Thèses sur le sujet « Histoire matérielle de l'art »

Cette recherche sociologique examine la signification sociale de l'irruption massive des objets dans l'art contemporain occidental vers 1960 qui achève un mouvement long allant de l'introduction des objets dans les images religieuses (Giotto) à leur représentation picturale (Natures mortes), puis à leur présentation concrète (ready-mades, Accumulations, installations). La notion d'emblématique artistique de la matérialité permet d'intégrer ces pratiques artistiques aux stratégies sociales d'appropriation positive de la vie terrestre et de désenchantement du monde (cf. M. Weber). La notion d'emblématique artistique propose, via la résilience, de faire de l'artiste un sujet actif de la production et de la réception de l'art en l'articulant aux groupes sociaux, aux institutions et à la socialisation. Cette notion rediscute les rapports de l'art à l'idéologie, l'emploi des métaphores économiques (marché, concurrence, bien) dans le champ artistique, la réception en cercles concentriques
This sociological research deals with the social meaning of the sudden flow of objects into contemporary Western art that occurred about 1960, at the tail-end of a long-lasting process in the course of which objects were first introduced into religious imagery (Giotto), then became the subject of pictures (Still Lifes), finally to be presented in concrete form (as ready-mades, accumulations, installations). Introducing the notion of ‘artistic emblematics' as applied to materiality, will enable us to assimilate these artistic practices to social strategies for the positive appropriation of earthly life and for disenchanting the world (cf. M. Weber). This notion of ‘artistic emblematics' points, via that of resilience, to a vision of the artist as an active subject of the production and reception of art, by showing how she operates within social groups, institutions and socialization. This notion reopens the debate on the relationship of art with ideology, the use of economic metaphors (market, competition, goods) in the artistic field, and reception in concentric circles

Dans l’ensemble des recherches consacrées au vêtement, la mode enfantine française reste peu étudiée. Pourtant le vestiaire enfantin occidental du 18e siècle à nos jours, est abondamment présent dans les collections des musées de mode, d’ethnologie ou d’arts décoratifs. En partant de l’étude de ces fonds majoritairement inexploités et en les croisant avec des archives de la confection et des témoignages d’usagers, notre thèse analyse la relation de l’enfant à son vêtement. S’il possède des capacités à parler, à manipuler et à vouloir, l’enfant quand il nait n’est pas imprégné des usages qui fondent nos vies en société. L’éducation de l’enfant consiste, dans un rapport de dépendance constant à l’adulte, à socialiser le petit d’homme pour le faire entrer dans l’histoire. En prenant en compte la capacité du vêtement à habiller les identités et à investir le porteur d’un statut particulier, notre étude l’envisage comme un outil essentiel d’imprégnation dans les mains de l’adulte. Parallèlement, système technique manipulable, ensemble de sensations, objet d’envies et de fantasmes, le vêtement est utilisé par l’enfant à sa manière. Afin de sortir d’un regard purement adulte, nous avons cherché à déconstruire ce processus de socialisation en analysant l’appropriation du vêtement par l’enfant. Ainsi, croisée avec des données historiques, sociologiques ou ethnologiques, l’étude des vêtements d’enfant issus des collections muséales française apporte un autre éclairage à l’histoire de l’enfant et montre l’apport de la culture
Despite the abundance of children’s clothes in the collections of French Fashion, Applied Arts and Folk Museums, Children’s Fashion is not a major topic in Fashion History. Crossing a corpus of artefacts with ethnographical, historical and sociological testimonies and archives from the Fashion Industry, this research intends to analyse the relationship between the child and its clothing. Despite its abilities to talk, manipulate and desire, the child is not imbued by the habits defining social beings. Therefore, in a constant interdependence with the adult, the child’s education consists in its socialisation to bring him into history. Through the analysis of the capacity of Fashion to dress the identities, this research approaches clothing as an education tool in the hands of the adults. In parallel, as a technical handling kit, a set of sensations and an object of desire, clothing is an adoptable system by the child who dresses up itself as it wants. In order to avoid an adult focus, this study looks also at the deconstruction of this socialisation process by analysing the appropriation of fashion by children. Finally, this study of children’s clothing provides another approach to Childhood History and shows the essential contribution of the study of the Material Culture to a Childhood Sociology, source of knowledge of the mechanisms of our society

Le présent mémoire porte sur les matériaux et les instruments utilisés en dessin à la Renaissance. Le papier, qui fait son apparition en Europe au 12e siècle, permet aux artistes de développer un art – l’arte del disegno – jusqu’alors considéré comme une pratique relevant davantage de la technique que de la créativité. Grâce aux différents instruments (pointes de métal, plumes, pinceaux) et matériaux (encre, pierre noire, sanguine), ainsi qu’aux diverses techniques (lavis, hachures, estompe), les artistes renaissants parviennent à concevoir la nature et la figure humaine non plus en tant que forme géométrique, mais plutôt comme expression de l’esprit. L’analyse du processus de fabrication des papiers et instruments, de la préparation des matériaux et des multiples usages de l’ensemble de ces outils permet de mieux comprendre cette nouvelle conception de l’art.

Cette thèse explore les propriétéset l’emploi des peintures à l’huile à base deblanc de zinc de l’échelle nano- et microscopique jusqu’à l’échelle macroscopique desœuvres d’art.Le blanc de zinc (ZnO), pigment modernedéveloppé à la fin du XVIIIe siècle en tantqu’alternative non toxique au blanc de plomb,a été adopté dans la peinture à l’huile au milieudu XIXe siècle. Initialement utilisé aux côtésdu blanc de plomb, son pouvoir couvrant plusfaible et sa brillance en ont fait un pigment dechoix pour les mélanges de couleurs, les pointslumineux, mais aussi les empâtements et lespréparations. Cependant, il peut provoquer desproblèmes de conservation, par exemple en raison de la formation de savons de zinc, ce qui aété le focus principal de plusieurs études.Connaître ce pigment est donc crucial pourles études techniques des œuvres d’art et leurconservation. Dans ce but, cette rechercheest centrée sur deux axes : l’étude des propriétés physico-chimiques du blanc de zinc et del’ampleur et des modalités d’emploi du pigment.L’analyse de plusieurs types de matériaux estcomplétée avec des recherches documentaires etune enquête auprès des professionnels du patrimoine.Le premier axe est abordé à traversl’analyse, à l’échelle nano- et micromètrique,d’un large corpus, unique et varié, de matériauxd’artiste historiques et modernes des fabricantseuropéens et américains principaux, et d’unesélection d’échantillons issus d’œuvres, qui sontcomparés à des matériaux de référence et desmodèles de peinture. Plusieurs types de techniques d’analyse sont utilisés, allant de méthodes de laboratoire conventionnelles (microscopie optique et électronique, DRX) jusqu’à delarges instrumentations telles que l’accélérateurde particules AGLAE (PIXE, IBIL) et le synchrotron ESRF (DRX à haute résolution angulaire). Plusieurs composés ont été identifiés dansles matériaux de peinture, ce qui met en évidence certaines pratiques et adulterations desfabricants de couleurs. L’hydrozincite, probable produit de dégradation du ZnO, a été identifié dans plusieurs échantillons. Cette étudesouligne, parmi les matériaux historiques etmodernes, des différences de composition, detaille des particules de ZnO et de comportementde luminescence. La morphologie et la taille desparticules de ZnO et la pureté des matériauxanalysés suggèrent une synthèse par méthodeindirecte. La variété des comportements de luminescence, affectés également par d’autres facteurs liés au pigment et à son environnement,est, au contraire, plus difficile à interpréter.Le deuxième axe est abordé à partir descampagnes de fluorescence X sur une cinquantaine d’œuvres analysées in-situ dans lesmusées, et l’étude détaillée d’une sélection depeintures au laboratoire. Cette recherche explore différents emplois du pigment à partird’exemples précoces jusqu’à la moitié du XXesiècle, et constitue une véritable base de données des œuvres qui contiennent du blanc dezinc. En outre, l’étude souligne les limites del’identification du blanc de zinc, notamment surla seule base des analyses non-invasives de fluorescence X. L’intérêt d’un protocole non-invasifpour l’identification du pigment basé sur sa photoluminescence a été mis en valeur, ce qui estcomplémentaire à l’emploi de la cathodoluminescence pour l’étude invasive de matériaux depeinture.Cette recherche constitue donc une référencesur les propriétés physico-chimiques et l’emploidu blanc de zinc, offrant des informations surl’histoire matérielle du pigment et des œuvresd’art modernes en ouvrant des perspectives surleur conservation et authentification
: This thesis explores the propertiesand use of zinc white oil paints, from the nanoand micro-scale up to the macro-scale of artworks.Zinc white (ZnO), a modern pigment developed in the late 18th century as a non-toxicalternative to lead white, was adopted in oilpaint in the middle of the 19th century. Initially used alongside lead white, its lower covering power and brilliance made it a choice forcolour blends and highlights, but also for impastos and grounds. It can cause condition issues,for example due to the formation of zinc soaps,which have been the main focus of several studies.Knowing the pigment is, therefore, crucialfor technical studies and artwork conservation.Thus, this research focuses on two areas: thestudy of the physico-chemical properties of zincwhite and the extent and modalities of use of thepigment. The analysis of several types of material is complemented by documentary researchand a survey among heritage professionals.The first axis is addressed through the analysis, at the nano- and micro-scale, of a large,unique and varied corpus of historical and modern artists’ materials from the leading European and American manufacturers, and a selection of painting samples compared with reference materials and paint mockups. Several analytical techniques are used, from conventionallaboratory methods (optical and electron microscopy, XRD) to large facilities, such as theAGLAE particle accelerator (PIXE, IBIL) andthe ESRF synchrotron (high-angle resolutionXRD). Other compounds than ZnO were identified in the paint materials, shedding light oncertain practices of colour manufacturers andexamples of adulteration. Hydrozincite, a probable degradation product of ZnO, was identifiedin some samples. This study highlights differences in the composition and size of ZnO particles between historical and modern materials,as well as a luminescence behaviour that is moredifficult to interpret because it depends on several factors linked to the pigment and its environment. The morphology and size of the ZnOparticles and the purity of the materials analysed suggest synthesis via indirect method.The second axis is based on X-Ray Fluorescence (XRF) spectroscopy campaigns onaround fifty artworks analysed in-situ in museums, and the detailed study of a selection ofpaintings in the laboratory. This research showsdifferent uses of the pigment through examplesfrom the beginning of the 19th up to the mid20th century, which form a reference databaseof artworks containing zinc white. The studyalso calls into question the identification of zincwhite, particularly when solely based on XRFanalyses. The interest in a non-invasive protocol for pigment identification based on its photoluminescence was highlighted, which is complementary to the use of cathodoluminescencefor the invasive study of paint materials.This research constitutes a reference onthe physico-chemical properties and use of zincwhite; it provides information on the materialhistory of the pigment and modern artworks,opening up new perspectives for artwork conservation and authentication

L’épistémologisation de l’art dentaire se fonde sur l’évolution de deux concepts-clés des sciences de la nature : la matière, objet de la physique et de la chimie, et la vie, objet de la biologie. Elle est marquée par deux grandes discontinuités qui délimitent les trois grandes périodes de son histoire. La première discontinuité se situe au début du 18e siècle quand Fauchard, influencé par les idées de Galilée et de Descartes, fait de l’art dentaire une science de l’ingénieur et l’introduit dans la modernité. La seconde discontinuité a lieu à la fin du 19e siècle, après que l’art dentaire a intégré des concepts-clés énoncés par C. Bernard, Virchow et Pasteur qui accentuent sa biologisation et que des découvertes technologiques révolutionnaires le conduisent à instituer une alliance durable entre science et technique. Au 20e siècle, l’invention technique débouche sur l’affolement technique et la biologisation s’accélère. Alors l’art dentaire prend conscience de la nécessité d’atténuer la discordance entre valeurs organiques et valeurs mécaniques. Ce qui l’amène à renouveler son paysage disciplinaire, à se spécialiser et à adhérer à la pensée complexe. A la fin du 20e siècle, il accède aux mécanismes de la vie et se mêle d’ingénierie tissulaire, d’où de fortes présomptions d’une vaste réforme de son programme épistémologique et thérapeutique au 21e siècle
The epistemologisation of the dentistry is based on the evolution of two concept-keys of sciences of nature : matter, object of physics and chemistry, and life, object of biology. It is marked by two great discontinuities which delimit the three great periods of its history. The first discontinuity is at the beginning of the 18th century when Fauchard, influenced by the ideas of Galileo and Descartes, makes dentistry engineering and introduces it into modernity. The second discontinuity takes place at the end of the 19th century, after the dentistry integrated concept-keys stated by C. Bernard, Virchow and Pasteur who accentuate his biologisation and whom revolutionary technological discoveries lead it to institute a durable alliance between science and technology. At the 20th century, the technical invention leads to the technical panic and the biologisation accelerates. Then the dentistry becomes aware of the need for attenuating the discordance between organic values and mechanical values. What leads it to renew its disciplinary landscape, to specialize and adhere to the complex thought. At the end of the 20th century, it reaches the mechanisms of the life and is interfered tissue engineering, from where strong presumptions of a vast reform of its epistemological and therapeutic program to the 21th century

Au moment où, dans les années 1960, le poste de télévision trône au sein des foyers des pays industrialisés, les artistes tels que Edward Kienholz, Nam June Paik ou Wolf Vostell s’emparent de l’objet et conçoivent des boîtes télévisuelles issues de leur propres recherches artistiques sculpturales ou performatives : brouillage des programmes télévisuels, bétonnage des postes, désossement du contenant et détournement des contenus. Ces manipulations plus ou moins subversives transforment ce parallélépipède en un réceptacle d’objets divers qui, a fortiori, s’insère dans un autre environnement que celui de l’espace domestique : l’espace du Happening ou l’espace muséal ou bien dans le cadre d’un dispositif vidéo où l’objet retrouve sa fonction de diffuseur d’images. Cette étude rend compte du discours des artistes contre ou en faveur de la télévision, tout en analysant les répercussions physiques de ces positions sur le médium télévision. Or, la boîte télévisuelle ne se limite pas à la carcasse, à l’écran ainsi qu’aux composants électroniques, elle implique aussi des questionnements historiques et culturels sur le poste de télévision - objet polytechnique emblématique de la communication de masse. Cette appellation permet également de faire le lien avec les pratiques artistiques qui emploient et qui conceptualisent la boîte. En puisant ses sources dans l’histoire de l’art du XXe siècle et en prenant appui sur l’histoire socioculturelle et la création industrielle, ce travail envisage les procédés matériels et conceptuels par lesquels l’objet télévision entre dans le champ artistique aux Etats-Unis, en Allemagne et en France jusqu’au tournant des années 1990
In the 1960s, at time when the television set is implanted in the domestic space of industrial countries, artists like Edward Kienholz, Nam June Paik or Wolf Vostell, seized the TV set and created TV boxes: they caused interferences to the broadcasts, put the sets in concrete and manipulated the contents. The manipulations transform the television set into a receptacle filled with heteroclites and salvaged objects and with the video device, it becomes a monitor. Actually, when the television set get into the artistic field it becomes at the same time a TV box. The daily space of the TV box is not the living-room anymore but the space of the museum or the space of the Happening. Besides, this work analyses the discourses for or against the television and the artistic repercussions on the TV set. Nevertheless, the TV box could not be limited to the framework, to the screen or to the electronic components, this appellation involved historical and cultural issues about the TV set- an emblematic polytechnic’ object of mass communication. The TV box enables to examine also the relationship with other artistic productions that used and conceptualized the box. This work analyses the material and conceptual processes used by the artists to get the television set in the field of history of art in United-States, in Germany and in France until the beginning of the 1990s and it is strongly linked to various disciplines such as history of art of the twentieth century, the cultural and social history but also the history of industrial creation

L'objectif est de proposer une éthique d'"alliance" entre l'art et la nature, non par les moyens traditionnels de la représentation, mais par une approche poétique où la fabrication de l'oeuvre est un prolongement et un écho des mécanismes morphogénétiques de l'univers. Méthodologiquement, il est fait appel à une approche iconologique mariant histoire de l'art, esthétique, poétique, approche constituant en elle-même un "exemple" de démarche propre aux plasticiens, ce qu'est l'auteur. Cette méthode s'applique à l'analyse d'oeuvres du passé (première partie) et la production de l'auteur, précisant ainsi ses racines dans son contexte de modernité (deuxième partie). Ainsi, sont d'abord analysés les rapports entre les données cosmologiques et les formes à quelques époques où ces relations sont particulièrement sensibles : pré renaissance, baroque, romantisme, impressionnisme. L'art contribue à fabriquer, autant que d'autres formes de connaissance, l'image du monde, par ses moyens propres de représentation, et surtout, dès l'âge romantique, par l'importance croissante du geste pictural dans les significations artistiques, comme écho accompagnant les découvertes et les changements de l'idée cosmologique. Ensuite, l'auteur décèle dans les pratiques picturales qu'il entreprend dans ses propres oeuvres, ce qui serait de l'ordre d'une alliance cosmique avec le monde. Décortiquant les apparences (signes, figures, thématiques) et la transparence (structures sérielles, processus poétique) on propose l'oeuvre comme une "de mesure" du monde et un "des ordre" de l'image du monde
The objective is to find an ethics of alliance between art and nature, not by the traditional ways of representation, but in a poetic approach in which the artwork making is an echo and an extend of the morphogenetic mechanisms of the universe. The methodology is an iconological research marrying history of art, aesthetics, and poetics - a specific art worker approach. Historical artworks are analysed (first part) and the author’s own production so, précising the roots and the modernity of the works (second part). At first, are analysed the relations between cosmological knowledges and artistic forms at some times very sensible to these relations: before renaissance, baroc time, romantism, impresionism. As other kind of knowledge, the art contributes to build the image of the world, with its own ways of representation, but, above all, by the more important place - since romantism - of the pain- ting proceedings in the artistic meanings, in the time of discoveries and changes in cosmological ideas. At last, a cosmic connection with the world is found in some pictorial practices. Searching in the appearances (sing, figures, thematic) and and the "transparence" (serial structures, poetic process), the artwork is seeing like an" un measure" of the world, and a "of the world, and a "disorder" of its image

Réalisée essentiellement à partir de documents d'archives et de notes écrites par un musicien de l'orchestre municipal, cette étude définit les différents aspects de l'art lyrique à Montpellier de 1789 à 1914. La présentation de la ville et de la société qui la compose (à partir du public du théâtre) est suivie de l'historique des différentes salles de spectacles ou se développe l'opéra : le théâtre de la place de la Comédie, pôle d'attraction de la vie artistique, le théâtre provisoire, et les autres salles qui ouvrent leurs portes dans la deuxième moitié du XIXe siècle. L'organisation administrative et financière de ces théâtres est ensuite l'objet d'une étude détaillée (présentation des directeurs, analyse des règlements et polices qui régissent les spectacles, durée des saisons lyriques, conditions d'abonnement et prix des billets, subventions versées par la ville, recettes et dépenses des salles de spectacles). Le travail se poursuit par la présentation des musiciens du théâtre ; après le rappel des principales obligations auxquelles sont soumis les artistes, la distinction est faite entre les instrumentistes de l'orchestre et les chanteurs. L'étude de l'orchestre met en relief l'évolution des effectifs et l'enrichissement progressif des pupitres, transformant le petit ensemble instrumental de la fin du XVIIIe siècle, en un véritable orchestre apte à accompagner les grands opéras. La présentation de la troupe attachée à la scène montpelliéraine est plus complexe : les artistes assurent souvent plusieurs emplois (ainsi dans l'opéra et le vaudeville) et sont soumis à l'épreuve des "débuts", mais progressive
Composed for the most part with the help of documents from the archives and notes written by a musician in the municipal orchestra, this study defines the different aspects of opera in Montpellier from 1789 to 1914. The description of the town and the society that composed it (taking as starting point the opera house audience) is followed by the history of the different theatres in which opera develops: the theatre in the "place de la Comedie", the pole of attraction of cultural life, the temporary theatre, and the other theatres which open in the second half of the 19th century. A detailed study is then made of the administrative and economic organization of these theatres (the managers and their careers, an analysis of the rules and regulations in force during productions, the length of the opera seasons, subscription conditions and ticket prices, subsides given by the town hall receipts and expenses in the theatres). The study continues with the presentation of the opera house musicians; after a reminder of the main tasks to be performed by the artistes, a distinction is made between the instrumentalists in the orchestra and the singers. The study of the orchestra highlights the increased numbers and the progressive enriching of the sections which change the little instrumental group of the end of the 18th century into a real orchestra capable of accompanying the grand operas. The presentation of the Montpellier opera company

Ma thèse-CIFRE intitulée La fabrique matérielle et symbolique de la ville : le cas de Villeurbanne de 1900 à 1950 porte sur l'analyse des mécanismes de la fabrique urbaine, tant matérielle que symbolique, dans le but de saisir les jeux d'acteurs et l'influence d'expériences urbaines extérieures à la municipalité, grâce auxquels des projets urbains ont pu être élaborés ou médiatisés dans le but de se conformer à un modèle d'urbanité. La fin du XIXe siècle correspond à une période de crispation identitaire à Villeurbanne en raison de la tentative d'annexion lyonnaise. La commune est dès lors mise en récit dans une logique de différenciation par rapport à Lyon afin de convaincre les décideurs politiques de rejeter l'annexion. Cette dernière a pour effet de rapprocher les édiles des communes potentiellement annexées et son échec se traduit par un développement de l'intercommunalité. Jules Grandclément, maire socialiste de 1908 à 1922, entreprend de rationnaliser la gestion municipale et il introduit des innovations urbaines dans une logique réformatrice avant 1914. La Première Guerre mondiale désorganise l'échelon municipal mais elle stimule un renforcement de l'interventionnisme municipal durant le conflit dont hérite la commune en 1919. Une pensée de Villeurbanne telle une ville et non plus une commune de banlieue, émerge alors chez les édiles, soit au moment de l'élaboration du plan d'aménagement, d'embellissement et d'extension. Des échanges de savoirs urbains s'organisent avec d'autres municipalités et plus particulièrement avec des experts lyonnais. Le maire Lazare Goujon (1924-1935) s'inscrit directement dans la continuité des initiatives de son prédécesseur. Il innove en mettant en place une politique urbaine ambitieuse qui modifie la morphologie urbaine en parant dès lors la commune de ses attributs urbains. L'audience des transformations urbaines à Villeurbanne est telle que celle-ci est représentée comme un exemple de cité moderne durant les années 1930. Dès leur arrivée à la tête de la municipalité en 1935, les communistes dénoncent la politique urbaine dispendieuse de leur prédécesseur, et ils mettent en place une politique locale s'inscrivant dans le cadre du Front populaire. La coloration politique de la commune durant l'entre-deux-guerres est effacée durant la Seconde Guerre mondiale au profit de l'idéologie du gouvernement de Pétain. Le marché immobilier, fortement ralenti depuis les années 1930 et bloqué durant la Seconde Guerre mondiale, est réactivé par la politique étatique du logement. Cette intervention de l'Etat dans le domaine de l'urbanisme engendre des conflits d'expertise mais elle crée surtout un décalage entre la fabrique matérielle et symbolique de la ville à l'échelon local.

De 1770 à 1914, le papier peint devient la première forme de décor de l'intérieur occidental. S'il a généralement donné lieu à une approche stylistique, nous ignorons encore beaucoup à son propos du simple point de vue matériel. Il s'agit ici de définir le cadre de sa création : l'entreprise, le studio de dessin, l'atelier, de voir comment et à qui il était vendu, de préciser sa pose, de façon à saisir sous le motif, ce poids de civilisation qui lui donne tout son sens. Au XVIIIe siècle, le papier peint est produit d'exception, relativement bien documenté. En utilisant les archives de la Maison du Roi et surtout les riches archives du fonds de la manufacture N. Dollfus & Cie à Mulhouse, il est possible de répondre partiellement aux questions posées. Au XIXe siècle, au contraire, alors que l'usage des papiers peints s'amplifie, avec la mécanisation progressive des procédés de fabrication, l'étude se concentre non sur celle des produits de haut de gamme, mieux renseignés, à partir essentiellement du fonds de la manufacture Jean Zuber & Cie à Rixheim : panoramiques, décors. . . Généralement méconnu, le papier peint apparaît comme un élément fondamental de la culture de l'intérieur
From 1770 to 1914, wallpaper became the premier decoration in western interiors. Until recently, its study is concentrated on the history of style and little is know about the general context in which it was produced. It is necessary to investigate the circumstances of its creation; the firm, the studio, the factory, and to study its marketing and consumption. By focusing on these aspects we achieve a greater understanding of what is lying beneath its surface and which gives it meaning. During the 18th century wallpaper was still produced for elite markets, about which a good deal is know. By using the archives the King's house, and, the rich archives of N. Dollfus & Co in Mulhouse, it is possible to provide an answer to some of the questions about its context. During the 19th century, the consumption of wallpaper increased with the introduction of mechanization : the study concentrates on products intended for elite markets, such as the "scenics", "decors" etc. Documented in the archives of the Jean Zuber & Co, Rixheim. This study establishes wallpaper firmly as a fundamental element of the culture of the interior at every level of society

Ma thèse-CIFRE intitulée La fabrique matérielle et symbolique de la ville : le cas de Villeurbanne de 1900 à 1950 porte sur l’analyse des mécanismes de la fabrique urbaine, tant matérielle que symbolique, dans le but de saisir les jeux d’acteurs et l’influence d’expériences urbaines extérieures à la municipalité, grâce auxquels des projets urbains ont pu être élaborés ou médiatisés dans le but de se conformer à un modèle d’urbanité. La fin du XIXe siècle correspond à une période de crispation identitaire à Villeurbanne en raison de la tentative d’annexion lyonnaise. La commune est dès lors mise en récit dans une logique de différenciation par rapport à Lyon afin de convaincre les décideurs politiques de rejeter l’annexion. Cette dernière a pour effet de rapprocher les édiles des communes potentiellement annexées et son échec se traduit par un développement de l’intercommunalité. Jules Grandclément, maire socialiste de 1908 à 1922, entreprend de rationnaliser la gestion municipale et il introduit des innovations urbaines dans une logique réformatrice avant 1914. La Première Guerre mondiale désorganise l’échelon municipal mais elle stimule un renforcement de l’interventionnisme municipal durant le conflit dont hérite la commune en 1919. Une pensée de Villeurbanne telle une ville et non plus une commune de banlieue, émerge alors chez les édiles, soit au moment de l’élaboration du plan d’aménagement, d’embellissement et d’extension. Des échanges de savoirs urbains s’organisent avec d’autres municipalités et plus particulièrement avec des experts lyonnais. Le maire Lazare Goujon (1924-1935) s’inscrit directement dans la continuité des initiatives de son prédécesseur. Il innove en mettant en place une politique urbaine ambitieuse qui modifie la morphologie urbaine en parant dès lors la commune de ses attributs urbains. L’audience des transformations urbaines à Villeurbanne est telle que celle-ci est représentée comme un exemple de cité moderne durant les années 1930. Dès leur arrivée à la tête de la municipalité en 1935, les communistes dénoncent la politique urbaine dispendieuse de leur prédécesseur, et ils mettent en place une politique locale s’inscrivant dans le cadre du Front populaire. La coloration politique de la commune durant l’entre-deux-guerres est effacée durant la Seconde Guerre mondiale au profit de l’idéologie du gouvernement de Pétain. Le marché immobilier, fortement ralenti depuis les années 1930 et bloqué durant la Seconde Guerre mondiale, est réactivé par la politique étatique du logement. Cette intervention de l’Etat dans le domaine de l’urbanisme engendre des conflits d’expertise mais elle crée surtout un décalage entre la fabrique matérielle et symbolique de la ville à l’échelon local
My thesis, entitled “The material and symbolic urban fabric : the case of the city of Villeurbanne from 1900 to 1950” aims to analyse the mechanisms of urban fabric in order to highlight the role of political actors and the influence of urban experiences that lie outside of the municipality, thanks to which urban projects have been developed and spread in order to adapt Villeurbanne to an urban model. The late nineteenth century was a period of identity tensions in Villeurbanne in reaction to the project of annexation of the city by his powerful neighbour, Lyon. Municipal Council spread identity discourses in order to distinguish Villeurbanne and Lyon, and to mobilise inhabitants and convince politicians to reject the annexation. Jules Grandclément, socialist mayor from 1908 to 1922, rationalized the municipal management and introduced innovations to reform the city befor 1914. World War I disrupted the municipal level, but stimulated municipal intervention in urban planification. During the preparation of urban plan, municipal councillors represented Villeurbanne, not as a simple suburb, but as a city, and they organized exchanges of urban kowledges with other municipalities and especially with municipal experts of Lyon. Mayor Lazare Goujon (1924-1935) was directly related to the continuity of the initiatives of his predecessor. He innovated by introducing an ambitious urban policy that modified the urban morphology giving to Vileurbanne its urban attributes. The audience of urban transformations was such that Villeurbanne was represented as an example of modern city during the 1930s. Upon arrival at the head of the municipality in 1935, the Communists denounced the expensive urban policy of its predecessor, and they implemented a local policy in the context of the Popular Front. The political color of the municipality during the inter-war period was erased during the World War II in favor of the ideology of the Petain’s government. The real estate market slowed since the 1930s and stopped during World War II, but was reactivated by the State housing policy in 1950s. This State intervention in the field of urban planning expertise created conflicts but mostly generated a gap between the material and symbolic fabric of the city at the local level

Le travail plastique est constitué par douze séries de photographies de tambours de machines à laver en marche, de miroirs circulaires et du métropolitain parisien au travers d'un judas de porte. Voir dans et au-delà d'un cercle vrombissant, le fixer et l'exposer en séries. Regarder, voir, viser, mais être vue quand l'autre, soudain, s'ouvre en miroir. Le monde est circulaire mais l'œil l'est aussi ; l'un, voyant l'autre, s'arrondit ; je vois le monde mais lui-même me voit, tandis que mon objectif décide de la vue à l'instant du déclenchement. Le photographique devient sujet de réflexion : qui-est-ce-qui voit ? Qu'est-ce-que le visible ? Dans mes photographies le mouvement rotatif dévoie la figure, le cercle entoure des variations lumineuses parfois très floues. Le chaos est dedans et l'œil, pourtant objectif, s'aperçoit qu'il est aussi vu(e), il est à la fois acteur et sujet de la photographie. Le photographe se perd en des métamorphoses que lie un cercle lieur. Les séries s'accumulent, traces de temps, elles cherchent l'image "originelle", celle-qui au point 0 décide le déclenchement, mais celle-ci est invisible, car le visible est plus rapide que mon objectif. Les photographies errent en œillade dans des temps contradictoires. À l'origine du temps il y a l'œil qu'elles figent du dedans. Et c'est un œil de fille | L'imaginaire masculin décrit l'œil maternel en monstre, l'artiste devient Persée tranchant le col de méduse. Il faudra donc que je retourne le propos pour saisir l'invisible et invincible voyeur qui succombe à mon œillade. Je fille cherche sa peau sous son masque, et celle-ci, pourtant fragile, se dérobera à l'effet lumineux pour exhiber une résistance fondamentale. Le visible est affaire de virginité
The plastic work is formed by twelve sets of photographies (drums of washing - machines, circular mirrors and photographies taken in the subway through a spy-hole). To observe in and beyond a throbbing circle, to fix it and to show it in series. To look, to see, to sight but to be seen when the other one opens in mirror. The world is circular as the eye also is. I can see the world, who itself can see me, while my lens determines the view when releasing the shutter. The photographic objet becomes matter of reflexion : who is seing ? What is about the visible ? In my photographies, the rotary notion misleads the form, the circle surrounds light variations witch are sometimes fuzzy. Chaos is inside and the eye when it supposed itself to be a lens, realizes it is a view, it is the same time actor and subject of the photography. The photographer is lost in transformations bound by a circle forming a trapping cavity. The series accumulate, prints of the time, there are looking for the originel picture, the one which determines the release a shooting but it is not visible, for the visible is faster than my lens. Photographies are late pictures, they glance and wander about contradictory times. At the beginning of time, there is the eye that they fix from within. And it is a girl's eye | the male imaginery describes the motherly eye as a monster, the artist becomes persee cutting off meduse's head. So i should reverse the remark to catch the invincible and invisible spy who yields to my glance. "I", as girl, search for her own skin under her mask and that one, still frail, will escape the light's effects to show a basic endurance. The visible is a matter of virginity

Ayant été marquée au XXe siècle par deux colonisations successives, japonaise et chinoise, l’île de Taïwan est aujourd’hui connue à la fois pour la menace chinoise à l’égard de indépendance de facto et pour son mouvement d’affirmation nationale. Cette île est, ainsi, un laboratoire idéal pour mener des débats sur l’hégémonie culturelle, la colonisation, le nationalisme, etc. Profitant de la subtilité des arts visuels, cette thèse aborde les expressions et les stratégies des acteurs de ce domaine telles qu’elles s’articulent autour de la question identitaire. Sur la période étudiée, soit une centaine d’années environ, le choix du langage esthétique, l’interprétation de l’autonomie de l’art, les hégémonies superposées, les traumatismes et les mémoires collectifs, le mouvement au nom de l’indigénisation, ainsi que l’occidentalisation et la mondialisation forment, ensemble, des ressources importantes pour les actions concernées, soit pour la résistance à la colonisation et au nationalisme officiels, soit pour l’action coloniale et la résistance à la transition identitaire. L’analyse des relations triangulaires entre la sinité, la taïwanité et l’occidentalité, dans ce domaine, favorise notre discussion qui revisite l’idée reçue sur l’hégémonie
During the 20th century, Taiwan was marked by both Japanese and Chinese colonial regimes, and is known today for political problems arising not only from the Chinese threat to the island’s de facto independence but also from its movement towards an affirmation of national identity. This island is thus an ideal laboratory for examining cultural hegemony, colonization, nationalism, etc. Through the subtleties of the visual arts, this thesis examines the modes of expression and the strategies adopted by those working in this field, which are driven by questions of national identity.Over a period of about a hundred years, the choice of aesthetic language, the interpretation of the autonomy of art, the superimposed hegemonies, the collective traumas and memories and the movement for indigenization, as well as westernization and globalization, have all constituted resources for the works concerned, either supporting resistance to official nationalism and colonization, or in favor of colonial action and resistance towards the identity transition. The analysis of the triangular relationship between Chineseness, Taiwaneseness and the western character in the field of visual arts provides material for this study, which revisits preconceived ideas about hegemony

Par l’étude de la question du support dans la sculpture de Constantin Brancusi (1876 1957), sculpteur moderne qui a révolutionné l’art par ses innovations, nous tentons de définir le cadre conceptuel du support et son statut, par rapport aux diverses expérimentations de l’artiste. L’analyse sera développée afin de déterminer en quoi le support de Brancusi, par rapport aux innovations qui le caractérisent, se démarque du modèle traditionnel. Entre 1907 et 1937, l’artiste entreprend des expérimentations sur le support : d’abord, il l’élimine, ensuite, il l’intègre et finalement, il lui donne en quelque sorte le statut d’œuvre. C’est par une analyse détaillée de trois œuvres : Le Baiser, Maïastra et L’Ensemble monumental de Târgu-Jiu que nous étudierons l’évolution du support. Cela déterminera si les conventions sur la présentation sculpturale seront brisées.

Une simple question résumerait notre problématique : comment définir les régimes d'historicité par le biais de la céramique? Comment circonscrire et décrire les rapports entre les pratiques (dans le cas de la céramique il s'agit des manières de produire et de diffuser les objets), les attentes (les structures qui empêchent ou favorisent ces pratiques) et les significations. Comment la céramique rend-elle possible la liaison entre le groupe social qui la produit ou l'utilise simplement et l'ensemble des conceptions et des croyances qu'il projette sur sa production? Il va sans dire qu'un tel lien fait de la céramique un objet de comunication entre le visible et l'invisible, l'inconscient du groupe et son activité quotidienne. Objet de communication entre le groupe et ses propres représentations, instance de diction des fantasmes et des peurs du groupe, noeud de relations entre le sujet et la nature, miroir de l'histoire de la socialisation et surtout site de projection (vers les origines par les mythes), la céramique apparaît comme l'une des médiations matérielles par lesquelles nous pouvons comprendre l'histoire du Congo (Brazzaville)
One question could sum up our preoccupation : how could one define "historiticity regimes" through ceramic? How could one describe relationship between pratics (how to make a work of art etc), waiting (structures that could favor or not these pratics) and meanings? How, which ceramic can be possible ties between a social group that produces it and representations, conceptions and beleives it projects on it? If this tie is obvious, so ceramic is a mean of communication betwenn visible and invisible, the collective uncounsciousness and material activity. Object of communication between a group and its representations, a way of telling narratives about fear, fantasms of a group, a crossing of relationships between subject and object, ceramic allow us to undestund the very congolese (Brazzaville) history

En 1943, René Hibran artiste français récemment émigré en Martinique affirme que dans l’île « il n’y a pas d’art local ou si peu, si réduit dans ses manifestations ! ». Déjà quatre ans plus tôt, le père Delawarde, faisait le même constat. Pourtant, en 2009, le monde de l’art s’est considérablement développé. Une esthétique spécifique s’est constituée loin de l’académisme occidental, l’expression plastique ne cesse de s’étoffer. Des lieux de diffusion se sont ouverts et proposent des expositions de qualité. Un discours scientifique se construit légitimant la production locale. La transmission est, en outre assurée grâce notamment à des écoles, dont l’Institut Régional d’Arts Visuels de la Martinique (IRAVM). Notre thèse s’attache à expliquer comment une telle évolution est possible compte tenu d’un contexte difficile subissant encore les affres du postcolonialisme. Nous postulons donc que le dispositif « histoire de l’art » s’est largement développé en soixante-dix ans. Influencé par le contexte postcolonial qui impose une résistance, par un monde littéraire qui initie la quête d’une expression identitaire singulière, l’art martiniquais est aussi tributaire de l’engagement de ses acteurs, et notamment d’artistes meneurs. Notre thèse s’appuie donc sur une vision sociale de l’art. Nous considérons notamment le monde de l’art comme un dispositif « histoire de l’art », c'est-à-dire un ensemble de quatre éléments corrélatifs : la production, la diffusion, la transmission et la légitimation. Une première période s’étalant de 1939 – début de la Seconde Guerre mondiale – à 1956 – premier bilan de la départementalisation – permet de poser les bases de ce dispositif. Durant le conflit mondial, la Martinique endure la politique raciste et répressif de l’Amiral Robert, le représentant de Vichy aux Antilles, ainsi qu’un blocus aggravant une situation économique déjà précaire. L’attachement à la métropole se complexifie. Entre fidélité et désillusion, un nouveau statut s’impose. En 1946, la Martinique devient un département français d’outre-mer. D’un point de vue culturel aussi la situation évolue. Déjà dans les années 1930, une série de publications d’étudiants noirs à Paris remet en cause l’assimilation coloniale : Légitime Défense, en 1932, L’étudiant Noir, en 1936 où Aimé Césaire parle pour la première fois de Négritude. La Martinique qui, jusque-là, n’avait regardé que vers la France hexagonale se tourne vers un nouveau centre : l’Afrique, et découvre une nouvelle facette de son identité. Les arts plastiques essuient ce bouleversement. Le conflit mondial fait de l’île, une terre de refuge, ou une escale, pour les intellectuels fuyant l’Europe nazie : André Breton, Claude Lévi-Strauss ou l’artiste cubain Wifredo Lam y font ainsi des séjours plus ou moins longs. D’autres artistes moins célèbres débarquent. Ils inaugurent des ateliers ouverts à tous et importent une vision de l’art inédite dans l’île. Avec eux, l’art n’est plus une activité oisive pour la jeune bourgeoisie, mais un lieu d’expression. Dès lors, des artistes locaux émergent, des artistes qui souhaitent exprimer l’identité nouvelle que les littéraires ont détectée. Ils sèment les bases de l’histoire de l’art de l’île. En effet, ils ne se contentent pas de créer, mais s’investissent dans toutes les instances du dispositif. En 1956, le député maire de Fort-de-France, Césaire, démissionne du Parti Communiste Français, déçu par les exactions du stalinisme et l’incapacité du PCF à combattre le postcolonialisme. Cette démission amorce une longue période de lutte contre le postcolonialisme. La Martinique est touchée par une crise sociale et économique, la départementalisation a déçu. En outre, certains pieds-noirs arrivés des pays du Maghreb nouvellement indépendants et certains CRS ne cachent pas leur mépris pour les populations noires. La situation est de plus en plus tendue et de violents conflits éclatent. Pour éviter que les conditions ne se détériorent – le spectre de l’Algérie est bien présent –, la France instaure une politique de répression et de migration. L’objectif est de faire taire toute résistance et de vider le pays de sa jeunesse, jeunesse qui est souvent à l’origine des émeutes. Mais cette répression ne fait qu’attiser la résistance qui s’organise d’abord dans le monde politique, puis dans des associations. Progressivement le fait national est reconnu. Si la Martinique est une nation, il lui faut une nouvelle identité. Les réflexions d’auteurs comme Edouard Glissant, Patrick Chamoiseau, Raphaël Confiant et Jean Bernabé vont alimenter cette quête identitaire. L’évolution de la commémoration de l’abolition de l’esclavage de 1848 participe aussi à la formation d’un peuple martiniquais acteur de son histoire passée et à venir. Les artistes se nourrissent de ces multiples considérations. L’Ecole Négro-Caraïbe propose une esthétique caribéenne riche de l’importance de ses soubassements africains. Le groupe Fwomajé se concentre sur toutes les racines fondant l’arrière-pays culturel de l’île : l’Europe, l’Afrique, l’Amérique et l’Asie. Des artistes indépendants s’inscrivent aussi dans cette quête d’une identité et d’une esthétique l’exprimant. Parallèlement, le dispositif aussi se construit. Un discours universitaire s’élabore. Les institutions culturelles se multiplient et ce, d’autant plus que la culture devient un enjeu politique majeur
In 1943, René Hibran, French artist who had recently moved to Martinique states : « il n’y a pas d’art local ou si peu, si réduit dans ses manifestations ! ». Already four years ago, Father Delawarde did the same comment. However, in 2009, the art world has expanded considerably. A specific aesthetic developed far away from Western academism, plastic expression not stopping to fill out. Places of diffusion have opened and offer expositions of quality. A scientific discourse builds up, thus legitimating local production. Transmission is also insured thanks to the work of schools, including the Institut Régional d’Arts Visuels de la Martinique (also known as IRAVM). Our thesis aims at explaining how such an evolution is possible given the difficult context still subject to the torments of postcolonialism. So, we postulate that “history of art” mechanism grew in seventy years. Influenced by the postcolonial context which imposes resistance, by a literary world which initiates an identity expression’s quest, Martinique’s art is also dependent on actor’s commitment, in particular leader artists. Our thesis relies on a social vision of art. We consider the art world as a “history of art” mechanism, as a whole of four interrelated elements: production, broadcasting, transmission and legitimization.A first period of time, spreading from 1939 – beginning of the Second World War – to 1956 – first statement of departmentalisation – allows to lay the bases of this mechanism. During the world conflict, Martinique had to face the racist and repressive politics of Admiral Robert, the Vichy government’s representative in the Antilles, as well as a blockade aggravating an already precarious economic situation. Attachment to the metropolis gets more complicated. Between fidelity and disillusionment, a new status emerges. In 1946, Martinique becomes an overseas French department. The situation also evolves from a cultural point of view. Already in the 1930’s, a series of publications from black students in Paris questions the colonialist assimilation: Légitime Défense, in 1932, L’étudiant Noir, in 1936, where Aimé Césaire talks for the first time of Negritude. Martinique, which had only looked so far in the direction of France, turns now to a new centre: Africa, and discovers a new aspect of its identity. Plastic arts follow this upheaval. The world conflict makes the island a place of safety, a call for all the intellectuals fleeing from Nazi Europe: André Breton, Claude Lévi-Strauss or Cuban artist Wifredo Lam stayed there for sojourns of varied lengths. Less famous artists also land on the island. They unveil workshops open to all and import a vision of art that is completely original. With them, art is no longer an idle activity for young bourgeois, but rather a place of expression. Local artists therefore emerge, artists wishing to express the new identity detected by literary people. Indeed, they do not just create, but invest themselves in all the mechanism’s elements. In 1956, Césaire, deputy mayor of Fort-de-France, resigns from the French Communist Party, disappointed by the exactions of Stalinism and the FCP’s incapacity to fight postcolonialism. This resignation starts a long period of time marked by a fight against postcolonialism. Martinique is affected by a social and economic crisis, departmentalisation disappointed many. Moreover, some pied-noirs arriving from newly independent Maghreb countries and some CRS do not hide their disregard from black populations. The situation gets even tenser and violent conflicts burst out. In order to avoid an aggravation of these conditions – the spectre of Algeria is well present in minds – France sets up a new politic focusing on repression and migration. The objective is to shut up any resistance and to empty the country from it youth, youth that is often at the origin of riots. However this repression, only strengthens the resistance, which organises itself firstly in the political world and secondly in the associative world. The national fact is progressively acknowledged. If Martinique is a nation, it then needs a new identity. Authors such as Edouard Glissant, Patrick Chamoiseau, Raphaël Confiant and Jean Bernabé will feed this quest for identity. The evolution of the celebrations related to the 1848 abolition of slavery also participates to the formation of the Martinique people actors of their past and their future. Such considerations nourish artists. The Negro-Caribbean School offer a Caribbean aesthetic that is rich from the importance of its African bases. The Fwomajé group concentrates its attention on all the roots funding the island’s cultural hinterland: Europe, Africa, America and Asia. Independent artists also join this hunt for an identity and an aesthetic that expresses this identity. In parallel, the mechanism builds up. An academic discourse is developing. Cultural institutions multiply, and even more since culture becomes a major political stake

En 1943, René Hibran artiste français récemment émigré en Martinique affirme que dans l’île « il n’y a pas d’art local ou si peu, si réduit dans ses manifestations ! ». Déjà quatre ans plus tôt, le père Delawarde, faisait le même constat. Pourtant, en 2009, le monde de l’art s’est considérablement développé. Une esthétique spécifique s’est constituée loin de l’académisme occidental, l’expression plastique ne cesse de s’étoffer. Des lieux de diffusion se sont ouverts et proposent des expositions de qualité. Un discours scientifique se construit légitimant la production locale. La transmission est, en outre assurée grâce notamment à des écoles, dont l’Institut Régional d’Arts Visuels de la Martinique (IRAVM). Notre thèse s’attache à expliquer comment une telle évolution est possible compte tenu d’un contexte difficile subissant encore les affres du postcolonialisme. Nous postulons donc que le dispositif « histoire de l’art » s’est largement développé en soixante-dix ans. Influencé par le contexte postcolonial qui impose une résistance, par un monde littéraire qui initie la quête d’une expression identitaire singulière, l’art martiniquais est aussi tributaire de l’engagement de ses acteurs, et notamment d’artistes meneurs. Notre thèse s’appuie donc sur une vision sociale de l’art. Nous considérons notamment le monde de l’art comme un dispositif « histoire de l’art », c'est-à-dire un ensemble de quatre éléments corrélatifs : la production, la diffusion, la transmission et la légitimation. Une première période s’étalant de 1939 – début de la Seconde Guerre mondiale – à 1956 – premier bilan de la départementalisation – permet de poser les bases de ce dispositif. Durant le conflit mondial, la Martinique endure la politique raciste et répressif de l’Amiral Robert, le représentant de Vichy aux Antilles, ainsi qu’un blocus aggravant une situation économique déjà précaire. L’attachement à la métropole se complexifie. Entre fidélité et désillusion, un nouveau statut s’impose. En 1946, la Martinique devient un département français d’outre-mer. D’un point de vue culturel aussi la situation évolue. Déjà dans les années 1930, une série de publications d’étudiants noirs à Paris remet en cause l’assimilation coloniale : Légitime Défense, en 1932, L’étudiant Noir, en 1936 où Aimé Césaire parle pour la première fois de Négritude. La Martinique qui, jusque-là, n’avait regardé que vers la France hexagonale se tourne vers un nouveau centre : l’Afrique, et découvre une nouvelle facette de son identité. Les arts plastiques essuient ce bouleversement. Le conflit mondial fait de l’île, une terre de refuge, ou une escale, pour les intellectuels fuyant l’Europe nazie : André Breton, Claude Lévi-Strauss ou l’artiste cubain Wifredo Lam y font ainsi des séjours plus ou moins longs. D’autres artistes moins célèbres débarquent. Ils inaugurent des ateliers ouverts à tous et importent une vision de l’art inédite dans l’île. Avec eux, l’art n’est plus une activité oisive pour la jeune bourgeoisie, mais un lieu d’expression. Dès lors, des artistes locaux émergent, des artistes qui souhaitent exprimer l’identité nouvelle que les littéraires ont détectée. Ils sèment les bases de l’histoire de l’art de l’île. En effet, ils ne se contentent pas de créer, mais s’investissent dans toutes les instances du dispositif. En 1956, le député maire de Fort-de-France, Césaire, démissionne du Parti Communiste Français, déçu par les exactions du stalinisme et l’incapacité du PCF à combattre le postcolonialisme. Cette démission amorce une longue période de lutte contre le postcolonialisme. La Martinique est touchée par une crise sociale et économique, la départementalisation a déçu. En outre, certains pieds-noirs arrivés des pays du Maghreb nouvellement indépendants et certains CRS ne cachent pas leur mépris pour les populations noires. La situation est de plus en plus tendue et de violents conflits éclatent. Pour éviter que les conditions ne se détériorent – le spectre de l’Algérie est bien présent –, la France instaure une politique de répression et de migration. L’objectif est de faire taire toute résistance et de vider le pays de sa jeunesse, jeunesse qui est souvent à l’origine des émeutes. Mais cette répression ne fait qu’attiser la résistance qui s’organise d’abord dans le monde politique, puis dans des associations. Progressivement le fait national est reconnu. Si la Martinique est une nation, il lui faut une nouvelle identité. Les réflexions d’auteurs comme Edouard Glissant, Patrick Chamoiseau, Raphaël Confiant et Jean Bernabé vont alimenter cette quête identitaire. L’évolution de la commémoration de l’abolition de l’esclavage de 1848 participe aussi à la formation d’un peuple martiniquais acteur de son histoire passée et à venir. Les artistes se nourrissent de ces multiples considérations. L’Ecole Négro-Caraïbe propose une esthétique caribéenne riche de l’importance de ses soubassements africains. Le groupe Fwomajé se concentre sur toutes les racines fondant l’arrière-pays culturel de l’île : l’Europe, l’Afrique, l’Amérique et l’Asie. Des artistes indépendants s’inscrivent aussi dans cette quête d’une identité et d’une esthétique l’exprimant. Parallèlement, le dispositif aussi se construit. Un discours universitaire s’élabore. Les institutions culturelles se multiplient et ce, d’autant plus que la culture devient un enjeu politique majeur
In 1943, René Hibran, French artist who had recently moved to Martinique states : « il n’y a pas d’art local ou si peu, si réduit dans ses manifestations ! ». Already four years ago, Father Delawarde did the same comment. However, in 2009, the art world has expanded considerably. A specific aesthetic developed far away from Western academism, plastic expression not stopping to fill out. Places of diffusion have opened and offer expositions of quality. A scientific discourse builds up, thus legitimating local production. Transmission is also insured thanks to the work of schools, including the Institut Régional d’Arts Visuels de la Martinique (also known as IRAVM). Our thesis aims at explaining how such an evolution is possible given the difficult context still subject to the torments of postcolonialism. So, we postulate that “history of art” mechanism grew in seventy years. Influenced by the postcolonial context which imposes resistance, by a literary world which initiates an identity expression’s quest, Martinique’s art is also dependent on actor’s commitment, in particular leader artists. Our thesis relies on a social vision of art. We consider the art world as a “history of art” mechanism, as a whole of four interrelated elements: production, broadcasting, transmission and legitimization.A first period of time, spreading from 1939 – beginning of the Second World War – to 1956 – first statement of departmentalisation – allows to lay the bases of this mechanism. During the world conflict, Martinique had to face the racist and repressive politics of Admiral Robert, the Vichy government’s representative in the Antilles, as well as a blockade aggravating an already precarious economic situation. Attachment to the metropolis gets more complicated. Between fidelity and disillusionment, a new status emerges. In 1946, Martinique becomes an overseas French department. The situation also evolves from a cultural point of view. Already in the 1930’s, a series of publications from black students in Paris questions the colonialist assimilation: Légitime Défense, in 1932, L’étudiant Noir, in 1936, where Aimé Césaire talks for the first time of Negritude. Martinique, which had only looked so far in the direction of France, turns now to a new centre: Africa, and discovers a new aspect of its identity. Plastic arts follow this upheaval. The world conflict makes the island a place of safety, a call for all the intellectuals fleeing from Nazi Europe: André Breton, Claude Lévi-Strauss or Cuban artist Wifredo Lam stayed there for sojourns of varied lengths. Less famous artists also land on the island. They unveil workshops open to all and import a vision of art that is completely original. With them, art is no longer an idle activity for young bourgeois, but rather a place of expression. Local artists therefore emerge, artists wishing to express the new identity detected by literary people. Indeed, they do not just create, but invest themselves in all the mechanism’s elements. In 1956, Césaire, deputy mayor of Fort-de-France, resigns from the French Communist Party, disappointed by the exactions of Stalinism and the FCP’s incapacity to fight postcolonialism. This resignation starts a long period of time marked by a fight against postcolonialism. Martinique is affected by a social and economic crisis, departmentalisation disappointed many. Moreover, some pied-noirs arriving from newly independent Maghreb countries and some CRS do not hide their disregard from black populations. The situation gets even tenser and violent conflicts burst out. In order to avoid an aggravation of these conditions – the spectre of Algeria is well present in minds – France sets up a new politic focusing on repression and migration. The objective is to shut up any resistance and to empty the country from it youth, youth that is often at the origin of riots. However this repression, only strengthens the resistance, which organises itself firstly in the political world and secondly in the associative world. The national fact is progressively acknowledged. If Martinique is a nation, it then needs a new identity. Authors such as Edouard Glissant, Patrick Chamoiseau, Raphaël Confiant and Jean Bernabé will feed this quest for identity. The evolution of the celebrations related to the 1848 abolition of slavery also participates to the formation of the Martinique people actors of their past and their future. Such considerations nourish artists. The Negro-Caribbean School offer a Caribbean aesthetic that is rich from the importance of its African bases. The Fwomajé group concentrates its attention on all the roots funding the island’s cultural hinterland: Europe, Africa, America and Asia. Independent artists also join this hunt for an identity and an aesthetic that expresses this identity. In parallel, the mechanism builds up. An academic discourse is developing. Cultural institutions multiply, and even more since culture becomes a major political stake

Ce travail étudie la culture matérielle privée de la bourgeoisie parisienne au XIXe siècle. Il s’attache à saisir les transformations de nature et d’identité des objets et des formes de consommation pour retrouver les usages sociaux et culturels des choses, dans une ville qui connaît de profondes mutations commerciales et urbaines. Mobilisant archives privées et commerciales, il inscrit la culture matérielle dans un cadre social et dans l’espace urbain. Ce travail tente de comprendre comment se redéfinit la sphère domestique dans l’espace urbain nouveau et en appartement et le rôle des techniques du quotidien dans la scénographie du privé et l’appréhension de soi. Cette thèse envisage aussi le monde matériel comme un ensemble de signes et de récits élaborés par les marchands et les consommateurs, alors que la nature et la hiérarchie des objets et des matières sont bouleversées par l’industrialisation. Ce travail cherche à élucider les phénomènes d’imitation et de distinction alors que s’accroît la mobilité sociale ainsi que la production collective des modes en analysant les scènes urbaines où elles se donnent à voir, les figures du goût qui émergent et les formes nouvelles de publicités qui se déploient dans la ville. Au final, ce travail est un essai sur les manières dont un groupe social investit et produit le théâtre des objets pour élaborer une identité sociale et culturelle
The study analyses the ways by which a social group consumed and produced a world of goods in order to shape its own social and cultural identity. With a view to reconstruct the social and cultural uses of things in a city which underwent deep commercial and spatial changes, the thesis identifies the nature and forms of the Parisian bourgeoisie’s consumption, through private and business archives. It studies how the bourgeois home was redefined in flat and in the growing city and how daily technology forged the bourgeoise’s private scenography and self-awareness. It studies then the material culture of 19th century Parisian bourgeoisie, understood as a set of signs and narratives designed by dealers and consumers, whilst industrialisation radically transformed the nature and hierarchy of materials and commodities. Finally, this work sheds light on phenomenons of imitation and distinction as social mobility increased and analyses how fashion trends came to being onto specific urban scenes, through the mediating role of taste legislators and the means of new forms of urban advertising

Le IIIe millénaire au Proche-Orient voit l'essor d'une riche production d'objets ornés d'images. Cette production matérielle est propre à une période durant laquelle la société mute et crée des objets et des images susceptibles de suggérer et de véhiculer les principes mêmes qui la définissent. Elles mettent en scène des individus à travers la figuration de thèmes récurrents, principalement centrés sur la victoire militaire et les cérémonies sociales et religieuses. Une des formes de cette production visuelle est incarnée par les panneaux figuratifs, constitués de bois, incrustés de pièces en coquille marine et organisés en registres. Ces panneaux n'ont pas été préservés, et seules subsistent les incrustations. Le sujet de cette thèse porte sur les fragments d'incrustations retrouvés à Mari, datés du deuxième tiers du IIIe millénaire. À ce jour, Mari est la cité qui a fourni le plus grand nombre de fragments et sa production doit être envisagée comme faisant partie intégrante de la culture matérielle et visuelle du Proche-Orient à cette époque. Notre approche de ces objets s'articule autour de trois axes : une analyse matérielle des pièces et de leur contexte de découverte ; une analyse iconographique ; une analyse comparative de fragments d'incrustations retrouvés dans d'autres cités du Proche-Orient et datés de la même période. Cette étude nous a ainsi permis d'aborder la nature et la fonction de ces objets, ainsi que les modalités de représentation de cette époque et de ce type de support.

L'histoire de l'art est généralement conçue comme une histoire des formes parfaitement présentes, clairement et distinctement, devant tout spectateur potentiel. Il existe cependant des œuvres qui questionnent cette logique de la forme présente en s'annonçant elles-mêmes comme disparaissantes, imperceptibles. Une autre vision de l'art, du travail de l'art et de l'expérience sensible, découle. C'est cette histoire que tentent d'analyser ces pages consacrées à la période moderne et contemporaine (du début du XX siècle jusqu'à aujourd'hui)
Art history is generally supposed to be the history of shapes clearly and distinctly present in front of every potential viewer. Nevertheless, there're works which call into question the logic of the presence of the form because they're imperceptible. Another vision of art, of the work of art and of the sensible experience follows from these artistic creations. This Ph D tries to analyse this history in modern and contemporary art (from the beginning of the XX century to nowadays)

La recherche doctorale pluridisciplinaire expose en trois parties l'art à l'île de la Réunion. Peintures, sculptures, gravures, installations, performances et photographies sont pris pour objet d'étude. Le choix d'aborder ce sujet provient d'un constat. L'arrivée de la collection Ambroise Vollard au Musée Léon Dierx du chef-lieu dès 1947 bouleverse le champ de l'art. Comment peut-on caractériser la présence de cet ensemble à la Réunion ? Quel changement apporte-t-il à long terme ? "La construction d'un appareil conceptuel", la première partie qui présente deux chapitres, annonce notre démarche scientifique en Histoire de l'art et en Sciences de l'art. Puis, un paragraphe intitulé "Prémices à une histoire de l'art" esquisse une fresque artistique antérieure aux 54 années auxquelles nous nous consacrons pour exposer les écarts et les similitudes. La deuxième partie "L'histoire des arts plastiques à la Réunion" favorise l'émergence d'une chronologie susceptible d'établir un bilan sur l'évolution de l'art réunionnais puis au sein de Département d'outre-mer. Quatre chapitres annoncent les biographies des principaux artistes accompagnées des innovations les plus importantes et à quelques évènements culturels, économique et politique se manifeste pour caractériser les mutations de la création insulaire. Dès lors, les oeuvres les plus significatives sont présentées (iconographies), analysées puis interprétées pour édifier l'espace temporel de l'art. La présentation des titres, techniques et thèmes développés par les plasticiens ne peuvent passer sous silence. Après analyse de cet ensemble, la troisième partie "Des oeuvres pour une matrice esthétique et culturelle" composée de deux chapitres est le lieu préconisant une lisibilité des esthétiques. En outre, l'espace conceptuel de l'art ne peut faire l'impasse de la notion de créolisation culturelle. Son émergence dans les oeuvres parachève la caractéristique de l'art créole réunionnais de l'océan Indien. La conclusion offre une synthèse, fruit de longues observations et réflexions menées depuis plus d'une dizaine d'années sur des évènements, créations et expositions analysés puis mis en perspective
The Ph. D. Research explores the realms of art in Reunion Island, in tree parts. Paintings, sculptures, engravings, installations, performances and photographs are taken as the subject of the study. The choice of such a theme comes from one statement. The arrival of Ambroise Vollard's Collection in Léon Dierx Gallery as soon as 1947 changes the field of art drastically. So, how can the presence of that collection in Reunion Island be qualified? What changes does it bring in the long run? The first part of this thesis puts forward the emergence of a chronology likely to access the situation as far as both art in Reunion Island and then art in the overseas French Department are concerned. Four chapters deal with the biographies of the main artists as well as the major innovations and a few cultural events deserving a further interest. At the same time, the transformation of urban, cultural, economic, social and political spaces are becoming more and more obvious, as the mutations of the island creation are being characterized. Consequently, the most meaningful works of art are presented (iconographies), analysed and then interpreted to build the time axis of art. Some fundamental data and definitions are pondered in the conclusions in order to announce the regional specificities. The presentation of the tittles, techniques and topics developed by the plastic artists cannot be ignored. After an analysis of that ensemble, the second part is the place for a clear reading of aesthetics. Besides, the conceptual part of art cannot hush up the notion of "Cultural Creolization". Indeed, the emergence of the latter in the works of art makes the Creole art from Reunion Island in the Indian Ocean achieve its specific nature. The conclusion makes a synthesis of the events, creations and exhibitions analysed and brought out through long observations and ponderings in the last ten years or more

Deux travaux réalisés au cours de mon D. E. A. Me "pointent". Ils sont "moi",. . . Mais "qui et moi?". "Je" décide de répondre à cette question en réalisant mon "auto-analyse" à l'aide - de la méthode de libre association - de l'analyse de mes travaux photographiques selon la méthode de l'interprétation onirique en faisant appel au symbolisme collectif - d'une amplification du drame examiné au cours du premier chapitre, "l'image mentale : le corps souffrant" qui donne lieu à la création de trois séries : "l'ambivalence et l'acceptation de bi-polarité", "mort et re-naissance" et enfin "infini", et à leur analyse respectivement faite dans le second, troisième et quatrième chapitre. Le cinquième chapitre, "mon discours intérieur" affirme les unités de sens dégagées par les chaines associatives et cerne ma dynamique défensive. Ce n'est qu'à la fin de cette expérience que je prends conscience de l'ambigüité posée par mon projet : hallucinée par l'objet, j'étais impuissante à m'en dégager. Ils étaient le vrai moi : l'original. Mon corps ou l'image de mon corps étaient le double, le "remplissement" était "ailleurs". Mon "auto-analyse" sous la forme d'une thèse apparait comme le signe d'un doute quant à moi-même, et comme illusion des sens. Je sais que j'existe car je n'ignore point être un individu social, mais je réfute les conséquences logiques de cette perception. Il me faut une preuve de mon existence et ma préférence va à moi de papier. L'empreinte inscrite par la lumière, la trace écrite deviennent le double, la représentation d'une angoisse existentielle
Two works, completed during my "D. E. A. " represent limited analyses of myself. They are "me",. . . But "who am i ?". "I" propose to answer this question through a "self-analysis" that resorts - to the free association process, - the analysis of my photographic works according to the dream interpretation method, appealing to collective symbolism, - an amplification of the tragefy dealt with in the first chapter : "mental image : body in pain", resulting in the creation of three series : "ambivalence and the acceptance of bipolarity", "death and re-birth", and finally "the infinite", respectively dealt with in the second, third and fourth chapter. The fifth chapter, "my inner discourse", materialises the meaningful items determined by the associative @atterns, and it defines my defensive dynamic. It is only at the end of this experiment that i plainly realise the ambiguity of my project : mesmerized by the "object", i was unable to free myself from it. They were my real self : the original thing. My body and the image of my body were but a second self : the meaningful core of the matter was "elsewhere". My "self-analysis" embodied in a thesis appears as the exemplification of my questiioning my own self, an illusion of the senses. I know that i am, for i know that i am a social being; but i refute the logical consequences of that awareness

Cette thèse sur travaux vise à reconstituer la cohérence d’une trajectoire de recherche caractérisée simultanément par : 1) le souci d’inclure l’histoire de l’art dans un cadre interdisciplinaire qui fait une place de choix à la dimension sociale et communicationnelle des formes sans toutefois l’y réduire ; 2) le projet d’interroger à nouveaux frais les rapports entre centre et périphérie artistiques à travers les textes les plus significatifs d’une carrière attachée à la conservation et la monstration. C’est la raison pour laquelle le mémoire s’ouvre sur une réévaluation de la portée heuristique des notions de centre et de périphérie. L’article fondateur d’Enrico Castelnuovo et Carlo Ginzburg est l’objet d’une relecture informée par la logique de recherche que les divers travaux révèlent. Dans un deuxième temps la grille analytique ainsi renouvelée est appliquée à un objet, la Provence. Cette région est à la fois un objet esthétique et un lieu de production. Son paradoxe est d’être un lieu de haute valeur symbolique en même temps qu’une périphérie, quelquefois même stigmatisée. Le troisième chapitre s’appuie sur une comparaison des artistes qui ont accompagné le parcours du conservateur. A cette occasion, les notions d’art, d’institution et de marché sont réinterrogées en accordant une importance particulière aux fonctions de l’exposition et de la critique d’art dans le processus de reconnaissance d’un artiste. Enfin, l’importance relative de la photographie et de l’art vidéo dans le travail de conservateur conduit à mettre à l’épreuve la notion d’« art moyen » développée par Pierre Bourdieu. On peut repérer les dynamiques propres à ces domaines qui visent à les faire sortir de la situation de relégation relative où ils se trouvent
This dissertation based on works aims to reconstruct the cohesiveness of a research trajectory both characterized by: 1) the attempt to include art history in an interdisciplinary frame that gives a significant weight to its social and communicative dimension without being reductionist; 2) the will to question afresh the relationships between center and artistic periphery through published texts during a career devoted to curating and exhibiting. This is why the original text starts with a reassessment of Enrico Castelnuovo and Carlo Ginzburg famous article based on the research logic that different published texts reveal. Then the renovated analytical grid is applied to an object, Provence. This region is both an aesthetical object and a site of production. Its paradox leads it to be a place of high symbolic value as well as a periphery, sometimes stigmatized. The third chapter is based on a comparison between the artists that have been exhibited during the curator’s trajectory. By doing that, the notions of art, institution and market are revisited with a special attention given to the functions of exhibition and art critique in the process of artistic recognition. Last the relative importance of photo and video art in the curator’s trajectory leads to reassess the notion of middle-brow art (art moyen) developed by Pierre Bourdieu. One can thus identify the dynamics specific to those domains that aims to end the situation of relegation that has for long trapped them

La redécouverte des idoles cycladiques intervient à la fin du XVIIIe siècle. L'intérêt se ravive à partir de 1880, quand les archéologues publient leurs appréciations sur les idoles cycladiques. Dans leurs textes, ils formulent des jugements esthétiques et essaient d'élaborer les premières théories concernant l'usage et l'origine des statuettes. Un premier dialogue s'instaure donc, même si ces trouvailles archéologiques surgissent de manière accidentelle, à la suite des fouilles clandestines, et sont étudiées en dehors de leur contexte archéologique. Les jugements esthétiques négatifs dérivent de la conception d'une beauté dominante. Omniprésent, l'idéal de la Grèce classique ne laisse aucune place aux approches divergentes. Les archéologues se laissent séduire par les idoles cycladiques lorsque la préhistoire et, plus précisément, la protohistoire égéenne, gagne du terrain et les sculpteurs modernes se réfugient dans les arts primitifs, à la recherche de nouveaux langages. Dans ce contexte nouveau, grand nombre d'archéologues créent des systèmes typologiques afin de les classer et de les étudier. Ces classements typologiques s'effectuent à travers des critères stylistiques. Ainsi, à partir de 1950, l'intérêt pour les figurines se ravive et les jugements négatifs sont soudain remplacés par des appréciations positives. En cinquante ans, des «monstruosités» selon l'historien G. Glotz, deviennent des œuvres d'art, créées par des «artistes géniaux», selon Getz-Preziosi, qui inventèrent de véritables canons de proportions.

Per Kirkeby ( 1938, Copenhague), sculpteur, graveur, cinéaste, architecte, géologue et peintre avant tout, compte parmi les artistes contemporains les plus médiatisés, les plus exposés et publiés. Cet artiste, dont l'œuvre picturale s'impose comme une des plus marquantes au Danemark dès la fin des années soixante, prendra une part importante au renouveau général de la peinture dans les années quatre-vingt. Il reste cependant loin d'occuper en France la place qu'il mérite et son œuvre y demeure encore relativement mal connue. Nous avons ici entrepris de sortir l'œuvre de Kirkeby de sa traditionnelle réception nordique, du romantisme comme de l'expressionnisme, auxquels elle est généralement rattachée afin de mesurer l'importance de sa contribution dans le cadre d'une réflexion neuve sur l'histoire et sur l'art. Par une approche de son ouvre formulée autour d'une problématique appropriative, et plus particulièrement citationnelle, notamment justifiée par une conception géologique de l'art, les travaux de l'artiste danois nous amènent en effet à repenser les fondements mêmes de la création artistique, à partir du moment où elle acquiert le statut d'artes libérales à la renaissance, et de leur devenir au sein de la période contemporaine.

En considérant de manière systématique le mécanisme de formation de l'image radiographique, ce travail souhaite démontrer que l'on peut accéder, en plus des signes immédiatement intelligibles généralement connus, à de nouveaux champs de l'analyse radiologique en identifiant deux catégories de signes: les signes suggestifs mais dont la signification est trompeuse et les signes non immédiatement intelligibles. Cette analyse a été possible grâce à une revue de la littérature la plus complète possible. L'analyse sémiologique des radiographies s'est basée sur la compréhension des phénomènes physiques en jeu dans la formation de l'image et sur des corrélations entre les images observées et les informations provenant de l’observation, d'autres examens réalisés sur l’œuvre ou encore de rapports de restauration. Enfin, les données issues de la radiographie peuvent être replacées dans un contexte plus large de données ou informations connues sur une oeuvre ou groupe d’œuvres pour enrichir nos connaissances en histoire de l'art, histoire des techniques et conservation-restauration

L'objet de cette étude est de présenter et de questionner les œuvres plastiques et littéraires qui offrent une représentation explicite du Code civil. L'ambition de l'étude est ainsi double: d'une part, elle consiste à composer et articuler un corpus d'œuvres d'art - tableaux, sculptures, romans, drames, meubles et gravures - dans lesquelles figure le Code civil. D'autre part elle entreprend de distinguer et analyser les représentations du Code que ces œuvres ont cristallisées ou véhiculées. Au vrai, la richesse et la diversité des représentations artistiques du Code civil sont surprenantes, singulières, stimulantes aussi bien pour l'historien du droit que pour l'historien de l'art. Toutefois, par delà cette multitude d'expressions se dessine une tendance nette qui constitue la trame de notre recherche: la divergence radicale des représentations du Code civil selon qu'il s'agit du recueil en son entier ou de ses réalisations casuelles. En effet, que ce soit en littérature ou dans les Beaux-Arts, les représentations du Code dans sa globalité sont tendanciellement apologétiques tandis que les évocations de ses articles sont généralement critiques. La chronique que nous proposons entreprend méthodiquement de le révéler et l'illustrer au travers des œuvres exposées: dans le domaine artistique, le Code civil fut globalement magnifié et ses seules détractions concernent les détails de son texte.

These sur dossiers: a. Cimetieres et inscriptions du hauran et du gabam al-duruz (syrie) b. De quelques personnages portant le nom de kumustakin a l'epoque salgugide c. Le decor et les inscriptions de la mosquee al-'abbas (yemen) d. Inscriptions de style iranien a busra (syrie) e. Les differents types d'ecriture de la busra buride. Ces dossiers ont ere retenus pour montrer que la meme methode analytique, detaillee et rigoureuse, appliquee, d'une part, a l'epigraphie, et aboutissant a l'elaboration d'une base de donnees et, d'autre part, a l'histoire de l'art, visant a la constitution d'une grammaire du decor islamique, permet de poser les problemes essentiels et communs aux deux disciplines. A savoir: l'existence de repertoires alphabetiques et decoratifs, leur origine et leur constitution, la maniere dont ces decors et inscriptions ont ere executes: artisans locaux ou etrangers, interferences politiques et religieuses sur ces realisations
Ph d. The following studies have been presented: a. Cemeteries and inscriptions of hauran and gabal al-duruz (syria) b. About some characters named kumustakin at seldjuk period c. Al-'abbas mosque's decoration and inscriptions (yemen) d. Inscriptions of iranian style in busra (syria) e. Various types of script in busra at burid period. These studies have been chosen in order to show that same analytical method detailed and rigorous, can be applied, on the one hand, to epigraphy, leading to data basis, and the other hand, to art history, aiming at the elaboration of a grammar of the islamic decoration. This allows to raise the essential questions pertaining to both domains: the existence of alphabetical and decorative repertories, their origin and their formation, the way these decors and inscriptions have been executed; by local or foreign artisans, and politicaland religious interferences on these realisations

Après la Second Guerre mondiale, André Malraux publie en 1951 Les Voix du silence chez Gallimard, refonte en un volume des trois tomes de Psychologie de l'art édités par Albert Skira entre 1947 et 1950. Partant du constat que les reproductions d'oeuvres d'art permettent de constituer un " musée imaginaire " dépassant les divisions géographique et historique des musées et des oeuvres, l'auteur développe une théorie de l'art transgéographique et transhistorique dans une relation serrée avec l'iconographie. Malraux s'inscrit ainsi dans une histoire de l'histoire de l'art dont le propos en images contient une théorie liée à la monstration des oeuvres par la reproduction photographique. " Le musée imaginaire " est ici considéré comme un exposé de méthode informé par la lecture des textes de Walter Benjamin. C'est alors la méthodologie historique dans son rapport avec la forme de l'écrit qui peut être saisi, son travail sur l'image lui permettant de construire une théorie propre, mais aussi de représenter visuellement son histoire de l'art de manière " cinématique ". A partir de là, c'est l'histoire de la photographie et de l'édition d'histoire de l'art qui se révèle. Son utilisation de la reproduction photographique s'inscrit en effet dans le cadre d'une réflexion sur le médium même de diffusion du discours sur l'histoire de l'art en proposant une forme éditée jouant avec les codes du genre éditorial. Une série de comparaisons avec les ouvrages de Georges Bataille, de René Huyghe, de Georges Duthuit, d'Ernst Gombrich et de John Berger permet d'en révéler la spécificité et de situer les textes de Malraux au sein d'une de l'histoire de l'histoire de l'art.

Cette étude concerne les multiples innovations artistiques et philosophiques menées par les premiers romantiques allemands au sein de l'Athenaeum, premier groupe d'avant-garde moderne, tant en littérature qu'en arts plastiques. L'exigence d'introduire l'art moderne dans le concept de Bildung représente une étape cruciale, tout comme la question de l'expérimentation, et de l'autonomie de l'œuvre. Le refus durable de promouvoir l'art moderne, et les raisons de ce rejet en France (centralisme fort, mais aussi refus de la pédagogie), sont explicitées, ainsi que le retard dans les recherches muséographiques et didactiques menées par les musées. Cas exceptionnel du musée de Grenoble. En Allemagne, les grandes étapes menant à la victoire, durant trente années (1903-1933), de l'art moderne sur l'art académique, sont analysées : premier romantisme, ouverture des Kunstvereine et Kunsthallen sur tout le territoire, combat des Sécessions, et enfin, soutien d'une importante scène muséale (quarante musées) non centralisée, en particulier le Kronprinzenpalais, premier musée d'art moderne, inconnu en France. La recherche révèlera l'impact des innovations : évolution du concept de Bildung, réforme des musées d'un point de vue didactique et scénographique, importance des expositions temporaires et de leur circulation, élargissement considérable du champ de l'art
This research concerns the many multiple artistic ans philosophical innovations produced by the early german Romanticism inside of the Athenaeum cercle, first avant-gardist group of modern art, in the fields of literature and visual arts. The exigence to introduice modern art in the concept of education (Bildung) represents a crucial step, as well as the question of experimentation, and the autonomy of the work. The long-lasting refusal to promote modern art in France, and the reasons of this reject (strong centralism, but also denegation of teaching skills), are explained, as well as the lateness in a lot of museographic and didactic, by museums done, investigations. Exceptional case of the museum in Grenoble. In Germany, the most important steps reaching, during thirty years (1903-1933), at the victory of modern art on the academic art, are analysed : early Romanticism, opening of art-unions on the whole territory, fighting of Secessions, and, finally, the support of an important and non centralized museal scene (more than 40 museums), especially the Kronprinzenpalais, first museum of modern art, unknown in France. The research reveals the impact of all these innovations : evolution of the concept of Bildung, museums reform concerning didactic and scenographic aims, importance of temporary exhibitions and their movement, significant widening of the field of art

En 1909, Léopold II décide, sans raison apparente, de vendre tous ses objets d'art sur le marché de l'art américain. Ce geste extraordinaire est sans doute lié à son opiniâtre volonté de prévoir pour son successeur un patrimoine dynastique. Empêché de le faire, il préfère tout vendre lui-même, y trouvant sans doute un certain plaisir car cet homme d'affaires est émoustillé par les prix faramineux que le marché américain offre à la veille de la Grande guerre. En outre, certaines pièces qu'il met en vente (c'est le cas de plusieurs tableaux) ont été abîmées par l'incendie du château de Laeken en 1890. Il aurait même vendu un faux, le Portrait de Duquesnoy par Van Dyck ...
Doctorat en Histoire, art et archéologie
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Le théoricien et philosophe de l'art Max Raphael (1889-1952) a légué une œuvre d'une très grande richesse. Pourtant seule une infime partie de ses écrits a été publiée de ses écrits aussi bien en Allemagne qu'en France et aux Etats -Unis où il résida successivement. L' objectif de cette recherche est de montrer la cohérence de son œuvre à première vue éclectique, explorant des domaines aussi différents que la peinture classique mais aussi le cubisme, l'architecture grecque, l'architecture médiévale ou constructiviste, puis les peintures rupestres et l'art archaïque dans les dernières années de sa vies. Surmontant le clivage entre idéalisme et matérialisme, ayant conçu une méthode empirique d'analyse des œuvres d'art, Raphael élabore cet idiome qui lui est propre où se cristallisent les concepts fondamentaux permettant selon lui de rendre compte de l'émergence de la forme dans la matière et au sein du processus de la création artistique. Son œuvre, pourtant profondément enracinée dans la tradition de la pensée idéaliste allemande s'inscrit dans une démarche résolument novatrice, entre herméneutique et iconologie, et préfigure à maints égards les voies de l'esthétique moderne
The theorist and philosopher of art Max Raphael (1889-1952) bequeathed a work of a very great richness. However only a negligible part of his writings was published as well in Germany as in France and in the United States where he resided successively. The objective of this research is to show the coherence of his work at first sight eclectic, exploring fields as different as traditional painting but also the cubism, the Greek architecture, medieval architecture or constructivist, then the cave paintings and archaic art in the last years of his life. Overcoming cleavage between idealism and materialism, having conceived an empirical method of analysis of the works of art, Raphael works out this idiom which is peculiar to him where crystallize the fundamental concepts allowing, according to him, to realize of the emergence of the form in the matter and within the process of artistic creation. However deeply rooted in the German idealistic tradition, his work comes within the context of a resolutely innovative step, between hermeneutics and iconology, and prefigures in many ways the modern esthetics

À la fin des années 1960, dans un contexte de crise de légitimité des institutions, de nombreux artistes s’opposent au contrôle du système marchand-critique et muséal. Certains marchands, critiques et commissaires d’exposition s’associent à cette parole, et tâchent de déhiérarchiser le monde de l’art. Parmi eux : Germano Celant, Lucy Lippard, Carla Lonzi et Seth Siegelaub, ainsi que Kynaston McShine et Harald Szeemann. Les enjeux de leurs démarches ne se situent ni dans la négation des appareils de l’art, ni dans la redéfinition de leurs fonctions, mais dans la construction d’une position de sujet non surplombante. Pour ce faire, ils investissent le document au titre de ses économies qui relèvent du marché de l’art, de l’édition, de méthodes, toutes corrélées, dans le contexte de l’art conceptuel et post-minimal, à des œuvres et écrits d’artistes. Chacun des acteurs étudiés déploie sa pratique à l’aune d’un régime de l’information, qui suppose une collaboration étroite avec les artistes afin de leur restituer le contrôle sur la circulation de leurs œuvres et les discours qui sont produits à leurs sujets. Toutefois, dans son occurrence critique, le régime de l’information ne suppose aucunement le silence des critiques d’art. Dans les démarches de Germano Celant et Lucy Lippard, les discours critiques sont préservés, mais selon des modalités qui entendent déléguer au public l’une de ses opérations, qui est l’interprétation. Conjointement, le régime de l’information est confronté à la difficile conciliation entre la défense d’une autoréférentialité de l’art et des ambitions politiques élargies à la société. Cette situation donne lieu à des devenirs variables des démarches
At the end of the 1960’s, in a context of serious crisis of institutional legitimacy, number of artists defy the power and control of art market, criticism and museum. Some dealers, critics and curators join in and intend to de-hierarchize the art world. Among them : Germano Celant, Lucy Lippard, Carla Lonzi and Seth Siegelaub, along with Kynaston McShine and Harald Szeemann. What is at stake in their practices does not have to do with denying the art system, neither defining new functions for the middle-men, but is about occupying a position which would no longer be authoritarian. To do so, they relate their research to the document, considered as an operating mode involving trading, editing and methods. This operating mode is interrelated to art works and artists’ texts in a context of conceptual and post-minimal art. The ones who are part of this study develop their practices as an informational system, which suppose a close cooperation with the artists in order to restore their control on the circulation of their own works, along with their authority on the discourses about them. Nevertheless, the art criticism declination of this informational system does not suppose the absence of discourses from the art critics. In the cases of Germano Celant and Lucy Lippard, criticism is stable, even though they intend to delegate interpretation to the audience. Concomitantly, the informational system has to face the difficulty of articulating the defense of a self-referential art with political ambitions enlarged to society. This difficulty is solved by various ways, between drop out and strengthened practices of document

En analysant l'art roumain entre 1945 et 1989, cette these fournit d'abord un premier parcours historique complet de la vie et de la production d'art mises en parallele avec le parcurs socio-politique de l'epoque communiste en roumanie. De ce point de vue, elle decrit trois periodes culturelles differentes. D'abord, la periode du debut du communisme (1945 1964), ou la "revolution culturelle" s'accompagne du regne indivisible du realisme socialiste. Ensuite, la periode de la normalisation culturelle (1965-1974), ou l'adoucissement de la censure et le debut de la politique nationale s'accompagnent d'un renouement avec la tradition artistique locale et d'une ouverture vers l'art occidental moderne. Enfin, la periode de declin du regime communiste (1974-1989), epoque de la dictature de ceausescu et de son "nationalisme socialiste", ou des phenomenes de culture alternative apparaissent, lies a une ideologie artistique experimentaliste et a de premiers signes de mentalite postmoderne. A cote de la recuperation historique, la these fournit egalement quelques concepts methodologiques specifiques. Ainsi, le concept d'art totalitaire est utilise pour la premiere periode, mais ses limites d'application pour les periodes suivantes sont aussi mis en lumiere. La notion de double culture et le binome tensione art engage - autonomie esthetique sont utilise pour l'analyse de la deuxieme periode. Le conflit entre l'art officiel, appartenant a la culture kitsch d'etat, et l'art alternatif, appartenant a une culture parallele, non-oficielle mais toleree par les autorites - est considere commedefinitoire pour la derniere periode. Les conclusions de la these proposent une comprehension plus nuancee de la specificite culturelle des pays central-est europeens dans le contexte du regne communiste mais aussi de leurs propres traditions culturelles. Selon l'auteur, l'art des derniers 50 ans de ces pays devrait etre envisage non seulement par rapport au binome communisme sovietique-communisme national mais egalement par rapport au binome modernisme international-modernisme local, puisque, finalement, l'art de ces pays rejoint progressivement, apres 1965, le cours general de l'art moderne en europe.

Ustensile majeur du mobilier liturgique, la monstrance eucharistique (ou ostensoir) apparaît dans la seconde moitié du XIIIe siècle afin de répondre aux nouvelles aspirations de la communauté des fidèles. Cette dernière souhaite dorénavant voir le Très Saint Corps du Christ transsubstantié dans l’hostie et participer plus activement aux différents rituels. À partir d’une réflexion menée sur la pièce à travers l’ensemble du territoire de la Chrétienté occidentale, cette étude aborde les différentes finalités du vase sacré ainsi que son impact dans le vécu de la foi depuis le Moyen Âge central jusqu’au cœur des Temps Modernes (milieu du XIIIe siècle – fin du XVIe siècle). Pour ce faire, trois parties ont été privilégiées : la première s’attache au contexte d’émergence du « Porte-Dieu », depuis la réappropriation par l’Église de pratiques cultuelles antérieures jusqu’à la mise en place d’une festivité en l’honneur du Saint-Sacrement. La seconde revient sur des questions d’ordre typologique et ornemental. Enfin, la troisième expose les multiples usages de l’objet liturgique entre les années 1300 et les lendemains du concile de Trente
The Eucharistic monstrance, an important liturgical vessel, appears in second half of the 13th century in order to satisfy the new aspirations of the community of the faithful. Its members wished to witness the transubstantiation of the Body of Christ and partake more actively in the different religious rites. Offering a reflection on this liturgical piece as it appears in the whole of Western Christendom, this study addressed the various purposes of the sacred vessel as well as its impact on the experience of faith from the end of the Middle Ages to beginning of the modern period (mid-13th century to the end of the 16th century). In order to achieve this objective, the study has been divided into three parts. The first focuses on the context in which the “Porte-Dieu” emerged, from moment of the Church's re-appropriation of previous practices of worship to the creation of festivities in honor of Blessed Sacrament. The second reconsiders questions of a typological and decorative nature. Finally, the third examines the multiple uses of the liturgical object from the beginning of the 1300s until shortly after the council of Trent

Ce travail porte sur les représentations visuelles de l'oeil-objet et des histoires explorant le regard. Le corpus rassemble des œuvres plastiques des années 1980 et 1990. Dans un premier temps, les grandes théories optiques (Aristote, Platon, Ibn al-Haytham, Kepler) et des pratiques historiques de la vision sont travaillés dans leurs rapports au sens tactile et à la cécité selon ses différents degrés. On s'attache aussi à montrer les caractéristiques de l'œil au 20e siècle. Cette enquête s'intéresse ensuite aux différentes significations de l'œil-objet. L'œil aveugle, signe symptomatique nécessitant une analyse des différents procès de l'image et de son mode d'apparition, est également envisagé. Enfin, l'œil-objet est travaillé dans le champ de l'érotisme avec pour repère Histoire de l'œil (1928-1967) de Georges Bataille (18971962). Dans ce champ, les artistes opèrent avec liberté sans pour autant oublier les interdits visuels véhiculés par les mythes antiques (Méduse, Actéon)
This research focuses on the visual representations of the eye-object and stories exploring the gaze. The corpus contains works of art from the 1980s and 1990s. As a first step, the major optical theories (Aristotle, Plato, Ibn al-Haytham), and historical practices of the vision are worked in their relation to the sense of touch and blindness, according to its varying degrees. It also aims to show the characteristics of the eye in the 20th century. The study covers then on the various meanings of the eye-object. The blind eye, a sign symptomatic requiring an analysis of the various processes of the image and its mode of emergence, is also envisaged. Finally, eye-object has worked in the field with eroticism for landmark story of the eye (1928-1967) by Georges Bataille (1897-1962). In this field, artists operate with freedom but without forgetting visual prohibitions conveyed by ancient myths (Medusa, Acteon)

A travers 441 affiches editees en espagne de 1915 a 1930, notre objectif a ete d'analyser la rhetorique de l'affiche espagnole et de determiner ce que represente l'affiche art-deco en espagne par rapport au contexte international. Nous avons reportorie trois categories: -l'affiche traditionnelle, reunissant la tauromachie, les representations religieuses de saragosse, seville et de malaga. - l'affiche regionale au pays basque et en galice. - l'affiche moderne de valence, barcelone et madrid. La these se compose de deux blocs: une synthese dans les trois premieres parties et une analyse dans les quatre autres. Voici les axes de chacune d'entre elles : la premiere est un examen du contexte economique, sociologique et politique de la periode etudiee. La deuxieme definit l'affiche et la troisieme le concept d'art-deco. Les quatrieme, cinquieme et sixieme parties etudient successivement l'affiche traditionnelle, regionale et moderne. La septieme est une analyse stylistique de l'ensemble des categories pre-citees sur le plan dimensionnel, chromatique et typographique
Through the study of 441 posters published in spain from 1915 to 1930, my purpose has been to analyse the rhetoric of spanish poster art as well as to determine the place and importance of spanish art-deco posters in world of posters. Posters have been classified into three categories : - traditional posters with bullfighting and religious themes from saragossa, seville and malaga. - regional posters, from basque country and from galice. - modern posters, from valencia, barcelona and madrid. My dissertation consists of two main units: a synthesis in the first three parts and an analysis in the other four parts. The main lines for each of them are as follows : - part one examines the economic, sociological and political environment of the period under study. - part two provides a definition of posters and part three identifies the concept of art-deco. - part four, five and six examine the traditional, regional and modern day posters in succession. - part seven analyses the style of all the categories mentioned from a dimensional, chromatic and typographic aspect

Des Griffes de la nuit de Wes Craven en 1984 à Pirates des Caraïbes : la fontaine de jouvence de Rob Marshall en 2011, Johnny Depp a bâti une des oeuvres les plus originales et les plus éclectiques de l’histoire du jeu d’acteur américain au cinéma. Dès ses deux premiers grands rôles, il a installé les fondements d’une conduite artistique à laquelle il a peu dérogé. Avec Cry-Baby de John Waters en 1989, il exagère chaque posture et chaque expression, jusqu’à la défiguration. L’année suivante, il a livré l’interprétation dépouillée de la créature mi-homme,mi-machine d’Edward aux mains d’argent de Tim Burton.Depuis, rares sont les personnages deppiens qui échappent au désir de métamorphosede l’acteur, lequel est alimenté par des sources d’inspiration à la présence visuelle singulière et parachevé par le recours aussi bien au sous-jeu qu’au sur-jeu. Depp invente de nouvelles formes expressives en multipliant et en harmonisant les manifestations de ces registres antagonistes
From Wes Craven’s A Nightmare on Elm Street (1984) to Rob Marshall’s Pirates of theCarribean: On Stranger Tides (2011), Johnny Depp has built one of the most original andeclectic careers in the history of American film acting. As early as his first two big roles hehas exhibited a strong sense of artistic ethic from which he has rarely departed. In JohnWaters’ Cry-Baby (1989), he exaggerated each gesture, each facial expression. The followingyear, he starkly impersonated Tim Burton’s half machine, half human Edward Scissorhands.Since his debut, the characters played by Depp rarely escaped this transformative urge,which draws inspiration from various aesthetic sources and culminates in the skilful use ofboth underplay and overplay. Depp creates new forms of artistic expression by merging andharmonising these two opposing styles

Notre thèse porte sur François Sabatier (1818, Montpellier – 1891, Lunel), époux de la cantatrice Caroline Ungher, traducteur de Goethe et Schiller, connu comme critique et mécène fouriériste à travers la publication de son Salon de 1851 à la Librairie phalanstérienne et la commande du décor de son palais florentin à des artistes fouriéristes (Bouquet, Ottin, Papéty). L'utilisation de sources inutilisées, ses manuscrits et la reconstitution de sa bibliothèque léguée à Montpellier permettent de reconsidérer les rapports à l'art de François Sabatier. Sa formation, entre fréquentation des artistes (Courbet, Hébert, Ricard, Lefuel, Lessore), voyages, séjours et résidences (Allemagne, Grèce, Italie), lectures et rencontres des auteurs est ainsi mieux connue. Ce que sa critique doit à celle-ci est éclairé de même que son ambition théorique. Enfin, sa participation pratique à des débats artistiques et historiques contemporains, le réalisme, l'attribution du palais de la Zisa à Palerme et les techniques de restaurations des mosaïques en Sicile, font apparaître d'importantes contributions. Les réseaux qui constituent sa sociabilité et ses engagements révèlent des auteurs comme Amari, Di Marzo, Michelet, Villari, Schnaase, Gregorovius, et des acteurs de la conservation des œuvres, Salinas, Riolo. La démarche suivie, qui s'est appuyée sur le catalogage de sa bibliothèque et le relevé des dédicaces et notes en marge des ouvrages, permet donc de préciser la nature de ses rapports à l'art, plus étendus que la critique, le mécénat et la collection
This thesis focuses on François Sabatier (1818, Montpellier - 1891, Lunel), husband of the singer Caroline Ungher and translator of Goethe and Schiller, known as a patron and Fourierist critic through the publication of his Salon de 1851 in the Librairie phalanstérienne and his selection of the decor of his Florentine palace by Fourierist artists (Bouquet, Ottin, Papety). The utilisation of previously unused historical sources, of his manuscripts and the reconstruction of his library, which was bequeathed to Montpellier, allow one to reconsider Sabatier's relationship to art. As a result, his formation, which includes his association with artists (Courbet, Hébert, Ricard, Lefuel, Lesscore), his journeys and residencies (in Germany, Greece, Italy), his readings and meetings with authors is now better known. Consequently, his critique and his theoretical ambitions appear in a new light. Finally, his engagement in contemporary artistic and historical debates, realism, awarding of the Zisa palace to Palermo and techniques for restauring mosaics in Sicily all exemplify his important contributions. The networks constituting his sociability and engagements include authors such as Amari, Di Marzo, Michelet, Villari, Schnaase, Gregorovius, and such conservators of art works as Salinas and Riolo. The approach followed here is based on the cataloging of his library and the recording of his inscriptions and marginal notes in books, and allows one to specify the nature of his relationship to art, which goes far beyond critique, patronage and collection

Les deux premières parties s'efforcent d'apporter, à la suite d'une analyse minutieuse des 502 sonnets de Quevedo, une meilleure connaissance de l'originalité de son style. Découvrir et exprimer exactement l'analogie apparait au centre de l'activité créatrice du poète. L'étude des moyennes par sonnet d'utilisation des tropes et figures révèle des variations selon le thème traité et donc la richesse et la variété de l'art de Quevedo. Chez lui, idées, sentiments et sensations apparaissent indissolublement lies et le moi du poète se manifeste avec pudeur. Les phénomènes stylistiques déterminent la construction du concepto et trouvent un lieu adéquat et harmonieux dans la forme du sonnet. La troisième partie utilise les résultats chiffrés de l'analyse stylistique pour s'attacher à répondre aux problèmes d'attributions et de datations que pose la poésie quevédienne. L'art de Quevedo se caractérise en effet, d'une part, par un certain nombre de constantes d'autre part, par une évolution du début à la fin de sa création poétique. Ainsi ont pu être établis des degrés de probabilité d'attribution pour six sonnets qui apparaissent chacun dans un seul manuscrit. En ce qui concerne la chronologie, une datation plus précise a été proposée pour 77 sonnets et une situation dans l'une des quatre périodes de la création quevédienne pour 273 sonnets non datés jusqu'ici
A detailed analysis of Quevedo's 502 sonnets is provided in part I and part II, which makes it possible to appreciate the originality of his style more thoroughly. The discovery and accurate expression of analogy seem to lie at the very heart of the poet's concerns and activity. A statistical study of the tropes and figures shows how the style varies according to the theme of each sonnet, and reveals the richness of Quevedo's art. Ideas and feelings are indissolubly linked and the poet's ego discloses itself with delicacy. Stylistic phenomena determine the construction of the concepto, and are adequately and harmoniously seated in the sonnets’ form. The statistical results thus obtained are next used, in the third part, to address the problems of attribution and dating raised by Quevedo's poetry: his art is best characterized, on the one hand, by a certain number of constants and, on the other hand, by a specific evolution from the beginning to the end of his creative work. It has thus been possible to establish different degrees of probability for the attribution of six sonnets which are known from one single manuscript. Moreover, as far as chronology is concerned, more precised dates are put forth for 77 sonnets as well as an approximate localization within one the poet's four main periods for 273 sonnets which had never been dated hitherto

La these aborde, apres un apercu du contexte historique (politique, economique et socio-culturel), l'etude de documents d'archives dates de 1638 a 1680. Ces documents permettent de comprendre comment apparait le metier d'impresario, l'importance qu'il acquiert dans le cadre de l'opera public venitien, et l'evolution parallele de la profession et de l'ensemble du systeme theatral commercial. Cette etude est divisee en cinq parties : 1- le melodrame : made in venice ! 2- la mise en place d'un systeme 3- l'impresario : pouvoirs et limites 4- l'intendance 5- le casting
The thesis starts by giving a brief overall picture of the historical, political, economic and socio-cultural background of the period, then basus to a study of archiv documents dating between 1638 and 1680. These documents reveal the way in which the profession of impresario took shape, and how this gained in importance within the context of venetian opera, together with paralell development of commercial theater organisation. The study is divided into five parts : 1-the melodramma : made in venice ! 2- how the system came into effect 3- the powers and limitations of impresario 4- theater managment 5- casting

Il n'est pas inhabituel, de retrouver chez des auteurs differents quelques idees communes formulees de maniere identique. Cependant, dans les ouvrages qu'il nous a ete donne d'etudier et de comparer, il s'agit en fait de parties entieres de texte copiees integralement, avec pour seules differences quelques ajouts ou suppressions, pour induire en erreur le lecteur, et bien entendu, sans faire aucune mention du veritable auteur. Nous avons etaye ce que nous avancons par des arguments solides en faisant egalement ressortir la methodologie adoptee par les differents grammairiens. A cet egard nous nous sommes inspire des demarches suivies par les linguistes et grammairiens contemporains dans leurs etudes comparatives des textes arabes de leurs predecesseurs. Un nombre important d'ouvrages de grammairiens tardifs, non seulement ne repondent pas aux criteres de scientificite etablis par leurs illustres predecesseurs, mais les transgressent outrageusement en versant dans la superfetation, le verbiage, et dans certains cas, dans le plagiat. Etant donne les nombreux cas de plagiat qu'il nous a ete donne de deceler, il etait imperatif pour nous de reconsiderer les sources de reference dans lesquelles ont puise les differents auteurs pour alimenter leur production litteraire. Dans les ouvrages que nous avons choisis d'etudier, nous avons pu identifier deux types de plagiat: 1 ) l'auteur du plagiat emprunte le texte sans y changer quoi que ce soit et l'insere dans son ouvrage avec un nouveau titre en s'attribuant le travail dans sa totalite 2) l'auteur "travaille" le texte emprunte et l'insere ainsi modifie dans son ouvrage afin de derouter le lecteur. Parmi les adeptes de la premiere methode, nous avons etudie comme modele: - ibn sida et son ouvrage "al-mukhaccac" - al-'a3lam as-santamarri et son ouvrage "an-nukat fi tafsirin 3ala kitabi sibawayhi". Nous leur avons consacre la premiere partie de notre travail " methodologie de plagiat integral" dans laquelle nous avons procedea une comparaison des deux ouvrages cites avec celui d'as-sirafi: "kitab sarh al-kitab, kitab sibawayhi. Nous avons alors compare les textes, partie par partie et chapitre par chapitre pour distinguer les parties refletant un apport personnel des passages reproduits integralement. Dans la deuxieme partie de notre travail nous avons traite du second genre de plagiat que nous avons nomme "plagiat tr
It is not unusual to find in the work of different writers some common ideas and thoughts expressed in a similar way. However, in the books we studied and compared it is, in fact, whole parts of text that were thoroughly lifted and copiedwith merely small differences such as few additions and suppressions to mislead the reader, without any reference to the real author. We backed up our statement by sound arguments while we emphasized the methodology followed by different grammarians. On this score, we were inspired by contemporary grammarians and linguists approach in their comparative studies of arabic texts of their predecessors. A great number of late grammarians work, not only does'nt meet with the scientific criteria established by their famous predecessors, but contravenes these criteria in a scurrilously manner, drifting in superfluity and verbosity and in some cases plagiary. With regard to the numerous cases of plagiary we were able to detect, it was imperious to reconsider the reference sources from wich they draw and lift their literary production. In the books we chose to study two different types of plagiary were identified. 1/ the authors of plagiary that lift the text without changing anything and insert it in their own work with a new title and lay claim to it as a whole. 2/ the authors that "work" the borrowed text and insert the modified portions in their book, in order to confuse the reader and delude him. Among the adepts of the first method, we studied as a model. Ibn sida in his book "al-mukhacac" al-a3lam a- antamarri" in his book "an-nukat fi tafsirin 3ala kitabi sibawayhi" the first part of our work "methodology of the whole plagiary" was devoted to these two authors. In this part we compared the mentionned works with "kitab arh al-kitab. Kitab sibawayhi" we then compared the texts, part by part and chapter by chapter to detect the portions reflecting a personal contribution in a whole passage. In the second part of our work we dealt with the second type of plagiary that we named "worked plagiary". Among the adepts of this second method we took as exemples. Ibn hiam with his book "mughni allabib, that we compared with the book of al-hasan ibn al-qasim al-muradi: "al-jana ad-dani fi huruf alma3ani

Poète proche du surréalisme, écrivain autobiographe et ethnologue africaniste, Michel Leiris (1901-1990) fut aussi l'ami des plus grands artistes du XXe siècle - André Masson, Joan Miró, Alberto Giacometti, Pablo Picasso, Wifredo Lam ou bien Francis Bacon. Les rapports amicaux, affinitaires et électifs entre l'écrivain et les peintres et sculpteurs ont épousé des formes diverses et ont suscité, chez le premier, l'écriture de nombreux commentaires sur l'œuvre des seconds. Dévoilant des exercices d'écriture divers - le poème, l'article de revue, la préface ou l'essai -, les écrits sur l'art expriment une singularité commune, incarnée par la profonde subjectivité à partir de laquelle Leiris témoigna de sa vision sur l'œuvre de ses amis artistes. Il s'agit donc, dans cette thèse, d'interroger la sensibilité artistique singulière du poète dans le cadre de l'histoire de l'art. Moins spécialiste de l'art qu'amateur d'art, au sens strict du terme - celui qui aime -, Michel Leiris a fait de son écriture, un lieu d'expérimentation et de quêtes à l'égard de la création artistique de son temps. En retraçant les circonstances des rencontres avec les artistes, puis, en étudiant les amitiés entretenues avec ces derniers, il pourra être démontré en quoi Leiris incarne une personnalité singulière et emblématique, dans le champ spécifique de l'histoire de l'art. Son écriture sera, en outre, reliée aux expériences toujours plus nouvelles, auxquelles l'écrivain participa durant tout le XXe siècle - le surréalisme, l'ethnographie ou l'engagement politique. L'expression de sa sensibilité pourra ainsi être replacée au centre des débats épistémologiques de l'histoire de l'art et des sciences humaines et sociales. Il s'agira, en effet, de questionner les quêtes de " présence ", de réalisme, de modernité, de beauté, de sacré ou la figure de l'altérité dans l'art, au prisme des problématiques inhérentes à la discipline de l'histoire de l'art, tout en considérant le rapport sensible et subjectif de Leiris aux œuvres
A poet close to surrealism, an autobiographer and an Africanist ethnologist, Michel Leiris (1901-1990) was also the friend of the greatest artists of the twentieth century - André Masson, Joan Miró, Alberto Giacometti, Pablo Picasso, Wifredo Lam or Francis Bacon. The relationships between the writer and painters or sculptors gave rise with the former to the writing of numerous commentaries on the work of the latter. Revealing different writing exercises - poem, review article, preface or essay -, the writings on art express a common singularity of the poet within the scope of art history. Less an expert in art than a lover of art, Michel Leiris has made his writing a place of experimentation and quests towards the artistic creation of his time. By relating the circumstances of the meetings with the artists, then, by studying the friendships maintained with the latter, it can be demonstrated how Leiris embodies a singular and emblematic personality in the specific field of art history. Moreover, his writing will be linked to the ever renewed experiments in which the writer participated throughout the twentieth century - surrealism, ethnography or political commitment. Thus, the expression of his sensitivity can be placed at the centre of the epistemological debates of art history and the Humanities and Social Sciences. Actually, it will be a matter of questioning the quests of "presence", realism, modernity, beauty, sacred and the figure of the otherness in art, through issues inherent in the discipline of art history, while considering Leiris's sensitive and subjective link with the works of art