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Articles de revues sur le sujet « Conservatoires de musique – France »

Auteur : Grafiati
Publié le 19 avril 2025

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Barlow, Jill. « London, Royal Academy of Music : Philippe Hersant ». Tempo 58, no 228 (avril 2004) : 76. http://dx.doi.org/10.1017/s0040298204350151.

Texte intégral
Résumé :
Philippe Hersant (b. 1948 in Rome, graduated Paris Conservatoire, studied with André Jolivet), has been working with the French national radio station France-Musique since 1973 and has received many honours as composer in France. In February 2004 Radio France presented a ‘retrospective’ of his prolific output as well as the première of his Violin Concerto, a Radio France commission. His new opera, Le Maine Noir, based on Anton Chekov's story, will be premièred in May 2005.
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2

Fulcher, Jane F. « Concert et propagande politique en France au Début du 20eSiècle ». Annales. Histoire, Sciences Sociales 55, no 2 (avril 2000) : 389–413. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.2000.279853.

Texte intégral
Résumé :
Peu avant sa mort, survenue en 1910, Louis Bourgault-Ducoudray, professeur d'histoire de la musique au Conservatoire de Paris, reçut un jour la visite d'un invité peu commun. Celui-ci, raconte Bourgault-Ducoudray dans une lettre non datée, était membre de l'Action française, mouvement monarchiste pour lequel le professeur, quoique officiant dans une institution républicaine, éprouvait une sympathie voilée. Le but de cet émissaire singulier ? Consulter le musicien sur un projet de soirée associant littérature et musique, et ce au bénéfice de la ligue nationaliste Si le professeur multiplia d'abord les mises en garde, soulignant les risques de l'entreprise dans une saison déjà largement surchargée et où les nombreuses manifestations se faisaient concurrence, il en vint peu à peu à livrer le fond de sa pensée sur le projet et le principe même du concert mis au service de l'idéologie nationaliste:Selon moi, l'Action francaise, comme la Patrie francaise, devrait chercher dans Fart et particulièrement dans l'art musical moins un moyen de recette qu'un moyen de propagande par le sentiment. Puisque l'idée de patrie est battue […] il importe de formuler avec toute la puissance qu'il comporte les augures du sentiment national. Je lisais dans le Gaulois, cette définition du nationalisme : le sentiment profond, les traditions, les rêves, les énergies de toute une race. Savez-vous l'unique moyen de formuler cela ? C'est la musique chorale […]. Organisez un culte musical de la patrie et de la tradition franchise et donnez une audition de musique patriotique au Trocadéro […]. Vous affirmerez avec une puissance de rayonnement incomparable l'idée que nous servons.
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3

Terrien, Pascal, François Joliat et Sabine Chatelain. « Didactique et enseignement musical : l'épistémologie pratique ». Journal de recherche en éducations artistiques (JREA), no 1 (17 janvier 2023) : 39–53. http://dx.doi.org/10.26034/vd.jrea.2023.3579.

Texte intégral
Résumé :
Cet article confronte différents points de vue sur la notion de didactique dans l’enseignement musical à l’École et au Conservatoire, en France et en Suisse. Dans un premier temps, nous explicitons les acceptions et les formes que peut prendre cette notion dans nos deux pays avec un regard particulier centré sur l’épistémologie pratique des professeurs de musique. Dans un deuxième temps, nous décrivons comment l’observation de l’épistémologie pratique d’une enseignante généraliste suisse lorsqu’elle enseigne la musique dans une classe primaire peut documenter la recherche en didactique. Dans un troisième temps, nous discutons l’apport d’une meilleure connaissance de l’épistémologie pratique des enseignants pour enrichir les ressources dans le champ de la didactique dans l’enseignement musical.
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4

Duchêne-Thégarid, Marie. « L’enseignement musical québécois à travers le prisme de la France : apprentis musiciens canadiens-français à Paris (1911-1943) ». Les musiques franco-européennes en Amérique du Nord (1900-1950) : études des transferts culturels 16, no 1-2 (25 avril 2017) : 97–111. http://dx.doi.org/10.7202/1039616ar.

Texte intégral
Résumé :
Pendant l’entre-deux-guerres, les pouvoirs publics et les pédagogues français s’efforcent d’attirer à Paris les élèves musiciens étrangers considérés par Henri Rabaud, directeur du Conservatoire, comme les « plus utiles propagateurs de la culture française ». Signe de cet intérêt, la fondation et le développement de l’École normale de musique et du Conservatoire américain de Fontainebleau, écoles dédiées à l’accueil de musiciens étrangers, coïncident avec ceux de l’Association française d’action artistique (AFAA), organisme chargé de la diffusion, à l’étranger, de l’art français. Le transfert culturel que les autorités françaises tentent ainsi d’orchestrer semble rencontrer, au Canada français, un écho particulièrement favorable. La première moitié du xxe siècle représente, pour la vie musicale québécoise, une période d’essor marquée par la fondation de nombreuses institutions et par la naissance d’une filière de migration estudiantine. Encouragés par les pouvoirs publics québécois à compléter leur formation en France, les futurs musiciens professionnels se confrontent, à Paris, aux modèles esthétiques, pédagogiques et institutionnels qui, à leur retour, nourrissent le « développement de l’art musical » que la création en 1911 du prix d’Europe appelle de ses voeux. L’examen des archives de l’AFAA et des principales écoles parisiennes de musique invite à relire le développement que connaît l’enseignement musical au Canada français à la lumière des ambitions françaises en matière de diplomatie culturelle. Ces sources gardent en effet la trace des mesures adoptées en France pour faciliter le séjour parisien des apprentis musiciens canadiens-français ; elles renseignent aussi sur les tentatives d’ingérence françaises dans les débats qu’occasionne, au Québec, la fondation d’un établissement d’enseignement de la musique à vocation nationale. Ces archives alimentent enfin une étude prosopographique qui recense les élèves canadiens-français inscrits dans les institutions parisiennes, retrace leurs trajectoires et évalue l’efficacité de la stratégie française à leur retour au Québec.
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Chaachoo, Amin, Zakaria Charia et Abdelfattah Lahiala. « L’INNOVATION DE L’ENSEIGNEMENT DE LA MUSIQUE ANDALOUSE ». Conhecimento & ; Diversidade 15, no 39 (6 novembre 2023) : 156–75. http://dx.doi.org/10.18316/rcd.v15i39.11164.

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Résumé :
Cette intervention va traiter de l’enseignement de la musique andalouse dans les établissements de musique officiels du Maroc. Cette musique, étant d'origine andalouse, de tradition marocaine et de caractère savant, jouit d’un enseignement institutionnel dans tous les conservatoires de musique du pays, avec un système pédagogique défini. Cependant, l’enseignement de la musique andalouse est déficient car il ne contemple pas les multiples aspects de cette musique, aspects qui sont essentiels pour une formation convenable et complète de la musique andalouse. Tel est le cas, par exemple, du domaine de la théorie musicale mélodique, de l’esthétique de la musique andalouse, de la littérature poétique ou de l’histoire de cette musique. Ces éléments se voient totalement absents de l’enseignement musical andalou. Cette communication compte proportionner une description de l'état de l'enseignement musical andalou dans les conservatoires de musique nationaux du Maroc. Après cette description, la communication compte apporter une proposition pédagogique complète qui contemple les différents aspects de la musique andalouse: une histoire musical andalouse, ses étapes et son évolution, tout en considérant ses différents éléments dont beaucoup n’ont jamais été traités dans une histoire quelconque de cette musique, reconnue ou non, écrite ou orale, comme c’est le cas de la partie de l’histoire de la musique ibérique préandalouse ou de la musique grecque classique, étapes essentielles dans l'histoire de la musique andalouse. Seront traités également des éléments de premier ordre, comme la théorie modale mélodique, une théorie disparue depuis la chute de Grenade, en 1492. Cette théorie a été récupérée, grâce à mes études sur le domaine, une théorie qui sera proposée dans cette intervention, comme base essentielle de l'apprentissage de la musique andalouse dans les conservatoires. Une pédagogie de l'esthétique musicale andalouse sera également proposée, de par son importance, étant cette musique de caractère traditionnel, donc empreinte d'un style propre et émanant de sa réalité sociale et culturelle. La partie pratique sera également contemplée: toute musique traditionnelle n'est développée que dans son contexte traditionnel, un contexte qui la nourrit culturellement et qui abreuve les musiciens, non seulement d'un cadre en accord avec cette musique, mais aussi d'éléments culturels qui orientent la pratique musicale.
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Redman, Benjamin. « Evaluating the use of LoLa in European conservatoires : The SWING project ». Journal of Music, Technology and Education 13, no 2 (1 décembre 2021) : 199–217. http://dx.doi.org/10.1386/jmte_00023_1.

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Résumé :
The research presented in this article reports on the SWING project, a qualitative case study initiated by The Association Européenne des Conservatoires, Académies de Musique et Musikhochschulen (AEC) into the use of LoLa (low-latency audio-visual streaming) for instrumental music teaching between conservatoires. LoLa is a software package that allows musicians to perform and interact together synchronously in real-time with high-quality audio, something not currently possible with standard videoconferencing platforms. LoLa is a relatively new technology and there is limited research available on how effective it is when used for instrumental music teaching. Trials of LoLa technology were conducted in three conservatoires in Austria, Italy and Slovenia in early 2019. Follow-up interviews were conducted with music teachers, students and technicians to understand their experiences of using the technology, what changes took place in the teaching, and to determine the potential and limitations of LoLa for teaching in conservatoires. Participants in the trials reported overall satisfaction with the system, with many being surprised at the high quality. The findings showed that LoLa can expand the possibilities for artistic development by facilitating synchronous interaction between teachers and students in different conservatoires. These possibilities include one-to-one lessons, group masterclasses, examinations, and opportunities to rehearse and perform synchronously with musicians from other institutions. This aligns with current research which calls for a reappraisal of the traditional one-to-one conservatoire studio lesson.
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Leterrier, Sophie-Anne. « Rémy Campos, Instituer la musique. Les premières années du Conservatoire de Genève (1835-1859), Genève, Éditions Université-Conservatoire de musique, 2003, 877 p. ISBN : 2-88433-012-7. 80 francs suisses. » Revue d'histoire du XIXe siècle, no 32 (1 juin 2006) : 153–209. http://dx.doi.org/10.4000/rh19.1116.

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Laucirica, Ana. « L'oreille absolue partielle chez les musiciens : une compétence assez générale ». Musicae Scientiae 9, no 2 (juillet 2005) : 255–71. http://dx.doi.org/10.1177/102986490500900206.

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Résumé :
Pour un grand nombre d'auteurs l'oreille absolue constitue une modalité perceptive indépendante et opposée à l'audition relative. Il y a, cependant, d'importantes recherches qui au cours des dernières années ont découvert que l'audition musicale humaine présente une grande complexité et que les participants d'une ou autre tendance montrent des traits de la modalité perceptive opposée. L'existence de l'oreille absolue partielle, établie depuis les premières recherches sur cet objet, contribue de měme à ratifier l'idée d'une plus grande extension de l'audition absolue que ce qui jusqu'il y a quelques années avait été envisagé. Si nous considérons l'oreille absolue limitée par le registre, le timbre, les sons altérés ou les combinaisons de ces paramètres, la population musicale avec oreille absolue augmente de façon considérable. Ce travail expose un test d'identification tonale à 88 étudiants de niveau supérieur d'un conservatoire de musique et montrent un important pourcentage de personnes qui présentent quelque type d'oreille absolue. Ces résultats nous permettent de proposer une unification du traitement qu'on attribue aux paramètres du son qui touchent l'identification tonale dans le but d'utiliser cette information comme instrument d'évaluation pour l'amélioration des cours de développement auditive dans les conservatoires et écoles de musique.
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Micheau, François, Jérôme Porteret et Julien Saillard. « Protéger et gérer les zones humides pour s’adapter et atténuer les effets du changement climatique sur le grand cycle de l’eau, une action des Conservatoires d’espaces naturels ». Annales des Mines - Responsabilité et environnement N° 112, no 4 (25 octobre 2023) : 99–103. http://dx.doi.org/10.3917/re1.112.0099.

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Résumé :
À travers plusieurs exemples concrets de préservation et de restauration des milieux humides en France, menés par les Conservatoires d’espaces naturels, cet article propose de voir les zones humides à la fois comme objet du changement climatique, subissant directement ou indirectement les effets délétères sur ses fonctions, mais également comme sujet du changement climatique, constituant une solution d’adaptation et d’atténuation du changement climatique, notamment par le stockage de carbone.
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Visioli, Jérôme, et Oriane Petiot. « Comment mieux vivre la « prépa agrég » la plus compétitive de France ? » Empan 133, no 1 (23 février 2024) : 135–44. http://dx.doi.org/10.3917/empa.133.0135.

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Résumé :
Nous avons invité les étudiants prépa-rant l’agrégation externe d’ eps à l’ ens de Rennes à adopter des stratégies singulières d’écoute de la musique à deux périodes de la préparation. Les résultats révèlent une tendance progressive à utiliser la musique en dehors des temps de travail afin d’égayer le quotidien et un rôle majoritairement positif de la musique sur l’expérience émotionnelle des norma-liens. L’écoute de la musique peut aider les étudiants à mieux vivre cette préparation au concours particulièrement exigeante.
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이무상. « Les mesures d’exécution forcée et conservatoires -sur les créances d’argent en France- ». Dankook Law Riview 41, no 2 (août 2017) : 183–254. http://dx.doi.org/10.17252/dlr.2017.41.2.007.

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Choi, Kwangsun. « Étude sur les mesures conservatoires dans la procédures civiles d’exécution en France ». Journal of Civil Judgment Enforcement Law 20 (28 février 2024) : 57–126. http://dx.doi.org/10.29153/jcjel.2024.20.1.002.

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Filimonov, Dimitri. « Circulations musicales entre la France et l’URSS 1950-1980 ». Revue des études slaves 95, no 1-2 (2024) : 99–127. http://dx.doi.org/10.4000/120dw.

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Résumé :
À partir du milieu des années 1950, l’intérêt des Soviétiques pour la musique française ne cesse de croître. Reproduite souvent de façon illégale au vu des droits d’auteur, elle obtient un succès inégalé et inspire plusieurs artistes soviétiques qui en font des adaptations à succès. Soigneusement sélectionnées par les instances idéologiques, certaines chansons françaises évoquent les liens franco-soviétiques, d’autres permettent d’introduire un écho de la musique américaine sur la scène soviétique. Cet article s’attache à analyser les différentes voies de diffusion de la musique française en Union soviétique, leurs modes d’appropriation par le champ culturel soviétique et les enjeux politiques de ces contacts. L’étude s’appuie sur un large corpus de sources : les archives des agences artistiques responsables de l’organisation des tournées des artistes français en URSS, les archives de la SACEM concernant les droits d’auteur sur les œuvres françaises reproduites en Union soviétique, mais aussi un nombre de sources privées présentant des témoignages des Soviétiques au sujet de leur perception de la musique française.
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Duron, Jean. « Le manuscrit musical Rés. 1474 de la BNF : un répertoire pour la cathédrale Saint-Pierre de Vannes ou pour les couvents d’alentour ? » Annales de Bretagne et des pays de l'Ouest 131-2 (2024) : 201–24. http://dx.doi.org/10.4000/11rcd.

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Résumé :
Le recueil manuscrit Rés. 1474 de la Bibliothèque nationale de France (département de la Musique) est l’un des très rares et précieux témoignages de la musique religieuse en France sous l’Ancien Régime. Ses 430 pages de musique ont été copiées par Claude-Alexis Le Maignan de Kerangat, sous-chantre de la cathédrale de Vannes entre 1708 et 1711. Le recueil rassemble 73 motets dont 50 (les 2/3) sont attribués à Daniel Danielis, maître de musique de la cathédrale de 1684 à 1696 et l’une des figures les plus importantes de la musique religieuse en France sous le règne de Louis XIV. Ce recueil qui semble très homogène, n’est pas sans poser un certain nombre de questions. Certaines touchent les autres compositeurs de ce recueil, pour quelques-uns attachés un temps à la cathédrale. D’autres comme Campra et Brossard, célèbres à Paris dès les années 1695-1700, sont représentés parfois avec des motets inédits qui ont donc pu être chantés à Vannes. Mais la question la plus ardue est certainement celle de la destination de ce répertoire, réservé exclusivement à de petites formations musicales sans rapport avec les effectifs musicaux de la cathédrale.
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DIECKHOFF, Léa, Juliette ROULEAU, Florine DELESSE et Sandra CLERMONT. « La marque « Végétal local » vue par EDF : analyse de filière et retours d’expérience ». Sciences Eaux & ; Territoires, no 46 (13 novembre 2024) : 8136. http://dx.doi.org/10.20870/revue-set.2024.46.8136.

Texte intégral
Résumé :
L’entreprise EDF, en tant qu’aménageur d’infrastructures majeures et gestionnaire de plus de 30 000 hectares de foncier terrestre en France continentale, collabore depuis plus de dix ans avec les Conservatoires botaniques nationaux sur l’origine du matériel végétal utilisé dans ses projets d’aménagement, de réhabilitation post-chantier et de restauration écologique. Cette collaboration se traduit notamment par un partenariat national initié dès la création en 2015 de la marque « Végétal local ». Cette dernière, animée par le réseau des Conservatoires botaniques nationaux, l’Afac-Agroforesteries et Plante & Cité, vise à garantir l’utilisation de matériel végétal adapté au territoire où les projets sont mis en place, dans un souci de protection de la diversité génétique. L’article présente la vision d’EDF sur la structuration de la filière, qui se distingue par un réseau d’animateurs locaux, un lien avec les acteurs de l’économie des territoires et une forte implication du monde de la formation et de la recherche. Un retour d’expérience sur les projets portés par EDF avec du « Végétal local « permet de mettre en lumière les avantages de la marque, mais aussi les défis qui vont de pair avec son utilisation.
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Rouzé, Vincent. « Musique de l'image ou image de la musique ? Quelques formes de médiatisation de la musique en France ». Contemporary French Civilization 36, no 1-2 (janvier 2011) : 161–76. http://dx.doi.org/10.3828/cfc.2011.12.

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Plante, Jean-François. « Le paysage sonore de la Nouvelle-France ». Ethnologies 35, no 1 (9 septembre 2014) : 125–44. http://dx.doi.org/10.7202/1026454ar.

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Résumé :
Depuis une dizaine d’années, les recherches sur la musique en Nouvelle- France ont amené un éclairage nouveau sur divers aspects de cette pratique, qu’elle soit savante, traditionnelle ou amérindienne. Mais il nous a semblé qu’une étude du monde sonore dans lequel vivait les gens des XVIIe et XVIIIe siècles nous permettrait d’en savoir plus sur les effets des sons, du bruit jusqu’à la musique, sur les comportements des individus. Le concept de paysage sonore de Murray Schafer nous a paru l’outil idéal pour mettre en forme une nouvelle approche qui nous permettra de lire de façon différente les sources de la Nouvelle-France.
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French, French. « La chanson française à l’école du modèle soviétique ». Voix Plurielles 17, no 2 (12 décembre 2020) : 162–71. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v17i2.2608.

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La valorisation en France de la musique soviétique s’observe au travers des articles de presse consacrés à la chanson française. Plutôt que d’éclairer la réception intellectuelle – avec un auteur ou une œuvre – du concept de réalisme socialiste par l’opinion publique, ce travail privilégie ainsi l’expérience ordinaire, par la population, des prestations des chanteurs français. Nous nous centrons ici sur la période stalinienne d’après-guerre élargie à l’immédiat après Staline. Elle représente l’acmé de la dictature stalinienne et reste encore aujourd’hui la plus mystérieuse de l’histoire soviétique. Le Parti Communiste Français est par ailleurs la première puissance de gauche en France. Exploiter un corpus qui réunit toutes les sources écrites assimilées communistes de l’époque, chambres d’écho de ce qui se passait alors en U.R.S.S. nous permet ainsi d’examiner dans quelles mesures la subordination de la presse de l’époque à des intérêts politiques, mais aussi à des principes professionnels ou à des attentes hédonistes conforte cette réception. Si la célébration des auteurs et des interprètes de la chanson française offrait l’occasion de défendre et promouvoir la musique soviétique, la valorisation par notre presse communiste de la musique légère en U.R.S.S. servait à confirmer la valeur de la chanson française ancrée dans les milieux populaires. Mots clés – France, chanson, Union soviétique, réception, musique, communiste
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Milo, Daniel. « Le musical et le social : variations sur quatre textes de William Weber (Note critique) ». Annales. Histoire, Sciences Sociales 42, no 1 (février 1987) : 27–40. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.1987.283366.

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Résumé :
L'auditeur de France Musique aujourd'hui a toutes les chances d'entendre une œuvre écrite il y a plus de vingt-cinq ans, et il est encore plus probable que le compositeur soit mort avant 1900 (et après 1750), alors que l'auditeur de Radio Classique, chaîne privée, vit littéralement en régime XVIIIe-XIXe siècles. S'il fréquente les concerts, il faut que l'entrée soit libre pour qu'il aille écouter de la musique contemporaine ; de même sa discothèque est constituée en grande majorité de musique du XVIIIe et du XIXe siècle. La musique « sérieuse » est on ne peut plus passéiste — d'où le terme « classique » qui la désigne.
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Cohen, Paul. « “Zouk Is the Only Medicine We Need” ». French Historical Studies 45, no 2 (1 avril 2022) : 319–53. http://dx.doi.org/10.1215/00161071-9532010.

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Résumé :
Abstract This article demonstrates how the history of Kassav, the French Caribbean music group founded in 1979, sheds light on the cultural politics of French Caribbean music and the history of “global France.” It argues that Kassav's music represents an inventive cultural and commercial response to patterns of neocolonial and capitalist exclusion in the French Caribbean, one that drew on the islands' own cultural resources to fashion a new musical form, called zouk, that has had lasting influence. Kassav owes its commercial success in part to a global music industry hungry for new musics from postcolonial peripheries and to Paris's role as a world music capital. That Kassav was seen in metropolitan France as “Caribbean” or “world” music, rather than “French,” speaks to the historical and racial fault lines that obscure the Frenchness of the French Caribbean to many in the Hexagon. Cet article analyse comment l'histoire de Kassav, le groupe musical antillais fondé en 1979, permet de mieux comprendre la politique culturelle de la musique des Antilles françaises ainsi que l'histoire « mondiale » de la France. La musique de Kassav représente une réponse culturelle et commerciale inventive à des structures d'exclusion néocoloniales et capitalistes dans les Antilles françaises, une réponse qui puisait dans les ressources culturelles propres aux îles, afin de façonner un nouveau genre de musique (le zouk) qui a exercé une influence importante. Kassav doit son succès commercial en partie à une industrie musicale mondialisée à l'affût de musiques issues des périphéries postcoloniales et au rôle de Paris comme capitale de la « musique du monde ». Que la musique de Kassav ait été perçue en France métropolitaine comme « antillaise » ou « du monde », plutôt que « française », témoigne des lignes de faille historiques et raciales qui occultent l'appartenance française des Antilles aux yeux de nombreux habitants de l'Hexagone.
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Lazzaro, Federico. « Chanter l’athlète moderne, entre ridiculisation et glorification ». Revue musicale OICRM 4, no 2 (8 février 2018) : 75–98. http://dx.doi.org/10.7202/1043221ar.

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Résumé :
En 1922, le quotidien culturel Comoedia lance le concours de musique, de poésie et d’architecture « L’art et le sport », « pour glorifier l’athlète moderne ». La pièce musicale gagnante, Cortège d’athlètes de Louis Vuillemin, est une oeuvre ouvertement militaire et nationaliste. Cet article retrace les liens entre la gymnastique, le sport et la musique en France entre 1870 le début des années 1920 afin de comprendre les origines et les raisons de la militarisation de la musique à sujet sportif.
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Bonnéry, Stéphane. « L’enseignement de la musique, entre institution scolaire et conservatoires. Éclairages mutuels des sociologies de l’éducation et de la culture ». Revue française de pédagogie, no 185 (31 décembre 2013) : 5–19. http://dx.doi.org/10.4000/rfp.4290.

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Durosoir, Georgie. « Pastorales avec musique et pastorales en musique en France au milieu du XVIIe siècle ». Littératures classiques 21, no 1 (1994) : 237–48. http://dx.doi.org/10.3406/licla.1994.1786.

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Battus, Pascal. « Sound Massages ». Leonardo Music Journal 16 (décembre 2006) : 76. http://dx.doi.org/10.1162/lmj.2006.16.76.

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Reverdy, Michèle. « « Qu’est-ce que vous faites dans la vie ? – Je suis compositrice. . . » ». Circuit 19, no 1 (6 février 2009) : 15–21. http://dx.doi.org/10.7202/019931ar.

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Résumé Prolongeant une réponse à une des « 50 questions » abordées dans son livre Composer de la musique aujourd’hui, l’auteure décrit les nombreux obstacles auxquels une femme doit faire face en France pour exercer le métier de compositrice. Après une brève incursion autobiographique, Reverdy se penche sur la question d’une prétendue spécificité de la musique composée par des femmes, et s’insurge contre le mythe d’une musique composée « en toute innocence », pour ensuite conclure sur les dimensions politiques de la composition musicale.
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Campos, Rémy. « L’histoire de la musique en France depuis 1945 ». Histoire de la recherche contemporaine, Tome VII-N°1 (15 juin 2018) : 19–28. http://dx.doi.org/10.4000/hrc.1844.

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Tranchon, Cédric. « La petite musique de la Patrouille de France ». Le journal de l'école de Paris du management 96, no 4 (2012) : 38. http://dx.doi.org/10.3917/jepam.096.0038.

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Briont, Théo. « Musique et télévision en France, d’hier à aujourd’hui ». Le Mouvement Social 268, no 3 (2019) : 139. http://dx.doi.org/10.3917/lms.268.0139.

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Bouzard, Thierry. « La musique militaire, agent d’influence ». Inflexions N° 55, no 1 (18 janvier 2024) : 157–64. http://dx.doi.org/10.3917/infle.055.0157.

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Résumé :
La création des orchestres militaires ne remonte qu’à 1766, mais dès lors ceux-ci ont occupé une place considérable dans la vie culturelle française et internationale, constituant ce que l’on peut appeler un outil d’influence au service de la France. Aujourd’hui encore, ces orchestres, en particulier celui de la Garde républicaine, représentent la communauté nationale, et pas uniquement lorsque le cérémonial d’État nécessite sa présence. Retour sur une grande épopée culturelle.
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Legon, Thomas. « Les lycéens et les supports d'écoute de musique enregistrée ». Diversité 173, no 1 (2013) : 49–55. http://dx.doi.org/10.3406/diver.2013.3759.

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Résumé :
Est-ce que les différents supports d’écoute concernent tous les lycéens de la même façon ? Dans quelles conditions écoutent-ils de la musique ? À travers l’analyse des supports, cet article posera la question du sens social que véhiculent les manières concrètes d’écouter la musique (quelle que soit cette musique) dans le contexte inédit de multiplication des possibilités de consommation et de démocratisation de l’écoute régulière de musique enregistrée. On s’attachera à voir tout au long de l’analyse comment l’intériorisation de certaines dispositions culturelles façonne les manières concrètes d’écouter la musique. Les résultats se basent sur l’analyse d’un questionnaire rempli par 833 lycéens rhônalpins ainsi que sur six études de cas (portant sur l’interdépendance entre pratiques de sociabilité et pratiques culturelles des lycéens) et 35 entretiens individuels réalisés avec des lycéens vivant en Île-de-France, en Rhône-Alpes et en Picardie.
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Martin de Guise, Sylvaine. « Enseignement à distance de la musique ou l’e-learning musical ». Intersections 29, no 2 (23 novembre 2010) : 84–108. http://dx.doi.org/10.7202/1000041ar.

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Résumé :
Aujourd’hui l’e-learning musical est un outil d’apprentissage de la musique en plein essor depuis le développement des technologies tel que le standard MIDI — permettant la communication entre ordinateurs et instruments de musique —, Internet, le Web et les multimédias. Tous ces domaines reliés favorisent la création de cours mis sur logiciels qui peuvent être diffusés sur Internet ou en Intranet dans les écoles. Cette avancée dans l’éducation musicale se constate partout dans le monde et nous verrons dans cet article différents exemples et procédés d’apprentissage à distance de la musique qui sont mis en oeuvre en France et au Canada.
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Gut, Serge, et Henri Gonnard. « La Musique modale en France de Berlioz a Debussy ». Revue de musicologie 88, no 1 (2002) : 238. http://dx.doi.org/10.2307/947489.

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Gallat-Morin, Élisabeth. « La musique dans les rues de la Nouvelle-France ». Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 19, no 1-2 (8 juin 2020) : 101–8. http://dx.doi.org/10.7202/1069879ar.

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Résumé :
Au temps de la Nouvelle-France, les rues de Québec et de Montréal ne sont pas dépourvues de sons musicaux; les sources de l’époque permettent d’en recréer l’ambiance sonore. Les compagnies militaires en garnison dans les villes ont toutes fifres et tambours pour accompagner diverses célébrations. Les proclamations officielles, lues après la messe paroissiale du dimanche, sont annoncées au son du tambour. L’année est ponctuée de fêtes religieuses qui, à la belle saison, sont soulignées par des processions donnant lieu à de véritables réjouissances populaires accompagnées de chants et d’instruments, du son des canons et de décharges d’artillerie avec parfois des conséquences catastrophiques. Des documents conservés à Montréal indiquent le trajet exact des processions à travers la ville et la musique chantée à chaque station.
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Supičić, Ivo, Danièle Pistone, Ivo Supicic et Daniele Pistone. « La musique en France de la Révolution à 1900 ». International Review of the Aesthetics and Sociology of Music 18, no 1 (juin 1987) : 173. http://dx.doi.org/10.2307/836915.

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Powrie, Phil. « La Musique de film en France : courants, spécificités, évolutions ». Modern & ; Contemporary France 26, no 2 (14 décembre 2017) : 222–23. http://dx.doi.org/10.1080/09639489.2017.1412942.

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Prévost, Benoît, et Audrey Rivaud. « From conservation to offsetting and neoliberalization : Institutional change, risks and opportunities in the French context ». Environment and Planning E : Nature and Space 2, no 2 (18 mars 2019) : 323–47. http://dx.doi.org/10.1177/2514848619836039.

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Résumé :
Following the institutionalist framework, this paper analyses the way institutional changes affect the representations and strategies of the actors involved in biodiversity conservation. We conducted a survey within the network of the French Conservatoires d'Espaces Naturels after the adoption of the French Biodiversity Law in 2016. The latter introduced several critical changes in the legal framework, especially the enforcement of Avoid–Reduce–Offset principles and the potential development of an offset supply. Our survey shows that these changes in the institutional framework both reduce and increase uncertainties, and raise debates and controversies concerning the way such changes may be interpreted as steps towards a neoliberalization of biodiversity's conservation in France. These results contribute to the debates concerning the processes of environmental policies changes and their consequences.
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Ballester, Manon, Jean-Pierre Moreau et Pascal Terrien. « L’orchestre à l’école : des pratiques musicales au développement de l’esprit critique ». Nouveaux cahiers de la recherche en éducation 26, no 1 (2024) : 100–120. http://dx.doi.org/10.7202/1113235ar.

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Résumé :
Cet article étudie l’influence des pratiques de la musique instrumentale sur les performances de raisonnement des élèves de l’école élémentaire (9‑11 ans) en France. Croisant plusieurs approches en sciences humaines et sociales – la phénoménologie, la psychologie cognitive et la didactique de la musique –, cette étude cherche à observer si la capacité d’autorégulation, un des aspects du raisonnement et de l’esprit critique, est plus développée chez les élèves pratiquant un instrument de musique au sein d’un orchestre à l’école (OAE) que chez leurs camarades qui n’en jouent pas. Elle repose sur une analyse comparative de deux groupes d’élèves (n = 76) de cycle 3, dont la moitié participe au dispositif orchestre à l’école (OAE).
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Raibaud, Yves. « MÚSICA E TERRITÓRIO : O QUE A GEOGRAFIA PODE DIZER A PARTIR DA FRANÇA ». Espaço e Cultura, no 50 (20 décembre 2021) : 226–41. http://dx.doi.org/10.12957/espacoecultura.2021.65174.

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Cochini, Roger. « Musique électroacoustique et service public ». Circuit 13, no 3 (22 février 2010) : 51–58. http://dx.doi.org/10.7202/902284ar.

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Résumé :
L’enseignement de la musique électroacoustique en France a vécu, depuis ces trente dernières années, une profonde restructuration. Dans cet article, l’auteur, acteur et témoin de cette évolution depuis le début des années 1970, propose de comprendre comment cet enseignement, en se propageant depuis les Centres de création et de recherche dont il est originaire, et en se répartissant dans les lieux publics d’enseignement musical, s’est progressivement attribué une signification nouvelle. A l’heure où vient d’être fondée une Association des enseignants en composition de musique électroacoustique (AECME), il analyse les nouvelles formes et les nouveaux besoins de cet enseignement, essaye de comprendre comment se répartissent les responsabilités partagées entre nouveaux partenaires publics. S’appuyant sur sa propre expérience professionnelle, il fait émerger les conditions d’une possible intégration de cet enseignement dans la vie publique, et tente d’en dégager quelques perspectives communes pour l’avenir.
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Goldman, Jonathan. « Pierre Boulez, théoricien de l’écoute ». Circuit 13, no 2 (22 février 2010) : 81–92. http://dx.doi.org/10.7202/902274ar.

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Résumé :
Lecture attentive des cours de Boulez au Collège de France, rassemblés dans Jalons (pour une décennie), où l’on peut observer une nouvelle valorisation de l’écoute. Cette valorisation comprend l’invention d’un nouveau vocabulaire capable de rendre compte de la façon dont la musique, et plus spécifiquement, la musique de Boulez, est perçue. Après un survol de quelques-uns des termes les plus importants, l’auteur propose une distinction, capitale dans l’écriture de Boulez, entre une écoute « structurelle » et une écoute des résonances.
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Duverlie, Marine. « Les premiers dépositaires lyonnais de musique au XVIIIe siècle ». Revue française d'histoire du livre 144 (13 novembre 2023) : 59–79. http://dx.doi.org/10.47421/rfhl_144_59-79.

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Résumé :
Au XVIIIe siècle, la technique de la gravure sur cuivre, qui servait jusqu’alors aux estampes, est appliquée à l’impression de la musique et facilite ainsi l’édition de partitions. Ce phénomène permet un nouvel essor de la musique en France, et principalement à Paris où les graveurs sont rapidement réputés dans toute l’Europe. Des maisons d’édition dédiées à la musique s’y développent. Mais en périphérie de ce vivier parisien, on sait que Lyon connaissait une vie musicale très active, dont témoignent son Opéra et son Académie des Beaux-Arts, ce qui signifie qu’elle aussi avait accès aux partitions de l’époque. Pour ce faire, il existait à Lyon des marchands de musique, que l’on appelle des « dépositaires ». Ils sont chargés de prendre en dépôt des partitions venant de Paris pour les vendre au public lyonnais. Mais les modalités de ce commerce sont encore mal connues. Qui étaient ces dépositaires ? Que vendaient-ils ? Exerçaient-ils aussi une activité d’éditeur ? Quelle influence avaient-ils sur les spectacles lyonnais ?
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Jullian, Martine. « L'image de la musique dans la sculpture romane en France ». Cahiers de civilisation médiévale 30, no 117 (1987) : 33–44. http://dx.doi.org/10.3406/ccmed.1987.2351.

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Le Guern, Philippe. « En arrière la musique ! sociologies des musiques populaires en france ». Réseaux 141-142, no 2 (2007) : 15. http://dx.doi.org/10.3917/res.141.0015.

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Alazard, Florence. « La musique à la Cour de France au XVIe siècle ». Revue d’histoire moderne et contemporaine 52-4, no 4 (2005) : 205. http://dx.doi.org/10.3917/rhmc.524.0205.

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Gribenski, Jean, Jean Mongrédien, Boris Schwarz et Jean Mongredien. « La musique en France des Lumières au Romantisme, 1789-1830 ». Revue de musicologie 74, no 1 (1988) : 114. http://dx.doi.org/10.2307/928180.

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Brohm, Jean-Marie, et Laetitia Petit. « La musique, un appareil idéologique d’État. L’Occupation nazie en France ». Topique 146, no 2 (2019) : 45. http://dx.doi.org/10.3917/top.146.0045.

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Candiard, Céline. « Le théâtre baroque aujourd’hui en France : la musique pour modèle ». Littératures classiques N° 91, no 3 (2016) : 153. http://dx.doi.org/10.3917/licla1.091.0153.

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Barbelin, Hervé, et Antoine Hennion. « 4. Désaccords parfaits : France Musique et la fabrication du goût ». Vibrations 3, no 1 (1986) : 132–57. http://dx.doi.org/10.3406/vibra.1986.949.

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Supičić, Ivo, Jean Mongredien et Ivo Supicic. « La musique en France des Lumières au Romantisme (1789-1830) ». International Review of the Aesthetics and Sociology of Music 20, no 2 (décembre 1989) : 243. http://dx.doi.org/10.2307/836736.

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Servan-Schreiber, Catherine. « Musique et danse indiennes classiques en France. Un processus d'intégration ». Hommes et Migrations 1268, no 1 (2007) : 60–67. http://dx.doi.org/10.3406/homig.2007.4629.

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