Thèses sur le sujet « Mode et cinéma »
Pour voir les autres types de publications sur ce sujet consultez le lien suivant : Mode et cinéma.
Créez une référence correcte selon les styles APA, MLA, Chicago, Harvard et plusieurs autres
Consultez les 26 meilleures thèses pour votre recherche sur le sujet « Mode et cinéma ».
À côté de chaque source dans la liste de références il y a un bouton « Ajouter à la bibliographie ». Cliquez sur ce bouton, et nous générerons automatiquement la référence bibliographique pour la source choisie selon votre style de citation préféré : APA, MLA, Harvard, Vancouver, Chicago, etc.
Vous pouvez aussi télécharger le texte intégral de la publication scolaire au format pdf et consulter son résumé en ligne lorsque ces informations sont inclues dans les métadonnées.
Parcourez les thèses sur diverses disciplines et organisez correctement votre bibliographie.
1
Arzatian, Céline G. « Mode et cinéma en france de 1896 à 1930. Comment habille-t-on les actrices et acteurs ? » Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030022.
Texte intégralRésumé :
À travers une étude générale de l’organisation et de l’évolution des costumes au cinéma en France, du début du cinématographe jusqu’à la fin du muet, l’ambition de cette thèse est d’étudier les liens qui se sont créés entre la mode et le cinéma par le biais des maisons de couture participant à la confection des costumes de la vedette principalement. Il s’agit également de montrer quel a été l’impact de l’arrivée d’un professionnel de l’écran : le créateur de costume dans la conception des costumes d’un personnage. Cette thèse analyse à travers les dimensions historiques, humaines, économiques, esthétiques, la création et l’évolution du costume au cinéma. La première partie aborde les débuts du cinématographe, le rôle des opérateurs Lumière tournant leurs premières vues « mises en scène » avec des méthodes héritées du théâtre. Puis la thèse met en valeur les différentes pratiques mises en place par Georges Méliès pour habiller ses artistes et figurants à la Star Film. Elle s’attache ensuite aux premiers acteurs célèbres confrontés à l’utilisation d’un costume particulier pour créer leur personnage : Max Linder, Charles Chaplin et Pearl White. La deuxième partie s’intéresse à la manière dont le cinéma français s’est servi de la mode dans les films pour tenter de rivaliser avec le cinéma américain. Puis, dans une troisième et quatrième partie, l’analyse s’attache au travail de la maison de couture lorsque celle-ci est appelée à créer et prêter des vêtements sous l’impulsion du réalisateur ou à exécuter sous l’autorité du créateur de costumes, les vêtements de la vedette pour des fictions à costumes ou à sujet contemporain. Enfin la cinquième partie relève les points de convergence entre ces deux arts : la mode et le cinéma lorsqu’à la fin de la Première Guerre mondiale, les arts se stimulent mutuellement donnant naissance au nouveau style de cette époque. Le projet de Louis Delluc, qui s’inspire d’une revue de mode pour réaliser une revue de cinéma, mais également l’introduction au Salon d’Automne de la mode et du cinéma, puis la réalisation de L’Inhumaine comme point de bascule vers cette synthèse des arts, et enfin l’Exposition des Arts décoratifs qui contribuent à faire de la mode et du cinéma des arts complémentaires, modernes et emblématiques de la période dite des Années FollesThrough a general study of organisation and evolution of costumes in cinema in France, from the birth of the cinematograph to the end of the silent film era, the ambition of this thesis is to study the created links between fashion and cinema, looking at fashion houses participating in creating the costumes of the main movie star. It is also about highlighting what the impact of the costume designer in the costume conception of a character is. This thesis analyses the creation and the evolution of the costume in cinema, through the historical, human, economical and aesthetical perspectives.The first part tackles the birth of the cinematograph and the Lumiere’s operators capturing their first shots, created with the methods inherited from the theatre. Then, this thesis highlights how Georges Méliès styled his stars and extras at the Star Film. Moreover, it points out to the first movie stars realizing that their costumes begin to create their characters for Max Linder, Charles Chaplin and Pearl White. The second part addresses the way French cinema used fashion to try and compete with the American cinema. Then, in a third and fourth part, the analysis focuses on the work of the fashion house when it is called to create and lend (in response to the director) or to only execute (in response to the costume designer) the clothes of the lead actress, for costume movies or with a contemporary subject.Finally, the fifth part points out the convergence points between these two arts: fashion and cinema at a specific time, the end of WW1 where arts stimulate each other and create together the new style of this era. It’s also Louis Delluc’s project, inspired by a fashion review to create a cinema magazine, it’s the introduction of the Fashion Autumn Salon followed by the cinema one, it’s the realization that L’Inhumaine is the tilted point towards this new style and it’s the Art Deco Exhibition confirming fashion and cinema as arts, in this era called the Années folles
2
Le, Forestier Laurent. « L'industrialisation du mode de production des films Pathé entre 1905 et 1908 ». Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030158.
Texte intégralRésumé :
Entre 1905 et 1908, la branche cinematographique de la societe pathe (plus exactement la compagnie generale de phonographes, cinematographes et appareils de precision) connait une forte industrialisation. Ce phenomene se traduit notamment par la maitrise de l'integralite de la chaine de production : pathe se met a fabriquer sa propre pellicule, a salarier ses metteurs en scene, a controler le tournage, a developper ses films, a les colorier et a s'occuper de leur exploitation, par l'ouverture de salles fixes, le passage a la location et la creation de societes concessionnaires. Ce n'est la qu'un aspect d'une strategie economique globale qui ne se percoit clairement qu'a la lumiere du contexte concurrentiel. Exposee a des compagnies rivales de plus en plus ambitieuses, pathe tente de proteger sa situation oligopolistique. Pour ce faire, elle opere un passage a la production de masse, en meme temps qu'une diversification des genres abordes par ses films. Elle envahit le marche, tant quantitativement que qualitativement. Devant le cout exorbitant de cette politique, elle met en place une organisation sociale qui vise a verrouiller au maximum le mode de production des films. Les phases de controle se multiplient, en meme temps que s'instaure une hierarchie rigide. Tout est prevu pour laisser le moins de place possible a l'improvisation et aux initiatives des metteurs en scene. Les consignes de tournage sont strictes et determinees a l'avance : les scenarios sont concus comme les fiches de fabrication de l'industrie traditionnelle. Une methode d'enregistrement, imposant des contraintes de creation, est elaboree. A tel point que les films conserves aujourd'hui en portent encore les traces, definissant ainsi implicitement le style pathe. Plus que ceux des autres editeurs, les films pathe se caracterisent donc par l'inscription de l'economique dans l'esthetique, c'est-a-dire par les consequences, dans leurs choix artistiques, de l'industrialisation du mode de production.
3
Sabouraud, Frédéric. « Abbas Kiarostami : le cinéma revisité : comment, en recomposant et réinterprétant des éléments appartenant à des champs divers de la philosophie et de l'art, les films du cinéaste iranien articulent présent et passé, Orient et Occident au sein d'un mode de récit et de représentation fondé sur un syncrétisme singulier qui s'apparente à d'autres formes cinématographiques contemporaines fondées sur l'épure ». Paris 8, 2007. http://www.theses.fr/2007PA082853.
Texte intégralRésumé :
Chercher à comprendre ce qui nous est si proche dans l'œuvre du cinéaste Abbas Kiarostami nécessite de s'interroger, à travers l'étude précise de son style, sur les liens invisibles qui relient ses films à la pensée et au cinéma contemporains. De la philosophie liée à la "fin de la modernité" à l'herméneutique philosophique, du néoréalisme italien au cinéma de l'épure de la fin du XXe siècle, les parentés sont soumises à l'épreuve de l'analyse, en cherchant à mieux cerner chacun des champs auxquels elles font écho. Pour autant, il s'agit aussi de ne pas occulter les référents incontestables que cette œuvre contient, en rapport avec la culture iranienne contemporaine ou issus de l'art et de la philosophie persane ancestrale : Des poèmes mystiques aux miniatures, les passerelles sont nombreuses et sujettes à recomposition et interprétation. Une fois mieux délimités les frontières et les liens, une fois définis les mécanismes qui constituent ce syncrétisme aussi inattendu que familier, une nouvelle réflexion se fait jour : Comment, au sein d'une même œuvre cinématographique, peut-on faire cohabiter l'ancien et le moderne, l'Orient et l'Occident dans une recherche en permanente recomposition mêlant films, installations, vidéos, théâtre, photos et poésies ? Ce mouvement inhérent à l'œuvre, dans ce qu'il se détache peu à peu de ses référents initiaux, ne risque-t-il pas d'y perdre sa substance ? C'est vers ces questions qu'il s'agit de s'orienter sans pour autant prétendre y répondre de manière défifnitive, notamment parce que l'œuvre, rappelons-le, poursuit son chemin telle la voiture serpentant sur la route en zigzag qui sert de motif à nombre de films de KiarostamiThis research, by trying to understand better why the work of the Iranian filmmaker Abbas Kiarostami is so closed to us, has to give precise definition, through the study of his own style, of the invisible connections linking his films with contemporary cinema, art and philosophy. From philosophical Postmodernity to Hermeneutics, from Italian Neorealism to the recent minimalism in art and cinema, these connections will be questioned one by one, by trying to give the most precise field from which each of them is coming from or going to. After having described as precisely as possible these fields and the mechanisms that create this unexpected and familiar syncretism inside Kiarostami's films, a new thought emerges : How is it possible to make cohabitation of antic conception and modernity, of eastern and western cultures inside the same artistic world ? How can these elements stay together inside a permanently recomposed production, mixing cinema, video, photo, theatre and poetry ? Is this evolution of the work of Kiarostami not taking the risk of loosing its own identity by taking more and more distance with its original references ? We will answer to these questions without pretending to conclude, especially as we have to take as an account that the work of Kiarostami is still continuing its own way, as most of its main characters are doing, by following a zigzag and unfinished path
4
Huang, Chien-hung. « Le montage comme mode de pensée : trois aspects essentiels de montage à partir du paradoxe de la théorie de Gilles Deleuze sur le cinéma ». Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082437.
Texte intégralRésumé :
Les deux ouvrages consacrés au cinéma, l’Image-mouvement et l’Image-temps de Deleuze, constituent un texte philosophique complexe qui, d’un côté « problématise » le cinéma en tant que régime spécifique de l’image, et d’un autre « met en scène » la confrontation du cinéma et de la pensée philosophique. Mais cette problématisation et la mise en scène révèlent la rupture formant la confrontation « politique » entre le cinéma et la philosophie, et constituant notre problématique principale. Nous abordons ce problème par trois paradoxes de sa théorie (qui constituent trois des aspects essentiels du montage), à savoir la représentation, l’obtusité et la politique, en analysant les manières différentes de monterThe two works devoted to the cinema, Movement-Image and Time-Image of Deleuze, constitute a philosophical text complexes which, on a side "problématise" the cinema as a specific mode of the image, and another "met en scene" the confrontation of the cinema and the philosophical thought. But this problematization and the mise en scene reveal the rupture forming "political" confrontation between the cinema and the philosophy, and constituting our principal problems. We approach this problem by three paradoxes of his theory (which constitute three of the essential aspects of montage), namely the representation, the obtusity and the politic, by analyzing the different manners of montage
5
Vernet, Guillaume. « Aux origines d’un discours critique : la « tradition de la qualité » et la « qualité française » : la bataille de la qualité ou la mise en place du soutien de l’État aux films de qualité en France (1944-1953) ». Thesis, Rennes 2, 2017. http://www.theses.fr/2017REN20010.
Texte intégralRésumé :
Notre connaissance du cinéma français de l’après-Seconde Guerre mondiale s’est forgée à partir de la catégorie historique de la « qualité », employée sous les formes usuelles de « tradition de la qualité » et de « qualité française ». Pourtant, on peut considérer que celle-ci est un obstacle à la connaissance historique du cinéma de cette période. En effet, cette catégorie n’est pas neutre puisqu’elle est le produit du discours des « jeunes Turcs » qui l’ont employée pour combattre ce cinéma. Plutôt que de l’abandonner, il convient de lui redonner ses significations en questionnant sesorigines et en inscrivant le célèbre discours critique qui la constitue, la « qualité » contre le « cinéma d’auteurs », au sein d’une vaste bataille discursive engagée par les acteurs du champ cinématographique français depuis la Libération autour du soutien de l’État aux films de qualité. Cette thèse propose d’analyser cette bataille de la qualité ou la mise en place progressive, par les discours, entre 1944 et 1953, de ce modèle politique aujourd’hui indissociable du cinéma françaisOur knowledge of French cinema from after the Second World War was built from the historical category of « qualité », the so-called « tradition de la qualité » and « qualité française ». Nevertheless, one can consider the latter as an obstacle to the historical knowledge of cinema from this period. Indeed, this category is not neutral because it results from the speeches of the « jeunes Turcs », who used it to oppose this cinema. Rather than abandoning it, it is best to reveal its meaning by questioning its origins and presenting the famous critical speech which constitute it, the « qualité » versus the « cinéma d’auteurs », within a vast discursive battle engaged since the French Liberation by the actors of the French cinema, about the support of the French State for quality films. This thesis intends to analyse this battle of quality, or the progressive implementation through speeches between 1944 and 1953 of the political model, nowadays, indissociable from Frenchcinema
6
Asté, Maylis. « Les représentations de la ruralité dans les films de fiction français du début des années 1990 au début des années 2010 : permanences et changements ». Thesis, Toulouse 2, 2018. http://www.theses.fr/2018TOU20067.
Texte intégralRésumé :
À partir de l'étude d'un corpus de films de fiction sortis en salles entre 1990 et 2012 et dont l'action est située dans les campagnes françaises contemporaines, cette thèse analyse la construction des représentations de la ruralité française sous l'angle des tensions entre permanence et changements.En nous attachant à éclairer la démarche des cinéastes qui ont fait le choix d'ancrer leur récit dans les campagnes, nous questionnons l'influence de ce choix sur les techniques de narration, la mise en scène ou encore la distribution. Vivants portraits, les films sont autant de définitions de campagnes idéelles et sensibles. Que voit-on et qui voit-on dans ces films ? Que font les personnages et que disent-ils ? Comment vivent-ils ? Peut-on parler d'une école ou d'un courant durant cette période charnière ? À la force toujours opératoire d'anciens stéréotypes urbanocentrés répond le désir de certains cinéastes de décentrer les regards, pour explorer une géographie humaineThis thesis analyzes the construction of French rurality's representations in terms of tensions between permanency and change, on the basis of a corpus of fiction films released between 1990 et 2012, which narration takes place in contemporary French countryside. By actively shedding light on the approach of the filmmakers who decided to root their films in the countryside, we question the way this decision impacts narrative techniques, directing or even casting. Films being living portraits, each one is a definition of the countryside, ideal or sensitive. What, and who do we see in those films? What do the characters do and what do they say? How do they live? Can we talk of a “school” or a “wave” defining this pivotal period? Despite the enduring power of old urban-centric stereotypes, these directors are set on off-centering the points of view to explore a human geography
7
Lancialonga, Federico. « Contre produire : films, formes et modes de production dans le cinéma collectif italien des années 1950-1970 ». Electronic Thesis or Diss., Paris 1, 2023. http://www.theses.fr/2023PA01H305.
Texte intégralRésumé :
À partir de l’après-guerre, de nouvelles méthodes « collectives » de production cinématographique voient le jour en Italie : d’abord, dans les années 1940 et 1950, sous la forme de coopératives, et à partir de la décennie suivante, sous celle de collectifs cinématographiques ou d’unités de production indépendantes. Ces initiatives collectives ont produit une grande variété de films, tant sur le plan thématique que formel : des films partisans aux contre-actualités cinématographiques, des fictions aux documentaires, pour en arriver aux bandes vidéo militantes des années 1970. Ces films s’appuient sur un même choix politique : le travail collectif en alternative à l’industrie. Un choix car, pour chacun d’entre eux, il ne s’agit ni d’un repli, ni d’une solution dictée par l’impossibilité ou l’incapacité d’accéder au circuit commercial, mais d’une décision consciente et assumée, en opposition à ce même circuit. Le titre « Contre-produire » souligne cette corrélation entre le refus des méthodes de production du cinéma « dominant » et l’adoption d’une approche collective pour en inventer de nouvelles. Les procédés hégémoniques dont il est question ne se limitent pas seulement aux normes imposées par les circuits du cinéma commercial, mais également aux formes du cinéma « dissident » qui réduisent les films à leur fonction de communication politique. L’objectif est de mettre en lumière une sélection de films, de projets, de théories et d’utopies collectives qui ont émergé à « la marge » du cinéma italien dans l’une de ses périodes les plus fécondes. Loin d’être « marginales » au sens de secondaires, elles ont constitué un laboratoire majeur de nouvelles formes cinématographiques dans l’Italie des années 1950-1970From the post-war period onwards, Italy witnessed the emergence of new “collective” approaches to film production: in the 1940s and 1950s, it took the form of cooperatives; and in the subsequent decade, it evolved into film collectives or independent film production units. These collaborative endeavors yielded a wide array of films, encompassing a rich diversity of themes and styles : from partisan films to “counter-newsreels,” from fictions to documentaries, culminating in the 1970s militant videotapes. All these films embraced a common political commitment: adopting a collaborative and independent approach for filmmaking as an alternative to the labor-divided and market-oriented film industry. In fact, these films neither embody a desire of withdraw nor a circumstantial response to an inability to break into the well-established commercial networks; on the contrary, they serve as the tangible expression of a deliberate and resolute choice, one made in direct defiance of the prevailing film production system. The neologism “counter-production” aims to underscore the interplay between two fundamental dimensions of the Italian collective cinema: on one hand, the critique of the production modes of “dominant” cinema and, on the other, the embrace of a collaborative approach for filmmaking. In other words, “to counter-produce” extends beyond the mere act of challenging the industry norms, it is also characterized by a critical perspective on certain militant cinematic forms that reduce films to useful tools for political messaging. This dissertation follows a twofold program: it seeks to underscore both the commonalities among these collective practices and the inherent uniqueness found within each cinematic form they explore. By examining a carefully selected body of materials – projects, theories, and collective utopias that surfaced on the “fringes” of Italian cinema during one of the most fertile periods of its history – the overreaching objective is to reevaluate the marginal status of this corpus: rather than occupying a secondary role, it appears to have served as a central and significant experimental ground for pioneering cinematic innovations in Italy from the 1950s to the 1970s
8
Park, Heui-Tae. « Deux modes fondamentaux de la création cinématographique : au-delà de l'émotion (Takeski Kitano) et au-delà du visible (Hong Sangsoo) ». Thesis, Montpellier 3, 2010. http://www.theses.fr/2010MON30095.
Texte intégralRésumé :
Selon le philosophe Gilles Deleuze, l’arrivée du néo-réalisme italien constitue le point de passage entre une forme classique du cinéma (L’image-mouvement) et une forme moderne (L’image-temps) entre le cinéma moderne. Une telle distinction est largement approuvée par les théoriciens, les critiques les historiens du cinéma. Loin de correspondre à unerupture historique, elle renvoie à deux types de cinéma qui possèdent leurs propres caractéristiques. Cette étude envisage dans un premier temps d’aborder, à partir de la typologie deleuzienne, les spécificités de chacun de ces régimes du point de vue de la création. Les films de Takeshi Kitano, cinéaste japonais, et Hong Sangsoo, cinéaste coréen, sont analysés selon cette perspective. Les premiers présentent effectivement une structure basée sur un régime classique, tandis que les seconds se fondent sur les caractéristiques du cinéma dit moderne. Leur analyse permet aussi de suivre le processuscréatif de ces deux réalisateurs reconnus internationalement. Cette étude tente, dans un deuxième temps, de montrer qu’ils s’inscrivent dans une perspective universelle sur le plan de la créationAccording to the studies of French philosopher Gilles Deleuze, the arrival of Italian neorealism is the crossing point between a classic form of film (The movement-image) and a modern one (The time-image). Such a distinction is widely endorsed by theorists, critics and historians of films. Far from corresponding to a historical rupture, it refers to two types of films that have their own characteristics. This study intends initially to approach, from Deleuze's typology, the specifics of each of these regimes in terms of creation. The films of Takeshi Kitano, Japanese filmmaker, and Hong Sangsoo, Korean director, are analyzed under this prospect. The former represent a structure based on a classical scheme, while the latter is based on the characteristics of modern film. The analyst also allows following the creative process of these two internationally renowned filmmakers. This study attempts secondly to illustrate that they have a universal perspective in terms of creation
9
Surcouf, Christian. « L'opposition Imparfait/Passé simple : approche théorique et application didactique par le film en français langue étrangère ». Phd thesis, Université de Grenoble, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00660876.
Texte intégralRésumé :
Cette thèse aborde l'opposition Imparfait/Passé simple d'un point de vue théorique puis didactique en FLE. En premier lieu sont envisagés les paramètres temporels de la communication langagière, menant à la définition de la situation élémentaire d'interaction verbale, socle de notre réflexion. Dans la continuité de KLEIN (1994) et de GOSSELIN (1996), les temps verbaux sont appréhendés en termes de relations temporelle et aspectuelle, combinant les intervalles d'énonciation, de référence et de procès. Nous envisageons l'intervalle de référence comme un espace mental (FAUCONNIER 1984) susceptible de recouvrir trois réalités selon qu'il est défini de façon positive (espace mental de base), négative (espace mental alternatif), ou autonome (espace mental autonome) par rapport au repérage spatiotemporel de la situation élémentaire d'interaction verbale. Une répartition systémique des tiroirs verbaux de l'indicatif est alors proposée. Après un examen de l'aspect grammatical et lexical, nous envisageons l'organisation des plans dans le texte en nous inspirant de HOPPER & THOMPSON (1980) et COMBETTES (1992). Sont ainsi mises en évidence des corrélations entre, d'une part, premier plan, Passé simple et consécution, et d'autre part, arrière-plan, Imparfait et simultanéité. À l'issue de cet examen théorique, nous exposons certaines des correspondances entre les stratégies linguistiques, narratologiques et cinématographiques servant à l'expression de la simultanéité et de la consécution dans les récits écrit et filmique. Nous proposons ensuite un ensemble d'activités pédagogiques basées sur l'image filmique pour faciliter l'apprentissage en FLE de l'opposition Imparfait/Passé simple.
10
Boughedir, Ferid. « Economie et thematique du cinema africain. (1960-1985) ». Paris 7, 1986. http://www.theses.fr/1986PA070033.
Texte intégralRésumé :
La these "economie et thematique du cinema africain (1960-1985)" tente de dresser un bilan historique, economique et thematique des nouvelles cinematographies apparues sur le continent africain a partir des annees soixante, soit au lendemain des independances politiques de la plupart des pays africains. Elle presente le contexte economique dans lequel les films africains de cette periode ont ete produits, ainsi que les differentes tentatives de mise sur pieds de structures de production et de diffusion prises en faveur de ces films dans plusieurs pays du continent, en relatant les reussites et les echecs des experiences de decolonisation des marches de distribution cinematographique en afrique. La these examine egalement la thematique des films africains de cette periode, par rapport au contexte du cinema mondial et specialement d'une des formes dominantes du cinema etranger projete en afrique, soit le cinema de type "hollywoodien". Pour cela la these dresse un historique commente des films africains projetes dans les festivals entre 1960 et 1985, et tache de degager les directions possibles pour l'existence de cinemas africains independants des modeles cinematographiques dominants et independants des interets commerciaux des fournisseurs de films etrangers projetes en afrique. La these comporte entre autres un texte d'accompagnement explicitant la conception et la realisation du film "camera d'afrique" (20 ans de cinema africain) realise par l'auteur de la these en tant que recherche appliquee par les moyens du cinema ainsi qu'une filmographie commentee des cineastes d'afrique noire pour la periode 1960-1985.
11
Hadouchi, Olivier. « Cinéma dans les luttes de libération. Genèses, initiatives pratiques et inventions formelles autour de la Tricontinentale (1966-1975) ». Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030065.
Texte intégralRésumé :
Nous étudions un corpus de films dédiés aux luttes de libération autour de la Tricontinentale de 1966 à 1975. Par l’expression "tricontinentale", nous désignons les "trois continents" du tiers-monde (l'Afrique, l'Asie et l'Amérique Latine), et surtout la Conférence de Solidarité Tricontinentale qui s’est tenue à La Havane en 1966, ainsi que l'organisation et la revue du même nom. La Tricontinentale, dont Mehdi Ben Barka avait présidé le comité préparatoire de cet événement qui devait renforcer l'unité du tiers-monde en lutte contre l'impérialisme, le colonialisme et le néo-colonialisme à l’échelle mondiale. Nous commençons par retracer la genèse du cinéma dans les luttes de libération (la guerre d’indépendance algérienne), avant de proposer un corpus de films autour de la constellation tricontinentale, en prenant en compte l’image fixe (l’affiche) et animée (le film). Ensuite, ce corpus est mis en situation autour de deux axes principaux : l’Afrique et l’Amérique latine, avec la guerre du Vietnam en toile de fond. Il concerne notamment les cinéastes suivants : Santiago Álvarez, Julio García Espinosa, Mario Handler, William Klein, Yann Le Masson, Glauber Rocha, Alberto Roldán, Ugo Ulive, René Vautier. Ce cinéma de la libération du tiers-monde s’accompagne d’une production théorique que nous étudierons, à travers des textes comme : "Pour un cinéma parallèle" (anonyme), "Esthétique de la violence" (G. Rocha), "Vers un troisième cinéma" (F. Solanas et O. Getino"), "Pour un cinéma imparfait" (J. G. Espinosa). Les caractéristiques stylistiques et formelles de ces films axés sur la libération sont analysées, avant d’interroger le passage de l’heure des brasiers à l’heure des cendres et du désarroi, en questionnant l’apport théorique et pratique des films de notre corpusWe study a corpus of films dedicated to the liberation struggles around the Tricontinental from 1966 to 1975. The expression "Tricontinental" applies to the three continents of the third world (Africa, Asia and Latin America), and mainly the Tricontinental Solidarity Conference which took place in Havana in1966, and also the organization and the publication with the same name. Mehdi Ben Barka was the Chairman of the Preparing Committee of the Tricontinental event, which had to reinforce the unity of the struggling third world against imperialism, colonialism and neo-colonialism all over the world. First, we show the genesis of cinema in the liberation struggles (the Algerian war of independence). Then we create a corpus of films around the tricontinental constellation, taking into account the posters and the animated images. This corpus is located at two main places: Africa and Latin America, at the background of Vietnam war. It includes works directed by: Santiago Álvarez, Julio García Espinosa, Mario Handler, William Klein, Yann Le Masson, Glauber Rocha, Alberto Roldán, Ugo Ulive, René Vautier. Various texts were written accompanying this cinema of third world’s liberation. We examine theories and manifestos such as: "For a Parallel Cinema (Anonymous)", "Esthetic of violence" (G. Rocha), "Towards a third cinema" (F. Solanas and O. Getino), "For an Imperfect Cinema" (J.G. Espinosa). The stylistic and the formal characteristics of these films are analyzed, in order to question the crossing from the hour of furnaces to the hour of the ashes and confusion, thinking about the theoretical and practical impact of these films
12
Isely, Laura. « Barcelone à l’écran : dynamiques coréalisatrices d’une biographie urbaine : étude comparative sur l’évolution des représentations filmiques de la ville comtale à la charnière du XXe et XXIe siècle (1992-2017) ». Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL025.
Texte intégralRésumé :
En adoptant, dans une ligne ancrée sur des modèles de gouvernance locale hérités du passé, la stratégie d’organiser un macro-événement pour effectuer une série de transformations urbaines sans précédent, la ville comtale s'est donnée corps et âme à une fièvre constructrice dont la ville d'aujourd'hui en est le résultat. La présente étude recherche parmi les représentations cinématographiques réalisées entre 1992 (date symbolique qui inclut celles qui ont été élaborées en prenant pour objectif les Jeux Olympiques) et 2017, date de commémoration, échos et symptômes d'un changement de perception, relatif et incomplet, par rapport au dénommé Modèle Barcelone. Cette thèse soutient que, au tournant du siècle, les anciennes réticences au discours élogieux fortement encouragé par les institutions, ont pris de l'ampleur et ont trouvé dans la création cinématographique mode d'expression et canal de communication. Progressivement, un contre-discours a émergé et le cinéma a contribué à le rendre visible. À travers le cinéma tourné à Barcelone se disent vingt-cinq années d'une biographie urbaine qui a multiplié les points d'ancrage pour atteindre et maintenir une centralité effective en tant que ville globale. Mais à mesure qu'elle cumulait les succès dans sa volonté d'internationalisation, elle intégrait pleinement, comme le montre notre corpus, la dynamique des problèmes transnationaux et devenait non seulement un modèle à suivre mais aussi à éviter. Synecdoque de la ville contemporaine dans un monde profondément urbain à l'ère de la mondialisation, la Barcelone d'aujourd'hui cherche parmi ses images à se placer dans une tension dialogique axiale entre pertinence et im-pertinenceBy adopting, in a line anchored on local governance models inherited from the past, the strategy of organizing a macro-event to realize an unprecedented series of urban transformations, Barcelona has given itself body and soul to a constructive fever from which the city of today is the result. The present study searches among the cinematographic representations made between 1992 (symbolical date which includes those which were developed with the objective of the Olympic Games) and 2017, date of commemoration, echoes and symptoms of a relative and incomplete change in perception, compared to the Barcelona Model. This thesis maintains that, at the turn of the century, the old reluctance to speak about success, strongly encouraged by institutions, gained momentum and found in cinematographic creation a mode of expression and a channel of communication. Step by step, a counter-discourse emerged and the cinema helped to make it visible. Through the cinema shot in Barcelona, are narrated twenty-five years of an urban biography that has multiplied anchors to achieve and maintain effective centrality as a global city. But as it accumulated successes in its desire of internationalization, it fully integrated, as our corpus shows, the dynamics of transnational problems and became not only a model to follow but also to avoid. Synecdoche of the contemporary city in a deeply urban world in the era of globalization, the Barcelona of today seeks among its images to place itself into an axial dialogical tension between pertinence and im-pertinence
13
Benanaya, Inès Soraya, et Inès Soraya Benanaya. « Cinéma, nouveaux usages et modes de financement : vers une nécessaire évolution de la chronolgie des médias ». Master's thesis, Université Laval, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.11794/38197.
Texte intégralRésumé :
Cette étude a pour objet la chronologie des médias française, et son avenir face aux évolutions technologiques du paysage audiovisuel et cinématographique. Mécanisme de l’exception culturelle, la chronologie des médias est une règle fixant des écarts temporels entre la sortie d’un film en salles et sa diffusion sur d’autres supports : vidéogrammes tels que les DVD et les Blu-rays, vidéo à la demande à l’acte « VàDA », télévision ou encore vidéo à la demande par abonnement « SVOD ». Elle constitue un pilier dans le financement de la production cinématographique française, mais l’apparition de nouveaux acteurs du numérique tels que les plateformes SVOD tendent à progressivement la déséquilibrer. Il convient dès lors de repenser le modèle tout en nous inspirant de modèles étrangers tels que la chronologie canadienne, afin de mieux prendre en compte ces évolutions.Cette étude a pour objet la chronologie des médias française, et son avenir face aux évolutions technologiques du paysage audiovisuel et cinématographique. Mécanisme de l’exception culturelle, la chronologie des médias est une règle fixant des écarts temporels entre la sortie d’un film en salles et sa diffusion sur d’autres supports : vidéogrammes tels que les DVD et les Blu-rays, vidéo à la demande à l’acte « VàDA », télévision ou encore vidéo à la demande par abonnement « SVOD ». Elle constitue un pilier dans le financement de la production cinématographique française, mais l’apparition de nouveaux acteurs du numérique tels que les plateformes SVOD tendent à progressivement la déséquilibrer. Il convient dès lors de repenser le modèle tout en nous inspirant de modèles étrangers tels que la chronologie canadienne, afin de mieux prendre en compte ces évolutions.
This study focuses on the french « media chronology », and its future against technological developments in the audiovisual and cinematographic industry. The « media chronology » system is a mecanism part of the cultural exception. It is a rule that sets time differences between the release of a film in theaters and its distribution on other media : videograms such as DVDs and Blu-rays, transactional video on demand (« VàDA »), television or subscription video on demand (« SVOD »). It is a real pillar in the financing of the French film production, but the emergence of new digital players such as SVOD plateforms unbalance it. It is therefore necessary to rethink the model while drawing inspiration from foreign models such as the Canadian media chronology, in order to take better account of these developments.
This study focuses on the french « media chronology », and its future against technological developments in the audiovisual and cinematographic industry. The « media chronology » system is a mecanism part of the cultural exception. It is a rule that sets time differences between the release of a film in theaters and its distribution on other media : videograms such as DVDs and Blu-rays, transactional video on demand (« VàDA »), television or subscription video on demand (« SVOD »). It is a real pillar in the financing of the French film production, but the emergence of new digital players such as SVOD plateforms unbalance it. It is therefore necessary to rethink the model while drawing inspiration from foreign models such as the Canadian media chronology, in order to take better account of these developments.
14
Le, Gouez Guillaume. « L'image malsaine : le trouble identitaire du cinéma Américain et ses modes de représentations dans les années quatre-vingt-dix ». Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H305.
Texte intégralRésumé :
Image hybride née de la contamination de l'image film par l'image vidéographique puis par l'image numérique, l'image malsaine du cinéma américain des années quatre-vingt-dix découle des modifications technologiques de la fin du XXe siècle. De fait, d'un point de vue esthétique, l'image malsaine, située habituellement aux abords de l'éthique de la représentation, n'est pas le résultat d'une sentence morale administrée par un regardant à un regardé, mais doit être traitée comme métaphore médicale capable de mettre en lumière les rapports dangereux qu'ont pu avoir, entre elles, les différentes natures d'images. L'image malsaine esquisse, dans ces rapports, dans ces mélanges qu'elle met en jeu, le cinéma du futur et réinvente la matière comme le langage du cinéma traditionnel américain. Modification du code génétique de l’image, naissance d'une représentation du corps numérique, ou encore volonté insatiable de mélanger toutes sortes de visuels pour créer des compositions hors normes, autant de facteurs qui poussent l'image cinématographique des années quatre-vingt-dix à se réinventer. L'image était déjà abjecte, grotesque, perverse voire pornographique dans le cinéma américain des années soixante-dix, elle deviendra, hybride, mutante et in fine malsaine lors des années quatre-vingt-dixHybrid image born of the contamination of the film image by the video image and then by the digital image, the unhealthy image of the American cinema during the nineties stemmed from the technological changes of the end of the 20th century. Indeed, from an aesthetic point of view, the unhealthy image, usually close to the borders of the ethics of representation, cannot be the result of a moral sentence administered by a looking at a watched. It cannot follow from a judgment of value, difficult to analyze, but must be treated as a medical metaphor, able to highlight the dangerous relationships that may have existed at the end of the 20th century. Also, she sketches, by reinvent the material and language of the traditional American movie, the cinema of the future. Modification of the genetic code of the image, the birth of a representation of the digital body, or the insatiable des ire to mix all sorts of visuals to create out-of-the-ordinary compositions, a lot of factors that push the nineties cinematographic image to reinvent herself. The image was already abject, grotesque, perverse or even pornographic in the American cinema of the Seventies, it will become, hybrid, mutant, and definitely unhealthy in the nineties
15
Melquiond, Anne-Lise. « Apocalypse et fin du monde dans les séries télévisées américaines ». Thesis, Paris 10, 2019. http://www.theses.fr/2019PA100074.
Texte intégralRésumé :
Ce travail de recherche s’attache à analyser les discours que véhiculent les séries télévisées apocalyptiques américaines depuis 2001. Notre corpus de recherche est composé uniquement de séries télévisées. En effet, de par leur spécificité (comme la profondeur de temps, la complexité de la trame narrative ou la réception de la fiction dans l’espace domestique), les séries télévisées invoquent les nouveaux mythes contemporains. Il y a un intérêt à étudier les séries télévisées sous l’angle de la fin des temps et de la catastrophe : la représentation dans les séries télévisées de la catastrophe ne manifeste-t-elle pas de la conscience de la finitude de notre monde ? À travers l’analyse des caractéristiques propre aux séries apocalyptiques, on peut se demander comment survivre quand tout s’est effondré. De plus, les séries télévisées apocalyptiques présentent une particularité intéressante. En effet, la sérialité repose, entre autres, sur le temps long et déplace sans cesse la question de sa propre fin en la renvoyant à un éternel recommencement. Apparaît donc une contradiction entre d’une part, l’objet série qui n’en finit pas de ne pas finir et de l’autre, son sujet qui traite de la fin des temps. En outre, l’antagoniste prend la forme de robots humanoïdes, de zombies ou d’extraterrestres. Or, ces figures font écran à la menace réelle que connait la Terre, à savoir le réchauffement climatique et l’ensemble des désastres industriels. Ne préfère-t-on pas imaginer la fin du monde plutôt que la fin du capitalisme ? Le corpus comprend les séries (par ordre alphabétique) : Battlestar Galactica, Designated Survivor, Falling Skies, Jericho, The 100, The Last Man on Earth, The Leftovers, The Walking Dead et RevolutionThis doctoral dissertation aims at analyzing discourse in apocalyptic American TV series since 2001. Our corpus of analysis is composed of TV series only. Indeed, because of their specificities (the depth of time, the complexity of the narrative fabric or the reception of fiction within the home field) TV series summon the new contemporary myths. The end of the world and its catastrophes are angles worth studying in TV series: Doesn’t the representation of catastrophe illustrate the consciousness of the finiteness of our world? Through the analysis of the unique features of apocalyptic series, one may wonder how to survive when everything has collapsed. Furthermore, apocalyptic TV series offer a salient characteristic: the notion of series is based, among other features, upon an extended period of time and constantly pushes the question of its own end towards a perpetual renewal. The series which never ends coming to an end while tackling the subject of the end of time appears indeed as a contradiction. Besides, the antagonists take the shape of humanoid robots, zombies or aliens. Yet, these characters overshadow the real threat. That is to say global warming as well as all the industrial disasters. Wouldn’t we prefer to imagine the end of the world rather than the end of capitalism?The corpus is composed of the following TV series, hereby noted in the alphabetical order: Battlestar Galactica, Designated Survivor, Falling Skies, Jericho, The 100, The Last Man on Earth, The Leftovers, The Walking Dead and Revolution
16
Robert, Marc-André. « Une société pragmatique le Québec agricole et rural de l'après-guerre dans le cinéma documentaire de l'abbé Maurice Proulx, 1946-1959 ». Mémoire, Université de Sherbrooke, 2010. http://savoirs.usherbrooke.ca/handle/11143/2624.
Texte intégralRésumé :
La société agricole et rurale québécoise de l'après-guerre a longtemps été mise de côté par les historien(ne)s et chercheur(e)s en sciences humaines et sociales. Victime de préjugés, subissant les contrecoups d'une historiographie modernisante qui émerge à partir des années 1960 et qui compte faire table rase d'un certain passé « noirci », qualifiée souvent de traditionnaliste et de conservatrice, puis de normale, voire moderne, cette société n'est pourtant pas si dichotomique. Elle évolue, ni plus ni moins, dans un monde qui se transforme et qui laisse présager les grands bouleversements de la Révolution tranquille.La décrire en l'associant à l'un ou l'autre des antagonistes du couple tradition/modernité ne permet pas d'en saisir toute la complexité. Au surplus, dire qu'elle incarne à la fois les vestiges de la tradition et les élans de la modernité revient à ne rien dire du tout. C'est pourtant ce que l'historiographie des vingt dernières années nous apprend. Le modèle tradition/modernité ne convient plus à l'analyse de la société agricole et rurale québécoise de l'après-guerre. C'est ce que l'étude du cinéma documentaire de l'abbé Maurice Proulx (1902-1988) nous porte à croire. Les représentations du monde rural extraites de son oeuvre parue entre 1946 et 1959 témoignent plutôt de la pertinence du paradigme pragmatisme/idéalisme comme cadre conceptuel. Nos recherches sur les films de Maurice Proulx montrent une société rurale québécoise d'après-guerre fondamentalement pragmatique. Tant sur les plans social que culturel, cette société, bien ancrée sur le réel, comprend la nécessité de s'adapter aux transformations économiques qui viennent ébranler son monde tout au long de la période. Et dans les faits, elle s'adapte. L'heure n'est pas aux réflexions idéologiques, ni aux grandes remises en question. L'heure est à l'actualisation; l'heure est à l'action. Le cinéma de l'abbé Maurice Proulx, prêtre-agronome pionnier du film documentaire québécois, permet une telle lecture de l'après-guerre rural au Québec. L'oeuvre cinématographique de Proulx, patrimoine culturel national depuis 1977, est une des seules fenêtres visuelles et sonores donnant sur cette époque. Méconnue, mais surtout peu étudiée, elle constitue un témoignage unique sur la société rurale qui traverse alors une période de profonds bouleversements.
17
Le, Poullennec Annael. « L'espace post-apartheid dans le cinéma sud-africain : état des lieux de la fiction (2000-2010) ». Thesis, Aix-Marseille, 2013. http://www.theses.fr/2013AIXM3053.
Texte intégralRésumé :
Cette thèse vise à définir l’espace post-apartheid tel qu’il est représenté dans le cinéma sud-africain. Depuis 1994, l’Afrique du Sud démocratique constitue un nouvel espace géographique et socio-économique, profondément marqué par l’héritage de l’apartheid. Notre thèse vise à conjuguer l’analyse stylistique de films sud-africains et une réflexion civilisationniste, influencée par la géographie et la sociologie, sur ce qui fonde l’espace post-apartheid. Nous étudions le cinéma de fiction qui permet la représentation de l’espace tel qu’il est perçu, voire souhaité par le cinéaste, parfois en contradiction avec les enjeux commerciaux. La refondation du cinéma sud-africain après 1994 a-t-elle donné naissance à une nouvelle représentation de l’espace ?L’espace post-apartheid au cinéma se définit d’abord en rapport avec l’ancien espace, en opposition ou dans la continuité. Notre étude se concentre sur l’héritage de l’apartheid dans les années 2000, dans l’industrie du film et dans la mise en image d’un territoire national clivé et de villes divisées. Nous abordons ensuite la représentation récurrente de trajectoires individuelles en butte à cette géographie héritée, focalisation qui contribue à mettre à distance l’espace prescrit par l’ancien régime. Nous établissons enfin que l’espace cinématographique post-apartheid est défini en rapport avec la construction d’une nouvelle identité depuis 1994. Certaines ambiguïtés en découlent, dans la représentation du township et des étrangers africains ou dans la réception des films, et soulignent la redéfinition complexe de l’espace et de l’identité en Afrique du Sud afin que celle-ci puisse être véritablement « nouvelle »This study focuses on the representation of post-apartheid space in indigenous South African fiction films. I work towards a definition of cinematic post-apartheid space, putting forth its ambivalent relations to the apartheid past, between heritage and rejection, on the levels of geographical space, socio-economic space and, mostly, represented space. I situate myself at the intersection of South African cultural studies and reflections on post-apartheid space, and of the study of the new South African cinema. I focus on fiction since it gives most room for filmmakers to represent space as they perceive it, or desire it, to be, and on feature films which carry most of the South African industry’s ambitions in terms of international recognition.I first look at the heritage of apartheid in terms of the South African film industry, the divisions of the national territory and the structure of the South African city. I argue that post-apartheid cinematic space is first and foremost defined in relation to apartheid space, whether in opposition or in terms of heritage. However, recurrent representations of individual trajectories clash with that inherited geography and are a means for filmmakers to distance themselves from the previously prescribed relations between characters and space. I also argue that the definition of a new South African identity is crucial to the characterization of post-apartheid space in films. The ambiguous representations of township space or African foreigners in South African films and the emphasis on the nationality of films in film reception put forth how deeply paradoxical the reinvention of space and identity is in post-apartheid South Africa
18
Nadeau-Bernatchez, David. « Le documentaire : rétrospective critique d'un genre cinématographique et applications dans le cadre académique contemporain ». Thesis, Université Laval, 2006. http://www.theses.ulaval.ca/2006/24084/24084.pdf.
Texte intégral
19
Fergusson, Annie. « Modes of engagement in theatrical documentary ». Thesis, Queensland University of Technology, 2006. https://eprints.qut.edu.au/16415/1/Annie_Ferguson_Thesis.pdf.
Texte intégralRésumé :
This research aims to chart four modes of engagement in post-verite documentary films, devoted to an exclusive examination of theatrical formats, that being those documentaries which are originally intended for a cinema audience. As these theatrical documentaries provide a means for spectators to see through the cinema screen and into the real world, it is important to understand how this 'seeing through' is constructed by the documentary production itself. This thesis acknowledges that the 'learning' of documentary stories and subjects has broadened for the global audience of today. After exploring various separate critiques of documentary voice theory, the definition of documentary and film semiotics, I have devised eight paradigms for creating this 'learning' or 'documentary consciousness' in these theatrical or cinema documentaries. I have explored how these eight paradigms can be observed to function in four different modes. These modes contribute to an evolving understanding of viewer comprehension; that thing called documentary consciousness. This is demonstrated through the audio-visual appendix of clips taken from the proto-typical theatrical documentaries I have chosen to analyse, which are:
'Bowling For Columbine' by Michael Moore (2003), which is illustrative of what I have dubbed the 'Outcome Mode';
'Etre et Avoir' ('To Be And To Have') by Nicholas Philibert (2004), which exemplifies what I call the 'Participant Mode';
'My Architect' by Nathaniel Kahn (2005), an example of the 'Journey Mode';
'Baraka' by Magidson Films (1996), a model of the 'Mandala Mode'.
20
Fergusson, Annie. « Modes of engagement in theatrical documentary ». Queensland University of Technology, 2006. http://eprints.qut.edu.au/16415/.
Texte intégralRésumé :
This research aims to chart four modes of engagement in post-verite documentary films, devoted to an exclusive examination of theatrical formats, that being those documentaries which are originally intended for a cinema audience. As these theatrical documentaries provide a means for spectators to see through the cinema screen and into the real world, it is important to understand how this 'seeing through' is constructed by the documentary production itself. This thesis acknowledges that the 'learning' of documentary stories and subjects has broadened for the global audience of today. After exploring various separate critiques of documentary voice theory, the definition of documentary and film semiotics, I have devised eight paradigms for creating this 'learning' or 'documentary consciousness' in these theatrical or cinema documentaries. I have explored how these eight paradigms can be observed to function in four different modes. These modes contribute to an evolving understanding of viewer comprehension; that thing called documentary consciousness. This is demonstrated through the audio-visual appendix of clips taken from the proto-typical theatrical documentaries I have chosen to analyse, which are: 'Bowling For Columbine' by Michael Moore (2003), which is illustrative of what I have dubbed the 'Outcome Mode'; 'Etre et Avoir' ('To Be And To Have') by Nicholas Philibert (2004), which exemplifies what I call the 'Participant Mode'; 'My Architect' by Nathaniel Kahn (2005), an example of the 'Journey Mode'; 'Baraka' by Magidson Films (1996), a model of the 'Mandala Mode'.
21
Lee, Sun-Woo. « Apichatpong Weerasethakul entre réalité et imaginaire ». Thesis, Paris 10, 2017. http://www.theses.fr/2017PA100194/document.
Texte intégralRésumé :
Cette étude est consacrée à l’analyse de la coexistence de la réalité et de l’imaginaire dans l’œuvre d’Apichatpong Weerasethakul. Les modalités de rencontre et de croisement de ces deux dimensions dans un film ou entre des films sont éclaircies à travers des observations pratiques et détaillées. Partant de l’analyse de l’influence de deux cultures différentes – la sensibilité autochtone thaïlandaise et la tendance du cinéma expérimental occidental – nous envisageons d’une part les modalités de captation des scènes de la vie réelle et d’autre part la manière de découvrir et de révéler le côté invisible qui entoure ce champ visible. La narration filmique est représentée de manière diverse en déviant de la règle classique. Dans le processus de formation d’une histoire, des matières hétérogènes sont englobées et des textes divers sont connectés. Par ailleurs, l’univers flexible et libre de Weerasethakul présuppose toujours des temps multiples virtuels, caractéristique essentielle que l’on retrouve dans toutes ses œuvres, des courts-métrages aux installations en passant par les long-métrages. Par conséquent, la distinction entre la dimension réelle et la dimension irréelle/surréelle perd en clarté ; la ligne de distinction est quasiment annulée. Le réalisateur propose ainsi une autre vision du monde se basant sur la tradition bouddhique thaïlandaise qui pourrait sembler absurde du point de vue du rationalisme moderne de l’Occident. En traversant ainsi les discussions autour du monde hybride de Weerasethakul, cette étude a pour ambition de démontrer que son cinéma (re)trouve la beauté et la puissance de la réalité à travers l’imaginaireThis study is about the analysis of the coexistence of reality and imagination in the work of Apichatpong Weerasethakul. The modalities of encountering and crossing of these two dimensions in a film or between films are clarified through practical and detailed observations. On the basis of an analysis of the influence of two different cultures – the Thai indigenous sensibility and the tendency of Western experimental cinema –, we search on the one hand the modalities of capturing the scenes of real life, and on the other hand how to discover and reveal the invisible side that surrounds this visible field. The narrative of his films is represented in a diverse way by deviating from the classical rule. In the process of forming a narrative, heterogeneous materials are embraced and various texts are connected. Moreover, the flexible and free world of Weerasethakul always presupposes virtual multiple times, an essential characteristic that can be found in all his works, from short films to installations to the feature films. Therefore, the distinction between the real dimension and the unreal / surreal dimension loses clarity; the line of distinction is virtually canceled. The filmmaker thus proposes another view of the world based on the Thai Buddhist tradition that might seem absurd from the point of view of modern rationalism of the West. By crossing the discussions around the hybrid world of Weerasethakul, this study aims to demonstrate that his cinema (re)finds the beauty and power of reality through the imagination
22
Barbat, Victor. « Roman Karmen, la vulgate soviétique de l'histoire : stratégies et modes opératoires d'un documentariste au XXème siècle ». Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H047.
Texte intégralRésumé :
A travers l’étude de l’œuvre du cinéaste Roman Karmen, nous souhaitons reconstituer un patrimoine et tenter d’en définir les enjeux autour de questions historiographiques. En effet, les images de l’opérateur soviétique n’ont pas seulement marqué l’histoire du XXème, elles ont en partie contribué à la construire en un objet unique. Les propriétés métonymiques de l’image (photographies et prises de vues) ont bouleversé notre perception en même temps qu’elles ont participé à la construction d’un récit historique général d’un nouvel ordre. Il s’agit d’un récit visuel complexe où se mêlent prises de vues sur le vif et mises en scène, motifs et emblèmes, personnages principaux, personnages secondaires et masses anonymes. Disséminées, ces prises de vues constituent le principal réservoir d’images dites d’archives dont se servent régulièrement les documentaristes contemporains pour faire « témoigner l’Histoire ». Retracer le parcours de Karmen permet de revenir aux sources de ces images, de comprendre leurs enjeux, leurs contextes de production et leurs rapports au sein d’une œuvre dont le récit se confond avec l’Histoire. Nous faisons ici l’hypothèse que ce récit constitué de prises de vues, d’actualités et de films documentaires est à l’origine « d’une vulgate soviétique de l’Histoire »With the study of Roman Karmen’s cinematographic work, we want to retrace a heritage and to identify its implications through an historiographical approach. Not only did the Soviet filmmaker’s images go down in history but they also contributed to shape the twentieth century into a single object. Indeed, the metonymic properties of Karmen’s shootings (cinematographic photography and live action) upset our perception and contributed to build an historical account that sustains a new order. It is a complex visual narrative bringing together live action and staging, subjects and emblems, main characters, secondary characters and anonymous masses. Disseminated, Roman Karmen’s work is the main reservoir of “archival images” often used by contemporary documentary filmmakers as a mean to present “first-hand History”. Following Roman Karmen’s artistic itinerary allows us to gain a better understanding of these images: their initial purposes, their making process, and their relationships in a work within which story merges with History. We assume that this narrative consisting of pictures, cinematic newsreels, and documentary films shaped the “Soviet vulgate of history”
23
Pelletier-Huot, Maxime. « Modes et approches du cinéma documentaire : réflexion autour du projet American Utopias ». Thèse, 2015. http://hdl.handle.net/1866/13774.
Texte intégral
24
Deraeve, Jeroen. « Le rôle des festivals de cinéma internationaux dans l'émergence du cinéma iranien ». Thèse, 2015. http://hdl.handle.net/1866/12566.
Texte intégralRésumé :
Jusqu’à la fin du vingtième siècle, les études sur le cinéma iranien ont tendance à aborder ce cinéma par rapport à la Révolution islamique de 1979, c’est-à-dire à le diviser en deux époques, prérévolutionnaire et postrévolutionnaire. Cette recherche s’inscrit dans une pensée récente qui étudie l’émergence de ce cinéma national en tant que cheminement continu et dominé par des politiques culturelles contradictoires et ambiguës.
Dans cette étude, nous ferons au premier chapitre un survol de l’histoire du cinéma iranien, avec un intérêt particulier pour la culture des festivals. Il s’agira de décrypter les enjeux politiques et culturels qui dirigent les décisions du gouvernement et des professionnels de l’industrie. Le deuxième chapitre proposera un questionnement sur la notion de cinéma national, et appliquera cette notion au cinéma iranien. Une attention particulière sera portée à la Fondation du cinéma Farabi, une institution clé dans la promotion du cinéma national et dans l’émergence des films iraniens dans les festivals de films internationaux. Finalement, le troisième chapitre présentera le rôle des festivals dans l’industrie cinématographique ainsi qu’une analyse de l’évolution des films iraniens présentés au Festival des films du monde de Montréal afin de démontrer l’influence des politiques culturelles iraniennes floues sur la présence des films iraniens dans les festivals occidentaux.Until the end of the twentieth century, studies on Iranian cinema consider the Islamic Revolution of 1979 as a turning point in the history of this cinema, i.e. they divide its history in two eras, pre-revolutionary and post-revolutionary. This research joins the recent idea that this national cinema emerged as a continuous progression dominated by contradictory and ambiguous cultural policies. In the first chapter of this essay, we will paint a general picture of the history of Iranian cinema, and its festival culture in particular. We will clarify the political and cultural incentives that orchestrate the decisions of the authorities and the industry’s professionals. The second chapter will question the notion of national cinema, and will apply this notion to Iranian cinema. Special attention will be paid to the Farabi Cinema Foundation, a key institution in the promotion of Iranian national cinema and in the emergence of Iranian films in international film festivals. Thereafter, the third chapter will present the role of festivals in the film industry and an analysis of the evolution of Iranian films presented at the Montreal World Film Festival in order to demonstrate the influence of vague Iranian cultural policies on the presence of Iranian films in Western films festivals.
25
Benammar, Samy. « Fragments d’Alep : images et mémoire d’une guerre naviguée ». Thèse, 2019. http://hdl.handle.net/1866/23773.
Texte intégralRésumé :
Fragments d’Alep est le récit d’une navigation à travers des images de guerre. Celle-ci débute en 2016, année d’intensification et de conclusion de la guerre civile d’Alep. Elle tente de retrouver les moments marquant de la constitution d’un imaginaire de guerre et du monde arabe par son auteur. Imbriquée dans une mémoire technique où l’histoire de la représentation du Moyen-Orient semble déterminée par les transformations liées à l’ère du numérique, cette navigation devient le lieu de digression qui souhaite interroger les images de guerre à travers les textures des écrans qui les ont diffusées.Fragments of Aleppo draws a navigation through images of war. It begins in 2016, year of the intensification and conclusion of the civil war in Aleppo. It is an attempt from the author to find the key points of the building of the collective imagination as regards war and the Arab world. Embedded in a technical memory where the history of the representation of the Middle East seems determined by the transformations engendered by the digital age, this navigation becomes a site of digression that wants to interrogate images of war through the texture of the screens that broadcast them.
26
Vachon, Benoit. « La collaboration chez Pierre Perrault : étude comparative de Pour la suite du monde et La bête lumineuse ». Thèse, 2013. http://hdl.handle.net/1866/10035.
Texte intégralRésumé :
Ce mémoire propose une analyse de la collaboration à l’intérieur de projets cinématographiques dans l’œuvre de Pierre Perrault. Comme la collaboration entre cinéaste et participants soulève des questions éthiques, cette recherche étudie deux films pivots dans la carrière de ce cinéaste soit Pour la suite du monde et La bête lumineuse. Tout en contrastant le discours du cinéaste avec celui d’un protagoniste nommé Stéphane-Albert Boulais, cette étude détaille les dynamiques de pouvoir liées à la représentation et analyse l’éthique du créateur.
Ce mémoire présente une description complète de la pensée de Pierre Perrault, ainsi que sa pratique tant au niveau du tournage que du montage. Cette étude se consacre à deux terrains cinématographiques pour soulever les pratiques tant au niveau de l’avant, pendant, et après tournage. Ce mémoire se penche ensuite sur Stéphane-Albert Boulais, qui grâce à ses nombreux écrits sur ses expériences cinématographiques, permet de multiplier les regards sur la collaboration. Après une analyse comparative entre les deux terrains cinématographiques, ce mémoire conclut sur une analyse détaillée de l’éthique du créateur à l’intérieur de projets collaboratifs.This research presents an analysis of collaboration in Pierre Perrault’s film projects. Since collaboration between filmmaker and participants raises ethical issues, this research examines two pivotal films in Perrault’s career: Pour la suite du monde and La bête lumineuse. Contrasting the filmmaker’s discourse with that of Stéphane-Albert Boulais, a protagonist in one of the movies, this study details the power dynamics linked to representation and analyzes the filmmaker’s ethics. This research presents a full description of Pierre Perrault’s approach to filmmaking, as well as his practice in both shooting and editing the movies. It focuses on two film locations to highlight Perrault’s practices before, during and after the shooting of these movies. It then looks at Stéphane-Albert Boulais, whose many writings documenting his filmmaking experiences, provides multiple views on collaboration. Following a comparative study of both film locations, this research concludes with a detailed analysis of Perrault’s ethics within the framework of collaborative projects.