Thèses : « Fotografia americana »

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Venerucci, Chiara <1991&gt. « Il Mito della Frontiera Americana nel Cinema di Fantascienza ». Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2017. http://hdl.handle.net/10579/10584.

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Résumé :

La tesi si propone di presentare il Mito della Frontiera Americana, reso celebre dai film Western, dalle origini al processo di assimilazione dei propri principi ideologici all’interno della cultura americana passando attraverso vari media (letteratura, cinema e serialità televisive). Nonostante le discussioni relative al Mito della Frontiera siano per lo più state glorificate attraverso le trasposizioni di film Western; questo elaborato ha come scopo, al contrario, di offrire una prospettiva diversa focalizzandosi sul genere fantascientifico, analizzando elementi chiave del mito ricondotti all’interno di film e serie televisive. La ricerca di una nuova frontiera: lo Spazio come luogo di conquista, l’astronauta come cowboy sfidando l’ignoto conquista nuovi spazi; il mito del buon selvaggio tradotto nell’incontro con specie aliene che abitano lontane galassie; film e serie tv che raccontano di scenari post-apocalittici caratterizzati da paesaggi desolati che portano alla mente le condizioni primitive del Vecchio West. L’obiettivo principale è dunque dimostrare ciò che è rimasto del Mito della Frontiera Americana nell’immaginario contemporaneo e il riemergere dei suoi valori all’interno di produzioni di film e serie televisive in campo fantascientifico.

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Brito, Isa Marcia Bandeira de. « O feminino na fotografia latino-americana e moçambicana : Ricardo Teles, Hernán Díaz e Ricardo Rangel ». Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/84/84131/tde-12092018-122241/.

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Résumé :

O presente trabalho tem como objetivo promover um maior debate e reflexão sobre a representação do feminino negro na fotografia no século XX e começo do século XXI, especificamente no Brasil, com o projeto fotográfico de Ricardo Teles (1966), na Colômbia com Hernán Díaz (1931-2009) e em Moçambique com Ricardo Rangel (1924-2009) tendo como base seus livros autorais, respectivamente: Terras de Preto: Mocambos, Quilombos: Histórias de Nove Comunidades Negras Rurais do Brasil, de 2004; Cartagena de Siempre, de 2002 e O Pão Nosso de Cada Noite. Our nightly bread, de 2004. Para tanto, comparamos a fotografia como linguagem técnica e artística com a iconografia previamente produzida nos referidos países. A análise da fotografia como um exercício objetivo mostra que a semiótica e a multidisciplinaridade podem ser instrumentos auxiliares na procura por responder a informações contidas na imagem. O fotógrafo encaminha a interpretação de uma narrativa visual, pois é responsável pela produção e a recepção da imagem, no entanto a imagem contém em si um conjunto complexo de interpretações e de construções de alteridades. Por isso, deve-se levar em consideração seu caráter tão subjetivo quanto artístico quando adotando uma metodologia de análise.
The present work aims to promote further debate and reflection on the representation of the black female in photography in the twentieth century and the beginning of the twenty - first century, specifically in Brazil, with the photographic project of Ricardo Teles (1966), in Colombia with Hernán Díaz (1931-2009) and in Mozambique with Ricardo Rangel (1924-2009) based on their authorial books, respectively: Terras de Preto: Mocambos, Quilombos: Histórias de Nove Comunidades Negras Rurais do Brasil, 2004; Cartagena de Siempre, 2002 e O Pão Nosso de Cada Noite. Our nightly bread,2004. In order to do so, we compare photography as technical and artistic language with the iconography previously produced in those countries. The analysis of photography as an objective exercise shows that semiotics and multidisciplinarity can be auxiliary tools in the search for information contained in the image. The photographer directs the interpretation of a visual narrative, since it is responsible for the production and reception of the image, however the image contains a complex set of interpretations and constructions of alterities within itself. Therefore, its subjective as well as artistic character must be taken into account when adopting a methodology of analysis.

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Jesus, Adriana Pereira de. « A construção do romance policial em O caso da estranha fotografia, Berenice Detetive e Droga de Americana ! » Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2009. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/2271.

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Made available in DSpace on 2016-03-15T19:46:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Adriana Pereira de Jesus.pdf: 1509187 bytes, checksum: cb8a189af573e9e368a1b3d7db83853f (MD5) Previous issue date: 2009-02-11
Fundo Mackenzie de Pesquisa
The present work is intended to study the detective story, a literary genre that stimulates the young and adult readers curiosity from the first to the last page of the book. We developed a study about this genre using books for children and young adults that identify themselves with the stories, the characters and the adventures. We analyzed the mystery narrative construction in the children s universe, from the novels O caso da estranha fotografia (1977), by Stella Carr; Berenice detetive (1987), by João Carlos Marinho; and Droga de Americana! (1999), by Pedro Bandeira. These writers stories were created with children and young adults in the role of investigators. During the analysis, we emphasized the characterization of the members from the different young adults and children groups and their actions as detectives. In the first chapter, we focused the detective stories in general and their evolution. The second chapter discusses the literature for children focusing in the writers of the works mentioned above. During the two last chapters, we analyzed the three books and the structure of the detective stories for children and young adults.
O objetivo do presente trabalho é estudar o romance policial, um gênero literário que instiga a curiosidade do público jovem e adulto desde a primeira até a última página de um livro. Desenvolvemos um estudo desse gênero em obras voltadas para o público infanto-juvenil que se identifica com as histórias, personagens e aventuras. Analisamos a construção da narrativa policial no universo infantil dos romances O caso da estranha fotografia (1977), de Stella Carr; Berenice detetive (1987), de João Carlos Marinho; e Droga de Americana! (1999), Pedro Bandeira. As obras desses autores foram construídas com crianças e adolescentes no papel de investigadores. Na análise, enfatizamos a caracterização dos integrantes dos diferentes grupos de jovens e crianças e suas atuações como detetives. Para tanto, o trabalho foi dividido em quatro capítulos. No primeiro capítulo, destacamos o romance policial em geral e sua evolução. O segundo capítulo discute a literatura infantil com foco nos autores das três obras mencionadas. Nos dois últimos capítulos, analisamos as três obras e a estrutura do romance policial infanto-juvenil.

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Villares, Mónica Ferrer 1982. « Arte fotografica e liberdade de expressão = um dialogo entre Brasil e Cuba (1960-1990) ». [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/281783.

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Orientador: Claudia Valladão de Mattos
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-15T14:24:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Villares_MonicaFerrer_M.pdf: 4737397 bytes, checksum: eb971cf5e2273525e932fb659df9af9e (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: ¿Arte fotográfica e liberdade de expressão: um diálogo entre o Brasil e Cuba ¿ aborda o desenvolvimento da fotografia latino-americana na segunda metade do século XX, a partir de um estudo comparativo e da análise de obras de fotógrafos cubanos e brasileiros, atuantes durante o período 1960-1990. O texto se divide em três grandes partes, correspondentes, cada uma delas, a um decênio, tomando como ponto de partida os gêneros de destaque em cada etapa e as relações destas produções com o contexto histórico e sócio-político em que se desenvolvem. No primeiro capítulo, a partir do conceito de 'fotojornalismo' são analisadas as obras dos artistas cubanos Alberto Díaz Gutiérrez (Korda) e Raúl Corrales, conjuntamente com as dos criadores brasileiros Antônio Luiz Benck Vargas e Evandro Teixeira. No segundo capítulo, tomando como base o conceito de 'fotografia antropológica¿ são submetidas à análise as obras dos artistas brasileiros Walter Firmo, Assis Hoffmann e Claudia Andujar, assim como a produção da fotógrafa cubana María Eugenia Haya (Marucha). Por fim, o terceiro e último capítulo da dissertação parte do desenvolvimento de poéticas de autor por parte dos artistas da câmera na década de 80, e a partir de diversos critérios se aproxima de forma crítica à obra dos fotógrafos cubanos Rogélio López Marín (Gory), Ramón Martínez Grandal e Mario García Joya (Mayito), assim como do artista brasileiro Clóvis Loureiro Junior.
Abstract: ¿Photographic art and freedom of expression: a dialogue between Brazil and Cuba ¿ discusses the development of Latin American photography in the second half of the twentieth century, from a comparative study and the analysis of works of Brazilian and Cuban photographers, working in the period of 1960-1990. The text is divided into three major parts, corresponding, each of them, to a decade, taking as a starting point the notable genres featured at every stage, and the relationship of these productions with the historical and socio-political context in which they develop. In the first chapter, from the concept of 'photojournalism' the works of the Cuban artists Alberto Díaz Gutiérrez (Korda) and Raul Corrales, together with the Brazilian creators Luiz Antônio Vargas Benck and Evandro Teixeira are analyzed. In the second chapter, building on the concept of 'anthropological photography' the works of the Brazilian artists Walter Firmo, Assis Hoffmann and Claudia Andujar, as well as the production of the Cuban photographer Maria Eugenia Haya (Marucha) are put under analysis. Finally, the third and final chapter of the dissertation is based on the development of author poetics by the artists of the camera in the 80's, and using several criteria, we approaches critically to the work of the Cuban photographers Rógelio López Marín (Gory), Ramón Martínez Grandal and Mario García Joya (Mayito), as well as the Brazilian artist Clóvis Loureiro Junior.
Mestrado
Historia da Arte
Mestre em História

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BARRA, LUCA. « Risate in scatola : storia, mediazioni e percorsi distributivi della situation comedy americana in Italia ». Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2011. http://hdl.handle.net/10280/1099.

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Résumé :

Nel contesto italiano, molti prodotti mediali sono di origine straniera: diffusi o trasmessi insieme a quelli di produzione nazionale, al tempo stesso cambiano spesso forma, per andare incontro al pubblico italiano, e diventano, almeno in parte, diversi dall’originale. La tesi vuole, pertanto, porre le basi teoriche per uno studio sistematico dei processi di “mediazione” che intercorrono nel passaggio di un testo mediale da un Paese all’altro: l’appropriazione nazionale (“italianizzazione”), l’adattamento, la distribuzione, la circolazione e la messa in pagina di contenuti e prodotti. Tali strumenti trovano poi applicazione (e insieme conferma) nell’analisi delle vicende italiane della sitcom americana, e di alcuni titoli in particolare, sotto tre punti di vista: la ricostruzione della storia del genere, che segue le evoluzioni del sistema televisivo e mediale nazionale e da questo è mediato; la definizione delle oscillazioni e variazioni che il testo affronta, senza limitarsi alla traduzione ma seguendone l’adattamento e la traslazione; infine, il racconto dei percorsi tra mercati, doppiaggi e reti che compongono la filiera della sitcom, mettendo in evidenza il ruolo intermedio svolto dalle routine produttive e dagli addetti ai lavori coinvolti nella distribuzione internazionale (e poi, nel nuovo contesto, nazionale).
In the Italian context, several media products have foreign origins: diffused or broadcast together with the national productions, they often change their nature in order to reach the Italian audience, and consequently become partially different products. Therefore, this dissertation aims to put the theoretical basis of a systematic study of the “mediation” processes that take place in the passage of a media text between two countries: national appropriation (“Italianization”), adaptation, distribution and circulation of different contents and products. Subsequently, these tools are applied on (and confirmed by) the analysis of the Italian vicissitudes of the US-made situation comedy, focusing on five titles, in order to study three aspects: the genre history on Italian TV, connected with the evolution of the national TV and media system; the variations and gaps that every text has to face, thus expanding the concept of translation into adaptation and transposition; in conclusion, the US sitcom chain in Italy, including TV markets, dubbings and broadcasting, highlighting the intermediary role played by production routines and professionals involved in the national and international distribution.

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BARRA, LUCA. « Risate in scatola : storia, mediazioni e percorsi distributivi della situation comedy americana in Italia ». Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2011. http://hdl.handle.net/10280/1099.

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Résumé :

Nel contesto italiano, molti prodotti mediali sono di origine straniera: diffusi o trasmessi insieme a quelli di produzione nazionale, al tempo stesso cambiano spesso forma, per andare incontro al pubblico italiano, e diventano, almeno in parte, diversi dall’originale. La tesi vuole, pertanto, porre le basi teoriche per uno studio sistematico dei processi di “mediazione” che intercorrono nel passaggio di un testo mediale da un Paese all’altro: l’appropriazione nazionale (“italianizzazione”), l’adattamento, la distribuzione, la circolazione e la messa in pagina di contenuti e prodotti. Tali strumenti trovano poi applicazione (e insieme conferma) nell’analisi delle vicende italiane della sitcom americana, e di alcuni titoli in particolare, sotto tre punti di vista: la ricostruzione della storia del genere, che segue le evoluzioni del sistema televisivo e mediale nazionale e da questo è mediato; la definizione delle oscillazioni e variazioni che il testo affronta, senza limitarsi alla traduzione ma seguendone l’adattamento e la traslazione; infine, il racconto dei percorsi tra mercati, doppiaggi e reti che compongono la filiera della sitcom, mettendo in evidenza il ruolo intermedio svolto dalle routine produttive e dagli addetti ai lavori coinvolti nella distribuzione internazionale (e poi, nel nuovo contesto, nazionale).
In the Italian context, several media products have foreign origins: diffused or broadcast together with the national productions, they often change their nature in order to reach the Italian audience, and consequently become partially different products. Therefore, this dissertation aims to put the theoretical basis of a systematic study of the “mediation” processes that take place in the passage of a media text between two countries: national appropriation (“Italianization”), adaptation, distribution and circulation of different contents and products. Subsequently, these tools are applied on (and confirmed by) the analysis of the Italian vicissitudes of the US-made situation comedy, focusing on five titles, in order to study three aspects: the genre history on Italian TV, connected with the evolution of the national TV and media system; the variations and gaps that every text has to face, thus expanding the concept of translation into adaptation and transposition; in conclusion, the US sitcom chain in Italy, including TV markets, dubbings and broadcasting, highlighting the intermediary role played by production routines and professionals involved in the national and international distribution.

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CHIARULLI, RAFFAELE ROSARIO. « Strutture drammaturgiche e tecniche di scrittura del cinema americano classico : casi di intertestualità tra teatro e cinema ». Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2012. http://hdl.handle.net/10280/1533.

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Résumé :

Questa tesi è un’esplorazione dei rapporti tra il segno teatrale e il segno cinematografico attraverso la prospettiva degli sceneggiatori e della sceneggiatura nel cinema hollywoodiano classico. Presenta problematiche che riguardano la sceneggiatura come pratica, forma d’arte, oggetto di discussione, mezzo di espressione e risultato di una messa in campo di propositi, valori e significati.
This doctoral thesis is an analysis of the relationships between the "theatrical sign" and the "cinematographic sign" from the perspective of screenwriters and of Classic Hollywood screenwriting. It introduces issues related to screenwriting as practical activity, form of art, subject of discussion, system of communication, and as the result of a negotiation of aims, values and meanings.

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CHIARULLI, RAFFAELE ROSARIO. « Strutture drammaturgiche e tecniche di scrittura del cinema americano classico : casi di intertestualità tra teatro e cinema ». Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2012. http://hdl.handle.net/10280/1533.

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Résumé :

Questa tesi è un’esplorazione dei rapporti tra il segno teatrale e il segno cinematografico attraverso la prospettiva degli sceneggiatori e della sceneggiatura nel cinema hollywoodiano classico. Presenta problematiche che riguardano la sceneggiatura come pratica, forma d’arte, oggetto di discussione, mezzo di espressione e risultato di una messa in campo di propositi, valori e significati.
This doctoral thesis is an analysis of the relationships between the "theatrical sign" and the "cinematographic sign" from the perspective of screenwriters and of Classic Hollywood screenwriting. It introduces issues related to screenwriting as practical activity, form of art, subject of discussion, system of communication, and as the result of a negotiation of aims, values and meanings.

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Savaris, Michele. « La fotografía como elemento (re)constructor de la memoria en Escenas de cine mudo de Julio Llamazares y Retrato en sepia de Isabel Allende ». reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2011. http://hdl.handle.net/10183/32875.

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Résumé :

Esta dissertação busca uma aproximação entre fotografia e literatura à luz do processo mnemônico que se forma por meio desse tipo de imagem. Assim, o objetivo principal consiste em analisar e mostrar como a fotografia atua e de que maneira contribui para que alguém (re)construa seu passado relacionando-o à memória. Para isso, parte-se da análise das obras literárias Escenas de cine mudo do autor espanhol Julio Llamazares e Retrato en sepia da escritora chilena Isabel Allende, que nos servem como ponto de partida para a discussão analítica, destacando-se a importância da fotografia para a literatura. Dessa maneira, faz-se necessário um estudo cuidadoso dos elementos que compõem cada uma das referidas obras, com a finalidade de perceber e compreender as relações que se estabelecem para a formação da memória, já que em Escenas de cine mudo e Retrato en sepia, o modo de (re)construção do passado através de fotografia é diferente. O termo “memória” está associado a diversos conceitos, de acordo com a área em que é aplicado. Levando em conta essa ideia, a proposta é partir dos conceitos de “memória” estabelecidos por Aristóteles, Platão e Ricoeur, aplicando-os às obras literárias mencionadas.
Esta disertación busca un acercamiento entre fotografía y literatura a la luz del proceso mnemónico que se forma por medio de ese tipo de imagen. Así, el objetivo principal consiste en investigar y mostrar cómo la fotografía actúa en la literatura y de qué manera contribuye para que uno (re)construya su pasado relacionándolo a la memoria. Para esto, se parte del análisis de las obras literarias Escenas de cine mudo del autor español Julio Llamazares, y Retrato en sepia de la escritora chilena Isabel Allende, que nos sirven como puntos de partida para la discusión analítica, destacándose la importancia de la fotografía para la literatura. De esa manera, se hace necesario un estudio cuidadoso de los elementos componentes de cada una de las referidas obras, con el fin de percibir y comprender las relaciones que se establecen para la formación de la memoria, ya que en Escenas de cine mudo y Retrato en sepia, el modo de (re)construcción del pasado a través de la fotografía es distinto. El término “memoria” está relacionado a diversos conceptos, de acuerdo con el área en que se aplica. Llevando en cuenta esa idea, la propuesta es partir de los conceptos de “memoria” establecidos por Aristóteles, Platón y Ricouer, aplicándolos a las obras literarias mencionadas.

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Fox-Hodess, Ana. « Model home : fotografía, nostalgia y el sueño americano ». Tesis, Universidad de Chile, 2016. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/147106.

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Magíster en artes mediales
Esta investigación indaga sobre cómo la fotografía interpela nuestra experiencia del pasado. Entiende la fotografía como una construcción, tal como otras construcciones (familia, nación, memoria, historia) que definen nuestras identidades y cumplen roles ideológicos significativos. Pregunta si una mirada crítica a la fotografía puede provocar por extensión una mirada crítica hacia cómo conceptualizamos y nos relacionamos con el pasado. El producto de la investigación es un trabajo audiovisual con soporte web, Model Home (www.anafoxhodess.net/model-home), que busca respuestas provisorias a esta pregunta y opera en, por los menos, tres planos conceptuales: lo personal, lo histórico, y lo mediático.

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OLIVEIRA, C. B. « O ESTILO DOCUMENTÁRIO DE WALKER EVANS EM AMERICAN PHOTOGRAPHS ». Universidade Federal do Espírito Santo, 2013. http://repositorio.ufes.br/handle/10/2096.

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Made available in DSpace on 2016-08-26T15:19:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_6407_DISSERTACAO FINAL_CLERISTON BOECHAT.pdf: 275592712 bytes, checksum: bf7398cd8738a8c8dff1819f50ff0a4f (MD5) Previous issue date: 2013-04-02
Investiga o estilo documentário do fotógrafo americano Walker Evans na exposição e no livro American Photographs, de 1938. Analisa as fotografias do autor a partir de textos críticos de diversos autores, dentre eles Walter Benjamin, Michel Foucault, Rosalind Krauss, John Szarkowski e Alan Trachtenberg. Identifica e aborda as principais influências literárias e fotográficas na construção do estilo documentário: o não-aparecimento do autor defendido por Gustave Flaubert; o espírito de modernidade de Charles Baudelaire; o repertório e a abordagem direta de Eugène Atget; a construção de uma tradição fotográfica americana em Mathew Brady e em Paul Strand. Ao tratar da exposição, aborda os principais temas desenvolvidos ali pelo artista e ainda como trabalhou a sequência fotográfica contra a ideia modernista da fotografia como imagem singular e contra a pompa da expografia museográfica. Aborda a relação entre o artista e o Museu de Arte Moderna de Nova York, o MoMA, instituição que patrocinou a publicação e abrigou a mostra. Ao tratar do livro American Photographs, aborda separadamente parte um e dois da publicação, ressaltando os diferentes temas e sequências desenvolvidos pelo artista. Palavras-chave: Fotografia. Walker Evans. Estilo documentário. American Photographs. MoMA.

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Armentano, Chiara <1981&gt. « Elementi postmoderni nell'horror americano contemporaneo. Forme testuali e culturali della mutazione 1968-1998 ». Doctoral thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2008. http://amsdottorato.unibo.it/1121/1/Tesi_Armentano_Chiara.pdf.

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Résumé :

This research argues for an analysis of textual and cultural forms in the American horror film (1968- 1998), by defining the so-called postmodern characters. The “postmodern” term will not mean a period of the history of cinema, but a series of forms and strategies recognizable in many American films. From a bipolar re-mediation and cognitive point of view, the postmodern phenomenon is been considered as a formal and epistemological re-configuration of the cultural “modern” system. The first section of the work examines theoretical problems about the “postmodern phenomenon” by defining its cultural and formal constants in different areas (epistemology, economy, mass-media): the character of convergence, fragmentation, manipulation and immersion represent the first ones, while the “excess” is the morphology of the change, by realizing the “fluctuation” of the previous consolidated system. The second section classifies the textual and cultural forms of American postmodern film, generally non-horror. The “classic narrative” structure – coherent and consequent chain of causal cues toward a conclusion – is scattered by the postmodern constant of “fragmentation”. New textual models arise, fragmenting the narrative ones into the aggregations of data without causal-temporal logics. Considering the process of “transcoding”1 and “remediation”2 between media, and the principle of “convergence” in the phenomenon, the essay aims to define these structures in postmodern film as “database forms” and “navigable space forms.” The third section applies this classification to American horror film (1968-1998). The formal constant of “excess” in the horror genre works on the paradigm of “vision”: if postmodern film shows a crisis of the “truth” in the vision, in horror movies the excess of vision becomes “hyper-vision” – that is “multiplication” of the death/blood/torture visions – and “intra-vision”, that shows the impossibility of recognizing the “real” vision from the virtual/imaginary. In this perspective, the textual and cultural forms and strategies of postmodern horror film are predominantly: the “database-accumulation” forms, where the events result from a very simple “remote cause” serving as a pretext (like in Night of the Living Dead); the “database-catalogue” forms, where the events follow one another displaying a “central” character or theme. In the first case, the catalogue syntagms are connected by “consecutive” elements, building stories linked by the actions of a single character (usually the killer), or connected by non-consecutive episodes about a general theme: examples of the first kind are built on the model of The Wizard of Gore; the second ones, on the films such as Mario Bava’s I tre volti della paura. The “navigable space” forms are defined: hyperlink a, where one universe is fluctuating between reality and dream, as in Rosemary’s Baby; hyperlink b (where two non-hierarchical universes are convergent, the first one real and the other one fictional, as in the Nightmare series); hyperlink c (where more worlds are separated but contiguous in the last sequence, as in Targets); the last form, navigable-loop, includes a textual line which suddenly stops and starts again, reflecting the pattern of a “loop” (as in Lost Highway). This essay analyses in detail the organization of “visual space” into the postmodern horror film by tracing representative patterns. It concludes by examining the “convergence”3 of technologies and cognitive structures of cinema and new media.

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Armentano, Chiara <1981&gt. « Elementi postmoderni nell'horror americano contemporaneo. Forme testuali e culturali della mutazione 1968-1998 ». Doctoral thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2008. http://amsdottorato.unibo.it/1121/.

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Résumé :

This research argues for an analysis of textual and cultural forms in the American horror film (1968- 1998), by defining the so-called postmodern characters. The “postmodern” term will not mean a period of the history of cinema, but a series of forms and strategies recognizable in many American films. From a bipolar re-mediation and cognitive point of view, the postmodern phenomenon is been considered as a formal and epistemological re-configuration of the cultural “modern” system. The first section of the work examines theoretical problems about the “postmodern phenomenon” by defining its cultural and formal constants in different areas (epistemology, economy, mass-media): the character of convergence, fragmentation, manipulation and immersion represent the first ones, while the “excess” is the morphology of the change, by realizing the “fluctuation” of the previous consolidated system. The second section classifies the textual and cultural forms of American postmodern film, generally non-horror. The “classic narrative” structure – coherent and consequent chain of causal cues toward a conclusion – is scattered by the postmodern constant of “fragmentation”. New textual models arise, fragmenting the narrative ones into the aggregations of data without causal-temporal logics. Considering the process of “transcoding”1 and “remediation”2 between media, and the principle of “convergence” in the phenomenon, the essay aims to define these structures in postmodern film as “database forms” and “navigable space forms.” The third section applies this classification to American horror film (1968-1998). The formal constant of “excess” in the horror genre works on the paradigm of “vision”: if postmodern film shows a crisis of the “truth” in the vision, in horror movies the excess of vision becomes “hyper-vision” – that is “multiplication” of the death/blood/torture visions – and “intra-vision”, that shows the impossibility of recognizing the “real” vision from the virtual/imaginary. In this perspective, the textual and cultural forms and strategies of postmodern horror film are predominantly: the “database-accumulation” forms, where the events result from a very simple “remote cause” serving as a pretext (like in Night of the Living Dead); the “database-catalogue” forms, where the events follow one another displaying a “central” character or theme. In the first case, the catalogue syntagms are connected by “consecutive” elements, building stories linked by the actions of a single character (usually the killer), or connected by non-consecutive episodes about a general theme: examples of the first kind are built on the model of The Wizard of Gore; the second ones, on the films such as Mario Bava’s I tre volti della paura. The “navigable space” forms are defined: hyperlink a, where one universe is fluctuating between reality and dream, as in Rosemary’s Baby; hyperlink b (where two non-hierarchical universes are convergent, the first one real and the other one fictional, as in the Nightmare series); hyperlink c (where more worlds are separated but contiguous in the last sequence, as in Targets); the last form, navigable-loop, includes a textual line which suddenly stops and starts again, reflecting the pattern of a “loop” (as in Lost Highway). This essay analyses in detail the organization of “visual space” into the postmodern horror film by tracing representative patterns. It concludes by examining the “convergence”3 of technologies and cognitive structures of cinema and new media.

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Bruand, Aline Vanessa [Verfasser], et M. [Akademischer Betreuer] Papenbrock. « „The Epic American... – Garry Winogrands Blick auf die USA“ / Aline Vanessa Bruand ; Betreuer : M. Papenbrock ». Karlsruhe : KIT-Bibliothek, 2020. http://d-nb.info/1221186892/34.

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Zanello, Daniele <1983&gt. « FAT CITY : IL RISVEGLIO DELLE AMERICHE Ideologia e identità nel cinema metropolitano americano degli anni Settanta ». Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2013. http://hdl.handle.net/10579/3308.

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Scheibmeir, Julia T. « Film, Fashion and Fotografía : The Exoticism and Eroticism of Female Victims in Juárez ». Scholarship @ Claremont, 2012. http://scholarship.claremont.edu/scripps_theses/132.

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Résumé :

This thesis examines the phenomenon of feminicide in Ciudad Juarez, Mexico, and the representation of female victims in U.S. and Mexican mainstream media and performance activism. Specifically analyzing representations of maquiladora workers and feminicide victims in film, fashion and photography, this thesis explores the simultaneous fetishization and devaluation of border women in patriarchal society. By broadening the base of pressure for justice, via performance and internet activism, misogynist governments and policies can and will change.

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CHIMENTO, ANDREA. « 9/11 : la 25ª ora del cinema americano ». Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2013. http://hdl.handle.net/10280/1994.

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Résumé :

11 settembre 2001: il World Trade Center, luogo “sicuro e inaccessibile” come la nazione di cui faceva parte, crolla insieme alle certezze del popolo americano. Ci sono state conseguenze nel cinema? Il titolo di questo progetto di ricerca, 9/11: la 25ª ora del cinema americano, già rappresenta una convinzione: il cinema americano dopo l’11 settembre è entrato in una nuova fase. Partendo da un'analisi delle pellicole direttamente coinvolte nella messa in scena degli attentati, il progetto si articola in due macro-sezioni: la prima impostata come una diretta sull’ “evento”; la seconda inerente al periodo successivo all’accaduto. Il cardine della prima è l'analisi del concetto di “ri-narrazione ossessiva” in quei film che lavorano per allegorie e simbologie dell’11 settembre. La focalizzazione della seconda, invece, sono i “nuovi modelli delle catastrofi interiori” in epoca post-11 settembre e l’analisi delle modalità di rappresentazione dei cambiamenti degli stati d’animo e delle incertezze da parte del cinema americano. In particolare, verrà dato ampio spazio alla teoria del trauma, quale sezione fondante. Al termine, una conclusione che ambisce a tirare le fila di una ricerca a cui non si può mettere la parola “fine”, ma che è, al contrario e necessariamente, in continuo divenire.
September, 11th 2001: the World Trade Center, a “safe and inaccessible” place as the Country it belongs to, collapses together with the American people’s certainties. Did this event bring any consequences in cinematography? The title of this research: “9/11: the 25th hour of American cinema” states a firm belief: American cinematography has entered a new phase after September 11th. Starting from analyzing the movies directly involved in representing the attacks, the project develops through two marco-sections: the first one set as “live on the event”; the second one referring to the period that came after it. The key-point of the first section is the concept of “obsessive re-narrating” in those movies showing allegories and symbologies of September 11th. The focus of the second one, on the other hand, consists of the “new models of interior catastrophes” in the post-September 11th era and of analyzing the ways American cinematography represents uncertainty and changes in the people’s state of mind. In particular, the trauma theory will be widely treated as a ground section. In the end, a conclusion that aims at summarizing a research that cannot lead to an ultimate “end”, but which is on the contrary, and necessarily, in continuous evolution.

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CHIMENTO, ANDREA. « 9/11 : la 25ª ora del cinema americano ». Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2013. http://hdl.handle.net/10280/1994.

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Résumé :

11 settembre 2001: il World Trade Center, luogo “sicuro e inaccessibile” come la nazione di cui faceva parte, crolla insieme alle certezze del popolo americano. Ci sono state conseguenze nel cinema? Il titolo di questo progetto di ricerca, 9/11: la 25ª ora del cinema americano, già rappresenta una convinzione: il cinema americano dopo l’11 settembre è entrato in una nuova fase. Partendo da un'analisi delle pellicole direttamente coinvolte nella messa in scena degli attentati, il progetto si articola in due macro-sezioni: la prima impostata come una diretta sull’ “evento”; la seconda inerente al periodo successivo all’accaduto. Il cardine della prima è l'analisi del concetto di “ri-narrazione ossessiva” in quei film che lavorano per allegorie e simbologie dell’11 settembre. La focalizzazione della seconda, invece, sono i “nuovi modelli delle catastrofi interiori” in epoca post-11 settembre e l’analisi delle modalità di rappresentazione dei cambiamenti degli stati d’animo e delle incertezze da parte del cinema americano. In particolare, verrà dato ampio spazio alla teoria del trauma, quale sezione fondante. Al termine, una conclusione che ambisce a tirare le fila di una ricerca a cui non si può mettere la parola “fine”, ma che è, al contrario e necessariamente, in continuo divenire.
September, 11th 2001: the World Trade Center, a “safe and inaccessible” place as the Country it belongs to, collapses together with the American people’s certainties. Did this event bring any consequences in cinematography? The title of this research: “9/11: the 25th hour of American cinema” states a firm belief: American cinematography has entered a new phase after September 11th. Starting from analyzing the movies directly involved in representing the attacks, the project develops through two marco-sections: the first one set as “live on the event”; the second one referring to the period that came after it. The key-point of the first section is the concept of “obsessive re-narrating” in those movies showing allegories and symbologies of September 11th. The focus of the second one, on the other hand, consists of the “new models of interior catastrophes” in the post-September 11th era and of analyzing the ways American cinematography represents uncertainty and changes in the people’s state of mind. In particular, the trauma theory will be widely treated as a ground section. In the end, a conclusion that aims at summarizing a research that cannot lead to an ultimate “end”, but which is on the contrary, and necessarily, in continuous evolution.

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PAVESI, Diletta. « Poisoned Love Letters to the Movies. La contraddittoria rappresentazione di Hollywood nel cinema americano classico (1932-1962) ». Doctoral thesis, Università degli studi di Ferrara, 2015. http://hdl.handle.net/11392/2389068.

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Résumé :

Films about Hollywood and the motion picture industry have a history as rich and varied as that of the industry itself. Throughout the history of American film, many different kinds of movies – from comedies to melodramas, including musicals, noir and even western films – have been explicitly set in Hollywood. A “Hollywood on Hollywood film” is defined in this study as any feature-length motion picture which takes Hollywood as its primary subject and which concerns characters (stars, directors, screenwriters and producers) whose lives are deeply affected by this milieu. Even though any kind of Hollywood movie deals with Hollywood in a certain way, those, explicitly set there, offer a privileged insight into what that mysterious, multiple signifier – Hollywood – means and how this mythmaking industry relates to the American culture as a whole. Thanks to their self-referential aesthetics Hollywood on Hollywood movies reveal the tension between realism and illusion which characterizes film as a medium. But this tension is just one instance of the larger contradiction of Hollywood films about Hollywood: they simultaneously celebrate and question their subject and its role in American society as well as in the history of arts. This essay deals with films produced during the Golden Age and analyses eight pictures dating from 1932 to 1962: What Price Hollywood? (1932) by George Cukor, A Star Is Born (1937) by William Wellman, Sullivan’s Travels (1941) by Preston Sturges, Sunset Boulevard (1950) by Billy Wilder, In a Lonely Place (1950) by Nicholas Ray, Singin’ in the Rain (1952) by Gene Kelly and Stanley Donen, The Bad and the Beautiful (1952) by Vincente Minnelli and What Ever Happened to Baby Jane? (1962) by Robert Aldrich. Throughout stories about stars, directors, screenwriters and producers, we try to investigate through different perspectives the contradictory image that Hollywood depicts itself.

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Hertz, Verena Verfasser], et Burcu [Akademischer Betreuer] [Dogramaci. « Die Peripherie des „Everyday America“ im Fokus zeitgenössischer, amerikanischer Photographen : Gregory Crewdson, Cindy Sherman, Stephen Shore, Taryn Simon, Alec Soth / Verena Hertz. Betreuer : Burcu Dogramaci ». München : Universitätsbibliothek der Ludwig-Maximilians-Universität, 2013. http://d-nb.info/1105373835/34.

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Pérez, Beltrán Fernando José. « EL PARADIGMA DEL HIPERREALISMO : CARACTERÍSTICAS PROPIAS DE LA RECIENTE PINTURA ESPAÑOLA ». Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2017. http://hdl.handle.net/10251/90510.

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Résumé :

In the present thesis a study has been carried out with the objective of marking the conceptual, philosophical and production differences between the American photorealism in its origins and the hyperrealism currently practiced in Spain. The research focuses on the basic concepts of realism that support both aspects, such as mimesis, the type of pictorial language used and style, marked by the influences received as they are academic tradition or the sociocultural context. The photographic image acquires special relevance in the hyperrealistic movement, reason why it is necessary an analysis of its relation with the painting and its use like model reference. It analyzes a selection of the most representative American artists of the photorealism, making a description of its thematic, technical process and the pictorial language that they use. As for Spanish hyperrealism, we will choose five of the most representative artists in the Spanish hyperrealist landscape, due to their national and international expository relevance, and their work process from which to determine differences with American artists. Starting from the point of view of my personal artistic work, a description will be made of it, going deeper into the methodology and the process of the realization of the hyperrealist work; Procedures that have been studied throughout this research. I will use different expressive and style languages to make a difference. In each of the works described in this thesis, influences of hyperrealist and realistic painters, both procedurally and thematically, are approached in a search for their own language and style.
En la presente tesis se ha realizado un estudio con el objetivo de marcar las diferencias conceptuales, filosóficas y del proceso de producción entre el fotorrealismo americano en sus orígenes y el hiperrealismo que se ejerce actualmente en España. En la investigación se atiende a los conceptos básicos del realismo que sustentan ambas vertientes, como es la mímesis, el tipo de lenguaje pictórico empleado y el estilo, marcado por las influencias recibidas como son tradición académica o el contexto sociocultural. La imagen fotográfica adquiere especial relevancia en el movimiento hiperrealista, por lo que es necesario un análisis de su relación con la pintura y su utilización como referente modélico. Se analiza una selección de los artistas americanos del fotorrealismo más representativos, haciendo una descripción de su temática, proceso técnico y el lenguaje pictórico que utilizan. En cuanto al hiperrealismo español, escogeremos cinco de los artistas más representativos del panorama hiperrealista español, por su relevancia expositiva nacional e internacional, y por su proceso de trabajo desde el que poder determinar las diferencias con los artistas americanos. Partiendo desde el punto de vista de mi obra artística personal, se hará una descripción de la misma, profundizando en la metodología y el proceso de la realización de la obra hiperrealista; procedimientos que han sido estudiados a lo largo de esta investigación. Se hará uso de diferentes lenguajes expresivos y de estilo para marcar la diferencia. En cada una de las obras descritas en la presente tesis se abordan influencias de pintores hiperrealistas y realistas, tanto procedimental como temáticamente, en una búsqueda de un lenguaje y un estilo propios.
En la present tesi s'ha realitzat un estudi amb l'objectiu de marcar les diferències conceptuals, filosòfiques i del procés de producció entre el fotorrealisme americà en els seus orígens i l'hiperrealisme que s'exerceix actualment a Espanya. En la recerca s'adapten els conceptes bàsics del realisme que sustenten els dos vessants, com és la mímesis, el tipus de llenguatge pictòric empleat i l'estil, marcat per les influències rebudes com són l'acadèmica tradicional o el context sociocultural. La imatge fotogràfica adquireix especial rellevància en el moviment hiperrealista, pel que es necessita una anàlisi de la seva relació amb la pintura i la seva utilització com referent modèlic. S'analitza una selecció dels artistes americans del fotorrealisme més representatius, fent una descripció dels temes, el procés tècnic i el llenguatge pictòric que utilitzen. Pel que fa a l'hiperrealisme espanyol, escollirem cinc dels artistes més representatius del panorama hiperrealista espanyol, per la seva rellevància expositiva nacional i internacional, i pel seu procés de treball des del qual podrem determinar les diferències amb els artistes americans. Partiendo des del punt de vista de la meva obra artística personal, es farà una descripció de la mateixa, aprofundint en la metodologia i el procés de realització de la obra hiperrealista; Procediments que han estat estudiats al llarg d'aquesta investigació. Es farà servir de diferents idiomes expressius i d'estil per marcar la diferència. En cada una de les obres descrites en la present tesi se aborden influències de pintors hiperrealistes i realistes, tant procedimentals com temàticament, en una recerca d'un llenguatge i un estil propi.
Pérez Beltrán, FJ. (2017). EL PARADIGMA DEL HIPERREALISMO: CARACTERÍSTICAS PROPIAS DE LA RECIENTE PINTURA ESPAÑOLA [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90510
TESIS

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Ávila, Marcelo Rodrigues de [UNESP]. « Cenários da expansão urbana e da legislação e os reflexos na cobertura vegetal arbórea e arbustiva na cidade de Americana-SP ». Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2015. http://hdl.handle.net/11449/138523.

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Résumé :

Made available in DSpace on 2016-05-17T16:51:46Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-11-03. Added 1 bitstream(s) on 2016-05-17T16:55:37Z : No. of bitstreams: 1 000864222.pdf: 10851749 bytes, checksum: 54a0b767b228a3fd06917a8d12227bbd (MD5)
Nas áreas urbanas, a cobertura vegetal se constitui num elemento importante, na medida em que proporciona benefícios a este ambiente dinâmico e intensamente alterado pela ocupação antrópica. No entanto, ao longo do tempo, o processo de crescimento das cidades ocorreu com a diminuição ou a supressão total das áreas de matas e florestas, estas já muito alteradas pelo avanço das fronteiras agrícolas em períodos pretéritos ao processo de urbanização. Desta forma, o objetivo fundamental desta pesquisa foi avaliar a expansão da cidade e os reflexos na distribuição e na concentração da cobertura vegetal arbórea e arbustiva no município de Americana-SP, através da análise de mosaicos de imagens aerofotogramétricas dos cenários de 1977, 1996 e 2008. Para tal, foi realizado o mapeamento desta cobertura vegetal e dos diferentes usos do solo urbano nos três cenários. O mapeamento foi efetuado por meio de fotointerpretação dos mosaicos em tela de computador, através da vetorização manual das feições de interesse, no software ArcGIS 10.0. Ao mesmo tempo, foi consultada a legislação referente à proteção ambiental e à expansão urbana no município para os períodos em questão, possibilitando compreender sua consequência na realidade encontrada em cada cenário. Desta forma, observou-se o aumento da cobertura vegetal arbórea e arbustiva ao longo do tempo, onde, em 1977, sua ocupação correspondia a 8,8% da área de estudo, passando, em 2008, a ocupar 14,3%, ou seja, um aumento de 62,5%. No entanto, apesar da melhora em razão das políticas pautadas no aparato legislativo, verificou-se que essa não refletiu diretamente em benefício à população local, já que a oferta desta cobertura vegetal presente em parques e praças, estes dedicados ao lazer, se manteve baixa ao longo dos cenários. Além disso, mais de 50% da referida cobertura vegetal, em todos os cenários, encontra-se fora da área densamente urbanizada...
In urban areas the vegetation cover is an important element, in the degree that it provides with benefits this dynamic and, extremely altered by anthropic occupation environment. However, in a long time, the development of cities happened with the partial or complete suppression of woods and forests. These woods and forests had already been altered by the advancement of the agricultural areas previously to the urbanization process. Hence, the main objective of this research was to evaluate the expansion of the city and its results in the concentration and distribution of the shrubby and arboreal vegetation covering in Americana, São Paulo, through the analyses of aerophotogrammetric images from the area in 1977, 1996 and 2008. In order to achieve it, a mapping was developed showing this vegetation cover and the different usages of the land in the three periods established. The mapping was made through photointerpretation of the images in a computer screen, through the manual vectorization of the features of interest in the software ArcGIS 10.0. At the same time the legislations concerning environmental protection and urbanization from the same periods were consulted making it possible to understand its consequences in the reality found for each of the researched scenarios. This way, it was possible to observe an increase in the shrubby and arboreal vegetation covering, that in 1977 was 8.8% of the analyzed area and in 2008 came to cover 14.3% of the analyzed area, representing an increase of 62.5%. However, despite the improvement brought by the politics based on the legislative apparatus, this increase did not bring any benefits to the population since the supply of vegetation cover in leisure areas like parks and squares was always low throughout all times. Besides, more than 50% of this vegetation cover in all periods can only be found outside densely populated areas, being present mostly in the way of riparian forests. Because...

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Ávila, Marcelo Rodrigues de. « Cenários da expansão urbana e da legislação e os reflexos na cobertura vegetal arbórea e arbustiva na cidade de Americana-SP / ». Rio Claro, 2015. http://hdl.handle.net/11449/138523.

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Résumé :

Orientadora: Andréia Medinilha Pancher
Banca: Maria Isabel Castreghini de Freitas
Banca: Demóstenes Ferreira da Silva Filho
Resumo: Nas áreas urbanas, a cobertura vegetal se constitui num elemento importante, na medida em que proporciona benefícios a este ambiente dinâmico e intensamente alterado pela ocupação antrópica. No entanto, ao longo do tempo, o processo de crescimento das cidades ocorreu com a diminuição ou a supressão total das áreas de matas e florestas, estas já muito alteradas pelo avanço das fronteiras agrícolas em períodos pretéritos ao processo de urbanização. Desta forma, o objetivo fundamental desta pesquisa foi avaliar a expansão da cidade e os reflexos na distribuição e na concentração da cobertura vegetal arbórea e arbustiva no município de Americana-SP, através da análise de mosaicos de imagens aerofotogramétricas dos cenários de 1977, 1996 e 2008. Para tal, foi realizado o mapeamento desta cobertura vegetal e dos diferentes usos do solo urbano nos três cenários. O mapeamento foi efetuado por meio de fotointerpretação dos mosaicos em tela de computador, através da vetorização manual das feições de interesse, no software ArcGIS 10.0. Ao mesmo tempo, foi consultada a legislação referente à proteção ambiental e à expansão urbana no município para os períodos em questão, possibilitando compreender sua consequência na realidade encontrada em cada cenário. Desta forma, observou-se o aumento da cobertura vegetal arbórea e arbustiva ao longo do tempo, onde, em 1977, sua ocupação correspondia a 8,8% da área de estudo, passando, em 2008, a ocupar 14,3%, ou seja, um aumento de 62,5%. No entanto, apesar da melhora em razão das políticas pautadas no aparato legislativo, verificou-se que essa não refletiu diretamente em benefício à população local, já que a oferta desta cobertura vegetal presente em parques e praças, estes dedicados ao lazer, se manteve baixa ao longo dos cenários. Além disso, mais de 50% da referida cobertura vegetal, em todos os cenários, encontra-se fora da área densamente urbanizada...
Abstract: In urban areas the vegetation cover is an important element, in the degree that it provides with benefits this dynamic and, extremely altered by anthropic occupation environment. However, in a long time, the development of cities happened with the partial or complete suppression of woods and forests. These woods and forests had already been altered by the advancement of the agricultural areas previously to the urbanization process. Hence, the main objective of this research was to evaluate the expansion of the city and its results in the concentration and distribution of the shrubby and arboreal vegetation covering in Americana, São Paulo, through the analyses of aerophotogrammetric images from the area in 1977, 1996 and 2008. In order to achieve it, a mapping was developed showing this vegetation cover and the different usages of the land in the three periods established. The mapping was made through photointerpretation of the images in a computer screen, through the manual vectorization of the features of interest in the software ArcGIS 10.0. At the same time the legislations concerning environmental protection and urbanization from the same periods were consulted making it possible to understand its consequences in the reality found for each of the researched scenarios. This way, it was possible to observe an increase in the shrubby and arboreal vegetation covering, that in 1977 was 8.8% of the analyzed area and in 2008 came to cover 14.3% of the analyzed area, representing an increase of 62.5%. However, despite the improvement brought by the politics based on the legislative apparatus, this increase did not bring any benefits to the population since the supply of vegetation cover in leisure areas like parks and squares was always low throughout all times. Besides, more than 50% of this vegetation cover in all periods can only be found outside densely populated areas, being present mostly in the way of riparian forests. Because...
Mestre

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Pitol, André Luis Castilho. « Ask me to send these photos to you : a produção artística de Alair Gomes no circuito norte-americano ». Universidade de São Paulo, 2016. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-15032017-151252/.

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Résumé :

\"Ask me to send these photos to you\" tem como foco principal a produção fotográfica realizada por Alair Gomes durante as décadas de 1970 e 1980 nos Estados Unidos (EUA). As análises abarcam o ensaio The Balcony (a photo portfolio), publicado na revista Performance, em 1971; a participação no livro de artista Artists Almanac, em 1975; o ensaio Carnival in Rio: a photo essay, que fez parte de Gay Sunshine - Journal of Gay Liberation em 1979 e, finalmente, as suas fotografias que estiveram presentes nas revistas The Advocate, em 1983 e em Advocate MEN, em 1987. O conjunto dos cinco trabalhos obteve uma circulação pública efetiva tanto no meio das artes quanto no de uma homossociabilidade norte-americana. Ele apresenta uma série de elementos formais e estruturais que caracterizam esta produção de Alair Gomes, como a sequencialidade de múltiplas imagens fotográficas e o suporte impresso como espaço de produção do trabalho de arte. A proposta foi a de realizar uma leitura sobre a produção de Alair Gomes que amplie o relação estabelecida entre a sua fotografia e o homoerotismo, destacando a aproximação do fotógrafo de agentes e instituições dos campos científico, universitário e cultural, tanto carioca quanto norte-americano. Essa multiplicidade de pontos de contato elemento-chave da nossa proposta de análise, pois incidiu sobre os caminhos artísticos de sua produção fotográfica.
\"Ask me to send these photos to you\" is mainly focused on the photographic work of Alair Gomes during the 1970s and 1980s in the United States (US). The analyses include the essay The Balcony (the photo portfolio), published in magazine Performance in 1971; a participation in artist\'s book Artists Almanac in 1975; the essay Carnival in Rio: a photo essay which was part of Gay Sunshine - Journal of Gay Liberation in 1979 and finally his photos that were shown in the magazine The Advocate in 1983 and Advocate MEN in 1987. The five papers obtained an effective public circulation both in the form of art as well as in the circulation within the American homosociability. It features a series of formal and structural elements that characterize the work of Alair Gomes, like the sequential and multiple photographic images and print media as the space for producing the artwork. Our proposition was to perform a new reading of the work of Alair Gomes to broaden the relationship established between his photographs and the homoeroticism, highlighting his approximation to agents and institutions within the scientific, academic and cultural fields in Rio and the US. This multiplicity of contacts between these key points is the object of our analysis, as we focused on the artistic paths of his photographic work.

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Arruda, Lucybeth Camargo 1971. « Naturalmente filmados : modos de atuar e de viver nos postos indígenas do SPI na década de 1940 ». [s.n.], 2012. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/280431.

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Résumé :

Orientador: John Manuel Monteiro
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-20T11:17:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Arruda_LucybethCamargo_D.pdf: 14806183 bytes, checksum: b027d6a2468368305756347b5e84b432 (MD5) Previous issue date: 2012
Resumo: Esta tese é um exercício de reflexão a partir de fotografias que compõem três coleções fotográficas produzidas pela Seção de Estudos (SE), do Serviço de Proteção aos Índios (SPI), em cinco Postos Indígenas localizados no estado de Mato Grosso, nos anos de 1942 e 1943. A partir de métodos e investigações nos campos da antropologia, fotografia e história, analisamos imagens que foram produzidas pela equipe de Foto-Cinematografia, tendo como suporte a documentação administrativa do SPI, no período de 1910 e 1945, referente aos postos indígenas São Lourenço, Córrego Grande, Cachoeirinha, Taunay e Simões Lopes. A tese tem como objetivo central perceber a participação indígena dentro do "bloco monolítico" chamado de posto indígena. Busca-se observar, refletir, interrogar e problematizar o movimento ambíguo da fotografia, que está para além da objetificação - premente, absoluta - em que ela foi concebida e utilizada. As coleções aqui estudadas foram produzidas a partir dessa compreensão de fotografia, no entanto, faz-se o exercício de partir do "índio" objetificado e, na contramão desse percurso, lançar luz sobre as fraturas que nos fazem encontrar com os Bororo, Bakairi, Terena etc., enquanto agentes do seu processo histórico e parte integrante e importante da formação histórica das regiões onde foram instalados dentro dos postos indígenas. Assim, esta tese produz através de imagens e palavras (documentação do SPI) um instrumento que se complementa e compõe uma narrativa importante da história dos índios nas primeiras décadas do século XX
Abstract: This thesis critically examines the photographs that comprise three collections assembled in 1942 and 1943 by the Department of Studies of the Brazilian Indian Protection Service (SPI), covering five Indian Posts in the state of Mato Grosso. Drawing together methods and research from the fields of anthropology, photography, and history, this study analyzes images developed by the SPI's Photo-Cinematography team in light of the administrative documents produced by the SPI between 1910 and 1945, with a special focus on the Indian Posts of São Lourenço, Córrego Grande, Cachoeirinha, Taunay, and Simões Lopes. The main objective of the thesis is to perceive the participation and action of Indians within the Posts, often portrayed in the form of a "monolithic bloc". The analysis seeks to observe, reflect on, interrogate, and problematize the photographs' ambiguous character, which goes far beyond the objectification that underlay its conception and use. While the collections emerged from this understanding of photography, the thesis seeks to decodify these images by examining them from the vantage point of the objectified "Indian", discovering in the fractures a counterhistory that allows us to encounter the Bororo, Bakairi, Terena, and other peoples as agents of their historical process and as an integral part of the historical formation of the regions surrounding the Indian Posts. Thus, juxtaposing images and texts (the SPI documents), this study provides an approach that endeavors to compose a significant narrative of indigenous history during the first decades of the twentieth century
Doutorado
Antropologia Social
Doutor em Antropologia Social

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Schmitter, Gianna. « Estrategias intermediales en literaturas ultracontemporáneas de América Latina. Hacia una TransLiteratura ». Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030016.

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Résumé :

L’objectif général de cette thèse est d’étudier les stratégies inter- et transmédiales des littératures latino-américaines émergentes en lien avec les nouvelles technologies. Le corpus se compose de livres (prose et poésie) d’écrivains et écrivaines d’Argentine, du Chili et du Pérou qui ont été publiés en format papier entre 2000 et 2015 et qui introduisent internet et/ou l’image  la photographie, la vidéo et la visualité du texte lui-même qui émule des interfaces. Dans la première partie, nous proposons d’abord un état des lieux sur la relation entre technologie et littérature en Amérique Latine ; puis un autre sur les théories de l’intermédialité afin d’élaborer un propre modèle de stratégies inter- et transmédiales pour le corpus. Nous postulons que ces littératures sont une TransLittérature qui ne s’écrit pas seulement avec le verbal, mais avec et à travers l’autre médialité et ses logiques inhérentes. Le corpus est classifié et analysé selon : (1) la combinaison médiatique entre texte et photographie dans cinq publications de M. Bellatin (partie II) ; (2) la littérature en expansion, c’est-à-dire des livres-en-papier qui s’étendent vers internet avec des vidéos sur YouTube ou leur propre page internet, à partir d’artefacts d’A. López, de T. Rodríguez et de J. Pinos/A. Díaz (partie III) ; (3) l’évocation médiatique d’internet dans la littérature à travers l’esthétique digitale de la page (M. Raimon, D. Link, A. López, G. Viñao, I. Elordi, C. Ulloa Donoso, C. Apablaza), la logique narrative d’un jeux vidéo (E. Castromán) et des hyperliens (S. Sebakis, C. Apablaza), et la logique d’un « écrire sans écrire » qui prend sa source dans le geste du copier-coller et le fait de partager le discours d’autrui, si habituel des réseaux sociaux (C. Gradin, A. L. Caruso, L. Lutereau) (partie IV)
The general objective of this thesis is to study inter- and transmedial strategies in emerging Latin American literatures in relation to new technologies. The corpus is composed of books by authors from Argentina, Chile and Peru that have been published in paper format between 2000 and 2015 and that introduce the Internet and/or images  photography, video and the own visuality of the text that emulates interfaces. In the first part, a status of the issue reviews the relationship between technology and literature in Latin America and a second one the theories of intermediality in order to develop a model of inter- and transmedial strategies for the corpus. It is postulated that these literatures are TransLiteratures that are written not only with the verbal language, but also with and through the other mediality and its inherent logics. The corpus is classified and analyzed based on: (1) the media combination between text and photography in five publications by M. Bellatin (part II); (2) expanded literature, in other words paper-books that are expanded through videos on YouTube or their own website, therefore artifacts by A. López, T. Rodríguez, and J. Pinos/A. Díaz are considered (part III); (3) the media evocation of the internet in literature through the digital aesthetics of the page (M. Raimon, D. Link, A. López, G. Viñao, I. Elordi, C. Ulloa Donoso, C. Apablaza), the narrative logic of a video game (E. Castromán) and hyperlinks (S. Sebakis, C. Apablaza), and the logic of an uncreative writing that originates in the gesture of copying and pasting and sharing foreign discourses, frequently used on social networks (C. Gradin, A.L. Cauros, L. Lutereau) (part IV)
El objetivo general de esta tesis es estudiar las estrategias inter- y transmediales en literaturas latinoamericanas emergentes en relación con las nuevas tecnologías. El corpus se compone de libros de autores y autoras de Argentina, Chile y Perú que han sido publicados en formato papel entre el 2000 y el 2015 y que introducen internet y/o la imagen fotografía, video y la propia visualidad del texto que emula interfaces. En una primera parte se proponen dos estados de la cuestión: uno, respecto de la relación entre tecnología y literatura en América Latina; el otro, sobre las teorías de la intermedialidad, a fin de elaborar un propio modelo de estrategias inter- y transmediales para el corpus. Se postula que estas literaturas son unas TransLiteraturas que se escriben no solamente con lo verbal, sino con y a través de la otra medialidad y sus lógicas inherentes. Se clasifica y analiza el corpus en torno a: (1) la combinación mediática entre texto y fotografía en cinco publicaciones de M. Bellatin (parte II); (2) la literatura expandida, i.e., libros-en-papel que se expanden mediante videos en YouTube o una página de internet propia, a partir de obras de A. López, T. Rodríguez y J. Pinos/A. Díaz (parte III); (3) la evocación mediática de internet en la literatura mediante la estética digital de la página (M. Raimon, D. Link, A. López, G. Viñao, I. Elordi, C. Ulloa Donoso, C. Apablaza), la lógica narrativa de un videojuego (E. Castromán) y de los hiperenlaces (S. Sebakis, C. Apablaza), y la lógica de un escribir sin escribir que se origina en el gesto del copiar y pegar y el compartir de discursos de una autoría ajena tan habitual de las redes sociales (C. Gradin, A. L. Caruso, L. Lutereau) (parte IV)

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Bolte, Rike. « Gegen(-) Abwesenheiten ». Doctoral thesis, Humboldt-Universität zu Berlin, Philosophische Fakultät II, 2014. http://dx.doi.org/10.18452/16907.

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Résumé :

Während der letzten argentinischen Diktatur (1976-1983) wurden zehntausende Menschen in geheimen Lagern festgehalten, gefoltert und ermordet – dann ''verschwanden'' sie. Die meisten Fälle sind nur schwer rekonstruierbar, viele Täter kamen ungestraft davon. Für diese staatsterroristische Praxis wurde die Bezeichnung erzwungenes Verschwinden eingeführt (spanisch desaparición forzada). Die Untersuchung beschäftigt sich mit medialen und ästhetischen Verfahrensweisen, die in Argentinien in der Auseinandersetzung mit der desaparición forzada entwickelt wurden. Im Vordergrund steht die These, dass die gewaltsame Depräsentation der Opfer zu einem gesellschaftlichen ''Wahrnehmungsmord'' ("percepticidio") geführt hat. Die medialen Strategien und ästhetischen Produktionen, die die Untersuchung analysiert, markieren den gegenwärtigen Stand einer transgenerationellen kulturellen Bearbeitung dieser wahrnehmungsrelevanten sozialen und politischen Erfahrung. Es handelt sich um Produktionen im Bereich Narrativik, Lyrik, Fotografie, Film und Theater, die im Kontext der Memoria-Hochkonjunktur nach 1989 und der digitalen Globalisierung stehen. Félix Bruzzone, Mariana Enríquez und Martín Gambarotta, Virginia Giannoni und Lucila Quieto sowie Albertina Carri und Lola Arias haben Kontra(re)präsentationen zum gewaltsamen Verschwinden entworfen, die materiell, meta-medial und kontrainformativ verfahren. Nach diskursanalytischen, repräsentations- und medientheoretischen Einführungen sowie einer Reihe terminologischer Definitionen arbeitet die Untersuchung an diesen Produktionen einer postdiktatorischen Generation, die als "Camada Cadáver" bezeichnet wird, heraus, dass ein ''Phänomen'' wie das erzwungene Verschwinden – das in vielfache Referenzlosigkeit führt – ästhetische Strategien motiviert hat, die als beispielhaft emergent und experimentell einzustufen sind, weil sie neue Erkenntnisse für die noch unabgeschlossene Erforschung eines der vielen Terrorregimes des 20. Jahrhundert liefern.
During the Argentinean dictatorship (1976-1983), tens of thousands of people were kept in secret camps, were tortured, murdered, and ''disappeared''. Most cases are difficult to reconstruct. Many of the offenders have remained unpunished. The term "forced disappearance" (Spanish desaparición forzada) was introduced for this act of state terrorism. This study addresses medial and esthetic processes that were developed in light of the debate on desaparición forzada in Argentina. At the heart of the study is the hypothesis that the violent ''depresentation'' of the victims has led to ''cognitive murder'' ("percepticidio"). The media strategy and esthetic productions analyzed in the study represent the current state of the art of the trans-generational cultural work on cognition relevant social and political experiences. The productions in the field of the study of narration, poetry, photography, film, and theater have emerged in context of the post 1989 memory-boom and digital globalization. Félix Bruzzone, Mariana Enríquez und Martín Gambarotta, Virginia Giannoni, and Lucila Quieto as well as Albertina Carri and Lola Arias have conceptualized counter(re)presentations to violent disappearance which proceed materially, meta-medially, and counter-informatively. Following introductions on discourse analysis, representation theory, and media theory as well as a number of terminology definitions, the study analyzes the above mentioned productions created by a post dictatorship generation, which are being referred to as the "Camada Cadáver", and shows that the ''phenomenon'' of forced disappearance, which leads to a repeated lack of reference, has motivated esthetic strategies that are to be classified as exemplarily emergent and experimental, because they have produced new insights for the unfinished research on one of the many terror regimes of the twentieth century.

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BOLOGNA, GABRIELLA. « L’ICONOGRAFIA DI VENEZIA NELLA FOTOGRAFIA INGLESE E AMERICANA1880-1910 ». Doctoral thesis, 2010. http://hdl.handle.net/11562/343462.

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Résumé :

La tesi propone un'analisi dei caratteri peculiari della rappresentazione di Venezia nell'opera di fotografi inglesi e americani tra il 1880 e il 1910, un periodo di fertilissime sperimentazioni tecniche e compositive derivanti da un’eterogeneità di influssi culturali. La tesi si apre con un capitolo introduttivo che descrive le interazioni fra fattori di carattere politico, sociale e culturale che determinarono la presenza dei viaggiatori inglesi e americani a Venezia nell'Ottocento, seguito da due panoramiche sulle trasformazioni dell'immagine della città nelle arti visive americane e nella fotografia inglese fino al 1880. Segue l'analisi delle immagini stereoscopiche prodotte nel corso delle campagne fotografiche promosse a scopo commerciale da società come l'American Stereoscopic Society, Underwood and Underwood e la Keystone view Co. che contribuirono in modo estremamente significativo alla diffusione di un immaginario della città legato al suo aspetto monumentale. Del tutto simile a quella degli studi fotografici veneziani più celebri, da Carlo Naya a Carlo Ponti, le vedute stereoscopiche di Venezia miravano principalmente alla rappresentazione degli edifici pubblici e religiosi più noti, che costituiscono i landmarks del panorama urbano, seguendo una tradizione piuttosto diffusa anche in pittura. Le fotografie commerciali, vendute a migliaia in tutto il mondo, inaugurarono una nuova forma di “consumo” dell'immagine della città del tutto sconosciuta in passato, banalizzando monumenti e vedute attraverso la serialità di una produzione nata per essere fruita velocemente. L'interesse si rivolge, poi, alle trasformazioni della pratica collezionistica che, a partire dalla nascita di apparecchi facilmente utilizzabili, produsse una progressiva perdita di interesse per la fotografia commerciale e un incremento fortissimo di fotografi dilettanti. Gli album fotografici di famiglia e gli archivi personali rivelano forse più di ogni altro mezzo i topoi della vita e delle abitudini degli anglo-americani in città che realizzano da sé i propri souvenirs fotografici. Partendo dalle immagini acquistate o prodotte dai turisti, che si fermavano solo pochi giorni come Henry Stopes ed Edward Rode, si prosegue poi con le figure di punta della comunità di ricchi expatriates, proprietari o affittuari di sontuosi palazzi per lunghi periodi di tempo, come Isabella Stewart Gardner e Katherine De Kay Bronson, per concludere con artisti e intellettuali. La prima parte della tesi si conclude con l'analisi di un altro prodotto commerciale che veicolò l'immagine di Venezia tra la fine dell'Ottocento e l'inizio del nuovo secolo: i libri contenenti illustrazioni fotografiche. Le tecniche che riducevano i costi di stampa, e spesso anche la qualità, delle fotografie, produssero esiti estremamente interessanti in campo editoriale, dove le illustrazioni tradizionalmente realizzate ad acquerello o incisione vennero affiancate da immagini fotografiche, con risvolti per nulla scontati sul piano della rappresentazione iconografica. Dalla letteratura più prestigiosa come Life on the Lagoons di Horatio F. Brown, ai romanzi, ai testi di architettura alle guide di viaggio, i volumi su Venezia intrecciavano significativamente immaginario personale e collettivo, aspirazioni letterarie e necessità documentaria. In tale contesto profondamente complesso, dove la produzione fotografica rispondeva alle esigenze e alle richieste di un pubblico sempre più vasto e di turisti in cerca di souvenirs, ma al tempo stesso di raffinati lettori e fotografi professionisti, sul finire del secolo si innestavano le sperimentazioni della fotografia pittorialista, la cui indagine è affrontata nella seconda parte della tesi. La nuova visione avviò un percorso del tutto inesplorato di possibilità di rappresentazione della città, fondandosi sull'abbandono delle architetture celebri e monumentali, e sull'esplorazione di calli e canali, frammenti di palazzi anonimi e barche di pescatori in laguna. Un'indagine sul milieu culturale in cui furono realizzate tali immagini, in particolare sul sistema di relazioni e influenze dei circoli di artisti e intellettuali stranieri presenti nella città, ha reso possibile individuare in alcune figure di americani i nodi più importanti della metamorfosi della rappresentazione della città. Le incisioni di James McNeill Whistler e degli artisti del circolo di Frank Duveneck costituirono uno dei mezzi di diffusione fondamentali del nuovo immaginario. Questa trasformazione emerge chiaramente dall’analisi delle fotografie scattate da Alfred Stieglitz, tra i nomi più celebri nella storia della fotografia americana, nel corso dei due viaggi che effettua nella città. Se nel 1887 l'impianto iconografico appare ancora profondamente influenzato da una certa pittura di genere tendente al pittoresco, le immagini del 1894 sono impregnate di una nuova estetica fondata sulla concezione di fotografia come forma d'arte autonoma e indipendente da ogni ascendenza pittorica. Estetismo, Arts and Crafts e realismo si intrecciano nell'opera dello scozzese James Craig Annan, autore del raffinatissimo portfolio Venice and Lombardy, edito nel 1896. Un vero e proprio caso editoriale costituiscono poi i frontespizi realizzati da Alvin Langdon Coburn per la “New York Edition” dei romanzi di Henry James, in cui compaiono due immagini veneziane, che mostrano il complesso rapporto tra le idee del grande scrittore americano, committente delle fotografie, e l'estro del giovane talento. Ai grandi nomi della fotografia internazionale, al volgere del secolo, si aggiungono molte altre figure di fotografi professionisti e amateurs, membri delle celebri associazioni pittorialiste della “Linked Ring Brotherwood” di Londra e della “Photo-Secession” americana, che pubblicavano i loro scatti sulle pagine delle riviste “Camera Notes” e “Camera Work”. Nel primo decennio del nuovo secolo il pittorialismo ebbe un'influenza determinante sulle mostre di istituzioni autorevoli che difendevano una tradizione consolidata nel corso dei decenni precedenti, come la Royal Photographic Society, e sulle immagini pubblicate in numerose riviste specializzate. Gli autori di queste fotografie, spesso ancorati a una visione più convenzionale della città, occupavano sovente un ruolo di primo piano nel panorama dell’epoca. Un’analisi della loro produzione, talvolta estremamente difficile da rintracciare data la scarsità di documentazione superstite, contribuisce a ricostruire il quadro vasto ed eterogeneo delle diverse modalità di rappresentare Venezia attraverso l’obiettivo fotografico degli anglo-americani.
The PhD thesis "The iconography of Venice in British and American photography (1880-1910)" explores the metamorphosis of the city representation through the analisis of several iconographic, bibliographical and archival materials held in Italian, British and American institutions. Different types of photographs (commercial photography, pictorial photography, illustrated books, amateur photography) are considered, as well as influences and interactions between photography and other visual arts such as painting and etching.

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Gomes, Maria Gabriela Ferreira. « American Civil War photography : traces of death, injury, discrimination and wreckage ». Master's thesis, 2009. http://hdl.handle.net/10400.2/1369.

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Cautela, Ana Margarida Basílio. « The other football : a photographic report on american football in Portugal ». Master's thesis, 2019. http://hdl.handle.net/10400.26/31066.

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Résumé :

Ao longo da última década, o futebol americano em Portugal tem-se desenvolvido como um desporto que ocorre exclusivamente como prática amadora. Por se tratar de uma modalidade em que os jogos acontecem a um ritmo e duração muito específicos, o presente projeto fotográfico tem como objetivo principal explorar os aspectos visuais de um desporto estrangeiro; é uma abordagem americanizada da comunicação visual desportiva, como uma assimilação de valores e práticas inerentes ao futebol americano, neste seu próprio processo de aculturação.
Over the last decade, American football in Portugal have been developing itself as a sport that occurs exclusively as an amateur practice. As a sport which games happen in a very specific pace and duration, the present photographic project has as it main goal explore the visual aspects of a foreigner sport; it’s an americanised approach of sports visual communication, as an assimilation of values and practices inherent to American football, in this acculturation process of its own.

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« Reconceptualizando las masculinidades nacionales a través de la lente de la fotografía homoafectiva : cuatro proyectos de Argentina, México y Brasil ». Doctoral diss., 2019. http://hdl.handle.net/2286/R.I.54840.

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Résumé :

abstract: This doctoral dissertation proposes an analysis of a selection of photographic series by a diverse group of Latin American photographers such as Argentinian Gustavo Di Mario, Brazilians Claudio Edinger and Alair Gomes, and Mexican Dorian Ulises López Macías. The analyzed material focuses on a revision of characteristics of masculinity and imperative heteronormativity in the discourses on their respective national identities. The projects put-fourth by these four artists represent a political proposal that unveals the homoaffective possibilities of their photographic referents. Susan Sontag postulates in her On Photography (1979) that “the powers of photography have in effect de-Platonized our understanding of reality, making it less and less plausible to reflect upon our experience according to the distinction between images and things, between copies and originals” (179). These artists understand the power of the image and, through its meticulous composition, they propose to not only photograph, but to also narrate the reality of dissident identities and their belonging to a collective national identity.
Dissertation/Thesis
Doctoral Dissertation Spanish 2019

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Almeida, Diana. « Os contornos da palavra e da luz : storytelling e fotografia nos contos de Eudora Welty ». Doctoral thesis, 2007. http://hdl.handle.net/10451/6458.

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Résumé :

Tese de doutoramento em Estudos Literários (Literatura e Cultura Norte-Americana), apresentada à Universidade de Lisboa através da Faculdade de Letras, 2007
Esta dissertação pretende analisar o modo como o storytelling e a fotografia funcionam como metáforas produtivas de autoria na ficção curta de Eudora Welty. O primeiro e o segundocapítulos apresentam o contexto literário – os princípios modernistas e os seus traços particulares nos Estados Unidos da América, especialmente no Sul; o legado de diversas autoras norte-americanas na obra de Welty. Centrados em particular no ciclo de contos The Golden Apples, os capítulos seguintes vão considerar o papel criativo da comunidade feminina na diegese, como um agente discursivo que estabelece um diálogo intertextual com os enredos do heroísmo clássico e romanesco, citando fontes mitológicas, modernistas e populares. A componente visual destes sete contos será também enfatizada, considerando a sua qualidade pictórica e sugerindo paralelismos com fotografias de Welty que revelam interesses temáticos semelhantes. Vamos ainda examinar, através de imagens recorrentes de luz e sombra, o modo como a narrativa representa o processo fotográfico, que sublinha a distância entre visibilidade/inteligibilidade e a natureza misteriosa do real. Para concluir, sintetizamos a abordagem artística de Welty, que poderá ser ilustrada pela espiral da viagem – sinal da identidade em progresso característica das protagonistas femininas e dos muitos artistas que habitam a sua ficção; símbolo da dinâmica que anima tanto os seus textos ficcionais como fotográficos.
This dissertation analyses how storytelling and photography work as productive metaphors of authorship in the fiction of Eudora Welty. The first and second chapters provide the literary and cultural contexts – the tenets of modernism and its distinctive traits in the United States of America, especially in the South; the legacy of several American women writers in the work of Welty. Focusing mainly on the short story cycle The Golden Apples (GA), the following chapters consider the creative role of the female community in the diegesis as a discoursive agent that engages in an intertextual dialogue with the plots of classical heroism and romantic love, quoting mythological, modernist, and popular sources. The visual component of these seven short stories will also be emphasized, considering its pictorial quality, and suggesting some parallelisms with photographies by Welty which show similar thematic concerns. In addition, we examine how the narrative figures the photographic process, through recurrent images of the confluence of light and shadow, which underline the distance between visibility/intelligibility and the mysterious nature of reality. To conclude, we will summarize Welty’s artistic approach, which may be further represented by the spiral of the journey – symbol of the identity in progress characteristic of her most representative female protagonists and of the many artists inhabiting her texts; sign of the dynamic that animates both her fictional and photographic texts.
Fundação para a Ciência e a Tecnolofia (FCT) ; Fundo Social Europeu no âmbito do III Quadro de Apoio Comunitário

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Mendonça, Luís Guilherme Jordão de. « Os cineastas amadores do pós-guerra : a fotografia de rua como sinopse da modernidade cinematográfica ». Doctoral thesis, 2016. http://hdl.handle.net/10362/19066.

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Résumé :

Na transição da fotografia para o cinema, um grupo de nova-iorquinos operou uma revolução silenciosa no coração da linguagem do cinema. Entre um cinema ainda feito sob o signo da Hollywood clássica, o impacto do neo-realismo italiano, a Nouvelle Vague, o cinema directo e o New American Cinema, os outsiders Morris Engel, Ruth Orkin, Helen Levitt, James Agee, Lionel Rogosin, Weegee e Rudy Burckhardt encontraram nas ruas as coordenadas de um cinema livre que pensa em fotografias. É a partir deste “lugar sinóptico” que se propõe a modernidade cinematográfica como (est)ética fotográfica.
In the transition between photography and cinema, a group of new yorkers led a silent revolution in the heart of cinema's language. Between a cinema made under the rule of classical Hollywood, the impact of Italian neorealism, the Nouvelle Vague, the direct cinema and the New American Cinema, the outsiders Morris Engel, Ruth Orkin, Helen Levitt, James Agee, Lionel Rogosin, Weegee and Rudy Burckhardt found in the streets the coordinates of a free cinema that thinks in photographs. It is from this “synoptic spot” that we can suggest a cinematographic modernity as a photographic aesthetic/ethics.

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Dias, Inês Cordeiro Silva. « A figura da prostituta em Henry Miller e Brassai ». Master's thesis, 2007. http://hdl.handle.net/10451/520.

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Résumé :

Tese de mestrado em Estudos Comparatistas apresentada à Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa, 2008
A minha tese centra-se na figura da prostituta em Tropic of Cancer e Quiet Days in Clichy, de Henry Miller, e Le Paris Secret des années 30, de Brassaï. Esta personagem é central na modernidade estética, sendo uma das metáforas desse período, da cidade e do próprio artista. Os espaços urbanos têm um lugar basilar nos seus trabalhos, sendo vistos como um organismo vivo, especialmente em Miller. Nos seus romances a prostituta é uma das melhores formas de entrar em contacto com a cidade e de a possuir. Mas é também uma metáfora para a crescente comodificação das sociedades e do homem, em que a alienação se tornou o resultado último de tal processo. É desta realidade que ele consegue escapar quando deixa Nova Iorque, encontrando em Paris uma sociedade mais humana, onde o homem ainda vale pelo que é e não pelo seu valor como mercadoria e força de trabalho. Em Brassaï, pelo contrário, este sentimento de alienação na figura da prostituta como um bem de mercado não é tão evidente, uma vez que a maioria das imagens onde esta aparece são dotadas de uma atmosfera poética, onde a sua alienação não é tão óbvia. No entanto, o facto de escolher as classes trabalhadoras e os excluídos da sociedade como temas principais das suas fotografias revela que há uma grande empatia e preocupação com estas pessoas. Contudo, nunca abandona uma perspectiva burguesa (apesar de poder ter a ilusão de que o faz) e dá sempre às cenas uma aura poética de uma vida romantizada, como por exemplo quando, em Le Paris Secret des années 30, lamenta o facto de os vagabundos estarem a desaparecer da cidade, sugerindo que sejam tomadas medidas para que eles continuem a existir. Ambos os autores mostram uma maior liberdade em relação à sexualidade, mas nunca se abandona uma perspectiva masculina e as mulheres são quase sempre apenas os objectos do seu desejo sexual, bem como o outro no qual inscrevem a sua identidade.
The thesis examines the image of the prostitute in Tropic of Cancer and Quiet Days in Clichy by Henry Miller and Le Paris Secret des années 30 by Brassaï. This character plays a central role in modernity and it is a metaphor for this period as well as for the city and for the artist himself. Urban spaces occupy a significant function in both works, becoming a living organism to the subject, especially in Miller. The prostitute becomes one of the deepest ways to interact with the city and capture its essence. But the prostitute is also a metaphor for the expanding realm of commodification, where alienation is the final result. In this scenario, Miller manages to escape, leaving New York for Paris where he finds a more humane society in which man is still valued for himself rather than for his commodity value in the labor force. Conversely, in Brassaï the feeling of alienation in the prostitute-as-commodity is not so manifest, since most of the images are invested with a poetic atmosphere largely devoid of alienation. Yet, the fact that he chooses the working classes and social outcasts as his principal photographic subjects shows empathy for their plight. Nonetheless, Brassaï never abandons a bourgeois perspective of things, despite the illusion to the contrary, and always gives his subjects a poetic aura of a romanticized life. For example, in Le Paris Secret des années 30, Brassaï regrets the fact that vagabonds are disappearing from the city and even suggests measures be taken for their continued presence. Both Miller and Brassaï show liberty with respect to sexuality even though a masculine perspective is never abandoned. Women remain almost always the object of sexual desire, as well as the Other upon whom they inscribe their identity.

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Mendonça, Luís Guilherme Jordão de. « As Imagens de Morris Engel e Ruth Orkin : O Berço da Modernidade no Cinema ». Master's thesis, 2010. http://hdl.handle.net/10362/123981.

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Résumé :

Esta dissertação debruça-se sobre a obra de Morris Engel e Ruth Orkin. Com base em textos e teorias de André Bazin, Alain Bergala, Jonas Mekas, Georges Sadoul e Richard Leacock, procuramos dar sustentabilidade à ideia (apontada por estes autores) que Little Fugitive (1953) é o “elo que falta” entre a fotografia de rua, o neo-realismo italiano e o nascimento do cinema independente norte-americano tal como da Nouvelle Vague francesa; e que se deve a Morris Engel a paternidade do primeiro sistema síncrono som-imagem inteiramente móvel, posto à prova na sua última longa-metragem, Weddings and Babies (1958).
This dissertation deals with the work of Morris Engel and Ruth Orkin. Supported by the texts and theories of André Bazin, Alain Bergala, Jonas Mekas, Georges Sadoul and Richard Leacock, I try to sustain the idea (pointed out by these authors) that Little Fugitive is the “missing link” between street photography, the Italian neorealism and the birth of the American independent cinema as such as the French New Wave; and that Morris Engel is the inventor of the first fully mobile, synchronous sound-and-picture system, which was tested in his last movie, Weddings and Babies (1958).

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Alves, Ana Raquel Romão. « Experimenting with torture : Abu Ghraib through the lens of Paul Scheuring's The Experiment ». Master's thesis, 2014. http://hdl.handle.net/10451/18317.

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Résumé :

Na desordem da Guerra no Iraque, o escândalo de Abu Ghraib veio à tona sob a forma de fotografias. Estas ilustravam cenas de detidos a ser torturados e humilhados por membros da Polícia Militar dos Estados Unidos que estavam encarregues de os supervisionar. A tese ambiciona reflectir acerca da forma como estas fotografias influenciaram representações de terror, tortura e violência na cultura visual ocidental, no contexto da “War on Terror”. O filme The Experiment (2010) será analisado como caso de estudo. Temas comuns entre filme e fotografias serão justapostos: padrões de poder e controlo, desumanização do “outro”, ansiedades relativamente à vigilância e a ideia de retaliação será examinada e analisada. De forma a dar ênfase à influência do escândalo de Abu Ghraib e a “War on Terror” no filme The Experiment, será também feita uma comparação com a versão original alemã de 2001, Das Experiment. Esta comparação visa sublinhar o contraste entre dois pontos de vista cinematográficos, antes e depois da circulação das infames fotografias, ajudando assim a entender a influência destas imagens no filme de 2010. Outros exemplos de trabalhos artísticos que representam terror, tortura e violência depois da “War on Terror” serão também apresentados, de forma a oferecer um contexto mais aprofundado à análise. As obras de Fernando Botero (pinturas), Martha Rosler (colagens), Regina José Galindo (performance), Luke Moran (filme) e Jonathan Hobin (fotografia) serão examinadas. A natureza intermedial da tese poderá permitir-nos perceber os efeitos da “War on Terror”, e, especificamente, das fotografias de Abu Ghraib, em novas representações de terror, tortura e violência emergentes na cultura visual ocidental.
Abstract: In the turmoil of the Iraq War, the Abu Ghraib scandal leaked through in the form of photographs depicting scenes of detainees being tortured and humiliated by members of the U.S. Military Police which were entrusted to guard them. The thesis aims to reflect on the way these photographs, have influenced representations of terror, torture and violence, in western visual culture, in the context of the “War on Terror”. The film The Experiment (2010) will be analyzed as a case in point. Common motifs between film and photographs will be juxtaposed: patterns of power and control, dehumanization of the “other”, anxieties towards surveillance and the idea of retaliation in kind will be examined and analyzed. In order to better highlight the influence of the Abu Ghraib scandal and the “War on Terror” on the film The Experiment, a comparison will also be made with the original 2001 German version, Das Experiment. This comparison aims to highlight the contrast between the two cinematic points of view, before and after the circulation of the infamous photographs, thus helping to understand the influence of these images in the 2010 film. Further examples of art/media works representing terror, torture and violence after the “War on Terror” will also be presented, as a way to offer a wider background to the analysis. Works by Fernando Botero (paintings), Martha Rosler (collage), Regina José Galindo (performance), Luke Moran (film) and Jonathan Hobin (photograph) will be examined. The inter-medial nature of the thesis will hopefully allow us to understand the effects of the “War on Terror”, and the Abu Ghraib photographs in specific, in new representations of terror, torture and violence emerging in western visual culture.

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