Thèses : « Écoute musicale (éducation musicale) »

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Villemin, Danièle. « Réécouter, réécrire. Évolutions du discours descriptif en classe de troisième. Didactique du lexique en éducation musicale ». Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040112.

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Résumé :

Le commentaire d’enregistrement à l’écrit mobilise de nombreuses compétences liées à la perception et à la rédaction. Ce travail, conçu avec la volonté d’un rapprochement interdisciplinaire, tente de montrer l’influence de la révision autonome de l’écrit ainsi que celle des œuvres écoutées sur des textes d’élèves de troisième. Les bases théoriques sont celles de la psychologie de l’audition et de la linguistique. L’effet dominant de la maîtrise de la langue s’estompe à la faveur d’une description systématique et globale du vocabulaire recueilli. Cette thèse rassemble des outils d’analyse de contenu originaux élaborés en fonction du corpus. Les apports sont donc essentiellement d’ordre méthodologique. Les indicateurs retenus permettent d’évaluer les écarts de densité informative selon l’œuvre écoutée et selon le rang d’écriture du commentaire. La synthèse des résultats montre les possibilités de détermination d’une typologie des écrits et révèle certains aspects stylistiques et formels des œuvres supports par l’observation raisonnée des zones d’intensification lexicale
Writing a commentary after a listening exercise mobilizes several skills linked to perception and drafting. This thesis, aiming at an interdisciplinary approach, attempts to describe the influence of autonomous revision and of the piece of music heard on commentaries written by pupils in the fourth form. Its theoretical foundations are found in audition psychology and linguistics. The primary role attributed to language skills gives way to a systematic and holistic description of the compiled vocabulary. For this thesis, original content analysis tools have been designed, based on the corpus. Its contribution is thus essentially methodological. The selected indicators enable us to assess the disparities in informative density according to the piece heard and the drafting register of the commentary. Based on a synthesis of the results obtained, it is thus possible to establish a typology of written commentaries and bring to light some stylistic and formal aspects of the selected pieces of music through a reasoned analysis of lexical intensification areas

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Terrien, Pascal. « L'écoute musicale : de l'émotion à̧ la construction de savoirs dans l'activité d'écoute d'oeuvre au collège ». Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040001.

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Résumé :

Cette recherche s'intéresse à la place et au rôle que jouent les émotions dans la construction de connaissances d'un élève lors d'une séance d'écoute d'oeuvre musicale en classe de collège. Après avoir défini le cadre théorique dans laquel s'inscrit cette étude, nous décrivons le corpus d'oeuvres et les notions pédagogiques et didactiques spécifiques à cette activité. Puis, en nous appuyant sur des observations faites en classe, nous décrivons, à partir des résultats recueillis, les liens entre les éprouvés et l'oeuvre, le rôle des caractéristiques musicales et des éléments techniques dans l'émergence des éprouvés, puis des connaissances, et les relations qu'entretiennent les éprouvés et les éléments musicaux. Cette recherche rend compte de la diversité des situations émotionnnelles, la richesse des connaissances des jeunes auditeurs et leur capacité à construire de nouveaux savoirs à partir de points d'ancrage cognitifs révélés par l'expérience des affects
This research analyses the importance of the emotions, and the role played by them, in the knowledge construction process of a secondary school pupil while he listens to a piece of music in class. Having first defined the theoretical framework within in which this study is situated, we shall describe the specific corpus of works and pedagogical and didactic notions used in the course of this activity. Then, by exploiting the results of classroom observations, we will describe, thanks to our analysis, the links between the sample and the musical work, the role of the musical characteristics and the technical elements in the discovery process of the sample, the construction of knowledge, and the relationships existing between the sample and the musical elements. This research takes the diversity of emotional situations, the wealth of knowledge among the young listeners and their capacity to build new blocks of knowledge, starting from cognitive anchor points wich are revealed by the expression of affects

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Montandon, Frédérique. « Les représentations sociales de l’éducation musicale par les parents dans le vingtième arrondissement de Paris : étude des stratégies parentales pour l’éducation musicale ». Thesis, Paris Est, 2008. http://www.theses.fr/2008PEST0082.

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L’étude des représentations sociales de l’éducation musicale des parents dont les enfants de 3 à 10 ans apprennent la musique, à travers une série d’entretiens, concerne à la fois les choix de cette activité et de l’institution, leurs attentes, ainsi que les significations attribuées à cette pratique. Plusieurs systèmes de représentations se croisent : les représentations sociales de l’éducation en général et de l’éducation musicale en particulier, celles de l’enfant, ou encore celles des structures éducatives. L’éducation musicale s’effectue en France dans le cadre des conservatoires, des cours privés ou dans le milieu associatif. Le 20e arrondissement de Paris, terrain de notre recherche, présente une variété de structures au niveau des approches pédagogiques ainsi que des styles musicaux. Les fonctions et les objectifs attribués à l’apprentissage musical sont analysés selon la structure choisie. Diverses conceptions de l’apprentissage et de l’éducation apparaissent. Celles-ci découlent des représentations sociales de l’enfant, de celles de l’activité extrascolaire. Le paramètre d’une pratique musicale du parent ou de son absence modèle le discours des parents
The study of social representations of musical education by parents for whom children between the ages of 3 and 10 learn music is based through a series of interviews. This study concerns at once the choice of the activity as well as the institution, their hopes and expectations with respect to their practice. It shows that several systems of representations overlap: social representations of education in general - in addition to specific musical education, that of the child, or even more, that of the establishment. Musical education, in France, takes place within the structures of the conservatory, private tutelage or through local associations. Paris’ 20th district, site of this research, offers a variety of structures with respect to pedagogical approach as well as musical style. The use and aim attributed to musical training are analyzed according to the chosen establishement. Several concepts surrounding education and training are emerging. They flow from child social representations and extra-curriculare activities. It is the parameter of parental musical practice or its absence that chapes parental discourse

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Dosso, Catherine. « La rencontre avec la musique : la méthode de la collection d’événements ». Electronic Thesis or Diss., Université de Lorraine, 2020. http://www.theses.fr/2020LORR0305.

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Résumé :

L’écoute musicale enfantine envisagée comme expérience esthétique a fait l’objet de peu de travaux de recherche. En lien avec le flux sonore qui caractérise la musique, nous faisons l’hypothèse qu’un éclairage par le processus événementiel de la rencontre permet d’envisager avec pertinence la spécificité des expériences esthétiques des écoutes enfantines. Notre approche propose de s’appuyer sur les concepts simondiens d’individuation et de disparation, deleuzo-guattariens de synthèse disjonctive, de devenir et de ritournelle, créant cet espace philosophique intensif qui permet l’approche des phénomènes que nous investiguons. Dans une visée éducative, nous produisons à partir de traces un exemplier d’événements dont nous relevons des valences d’affect. Ceux-ci ont valeur d’hypothèse et sont, de notre point de vue, affirmatifs de rencontres possibles avec une oeuvre musicale
Children listening to music, considered as an aesthetic experience, has been the subject of little research work. We hypothesize that examining aesthetic experience through the lens of the process of the encounter enables one to rightly consider the specificities of childrens musical listening experiences characterized by the movement of the sound flow. Simondian concepts of transduction and disparation, Deuleuze & Guattari concepts of disjunctive synthesis, hecceity and refrain create an intense philosophical space that enable us to approach the phenomenon that we are investigating. From traces that appear in different forms, we produce here a set of event examples that refuses the ways of a typology that seems incompatible with the phenomenon of the “Encounter”. This set of examples presents events from which we pick affect valencies. We postulate that they are affirmative of an encounter with a musical artwork. Those examples have hypothetic value, and can be seen as possible encouters with music

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Disoteo, Maurizio. « Modèles d'éducation musicale interculturelle : le traitement des diversités culturelles en éducation musicale ». Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2012. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209607.

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Résumé :

Cette thèse propose un nouveau modèle d’éducation musicale interculturelle fondé sur l’interaction des identités musicales des élèves. La perspective interculturelle de l’éducation musicale ne peut pas être réduite à l’opération encyclopédique qui consisterait à ajouter quelques écoutes ou exécutions de musiques « autres », mais doit atteindre un renouvellement méthodologique intégral de la matière. En ce sens, la contribution des recherches sur l’éducation musicale interculturelle peut offrir la possibilité de construire un nouveau paradigme de l’éducation musicale, qui prend en considération d’abord les identités des élèves et non une séquence de contenus disciplinaires établis a priori. La thèse met en discussion l’histoire de l’éducation musicale interculturelle, à partir de ses premières formulations américaines et ensuite nous conduit à un état des lieux en Europe.

Dans la seconde partie, la recherche présente les différentes théories sur l’identité musicale ainsi que les recherches qui ont mis en discussion l’unicité du concept de musique et qui nous permettent aujourd’hui d’avoir aussi une base musicologique pour l’éducation musicale interculturelle. Les derniers chapitres sont consacrés à la discussion des méthodes pédagogiques pour une éducation musicale interculturelle et à des exemples pratiques. En particulier, ces derniers chapitres tracent le parcours qui mène à la construction d’un modèle réticulaire et dynamique de l’éducation musicale considérant comme fondamentale l’interaction et la coopération entre les élèves et intégrant aussi les plus récentes recherches sur l’éducation musicale informelle (informal learning). Du point de vue des suggestions pratiques, la thèse met l’accent sur le rôle central de la créativité, de la récupération de l’enseignement et de la pratique musicale orale, du développement de l’improvisation individuelle et collective.

Doctorat en philosophie et lettres, Orientation histoire de l'art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Bonnet, François-Jacques. « L' archipel sonore : le son et l'écoute sous l'emprise du discours ». Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010691.

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Résumé :

II s'agit de déterminer les enjeux d'un « ordre du discours sur le sonore ». Déterminer les enjeux n'est donc pas décrire ou identifier les mécanismes, même si l'on doit au préalable les reconnaître. C'est plutôt relever l'efficace de tels mécanismes. Un « Ordre du discours sur le sonore» peut également s'entendre comme agrégat des pôles autoritaires de l'écoute. L'articulation écoute - légitimation - autorité est au coeur de ce qu'on nommera l'archipel sonore, réseaux de pôles autoritaires, zones de rigidité, qui fournissent, supportent, développent, opposent des modèles d'écoute. Un tel réseau doit se forger des objets à défendre, à attaquer, et des structures pour les unir. L'entreprise schaefferienne, structuralisme esthétique, démontre la toute puissance du discours et le primat de la représentation sur la sensation. Les mécanismes de réification, d'identification et d'objectivation se révèlent être des alliés indispensable à l'élaboration de l'ordre du discours du sonore.

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Tripier-Mondancin, Odile. « L'éducation musicale au collège depuis 1985 : valeurs déclarées par des enseignants d'éducation musicale, genèse ». Toulouse 2, 2008. https://hal-univ-tlse2.archives-ouvertes.fr/tel-01117916.

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Résumé :

La présente thèse a pour objet d'identifier les valeurs déclarées par 191 enseignants d'Éducation musicale en collège, d'examiner le lien entre ces valeurs et l'histoire de la discipline mais également l'histoire personnelle et le rapport aux savoirs musicaux de ces enseignants. La constitution de corpus de textes officiels, les méthodes d'enquête (questionnaire, entretiens post-observations), l'analyse des discours des enseignants et des textes officiels, les principes de catégorisation ont autorisé tantôt l'inférence de valeurs, tantôt le recueil de valeurs exprimées explicitement. Quelle que soit la manière d'aborder la problématique des valeurs –implicite, explicite – les enseignants font des valeurs morales et éthiques une priorité sur les valeurs esthétiques et intellectuelles. Une tension (sorte d'interférence) se noue entre valeurs morales et esthétiques ; cette tension se mue en une hésitation entre fondements subjectifs et objectifs, à donner aux jugements de valeur, lorsqu'il s'agit d'évaluer l'objet musical. Pour les enseignants interrogés à titre personnel, les critères généraux et particuliers de jugements de valeur ont principalement trait au ressenti du récepteur ainsi qu'à la composition, dans une posture subjectiviste. En revanche, au titre d'enseignant, ils demandent à l'élève d'avoir une posture objectiviste. Ces enseignants, non relativistes, non postmodernes, seraient, dans leur rapport à l'esthétique, plutôt goodmaniens face aux élèves et plutôt kantiens à titre personnel. Les formations reçues semblent avoir eu plus d'influence sur les valeurs déclarées que les concours de recrutement ou encore les textes de programmes
The purpose of the thesis is to identify the values declared by 191 teachers of music in junior high schools, to study the link between these values and the history of the subject, to examine the personal history of these teachers as well as their relation to knowledge of music. The collection of samples of official texts, the methods of investigation (questionnaires, interviews after observations), the analysis of discourse of these teachers and that of official texts, and the principles of categorising have, at times, enabled the inference of values, at others, the collection of values explicitly declared. Whatever the way of dealing with the question of values might be – be it implicitly or explicitly- teachers give priority to moral and ethical values over aesthetic and intellectual values. There is some tension (some sort of interference) between moral and aesthetic values; this tension turns into hesitation between subjective and objective bases for their judgments of value when it comes to assessing the musical object. For teachers interviewed in a personal capacity, the general and specific criteria for their judgments of value are linked to the feeling of the receiver as well as to the composition, adopting therefore a subjectivist attitude. However, as teachers, they require from their pupils an objectivist attitude. These teachers, who are non relativist, non postmodern, would, therefore, be rather ‘Goodmanian' in their relationship to the aesthetic when confronted to pupils, and rather ‘Kantian' in a personal capacity. The training they have had seems to have had more influence upon their declared values than competitive examinations or national curricula

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Gülgönen, Séline. « La mimesis musicale dans l'oeuvre de Platon ». Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100039.

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Résumé :

Ce travail se propose de déterminer la nature, le fonctionnement et les enjeux de la mimesis musicale dans les Dialogues de Platon. Il souhaite donc contribuer aux études de la pensée platonicienne de la musique en prenant pour point d'appui le concept de mimesis, qui se trouve par là même éclairé d'un jour nouveau. Pour Platon en effet, la musique ne se définit pas, ou pas essentiellement, comme “art des sons” mais elle est avant tout une imitation sensible des mouvements de l'âme, et elle a pour charge d'en transmettre certains aux autres âmes. Car la pensée platonicienne ne sépare jamais ce que peut faire la musique de ce qu'elle doit faire, tant sur le plan psychologique que politique – comme on le voit dans la République et dans les Lois. Mais le pouvoir imitatif de la musique ne se limite pas aux âmes individuelles : la musique imite aussi en effet les mouvements cosmiques – comme on le voit dans le Timée. Par son pouvoir imitatif, la musique peut alors devenir une véritable technique hygiénique et thérapeutique qui relie l'âme et le corps aux mouvements du monde, lui-même pourvu de qualités musicales. Ainsi articulée au concept de mimesis, la musique se révèle être un intermédiaire essentiel entre l'intelligible et le sensible, qui lui permet de jouer un rôle central dans la théorie de l'âme, de la Cité et du monde
This work focuses on the nature, the operating and the goals of musical mimesis in Plato's Dialogues. It should contribute to the study of platonician thought, while also shedding a new light on the concept of mimesis. In Plato's thought, music is not – or not essentially – an “art of sounds”. It is primarily a tangible imitation of the movements of the soul, an can also serve to propagate them to ether souls. Platonician thought never separates what music can do from what it should do, as can be seen in the Republic and the Laws. But the imitative power of music is not limited to individual souls : music can also imitates cosmic movements, as can be seen in the Timeaus. Through this imitative capacity, music can therefore become hygienic and therapeutic technique, linking the soul and the body to the movements of the world, which is also invested with musical qualities. In the light of mimesis, music proves to be an essential mediator between intelligible and sensible, thus playing an important role in the theory of the soul, the City and the world

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Hentzen, Philippe. « La régulation didactique en éducation musicale en cycle 4 (collège) ». Thesis, Reims, 2020. http://www.theses.fr/2020REIML003.

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Résumé :

La thèse a pour objet d’étude ce qui s’enseigne et ce qui s’apprend en éducation musicale au collège en cycle 4. Elle s’intéresse plus spécifiquement aux démarches d’évaluation formative et à l’évaluation soutien-d’apprentissage abordées dans une perspective didactique. Notre attention porte sur les pratiques de régulation didactique de trois enseignants dans les activités de perception et de production. Le cadre théorique croise les concepts forgés dans le champ des recherches sur l’évaluation formative et dans celui des recherches en didactique afin de rendre compte du processus de transmission-appropriation de savoirs. Le recueil de données s’appuie sur des données prélevées in situ couplées à des entretiens ante et post séance sur une séquence d’enseignement complète. Les analyses micro-didactiques que nous avons menées permettent de montrer que les régulations sont souvent interactives et se produisent surtout lors de l’activité de production. Elles sont pilotées par les enseignants qui agissent sur l’autorégulation des élèves pour intervenir le plus souvent sur un problème vocal comme la justesse de la voix, la coordination vocale … Des outils didactiques tels l’utilisation du piano par l’enseignant, la production d’un geste corporel par les élèves sont utilisés pour tenter de favoriser ce processus d’autorégulation. L’étude du contenu des régulations permet par ailleurs d’interroger l’épistémologie pratique des enseignants qui font appel d’une part à des savoirs experts et d’autre part à des expériences musicales extra-scolaires pour construire des dispositifs didactiques favorisant entre autres l’apprentissage de la justesse et l’implication vocale des élèves
The purpose of the thesis is to study what is taught and what is learned in music education at the middle school level in Cycle 4. It deals with formative and learning support assessment approaches from a didactic perspective. It focuses on the didactic regulation practices of three teachers in perception and production activities. The theoretical framework cross-references the concepts forged in the field of formative evaluation research with those in didactic research to reflect the process of knowledge transfer-appropriation. The data collection is based on data collected in situ combined with ante and post session interviews in a complete teaching sequence. The micro-didactic analyses carried out show that regulations are often interactive and occur mainly during production activities. They are controlled by teachers who act on students’ self-regulation, to intervene more often on a vocal problem voice accuracy, vocal coordination. In turn, the teachers react and intervene when there is a problem with voice accuracy or vocal coordination. To accomplish this the teacher can use didactic tools such as the piano, body gestures and/or « a capella » melodies. The study of the content of regulations also makes it possible to question the practical epistemology of teachers who call on expert knowledge on the one hand and on the other hand on extracurricular musical experience to build didactic devices that promote, among other things, the learning of accuracy and the vocal involvement of students

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Maugars, Cedricia. « De la notation d'évaluation en éducation musicale : des représentations d'enseignants ». Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040208.

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Résumé :

La thèse a permis d’approfondir des pistes de recherche sur les représentations spécifiques à propos de l’évaluation en Education musicale des enseignants du secondaire. La pré-enquête a été mise en place afin de chercher les raisons pour lesquelles une formation en évaluation musicale courte ne favorisait pas le changement des conceptions en matière d’évaluation formatrice. Nous avons vérifié l'hypothèse selon laquelle l'auto-évaluation en formation pourrait constituer un facteur clé dans le changement des représentations en Education musicale. Les perceptions qu'ont les stagiaires de la formation refléteraient la manière dont le changement des conceptions s’est établi, ou va s’établir. Savoir ce que les acteurs pensent et attendent d’une formation permet de pronostiquer la qualité du transfert. Nous avons tenté de répondre à la question : comment mettre en place un dispositif permettant d’évaluer les transformations relatives aux conceptions en matière d’évaluation ? Le suivi pédagogique "post-stage " est un véritable processus d’auto-évaluation : sans jugement de valeur, ni contrôle, l’entretien en "miroir " permet à l’enseignant de parler librement et d’analyser lui-même son parcours dans la formation. L'enquête a confirmé les premiers résultats de l’étude exploratoire relatifs aux problèmes rencontrés dans l’activité vocale et à la multiplicité des approches évaluatives au travers d'un "Q-test-vocal". Nous avons découvert que les jugements appréciatifs des enseignants sur un chant Pygmée étaient convergents et stables. Des profils évaluatifs ont émergé: des approches holistiques ou critériées; des pratiques d'évaluation centrées sur la production musicale (sommative) ou sur le processus formatif d'enseignement-apprentissage. Il est apparu que les enseignants de musique pratiquaient la notation dans toutes les activités musicales en classe sans véritablement la remettre en cause
The experimental research called “Q-test-vocal” lasted six months (December 2002 to June 2003). We discovered that the teachers assessed the vocal performance according to their personal instructive objectives. They found that peer assessment or self assessment were both very difficult. Although it was the first time that they had ever recorded their pupils and, they appreciated the process very much. They thought it was a very useful instrument of evaluation. The purpose of our study is divided into three parts: To analyse, to understand of the different forms (modes) of assessment used by the teachers and to identify how those forms lead to a final mark. To study the links between the teacher's practices in class and what they tell about their actual practices, specifically regarding to the different musical activities (vocal, instrumental, creative, auditory). To examine and focus on the changes of those concepts of those occur during interviews and to analyse their evolution in relation with specific factors of musical activities in secondary classes. In conclusion, the experiment shows that the evaluation of vocal performance is a crucial problem for music teachers who use different forms of marking and that their strategy for evaluation is not clear. The music teachers judged with a sommative assessment of final performance. They justified their marks with a subjective and holistic approach. And their appreciations and preferences were the same in January as they were in June. They showed no changes occurred towards favorite or disliked extracts

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Huguet-Benabdelmouna, Marie-Céline. « La réussite en éducation musicale : des facteurs individuels aux facteurs contextuels ». Phd thesis, Université de Bourgogne, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00259778.

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Résumé :

Ce travail se propose d'améliorer la connaissance des déterminants individuels et contextuels de la réussite en éducation musicale en classe de 6e. Trois axes principaux structurent la recherche : les inégalités sociales d'acquisitions, les effets enseignants et l'impact de l'intérêt des élèves pour les activités du cours. Deux tests musicaux (l'un en début d'année, l'autre à la fin) ont été administrés à 1184 élèves bourguignons. Des questionnaires destinés aux différents acteurs (enseignants et élèves) ont permis de collecter des données variées. L'ensemble des données a été analysé à l'aide de modèles multivariés. Les résultats montrent que 1°) les pratiques musicales développent des compétences et qu'elles expliquent l'effet de l'origine sociale sur les acquis musicaux en début d'année ; 2°) les effets enseignant expliquent environ 6% de la variance des scores finaux entre élèves en éducation musicale ; 3°) les facteurs contextuels qui ont des effets significatifs sur les progressions sont tous dirigés vers le développement des acquisitions des élèves ; 4°) l'intérêt des élèves influence leurs acquisitions et est lui-même fortement dépendant de leur niveau scolaire musical et dans les disciplines générales.

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Xiong, Sha. « Pédagogies actives et éducation musicale en Chine : le Nouveau Système en construction ». Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040065.

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Notre recherche concerne la tentative de construction ce que l’on appelle le « Nouveau Système ». Cette méthode est en cours d’élaboration, avec une certaine discrétion, principalement au Conservatoire Central de Pékin. Ce Nouveau Système semble s’inspirer de trois méthodes actives européennes (Jaques-Dalcroze, Orff et Kodaly). L’objectif de la recherche, après avoir restitué le contexte historique, est d’abord d’identifier les méthodes dont s'inspire le "Nouveau Système", l'apport d'éléments propres à la Chine ; ensuite, de tenter de comprendre la relation entre l'émergence de ce Nouveau Système et la société chinoise. Nous avons choisi l’observation directe, l’entretien semi-directif avec les formateurs et les stagiaires, l’analyse des vidéos et des entretiens. L’analyse de l’ensemble des données montre que les répertoires du Nouveau Système incluent des chants populaires chinois qui sont souvent réécrits et adaptés selon les besoins de l’enseignement, beaucoup de chants occidentaux, de la musique tonale occidentale, de la musique improvisée tonale. Il y a peu de place pour l’enseignement des musiques traditionnelles chinoises. Cette recherche nous permet de comprendre, d’une part, qu’il y a une demande dans le domaine éducatif (y compris la musique) de former de futurs citoyens plus créatifs afin de répondre aux besoins de la transformation économique, et d’autre part, qu’il y a une volonté de maintenir l’unité de la Chine. Dans le cas du Nouveau Système, il y a une tendance vers une certaine autonomie de l’individu. En revanche, cette volonté peut entrer en conflit avec le maintien de la cohésion sociale dans un pays où vivent plusieurs peuples et où a régné une longue tradition autoritaire
Our research concerns the attempt to build what is called New System. This method is being developed, with some discretion, mainly in Central Conservatoire Beijing. This “New System” seems to be inspired by three European active methods (Jaques-Dalcroze, Orff and Kodaly). The aim of the research, after having described the historical context, is first to identify methods which inspired the "New System", the contribution of factors particular to China. Then, trying to understand the relationship between the emergence of this New System and Chinese society. We chose direct observation, semi-structured interviews with trainers and trainees, analysis of video and analysis of the interviews. The overall analysis of the data shows that New System directories include Chinese folk songs that are often rewritten and adapted to the needs of the teaching of the New System, many Western songs, Western tonal music, improvised tonal music. There is little room for the teaching of Chinese traditional music. This research allows us to understand on one hand, that there is a demand for the field of education (including music) to train future creative citizens to meet the needs of economic transformation. On the other hand, that there is a desire to maintain the unity of China. In this New System, there is a tendency towards a certain autonomy of the individual. However, this desire may conflict with the maintenance of social cohesion in a country where many people live and where reigned a long authoritarian tradition

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Carratelli, Carlo. « L’integrazione dell’estesico nel poietico nella poetica musicale post-strutturalista : il caso di Salvatore Sciarrino, una "composizione dell'ascolto" ». Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2007PA040101.

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Ce travail met en relation l’expérience musicale du compositeur italien Salvatore Sciarrino avec un bouleversement esthétique qui a secoué l’histoire des idées à partir des années 70, et qui a déplacé l’attention de l’objet vers le sujet, au sein du rapport entre homme et monde. On essaye d’examiner un phénomène particulier de ce tournant - l’intégration de l’esthésique dans le poïétique - dont l’oeuvre de Sciarrino présente, selon notre hypothèse, des symptômes significatifs : la prise en charge, par le compositeur, de la phénoménologie de la réception de l’oeuvre. Cette prise en charge se concrétise à différents niveaux, qu’on a essayé de réduire en trois composantes : une sensibilité aux aspects communicationnels de l’oeuvre ; une recherche sur l’écoute en tant qu’activité cognitive ; une prise de conscience que l’écoute est une activité qui dépasse les limites de la pure perception et qui implique des problématiques de nature phénoménologique et herméneutique. Ce travail montre comment ces aspects s’intègrent dans l’oeuvre de Sciarrino, à travers une analyse transversale de ses écrits (analyse du poïétique), et d’une sélection de ses pièces, dont on met en évidence les possibles stratégies perceptives et cognitives engendrés par leur réception (analyse esthésique inductive). Les cas de Lohengrin et de Vanitas, en particulier, montrent que la tactique de gestion de la temporalité de ces oeuvres correspond à leur contenu poétique et que, par conséquent, l’oeuvre sciarrinienne vise à transmettre non pas seulement un message musical mais aussi le mécanisme cognitif apte à le percevoir. C’est pourquoi on parle, à propos de l’oeuvre sciarrinienne, de composition de l’écoute
This work tries to relate the musical experience of the Italian composer Salvatore Sciarrino with an aesthetic turn that has characterized the history of ideas at the beginning of the 70’s : the shift of attention from the object to the subject, about the relationship between man and world. We try to examine a particular aspect of this turn - the integration of estesic level in the poietic one - of which characteristics appear, according to us, in Sciarrino’s work. This integration consists in the “assumption” of the reception of a work by its composer. This assumption may show itself in different ways : an attention to the communicative aspects of music, a research focused on listening as a cognitive activity, the consciousness about the hermeneutical and phenomenological dimensions that make listening something more than a mere perception. We try to show how these aspects mix in Sciarrino’s works, by means of an analysis of poietic level (Sciarrino’s writings and notes) and by means of an estesical and inductive analysis of a selection of Sciarrino’s scores. The examples of Lohengrin and Vanitas, in particular, show that the temporal conduction of these works correspond to their poetic meaning, and that Sciarrino’s music intend to communicate not only a “musical message”, but also the cognitive structure for receiving it. That is why we define Sciarrino’s working as a “listening’s composition”

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Meric, Renaud. « L' appréhension spatiale de l'écoute : un mouvement entre imagination et perception. L'exemple de la musique électroacoustique ». Montpellier 3, 2009. http://www.biu-montpellier.fr/florabium/jsp/nnt.jsp?nnt=2009MON30063.

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Résumé :

La notion d’espace est devenue cruciale dans la musique au XXe siècle et plus particulièrement dans la musique électroacoustique. En prenant en compte l’idée d’appréhension de l’écoute, nous voulons retrouver un lien entre le corps, l’espace, l’écoute et le son : nous nous appuyons ici en particulier sur l’idée de « chair », développée par le philosophe Maurice Merleau-Ponty dans ses derniers ouvrages et sur la notion d’« énaction » introduite par le neurobiologiste Francisco J. Varela. L’écoute peut être ainsi définie à la fois comme le geste de saisie et ce qui est saisi (les sons) : l’espace appréhendé devient alors un mouvement complexe où s’entrelacent et se confondent les gestes de saisie et les mouvements propres au son. Le son, appréhendé dans l’espace, peut être ainsi considéré comme un phénomène mouvant, éphémère et complexe, sans cesse situé entre imagination et perception. Les musiques électroacoustiques et informatiques, en corrélation avec leurs recherches sur l’espace sonore, ont favorisé cet aspect évanescent du son. Pour montrer cela, nous terminons notre thèse en analysant les œuvres électroacoustiques de compositeurs qui ont accordé, chacun à leur manière, une place importante à l’espace sonore : Concret PH de Iannis Xenakis, Paysage, personnage, nuage de François Bayle, Gymel de Horacio Vaggione et Audible ecosystemics 3a, background noise study d’Agostino Di Scipio
The notion of space became crucial in the music of the 20th century and more specifically in the electroacoustic music. By taking account of the idea of grasp of listening, we want to find a link between body, space, listening and sound: we are here based in particular on the idea of “flesh”, developed by the philosopher Maurice Merleau-Ponty in his last works and on the concept of “enaction” introduced by the neurobiologist Francisco J. Varela. In this way, the listening can be defined as the grasp gesture as well as what is grasped (sounds): then, the grasped space becomes a complex movement where the grasp gestures and the movements peculiar to the sound interweave and merge themselves. The sound, grasped in space, can be thus considered as a moving, ephemeral and complex phenomenon, constantly set between imagination and perception. The electroacoustic and computer musics, in correlation with their researches on sound space, have nurtured this evanescent aspect of sound. To illustrate that, we finish our thesis by analyzing the composers’ electroacoustic music works who, each one in his own way, has attached an importance to sound space: Concret PH by Iannis Xenakis, Paysage, personnage, nuage by François Bayle, Gymel by Horacio Vaggione and Audible ecosystemics 3a, background noise study by Agostino Di Scipio

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Agid, Roméo. « Ennui situationnel en période d'écoute musicale : Eléments de théorie, critique d'un idéal de réception ». Thesis, Université Paris-Saclay (ComUE), 2016. http://www.theses.fr/2016SACLE002/document.

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Résumé :

Selon une vision répandue dans l'enseignement, l'écoute musicale d'une oeuvre doit être envisagée comme totale et continue. Toutefois, cette perspective se heurte à une réalité contingente de la réception : l'ennui situationnel. Cette notion, limitée à la situation d'écoute, semble avoir été esquivée, à des fins méthodologiques et philosophiques, et révèle une discrépance entre les attentes de l'auditeur et l'assouvissement de ces attentes. Elle invite à une réévaluation de principes théoriques fondamentaux de la musicologie, qui placent le musical dans l'œuvre d'art (partition ou interprétation particulière) et non dans le traitement que le sujet réalise de cette dernière.Ce projet de doctorat propose une réflexion dont l'objectif est de définir et d'envisager un cadre théorique de l'ennui situationnel en période d'écoute musicale. Ce champ, nouveau et peu représenté, prend la forme d'une critique d'un idéal de réception en interrogeant des notions importantes et actuelles comme l'intérêt, l'incorporation, la conscience, la familiarité. Le thème de l'ennui en période de réception pose la question de l'intégration du sujet au sein de l'analyse. Jusqu'où est-il possible de se passer du sujet ? Ce projet de doctorat, s'il ne répond pas définitivement, pose les fondations d'un espace théorique problématique nouveau et riche, et propose une première modélisation
According to a common view in music education, listening to music must be considered both a whole experience as total as a continuous one, equally. However, this perspective is in conflict with the possible reality that the listener can fall into a state of situational boredom.Thus far, both philosophically and methodologically, this concept of boredom has been disregarded in the experience of listening to music. Once boredom is included, a discrepancy between the expectations of the listener and the satisfaction of these expectations is revealed. It calls for a theoretical reevaluation of the foundations of musicology, which have put the origin of music in the work of art (the score or a specific interpretation).This PHD project attempts to define a theoretical framework for the following question: what is situational boredom in the experience of listening to music? By questioning important and current notions such as interest, embodiment, awareness, familiarity, treatment, and conscience, this new field approach becomes a criticism of the idealization of esthetic reception. During a reception time, boredom brings to light the question of the subject’s integration into the analysis. Until when can the subject be ignored? This study, while not responding definitively, prepares the ground for a new and interesting problematic theoretical field and offers its first modelization

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Eloy, Florence. « Apprendre à écouter la musique : culture légitime, culture scolaire et cultures juvéniles ». Paris, EHESS, 2012. https://acces.bibliotheque-diderot.fr/login?url=http://www.cairn.info/enseigner-la-musique-au-college--9782130625551.htm.

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Résumé :

Cette thèse de doctorat se propose d'interroger les liens entre culture légitime, culture scolaire et cultures juvéniles sur un terrain très spécifique et pouvant apparaître à première vue comme un « petit objet » : l'enseignement de la musique au collège. En effet, ce lien s'est profondèment renouvelé du fait d'évolutions concomitantes de ces trois dimensions de la culture, par ailleurs très poreuses les unes par rapport aux autres. Si l'affinité élective entre culture scolaire et culture légitime a été souligné par Pierre Bourdieu et Jean-Claude Passeron, de nombreux travaux ont montré que les savoirs scolaires tendent depuis plusieurs décennies à se décloisonner et à s'ouvrir davantage à l'expérience quotidienne des élèves, tandis que le consensus sur les canons culturels devant être transmis par l'École se fait moins fort. Le cas de l'enseignement scolaire de la musique, qui occupe à la fois une place dominée dans le curriculum et une position médiane entre « culture libre » et « culture scolaire », permet de saisir sous une forme presque pure les tensions pouvant exister entre cultures juvéniles et cultures scolaires dans le cadre du processus de diversification des répertoires culturels mobilisés par l'Ecole. A travers une étude des textes officiels de la discipline depuis 1938, une enquête par observations et entretiens de cours de musique dans des établissements contrastés du point de vue socio-scolaire, et une analyse secondaire des données de l'enquête par panel du Ministère de la culture sur les univers culturels des adolescents, la thèse montre le déplacement et le brouillage des hiérarchies culturelles via l'émergence de la norme de l'éclectisme éclairé
This research explores the connections between legitimate culture, school culture, and youth cultures, drawing on the study of music education in middle and high school, a case study that might appear as a "small object" at first sight. Yet my research emphasizes the ever changing relationships between three forms of culture delineated above. Though Bourdieu and Passeron have analyzed the elective affinities between school culture and legitimate culture, many recent works have emphasized in contrast how school curricula are currently changing in order to incorporate the daily and profane experiences of students. In parallel, observers have noted a decline in the consensus over the classical canon to be taught to the students. Within this larger trend, the case of music is particularly interesting since music education is a dominated discipline within school curricula, but also on of the disciplines where teachers make particular efforts to incorporate the profane experiences of students. Hence, it affords a better understanding of the tensions between youth cultures and school culture, in the broader context of the diversification of cultural repertoires gradually integrated in the curriculum. More specifically, my research relies on several types of data : an analysis of the programs of musical education since 1938, observations and interviews conducted with middle and high school students and their teachers, and a quantitive analysis of the survey of the French Ministère de la Culture on the cultural universes of youths. My analysis documents the shifting of cultural hierarchies with the emergence of the norm of "enlightened eclecticism"

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Koffi, Gbaklia Elvis. « L'éducation musicale dans l'enseignement général en Cote d'Ivoire : pratiques et démocratisation ». Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2003PA040277.

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Résumé :

Contrairement au contexte social ivoirien où elle est omniprésente, la musique à l'école touche peu d'élèves. Cette absence de démocratisation de l'enseignement musical à l'école est due à sa non pratique dans l'enseignement primaire à cause de l'insuffisance de formation musicale des enseignants et à la pénurie de professeurs dans le secondaire. Les investigations développées au cours de ce travail révèlent d'abord, que les faits politiques liés à la gestion ministérielle de l'éducation, déterminent les fluctuations du processus de démocratisation de l'enseignement musical, et que l'accès à cette discipline et l'adéquation de ses programmes aux réalités musicales sociales sont tributaires du politique; nous montrerons ensuite, que les pratiques des enseignants sont déterminées par leur culture musicale et leur rapport aux savoirs musicaux. La formation continue des enseignants peut alors constituer ici un facteur de démocratisation de l'enseignement musical en Côte d'Ivoire
Contrary to the social context where it is constantly present, music at school touches only a few children. This absence of music teaching democratization at school is due to a lack of musical practice in elementary teaching, linked to inadequate teachers training in music and shortage of teachers in secondary school. The investigations developed throughout this work first reveal, that the politics of ministerial education management determine the changes in music teaching democratization; acces to this field and curriculum appropriate to social musical reality rely on the political. Then we will demonstrate that teachers practices depend on their musical culture and their relation to musical knowledge. Continuing education for teachers could be a factor in democratizing musical education in Côte d'Ivoire

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Ndiaye, Ibrahima. « L'éducation musicale au Sénégal : enracinement et ouverture ». Thesis, Strasbourg, 2015. http://www.theses.fr/2015STRAG034/document.

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Résumé :

L’éducation musicale académique n’est officialisée au Sénégal qu’à partir de 1976, dans l’intention de démocratiser l’accès à la culture à l’école. Le but est de former un citoyen sénégalais enraciné dans sa propre culture et ouvert vers le reste du monde. Mais la concrétisation de cette noble ambition a presque échoué en raison d’une « ouverture » qui a pris le pas sur « l’enracinement ». Car la formation des professeurs d’éducation musicale est calquée sur les contenus de cours légués par les français et basés essentiellement sur la musique classique européenne inconnue des sénégalais. Ce qui crée une tension par rapport à la culture musicale populaire des élèves. Dans les écoles, rien n’est prévu pour l’enseignement de cette discipline, au niveau des moyens et matériels didactiques. Les professeurs d’éducation musicale sont confrontés aussi à un problème de rapport au savoir académique dans une société de tradition orale très islamisée avec un système de castes, d’où des préjugés culturels et religieux à propos de la musique. Dans ce travail, nous étudions l’éducation musicale sénégalaise sous ses aspects socioculturels, politiques, politiques, scolaires et économiques
Academic music education is formalized in Senegal until 1976, with the intention of democratizing access to culture in the school. The goal is to train a Senegal citizen rooted in their own culture and open to the rest of the world. But the realization of this noble ambition almost failed due to an ‘’openness’’ that has overtaken the ‘’rooting’’. Because the pattern of musical education training for teachers is imitating the courses contents left by the French and based mainly on European classical music unknown by the Senegalese. What creates a voltage compared to the popular musical culture of students. In schools, nothing is provided for teaching this subject as for as the resources and educational tools are concerned. Music education teachers are also facing a problem report to the academic knowledge in a society of highly Islamized oral tradition with a caste system, where cultural and religious prejudices about the music. In this work, we study the Senegalese musical education in its socio-cultural, political, academic and economic aspects

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Alten, Michèle. « La musique et le chant dans les écoles primaires de la République (1882-1939) ». Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010713.

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Résumé :

En 1882 le ministre de l'instruction publique introduit dans les programmes de l'école primaire une nouvelle matière d'enseignement obligatoire : la musique et le chant. L'ambition des exigences, l'absence de clarté sur les finalités et les méthodes, ainsi que la faible qualification des instituteurs dans ce domaine, rendent l'application des instruction officielles très aléatoire. Avant 1914, l'engagement civique des instituteurs les conduits souvent à faire célébrer par des chants les valeurs de la république. Mais le territoire français est divisé en deux : au sud d'une ligne St-Malo-Genève, les pratiques musicales sont peu présentes dans les classes d'une France peu alphabétisée. Entre 1920 et 1939, une nouvelle culture musicale se développe à l'école. Elle s'attache surtout à l'organisation de spectacles de divertissement joués, mimés et chantés par les enfants. Elle traduit ainsi, à sa manière, l'importance prise par le loisir artistique de masse dans la société française. Cependant, cette pratique ne règle en rien le statut scolaire de la musique. Faute de se donner les moyens d'assurer un enseignement artistique de base, l'école laisse pour compte la dimension sensible de l'éducation
In 1882 the minister of education brought in a new compulsory item in the programs of primary schools : music and singing. The demand of the ambition, the lack of clarity of the aims sought and of the methods as well as the low level of qualification of the teachers in this very field made the application of the official instructions rahter uncertain. Before 1914, the civil engagement of the teachers led them to have of the republic celebrated by patriotic song. But the French territory is divised into two regions : south of line going from Saint-Malo to Geneva, musical activities are rare in the classrooms of a rather illiterate population. Between 1920 and 1939, a new musical culture expands in schools. It concerns mainly the organisation of amateur theatricals played, mimed and sung by the pupils. It expresses in its own way the signifiance assumed by the popular artistic spare time activities in France. However this practice does not bring any solution to the place occupied by music in schools. Because it does not take the means for assuming the basis for a teaching of arts, the school puts aside the sensitive aspect of education

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Benoît, Josée. « Comprendre les pratiques d'une enseignante de musique instrumentale au secondaire en tenant compte des concepts de représentations et de motivations ». Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2010. http://hdl.handle.net/10393/19767.

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Résumé :

Cette étude vise à comprendre les pratiques d’une enseignante de musique instrumentale oeuvrant dans un programme spécialisé en arts d’une école secondaire de langue française de l’Ontario. Trois questions de recherche y sont traitées : celle relative aux représentations de cette enseignante en ce qui concerne l’éducation musicale, celle des pratiques d’enseignement elles-mêmes et celle de la manière dont ces pratiques contribuent à la motivation. Le cadre conceptuel s’appuie sur les concepts de représentations et de pratiques ainsi que sur le modèle de la Situation pédagogique de Legendre (1983; 2005), de la théorie de l’autodétermination (Deci et Ryan, 1985) et de celle de l’expérience optimale (Cszikzentmihalyi, 1990, 1993). Il s’agit d’une étude de cas où des observations et des entrevues ont été effectuées auprès d’une enseignante et auprès d’élèves dans trois classes de musique (9e, 11e et 12e années). L’étude des représentations de cette enseignante, dénommée Jocelyne dans cette étude, permet de suivre le parcours d’apprentissage musical de celle-ci et de saisir les difficultés ressenties dans l’évolution de sa carrière. Les pratiques de Jocelyne sont ainsi en lien avec ses représentations et visent à donner le goût de la musique aux jeunes et à développer leur sens d’autonomie et de compétence en tant que musiciens et êtres humains. Jocelyne offre aussi aux élèves des occasions de vivre des expériences optimales en musique, que ce soit lors de concerts, de festivals, d’ateliers de formation ou de camps musicaux avec des musiciens professionnels. Ces expériences enrichissent le sentiment d’accomplissement et le sens d’appartenance des élèves et les motivent à persévérer dans leur apprentissage. Certaines pratiques de Jocelyne servent également d’éléments de motivation extrinsèque et intrinsèque, favorisant l’engagement des élèves dans leur apprentissage de la musique. Même si le contexte d’un programme spécialisé en musique dans une école secondaire de langue française en Ontario offre des conditions favorables à l’enseignement musical, Jocelyne fait part de certains défis motivationnels inhérents à ce milieu ou à l’enseignement de la musique au secondaire, comme la rétention des élèves en musique, les tensions entre les attentes diversifiées et les choix que doivent prendre les enseignants de musique ainsi que la polarisation d’idées au sujet de la compétition, de la participation à des festivals de musique et de récompenses.

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Marquis, Sylvain. « L'attitude spéculative dans les arts sonores actuels : exploration et méthodologie ». Paris 8, 2007. http://www.theses.fr/2007PA083722.

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Résumé :

Forte d'une démarche associant exploration et réflexivité, cette étude aborde des pratiques sonores connaissant des qualificatifs aussi généraux que nouveaux : gestes, musiques expérimentales, arts audio, arts sonores, « sound arts » , « sonic arts » et « open musics » mais aussi de nombreuses autres dénominations attachées à certains domaines plus particuliers : improvisation libre, bruitisme, nouvelle lutherie, « glitch », « clicks and cuts » , « plunderphonics » , art radiophonique, « soundscape », drones, micro-sons, « field-recording » , « laptop performance », poésie sonore, « software art ». Les nombreux questionnements suscités par les arts audio actuels se trouvent ici abordés selon trois étapes. Le premier moment effectue un retour historiographique sur l'épistémologie de l'étude de la musique pour y confronter la problématique particulière des arts audio. Ces observations ouvrent sur un second volet, lequel s'attache à proposer une musicologie conjonctive partant de l'empirisme et du pragmatisme. La troisième partie de cette étude dresse l'ébauche d'une exploration raisonnée des arts audio effectuée à partir de la méthode conjonctive, et propose une typologie de l'attitude spéculative
Supported by an approach associating exploration and reflexivity, this study investigates sound practices at large, bearing designations as broad as new gestures, experimental musics, audio arts, sound arts, sonic arts or open musics, but also many other denominations associated to specific fields: free improvisation, noise, new instrument making, glitch, clicks and cuts, plunderphonics, radiophonic art, soundscape, drones, micro-sounds, field recording, laptop performance, sound poetry or software art. The many questions triggered by current audio arts are being investigated in three parts. The first part is a historiographical take on the epistemology of music study, and a confrontation to the particular question of audio arts. These observations lead to a second part, which attempts to sketch a conjunctive musicology based on William James' empiricism and pragmatism. The third part of this study outlines a reasoned exploration of audio arts via the conjunctive method, and proposes a typology of the speculative attitude

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Perticoz, Lucien. « Les processus techniques et les mutations de l'industrie musicale : l'auditeur au quotidien, une dynamique de changement ». Grenoble 3, 2009. http://www.theses.fr/2009GRE39038.

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Résumé :

Les acteurs de l’industrie phonographique sont confrontés depuis une dizaine d’années à une remise en cause profonde des modalités de valorisation marchande de leurs contenus. Une approche purement quantitative est insuffisante pour saisir la complexité de ces mouvements socio-économiques ; afin d’y remédier, cette recherche entend donc appréhender qualitativement l’évolution de la pratique d’écoute de musique enregistrée. Nous questionnons le moment de la réception sans délaisser pour autant celui de la production et relions le plan microsocial des pratiques culturelles avec celui macroéconomique des stratégies industrielles afin de montrer dans quelle mesure ils s’inscrivent tous deux dans un mouvement de structuration réciproque. Les modalités d’insertion de la musique dans le quotidien des auditeurs sont plus particulièrement questionnées dans le but de faire ressortir la diversité et la diversification de leurs usages de la musique ainsi que les différents niveaux d’écoute et d’investissement symbolique qu’ils mettent eu œuvre dans le cadre de cette pratique culturelle. Internet et la numérisation des contenus agissent comme des catalyseurs de mutations en cours, facilitent l’accès à une forme d’"opulence" musicale qui devient le quotidien des auditeurs et participent dès lors de leur construction en tant qu’individus. Il s’agit donc de mieux comprendre comment les manières de faire des sujets, tout en favorisant l’évolution de la pratique d’écoute de musique enregistrée, participent d’une mutation de la filière phonographique dans son ensemble, ainsi que d’une dynamique de renouvellement idéologique du capitalisme
The actors of phonographic industry have been confronted for a decade with a deep questioning of the commercial valorization ways of their contents. A purely quantitative approach is insufficient to understand the complexity of these socio-economic movements; consequently, this research intends to apprehend qualitatively the evolution of the recorded music listening practice. We question the moment of the reception without forgetting that of the production and we connect the micro-social plan of cultural practices with that macroeconomic of the industrial strategies in order to show up how they are both connected in a reciprocal movement of structuring. The ways of insertion of the music in the everyday life of the listeners are more particularly questioned, with an aim of emphasizing the diversity and the diversification of their uses of the music as well as the various levels of listening and symbolic involvement they put within the framework of this cultural practice. Internet and the digitalization of the contents act like catalysts of changes in progress, facilitate the access to a form of musical "opulence" which becomes the everyday life of the listeners and take part consequently of their construction as individuals. It is thus a question of better understanding how the uses of subjects, while supporting the evolution of the recorded music listening practice, take part of a mutation of the phonographic industry as a whole, as well as a dynamic of an ideological renewal of capitalism

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Nancy, Sarah. « La Voix féminine et le plaisir de l'écoute, des rhétoriques à la tragédie en musique ». Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030011.

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Résumé :

Pourquoi le premier grand genre opératique français - la tragédie en musique, née en 1673 de la collaboration deQuinault et Lully -flatte-t-il si peu les voix lyriques, et surtout si peu les voix lyriques féminines? Pourquoi, en somme, est-il un genre sans divas? En interrogeant ce que l'histoire ultérieure du genre de l'opéra désigne comme un symptôme négatif, c'està dire en interrogeant l'évidence du supposé objet esthétique " voix féminine " par l'exploration de la configuration voix / féminin / logos dans les arts de la parole au XVIIe siècle, cette étude met à jour le mouvement complexe qui a pu faire tendre l'oreille à l'auditeur contemporain du genre : ni attrait agressif pour la voix pure, ni allégeance servile à l'ordre de la raison et du langage, ce mouvement, qui paraît être celui d'une fragile négociation entre sujet de désir et sujet parlant, témoigne d'une préoccupation intense pour la capacité du langage à activer le vivre-ensemble
Why does" tragédie en musique" - the first great french operatic genre, created by Quinault and Lully in 1673 - so few flatter lyrical voices, especially feminine ones? Why does this genre not foster divas? By questionning what the subsequent history of opera shows as a negative symptom, that is to say by questioning the existence of a female voice as a so-called esthetic object, and by exploring the relation-ship between voice, feminine and logos in the arts of speech inthe 17e century, this study aims to reveal the complex movement which contributes to the enjoyment of this genre for its contemporary listeners : neither a transgressive attraction for pure voice, nor a servile allegeance to the order of reason and language, this movement, which one can describe as a fragile balance for the subject being both and desiring subject and a speaking subject, bears witness to a deep preccupation for the capacity of language to sustain the "vivre-ensemble"

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Estienne, Nathalie. « La voix chantée des enseignants d’éducation musicale dans l’enseignement secondaire en France : entre modèles esthétiques et profils éducatifs ». Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL023.

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Résumé :

L’étude a pour objet le chant de l’enseignant en Éducation musicale en France. Elle s’appuie sur la question suivante : Comment l’enseignant doit-il chanter ? Trois grandes parties structurent la démarche. Le premier Livre explore les écrits concernant la voix chantée de l’enseignant, qui, d’un « modèle » vocal légitime problématique dans le contexte de l’enseignement de masse, évolue vers une vocalité se voulant plus adaptée au contexte, mais toujours incertaine. Il conclut à la prégnance des choix esthétiques dans tout ce qui touche à la vocalité en éducation musicale. Le Livre II cherche à expliquer les raisons des paradoxes qui collent au chant de l’enseignant : il dégage les facteurs socio-historiques et didactiques qui font du chanter en éducation musicale une activité spécifique par son ancrage partiel dans les représentations traditionnelles du chant, et dans les grands concepts éducatifs. Le Livre III démontre la réalité des choix esthétiques et ses incidences sur la transposition didactique du chant. Par l’examen des traits stylistiques des répertoires valorisés, et par l’analyse acoustique de voix chantées d’enseignant, il met en évidence le rôle capital de la manière de chanter d’un enseignant dans la notion de vocalité. La démarche de recherche se finalise à travers la proposition d’une élaboration conceptuelle de « profils vocaux éducatifs »
The subject of the study is the singing activity of teachers in French music education. The study poses the following question: how should the teacher sing? Three important subjects inform the answer. The first Book considers literature on the teacher’s singing voice. This voice is in the first place a legitimate vocal model ; but this in itself is problematic in the context of mass education. So the voice strives to take on a vocality better suited to the teaching environment. The conclusion of the first book is that it is aesthetic choices that prevail in everything relating to vocality in music teaching. Book II tries to explain the reasons for the paradoxes which are inherent in the teacher’s singing. It analyses the socio-historical and didactic factors which make music education such a particular activity as it is grounded both in traditional representations of singing and in educational concepts. Book Three shows just how present aesthetic choices are, and how they affect the way teachers adapt them to their teaching purposes. The stylistic features of various repertoires used are studied and the sound of music teachers’ voices is analysed. This enables us to show that the way a teacher sings plays a vital role in their teaching. As a result of this research we have drawn up a conceptual proposal for ‘educational vocal profiles’

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Schmitz, Theresa Maria Karolin. « L'opéra pour enfants. : une étude interdisciplinaire de la création musicale à destination de l'enfant-spectateur ». Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0104.

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Résumé :

Cette recherche propose de s'interroger sur le monde de l'opéra pour enfants: quelle place la création musicale pour l'enfant a-t-elle dans les institutions lyriques, dans la création contemporaine et dans la vie des enfants? Dans la première partie, une analyse comparative des pratiques existantes vise à établir l'état des arts du monde de l'opéra pour enfants en Europe ainsi que les circonstances de l'avènement d'une forme du genre, celle destinée à l'enfant exclusivement spectateur. Il s'agit de mettre en parallèle les thèses de la nouvelle sociologie de l'enfance, le phénomène de la démocratisation culturelle et le discours des maisons d'opéras pour en décrire les enjeux artistiques, pédagogiques et socio-politiques. À partir de sept opéras créés entre 2001 et 2010, la deuxième partie s'interroge sur la question du genre lui-même: quelles sont les différences entre la création lyrique pour enfants et la création d'un opéra «général » ? Cette analyse musicologique permet d'identifier quelques caractéristiques centrales de l'opéra pour l'enfant-spectateur. La troisième partie sera consacrée à l'étude de la réception des œuvres du corpus par plus de 600 enfants âgés de 4 à 12 ans. Ces données sont analysées à partir du monde de l'enfant tel qu'il se présente aujourd'hui en Allemagne, Autriche, Italie, France et au Royaume-Uni. En conclusion, ces ethnographies montrent que l'opéra pour enfants est une expérience exceptionnelle pour les enfants. C'est en partie pour cette raison que les enfants réservent un accueil majoritairement positif au genre opéra. L'opéra pour enfants devient alors un ambassadeur ludique innovant et non conventionnel de l'opéra en général
The present research aims to evaluate the world of children's opera: what meaning do music productions for young audiences have for opera houses, for contemporary music "and for children's lives? First, a comparative analysis focusing on existing practices aims to describe the children's opera world in Europe, as well as to outline socio-cultural and political circumstances which led to this specific form of the operatic genre: productions for young audiences. A confrontation of theories developed by the new sociology of childhood, the phenomena of cultural democratization, and the discourse of the opera houses themselves reveals the artistic, pedagogic and socio-political meaning of children's operas. A rnusicological analysis of 7 children's operas premiered from 2001 to 2011 outlines the central question of the genre: are there any differences in composing and staging for children as compared to a general audience? This second part of the thesis presents some of the key features of children's operas. Finally, several ethnographies look at the experience of more than 600 children aged 4 to 12 when faced with these 7 operas. The collected data is analyzed by considering children's worlds and cultures in Western Europe (Germany, Austria, Italy, France and UK). To conclude, these ethnographies show that operas for young audiences are a positive experience for children. This is why they generally welcome a genre (opera) and a type of music (contemporary art music) which typically suffers from negative stereotypes. Thus, children's operas become a playful ambassador, innovative and non-conventional, of the opera genre

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Baptiste, Jessel Nadine. « La communication musicale et le Braille : un système d'apprentissage assisté par ordinateur pour l'harmonie pouvant être utilisé par des non voyants ». Toulouse 3, 1990. http://www.theses.fr/1990TOU30185.

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Résumé :

Notre projet consiste a concevoir et a realiser un systeme permettant de creer et de suivre un cours d'harmonie musciale. Deux modes de saisie sont a la disposition des utilisateurs: un mode graphique s'adressant aux voyants et un mode style question-reponse s'adressant aux non-voyants. Ces derniers disposent aussi d'un logiciel de transcription de partitions en braille. Le systeme utilise quatre modules independants: 1) le module de saisie d'une partition genere simultanement le code interne des elements de la partition. Ce module peut independamment etre utilise soit par le systeme d'apprentissage de l'harmonie soit pour saisir une partition; 2) le module de reconstitution graphique permet a partir du code interne de visualiser ou d'imprimer la partition sous forme graphique. Il sera utilise soit pour verifier la saisie soit pour fournir une partition a un voyant; 3) les modules constituant le systeme d'apprentissage utilisent des notions d'intelligence artificielle. Ainsi il est possible de controler la composition harmonique d'un eleve et de le guider dans son travail a l'aide de regles qui lui seron enoncees. Les accords employes ou la ligne melodique a harmoniser sont stockes dans la base de faits. L'analyse des reponses se fait grace a un moteur d'inference qui a partir de la base des faits et regles valide ou non les reponses de l'eleve le module de transcription de la musique en braille est operationnel

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Suissa, Dédé. « Langage et apprentissage en éducation musicale à l'école et en formation professionnelle : un exemple dans une situation de production sonore et d’analyse auditive ». Thesis, Bordeaux, 2016. http://www.theses.fr/2016BORD0366/document.

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Résumé :

A l’heure actuelle, des didacticiens des diverses disciplines s’interrogent sur les pratiqueslangagières mises en oeuvre pour penser, pour négocier des significations et stabiliser dessavoirs au sein des contextes scolaires (Jaubert, Rebière). Participant à cette recherche enéducation musicale, l’objet de cette étude porte sur l’analyse de « l’outil » langage (oral etécrit), à la fois linguistique et musical, dans l’acquisition des connaissances des élèves del'école et/ou des étudiants pour le professorat des écoles. Il s’inscrit dans une perspectivehistorique et culturelle, qui voit dans le langage un outil de conceptualisation
At the moment, didacticiens of the diverse disciplines wonders about the linguistic practicesoperated to think, to negotiate meanings and stabilize knowledges within the school contexts(Jaubert, Rebière). Participating in this research in musical education, the object of thisstudy concerns the analysis of " the tool " language (oral and paper), at the same timelinguistic and musical, in the acquisition of the knowledge of the pupils of the school and thestudents for the teaching profession of schools. It joins in a historical and culturalperspective, which sees in the language a tool of conceptualization

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Lerner-Sei, Sophie. « Le professeur d'éducation musicale au collège : entre le soi-musicien et le soi-enseignant : étude clinique du rapport de l'enseignant à l'objet de sa discipline ». Thesis, Paris 10, 2009. http://www.theses.fr/2009PA100013.

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Résumé :

L’auteur tente de saisir les processus mis en œuvre dans le rapport intime que l’enseignant entretient avec sa discipline d’enseignement, ici l’Éducation musicale dans le second degré. Le travail s’inscrit dans une approche d’orientation psychanalytique ; l’auteur, questionnée par son propre rapport à la musique qu’elle relie à une thématique identitaire, s’appuie sur ses élaborations contre-transférentielles pour faire émerger le cadre théorique et conceptuel à partir duquel elle construit ses questions de recherche. Le document s’organise en quatre parties. En guise de prologue, elle propose une lecture clinique d’un récit, entre mythe et réalité, point de départ du questionnement de recherche qu’elle développera dans une première partie. La deuxième partie est consacrée à l’Éducation musicale en tant que discipline d’enseignement présentée dans une approche socio-historique et institutionnelle afin de pointer les questions vives que soulève son enseignement. Une lecture clinique des programmes officiels (1997) complète cette présentation. Dans la troisième partie, l’analyse de quatre entretiens réalisés auprès de professeurs d’Éducation musicale permet d’inférer comment ces derniers s’organisent psychiquement pour concilier lien à la musique et lien didactique étudiés sur les registres objectal et narcissique. En guise de conclusion, elle propose l’analyse d’une situation didactique issue de sa propre expérience, analyse qu’elle a pu réaliser grâce à des élaborations de sa pratique, ce qui l’amène à soutenir la nécessité de proposer aux enseignants, au cours de leur formation continue, des dispositifs d’accompagnement clinique de leur pratique professionnelle
The author tries to seize the processes at work in the intimate link developed by a teacher with his/her academic subject, in the present case musical education in secondary schools. The study is built on a psychoanalytically-oriented approach. Questioning her own link to music, a matter of identity, the author sets the theoretical and conceptual background upon which she develops her research questions by working through counter-tranferential elements. The paper is organized in four parts. In the prologue, between myth and reality, the author presents a clinical reading of a story that launches the questions dealt with in the first part, the cornerstone of the encounter between two types of listening : musical and clinical. The second part is dedicated to musical education as an academic subject from a socio-historical and institutional point of view, highlighting the delicate issues raised by it's teaching. A clinical reading of the national curriculum for music (1997) complements this presentation. In the third part, interviews with four junior high school music teachers' are analyzed. From these it can be infered how teachers, psychically speaking, reconcile their link to music with the didactical link, through a study in object-relation and narcissistic modes. To conclude, the author analyzes a didactical situation she has experienced in her own practice and that has been worked through. This leads her to consider as a necessity to offer to teachers the possibility, on a continuous training basis, of benefiting from clinical support devices for their professional pratice

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Pacault, Daniel. « [Le sãs] de la musique : contradictions et paradoxes de la pratique musicale instituée : le cas d'un cours individuel de piano ». Pau, 2008. http://www.theses.fr/2008PAUU1008.

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Résumé :

La question de l’enseignement de la musique dans les conservatoires se trouve régulièrement posée. L’art doit-il être au service des élèves, ou à l’inverse les élèves doivent-ils se soumettre aux règles de l’art ? Il semblerait qu’aucune réponse définitive ne puisse trancher ce débat. Face à cette contradiction, les élèves, les enseignants et l’institution ne sont-ils pas dans une posture paradoxale, confrontés à une antinomie d’où émerge un choix impossible ? Comment sortir de ce dilemme ? Pour cela, nous interrogerons la musique même, à travers un jeu de mots sur [lesãs] de la musique, entre les sens et l’essence de la musique. Nous étudierons les sens de la musique, à travers ses trois sens : sa signification avec le langage, sa direction avec la sociologie, sa sensation avec la phénoménologie. Cette quête donnera-t-elle du sens à la musique, nous permettant de dénouer les situations paradoxales que la musique génère ? Dans une deuxième partie, nous essaierons d’aller au plus près de la musique, en couchant sur le papier son bruit, à l’égal de la graphie [lesãs] qui restitue la musique des mots « les sens » et « l’essence ». A cet effet, nous retranscrirons sous forme de partition l’enregistrement d’un cours de piano, et nous essaierons de mettre en lumière ce qui se joue entre un professeur et son élève. Comment ces deux personnages entendent-ils la musique à travers le chant du piano ? Pour finir, nous découvrirons à l’improviste que le paradoxe du musicien peut se dénouer par la pratique de l’improvisation, mitan incontournable entre expression et interprétation. Ne serait-ce pas dans l’improvisation que se logerait l’essence de la musique ?
Teaching music in school academies has always been a recurrent issue. Is art meant to serve the learners' purpose or conversely, do learners have to comply to the rules of art ? There seems to be no clearcut decision that could close this debate. Since they have to face such a contradiction, learners, teachers and institution seem to be in a paradoxical and antinomic position which makes it hard to settle the matter. How can they solve such a dilemma ? With this aim in view, we will question music itself, using a play on words about the "säs" of music, something between the sense and the essence of music. We will study the sense of music through its three different meanings: its very meaning as regards language, its perspective as regards sociology, its sensation as regards phenomenology. Will this research, by giving some meaning to music, enable us unravel the paradoxical situations generated by music ? In a second part, we will attempt to get as close as possible to music by laying its sound on paper exactly like the written form (le säs) which perfectly renders the music heard in the words "sense" and "essence". For this purpose, we will translate the recording of a piano lesson into a score and we will attempt to reveal what is being woven between a teacher and his pupil. How do these two persons hear the music through the song of the piano ? And finally, we will unexpectedly find out that the musician's paradox can be solved through the practice of improvisation, thein-between, essential to expression and interpretation. In a sense, the essence of music might be hidden in the dephs of improvisation?

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Sarrouy, Alix Didier. « Acteurs de l’éducation musicale : ethnographie comparative entre trois núcleos qui s’inspirent du programme El Sistema au Venezuela, au Brésil et au Portugal ». Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA032/document.

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Résumé :

El Sistema est le nom d’un programme vénézuélien de formation à travers la musique symphonique. Au bout de quarante ans d’existence le nombre d’élèves est impressionnant, de toutes classes sociales. Imité dans plus de 60 pays, El Sistema est une référence mondiale pour l’utilisation de l’art musical comme instrument d’éducation personnelle et sociale auprès des populations de quartiers défavorisés socio-économiquement. Néanmoins, il existe une grande lacune quant à la recherche en sciences sociales sur ce qui est réellement fait au Venezuela et dans les pays qui s’inspirent d’El Sistema.Nous participons à combler cette lacune en appliquant des méthodologies ethnographiques sous un regard sociologique. Pour cela nous avons focalisé la recherche sur l’unité de base d’El Sistema – le núcleo. Il s’agit d’un espace physique, comme une école, où se regroupent des acteurs (élèves, professeurs, parents…) pour des cours de musique au quotidien, en suivant les principes et les méthodes d’El Sistema. Cet enseignement est gratuit et les instruments sont prêtés aux élèves.La double-question posée est : comment se déroulent les actions dans le núcleo et quel est le rôle de chaque type d’acteur qui le constitue ? Pour tenter de répondre à ces questions générales, qui seront approfondies au long de la thèse, nous proposons une analyse comparative entre trois núcleos de trois pays différents : Venezuela, Brésil, Portugal. Dans ces deux derniers, nous avons choisi des programmes de formation musicale inspirés par l’El Sistema vénézuélien : le Neojiba au Brésil ; l’Orquestra Geração au Portugal.Dans chaque programme, nous avons choisi un seul núcleo comme unité d’analyse. C’est donc une recherche multi-située, où sont appliquées des méthodologies qualitatives : observation ethnographique ; entretiens semi-directifs, focus-groups. L’analyse comparative n’est pas normative, elle sert ici à provoquer la pensée grâce aux différences et aux similarités entres les trois núcleos, ce qui complexifie la recherche. Dans les trois terrains de recherche, l’ethnographie est centrale, quotidienne et très intense, pour que l’on puisse illustrer le rôle de chaque type d’acteur dans les núcleos. Nous cherchons à comprendre quelles actions individuelles et collectives se développent dans chaque contexte. C’est le coeur de cette thèse : révéler le plus d’aspects empiriques possibles des núcleos et sous divers angles complémentaires.Pour comprendre les actions dans les núcleos nous avons besoin d’élargir l’analyse, en y intégrant les contextes sociaux, économiques et politiques qui les enveloppent. Les facteurs qui semblent externes ont, eux aussi, beaucoup d’impact sur les actions de chaque acteur et, en conséquence, sur les résultats atteints à travers l’éducation musicale dans les núcleos
El Sistema is the name of a Venezuelan educational program that uses symphonic music as a tool. After forty years of existence, the numbers of students have increased impressively from all social classes. Reproduced in more than 60 countries, today El Sistema is a worldwide reference in the use of musical art as a tool for personal development and social education among populations living in socioeconomically disadvantaged neighbourhoods. Yet, there is a gap in social science research on what is really done in Venezuela and in the countries that have been inspired by it.We intend to fill in this gap by applying ethnographic methodologies under a sociological eye. For that, we focus the research on the basic unit of El Sistema – the núcleo. The núcleo is a physical space, like a school, where social actors (students, teachers, parents…) get together for daily music classes, following principles and methods of El Sistema. The lessons are free and the instruments are lent to the students.The starting double-question we ask is: how do the actions progress in a núcleo and what is the role of each of these actors? To answer these questions, we suggest a comparative analysis between three núcleos in three countries: Venezuela, Brazil and Portugal. In the last two, we chose musical education programs inspired by the Venezuelan El Sistema: Neojiba in Brazil and Orquestra Geração in Portugal.In each program, we chose one núcleo as a unit of analysis. It is, therefore, a multi-situated research, in which we apply qualitative methodologies: ethnographic observation, semi-structured interviews and focus-groups. The comparative analysis is not normative. Instead, it is a way to complexify, to provoke the researcher’s thinking using the differences and the similarities between the three núcleos. In our fields of research, ethnography is central, carried out daily in a very intense paste, aiming at capturing and illustrating the role of each actor in the núcleo. We want to understand which individual and collective actions are developed in each context. The heart of this thesis is to reveal as many empirical aspects of the núcleos as possible, through diverse complementary angles.To understand the actions in the núcleos we extend the analysis by incorporating the social, economical and political contexts surrounding them. The factors that seem external also have impacted on the actions of each actor and, in consequence, on the results obtained through musical education in the núcleos

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Pomerleau, Turcotte Justine. « État de l'enseignement de la formation auditive en contexte extrascolaire offert aux enfants de 6 à 12 ans, au Québec ». Master's thesis, Université Laval, 2016. http://hdl.handle.net/20.500.11794/27457.

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Résumé :

Ce projet a pour but de dresser un portrait de l’enseignement de la formation auditive (FA) en milieu extrascolaire offert aux enfants de 6 à 12 ans au Québec. Un questionnaire en ligne complété par 147 professeurs a permis de récolter des informations sur les activités réalisées avec les élèves, leurs perceptions à propos de l’apprentissage et de l’enseignement de la formation auditive, ainsi que sur leur utilisation des technologies et des stratégies qu’ils proposent aux élèves lorsqu’ils réalisent des dictées musicales. De façon générale, les résultats obtenus permettent d’en savoir davantage sur la façon dont la FA est enseignée aux enfants au Québec, et sur les besoins des professeurs. Plus précisément, ces réponses obtenues mettent en lumière que les professeurs interrogés ont, pour la plupart, une conception traditionnelle de la pédagogie de la formation auditive. Une majorité des professeurs questionnés ont vécu une expérience positive de leur propre apprentissage de la FA, et ont une perception positive de l’enseignement de cette matière. De plus, ces professeurs semblent peu utiliser les technologies pour enseigner la FA, et ceux qui néanmoins les utilisent sont davantage les hommes, ceux n’enseignant pas le piano, de même que ceux ayant une perception plus négative de leur apprentissage de la FA ou des ressources disponibles pour l’enseigner. Finalement, le choix des stratégies pour enseigner la dictée musicale est corrélé avec des caractéristiques sociodémographiques, avec le vécu des professeurs pour l’apprentissage de la FA et avec leur perception pour l’enseignement de cette matière. Mots-clés : formation auditive, dictée musicale, enfants, milieu extrascolaire, stratégies, technologies.
The goal of this project is to draw a portrait of aural skills (AS) teaching to children between 6 and 12 in studios, in Quebec. An online survey completed by 147 teachers gave insights about the activities made with their students, their perceptions of learning and teaching of AS, their use of technology, and the strategies they propose to their students during musical dictations. The results lead to a better understanding of the way AS are taught in Quebec, and of the teachers’ needs. More precisely, the data highlights the fact that most of the surveyed teachers have a rather traditional conception of AS pedagogy. A majority of participants have a positive perception of their own learning of AS and of its teaching. Furthermore, they do not use technologies a lot when teaching AS, and those who use them most are men, people who teach another instrument than piano, and those who have a negative perception of their learning experience of AS and of the resources currently available to teach it. Finally, the strategies chosen by the respondents to teach musical dictation are correlated with sociodemographic characteristics, learning experience of AS, and the perception of its teaching. Keywords: aural skills, musical dictation, children, instrumental teaching, strategies, technologies.

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Habellion, Dominique. « L'objet-exposition "Sonolithe" de Louis Dandrel (1991) : un outil pédagogique patrimonial d'éducation à l'écoute en lien avec l'écologie sonore ». Thesis, Limoges, 2015. http://www.theses.fr/2015LIMO0105/document.

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Résumé :

Louis Dandrel, né en 1939, est musicien, compositeur et designer sonore. En 1991, il conçoit pour le grand public une « exposition de sons » intitulée « Sonolithe ». Son objectif est de faire évoluer les représentations et les rapports que l’individu peut avoir avec son environnement sonore. Après avoir fait traduire en français le célèbre ouvrage de R. Murray Schafer Le paysage sonore (1979), Louis Dandrel préface la seconde édition de 2010. Dans de nombreuses interviews et conférences il réaffirme l’influence décisive de Murray Schafer sur son travail. Partant de ce double constat qui devient une double hypothèse, à la fois pédagogique et musicologique, cette recherche tente d’abord de déterminer dans quelle mesure l’objet-exposition « Sonolithe » peut s’intégrer au cadre théorique de l’ « écologie sonore » tel qu’il est défini par R. Murray Schafer et ses successeurs. Dans un second temps, à partir de l’orientation pédagogique souhaitée par Louis Dandrel, cette étude examine l’objet-exposition comme un dispositif didactique possible
Louis Dandrel was born in 1939. He is a musician, a composer and a sound designer. In 1991, he imagined a « sound exhibition » for the general public entitled « Sonolithe » in order to make people’s perceptions of the sound environment evolve. After being one actor of the translation of R. Murray Schafer’s famous book The soundscape (1979), Louis Dandrel wrote the preface of the second edition in 2010. In many interviews and conferences he reaffirms the decisive influence of Murray Schafer on his work. This thesis is based upon a double statement which becomes a double hypothesis, both musicological and pedagogical, so as to try and determine to what extent the exhibition-object « Sonolithe » can be integrated into an « acoustic ecology » theoretical framework, as defined by R. Murray Schafer and his followers. Secondly, this thesis tries to examine the exhibition-object as part of a possible didactical system, building on Louis Dandrel’s pedagogical positioning

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Cruz, de Menezes Ruth. « University music students' use of cognitive strategies in transcribing figured bass dictation and the possible influence of memory span on their performance ». Doctoral thesis, Université Laval, 2021. http://hdl.handle.net/20.500.11794/69239.

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Résumé :

Les compétences auditives musicales développées, en partie, pendant les cours de formation auditive (FA),sont essentielles à la formation des musiciens afin d'accroître l'écoute intérieure (Rogers, 1984). Plusieurs auteurs s'accordent sur l'importance d'un bon développement de l'oreille comme base de tout progrès et activité musicale, telles que l'écoute et l'interprétation (Elliot 1993; Hallam et Bautista, 2012; Karpinski, 2000; King et Brook, 2016; Lake, 1993; Langer; 1953; McPherson, Bailey et Sinclair, 1997; Rogers, 1984; Rogers 2013; Upitis, Abrami, Varela, 2016). La transcription d'une dictée musicale étant l'un des moyens les plus utilisés pour développer l'écoute intérieure s'avère un défi pour de nombreux étudiants en difficulté (Cruz de Menezes, 2010;Hedges, 1999; Hoppe, 1991). Malgré l'importance de cette tâche, les processus sous-jacents à leur résolution ne sont pas encore bien compris, en particulier ceux reliés à la dictée de basse chiffrée. Cela pose un défi constant aux enseignants. Une meilleure compréhension des processus mentaux des apprenants engagés lors des tâches de dictée de basse chiffrée et de la façon dont les élèves les déploient pourrait apporter des solutions aux enseignants. De tels connaissances pourraient indiquer les approches pédagogiques à privilégier et les stratégies s'avérant efficaces pour aider les élèves à surmonter leurs difficultés. Afin de combler les lacunes dans ce domaine, cette recherche a été élaborée pour atteindre six objectifs principaux: a) énumérer les stratégies utilisées par les étudiants au début de leur formation universitaire; b) catégoriser les stratégies; c)identifier les stratégies les plus utilisées et les plus efficaces; d) analyser d'autres facteurs cognitifs qui peuvent influencer l'utilisation des stratégies, tels que la capacité de mémoire de travail auditive musicale et non musicale; e) analyser l'incidence de l'utilisation des stratégies et d'autres variables sur le degré de performance des dictées; f) vérifier si les stratégies et les résultats des dictées changent après une session de cours de FA. Pour atteindre ces objectifs, 66 étudiants débutant leur cours de musique universitaire ont participé à cette étude. Ils ont décrit les stratégies utilisées lors de la résolution de dictées harmoniques, passé deux tests de mémoire (musical et non musical) et répondu à un questionnaire afin de récolter des informations de base telles que leur sexe, leur instrument, leur style musical et la durée de leurs études musicales. D'une part, cette recherche a permis de répertorier et de catégoriser les stratégies utilisées pour résoudre les dictées de basse chiffrée de manière approfondie. D'autre part, à l'aide de corrélations, analyses de variances et de covariance, régressions et tests-t, cette étude a permis de comprendre le lien qui existe entre les stratégies et le degré de performance pour la résolution de dictées de basse chiffrée et de vérifier si l'utilisation des stratégies et les résultats des dictées ont changé dans le temps, après avoir suivi des cours de FA universitaire. De plus, nous avons vérifié la relation qui existe entre le degré de performance pour ce type de dictées et les capacités des mémoires auditives (musicale et non-musicale) et avec d'autres variables telles que l'instrument et l'âge de début des études musicales. Cette thèse est organisée en quatre chapitres : le chapitre 1 présente une revue de la littérature; Chapitre 2, la méthodologie; Chapitre 3, toutes les analyses qualitatives et quantitatives effectuées en réponse aux questions de recherche; et le dernier chapitre, discussion des résultats et conclusion.
Music aural skills, partly developed during ear training (ET) courses, are fundamental to musicians' training in order to develop inner audition (Rogers, 1984). Authors agree about the importance of a good ear development as the basis for all musical progress and activities, such as listening and performing (Elliot 1993; Hallam & Bautista, 2012; Karpinski, 2000; King & Brook, 2016; Lake, 1993; Langer; 1953; McPherson, Bailey & Sinclair, 1997; Rogers, 1984; Rogers 2013; Upitis, Abrami, Varela, 2016). Musical dictation transcription, being one of the most used ways to develop inner audition is a challenge to be faced by many students in difficulty (Cruz de Menezes, 2010; Hedges, 1999; Hoppe, 1991). Despite the importance of this task, the underlying processes are not yet fully understood, especially those related to figured bass dictation. This poses an abiding challenge for teachers. A better understanding of students' mental processes engaged during dictation tasks, and how students deploy such processes, could provide teachers with solutions. Results might suggest which pedagogical approaches to privilege, and which strategies might be effective to help students overcome their difficulties. To fill the gap in this field, this research was elaborated with six main objectives: a) list and count the strategies used by students at the beginning of their university education; b) categorize strategies; c) identify the most used and the most effective strategies; d) analyze other cognitive factors that may influence the use of strategies, such as musical and non-musical auditory memory span; e) analyze the impact of strategy usage and other variables on dictation performance levels; f) evaluate whether the dictation strategies and dictation results change after one ET course session. To reach these objectives, 66 students starting first year university music courses participated in this study. They described their strategies used during figured bass dictations, took two memory tests (musical and non-musical) and answered a questionnaire to indicate their gender, instrument, musical genre, and details about the duration of their musical studies. Firstly, this research allowed us to list and categorize the strategies used to solve figured bass dictations in a thorough way; Secondly, using correlations, analyses of variance and covariance, regressions, and T-tests, this study enabled us to understand the relationship of strategies to performance in harmonic dictation; and to verify if the use of strategies and performance in dictation changed over time, after taking university ear training courses. Moreover, we verified the relation between the performance in dictation and auditory capacities, as well as other variables such as instrument and age at start of musical studies. This thesis is organized into four chapters: Chapter 1 presents a literature review; Chapter 2, the methodology; Chapter 3, all qualitative and quantitative analyses done in response to the research questions; and at last, the discussion of results and conclusion.

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Lecocq, Aurélie. « Génèse et évolution des compétences des élèves à la fin de l'école maternelle : éléments d'analyse à partir de données de panel et d'une expérimentation musicale ». Phd thesis, Université de Bourgogne, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00994721.

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Résumé :

Nous nous proposons d'étudier, dans cette thèse, une question essentielle et relativement peu traitée dans les recherches françaises en sciences de l'éducation, elle concerne la genèse des acquisitions des élèves et leur évolution au cours de la scolarité. En nous appuierons sur la mobilisation des données longitudinales (panel 1997) ainsi que sur la mise en œuvre d'une expérimentation musicale à l'école maternelle, nous chercherons à répondre à ces questions : Comment se structurent et évoluent les premiers apprentissages des élèves dans le contexte scolaire et socioéconomique ? En quoi les capacités cognitives des élèves ont un impact sur leurs performances scolaires ? Est-ce que des activités spécifiques peuvent avoir un effet positif sur les compétences scolaires, via un accroissement des capacités cognitives ? Des analyses implicatives menées sur les données du panel ont mis en évidence la hiérarchisation des compétences des élèves et l'importance des capacités cognitives sur leur rendement scolaire. La revue de littérature regorge d'exemples probants qui attestent qu'il est possible d'accroitre les performances scolaires des élèves en développant certaines de ces capacités cognitives, et que la musique est un outil particulièrement efficace en ce sens. Nous avons donc cherché à tester empiriquement l'impact de la musique sur les capacités cognitives et sur les performances scolaires des élèves en effectuant une recherche expérimentale. Elle repose sur une méthodologie robuste qui garanti la validité des résultats qui en sont issus. Si les résultats des analyses de différence de différences, confirmés par les modèles de réponse à l'item, sont peu concluants quant à l'impact de la musique sur les progressions des capacités cognitives, nous avons montré et vérifié via le modèle d'Heckman que le traitement expérimental a un effet sur les performances scolaires des élèves.

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Giorgio, Maurizio. « Salience concept in auditory domain with regard to music cognition ». Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100099/document.

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Résumé :

Le travail de recherche examine plusieurs problématiques relatives à la perception, la représentation et la catégorisation des stimuli musicaux durant l’écoute. Nous souhaitons enquêter ces processus cognitifs dans le cadre des différentes approches théorétiques présentes dans la littérature scientifique internationale. En particulier, la thèse s’est focalisée sur le processus de segmentation perceptif du morceau pendant l'écoute, et a analysé au moyen de deux expériences comportementales, les différents rôles des nombreuses caractéristiques structurelles et dynamiques dans le développement de la représentation de la composition musicale par Pauditeur. Ils sont aussi considérés les variables liées au musicien et à l’écouter. Les données expérimentales obtenues sont étudiées en relation avec les modèles modernes de auditory map of salience, et parallèlement, avec les modèles plus spécifiques de segmentation développés pendant ces trente dernières années dans la cadre de la psychologie cognitive de la musique. Pour les expériences on a utilisé un paradigme de segmentation musical avec deux écoutes de morceaux atonales et un ordre balancé de présentation. Les résultats expérimentaux démontrent que la carte de saillance n'est pas une trame immuable pouvant être remplie avec des combinaisons de caractéristiques du stimulus. Au contraire, elle peut être modulée par la répartition de l'attention « goal directed » il travers, par exemple, une modulation des seuils perceptifs spécifiques pour certaines caractéristiques
This research examines several issues related to the collection, representation and the categorization of musical stimuli during the listening. We investigate these cognitive processes in the with reference to the different theoretical approaches existing in the international scientific literature. In particular, the thesis focuses on the process of perceptual segmentation of musical pieces during the listening. Two behavioral experiments allow analyzing the different roles of many structural and dynamic features in the development of the listeners’ representation of the music. Experiments take into account also the variables related to the musician and the listener. The experimental data obtained are discussed with regard to the current models of auditory map of salience, as well as with models of music segmentation models. In the paradigm of musical segmentation we used subjects have to hear and segment two versions of an atonal piece. Order of presentation is balanced across participants. The results demonstrate that the saliency map is not an immutable frame deriving only from the features of the stimuli. On the opposite, it can be modulated by goal-directed attention through, for example, modulation of specific perceptual thresholds for certain characteristics

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Chobert, Julie. « Influence de l'apprentissage musical sur le traitement des syllabes chez des enfants normolecteurs et dyslexiques ». Thesis, Aix-Marseille 2, 2011. http://www.theses.fr/2011AIX20678.

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Résumé :

Mon thème de recherche est d’étudier l’influence de l’apprentissage de la musique sur le traitement acoustique et phonologique de la syllabe chez des enfants normolecteurs et dyslexiques. Dans ce but, j’ai conduit plusieurs expériences basées sur l’utilisation conjointe des méthodes issues de la psychologie expérimentale (Temps de Réaction, TRs, et pourcentage d’erreurs, %err) et de l’électrophysiologie chez l’homme (Potentiels Evoqués, PEs). En comparant des enfants musiciens et non-musiciens de 9 ans, j’ai d’abord testé les effets de l’expertise musicale sur les traitements attentif (TRs et %err) et pré-attentif (en utilisant la Mismatch Negativity, MMN) de paramètres acoustiques, fréquence et durée des syllabes, et d’un paramètre phonologique, le Voice Onset Time (VOT; Expérience I). Les résultats montrent que l'expertise musicale améliore les traitements pré-attentif et attentif de la durée et du VOT dans les syllabes et le traitement attentif des variations de fréquence. Dans une seconde étude, j’ai utilisé la MMN pour comparer le traitement de ces mêmes paramètres chez des enfants dyslexiques et normolecteurs. Les enfants dyslexiques montrent un déficit du traitement de la durée des syllabes et du VOT comparés aux enfants normolecteurs. Enfin, dans les deux dernières études, j’ai utilisé la méthode longitudinale pour tester l’influence de l’apprentissage de la musique sur le traitement pré-attentif (MMN) de ces mêmes paramètres chez des enfants normolecteurs (Expérience III) et dyslexiques (Expérience IV). Les résultats de l’Expérience III montrent que 12 mois d’apprentissage de la musique améliorent le traitement pré-attentif de la durée et du VOT chez les enfants normolecteurs. En reproduisant les effets trouvés dans l’Expérience I, ces résultats soulignent que l’avantage mis en évidence chez les enfants musiciens ne résulterait pas uniquement de prédispositions génétiques pour la musique mais serait causalement lié à l’apprentissage musical. Enfin, les résultats de l’Expérience IV montrent que 6 mois d’apprentissage de la musique améliorent le traitement pré-attentif du VOT chez les enfants dyslexiques, suggérant que l’apprentissage musical pourrait être utilisé comme une aide à la remédiation de la dyslexie.Pris dans leur ensemble, ces résultats démontrent une relation forte entre traitements acoustique et phonologique. L’apprentissage de la musique, en améliorant la sensibilité des enfants aux paramètres acoustiques dans la musique et dans le langage (processus communs), augmenterait également leur sensibilité aux paramètres phonologiques associés et permettrait ainsi la construction de représentations phonologiques plus robustes (transfert d’apprentissage de la musique vers le langage)
My research is aimed at studying the influence of musical training on the acoustic and phonological processing of syllables in children with dyslexia and in normal-reading children. To this aim, I conducted several experiments by using methods issued from experimental psychology (Reaction Times, RTs, and error rates, %err) and from human electrophysiology (Event-Related brain Potentials, ERPs)By comparing 9-year-old musician and non-musician children, I first tested for the effects of musical expertise on attentive (RTs and %err) and preattentive processing (by using the Mismatch Negativity, MMN) of the acoustical parameters, frequency and duration, of syllables and of a phonological parameter, the Voice Onset Time (VOT; Experiment I). Results showed enhanced preattentive and attentive processing of syllables’ duration and VOT in musicians compared to nonmusician children. Secondly, I compared the processing of these same parameters in dyslexic and normal-reading children (Experiment II) by using the MMN. Results revealed that children with dyslexia showed deficits for the processing of duration and VOT in syllables compared to normal-readers. Finally, in the last two studies, I used the longitudinal method to test for the influence of musical training on the processing of the same acoustic and phonological parameters of syllables, in normal-reading children (Experiment III) and in children with dyslexia (Experiment IV). Results of Experiment III showed that 12 months of musical training enhanced duration and VOT processing in syllables, thereby demonstrating that the effects of musical expertise shown in Experiment I are not likely to only result from specific genetic predispositions for music but are causally linked to musical training. Finally, results of Experiment IV revealed that 6 months of musical training in children with dyslexia enhanced their sensitivity to VOT processing, suggesting that musical training could be an aid for the remediation of dyslexia.These results highlight the relationship between acoustical and phonological processing. Musical training, by refining the acoustical network responsible for the acoustic processing in music and speech sounds (common processing) also enhances sensitivity to phonological associated features and, consequently, the building-up of more robust phonological representations (transfer of training effect from music to language processing)

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Roth, Raphaël. « Bande originale de film, bande originale de vie : pour une sémiologie tripartite de l'emblème musical : le cas de l'univers Disney ». Phd thesis, Université d'Avignon, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00987167.

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Résumé :

Cette thèse présente les résultats d'une recherche sur la musique au cinéma et la prolongation de l'expérience cinématographique en dehors de l'espace et du temps du dispositif cinématographique par l'écoute de la bande originale du film. Plus particulièrement elle aborde la bande originale du film en tant que musique emblématique de l'univers filmique. Elle instruit une réflexion sur la place de la musique dans nos vies et sa capacité à créer et recréer des expériences esthétiques du quotidien. A partir de la tripartition sémiologique développée par Jean Molino, nous proposons d'appréhender la bande originale de l'univers Disney depuis les conditions et le contexte de sa production d'abord, c'est-à-dire au niveau "poïétique ". Nous procédons à l'analyse de l'univers filmique et musical ensuite en nous plaçant au niveau " neutre " de l'œuvre. Enfin, par le biais d'une enquête par questionnaire dans le cadre d'un protocole de recherche expérimental nous analysons la réception de la bande originale de film à son niveau " esthésique ". Le mickeymousing, technique cinématographique définissant la ponctuation narrative des mouvements par la musique, est appréhendé comme une forme d'esthétisation du réel. Entre synchronisation, emblème et réel esthétisé cette recherche porte, in fine, sur l'esthétisation cinématographique du quotidien par la musique. De la bande originale de film à la bande originale de vie, les fonctions emblématiques de la musique sont décrites par une ethnographie de la musique au quotidien (festivals, trains, Disneyland, rayons des disquaires).

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Borne, Leonardo da Silveira. « Trabalho docente na educação musical a distância : educação superior brasileira ». reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2011. http://hdl.handle.net/10183/34141.

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Résumé :

Cette recherche envisage de connaître et de comprendre les pratiques des enseignants, développées par des professeurs universitaires en musique, dans le contexte de l'EAD (éducation à distance), à partir des perceptions de leurs pratiques. Des entretiens semi-structurés ont été réalisés avec huit professeurs qui travaillent dans l'enseignement à distance, niveau Licence de musique, en donnant seulement des cours à distance ou pas. Les discours de ces professeurs ont été analysés dans le but d'articuler les incidents communs entre eux, à partir de treize axes d'analyse. Les réflexions sur ces axes est fondée à partir de la pratique d'enseignement de différents auteurs, notamment Tardif et Lessard (2008), et d'écrits sur l'éducation à distance. La recherche de la compréhension du savoir-faire de l'enseignant, nous montre qu'il faut prendre en compte deux aspects dans les pratiques musicales à distance : les actions et les interactions. Ces aspects reflètent une multiplicité des facteurs d'influence sur la pratique d'enseignant dans l'EAD : les possibilités et les limitations de la technologie, des objets et de l'ambiance virtuelle de l'apprentissage; la formation que le professeur doit avoir pour travailler dans cette modalité, formations qui, en général, sont seulement réalisées après le débuts de ses activités d'enseignant à l'EAD; les auteurs englobés dans tout le processus, en tant que tuteurs, élèves et autres professeurs; les contextes des élèves; le rôle de la préparation, c'est-à-dire, le moment où la présence du professeur a une resignification et se transforme en cours, activités et évaluation. Egalement, cette recherche expose des pratiques qui se sont effectuées dans l'éducation musicale à distance et nous démontre un profil d'enseignant qui travaille en musique à travers ces modalités.
Esta pesquisa trata do ensino de música a distância, tendo por objetivo conhecer e compreender as práticas docentes desenvolvidas por professores universitários em disciplinas de música na modalidade EAD, a partir de suas percepções sobre essas práticas. Participaram dessa pesquisa oito professores que atuam em cursos de graduação em música a distância ou ministram disciplinas nessa modalidade em cursos presenciais, os quais responderam a entrevistas semi-estruturadas, no período de outubro a dezembro de 2010. Suas falas são analisadas no intuito de articular as ocorrências comuns entre os participantes e suas peculiaridades, o que resulta em treze tópicos de análise. As reflexões desses tópicos apóiam-se em autores da prática docente, especialmente Tardif e Lessard (2008), e autores que escrevem sobre a Educação a Distância. Os resultados mostram que é necessário considerar dois aspectos nas práticas musicais a distância: as ações e as interações. Vinculados a esses aspectos há uma multiplicidade de fatores que influenciam a prática docente na EAD: as possibilidades e limitações da tecnologia, dos objetos e ambientes virtuais de aprendizagem; a formação que o professor deve ter para atuar na modalidade, que geralmente ocorre após o início das atividades na EAD; os atores envolvidos em todo o processo, como tutores, alunos e outros professores; os contextos dos alunos; o papel do planejamento, que é o momento em que a prática presencial do professor é ressignificada e se transforma em aulas, atividades e avaliações. Ao mesmo tempo, a pesquisa expõe práticas que são realizadas na educação musical a distância e delineia um perfil de docente para atuar em música nessa modalidade.
This research is about distance music teaching, which objective is know and comprehend professors' practice developed in undergraduate distance music classes, from their perceptions. Eight professors participated of this study, and they answered a semi-structured interview from october to december 2010. Their answeres are analized articulating similar ocorrences and their particularities, which results in thirteen analisis topics. The topic's reflexions are suportted with authors of teacher's practive, specially Tardif e Lessard (2008), and authors from distance education. The results show that is necessary have in mind two aspectos in distance music practice: actions and interactions. Within these aspects, there is a multiplicity of factors that influence teacher's practice: possibilities and limitations of technology, objects and virtual learning platforms; the formation that the professor must have, which usually is made after he starts working; the actors envolved in whole process, such as tutors, studentes and other professors; students's contexts; the role of planing, which is the moment that the presential practice is ressignified e becomes in classes, activities and evaluations. In the sema time, the research exposes distance music education practices and delinates a professor profile to act in this modality.
La presente pesquisa busca conocer y comprender las prácticas docentes desarrolladas por profesores universitarios en disciplinas de música en la modalidad EAD, a partir de sus percepciones sobre esas prácticas. Fueron realizadas entrevistas semi-estructuradas entre octubre y diciembre 2010 con ocho profesores que actúan en cursos de graduación en música a distancia o ministran disciplinas en esa modalidad en cursos presenciales. Sus hablas son analizadas con el objetivo de articular los sucesos comunes entre los participantes y las peculiaridades, lo que resulta en trece tópicos de análisis. Las reflexiones de esos tópicos se apoyan en autores de práctica docente, especialmente Tardif y Lessard (2008), y en la Educación a Distancia. La búsqueda de la comprensión del hacer docente muestra que es necesario considerar dos aspectos en las prácticas musicales a distancia: las acciones y las interacciones. Esos aspectos reflejan una multiplicidad de factores que influencian la práctica docente en EAD: las posibilidades y limitaciones de la tecnología, de los objetos y ambientes virtuales de aprendizaje; la formación necesaria para que el profesor actue en la modalidad, que generalmente ocurre solo después del inicio de las actividades de EAD; los actores envueltos en todo el proceso, como tutores, alumnos y otros profesores; los contextos de los alumnos; el papel de la planificación, que es el momento en que la práctica presencial del profesor es resinificada y se transforma en clases, actividades y evaluaciones. A la vez, la pesquisa expone prácticas que son realizadas en la educación musical a distancia y delinea un perfil de docente apto a actuar en música en esa modalidad.

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Marty, Nicolas. « Les conduites d'écoute. Temps, espace et forme dans les musiques acousmatiques ». Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL008.

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Résumé :

En 1989, François Delalande présentait pour la première fois, après dix ans d’élaboration, la notion de « conduites d’écoute » servant à distinguer différentes manières d’écouter une même œuvre. La méthodologie employée limitait les conclusions qui pouvaient en être tirées, mais la perspective proposée ouvrait un nouveau champ de recherches, dans lequel différentes conduites d’écoute pouvaient servir de base à diverses manières, parfois exclusives ou contradictoires, d’analyser une même œuvre. De plus, les expériences préliminaires de Delalande autour d’un extrait de Pierre Henry sont encore aujourd’hui l’une des rares occurrences de recherche sur l’écoute des musiques acousmatiques faisant appel à des auditeurs réels. Avec la reproduction et l’extension des résultats de Delalande, en parallèle de l’intérêt grandissant pour l’écoute au sein de la communauté musicologique ces vingt dernières années, il semblait nécessaire de faire le point sur l’état des recherches concernant les conduites d’écoute afin d’en évaluer la validité opérationnelle et de proposer un cadre théorique solide pour leur étude et leur description. C’est l’objet de ce travail, qui part d’une revue des discours sur l’écoute en musicologie, en psychologie de la musique et en pédagogie de la musique, avant de procéder à un examen critique des méthodologies existantes autour du modèle des conduites d’écoute, pour en arriver à une réévaluation de ce modèle avec des méthodologies plus robustes. Trois analyses esthésiques d’une même œuvre sont alors proposées pour faire émerger les besoins d’approfondissement et les perspectives d’application de ce modèle
In 1989, after ten years of research, François Delalande presented for the first time the idea of “listening behaviours,” distinguishing several ways to listen to the same piece of music. The methodology did not allow for many conclusions, but the approach began a new field of research, where diverse listening behaviours could serve as a basis for diverse, exclusive (or even contradictory) analyses of the same work. Furthermore, Delalande’s preliminary research based on an extract from Pierre Henry’s music is still one of the few instances of research about acousmatic music listening that addresses actual listeners. The last twenty years have seen the reproduction and extension of Delalande’s results, as well as a growing interest for listening in musicological circles. For this reason, it seems necessary to review research about listening behaviours to evaluate their operational validity and to propose a robust theoretical framework for their study and description. This is the thesis of this dissertation, beginning with a review of the musicological, psychological and pedagogical discourses about listening, following with a critical study of existing methodologies about listening behaviours frameworks in order to re-evaluate them with more robust methodologies. Three esthesic analyses of the same work are then used to propose a need for further investigation and possible applications of the framework

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Boisvert, Stéphanie. « Les effets de l'apprentissage du chant avec ou sans les gestes Curwen sur la justesse vocale et les habiletés perceptives des élèves de la maternelle ». Doctoral thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/39749.

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Résumé :

Thèse ou mémoire avec insertion d'articles.
NOTICE EN COURS DE TRAITEMENT
Titre de l'écran-titre (visionné le 9 juillet 2020)
L’objectif principal de cette étude était de comparer les effets de l’apprentissage du chant avec les gestes Curwen et sans ces gestes sur la justesse vocale et les habiletés perceptives des enfants de la maternelle. À cet effet, le groupe expérimental (avec gestes Curwen) et le groupe contrôle (sans geste Curwen) étaient respectivement composés de 33 enfants âgés de 5 et 6 ans. Tous les participants ont suivi 30 leçons musicales axées sur l’apprentissage de chansons. Les élèves du groupe expérimental ont travaillé le chant avec les gestes Curwen, alors que les élèves du groupe contrôle ont appris les mêmes chansons, mais sans les gestes. Avant et après la période d’instruction, tous les participants ont réalisé les épreuves visant à mesurer la justesse vocale et les habiletés perceptives. Des mesures de mémoire à court terme ont aussi été utilisées pour s’assurer de l’équivalence cognitive entre les groupes. De plus, un questionnaire rempli par les parents a permis de recueillir des informations sur l’environnement musical familial. Les résultats ont démontré une amélioration significative de la justesse vocale ainsi que des habiletés perceptives des participants entre le prétest et le post-test, pour l’ensemble de l’échantillon. Toutefois, aucune différence significative n’a été démontrée entre la justesse vocale des enfants du groupe expérimental (gestes Curwen) et celle du groupe contrôle (sans geste). De même, aucune différence significative n’a été démontrée entre les habiletés perceptives des enfants du groupe expérimental (gestes Curwen) et celle du groupe contrôle (sans geste). Nos résultats révèlent toutefois une corrélation significative de force modérée (r = 0,440) entre la justesse vocale et les habiletés perceptives de tous les enfants. En d’autres mots, meilleur était l’enfant à chanter avec précision, meilleur il était à distinguer les sons. En ce qui a trait au sexe, aucune différence n’a été constatée entre la justesse vocale des garçons et celle des filles. Finalement, l’environnement familial musical semble favoriser les habiletés perceptives, plus précisément la reconnaissance d’une mélodie de 4 sons, sans toutefois être lié de façon significative à la précision vocale des enfants.
The effects of learning to sing with and without Curwen hand signs on singing accuracy and perceptual abilities in kindergarten-age children were compared. Participants comprised an experimental group (Curwen signs) and a control group (without signs), each containing 33 children aged 5 to 6 years. All participants took 30 music lessons centered on learning songs. The experimental group learned songs using Curwen signs and the control group learned the same songs without signs. Before and after instruction, all participants were tested on singing accuracy and melodic perception. Short-term memory was assessed to ensure between-group equivalence. Complementary data were gathered from a parent-completed questionnaire on the home music environment. Results showed significantly improved singing accuracy and melodic perception from pretest to post-test for all participants. However, no significant difference in singing accuracy and melodic perception was found between the Curwen group compared to controls, or between boys and girls. Results showed a moderate positive correlation between vocal accuracy and perceptual abilities (r = .44), with higher vocal accuracy associated with higher perceptual abilities. In addition, the home music environment appeared to foster melodic perception, more specifically, recognition of a four-note melody, but with no significant effect on singing accuracy.

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Jardin, Etienne. « Le conservatoire et la ville : les écoles de musique de Besançon, Caen, Rennes, Roubaix et Saint-Étienne au XIXe siècle ». Paris, EHESS, 2006. http://www.theses.fr/2006EHES0031.

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Résumé :

Cette étude a pour objet les conservatoires français de la Révolution à la Première Guerre Mondiale et se base sur les exemples des écoles de musique de Besançon, Caen, Rennes, Roubaix et Saint-Étienne. La première partie établit l'histoire institutionnelle de ces structures en l'inscrivant dans des mouvements globaux d'échelle nationale ou européenne. La deuxième partie est une approche transversale des schémas éducatifs en présence dans ces écoles, partant de l'énonciation des politiques à mener (les objectifs) et les moyens mis en place pour les réaliser, pour arriver à la réalité de l'enseignement (les résultats). La troisième partie est une analyse du rapport existant entre l'évolution des conservatoires et celle de la vie musicale locale, de l'impact des écoles de musique - et notamment des professeurs - sur l'économie musicale
The present study deals with French conservatoires from the French Revolution to World War One. It is based on the examples of the musical schools of Besançon, Caen, Rennes, Roubaix and Saint-Étienne. The first part establishes the international story of these structures through their inscription within global evolutions on either a national or a European scale. The second part offers a cross analysis of the educative schemes at work within these schools, from the enunciation of politics to be followed (the objectives) and the means chosen to enact them, to reach the reality of the teaching (the results). The third part proposes an approach of the existing link between the evolution of the conservatoires and of the local musical life, of the impact of music schools - and of teachers - upon musical economy

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Guengard, Marianne. « Formation des chefs de choeur. Approche descriptive et compréhensive de l'enseignement-apprentissage de la direction de choeur. Un exemple "la levée" ». Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040001.

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Résumé :

Cette thèse se veut une contribution à la recherche en éducation musicale en France. Elle est ancrée dans le domaine de l’enseignement spécialisé de la direction de chœur et aborde les pratiques de l’élève et de l’enseignant dans leur interdépendance, à travers l’analyse d’une situation réelle d’enseignement-apprentissage du geste de direction musicale. La recherche traite spécifiquement le travail de l’enseignant et tente de mettre en lumière le rôle de ce dernier dans la construction des savoir-faire liés à un élément technique particulier :« la levée ». Il s’agit de mettre en évidence la manière dont l’enseignant structure le cours, et les aménagements qu’il opère, en termes de « milieu » pour accompagner l’élève vers les connaissances visées
This thesis has the purpose investing in the research of musical education in France. It isfocused on specialised teaching for choir conductors and hence studies the practicesundertaken by both the student and the teacher interdependently, by analysing the conductinggestures in a real teaching-learning situation. The research specifically takes an interest in theteacher's work, and seeks to highlight the role of the latter in the building of knowledge linkedto a particular technical element: « the upbeat ». Of particular importance is the way in whichthe teacher structures the lessons, organises the layout, in terms of “the environment” in orderto direct the students towards targeted learning

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Gras, Stéphan-Eloïse. « L'écoute en ligne. Figures du sujet écoutant et mutations des espaces musicaux sur Internet ». Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040210.

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Résumé :

Cette recherche interroge les figures du sujet écoutant en jeu dans les mutations des espaces musicaux sur Internet de 2007 à 2014, afin de penser l’écoute en ligne dans ses spécificités philosophiques et communicationnelles. On étudie un dispositif industriel et logiciel de recherche et de recommandation musical complexe, l’interface de programmation d’ Echonest, pour en saisir les effets esthétiques, c’est-à-dire pour comprendre dans quelle mesure la culture numérique contemporaine façonne l’expérience musicale. Trois angles sont successivement abordés : une archéologie de l’écoute montre les héritages de son expérience en ligne, une étude des politiques de l’archive et de l’algorithme incite à penser les axiologies industrielles de machines du goût, enfin une analyse sémio-pragmatique met en exergue le régime fictionnel de l’écoute à l’écran. Face à l’émergence d’une forme médiatique, le streaming, ces trois temps décrivent un régime numérique contemporain de la perception (sensorium digital) comme une discipline de l’écoutable qui s’appuie sur des modes fictionnels de production de sens en ligne
This research questions the figures of the listening subject in the context of the transformations of musical spaces on the Internet from 2007-2014, in order to consider the question of online listening from the perspective of the fields of philosophy and communications. I study the industrial and logical disposition (dispositif) of the API of The Echo Nest, a complex musical search and recommandation engine. I seek to grasp the aesthetic effects of this technoogy as a means of understanding the extent to which contemporary digital culture shapes musical experience. This is approached from three perspectives: an archeology of listening, which shows what is inherited in the online listening experience; a critical reading of the politics of digital archiving and algorithms,which incites us to think about the industrial axiologies of « machines of taste » ; and lastly, a semiotic-pragmatic analysis, which draws attention to the fictional modalities involved in mediated listening. With the emergence of music streaming as a new form of radio, this dissertation traces a contemporary regime of digitized perception (digital sensorium) that becomes a « discipline oflistenable » supported by the fictional mode of online production of meaning

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Espinosa, Santiago Eugenio. « L'Objet musical. Éléments pour une philosophie de l'écoute ». Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040116.

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La musique est essentiellement inexpressive : elle est incapable d’exprimer quoi que ce soit (même les émotions humaines). Cette sorte de langage — l’articulation de sons dans le temps — est auto-signifiant et ne renvoie qu’à lui-même : la musique s’exprime elle-même. C’est en cela qu’elle s’apparente avec le réel, qui manque lui aussi de signification et est par là tautologique. L’écoute musicale est donc une écoute non-interprétative ; écouter la musique c’est faire attention à la musique et non à ce qu’elle est supposée véhiculer. C’est, en ce sens, une forme d’attention au réel. Aimer la musique, à son tour, c’est apprendre à faire une écoute de cette espèce. Ce que l’on apprend à aimer, c’est l’objet musical tel qu’il est, sans songer à changer la moindre virgule. Et c’est dans cette approbation inconditionnelle de l’objet que réside la joie musicale, que nous pouvons étendre à notre tour à l’approbation inconditionnelle de tous les objet qui conforment le réel, comme nous invite à faire la philosophie tragique. Nous pourrions dire que la musique est l’art tragique par excellence
Music is essentially inexpressive: music is unable of expressing anything (not even human emotions). This kind of language — sound’s articulation on time — is self-signifying. It doesn’t refer to anything but to itself: music expresses itself. In this, music is like reality, which is insignificant as well, and therefore tautological. Musical hearing is then a non-interpreting hearing; to hear music is to pay attention to music and not to that which is supposed to be transported by it. It is, in this perspective, a sort of attention to reality. To love music, therefore, is a form of learning to hear this way. The object that we love is the musical object as it is; we don’t even dream to change one single comma. It is in this unconditional approbation of the object where musical joy takes place; and we think it’s possible to spread this approbation to all objects that conform reality. That is what tragic philosophy invites us to do. Music, we could say, is the tragic art par excellence

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Ko, Yi-Chun. « Espace sensible : expérience inter-sensorielle et corporelle, à partir des dispositifs musicaux interactifs ». Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080129.

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Ce travail de recherche s’inspire de l’approche d’énaction élaborée par F.-J Varela lorsqu’il développa sa théorie de la cognition incarnée. Pour qu’une propriété cognitive soit incarnée, il faut que l’organisme vivant s’engage perceptivement dans un processus dynamique avec le monde environnant. Afin de développer les moyens musicaux pour motiver les auditeurs à s’approprier leurs expériences vécues, nous proposons le terme « d’espace sensible » dans le but d’articuler le jeu d’écoute musicale et de l’expérience inter-sensorielle et corporelle. Cette dernière consiste en l’expérience d’interaction sensorielle entre l’extéroception et la proprioception. De même, nous spécifions l’expérience corporelle sur ses deux aspects : le corps physique et le corps virtuel – leschéma corporel et l’image du corps. La relation inharmonieuse de ces deux aspects du corps entraînera chez un sujet-percevant une tension, voire une souffrance, physique et psychique. Pour entraîner le sujet-percevant à prendre conscience de cette discordance, différentes méthodes de rééducation somatique sont développées. Dans ce contexte, émettons l’hypothèse que l’utilisation de dispositifs musicaux interactifs peut contribuer à l’exploration de l’espace sensible et ainsi exercer un impact bénéfique dans le cadre de la rééducation somatique. Les moyens de démonstration consistent en la construction et le test de protocoles de jeux d’écoute, à exposer le public à des dispositifs multimédia interactifs ainsi que l’étude de cas propre aux enfants atteints d’autisme. Nous nous approprions plusieurs techniques pour mettre en place des dispositifs musicaux interactifs : l’improvisation collaborative, la synchronisation spontanée de la posture et du mouvement corporel, l’empathie kinesthésique réciproque. Enfin, nous mettons en évidence les effets bénéfiques de l’introduction des dispositifs musicaux numériques dans le cadre du soin somatique. A la vue de ces résultats expérimentaux, nous sommes autorisés à affirmer que l’exploration de l’écoute peut avoir un impact bénéfique dans un contexte de rééducation somatique à condition que l’écoute soit en acte et vécue musicalement
This research was inspired by the enactive approach elaborated by F.-J Varelawhen he developed the embodied cognition theory; a living organism has to be involved physically and perceptually in a dynamic process with its surrounding environment so that a cognitive property can be embodied. To develop musical possibilities to motivate the listeners to appropriate their real life experiences, we are proposing the term "sensitive space" to articulate two practices of inter-sensory and physical experience : gameplay of musical listening and somatic exercise. This inter-sensory experience consists of the sensory interaction between exteroception and proprioception. We also focus on two specific aspects of this physical experience: the physical body and the virtual body - the body schema and the body image. The inharmonious relation of these two aspects will lead to a tension, sometimes to physical and psychic pain. To help the perceiving subject to become aware of this conflict, various somatic techniques are developed. We emit the hypothesis that the use of interactive musical devices can contribute to the exploration of the sensitive space, and thus bring a beneficial impact in somatic learning and rehabilitation. Several ways of demonstrating are: 1) the construction and tests of listening gameplay protocols, 2) the public exhibition of interactive multimedia devices 3) the case study on children affected by autism. We use different techniques to set up interactive musical devices: collective improvisation, spontaneous synchronization of the posture or the physical movement, kinesthetic empathy, etc. Finally, we highlight the beneficial aspects of introducing the interactive musical devices within the framework of healthcare. With these experimental results, we can then assert that the exploration of musical listening can have a beneficial impact in the context of somatic learning, on the condition that the listening is an act and lived musically

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Volny, Sandra. « Survivance des espaces sonores : conscience auditive et pratiques de l'espace du corps-sonar ». Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H312.

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Résumé :

Dans le chaos de la vie contemporaine, il faut de plus en plus apprendre à écouter ; écouter les gens, la nature, mais aussi les lieux, les espaces, leurs parois. Les murs n’ont pas que des oreilles : ils parlent. Ils parlent d’un récit in-ouïe de l’humanité, d’espaces vibrants et chuchotant. Dans le fracas de nos souvenances, il faut tendre l’oreille pour prendre conscience de notre univers, de nos espaces sonores. Ma pratique artistique a pour centre d’intérêt le son et la perception de l’espace sonore. Je crée des parcours, des méditations, des situations, des enregistrements de terrain, des témoignages et des récits qui sondent la ténuité du silence et la résonance des zones d’écoute. A l’écoute du bruit de fond et de l’écho qui remplissent les lieux, je me déplace pour tenter d’exposer la survivance des espaces sonores. Au cœur d’un monde sonore, plusieurs artistes contemporains engagent des dynamiques de renvoi de l’écoute et du corps. La survivance prend forme dans des traces, des résidus et des fossiles sonores, qui sont autant de témoignages de nos traversées que de paysages résistant a leur propre disparition. Pour entendre ces résidus sonores, pour voir la survivance des espaces sonores, je fais appel à des participants qui découvrent leur conscience auditive et performent le mouvement d’un corps-sonar, un mouvement en résonance entre le corps, l’espace et la collecte d’informations provenant du passé. Le corps‐sonar, qui entre en contact avec l’invisible, touche l’écho des espaces, révélant par le fait même notre imaginaire touché. Cette thèse raconte mon parcours dans l’univers du son, la traversée de ma pratique personnelle, de mes œuvres comme de mes récits. Elle donne également le rôle principal aux œuvres décrites et étudiées sous l’angle de la conscience auditive et de la survivance des espaces sonores. Elle traverse les créations de plusieurs artistes, de John Cage à Brandon Labelle, en passant par Pauline Oliveros et Alvin Lucier. Elle parcourt aussi la pensée de nombre de théoriciens, dont Didier Anzieu, Raymond Murray Schafer, Georges Didi-Huberman et Michel Serres. Écoutons-les, pour voir
In the chaos of contemporary life, it is more and more necessary to learn how to listen: listening to people, to nature, but also to places, to spaces, to their walls (parois). Walls do not only have ears; they speak. They speak of an unheard (in-ouïe) about humanity, about vibrating and whispering spaces. In the clash of our remembering, it is necessary to stretch the ear in order to become conscious of our universe, or our aural spaces. My art practice focuses on sound and aural spatial awareness. I create sound journeys, meditations, situations, field recordings, testimonies and stories that explore the silence’s tenuousness and the resonance of listening areas. While listening to the background noise and the echo that fill in the places, I am moving in an attempt to expose the Surviving Aural Spaces. At the heart of a sonic world, various contemporary artists are engaged in dynamics of referencing (renvoi) to the listening and to the body. The surviving takes form in sound traces, sound residues and sound fossils, that all witness our journeys as well as landscapes resisting to their own disappearance. In order to hearing those sound residues, to seeing the surviving of aural spaces, I am making use of participants whom discover their auditory awareness and perform a sonar-body movement, a movement that resonates between the body, the space and the information collected from the past. The sonar-body contacts the invisible, touches the echo of spaces, thus revealing our touched imaginary. The present thesis relates my journey in the universe of sound, the crossing of my personal practice, of my works as well as my narratives. It also gives the leading role to the works, described and studied from the angle of auditory awareness and the surviving of aural spaces. It goes through the creation of various artists, from John Cage to Brandon Labelle, via Pauline Oliveros and Alvin Lucier. It also browses the thinking of many theorists, including Didier Anzieu, Raymond Murray Schafer, Georges Didi-Huberman and Michel Serres. Let’s listen to them, to see

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Hoch, Lisianne. « Perception et apprentissage des structures musicales et langagières : études des ressources cognitives partagées et des effets attentionnels ». Thesis, Lyon 2, 2010. http://www.theses.fr/2010LYO20049/document.

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Résumé :

La musique et le langage sont des matériels structurés à partir de principes combinatoires. Les auditeurs ont acquis des connaissances sur ces régularités structurelles par simple exposition. Ces connaissances permettent le développement d’attentes sur les événements à venir en musique et en langage. Mon travail de thèse étudiait deux aspects de la spécificité versus la généralité des processus de traitement de la musique et du langage: la perception et l’apprentissage statistique.Dans la première partie (perception), les Études 1 à 4 ont montré que le traitement des structures musicales influence le traitement de la parole et du langage présenté en modalité visuelle, reflétant l’influence des mécanismes d’attention dynamique (Jones, 1976). Plus précisément, le traitement des structures musicales interagissait avec le traitement des structures syntaxiques, mais pas avec le traitement des structures sémantiques en langage (Étude 3). Ces résultats sont en accord avec l’hypothèse de ressources d’intégration syntaxique partagées de Patel (2003). Nos résultats et les précédentes études sur les traitements simultanés des structures musicales et linguistiques (syntaxiques et sémantiques), nous ont incités à élargir l’hypothèse de ressources d’intégration partagées au traitement d’autres d’informations structurées qui nécessitent également des ressources d’intégration structurelle et temporelle. Cette hypothèse a été testée et confirmée par l’observation d’une interaction entre les traitements simultanés des structures musicales et arithmétiques (Étude 4). Dans la deuxième partie (apprentissage), l’apprentissage statistique était étudié en comparaison directe pour des matériels verbaux et non-verbaux. Plus particulièrement, nous avons étudié l’influence de l’attention dynamique guidée par des indices temporels non-acoustiques (Études 5 et 6) et acoustiques (Étude 7) sur l’apprentissage statistique. Les indices temporels non-acoustiques influençaient l’apprentissage statistique de matériels verbaux et non-verbaux. En accord avec la théorie de l’attention dynamique (Jones, 1976), une hypothèse est que les indices temporels non-acoustiques guident l’attention dans le temps et influencent l’apprentissage statistique.Les études de ce travail de thèse ont suggéré que les ressources d’attention dynamique influençaient la perception et l’apprentissage de matériels structurés et que les traitements des structures musicales et d’autres informations structurées (e.g., langage, arithmétique) partagent des ressources d’intégration structurelle et temporelle. L’ensemble de ces résultats amène de nouvelles questions sur la possible influence du traitement des structures auditives tonales et temporelles sur les capacités cognitives générales de séquencement notamment requises pour la perception et l’apprentissage d’informations séquentielles structurées.Jones, M. R. (1976). Time, our lost dimension: Toward a new theory of perception, attention, and memory. Psychological Review, 83(5), 323-355. doi:10.1037/0033-295X.83.5.323Patel, A. D. (2003). Language, music, syntax and the brain. Nature Neuroscience, 6(7), 674-681. doi:10.1038/nn1082
Music and language are structurally organized materials that are based on combinatorial principles. Listeners have acquired knowledge about these structural regularities via mere exposure. This knowledge allows them to develop expectations about future events in music and language perception. My PhD investigated two aspects of domain-specificity versus generality of cognitive functions in music and language processing: perception and statistical learning.In the first part (perception), musical structure processing has been shown to influence spoken and visual language processing (Études 1 & 4), partly due to dynamic attending mechanisms (Jones, 1976). More specifically, musical structure processing has been shown to interact with linguistic-syntactic processing, but not with linguistic-semantic processing (Étude 3), thus supporting the hypothesis of shared syntactic resources for music and language processing (Patel, 2003). Together with previous studies that have investigated simultaneous musical and linguistic (syntactic and semantic) structure processing, we proposed that these shared resources might extend to the processing of other structurally organized information that require structural and temporal integration resources. This hypothesis was tested and supported by interactive influences between simultaneous musical and arithmetic structure processing (Étude 4). In the second part (learning), statistical learning was directly compared for verbal and nonverbal materials. In particular, we aimed to investigate the influence of dynamic attention driven by non-acoustic (Études 5 & 6) and acoustic (Étude 7) cues on statistical learning. Non-acoustic temporal cues have been shown to influence statistical learning of verbal and nonverbal artificial languages. In agreement with the dynamic attending theory (Jones, 1976), we proposed that non-acoustic temporal cues guide attention over time and influence statistical learning.Based on the influence of dynamic attending mechanisms on perception and learning and on evidence of shared structural and temporal integration resources for the processing of musical structures and other structured information, this PhD opens new questions about the potential influence of tonal and temporal auditory structure processing on general cognitive sequencing abilities, notably required in structured sequence perception and learning.Jones, M. R. (1976). Time, our lost dimension: Toward a new theory of perception, attention, and memory. Psychological Review, 83(5), 323-355. doi:10.1037/0033-295X.83.5.323Patel, A. D. (2003). Language, music, syntax and the brain. Nature Neuroscience, 6(7), 674-681. doi:10.1038/nn1082

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Racine, Elyse. « L’influence d’activités en arts plastiques sur l’expérience d’appréciation musicale d’élèves de sixième année du primaire ». Thèse, 2009. http://hdl.handle.net/1866/4401.

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Résumé :

Depuis 2001, le Programme de formation de l’école québécoise impose l’enseignement de la compétence « apprécier » dans les quatre disciplines artistiques. Ce mémoire s’intéresse à l’influence que peuvent avoir des activités intégrant les arts plastiques à la musique sur l’expérience d’appréciation musicale d’élèves de sixième année du primaire. Plus spécifiquement, elle vise à rendre compte des différentes dimensions présentes dans la description que font les élèves de leur expérience d’appréciation ainsi qu’à comprendre de quelle façon les activités d’appréciation intégrant les arts plastiques à la musique affectent la verbalisation que font les élèves de cette expérience. La recherche prend la forme d’études de cas réalisées auprès de cinq élèves de sixième année du primaire. Ces élèves, ainsi que tous les élèves de leur classe, ont participé à une activité d’appréciation musicale intradisciplinaire ainsi qu’à deux activités d’appréciation interdisciplinaires. Après chacune des activités, ces cinq élèves ont été rencontrés individuellement. Au cours d’entrevues semi-dirigées, il leur était demandé de rendre compte de leur expérience d’appréciation. Quatre grandes tendances ont émergé de l’analyse des propos des élèves, soit le sentiment de mieux s’approprier l’œuvre entendue, une verbalisation plus précise des éléments perçus, une verbalisation plus précise des sentiments ressentis et enfin, une forme de distraction par rapport à l’œuvre entendue. Au terme de cette étude, il semble que l’utilisation d’activité d’appréciation intégrant les arts plastiques à la musique, sans faire l’objet d’un usage systématique, pourrait constituer une forme de différenciation pédagogique qui serait utile à certains types d’apprenants.
Since 2001, the Quebec school program states that an « appreciation » competency has to be taught within all four artistic school disciplines. This study describes the influence of activities integrating visual arts and music on the appreciation experience of 6th grade students. More specifically, this study aims to relate the different dimensions that can be found in the students’ verbal account of their appreciation experience and to show how the interdisciplinary activities affect their verbalization of these dimensions. Five case studies conducted with 6th grade elementary school students are presented. These five students, along with the other students in their class, have participated in one intradisciplinary activity and two interdisciplinary activities integrating visual arts and music. Following each activity, the students were met for semi-structured interviews in which they were asked to share their appreciation experience. Four tendencies have emerged from qualitative data analysis: a more insightful listening, a more accurate description of perceptual elements, a more accurate description of the student’s feelings and finally a form of distraction from the music. It appears that appreciation activities which integrate visual arts and music could be, if not a systematic approach, a way to differentiate teaching in a way that could be helpful to some types of learners.

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Lanoue, Deslandes Rosie. « On n’entend que ce qu’on écoute : l’expérience sonore et musicale chez Henri Michaux, entre écriture et improvisation ». Thèse, 2017. http://hdl.handle.net/1866/20105.

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Tavakol, Showan. « Exploration, en composition musicale, des rencontres entre musiques de l’Occident et du Moyen-Orient, particulièrement d’Iran ». Thèse, 2017. http://hdl.handle.net/1866/20807.

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Thèses sur le sujet « Écoute musicale (éducation musicale) »

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