Articles de revues : « Danse – Écriture »

1

Pdehetazque-Chahine, Cannelle, et Graciela Prieto. « La Danse, une écriture du corps ». psychologie clinique, n^o 34 (2012) : 196–207. http://dx.doi.org/10.1051/psyc/201234196.

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2

Guisgand, Philippe. « Danse et musique, deux arts en dialogue chez Anne Teresa De Keersmaeker ». Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, n^o 1-2 (21 septembre 2012) : 35–41. http://dx.doi.org/10.7202/1012348ar.

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Résumé :

À la suite de mon travail de thèse, j’ai noué avec le musicien Jean-Luc Plouvier un dialogue à propos de l’oeuvre d’Anne Teresa De Keersmaeker. Une des spécificités de cette chorégraphe est de travailler majoritairement sur la musique occidentale écrite. Cette collaboration entre un musicien et un danseur permet de questionner des termes tels que « dialoguervraiment », « rapport entre musique et danse », « demande et adresse des arts entre eux » ou encore « faille entre écriture et réception ». Il s’agira dans cet article de dresser un état des lieux de cette collaboration et de montrer – du point de vue de la danse – ce que les démarches analytiques et esthétiques issues de la musique apportent au champ des études chorégraphiques.

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3

Giudice, Anna Lo. « Nage/danse, corps/écriture : De l'insularité valéryenne ». Res : Anthropology and Aesthetics 27 (mars 1995) : 111–17. http://dx.doi.org/10.1086/resv27n1ms20166920.

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4

Danan, Joseph. « Généalogie d’une question ». Dossier — Mutations de l’action, n^o 36 (6 mai 2010) : 79–89. http://dx.doi.org/10.7202/041577ar.

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L’auteur se penche sur la façon dont la question de l’action s’est posée à lui dans sa propre écriture dramatique. En rupture avec la prééminence de la fable, c’est le mouvement qui s’impose comme étant la forme même de l’action : mouvement intérieur que le théâtre cherche à rendre visible, et qui est celui, dans son imprévisibilité, de l’écriture en quête du sens. C’est sur les potentialités scéniques, elles-mêmes imprévisibles, de ce mouvement que viendra s’articuler l’écriture du plateau : une écriture seconde, aussi corporelle que dans la danse, mais pouvant faire naître « fable » et personnages dans l’imaginaire du spectateur.

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Boulba, Pauline L. « Traduire Jill Johnston ». Cahiers de danse N° 0, n^o 1 (5 avril 2023) : 14–17. http://dx.doi.org/10.3917/cdd.001.0014.

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Le dialogue entre Pauline L. Boulba et Marisa Hayes s’attache aux résonances artistiques des écrits de Jill Johnston : la transition devient une entreprise de traduction. D’une langue à une autre, d’une écriture journalistique, brève et régulière, au projet d’un livre augmenté d’un film et d’une performance, il est question des médiums d’expression d’une pensée de la danse.

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Caron, Claudine. « La musique de Pierre Mercure à l’affiche de spectacles de danse ». Circuit 21, n^o 3 (11 novembre 2011) : 9–21. http://dx.doi.org/10.7202/1006357ar.

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Le catalogue des oeuvres de Pierre Mercure reste des plus énigmatiques ; manuscrits introuvables et bandes magnétiques perdues seraient en cause. Tourné vers les spectacles de danse lors desquels ses oeuvres ont été diffusées – entre 1948 et 1964, Pierre Mercure compose onze musique de danse – , cet article propose d’en retracer l’histoire à partir des photographies, des programmes de spectacles et des articles de presse. Nous verrons par ce corpus comment Mercure repense la composition au fil des années en explorant des trajectoires originales dans son écriture, en utilisant des outils et des techniques des studios de musique électroacoustique et en revisitant le cadre du concert conventionnel avec, d’une part, des danseurs, de l’équipement technologique en lieu et place des interprètes et, d’autre part, un éclairage spécialisé et la participation de collaborateurs en arts visuels. Pierre Mercure aura certes été un grand créateur aux côtés des artistes de Refus global et ceux-ci auront naturellement contribué à la diffusion et à la réception de la musique contemporaine au Québec.

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Desmeules, Marie-Eve Skelling. « L'Enseignement de la Danse : une voie complémentaire pour la formation contemporaine de l'acteur ». Revista Brasileira de Estudos da Presença 7, n^o 1 (avril 2017) : 123–53. http://dx.doi.org/10.1590/2237-266063593.

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Résumé: Cette recherche qualitative interprétative vise à comprendre la formation du corps offerte par Mélanie Demers, artiste invitée pour donner le cours Danse pour acteurs à l'hiver 2014 à l'École supérieure de théâtre de l'Université du Québec à Montréal. En m'appuyant sur le concept d'expérience (Dewey, 2005) et la théorie de l'activité (Engeström, 1987; 1999), j'ai approfondi la manière dont ce cours amène les apprenants-acteurs à s'ouvrir à leur propre corps, à mettre en scène une écriture corporelle, à développer une conscience croisée, à confronter des défis personnels au regard du travail corporel ainsi qu'à accepter la vulnérabilité de leur corps dans l'expression artistique.

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8

Wightman, Megan. « « Parfois j’ai conscience d’être moi ». L’identité plurielle chez Maurice Béjart, entre mémoires et autofiction ». Voix Plurielles 17, n^o 1 (27 avril 2020) : 159–70. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v17i1.2478.

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Résumé :

Cet article se propose d’étudier les deux volumes de mémoires du chorégraphe français Maurice Béjart (1927-2007), dans l’objectif de cerner une particularité de son écriture autobiographique en tant qu’artiste de la danse. Les analyses, qui se concentrent sur la représentation de l’identité plurielle de Béjart, révèlent l’emploi de conventions associées à la définition de l’autofiction de Philippe Gasparini. Or, ces conventions ne résultent pas en une version fictionnalisée du récit de vie, mais s’avèrent participer à une stratégie discursive qui fait du texte une performance littéraire de l’identité artistique de Béjart. Mots-clés : mémoires, autofiction, Maurice Béjart, chorégraphe, identité plurielle, autobiographie

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Buscatto, Marie. « Au cœur d'une pratique de loisir très « féminine » : le jazz vocal amateur ». Nottingham French Studies 52, n^o 1 (mars 2013) : 113–29. http://dx.doi.org/10.3366/nfs.2013.0043.

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Résumé :

Les enquêtes statistiques relatives aux pratiques culturelles de loisir des Français-e-s font apparaître leur forte dimension genrée : écriture de journaux intimes, chant en chorales ou danse pour les femmes, instruments de musique, rock ou photographie pour les hommes. Comment expliquer que chacun-e s'oriente de manière principale vers l'une ou l'autre pratique de loisir ? Une réflexion sur les modes de construction d'une pratique de loisir comme « féminine » ou « masculine » – des socialisations de l'enfance aux dispositifs constitutifs de cette pratique en passant par les imaginaires associés à ces loisirs – sera ici engagée à la lumière d'une observation prolongée du jazz vocal amateur en France. Sera décrite et expliquée la différenciation genrée observée entre femmes chanteuses et hommes instrumentistes amateurs, et ce alors même qu'aucune règle sexuée ne détermine a priori la place, le rôle et les pratiques musicales des unes et des autres.

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Stétié, Salah, et Claude Fintz. « Twenty-Two Questions for an Overhang ». L’Entre-deux et l’Imaginaire, n^o 37 (30 juin 2016) : 67–80. http://dx.doi.org/10.35562/iris.1393.

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Résumé :

À travers le présent entretien, Salah Stétié, écrivain au carrefour d’au moins deux traditions culturelles, envisage son rapport singulier à la question de l’entre-deux. Il évoque en particulier le lien très étroit qui l’unit aux civilisations de la Méditerranée (en tant que terre du milieu, terre entre plusieurs rives) ; la question de l’intervalle l’amène à parler du sens de son écriture poétique, de son rapport à la langue et à la traduction. Plus surprenant sans doute est le contexte premier qu’il donne à son exploration poétique, selon une inspiration très orientale : une physique spirituelle de l’énergie — de la danse de l’énergie, au centre de laquelle le poète se tient, à « la source des vertiges ». C’est une entité quasi impersonnelle et insituable qui écrit, à la croisée des dimensions mentales, spirituelles et verbales — et d’un inconscient qui serait beaucoup plus large que le personnel. Cependant, pour Salah Stétié, le poète, loin de ne résider nulle part, développe une « citoyenneté surplombante » qui lui permet de circuler dans toute l’étendue du réel, de l’embrasser dans son ensemble et d’en témoigner sans exclusive.

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Stétié, Salah, et Claude Fintz. « Twenty-Two Questions for an Overhang ». L’Entre-deux et l’Imaginaire, n^o 37 (30 juin 2016) : 67–80. http://dx.doi.org/10.35562/iris.1393.

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Résumé :

À travers le présent entretien, Salah Stétié, écrivain au carrefour d’au moins deux traditions culturelles, envisage son rapport singulier à la question de l’entre-deux. Il évoque en particulier le lien très étroit qui l’unit aux civilisations de la Méditerranée (en tant que terre du milieu, terre entre plusieurs rives) ; la question de l’intervalle l’amène à parler du sens de son écriture poétique, de son rapport à la langue et à la traduction. Plus surprenant sans doute est le contexte premier qu’il donne à son exploration poétique, selon une inspiration très orientale : une physique spirituelle de l’énergie — de la danse de l’énergie, au centre de laquelle le poète se tient, à « la source des vertiges ». C’est une entité quasi impersonnelle et insituable qui écrit, à la croisée des dimensions mentales, spirituelles et verbales — et d’un inconscient qui serait beaucoup plus large que le personnel. Cependant, pour Salah Stétié, le poète, loin de ne résider nulle part, développe une « citoyenneté surplombante » qui lui permet de circuler dans toute l’étendue du réel, de l’embrasser dans son ensemble et d’en témoigner sans exclusive.

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Vuong, Léa. « Pascal Quignard : du monument à la ruine, de la ruine au vivant ». Tangence, n^o 115 (1 mai 2018) : 35–55. http://dx.doi.org/10.7202/1045143ar.

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Si la ruine est un motif omniprésent chez Pascal Quignard, l’auteur semble aussi poursuivre une ambition monumentale, celle du Dernier royaume, commencée en 2002 et qu’il poursuit toujours aujourd’hui. Cet article explore l’hésitation entre l’élaboration d’un monument littéraire et l’esthétique des ruines qui irrigue les textes de Quignard. Il donne une place privilégiée à des ouvrages récents, comme Sur l’idée d’une communauté de solitaires (2015), et aux dialogues avec d’autres arts tels que la musique, la danse et l’art visuel. Cette étude s’intéresse également aux fragments de textes et aux figures obscures, parfois dissimulées, qui nourrissent et influencent l’oeuvre : Roland Barthes, Walter Benjamin, mais aussi les artistes Carlotta Ikeda et Pierre Skira. Cet article montre d’abord les ruines comme des supports solides qui soutiennent la construction de monuments littéraires où Quignard commémore le souvenir d’êtres disparus. Puis, en s’appuyant sur la notion de « ruinophilie » développée par Svetlana Boym, cette étude expose la porosité des ruines quignardiennes, et s’intéresse à la manière dont elles laissent filtrer d’autres motifs, celui de la nature et du corps, à travers lesquels l’écrivain élabore, dans son écriture, de nouvelles manières de vivre dans le temps et dans l’espace.

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Lamontagne, Céline, et Lorraine Palardy. « Les Impatients : un parfum de santé ». Santé mentale au Québec 40, n^o 2 (14 septembre 2015) : 287–302. http://dx.doi.org/10.7202/1033057ar.

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Résumé :

Modèle original et unique, les Impatients offrent aux personnes avec des problèmes de santé mentale la possibilité de créer en toute liberté. Que ce soit en art visuel, écriture, bande dessinée, musique et danse, les ateliers d’expression artistique ont pour but d’offrir aux Impatients la possibilité de s’épanouir par la création. L’histoire des Impatients mérite d’être racontée en parallèle à une certaine histoire de la psychiatrie. L’acceptation et la reconnaissance de l’organisme par le milieu, la recherche d’un lieu signifiant ont été un travail de longue haleine. De 1989 à aujourd’hui, l’implantation et la croissance de l’organisme se sont déroulées progressivement. Le nombre de participants et de lieux augmente d’année en année et le partenariat avec différents organismes institutionnels et galeries d’art s’accroît. En 2015, ce sont : 48 ateliers et 450 personnes par semaine dans 8 lieux au Québec. Des activités de diffusion, des événements marquants, des projets fous, les Impatients se distinguent par leurs réalisations : expositions, publications, disques compacts, concerts, soirées de lecture, etc. L’originalité consiste, entre autres, en l’exploration des liens entre le travail des participants et celui des artistes professionnels. Les Impatients contribuent à la réinsertion des personnes dans la communauté. Les ateliers sont appréciés pour les impacts positifs sur les participants, notamment l’amélioration de l’estime de soi, la stimulation de la créativité et de la curiosité, la rupture de l’isolement, le développement d’un sentiment d’appartenance et la réduction de la fréquence et de la durée d’hospitalisation. L’histoire des Impatients, leurs réalisations et les témoignages démontrent combien ils sont des précurseurs en matière de rétablissement.

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Kochbati, Mehdi. « Alterity, First-Person Narratives and Memory in Paul Auster’s Works ». Lublin Studies in Modern Languages and Literature 40, n^o 2 (18 janvier 2017) : 17. http://dx.doi.org/10.17951/lsmll.2016.40.2.17.

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Blu Wakpa, Tria. « We Dance Therefore We Are ». Cahiers de danse N° 0, n^o 1 (5 avril 2023) : 26–29. http://dx.doi.org/10.3917/cdd.001.0026.

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Tria Blu Wakpa célèbre la transition comme une métamorphose animiste. À l’écoute d’autres êtres et d’autres formes de vie, elle appelle à une écriture prophétique et parfois équivoque : elle nous invite à suivre des pistes, des odeurs et des sons pour découvrir d’autres rythmes et d’anciens rituels. Quelles relations nouons-nous, à l’heure de l’anthropocène, avec les espèces et les peuples que nous colonisons ?

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Tomescu, Ana-Marina, et Elena-Cristina Ilinca. « A note on terminology : journalistic discourse and cultural impact in the Romanian written press ». XLinguae 16, n^o 4 (octobre 2023) : 118–27. http://dx.doi.org/10.18355/xl.2023.16.04.09.

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In this article, we aim to discuss to what extent the articles published in the Dilema veche journal and on the RFI Roumanie website fall within the classic genres of journalistic writing, or they confirm the idea of a constant renewal of journalistic genres. The media space favors a great diversity of productions, characterized on the one hand by “heterogeneity and permeability” (Zagyi, 2011: 159) and on the other hand by interactivity since the reader has the possibility of reacting or commenting. Taking into account this context, our objective is to identify the evolution, the formal changes and the diversity of this type of articles, which tend to be adapted to the characteristics of the online written press. In the second part of our study, we will focus on the perception of a cultural event related to the Goncourt prix and its influence on Romanian cultural news.

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Basto, Maria Benedita. « Danse de l'histoire, écritures mobiles : enjeux contemporains dans les littératures de l'Angola et du Mozambique ». Revue de littérature comparée 340, n^o 4 (2011) : 454. http://dx.doi.org/10.3917/rlc.340.0454.

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Pelinski, Ramón. « De l’histoire écrite à l’histoire orale : la danse guerrière de La Todolella ». Canadian University Music Review 12, n^o 1 (1992) : 75. http://dx.doi.org/10.7202/1014212ar.

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Naugrette, Catherine. « Quand tout fait théâtre ». Samuel Beckett Today / Aujourd’hui 33, n^o 2 (14 septembre 2021) : 254–67. http://dx.doi.org/10.1163/18757405-03302008.

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Résumé :

Résumé L’ œuvre théâtrale de Samuel Beckett présente une belle diversité d’ écritures dramatiques, parmi lesquelles quatre pièces muettes, dont certaines présentent un fort potentiel de théâtralité, telles Acte sans paroles 1 et Quad. De ces deux textes, écrits à une trentaine d’ années de distance (en 1956 et en 1980), le premier présente un dispositif ouvert, qui permet de multiples interprétations, du côté du théâtre comme de celui des autres arts du spectacle. En ce début de XXIe siècle, deux mises en scène en sont une belle démonstration : l’ interprétation marionnettique de François Lazaro (2007) et la double chorégraphie de Dominique Dupuy (2013), qui en appelle à la danse et au cirque. Chacun de ces deux artistes, à sa manière et avec son langage propre, parvient ainsi à renouveler notre perception du premier Acte sans paroles de Beckett, mettant à jour son hybridité profonde en même temps que sa très grande plasticité.

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Ferreira, Auphélie. « La ‘langue parlée écrite’ dans Zazie dans le métro (1959) ». Zeitschrift für französische Sprache und Literatur 130, n^o 1 (2020) : 59. http://dx.doi.org/10.25162/zfsl-2020-0004.

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Wightman, Megan. « La scène littérale et la scène textuelle : les espaces de présentation de soi dans les écritures personnelles des danseuses ». L’espace à travers l’imaginaire littéraire, n^o 122 (13 juillet 2023) : 15–20. http://dx.doi.org/10.7202/1101617ar.

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This article compares the textual stage and the literal stage in autobiographical texts written by former French principal dancers Agnès Letestu (Danseuse étoile, 2016) and Marie-Claude Piétragalla (La femme qui danse, 2008) to explore how the space in which the self is presented influences the image that an individual can give of themselves. Drawing mainly on the definition of the mise en scène in Patrice Pavis’ Dictionnaire du théâtre (1996) and Dominique Maingueneau’s concepts of authority and enunciative vocation in discourse analysis, this article first identifies elements of interpretation belonging to the textual and the literal stages, as well as how they arrange and organize each space. We then show how the textual and literal mise en scène, that is, the arrangement and organization of elements of interpretation, prescribes a discourse that is unique to each space, thereby constraining the dancer to present themselves within specific identity parameters. Ultimately, this article argues that the dancer who presents herself both on the literal and textual stages cannot but present two different images of herself because she must use the distinct discursive and interpretive tools that are made available to her in each space.

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Ziethen, Antje. « La littérature pour la jeunesse ou l’art de « danser dans les chaînes » : trois textes sur la diaspora haïtienne en Amérique du Nord ». Francophonies d'Amérique, n^o 33 (13 juin 2013) : 79–94. http://dx.doi.org/10.7202/1016369ar.

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Le présent article se propose de sonder un corpus de littérature pour la jeunesse provenant d’auteurs haïtiens de la diaspora nord-américaine, afin d’en découvrir les leitmotivs et leur inscription dans un contexte de migration. À partir des oeuvres de Marie-Célie Agnant (Alexis d’Haïti,Alexis, fils de Raphaël) et de Stanley Péan (La mémoire ensanglantée), tous deux résidant au Québec, ainsi que d’Edwidge Danticat (Behind the Mountains), installée à New York, nous interrogerons la manière dont ce genre infléchit les topoï de la littérature dite postcoloniale (pour adultes) dans un univers d’enfants ou d’adolescents. Nous montrerons que – quoique soumise à des contraintes par rapport à son contenu et à sa forme – cette écriture s’invente des stratégies narratives, stylistiques et pédagogiques afin de familiariser le jeune lecteur avec un univers inconnu, parfois injuste et violent. Pourtant, nonobstant la représentation de la souffrance, de l’exclusion ou du malaise, se déploie, à travers la parole simple mais imaginative des enfants, un monde fabuleux, où se conjuguent aventures, épreuves, dépassement et rencontres enrichissantes. Enfin, émergera de l’analyse des textes leur dessein multiple : disséminer, sensibiliser, éduquer, divertir et inspirer un lectorat prêt à se laisser emporter, à apprendre plus sur soi-même et autrui.

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HONG, SUNGHEE. « The Void of Onoeeu Mudo(Dance of Agony) - poetic écriture as a performance of invention of modern ‘world’ and modern ‘language’ ». Comparative Korean Studies 26, n^o 2 (31 août 2018) : 543–84. http://dx.doi.org/10.19115/cks.26.2.17.

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Louwagie, Fransiska. « L’écriture « extime » de Gérard Wajcman : blancs, notes et intertextes dans L’interdit* ». Études françaises 45, n^o 2 (19 août 2009) : 131–50. http://dx.doi.org/10.7202/037849ar.

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Résumé Le présent article propose une analyse de L’interdit, roman (Wajcman, 1985), une oeuvre qui se compose presque exclusivement de notes de bas de page, le corps du texte étant « absent ». Si l’oeuvre semble, d’après ce qu’indique son sous-titre, conclure un pacte romanesque, force est cependant de constater qu’elle participe également d’une écriture autofictionnelle et testimoniale, centrée sur la mémoire de la Shoah. L’interprétation de ce projet littéraire se fait en trois étapes. Dans un premier temps, nous examinerons les fonctions esthétique et phatique des notes : une lecture linéaire et circulaire de celles-ci nous permettra de déceler les grands traits de la trajectoire du protagoniste. Troisièmement, l’analyse des citations intertextuelles (notamment celles tirées de Proust, de Dante et de Flaubert) nous conduira à approfondir les isotopies sémantiques des notes, ce qui confirme que l’apparente dissémination de sens dans L’interdit ne constitue qu’une impression de surface. Finalement, nous montrerons comment L’interdit réalise le projet testimonial que Wajcman définit dans ses ouvrages consacrés à la Shoah et à l’histoire de l’art (L’objet du siècle et Fenêtre,Chroniques du regard et de l’intime). De fait, appartenant lui-même à la deuxième génération de survivants juifs du génocide, l’auteur se construit dans son « roman » une position testimoniale qu’il fonde sur les concepts lacaniens du sujet décentré, de l’objet (a) et de « l’extime ».

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Marukawa, Seiji. « Deux haïkus de Bashô (étude comparative de quelques traductions françaises) ». Meta 63, n^o 1 (11 juillet 2018) : 178–96. http://dx.doi.org/10.7202/1050520ar.

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L’article compare plusieurs traductions françaises de deux haïkus de Bashô (1644-1694). Il s’agit moins d’observer l’amélioration accomplie au travers des années que de voir encore en quoi peut consister la soi-disant intraduisibilité de la poésie d’une langue si éloignée des langues indo-européennes. Si l’harmonie d’une langue mise en valeur dans la poésie n’est pas traduisible comme l’a dit Dante, il faudrait, concernant le chinois ou le japonais, ajouter « l’harmonie imitative » (Claudel), que propose la picturalité des signes et qui joue un certain rôle dans la poésie écrite dans ces langues. Pour la traduction d’un poème aussi bref (et dont l’énoncé risque de paraître si plat dans la traduction), doit-on se contenter de rendre seulement le sens ? Et s’il n’y a pas d’autres moyens, comment entreprendre cette traduction ? L’article aborde ces questions à travers l’analyse des versions françaises de deux haïkus. Or, même pour la restitution du sens, il y a des problèmes : le premier exemple soulève la question de l’ellipse agrammaticale de l’original, devant être complétée dans les traductions, et le deuxième, le rôle de la particule de ponctuation servant de césure, idiomatique et intraduisible. Il s’agit des rapports au non-dit ou aux sentiments inexprimables que la brièveté met encore en relief.

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Stroia, Adina. « Faire rêver le monde avec Leïla Slimani (entretien) ». Francosphères 12, n^o 2 (22 décembre 2023) : 177–90. http://dx.doi.org/10.3828/franc.2023.13.

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L’écrivaine franco-marocaine Leïla Slimani a fait irruption sur la scène littéraire française avec son premier roman, Dans le jardin de l’ogre (2014), qui raconte l’histoire d’Adèle Robinson, une Parisienne de la classe moyenne supérieure qui a un goût prononcé pour les situations sexuelles à risque, penchant qui menace de faire voler en éclats sa vie trop stable. Son deuxième roman, Chanson douce (2016), a définitivement consacré Slimani en tant qu’écrivaine en France et à l’étranger. Couronné par le prestigieux Prix Goncourt et acclamé par la critique littéraire, ce deuxième roman est également devenu un bestseller mondial. Inspiré de faits réels, Chanson douce met en scène une nounou qui tue les deux enfants de la famille pour laquelle elle travaille. Le roman surprend le lecteur par son rythme aux allures de thriller et par la précision glaçante de son écriture. Alors que l’histoire de ses deux premiers romans se déroulait dans une France contemporaine, les romans les plus récents de Slimani qui font partie d’une trilogie annoncée, Le Pays des autres (2020) et Regardez-nous danser (2022), plongent le lecteur dans l’histoire récente du Maroc depuis les années 1960 et dresse un portrait détaillé d’un pays en mutation sous la forme d’une saga familiale d’inspiration autobiographique. Le présent entretien prend comme point de départ les écrits les plus récents de l’écrivaine et rassemble les points de vue Slimani sur la nature entremêlée de l’histoire et de l’histoire personnelle ou du récit, la fonction de l’écrivain et de l’écriture à l’ère contemporaine, ainsi que sur les outils nécessaires pour raconter une « histoire vraie ». Nous nous attelons également au passé colonial du Maroc et à la notion d’altérité, ainsi qu’aux approches décoloniales. Nous interrogeons ensuite le projet féministe à travers un prisme postcolonial et nous abordons la question des héritages féministes tout en nous tournant vers la Française du futur et ce à quoi elle pourrait ressembler dans un pays en pleine mutation politique. Cet entretien a eu lieu dans le cadre de la série « Giving Shape to the World: Contemporary Writing in French Today » à l’Institut Français à Londres pendant le Mois de la Francophonie en mars 2022.

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Viselli, Sante A. « Le Manitoba ou le purgatoire prométhéen dans l’imaginaire poétique d’Alexandre L. Amprimoz ». Le dossier 29, n^o 2 (30 novembre 2017) : 381–409. http://dx.doi.org/10.7202/1042266ar.

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Résumé :

Cette étude se veut un hommage au poète Alexandre L. Amprimoz. Né à Rome de père français et de mère italienne, il porte en lui les signes d’une double sensibilité. Sans cette clef, il serait difficile d’apprécier sa voix, son intarissable désir de créer: l’écriture devient la traduction du drame de celui qui cherche à se libérer de ses peurs, de son passé. C’est au Manitoba que sa plume subira des avatars nécessaires à sa création, à la quête du salut: nouveau Prométhée, il réussira à vaincre le désespoir, à dépasser cette nostalgie si typique des émigrés. Héritier du pays du soleil, il en est en même temps la métaphore et l’antithèse. Il porte en lui l’expérience de la mort et la joie de vivre des méditerranéens, un phénomène culturel d’ailleurs bien connu surtout à Rome. Encore enfant, il ne sera pas sourd à l’appel de ce «bateau ivre» qui le séparera définitivement un jour de l’Italie, de la France. C’est l’appel de l’inconnu où l’enfant et l’exilé se rejoignent dans la même blessure, celle causée par les rêves, le mal du retour et la prise de conscience d’un monde autre, celui du Manitoba et du ciel de la prairie. Son drame touche au paroxysme dans Bouquet de signes où le poète vainc le pessimisme de Conseils aux suicidés. Cependant, cet univers nordique l’enferme comme un oiseau en cage: son chant interminable, comme les hivers manitobains, se colore d’ironie, même d’angoisse existentielle. Amprimoz s’y livre au combat contre les forces de la nature et contre sa sensibilité, combat face auquel il se voit souvent démuni, impuissant: la parole poétique semble échouer au Manitoba, le linceul blanc qui enveloppe les êtres et les choses demeurant celui de la mise au tombeau du crucifié. Il faudra cependant sortir de ce tombeau, se débarrasser du marbre et des cathédrales, des collines toscanes, de la Méditerranée. Malgré les métaphores et images déchirantes qui se dégagent de la poésie d’Amprimoz, le cycle manitobain marqua certes un renouveau de son écriture. C’est dans ce pays en noir et blanc qu’il trouvera les véritables Changements de tons, le fil qui le conduira hors du labyrinthe intérieur, de son purgatoire: il aura enfin trouvé sa maison, sa voix. Prométhée aura conquis la peur, aura atteint la lumière d’autres soleils, certes un rappel émouvant de la Divine comédie de Dante qu’il aimait tant.

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Blain, Élisabeth. « Abassade (Madeleine), Danser l’imprévu, une lecture politique et sensible des Cahiers de Vaslav Nijinski, Les Presses du réel, 2022, collection Gestes, préface Anne Boissière, postface Aurore Després, 433 p. - Rouzel (Joseph), La folie littéraire, psychose et écriture, Orange, Édition le retrait, 2022, 149 p. » Bulletin de psychologie Numéro 581, n^o 3 (28 juillet 2023) : 260–61. http://dx.doi.org/10.3917/bupsy.581.0260.

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Araiza Hernández, Elizabeth. « Un texto vivo. Formas e interacciones del libreto de pastorela (Ihuatzio y Comachuén, Michoacán) ». Revista Trace, n^o 76 (31 juillet 2019) : 48. http://dx.doi.org/10.22134/trace.76.2019.581.

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Résumé :

A partir del análisis de dos casos ejemplares y de observaciones de campo en diferentes pueblos purépechas, se argumenta sobre el valor antropológico, las interacciones y usos peculiares del libreto de pastorela. El libreto se relaciona con tres manuscritos antiguos en lengua tarasca, y con los que se utilizan en otras danzas y otros rituales indígenas, donde la palabra escrita es importante –y no solamente la palabra hablada o representada en imágenes, como establecieron los estudios clásicos– para el desenvolvimiento, sentido y alcances del ritual. El corolario es una reflexión sobre el poder de un objeto –el libreto–, para desafiar distinciones binarias: objeto-sujeto, material-inmaterial, y lo que se ha establecido como eficacia, causas o efectos del ritual. Abstract: Based on the analysis of two exemplary cases and on field observations in different Purépecha villages, we examine the anthropological value, interactions and peculiar uses of the Christmas play script scenario. This scenario is related to three ancient manuscripts in Tarascan language, and to those used in other dances and Indian rituals, in which the written word –and not only the spoken word or the word represented in images, as established in classic studies– is important for the development, sense, and significance of the ritual. The corollary is a reflection on the power of an object –script scenario– to challenge binary distinctions: object-subject, material-immaterial, and to prompt us to rethink what has been established as efficacy, causes or effects of the ritual as anthropological problems. Résumé : À partir de cas concrets et d’observations de terrain menées dans différents villages purépechas, cette étude aborde la valeur anthropologique, les interactions et les usages particuliers donnés au livret de pastourelle. Ce dernier est associé à trois anciens manuscrits rédigés en langue tarasque et aux autres textes utilisés dans le cadre de danses et de rituels autochtones où la parole écrite joue un rôle important – contrairement à ce qu’établissent certains classiques, la parole ne se limite pas à l’oralité ou à la représentation en images – dans le déroulement du rituel, pour son sens et sa portée. En corollaire, l’article développe une réflexion sur le pouvoir de l’objet – ici, le livret – pour interroger les distinctions binaires : objet/sujet, matériel/immatériel, et pour repenser en tant que problèmes anthropologiques ce qui avait été pris pour de l’efficacité, les causes ou les effets du rituel.

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Roussel, Stéphane. « « Articles intrépides » : le journalisme hybride d'Hervé Guibert ». @nalyses. Revue des littératures franco-canadiennes et québécoise, 16 avril 2012. http://dx.doi.org/10.18192/analyses.v7i2.359.

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Résumé :

Cet article a pour objectif de montrer que les Articles intrépides ne sont pas le simple commentaire des œuvres d’art dont Hervé Guibert a choisi de rendre compte — peinture, cinéma, danse, etc. —, mais aussi, et surtout, l’expression, par effet de correspondance, de toute la conception esthétique de l’écrivain. En outre, l’article de presse lui-même, dans sa forme, témoigne d’une écriture qui ne connaît aucune frontière générique, justifiant sans doute son caractère intrépide et qui applique au texte les procédés, cinématographique ou photographique mis au jour dans les œuvres de prédilection.AbstractThis article aims to show Articles intrépides is not the simple explanation of works of art he has chosen to report - painting, film, dance ... but also and above all the expression, effect correspondence, all the aesthetic design of Hervé Guibert. In addition, the press release itself, in its form, which reflects a write knows no generic, perhaps justifying his fearless nature, and applies to the text processes, film and photography, brought to light in the works of choice.

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DE MONTGOLFIER, Isabelle. « Carlos Saura enflamme le cinéma flamenco ». Culture flamenca : cante et traduction, n^o 2 (17 janvier 2022). http://dx.doi.org/10.25965/flamme.453.

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Résumé :

Le cinéaste espagnol Carlos Saura, connu d’abord pour ses films de la période franquiste, l’est aujourd’hui pour son cinéma musical. Il a contribué à faire entrer le flamenco dans la modernité, en impulsant dans les années 1990 une nouvelle écriture flamenca avec danseurs, musiciens et chanteurs qui, tout en s’appropriant les codes du flamenco traditionnel, incarnent une nouvelle génération libérée des carcans de l’académisme. En portant à l’écran la danse et le chant flamenco, Saura contribue, par la mise en scène et la photographie, à en accentuer la beauté et la puissance poétique. Il fait ainsi participer les spectateurs au duende, ce pur moment de grâce qui est une communion toujours imprévisible et éphémère entre les interprètes et le public, une notion singulière, intraduisible et si caractéristique de l’art flamenco.

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Paoletti, Catherine. « Le diagramme en scène Mouvement, geste et écriture ». Art and Science, n^o 1 (11 décembre 2020). http://dx.doi.org/10.30687/va/2385-2720/2020/01/011.

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Résumé :

From the diagram, which inscribes the line (διά-γράφειν), to the choreography (χορεία-γραφία), which inscribes the choir into the written form, we remark but a short step from the scène of the dance to the scène of the writing. The writing of dance, and likewise the writing of the body, makes the invisible visible within the movement. Bridging between notation, as capacity for mobilisation of new intuitions, and diagrammatization of forms and movements to compel the thought of new gestures, the diagram stands out as a scène or ‘picture’ whose axes (points, lines, arrows, circles, volumes…) simultaneously structure mobility in order to grasp the pulsating movement. The twentieth-century artistic avant-gardes will not remain indifferent to this ideography that, through leap and condensation, makes the materialization of the idea, the idea in the writing, possible.

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Christmann, Mathilde. « Croisements paysage/danse/musique : écritures entre composition et improvisation ». Projets de paysage, n^o 8 (7 juillet 2012). http://dx.doi.org/10.4000/paysage.15564.

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Baudoin, Sébastien, et Élodie Saliceto. « Paysages italiens ». Acta Novembre 2008 9, n^o 10 (21 novembre 2008). http://dx.doi.org/10.58282/acta.4672.

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Résumé :

Cet article est un compte-rendu du livre : Guiseppe Sangirardi, Le paysage dans la littérature italienne, De Dante à nos jours, Éditions universitaires de Dijon, collection « Écritures », Dijon, 2006.

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Köhler, Hartmut. « Erica Durante, Poétique et écriture : Dante au miroir de Valéry et de Borges, Paris, Honoré Champion 2008 (Bibliothèque de Littérature générale et comparée, dirigée par Jean Bessière, 76), 549 S ». Deutsches Dante-Jahrbuch 84, n^o 1 (1 janvier 2009). http://dx.doi.org/10.1515/dante-2009-0114.

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SOUBISE, Matthias. « “One becomes accustomed to everything, even to earthquakes”. Experiencing and writing the earthquake in some travel narratives to South America at the beginning of the 18th century ». Viatica, n^o 9 (1 mars 2022). http://dx.doi.org/10.52497/viatica2297.

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Résumé :

Earthquakes are an essential commonplace in travel narratives to South America. At the beginning of the 18th century, several French travellers experienced South American earthquakes during their stay along the Andes. Writing the earthquake turns it sometimes into a daily and uneventful event, sometimes on the contrary into a catastrophe which presents a moving and pathetic display. The religious explanation of the natural phenomenon is not central in these travel narratives, which highlight the social dimension of the catastrophe and to propose scientific explanations of it. The way earthquakes are integrated into the narrative often shows that they are much less the result of a direct experience than a compilation of historical events, drawn from books or other eyewitnesses. The subject of earthquakes allows to question the travel narrative’s value of testimony as well as its rhetoric of verisimilitude.

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Verny, Serge. « Comments on Space in Poste (1929) by Mikhaïl M. Tsekhanovsky (1889-1965) ». Slovo To the East of Pixar :... (2 mars 2019). http://dx.doi.org/10.46298/slovo.2019.5241.

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Résumé :

International audience The film Poste (1929) by M. Tsekhanovsky, illustrator and film director, based on a text by the poet Samuel Marchak, is an adaptation of the eponymous book conceived by the same two authors. The conjunction of this graphical universe with cinema is viewed in the artistic context of this period. Animation and montage reveal the dynamic unity of this poem in images. A registered letter written by a child pursues its recipient who has left on a voyage round the world. Space unfolds at several registers of representation, between the second and third dimensions, between the abstract and the figurative. Plastic and rhythmic composition play with typography and words themselves. The story progresses from the particular to the general to culminate in a hymn to the postmen of the whole world. Le film La Poste (1929) de M. Tsekhanovski, illustrateur et réalisateur, sur un texte du poète Samuel Marchak est l’adaptation du livre éponyme conçu par ces deux mêmes auteurs. La conjonction de cet univers graphique avec le cinéma est replacée dans le contexte artistique de cette époque. L’animation et le montage révèlent l’unité dynamique de ce poème en image. Une lettre recommandée écrite par un enfant poursuit son destinataire parti en voyage autour de la terre. L’espace se déplie sur plusieurs registres de représentation, entre la 2e et la 3e dimension, entre abstraction et figuration. La composition plastique et rythmique joue avec la typographie et les mots en tant que tel. Le déroulement de l’histoire passe du particulier au général pour culminer dans un hymne aux facteurs du monde entier. Фильм Почта (1929) Михаила Цехановского, иллюстратора и кинорежиссера, основанный на тексте поэта Самуила Маршака, являетсяэкранизацией по одноименной книге, задуманной и осуществленной теми же двумя авторами. Сплав этой графической вселенной с кино рассматривается в художественном контексте периода. Анимация и монтаж образно раскрывают динамическую целостность этого стихотворения в картинках. Написанное ребенком заказное письмо гоняется за адресатом, уехавшим в кругосветное путешествие. Пространство разворачивается на нескольких уровнях репрезентации, между двумя и тремя измерениями, между абстрактным и фигуративным. Типографическое отображение и сами слова обыгрываются пластической и ритмической композицией. Рассказ развивается от частностей к общему и достигает своей кульминации в прославлении почтальонов всего мира.

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