Littérature scientifique sur le sujet « Essai (genre littéraire) – Critique et interprétation »

En s’appuyant sur les écrits théoriques de Julia Kristeva, Georges Bataille, Frances Connelly et Jean-François Lyotard sur la question de l’abject, du difforme, du grotesque et du sublime, cet essai se propose d’examiner la façon dont la nouvelle « The Chinese Lobster » de A.S. Byatt s’articule autour du concept central de « distorsion », au double sens de « déformation physique produite par une torsion » et de « déformation langagière », «interprétation abusive» ou « représentation faussée ». En analysant les nombreuses distorsions verbales, picturales et corporelles présentes dans le texte, je me propose de montrer comment ce récit non seulement énonce, pour mieux s’en moquer, des questions de genre très en vogue, mais également nous aide à repenser la relation texte/image en termes de transgression, ou précisément de «distorsion», celle, délibérée, de deux codes sémiotiques pré-existants – le verbal et le visuel – afin de produire une nouvelle forme intermédiale ou iconotextuelle. Plus généralement, je postulerai que cette nouvelle nous permet de reconsidérer la représentation littéraire en termes d’une inévitable « distorsion » ou « représentation faussée », en suggérant que toute représentation contient par essence son propre échec.

Abstract: Cet essai puise dans la critique littéraire, les théories mémorielles, l'éthique de la représentation, l'épistolaire, l'auto-archive et la fabulation afin de revenir sur le lieu de Ksar-el-Boukhari/Boghari dans la Wilaya de Medea pendant la guerre d'indépendance algérienne. Le récit de Maïssa Bey, Entendez-vous dans les montagnes …, actionne les mémoires croisées de deux filles, l'autrice du récit et l'autrice de cet essai, et de leurs péres respectifs, tous deux impliqués dans cette histoire. Abstract: This essay calls upon literary criticism, memory studies, ethics of representation, epistolary genre, auto-archive, and fabulation to return to the site of Ksar-el-Boukhari/Boghari in the Medea Wilaya during the Algeria War of Independence. Maïssa Bey's narrative, Entendez-vous dans les montagnes …, impels the interconnected memories of two daughters, the author of the narrative and the author of this essay, and of their respective fathers, both implied in this history.

Le but de cet article est de lire L’Aveuglement ou l’Essai sur la cécité (1994) de Saramago suivant deux fils conducteurs. Le premier est celui de la critique de la métaphore de la lumière : à notre avis, Saramago tente dans l’Essai de tirer toutes les conséquences que l’hypothèse fictionnelle d’une épidémie de cécité par excès de lumière pourrait avoir sur la réalité de la vie sociale moderne. C’est l’occasion aussi pour Saramago de critiquer le projet moderne de civilisation des « Lumières », et d’élaborer une nouvelle interprétation des concepts d’ « état de nature » et de « contrat social ». Le second fil est celui de la conception d’intersubjectivité acoustique implicite, mais présente dans l’Essai. À notre avis, Saramago propose une approche originale du phénomène intersubjectif, qui jusque-là avait été toujours compris à partir du primat du visible et dans une vision subjectiviste. Dans l’Essai, il est possible de penser l’émergence d’une réalité commune et anonyme constituée comme audible au premier abord, et qui conditionne par la suite l’individuation et la socialisation humaines. Dans cette étude, nous voulons mesurer les implications de cet essai littéraire pour la pensée de l’intersubjectivité, en prenant au sérieux philosophiquement la réalité qui en découlerait.

Résumé À partir des réflexions théoriques de Linda Hutcheon, nous étudierons deux exemples de construction ironique dans Tombeau de Romain Gary : le titre et le refrain. En ce qui concerne le titre, le sens littéral représente le tombeau en tant que genre littéraire qui surgit au XVIe siècle; le sens possible se fait par les critiques et les analyses, littéraires et biographiques, qui forment la charpente d’un essai; l’entre-deux aboutit à l’érection d’un tombeau pour un écrivain qui n’en a jamais eu un. Le refrain accuse l’inadéquation de la question posée à la mère et la critique perçante et moqueuse de la féministe qui signale le caractère maladif de la relation entre Romain Gary et sa mère, Nina. Les rapports entre les images de la mère, l’une bâtie par Romain Gary dans La promesse de l’aube et l’autre par Nancy Huston dans Tombeau de Romain Gary, produisent le troisième sens de l’ironie.

Este ensayo propone una interpretación de las posiciones políticas de Octavio Paz, con el propósito de identificar su legado político. Para tal efecto, pone a discusión la idea de que Octavio Paz era un intelectual de izquierda socialista, a partir de la relectura de sus principales ensayos políticos. En esta lógica, lo conceptúa como poeta con posiciones políticas, que discursivamente defendía un tipo de socialismo democrático desde una posición nacional-revolucionaria.En la búsqueda de las reglas y estrategias discursivas utilizadas por Paz para hablar de la violencia, la izquierda, la democracia y el socialismo, es posible identificar su crítica teórica desde el campo literario, con claras intervenciones en los campos político e intelectual. Octavio Paz deseaba, evidentemente, ilustrar a la izquierda mexicana con la advertencia de lo acontecido en los regímenes socialista-burocráticos. El programa democrático de Paz, a mano para la izquierda de su tiempo y las actuales izquierdas, constituye una recuperación de la democracia liberal, un andamiaje para la sociedad mexicana, un proyecto de modernización no ensayado por el régimen priista y destruido, en su tiempo, por las burocracias socialistas del país.Palabras clave: Crítica, Izquierda, Democracia, Violencia Octavio's LabyrinthSummaryThis essay proposes an interpretation of Octavio Paz's political positions, with the purpose of identifying his political legacy. For this purpose, the idea that Octavio Paz was an intellectual of the socialist left, based on the rereading of his main political essays, is put into discussion. In this logic, he is conceptualized as a poet with political positions, who discursively defended a type of democratic socialism from a national-revolutionary position.In the search for the discursive rules and strategies used by Paz to talk about violence, the left, democracy and socialism, it is possible to identify his theoretical criticism from the literary field, with clear interventions in the political and intellectual fields. Octavio Paz, wanted, evidently, to enlighten the Mexican left with the warning of what happened in the socialist-bureaucratic regimes. Paz's democratic program, at hand for the left of his time and the current left, constitutes a recovery of liberal democracy, a scaffolding for Mexican society, a modernization project not tested by the PRI regime and destroyed, in its time, by the socialist bureaucracies of the country.Keywords: Criticism, Left, Democracy, Violence Le labyrinthe d’OctavioRésuméeCet essai propose une interprétation des positions politiques d’Octavio Paz, afin d’identifier son héritage politique. Pour ce faire, on met en discussion l’idée qu’Octavio Paz était un intellectuel de gauche socialiste, à partir de la relecture se ses principaux essais politiques. Dans cette logique, on se fait une conception de lui comme un poète d’idées et postures politiques qui défendait discursivement un type de socialisme démocratique à partir d’une position nationale-révolutionnaire.Dans la recherche des règles et stratégies discursives utilisées par Paz pour parler de la violence, la gauche, la démocratie et le socialisme, il est possible d’identifier sa critique théorique à partir du champ littéraire, avec des claires interventions dans les champs politiques et intellectuels. Octavio Paz désirait évidement, illustrer la gauche mexicaine avec l’avertissement ce qui est arrivé dans les régimes socio-bureaucratiques. Le programme démocratique de Paz, de la main de la gauche de son époque et des gauches actuelles, constitue une récupération de la démocratie libérale, une structure pour la société mexicaine, un projet de modernisation pas essayé par le régime du PRI, et détruit dans son époque par les bureaucraties socialistes du pays.Mots clés : Critique, Gauche, Démocratie, Violence

"Comme Barthes qui pensait que la littérature devait céder la place à l’auto-écriture de tous, je pense que tout le monde devrait faire la même chose : raconter sa vie. Connais-toi toi-même. Mets-toi en forme. Mets-toi en ordre". Dustan, Guillaume (1999). Nicolas Pages (p. 400). Balland. Guillaume Dustan et sa particulière vision de la littérature (« en littérature, soit c’est soi, soit c’est du bidon », Dustan, 1999, p. 384) me permettent de commencer cette Ouverture du troisième numéro de la revue HYBRIDA. Revue scientifique sur les hybridations culturelles et les identités migrantes dont le Dossier central est intitulé SIDA/S – 40 ans. Pour suivre les conseils de Dustan, je vais raconter (un peu) ma vie : en 1994, étant ce que l’on appelle « jeune chercheur », j’ai présenté un projet sur « sida et littérature » qui m’aurait permis d’obtenir une bourse aboutissant à une thèse doctorale. Je n’ai pas eu la bourse et j’ai dû changer de sujet pour candidater à nouveau l’année suivante. J’ai finalement obtenu cette bourse, ce qui m’a permis de commencer ma « carrière » universitaire en 1996. Le fait est que, même si je me suis centré sur le corps dans le discours artistico-littéraire d’avant-garde, notamment dans le théâtre (« panique »), je n’ai jamais quitté ce premier projet et me suis toujours intéressé aux écritures liées à l’expérience de la maladie, et plus concrètement aux « récits de sida », surtout d’écrivains homosexuels ayant pour la plupart disparu à cause de l’épidémie. Le souvenir du congrès Sida y cultura (Sida et culture) à l’Université de Valence en 1997, organisé, il y a 25 ans, par Ana Monleón et Ahmed Haderbache, restera donc toujours comme un moment important dans ma mémoire affective et académique. Je leur serai toujours reconnaissant de m’avoir permis de publier mon premier article de recherche intitulé « Escribir en el apremio » (« Écrire dans l’urgence »). Malheureusement, ce « modeste » volume, qui a même été exposé au Musée d’Art Moderne de Valence (IVAM), n’a pas eu une large diffusion. C’est donc un privilège de pouvoir le rééditer comme Annexe à ce numéro d’HYBRIDA. Nous avons respecté l’édition originale de 1997, même si elle ne répond pas aux normes éditoriales de la revue ni aux critères actuels de « qualité » concernant les publications scientifiques. Le volume est composé d’un bel ensemble de dix-neuf contributions de personnes venues de générations, de formations et d’horizons différents, ce qui a permis une réelle circulation des savoirs et un échange intéressant entre l’activisme et l’Université. Certains d’entre eux nous ont quittés, prématurément. La mort nous surprend toujours. Voici donc toute ma reconnaissance (nunc et semper) à la Professeure de littérature française Elena Real, ma directrice de thèse, qui s’était spécialisée, entre autres, dans l’autobiographie contemporaine, concrètement dans l’écriture des femmes et les thématiques du corps et de la séduction ; et au journaliste et historien de la déportation homosexuelle Jean Le Bitoux, figure emblématique du militantisme en France et fondateur historique, avec d’autres intellectuels et activistes comme Frank Arnal (décédé à 42 ans en 1993) et Jean Stern, du magazine Le Gai Pied dont le premier numéro de 1979 contenait un article de Michel Foucault qui aurait suggéré le nom. Le magazine a été une grande fenêtre ouverte à la liberté d’expression et à l’activisme homosexuel jusqu’à sa disparition en 1992. Il comptait sur la collaboration habituelle d’intellectuel·le·s et d’auteur·e·s comme Jean-Paul Aron, Renaud Camus, Copi, Guy Hocquenghem, Nathalie Magnan, Hugo Marsan ou Yves Navarre, pour n’en citer que quelques-un·e·s. Même Jean-Paul Sartre lui a accordé une interview en 1980. Mais revenons à Sida y Cultura pour ajouter que les approches ont été riches et variées, aussi bien sociologiques que culturelles, sous une perspective historique (en comparant le sida avec d’autres maladies antérieures), du point de vue de l’analyse du discours sur le sida ou de l’analyse concrète d’œuvres et d’auteurs touchés par le sida comme Cyril Collard (mort en 1993 à 35 ans), Copi (mort en 1987 à 48 ans), Pascal de Duve (mort en 1993 à 29 ans), et bien évidemment Hervé Guibert (mort en 1991 à 36 ans). Nous avons eu la chance également de compter sur la collaboration de Juan Vicente Aliaga, critique d’art espagnol réputé, spécialiste en études de genre et LGBT, qui avait publié quelques années auparavant (1993), aux côtés de José Miguel G. Cortés, le premier essai fait en Espagne sur l’art et le sida intitulé De amor y rabia (D’amour et de rage) qui reste un référent important dans ce domaine. Concernant la coordination du Dossier central SIDA/S – 40 ANS, je tiens à remercier sincèrement Didier Lestrade, journaliste, écrivain et militant reconnu, fondateur d’Act Up-Paris, ainsi que du magazine Têtu, possédant une longue trajectoire et une importante production intellectuelle sur l’activisme LGBT. Ses trois derniers essais portent les titres suggestifs de : Minorités. L’essentiel (2014), Le Journal du Sida. Chroniques 1994-2013 (2015), « mon dernier livre sur le sida », affirme-t-il ; et I love Porn (2021), excellent essai qui reprend la forme du témoignage pour retracer une histoire particulière de la sexualité à partir des années 1970 par l’intermédiaire de la pornographie comme instrument politique de contestation. Je remercie également de tout cœur Ahmed Haderbache, traducteur de Guillaume Dustan en espagnol et grand spécialiste de son œuvre, d’avoir accepté de coordonner ce Dossier qui nous a paru nécessaire pour réactiver la mémoire d’une maladie et d’une production artistico-littéraire qui semble lointaine, voire révolue, surtout pour les jeunes générations, mais qui prend toute sa signification dans le contexte pandémique actuel. Ce Dossier, qui débute par un bel Avant-propos de Didier Lestrade intitulé « Sida : une épidémie presque oubliée » et par une Introduction d’Ahmed Haderbache, est composé de sept articles. Il part du fait sociologique et politique pour aborder la production littéraire, en passant par l’analyse filmique et théâtrale. Thierry Schaffauser s’intéresse aux personnes invisibles, voire oubliées, pour nous proposer une pertinente étude sur l’histoire des mobilisations des travailleuses du sexe contre le VIH en France et au Royaume-Uni ; Romain Chareyron fait une riche analyse des images du sida dans le film 120 battements par minute (2017) ; Henry F. Vásquez Sáenz aborde avec précision la pièce Une visite inopportune (1988), ce qui lui permet de restituer et de resituer la figure du dramaturge franco-argentin Copi en tant qu’auteur subversif et engagé, pionnier du théâtre autobiographique lié au sida. Les deux articles suivants, de Daniel Fliege et de l’écrivaine Ariane Bessette respectivement, proposent d’intéressantes analyses littéraires d’œuvres « autobiographiques » d’auteurs « controversés » car défenseurs des rapports sexuels non protégés ou barebacking : Guillaume Dustan (mort en 2005 à 39 ans) et Érik Rémès. Puisque HYBRIDA s’intéresse particulièrement aux contextes francophones ou comparés, nous avons créé une petite section à la fin du Dossier intitulée Autres regards afin de publier deux articles spécialement attirants. Le premier, écrit par Thibault Boulvain dont la thèse doctorale a été publiée en 2021 sous le titre L’art en sida 1981-1997, aborde les dernières années d’Andy Warhol (décédé en 1987) sous la perspective du sida ; le dernier, proposé par Caroline Benedetto, se penche sur les journaux intimes de l’artiste pluridisciplinaire américain David Wojnarowicz (mort en 1992 à 37 ans), en soulignant les influences françaises. Dans la section Mosaïque, où nous publions des études sur les hybridations culturelles et les identités migrantes qui ne correspondent pas à la thématique centrale du Dossier, nous publions trois articles. José Manuel Sánchez Diosdado analyse profondément les récits coloniaux des voyageuses françaises de la première moitié du XXe siècle qui se sont inspirées du Maroc. Feyrouz Soltani aborde le roman Verre Cassé de l’écrivain franco-congolais Alain Mabanckou pour y déceler les traces du métissage linguistique et culturel et, enfin, Rolph Roderick Koumba et Ama Brigitte Kouakou nous présentent la langue française comme instrument positif dans la construction de l’altérité à travers l’analyse des œuvres de l’écrivaine franco-sénégalaise Fatou Diome et de l’écrivaine franco-camerounaise Léonora Miano. La section Traces de la revue HYBRIDA est consacrée à la création littéraire et s’éloigne volontairement de l’esprit d’évaluation en double aveugle, bien que les soumissions soient strictement analysées et révisées par le comité éditorial. Dans ce numéro 3, nous publions quatre textes aussi différents qu’intéressants. Leurs auteur·e·s se sont inspiré·e·s de la thématique du Dossier central autour du sida. Nous avons l’honneur de publier un court récit de l’écrivaine québécoise Catherine Mavrikakis intitulé « Évitons de respirer l’air du temps » qui nous met en alerte par rapport aux préjugés qui perdurent de nos jours concernant le sida. Nous voudrions rappeler au passage que, partant de la pensée de Michel Foucault sur la santé et l’organisation sociale, ses recherches sur les écrits du sida, ainsi que sur les notions de contamination, d’aveu et de souffrance, sont d’une grande importance pour la thématique qui nous occupe. Nous ne pouvons que rester admiratifs face à sa double facette de professeure universitaire et d’écrivaine ; et souligner la force de ses romans « autofictionnels » dont Ce qui restera (2017), L’annexe (2019) et L’absente de tous bouquets (2020), pour n’en citer que les derniers. Ensuite, nous avons deux « témoignages » sincères et touchants. Le premier, intitulé Les spectres d’ACT UP, nous propose un parcours émotionnel et académique autour de l’expérience du sida. Son auteur, David Caron, Professeur à l’Université du Michigan, a fait une importante recherche dans le domaine des études LGBT et concrètement sur le VIH. Il s’est intéressé également aux études sur l’holocauste. Parmi ses dernières publications, nous trouvons The Nearness of Others. Searching for Tact and Contact in the Age of HIV (2014) et Marais gay, Marais juif. Pour une théorie queer de la communauté (2015). Le court et intense « témoignage » de Lydia Vázquez Jimémez (écrit en espagnol) intitulé « Filou, te fuiste demasiado pronto » (« Filou, tu es parti trop tôt ») nous montre la difficulté de l’aveu et de s’exprimer par rapport au sida, en nous dévoilant son expérience intime et douloureuse face au deuil dû à la perte de l’être aimé. Au-delà de sa brillante carrière universitaire en tant que spécialiste dans l’étude de l’érotisme et de la sexualité (notamment au XVIIIe siècle), avec une focalisation particulière sur les femmes et le collectif LGBT, je ne voudrais pas négliger sa facette de traductrice en espagnol de l’œuvre d’auteur·e·s admiré·e·s comme Abdellah Taïa, Annie Ernaux, Jean-Baptiste del Amo, Gabrielle Wittkop ou Fatima Daas, entre autres. En tant qu’auteure, j’aimerais signaler son livre illustré Journal intime (2019). Pour clore cette section de création littéraire et dans le but d’encourager l’écriture des jeunes écrivain·e·s, nous publions en espagnol la pièce inédite de Javier Sanz intitulée Reset. Volver a empezar (Reset. Repartir à zéro). Avec une fraîcheur et une franchise touchantes, la pièce aborde, en 2021, la problématique de l’incommunicabilité et de la difficulté à établir des relations amoureuses sincères, ainsi que la découverte de la séropositivité. Je suis persuadé que ce numéro d’HYBRIDA, 25 ans après Sida et Culture, marquera notre trajectoire en tant que revue universitaire. Il ne me reste qu’à remercier très sincèrement notre excellente équipe d’évaluation qui se nourrit et se diversifie à une grande vitesse grâce aux apports de spécialistes du monde entier. Et un sincère merci à José Luis Iniesta, Directeur Artistique de la revue, pour son investissement et son savoir-faire ; sans lui rien ne serait possible… Je vous propose un prochain rendez-vous pour fin juin 2022 pour le numéro 4 d’HYBRIDA. Salus in periculis

Em 1955, o crítico literário e então professor da Universidade do Paraná, Wilson Martins, publica o livro intitulado “Um Brasil diferente. Ensaio sobre fenômenos de aculturação no Paraná”. A ambição do autor era, então, replicar, para o Sul do Brasil, o que Gilberto Freyre lograra com sucesso para o Nordeste, ou seja: compreender a experiência da história social brasileira. Contudo, Martins procurou diferenciar seu trabalho do mestre pernambucano, afirmando que, nos estados do Sul, em especial no Paraná, “a ausência do português, a inexistência da escravatura e do elemento indígena” teriam produzido um “Brasil diferente”. Embora colocado como contraponto à tese de Freyre, o trabalho de Martins refletiu bem mais uma configuração local que, tanto do ponto de vista socioeconômico quanto do ponto de vista político, apontava para a construção de uma identidade regional para o estado do Paraná. Assim, a especificidade da obra de Martins é analisada em função do momento em que foi publicada e de suas relações com a produção das ciências sociais brasileiras daquele período. Analisam-se, ainda, as principais idéias contidas no livro, além da trajetória pessoal do autor. Chega-se à conclusão que a obra reflete bem mais um debate regional em torno da identidade do Estado, apoiando-se no debate nacional em torno da identidade brasileira. Palavras-Chave: Pensamento brasileiro, Wilson Martins, Ciências Sociais, identidade social, ParanáWILSON MARTINS “DIFFERENT BRAZIL” In 1955, Wilson Martins, a Brazilian reviewer and professor of the Federal University of Paraná (Brazil), published a book entitled “A different Brazil: an Essay on the acculturation phenomenon in Paraná”. His ambition was to replicate in the South of Brazil Gilberto Freyre’s theoretical approach, which had been so successful in the Northeast of Brazil, in order to understand the Brazilian social history. However, Martins aimed at distinguishing his works from the ones of the master from Pernambuco, by saying that in the southern states, especially in Paraná, “the absence of the Portuguese, the non-existence of slavery and Indians” would have produced a “different Brazil”. Although Martins’ work was considered a counterpoint to Freyre’s thesis, it reflected much more than a local configuration, and it aimed at the formation of a regional identity for the state of Paraná, both from the socioeconomic and political standpoints. Thus, the specificity of Martins’ works is analyzed bearing in mind the period of time it was published and its relationships with the production of the Brazilian social policies for that period. The main ideas presented in the book were also analyzed, besides the author’s personal path. The conclusion reached is that the work reflects much more than a regional debate on the identity of the State, concentrating on the national debate on Brazilian identity. Key words: Social thought, Wilson Martins, Social Sciences, social identity, state of Paraná. LE “BrEsil difFerent” de Wilson Martins En l´année 1955, Wilson Martin, critique littéraire et professeur à l´Université Fédéral du Paraná, a publié un livre intitulé “Le Brésil différent: an essai sur les phénomènes d´acculturation dans la province du Paraná”. L´ambition de l´auteur était de répliquer pour les provinces du Sud du Brésil l´approach que Gilberto Freyre avait fait pour le Nord-East du Brésil, soit: comprendre l´histoire sociale brésilienne. Cependant, Martin a pris ses distances par rapport à l´oeuvre de Freyre. Il a souteni que dans les provinces du Sud du Brésil, notamment dans la province du Paraná, “l´abscence de l´élément portugais et l´inexistence de l´esclavage et des indiens” aurait produit un “Brésil différent”. Même si les thèses de Martins peuvent être comprises comme le contrepoint à celles de Freyre, le travail du critique littéraire brésilien prend ses appuis sur les problemes politiques et socioéconomiques de la province du Paraná. Ce genre de problems indiquait la nécessité de construire l´identité régional de la province. Pour comprendre toute la particularité de l´oeuvre de Martins, nous analysons le moment où elle fût publié ainsi que les rapports qu´elle entretenait avec d´autres livres de sciences sociales publiés à la même époque. Nous analysons aussi les principales idées du livre ainsi que la biographie de l´auteur. Nous concluons que l´oeuvre doit être comprise en fonction du débat régional sur l´identité tout en tenant compte du débat sur l´identité nationale brésilienne. Mots-clés: Pénsée sociale, Wilson Martins, sciences sociales, identité sociale, Paraná. Publicação Online do Caderno CRH: http://www.cadernocrh.ufba.br

Cette etude cherche a explorer le theatre poetique de mu'in bsisu. La premiere section est consacree a la composante narrative et discursive. L'auteur essaie de retrouver le contexte historique auquel chaque piece (dont la traduction figure en annexe) fait reference ; de mettre a jour les relations entre les actants de facon a faire ressortir les programmes narratifs et le schema narratif sous-jacent ; d'eclaircir la structure actorielle ainsi que l'espace et le temps dans lesquels s'inscrivent les programmes narratifs. Ces pages se proposent aussi une reflexion. Sur le discours mythique que le dramaturge exploite pour revisiter et reinterpreter en termes contemporains et palestiniens certains mythes ;. Sur le fonctionnement antiphrastique qui caracterise son discours poetique ;. Sur la manipulation du discours historique et sur son interpretation ;. Sur l'investissement pluri-isotope du discours poetique et les figures qui engendrent plusieurs parcours figuratif ;. Sur le chevauchement entre isotopies figuratives et thematiques dans le discours parabolique ;. Sur le parallelisme entre les figures du revolutionnaire et de la revolution et celles de certains phenomenes cosmologiques. La deuxieme section est, en revanche, entierement consacree a la composante figurative. L'auteur commence par definir le langage de bsisu, puis par en eclaircir le fonctionnement. Le poete vise a frapper le lecteur par un langage qui se caracterise par des antiphrases ironiques, des synecdoques en cascade, des associations et des metaphores inusuelles. Nul lexeme n'echappe a la recategorisation et a la resemantisation chez bsisu. Celui-ci percoit les figures dans leurs qualites sensibles et les resemantise, en jouant souvent sur les cinq sens et, en particulier, sur le toucher et la vue. Par ailleurs, c'est la dimension plastique des figures qu'il semble surtout interesser cet auteur. Il exploite tout specialement la dimension eidetique et chromatique des figures.

L’Intime, c’est la figure à laquelle la pensée de Barthes s’exerce. « Notre enquête la plus intime ne va pas à l’issue des choses mais à leur pourquoi », dit-il au début de son oeuvre. Et à la fin : « C’est l’intime qui veut parler en moi, faire entendre son cri, face à la généralité, à la science. » Dans son discours critique, Barthes n’a-t-il pas alors laissé s’échapper une poétique de l’Intime ? Nous tentons d’abord de cerner l’illusion de l’Intime en général. Un certain service public (dont le discours a la forme, selon J. Kristeva, de la « vertueuse exaspération » de la Critique devant la « naïveté sentimentale ») veut le neutraliser dans l’évidence de la vie privée. Nous devons alors réaffirmer son Cri et sa Parole possibles, en montrant comment Barthes, lui, s’y est pris. D’où ces lignes d’attaque : le Style ou force de l’Intime, ses représentations dans l’oubli scandaleux du sujet — après Barthes, loin de lui ; le Journal dans lequel ce scandale résonne le mieux — d’après Barthes : selon le rythme de ce genre lui permettant de repenser l’Essai ; l’Écriture même de l’Intime ou graphie, irréductible à l’identité, mesurable à la donne de thèmes (Voix, Ego, Résistance) transformant, dans l’instance et les circonstances de la vie, l’oeuvre en « oeuvre-vie » ; et le Rien du discours auquel cette écriture s’articule, ce que Barthes en esquisse avec la lecture et n’en esquive pas moins
The Intimate is the image that Barthes’ tought works on. “Our most intimate quest doesn’t go at the end of matters but at its whys”, he says at the beginning of his work. And at the end: “The intimate wants to speak within me, to make its call at the face of generality, of science. ” In his critical speech, we wonder if Barthes hasn’t set free a poetics of the Intimate. First we shall attempt to define the illusion carried by the Intimate in general. A certain public utility is willing to neutralize it in one’s private life (his speech has the form of what J. Kristeva ascribes to the “virtuous exasperation” of Criticism facing “sentimental naïvety”). Then we must reassert its possible Call and Word, by showing how Barthes himself dealt with them. Therefore these lines of attack: the Style or the Intimate force, its representation in the scandalous oblivion of the subject — after Barthes, far from him; the Diary in which this scandal best echoes — according to Barthes: depending on the rythm that causes to rethink the Essay; the very writing of the Intimate or written form, can’t be resumed to the identity, but can be measured by the wide range of themes (Voice, Ego, Resistance). It turns the work into “work-life”, going from this space to life’s structure and events; the Nothing of the speech at which this writing is articulated with, which Barthes starts to mention with reading and eludes at the same time

Comment lire le théâtre d'Albert Camus, comme il le souhaitait, sous l'angle purement esthétique : sans le réduire à la démonstration de la thèse exposée dans ses essais philosophiques ? Dans le contexte actuel de l'esthétique et de la poétique, la question est inséparable d'une autre : qu'est-ce que la théâtralité du théâtre et de son texte ? L'examen du cas de Camus révèle des traits spécifiques au texte théâtral qui semblent converger vers la fictionnalité de ce dernier. Toutefois, la théâtralité n'est pas synonyme de fictionnalité bien que les deux notions soient étroitement liées à l'absurdité : celle-ci, qui se trouve dans le principe fondamental de la communication, sert à la reconnaissance de l'une ou de l'autre. Et dans le cas du théâtre de Camus qui exemplifie l'absurdité plus qu'il ne la représente, l'expérience esthétique du lecteur-spectateur consiste avant tout à saisir la signification de cette distance entre l'intention artistique et l'œuvre qui la réalise
How can we read the theatre works of Albert Camus, as he wished them to be read, from a purely aesthetic angle, without reducing them to the demonstration of the thesis expressed in his philosophical essays? In the current context of aesthetics and poetics, this question is inseparable from another question: what is the theatricality of theatre and theatrical text? The case of Camus reveals some specific features of the theatrical text that appear to point towards its fictionality. However, theatricality is not synonymous with fictionality, although these notions are both closely connected with absurdity. Absurdity, which is to be found in the fundamental principle of communication, allows us to recognize both theatricality and fictionality. In the case of Camus's theatre, which exemplifies more than it represents absurdity, the aesthetic experience of the reader-spectator consists above all in grasping the full meaning of the distance that separates the artistic intention and the works that realize it

Le récit littéraire au tournant du XXIe siècle peut se présenter sous la forme du récit d’enquête. Cette thèse se propose d’examiner ce modèle tel que le mettent en œuvre Thierry Beinstingel, Jean Rolin et Emmanuel Carrère. La pratique de ces trois écrivains pourrait permettre de mieux repérer l’esthétique et les enjeux de cette modalité narrative en émergence. Dans ces récits, le narrateur se trouve d’abord privé de vérité par un récit autoritaire, contre lequel il reconquiert son autonomie perceptive. Sa liberté retrouvée se manifeste par l’entrée dans l’enquête. Le narrateur élit alors un objet de recherche, un motif aléatoire ou improbable, personne, projet, objet, territoire et entreprend le récit de son exploration. À partir de ce prétexte, il interroge donc le sens de sa présence au monde et s’observe percevant, lisant, interprétant et réagissant. Sa liberté se traduit alors par son implication sensible et réflexive. Entre récit de réalité et fiction, ces récits volontiers digressifs opèrent aux confins de la narration, de l’essai et de l’investigation journalistique. Un tel modèle met en œuvre une attitude ou un ethos de chercheur hésitant et perplexe. Cependant, se construit en arrière-plan une dynamique à la fois narrative et réflexive, au cours de laquelle l’énonciateur entre dans l’observation intense du monde présent, y conduit librement sa réflexion au moyen, entre autres, de la dérive essayistique, renouvelle le discours critique sur l’état de société et propose des modalités de reconstruction imaginaire du monde, réaffirmant une liberté créatrice, voire une capacité insurrectionnelle contre la prétention du monde tel qu’il est à être le seul possible
Literary narrative forms at the dawn of 21st century sometimes take the form of an enquiry. The present thesis aims to examine in detail this narrative technique as practised by Thierry Beinstingel, Emmanuel Carrère et Jean Rolin. The way they use it could help to understand and identify the aesthetic qualities and purposes of this emerging narrative mode. In these stories, the narrator feels his own thoughts as locked inside an authoritarian doxa which he must first overcome to recover his freedom of perception. He can then become involved in the enquiry, which can be understood as a phenomenological way to be aware. He then selects an arbitrary or improbable motif as the goal for his quest, which may be a person, an object, a project, an area, and undertakes to tell the story of his own inquiry. From this starting point, he begins to question the meaning of his existence and to observe himself making sense of, reading, thinking about and reacting to things. Between fiction and nonfiction, these frequently digressive tales often border on novels, essays or investigation journalism. The narrator always looks puzzled, hesitant and does not seem to trust his own approach. Yet in the background we witness the emergence of a dynamic both narrative and introspective through which the narrator becomes an acute observer of the world around him. He follows freely his train of thought through among other things the use of the essay form to drift from an idea to the next, finding new means of expressing the critique of social problems, creating novel ways of building new fictional worlds and perhaps even managing to rebel against the idea that there is no alternative to the world as it exists

L'étude sur l'enracinement culturel englobe toute la production littéraire de Guy Menga, auteur Congolais de Brazzaville, depuis le théâtre jusqu'au conte en passant par la nouvelle et le roman. Cette étude comprend trois parties. La première concerne l'étude générique de l'oeuvre qui traite d'abord du théâtre comme un moyen de plaisir et d'instruction. Le théâtre menguien est à la fois un théâtre social et populaire grâce aux thèmes qui prennent leur source dans la tradition. Elle nous édifie ensuite sur la complexité du roman menguien dont le trait dominant est le dialogue. Cette structure romanesque fondée sur la théâtralité africaine et le récit traditionnel oral, intègre aussi des lettres, des discours et des faits divers. L'étude souligne enfin le cacactère moralisateur et divertissant de la nouvelle et du conte dont les différents récits sur la tradition marquent l'enracinement culturel de Guy Menga. La deuxième partie intitulée texte et contexte s'intéresse aux différentes pratiques traditionnelles comme le fétichisme, les rites et les mythes. La troisième et dernière partie s'inscrit dans un imaginaire traditionnel fait de symboles theriomorphes et des images diaïrétiques, marqué par une forte ambivalence, un imaginaire dans lequel évolue le héros menguien en quête d'un monde meilleur.

Dans la variété des thèmes et des formes offerte par les essais de Marguerite Yourcenar, s’ébauche et s’affine le « portrait d’une voix », incitant le lecteur à réfléchir, à la suite de l’essayiste elle-même, à l’avertissement de Jorge Luis Borges : « Un écrivain croit parler de beaucoup de choses, mais ce qu’il laisse, s’il a de la chance, c’est une image de soi ». Ces essais où s’affrontent des visions contradictoires du temps et de l’identité, retracent l’histoire de la résistance du moi à son extinction, prônée par un je qui reste souverain par-delà les métamorphoses. Des premiers essais, où la jeune « Marg Yourcenar » s’effraie et s’enchante, dans un style « tendu et orné », de la décadence de l’Occident, aux dernières notes jetées dans ses carnets, la métaphore récurrente de l’érosion traduit le travail d’épure auquel est soumis le genre, comme l’autoportrait qui s’y dessine. Ce travail est sous-tendu par une vision du temps qui oscille entre écoulement et permanence, et d’où émerge la valeur accordée à l’instant, premier pas vers la « magie sympathique » qui permet de s’établir en n’importe quel point du temps humain. Ainsi dilaté aux dimensions de la « constellation » universelle née de rencontres aléatoires ou surdéterminées, le moi inextinguible incarne pourtant les résurgences de l’individualité, enfin acceptée comme voie d’accès à l’universel. Au terme de cinquante ans de pratique de l’essai, Marguerite Yourcenar a conquis la liberté propre au genre, aux confins de l’autobiographie longtemps refusée, en acceptant que ses métamorphoses épousent au plus près la fluidité de la vie individuelle
Through the variety of themes and forms offered by Marguerite Yourcenar's essays, the "portrait of a voice" progressively takes shape, inclining the reader to ponder, after the essayist herself, Jorge Luis Borges's warning : "A writer thinks he is tackling a lot of subjects; what he leaves behind, however - if he is lucky - is an image of himself". The essays, in which two contadictory conceptions of time and identity constantly clash, testify to the way the "self" resists its extinction, strongly recommended by the "I", which remains supreme beyond the metamorphoses. From the first essays, in which the young "Marg Yourcenar", in a tense and ornate style, appears to be both alarmed and enchanted by the decline of the West, to the last remarks jotted down in her notebooks, the recurring metaphor of the erosion conveys the extent to which the form is being refined, as well as the self-portrait that emerges from it. The process involves a conception of time that wavers between the flowing and the permanent, and brings forth the value given to the moment, first step towards the "sympathetic magic" which enables the reader to settle at any point of the human time. Thus expanded to the dimensions of the universal "constellation" born of random, or highly determined, encounters, the irrepressible "self" still embodies the resurgences of the individuality, accepted at last as a path towards the universal. After writing essays for fifty years, Marguerite Yourcenar conquered the liberty that defines the form and borders on the autobiographical, when she finally allowed its metamorphoses to closely match the fluidity of the individual life

Cette étude est consacrée à l’écrivain et penseur contemporain Jean-Christophe Bailly. En présentant l’ensemble de son œuvre publiée à ce jour, nous montrons que celle-ci, dans sa diversité et sa dispersion, demeure traversée par une même position désemparée : celle d’un auteur qui regarde, pense et écrit en refusant de s’installer dans le monde. À travers sept chapitres, qui sont autant de focalisations différentes, apparaît le déploiement d’une poétique singulière que – reprenant le titre de l’ouvrage le plus connu de Jean-Christophe Bailly – nous nommons « poétique du dépaysement ». Elle consiste à inverser les logiques de familiarité, d’habitude et de projection personnelle pour se tenir partout dans l’expérience en visiteur étonné.Lisant cette œuvre foisonnante, constituée de centaines de textes sur des sujets variés, nous observons ainsi qu’elle engage une dynamique du non tenu qui est à la fois une esthétique et une politique. Célébrant une relation au monde sans maîtrise, l’énonciation soucieuse de se tenir en retrait exprime la joie et la nécessité de l’errance. Elle se manifeste dans une écriture à la fois descriptive, réflexive, narrative et critique, qui semble de multiples manières débordée dans son rapport au monde. À travers cet élan de désappropriation peut apparaître l’émotion partagée d’un réel retrouvé où chaque objet, dégagé des déterminations extérieures, se tiendrait dans sa propre ressemblance
This dissertation is about French contemporary writer and thinker Jean-Christophe Bailly. Over our seven chapters, we tried to identify the specificities of his poetics, which we call ‘poétique du dépaysement’ [change of scenery poetics] (in reference to his most well-known book). It appears to us that Jean-Christophe Bailly’s writings, despite their heterogeneity, always rethink familiarity, habits, and personal involvement. The author refuses to watch, think and write as if he were taking possession of the world. To the contrary, he consistently acts as a surprised visitor and experimenter.Jean-Christophe Bailly’s rich work engages an uncontrolled dynamic, which is both an aesthetics and a politics. Meaning that the utterance carefully keeps itself on the edge, expressing the joy and necessity of vagrancy. In many ways, Jean-Christophe Bailly’s style, descriptive, reflexive, narrative, and critic, seems to be overwhelmed in the world. With this dispossession move may appear a newly found reality in which every object, freed from any external determinisms, can stand for itself

Cette recherche part de l’hypothèse que l’essai littéraire, parce qu’il pense à partir de la forme, permet d’appréhender une part de la vulnérabilité qui résiste aux approches philosophiques de la notion. La vulnérabilité demande de prendre en compte des façons de se rapporter au monde qui sortent du modèle universalisant et dualiste structurant le paradigme du savoir. Elle demande aussi de repenser les couplages notionnels sur lesquels se fonde le « partage du sensible » occidental et échappe à l’espace politique tel que la philosophie du XXe siècle l’a configuré. Les quatre essais qui composent le corpus ont le souci de penser le réel à partir de ses lieux d’opacité et engagent leur vulnérabilité dans la pensée. Dans La Bulle d’encre de Suzanne Jacob (1997), Les Outils de Leslie Kaplan (2003), Renversements de René Lapierre (2011) et Là où le cœur attend de Frédéric Boyer (2017), la pensée s’affronte à sa propre limite dans le langage et se tient dans des lieux où la trame du monde s’effiloche. Ils accueillent dans le langage le non-sens et la perte de repères symboliques qui caractérisent, en partie, la vulnérabilité. Travaillant à partir d’une logique négative, ces textes font basculer l’ambivalence dont la philosophie dote la vulnérabilité dans une unité ouverte, dont la cohérence n’implique pas l’absence de contradiction. Ce faisant, ils mettent au jour l’intelligence singulière de l’essai. Cette recherche suit ce fil jusque dans l’écriture et comporte une partie création. « Exercice du vertige » poursuit l’équation que l’essai pose entre l’écriture et la vie et investit sa méthode de recherche – qui implique à la fois une archéologie des formes et l’exercice d’une confiance dans le langage
This research suggests that the literary essay, because it thinks through the form, allows us to understand a part of the vulnerability which resists the philosophical approaches of the concept. Vulnerability demands to take into account ways of relating to the world that depart the universalizing and dualistic model which structures the paradigm of knowledge. It also requires a rethinking of the notional couplings on which the occidental “partage du sensible” is based and escapes the political space as configured by twentieth-century philosophy. The four contemporary literary essays that make up the corpus are all concerned with thinking reality from its places of opacity and engaging their vulnerability in thought. In Suzanne Jacob's La Bulle d’encre (1997), Leslie Kaplan's Les Outils (2003), René Lapierre's Renversements (2011), and Frédéric Boyer's Là où le cœur attend (2017), the reflection confronts its own limit in language and stands in places where the fabric of the world unravels. They welcome in language the nonsense and loss of symbolic markers that characterize, in part, vulnerability. Working from a negative logic, these texts turn the ambivalence with which philosophy characterizes vulnerability into an open unity, whose coherence does not imply the absence of contradiction. By doing so, they bring to light the singular intelligence of essay. This theoretical research is followed by a creative part entitled "Exercising desiquilibrium" which pursues the connection posed by the essay between writing and life and employs its research method, which involves both an archaeology of forms and the exercise of confidence in language

À sa mort en 1882, Ralph Waldo Emerson fait déjà figure de monument littéraire et de père, fondateur de la culture nationale : de fait, « The American Scholar » (1837) apparaît pour beaucoup comme la « Déclaration d'Indépendance intellectuelle » de l'Amérique. Cependant, si les Lettres contribuent à créer, en Amérique comme ailleurs, la représentation d'un imaginaire commun qui donne corps à l'idée de nation et si, au XIXe siècle, la nation américaine s'invente dans sa littérature, c'est d'abord par le truchement de ses fictions. Or Emerson a toujours manifesté une grande méfiance à l'égard de la fiction, synonyme pour lui d'illusion, affichant sa préférence pour la prose d'idées et notamment l'essai. C'est donc à rebours d'un siècle qui érige le conte, la romance et le roman en genres littéraires autochtones, enfin affranchis de la tutelle des Lettres européennes, qu'Emerson jette son dévolu sur le genre non-fictionnel de l'essai et en fait la forme privilégiée d'un dire américain. Aussi s'agira-t-il de lire les essais d'Emerson comme autant de travaux d'approches d'une Amérique que le texte d'« Expérience » qualifie d'« inapprochable », pour les envisager comme le lieu où s'écrit et se récrit continuellement le contrat social d'une démocratie qui n'a de cesse de remettre en jeu le moment de sa fondation. Ce faisant, il s'agira également de montrer que, malgré l'aversion d'Emerson pour les formes fictionnelles, les essais finissent par s'abandonne au désir de fiction qui les travaille en secret et deviennent ce qu'il appelle des « romances du caractère » où se façonnent, au gré de l'enchaînement des caractères sur la page, les héros représentatifs de l'Amérique à venir
Upon his death in 1882, Ralph Waldo Emerson had already become a literary monument and was recognized as a founding figure of American culture. Published in 1837, "The American Scholar" is indeed hailed by many to be America's "intellectual Declaration of Independence. " However, if the "Belles Lettres" did contribute to creating the representation of a common imaginary whereby the American nation could invent itself and if, in the course of the nineteenth century, America wrote itself into existence, such an enterprise remained largely the province of fiction. Yet Emerson was always suspicious of fiction, which for him rhymed with illusion, choosing instead to write non-fictional prose, and more particularly essays. Contrary to some of his contemporaries who turned tales, romances, and novels into indigenous genres, free at last from the shackles of European Letters, Emerson turned towards the genre of the essay and made it one of America's privileged forms of literary expression. This thesis thus offers to read Emerson's essays as so many ways of approaching what "Experience" describes as "this new yet unapproachable America," considering them as the locus where the American democracy repeatedly writes and rewrites its social compact and continuously reinvents itself. By the same token however, and despite Emerson's aversion for fictional forms, the essays yield to the desire for fiction that haunts them in secret and become what he called "romances of character," fashioning the character of America's representative men even as the letters, the characters, take shape on the page

La présente étude se propose de donner une traduction abondamment annotée de la seconde série des essais d’Élia qui paraissent dans les revues périodiques anglaises, entre 1820 et 1833. Dans un souci d’exactitude, cette traduction restitue les passages supprimés par l’auteur avant leur parution sous forme de recueil. Une attention toute particulière a été portée sur les traductions en français de certains essais d’Élia publiés séparément dans les revues du milieu du dix-neuvième siècle et sur les traductions plus modernes des Essais d’Elia, réunis en recueil, jusqu’à l’époque présente. Les Last Essays of Elia sont la dernière œuvre publiée par Lamb. La tentation était grande de chercher une continuité depuis les premiers écrits jusqu’aux LEE. Dans l’introduction critique, nous nous sommes efforcé de voir les différents aspects de l’oeuvre de Lamb qui est à la fois poète, journaliste, dramaturge, critique de théâtre et épistolier et qui connaît la notoriété dans le genre de l’essai, genre auquel il donne un souffle nouveau, grâce à la persona d’Élia. Le fait que Lamb ait été l’ami des premiers poètes romantiques anglais de l’époque, le fait que sa vie ait été marquée et bouleversée par le meurtre de sa propre mère de la main de sa sœur bien-aimée, confèrent à son œuvre un vif intérêt. Personnalité inclassable du Romantisme anglais, dont il est une figure mineure, humoriste amoureux des livres et de la langue du passé, Lamb n’en reste pas moins un chaînon indispensable pour comprendre la scène littéraire anglaise du début du XIXe siècle
The present study aims to provide a carefully annotated translation of the second series of the Essays of Elia which appeared in English periodical magazines between 1820 and 1833. In order to be as complete as possible, this translation includes the passages removed by the author when they were published in book form in 1833. Particular attention has been paid to French translations of individual Elia essays scattered in mid-nineteenth century French magazines as well as to more modern translations of the collected Essays, up to the present day. The Last Essays of Elia was Lamb’s final published work. It was very tempting to look for threads running through his work from the early writings to the LEE. In the critical introduction, we have sought to consider the various aspects of the work of Lamb, who was at the same time a poet, a journalist, a playwright, a theatre critic and a letter-writer before making his name as an essay-writer, breathing new life into the genre, thanks to the Elia persona. The fact that Lamb was a friend of the first English Romantic poets and that his life was blighted by his mother’s murder at the hands of his beloved sister, brings a vivid interest to his work. An isolated figure of Romanticism, a "very reasonable Romantic" himself, a humourist in love with the books and language of the past, Lamb, though a relatively minor author, remains a key link to understanding the early nineteenth-century English literary scene