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Pradère-Ascione, Clémentine. « La fantaisie noire dans la fiction en prose de Boris Vian (Romans, nouvelles, pièce de théâtre) ». Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA076.

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Résumé :

L’œuvre littéraire de Boris Vian interpelle par la diversité des émotions qu’elle suscite. Elle est pourtant restée longtemps méconnue, masquée par les talents protéiformes de son auteur. Boris Vian, dont la majorité des textes ont été publiés à titre posthume, fut perçu comme un touche-à-tout avant d’être véritablement reconnu comme écrivain, pour finalement entrer dans l’édition de la Pléiade en 2010, cinquante et un an après sa mort. Le premier réflexe est de faire appel à la notion de fantaisie pour analyser son œuvre. Le monde fictionnel qu’il crée est un univers fantaisiste où triomphent imaginaire et inventivité. Pourtant, des univers contradictoires s’entremêlent : féerie et cruauté, légèreté et inquiétude, désinvolture et gravité, imaginaire et réalité. En nous appuyant uniquement sur les textes de fiction en prose (romans, nouvelles et pièces de théâtre), nous nous sommes donc interrogés sur la légitimité de la notion de fantaisie. Son évidence apparente résiste-t-elle à un examen plus poussé ? Ce questionnement nous a conduits à élaborer la notion de « fantaisie noire ». Tantôt féerique, invraisemblable, langagière, comique ou parodique, la fantaisie se heurte à l’intériorité des personnages et à un sentiment d’inquiétude qui contamine les êtres et les choses. La fantaisie cède le pas à la noirceur d’un monde étouffant où le fantasme se révèle dans toute sa puissance. Le retour à la fantaisie n’est alors possible que par des effets de distanciation comiques et une inventivité langagière qui contribue à laisser l’œuvre ouverte
Boris Vian's literary work calls to mind by the feelings it arouses. For a long time it nevertheless remained unknown concealed by its author's protean talents. Boris Vian, whose texts were mostly published posthumously, wasn't at the beginning seen as a writer to finally get in the Pléiade in 2010, 51 years after his death. To analyse his work it appears natural to consider the idea of fantasy. The fictional world he created remains a fantasist one where imagination and inventiveness prevail. Yet, opposing worlds get mixed up: fairy and cruelty, casualness and anxiety, indifference and seriousness, fantasy and reality. Considering only the fictional texts in prose (novels, short stories and plays) we questionned the legitimity of the fantasy notion. Does its obviousness withstand a further analysis? This questioning drove us to the idea of 'fantaisie noire'. Sometimes magical, incredible, linguistic, comical or parodic, the fantasy collides with the inwardness of the characters and with an anxiety that contaminates both beings and objects. The fantasy defers to an oppresive world where the dream reveals itself in all its power. The come back to fantasy is then only possible by comical detachments and a linguistic inventiveness that contributes to let the work opened

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Duvillier, Marc. « The Mask [1908-1929] de Edward Gordon Craig : « un rêve mis noir sur blanc » ». Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030145.

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Résumé :

The Mask (1908-1929, Florence, Italie, 15 volumes) : le nom seul de ce journal exclusivement dédié à l’Art du Théâtre officia en son temps comme un « mot de passe » auprès des défenseurs de la scène moderne en Europe. Cette thèse, la première en France à être consacrée à cette revue, est une recherche historique enrichie de nombreux documents inédits du fonds Craig du Département des Arts du Spectacle de la BnF. The Mask fut la performance permanente de Craig : tout en même temps le lieu de la théorie, d’une Histoire du Théâtre et un lieu d’expérimentation visuel. Son habileté fut de doter précisément cette revue des qualités d’un laboratoire lui permettant de créer et d’exprimer ses idées sur l’Art du Théâtre. L’aspect physique et concret du périodique lui fournissait une permanence qu’une représentation théâtrale ne pourrait pas lui donner. Dans ce sens ce périodique pourrait être ce substitut du théâtre qu’il ne posséda jamais au sein de la réalité, et le lieu préservé d’un héritage, en vue du théâtre du futur
The Mask (1908-1929, Florence, Italy, 15 volumes) : in its time, the very name of this newspaper exclusively dedicated to the theatrical Art played the part of a « passeword » among promoters of modern theatre in Europe. This doctoral thesis, the first to be consecrate to this review in France, is an historical research enriched by a lot of documents from the Craig archives of the Departement des Arts du Spectacle, BnF. By the study of this review, we search to understand better Craig’s personality and his conception of the artist. The Mask was Craig’s permanent performance : at once a place for theory, for a history of drama and a place of visual experimentation. He had the talent to endow this review with the very characteristics of a laboratory allowing him to create and express his ideas on Theatrical Art. The actual and physical aspect of the periodical provided a permanence that theatrical performances did not possess. In this way this periodical could be seen as a substitute for the theatre house he never actually owned and a repository for a heritage to be saved in order to create the theatre of the future

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Gbouablé, Edwige. « Des écritures de la violence dans les dramaturgies contemporaines d'Afrique noire francophone (1930-2005) ». Phd thesis, Université Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00199210.

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Résumé :

La violence traverse la production théâtrale d'Afrique noire francophone depuis ses origines. Elle y est sujette à des mutations thématiques et esthétiques qui font évoluer sa nature d'une époque à une autre. On est ainsi passé du vase clos des théâtres de la violence assimilatrice où la forme constituait un moyen d'assujettissement à une écriture éclatée de la violence dans les oeuvres contemporaines. Elle apparaît dans le théâtre de William Ponty (1930) sous forme de conflit culturel tiré des moeurs africaines. Devenue politique, la violence des années 70 embarque les catégories dramaturgiques dans l'affrontement colons/colonisés. Avec le théâtre de 1980, la violence, toujours politique, prend une autre configuration marquée par une tentative de rupture d'avec les canons classiques. L'association du burlesque au tragique, le court-circuit de la langue française, le dialogue entre tradition et modernité à travers une écriture endogène sont autant de réalités caractérisant l'expression des conflits du désenchantement. Dans la majorité des pièces d'après 1990, en revanche, les conflits revêtent une image plurielle qui convoque le monde et des modes d'expression distincts. C'est une écriture hybride dans laquelle la violence est portée par une désarticulation des catégories dramatiques et du sens pouvant en ressortir. De cette écriture dynamique de la violence, résulte un déplacement des enjeux théâtraux dans la mesure où les drames africains aujourd'hui se débarrassent des relents nationalistes pour épouser les réalités du monde. Aussi, l'ouverture des théâtres contemporains suscite-t-elle une diversité de formes dont la complexité remet en question la notion d'africanité.

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Niossobantou, Dominique. « Le Théâtre congolais : critique et prospective ». Paris 3, 1987. http://www.theses.fr/1987PA030045.

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Résumé :

Notre etude consacree a la critique et a la prospective du theatre congolais contemporain, se preoccupe de donner une image a la fois panoramique et predictive, en s'interrogeant sur ce qui existe, sur ce qui est fait et sur ce qui pourrait etre fait. Grace a l'exploitation interne de douze pieces appartenant a neuf auteurs parmi les plus celebres et les plus representatifs, la premiere partie s'efforce de decrypter ce theatre moderne de langue francaise et aborde les questions relatives a l'aspect socio-historique, thematique, specifique. La deuxieme partie constitue quant a elle une recherche et une experimentation pedagogique d'une approche dramaturgique expurgee de la tendance a la description sociale, mais tournee vers la semiologie qui s'interesse a l'espace, au temps, aux personnages, au referentiel, aux objets. . . La troisieme partie, theorique et previsionnelle, mettant en exergue le souci de ramener le theatre vers le peuple, s'efforce de preconiser une esthetique nouvelle, appropriee et debarrassee de toute coloration pastiche, en exploitant certains phenomenes et certaines formes theatrales, peut-etre encore embryonnaires, mais plus authentiques et plus populaires
Our study devoted to the criticiom and prospective of the congolese contemporany theater is concerned with giving a panoramic and predictive view as well, in questioning onself about what is already found and done, and could be done. Thanks to the internal exploitation of twelve plays belonging to nine authors among the most famous and most representative ones, the first part tries to decipher this modern theater of french language, and starts on questions relating to the specific, thematic, socio-historical aspect. The second part concerns a pedagogical research and experimentation of a dramatic approach taken out from the tendency to the social description, but turned towards the semiology which is concerned with space, time, characters, system of reference, objects. . . The third part, based theory and prevision, brings out its concern to restore theater to the people, and tries to advocate a new aesthetics, suited and rid of any pastiche colouring by exploiting certain phenomena and certain theatrical forms, perhaps even in an embryonic state, but more authentic and more popular

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Menezes, De Andrade Ângela Maria. « Flux et reflux du théâtre et de la danse sur l'Atlantique noir : la gestion et l'organisation des échanges internationaux de théâtre et de danse dans trois villes portuaires : Lisbonne, Salvador et Nantes ». Paris 10, 2001. http://www.theses.fr/2001PA100210.

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Résumé :

La gestion et l'organisation des échanges internationaux dans le domaine du théâtre et de la danse dans trois villes portuaires - Salvador, Lisbonne et Nantes - constituent le sujet central de cette thèse. Anciens ports d'esclavage, leur point commun, elles mènent sur les traces de l'Afrique et de ses croisements avec leurs univers artistico-culturels, en traçant le `flux et reflux des arts de la scène sur l'Atlantique Noir" dans la contemporanéité. Une enquête réalisée auprès de plus de 81 artistes, producteurs et responsables d'organismes culturels, publics et privés, a permis d'identifier les liaisons culturelles construites au travers des arts de la scène, entre ces villes et d'elles à d'autres villes du monde, et de mettre en relief les créations et projets de théâtre et de danse inspirés par l'univers africain. En tenant compte des différences conséquentes de l'organisation politicoadministrative, de la concentration démographique, de la dimension géographique et de la conjoncture géopolitique entre Lisbonne, Salvador et Nantes (Chapitre I), dans chacune de ces villes, la politique culturelle menée à un niveau administratif distinct s'est dégagée - l'État Central au Portugal, l'État Fédéral au Brésil et la Commune en France. Un aspect particulier dans l'analyse de chaque ville s'est imposé aussi à partir de l'observation des différents éléments fondateurs pour les systèmes politico-culturels - les structures sociales, les codes culturels et les dynamiques historiques. À Salvador, le code culturel a été choisi en tant qu'élément déterminant, grâce à la force particulière de la formation culturelle de son peuple métis (Chapitre II); les facteurs économiques ont été la priorité tout au long de l'étude sur Nantes, car ils indiquent un moment de pleine croissance, qui suscite l'attrait de nouveaux acteurs économiques (Chapitre III); la dynamique historique a été prise comme facteur fondamental pour comprendre l'actuelle organisation du système culturel de la capitale portugaise, en raison de l'important et récent processus de démocratisation vécu par ce pays après quarante-huit ans d'obscurantisme (Chapitre IV). Sur la perspective de "regard croisé", une analyse comparative des systèmes d'échanges internationaux pour les arts de la scène dans les trois villes, au plan artistique, économique et organisationnel a mis en relief le cadre plus précis de la réalité (Chapitre V)
The management and organization of international exchange programs of theatre and dance in three ports : Lisbon, Salvador and Nantes forms the core theme of this thesis. The link between these three cities is the history they share as slave ports and I therefore endeavored to find elements that revealed the presence of Africa in their current artistic and cultural universes, thus weaving the contemporary picture that is « the tides of performing arts across the black Atlantic ». In a research carried out among 81 artists, producers and directors of both public and private cultural agencies, I attempted to identify the cultural links between these three cities that were developed through perfoming arts, as well as between these cities and others all over the world, forever highlighting the creativity and the theatre and dance projects inspired by the african universe. Considering the important organizational differences on political and administrative levels, the distinct demographic concentration of each and the geopolitical reality that distinguish Lisbon, Salvador and Nantes (Chapter I), I had opportunity of examining the cultural policy managed by different levels of gouvernment – the central gouvernment in Portugal, the federal state in Brazil and the municipal authorities in France. Furthermore, I could focus on elements other than those which give form and meaning to the power structure of the political and cultural systems, such as social structures, cultural codes and historical dynamics, underlining a distinct aspect of each city. In Salvador, the cultural code was chosen as the decisive element, specially due to the cultural vigor of its mestizo population (Chapter II). Economic factors were prioritized throughout the study on Nantes as they ndicate a moment of growth that is in full swing, attracting new economic factors to the city (Chapter III). Meanwhile historical dynamics was seen as the fundamental factor to the comprehension of the current organization of the cultural system in the portugese capital, as a consequence of the recent democratization of the country after forty-eight years of obscurantism (Chapter IV). Finally, regarding the perspective of a « cross study », I compaerd the systems of international exchange programs within the scope of performing arts in the three cities, by analysing artsitic, economic and organizational factors (Chapter V)

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Gbouablé, Edwige. « Des écritures de la violence dans les dramaturgies contemporaines d’Afrique noire francophone (1930-2005) ». Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00199210/fr/.

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Résumé :

La violence traverse la production théâtrale d’Afrique noire francophone depuis ses origines. Elle y est sujette à des mutations thématiques et esthétiques qui font évoluer sa nature d’une époque à une autre. On est ainsi passé du vase clos des théâtres de la violence assimilatrice où la forme constituait un moyen d’assujettissement à une écriture éclatée de la violence dans les œuvres contemporaines. Elle apparaît dans le théâtre de William Ponty (1930) sous forme de conflit culturel tiré des mœurs africaines. Devenue politique, la violence des années 70 embarque les catégories dramaturgiques dans l’affrontement colons/colonisés. Avec le théâtre de 1980, la violence, toujours politique, prend une autre configuration marquée par une tentative de rupture d’avec les canons classiques. L’association du burlesque au tragique, le court-circuit de la langue française, le dialogue entre tradition et modernité à travers une écriture endogène sont autant de réalités caractérisant l’expression des conflits du désenchantement. Dans la majorité des pièces d’après 1990, en revanche, les conflits revêtent une image plurielle qui convoque le monde et des modes d’expression distincts. C’est une écriture hybride dans laquelle la violence est portée par une désarticulation des catégories dramatiques et du sens pouvant en ressortir. De cette écriture dynamique de la violence, résulte un déplacement des enjeux théâtraux dans la mesure où les drames africains aujourd’hui se débarrassent des relents nationalistes pour épouser les réalités du monde. Aussi, l’ouverture des théâtres contemporains suscite-t-elle une diversité de formes dont la complexité remet en question la notion d’africanité
Violence comes across black african French-speaking theatrical production since its origins. It is prone to thematic and aesthetic changes which makes it evolve from one period to another. We have thus passed from confined theatres of assimilated violence where the form was a constraint to an outburst of writings dealing with violence in contemporary works. Violence appears in the plays of William Ponty (1930) under the form of cultural conflict drawn from African customs. Turned into political violence, it embarks the dramaturgic categories during the Seventies in the confrontation of the colonizer against the colonised. With the theatre of the 1980’s, violence, still political, takes however another form marked by an attempt to disrupt with classical theatrical canons. Associating the burlesque with tragedy, bypassing the French language, establishing a dialogue between tradition and modernity through an endogenous writing are as many realities characterizing the expression of conflicts about disillusionnement. In most of the plays following the1990’s, on the other hand, the conflicts take on a plural image which convenes the world through distinctive modes of expression. It results in a hybrid writing in which violence is voiced out through the dislocation of the dramatic categories and of the meaning that emerges out of it. From this scriptural dynamics of violence arises a displacement of the theatrical stakes in so far as African dramas today get rid of the nationalist inclinations to endorse the world’s realities. Thus the opening of contemporary theatres to the world creates a variety of forms whose complexity calls into question the concept of Africanity

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Malka, Marina Bonatto. « Vinicius e Orfeu : um estudo sobre Orfeu da conceição e Orphée noir ». reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2017. http://hdl.handle.net/10183/185950.

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Résumé :

Ce mémoire de master a l’objectif de contribuer avec aux rares études à propos de la dramaturgie de Vinicius de Moraes, spécifiquement en concernant Orfeu da Conceição (1954), la deuxième pièce de théâtre de l’auteur. Pour ce faire, il est récapitulé avant, pendant et après de la pièce les principaux oeuvres de Vinicius, comme ses poèmes, ses compositions musicales (la Bossa Nova et le MPB), sa dramaturgie et sa prose, au de-là de faits importants de sa vie personnelle, comme la Faculté du Catete, sa relation avec Waldo Frank, son emploi dans la diplomatie et ses mariages. De plus, il est fait des études détaillées sur les oeuvres Orfeu da Conceição et Orfeu Negro (et ses respectives albuns). Ainsi, ce mémoire est organisé en cinq parties: la première s’appelle “Vinicius avant Orfeu da Conceição”, avec ses livres de poèmes transcendantaux et conservateurs et sa relation avec Octávio de Faria; la deuxième partie “Vinicius da Conceição”, avec l’analyse approfondie de la pièce; la troisième partie s’appelle “Camus Negro”, avec l’analyse approfondie du film; la quatrième partie “Les chansons des Orfeus et la Bossa Nova”, en comprenant un étude à propos des deux albuns des oeuvres que postérieurement culminerait dans la Bossa Nova, et finalement la cinquième partie qui s’appelle “Vinicius après Orfeu da Conceição”, quand l’artiste se dédie presque exclusivement aux compositions et aux concerts, et il se convertit au candomblé. Le spectacle musical Orfeu da Conceição synthétise la vie de Vinicius de Moraes parce qu’il montre en évidence ses transformations personnelles: de la poésie à la chanson, du christianisme aux candomblé et de la droite à la gauche.
Esta dissertação de mestrado possui o objetivo de contribuir com os escassos estudos sobre a dramaturgia de Vinicius de Moraes, especificamente sobre Orfeu da Conceição (1954), a segunda peça de teatro do autor. Para isso, são recapituladas as principais obras de Vinicius antes, durante e depois da peça, como seus poemas, composições (Bossa Nova e MPB), dramaturgia e prosa, além de fatos importantes de sua vida pessoal, como Faculdade do Catete, a relação com Waldo Frank, a diplomacia e os seus casamentos. Além disso, são feitos estudos detalhados sobre as obras Orfeu da Conceição e Orfeu Negro, adaptação fílmica da peça dirigida por Marcel Camus (e seus respectivas trilhas sonoras). Assim, esta dissertação está organizada em cinco partes: a primeira, chamada Vinicius antes de Orfeu da Conceição, abrange seus livros de poemas transcendentais e conservadores e sua relação com Octávio de Faria; a segunda parte, Vinicius da Conceição, apresenta a análise minuciosa da peça; a terceira parte, chamada Camus Negro, apresenta a análise minuciosa do filme; a quarta parte, As canções dos Orfeus e a Bossa Nova, contém um estudo sobre os dois álbuns das obras que posteriormente culminaram na Bossa Nova; por fim, a quinta parte, chamada Vinicius depois de Orfeu da Conceição, trata de quando o artista passa a se dedicar quase exclusivamente às composições e aos shows e se converte ao candomblé. O musical Orfeu da Conceição sintetiza a vida de Vinicius de Moraes, pois evidencia as suas transformações pessoais: da poesia para a canção, do catolicismo para as religiões afro-brasileiras e da direita para esquerda.

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Arthéron, Axel. « Les théâtres afro-caribéens d'expression française au XXème siècle face à la Révolution de Saint-Domingue : dramaturgies révolutionnaires et enjeux populaires ». Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030161.

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Résumé :

L’apparition à partir des années 1950 de pièces afro-caribéennes qui mettent en scène la Révolution de Saint-Domingue se révèle pour le moins symbolique. Annoncées par la création de La Tragédie du roi Christophe d’Aimé Césaire par Jean-Marie Serreau et la troupe du Toucan, ces expressions théâtrales contribueront à définir un genre théâtral à part entière - celui du théâtre révolutionnaire afro-caribéen d’expression française - possédant ses propres traits définitoires et catégoriels, ses codes d’écriture, son rapport à l’histoire ou aux personnages historiques, et surtout sa finalité, sa fonction politique et populaire. L’articulation entre le choix du théâtre, le thème politique de la Révolution de Saint-Domingue et les enjeux de la deuxième moitié du XXe siècle constituera l’emblème du théâtre historique révolutionnaire tout à la fois politique et populaire
The appearance in the 50’ of afro-Caribbean’s pieces setting up the Dominican Revolution proves to be symbolic. Announced by the creation of La Tragedie du Roi Christophe from Aimé Césaire by Jean-Marie Serreau and the Toucan Troupe, these theatricals expressions will go towards defining a proper theatrical type- possessing his own characteristics, his writing codes, his connection with history and historical characters, and above all, his purpose, his finality : his political and popular function. The articulation between the choice of theater, the political theme of the Dominican Revolution and the stakes of the second half of the 20th Century will constitute the insignia of the historical revolutionary theater, both political and popular

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Bouchet-Fouillet, Marie. « Les mots comme peinture en noir et blanc : de l'impossible partage dans la pièce Pour un oui ou pour un non de Nathalie Sarraute, au possible partage d'une création ». Electronic Thesis or Diss., Université Côte d'Azur, 2024. http://www.theses.fr/2024COAZ2004.

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Résumé :

Ce travail sur la pièce de Nathalie Sarraute, Pour un oui ou pour un non, repose sur deux socles composés de deux parties. La première partie du socle I présente une approche heuristique avec contextualisation de la pièce et la lecture méthodique de deux scènes : la scène d'ouverture et la scène de la fenêtre. Ces deux scènes, sous couvert de montrer une amitié estampillée par l'opinion générale, dévoilent l'opposition irréductible et néanmoins complémentaire, de deux personnages à la fois attirés et repoussés par le monde de l'Autre. Derrière une intonation se cache le jeu subtil des malentendus et de la mauvaise foi qui font de H.1 et de H.2 les deux faces d'une même pièce. La seconde partie du socle I porte sur l'étude de la pièce sur le terrain : dans le cadre d'une classe de terminale professionnelle et d'un atelier théâtre. Cette approche permet à la pièce et à son auteure d'être rendues plus accessibles à un public peu familier de ce type d'œuvre. Les élèves de terminale professionnelle ont produit un court-métrage. Quant aux élèves du cours de théâtre, différentes lectures de la pièce leur ont permis d'avancer dans leur travail sur la voix et la gestuelle. Le second socle comprend, d'abord, la partie création et repose sur l'écriture d'une « pièce » : Aux bords d'un monde, sous forme de dialogues construits à partir d'impressions ou de réminiscences spontanées. L'écriture évolue au fil des remarques des deux lectrices qui jouent une scène choisie. La mise en scène suit le cours des modifications apportées. Le texte est largement inspiré de Nathalie Sarraute et de Botho Strauss, en particulier autour de la thématique de la fenêtre, pivot des entrées d'un personnage proche de Marie Steuber. La seconde partie du socle II constitue le compte-rendu de ce travail sous forme d'un journal de bord : Le récit d'un en… crier qui rend compte sous une forme plus ou moins chronologique, de l'évolution des répétitions avec les lectrices, ainsi que des modifications apportées au texte initial jusqu'à sa totale réécriture. L'ensemble de ces différentes approches d'un texte théâtral est la preuve d'un « possible partage » en dehors du noir et blanc des points de vue opposés
This work on Nathalie Sarraute's piece, Pour un oui ou pour un non, rests on two bases each composed of two parts. The first part of the base I addresses the heuristic approach including the contextualization of the piece and the methodical reading of two scenes: the opening scene and the window scene. Both, under cover of showing a friendship stamped by the general opinion, reveal the irreducible and nevertheless complementary opposition, of two characters at the same time attracted and repulsed by the world of the Other. Behind an intonation hides the subtle interplay of misunderstandings and misunderstandings that make H.1 and H.2 two sides of the same coin. The second part concerns the study of the play in the field: in a professional terminable class and a theater workshop. This approach allows the piece and its author to be made accessible to an audience unfamiliar with this type of work. Professional terminal students produced a short film. As for the students of the theater course, different readings of the play allowed them to progress in the work on the voice and the gestures.The second base including the creation part is based on the writing of a "play": At the edges of a world, in the form of dialogues built from impressions or spontaneous reminiscences. The writing evolves over the remarks of the two readers who act out a chosen scene. The staging follows the course of the modifications made. The text is largely inspired by Nathalie Sarraute and Botho Strauss, in particular for the role of the window, pivotal to the entrances of a character close to Marie Steuber. The second part is the report of this work in the form of a logbook: The story of an inkwell which reports in a more or less chronological form, the evolution of the repetitions with the readers as well as the modifications made to the initial text until its total rewriting. All of these different approaches to a theatrical text are proof of a "possible sharing" outside of the black and white of opposing points of view

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Dechaufour, Pénélope. « Une esthétique du drame figuratif. Le geste théâtral de Kossi Efoui : d’une dramaturgie du détour marionnettique aux territoires politiques de la figuration sur « les lieux de la scène » ». Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA116/document.

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Résumé :

A la croisée d’enjeux aussi bien philosophiques, politiques, qu’anthropologiques, cette thèse en études théâtrales vise à théoriser la notion de « drame figuratif » en analysant l’esthétique singulière que développe Kossi Efoui dans son œuvre dramatique. Dramaturge, philosophe et romancier, né en 1962 au Togo, Kossi Efoui annonce par ses positions politiques et ses partis pris poétiques, dès la pièce Le Carrefour, le tournant esthétique majeur que prendront les dramaturgies d’Afrique noire francophones et des diasporas au début des années 1990. Traversé par l’histoire coloniale et l’histoire des migrations, son théâtre interroge le corps diasporique et remet en question les déterminismes identitaires construits par le discours historique et l’essor du capitalisme depuis les traites négrières. Cette esthétique procède d’un geste théâtral qui relève d’une écriture de la figuration, et dont nous interrogeons le paradoxe afin d’en définir les modalités dramaturgiques. Car dans ce théâtre, le contenu discursif est marqué par une omniprésence du corps, alors que sa représentation fait l’objet d’une quête pour les personnages qui en sont le plus souvent dépourvus. Travaillée par divers modes de production du texte (intertextualité, transtextualité, fragmentation, décomposition, assemblage, geste du plateau) l’écriture dramaturgique opère toutes sortes de détours qui relèvent des univers du masque et des arts de la marionnette et explorent le corps scénique et les dispositifs théâtraux en vue d’un processus de résilience. En analysant cette dramaturgie du détour marionnettique nous questionnons la présence des corps et des voix dans le matériau textuel lui-même, leurs liens avec le plateau, et l’existence possible d’un geste plastique produisant une figure qui émanerait de l’écriture, pour prendre place sur « les lieux de la scène », selon la formule fétiche de Kossi Efoui. Le corps convoque ici des territoires d’ordre politique et se fait l’écho des traumas qui nous hantent et nous mettent collectivement à l’épreuve. En faisant de l’espace théâtral une interface mnémonique, l’écriture emprunte des voies de création transdisciplinaires qui renouvellent notre conception de la dramaturgie et déploient ce que nous identifions comme « une esthétique du drame figuratif »
At the crossroads of philosophical, political and anthropological issues, this dissertation in theatre studies aims to theorize the notion of "figurative drama" through analyzing Kossi Efoui's aesthetics in his dramatic work. A playwright, philosopher and novelist, born in 1962 in Togo, Kossi Efoui’s political and poetical choices foreshadowed, from his first play Le Carrefour, the major aesthetical turn taken by the dramaturgies of French-speaking sub-Saharan Africa and diasporas at the beginning of 1990s. Shaped by colonial history and the history of migrations, Kossi Efoui’s theater put the diasporic body in question, as well as the identities that were assigned by historical discourses and by the rise of capitalism since the time of the slave trade. This aesthetics is the result of a theatrical attitude based on a figurative writing. By questioning this paradoxical attitude, this dissertation shows how it is translated into dramaturgical choices. Indeed, in Kossi Efoui’s theater, on one side the body is everywhere in discourses, while on the other side it’s missing on stage: the characters are most often deprived of a body and looking for one. Shaped by various ways of producing text (intertextuality, transtextuality, fragmentation, decomposition, assembly, gesture of the stage) the dramaturgical writing makes a detour via the universe of the mask and the puppetry arts, thereby exploring the actor’s body and the theatrical devices in order to create a process of resilience. By analyzing this dramaturgical detour via puppetry, this dissertation questions the presence of bodies and voices in the textual material itself and their relationships to the stage. It formulates the hypothesis of an attitude, producing a figure that comes from the writing and takes its place on stage (on les lieux de la scène, as Kossi Efoui calls it). The body becomes a political territory and summons up haunting traumas that put the collectivity to the test. By using the theatrical space as a mnemonic interface, the writing takes trans-disciplinary creative paths, renews our conception of dramaturgy and produces what we identify as "an aesthetics of figurative drama"

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Coz, Jean-François. « Un imaginaire au tournant des Lumières : Jacques-Antoine de Reveroni Saint-Cyr (1767-1829) ». Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040108.

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Résumé :

Cette thèse propose une étude de l’œuvre intégrale de Jacques-Antoine de Révéroni Saint-Cyr (1767-1829), ingénieur militaire et écrivain, au sein de la production littéraire de l’époque révolutionnaire et impériale, à la croisée de la littérature, de l’histoire des sciences et de la musique. Étude historique, thématique et herméneutique, cette lecture critique analyse un imaginaire au tournant des Lumières qui comprend des mémoires sur l’art militaire, sur les beaux-arts et sur l’équilibre européen, des textes scéniques (opéras-comiques et comédies) et des romans. Cette diversité générique témoigne d’un complexus imaginaire partagé entre cœur et raison, mécanique et sensibilité, sérénité et inquiétude, qui inscrit le corpus révéronien dans un paradigme charnière entre l’héritage rationaliste de la philosophie des Lumières et une esthétique à coloration romantique
This thesis studies the integral work of Jacques-Antoine de Révéroni Saint-Cyr (1767-1829), a military engineer and writer, at the breast of literary production of the French Revolution and Empire, encompassing literature, history of sciences and music. Historical, thematic and hermeneutical, this critical study analyses Reveroni’s imagery at the turning point of the age of enlightenment which includes essays about military art, fine arts and European equilibrium, theatrical production (comic operas and comedies) and novels. This variety of genres constructs an “imagery complexus” divided between heart and reason, mechanic and sensibility, serenity and anxiety, linked to a key paradigma between the rationalist heritage of the philosophy of enlightenment and an aesthetic coloured with romanticism

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Fernandes, Fernanda Vieira. « O personagem negro na literatura dramática francesa do século XX : La Putain Respectueuse, de Jean-Paul Sartre, e Combat de Nègre et de Chiens, de Bernard-marie Koltès ». reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2014. http://hdl.handle.net/10183/102218.

Texte intégral

Résumé :

Cette thèse a pour but d’étudier certains aspects de la présence et de la construction du personnage du Noir dans la littérature dramatique française du XXème siècle et, plus spécifiquement, deux pièces de théâtre: La Putain respectueuse (1946) de Jean-Paul Sartre et Combat de nègre et de chiens (1979) de Bernard-Marie Koltès. Ce travail est divisé en trois grandes parties, subdivisées en chapitres. La première partie offre des éléments pour la mise en contexte de la représentation du Noir dans le théâtre français. Elle est divisée en deux chapitres: dans le premier, il s’agit d’un bref panorama du personnage du Noir dans le théâtre français du XXème siècle, élaboré à partir de Du Noir au Nègre: l’image du Noir au théâtre, de Marguerite de Navarre à Jean Genet (1550-1960) (1998), étude de Sylvie Chalaye. Le deuxième chapitre présente des informations sur Les Nègres (1959) de Jean Genet, ainsi qu’une courte réflexion sur l’importance de cette oeuvre dans le processus de transformation de la représentation du Noir dans le théâtre français de 1940 à 1970. Dans la deuxième et la troisième parties, sont traitées, respectivement, La Putain respectueuse et Combat de nègre et de chiens. L’étude des deux obéit à une même organisation: initialement, un chapitre sur le parcours de chaque auteur, puis sur la genèse de chaque pièce. Ensuite, un chapitre pour l’analyse dramatologique de chaque texte (divisé en trois sous-parties: l’intrigue et l’organisation de l’action, l’analyse du temps et de l’espace, l’étude des personnages). Finalement, deux chapitres plus thématiques: l’un relatif au personnage du Noir dans chaque pièce, l’autre consacré à quelques questions d’interprétation, ce qui permet de dialoguer avec certaines études critiques qui se sont penchées sur le sujet. En guise de conclusion, les considérations finales s’efforcent d’offrir une vue d’ensemble de la thèse et cherchent à mettre en évidence quelques points en commun entre la pièce de Sartre et celle de Koltès, surtout en ce qui regarde l’image du personnage du Noir.
O objeto de estudo desta tese de doutorado é a verificação de aspectos da presença e construção do personagem negro na literatura dramática francesa do século XX, com base em duas peças teatrais: La Putain respectueuse (1946), de Jean-Paul Sartre, e Combat de nègre et de chiens (1979), de Bernard-Marie Koltès. O trabalho divide-se em três partes, subdivididas em capítulos. A primeira parte versa sobre elementos de contextualização da representação do negro no teatro francês, segmentada em dois capítulos: no primeiro, um rápido panorama histórico a partir do estudo apresentado por Sylvie Chalaye em Du Noir au Nègre: l’image du Noir au théâtre, de Marguerite de Navarre à Jean Genet (1550-1960) (1998). O segundo contém informações sobre Les Nègres (1959), de Jean Genet, bem como uma breve reflexão sobre a importância dessa obra no processo de transformação da representação teatral do negro entre a década de 1940 e 1970. A segunda e terceira partes tratam, respectivamente, de La Putain respectueuse e Combat de nègre et de chiens. Ambas possuem exatamente a mesma estrutura, iniciando pelos percursos dos autores, e, na sequência, a gênese das peças, as análises dramatológicas dos textos (divididas em três seções: intriga e organização da ação; tempo e espaço; e personagens) e encerrando com reflexões mais temáticas: uma relativa ao personagem negro em cada um dos textos e outra acerca das questões de interpretação, num diálogo direto com alguns estudiosos e críticos e suas diferentes propostas de olhares. No fechamento da tese, à guisa de conclusão, são apresentadas as considerações finais, retomando o conjunto abordado na pesquisa e estabelecendo alguns pontos de aproximação entre as peças de Sartre e Koltès, principalmente no que diz respeito à imagem do personagem negro.

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Roy, Fabienne. « Les caractéristiques et l'évolution du théâtre pour le développement en Afrique noire francophone : le cas du Burkina Faso ». Mémoire, 2009. http://www.archipel.uqam.ca/2294/1/M10948.pdf.

Texte intégral

Résumé :

Nous présentons ici l'évolution et les caractéristiques du théâtre pour le développement en Afrique noire francophone avec comme principal point de référence l'Atelier Théâtre Burkinabé, compagnie pionnière du genre au Burkina Faso. Cette recherche théorique est complétée par une enquête auprès d'une douzaine de compagnies et une observation sur le terrain lors du Festival International de théâtre pour le développement au Burkina Faso. En premier lieu, nous dressons le portrait sociopolitique et économique du Burkina Faso ainsi que l'historique théâtral du pays. Nous situons les origines du théâtre pour le développement dans les années soixante-dix. Cette période post-indépendance, caractérisée par l'apparition de nombreux problèmes sociaux, entraîna certains organismes de coopération étrangers à chercher des solutions parmi lesquelles figuraient les premières initiatives de théâtre de sensibilisation. Les décennies suivantes se caractérisèrent par une prolifération constante et rapide du genre. En second lieu, nous precisons les principales caractéristiques du théâtre pour le développement. Nous avons constaté de nombreuses similitudes dans le fonctionnement et les pratiques théâtrales de ces compagnies. Elles présentent pour la plupart des spectacles en plein air, en langue nationale, avec un public très diversifié, une scénographie minimaliste et des thèmes variés. Nous décrivons les principales formes de théâtre pour le développement dont le théâtre-forum pratiqué par la majorité des troupes. Puis nous soulignons l'omniprésence de l'humour, du chant, de la danse et de la musique dans les représentations. Finalement, nous abordons une réflexion sur les avantages d'utiliser le théâtre comme outil d'éducation en le comparant avec d'autres modes de communication. Nous démontrons qu'il est efficace par sa communication organique, son accessibilité à tous les publics et sa facilité à traiter des sujets tabous. Ensuite, nous justifions la popularité du théâtre d'intervention en Afrique par le fait qu'il est un « miroir de la société » et qu'il entretient des liens très étroits avec le théâtre traditionnel. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Théâtre, Développement, Afrique, Burkina Faso, Théâtre d'intervention.

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Montescu, Cristina. « Mer mère noir, théâtre poème : suivi de Réflexions sur la réécriture de la " fable ", à partir de La soif de la montagne de sel de Marin Sorescu ». Thèse, 2008. http://hdl.handle.net/1866/18197.

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Thèses sur le sujet « Noirs – Au théâtre »

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