Thèses sur le sujet « Artiste américain »

Thomas Cole se rendit en Europe afin d'admirer les paysages et l'art, à l'instar des touristes de l'Antiquité et des Grands Touristes européens. Cet artiste de la première moitié du XIXe siècle effectua ses séjours avec un regard tourné vers un passé rêvé et idyllique. Au cours de ses périples, il se laissa transporter par ce que symbolisaient et faisaient vivre en lui les vestiges de l'Antiquité qu'il découvrit. À la suite de chacun de ses deux Grands Tours, il réussit à transcrire ce rêve à travers ses toiles, sans toutefois négliger les paysages américains qu'il arpenta avec passion également et qu'il lui tenait à cœur de préserver. Cole réinventa le Grand Tour en organisant ses propres voyages sans se laisser dicter ce qu'il devait voir ou faire dans les différentes villes d'Europe. Il s'agit de ce fait d'un Grand Tour original qui montre en creux ce qu'était le Grand Tour des Américains en lui apportant une tout autre dimension. Le peintre résida longtemps en Europe : trois ans pour son premier Grand Tour et un an pour le second. Il était tout autant à la recherche du Beau, du Pittoresque ou du Sublime européens que porté à l'observation et à l'étude de la peinture des Grands Maîtres. L'artiste fut particulièrement émerveillé par l'Italie et les paysages alpins de la Suisse, auxquels il attribua les qualités des trois catégories. Nous avons étudié la connaissance que Cole avait de ces catégories esthétiques et comment tout ceci se retraduisit dans son œuvre, jusqu'à influencer ses contemporains et la peinture de paysage aux États-Unis. En complément de ses toiles européennes ou d'inspiration européenne, ses écrits et ses croquis nous permettent de nous faire une image plus complète de son expérience sur le Vieux Continent. Loin du songe de l'Arcadie, nous avons également étudié les aspects matériels du voyage de l'époque. Nous avons en effet analysé en quoi l'image rêvée de l'Europe se heurta à la réalité, à quel point la vision que Cole avait de l'Europe fut modifiée par son expérience, ainsi que ce qu'il en ressortit dans son œuvre. Cet artiste américain fut un personnage très intéressant et complet, regroupant différents types d'art : peinture, architecture et écriture. L'analyse put ainsi être plus complète concernant l'influence de l'Europe sur le développement de l'art américain. Nous avons étudié les différents aspects de son art, en prenant en compte non seulement ses toiles finales, mais également ses esquisses et ses écrits de différents types (poèmes, articles, lettres, journaux, carnets de voyages, etc.). Ses témoignages nous donnent à voir, entendre, goûter, sentir, toucher, les paysages, que ce fussent des landscapes ou des cityscapes, créant ainsi cette mosaïque européenne des paysages. Après avoir visité l'Europe, Cole rentra chez lui, enrichi de nombre de croquis du Vieux Continent, lui permettant de créer de nouvelles toiles. Il délivra de cette manière une image très riche des lieux, confrontant parfois les siècles, donnant vie à une histoire idéalisée de l'Antiquité. Il prit pour habitude dans ses notes d'animer les lieux à l'aide de descriptions des activités, mœurs et modes vestimentaires des habitants rencontrés sur son chemin. Grâce aux diverses formes de narration dont l'artiste américain fit usage, nous avons eu accès pour nos recherches à une vision tour à tour authentique, intime, formelle, plus aboutie artistiquement (dans ses poèmes et articles) ou délivrant une vision d'ensemble, par ses toiles, offrant une impression immédiate à l'œil du spectateur quant aux sensations éprouvées sur les différents lieux découverts lors de son voyage. L'artiste se nourrit de la mythologie, de l'histoire, de l'art et de la littérature européenne pour bâtir son œuvre, comme il est aisé de le remarquer dans son Course of Empire. Il souhaitait élever la peinture de paysage au rang de la peinture historique ; il y parvint avec succès, tant par ses toiles européennes, qu'au travers de ses œuvres américaines
Thomas Cole travelled to Europe, to see its landscapes and art with his own eyes, like the tourists of Antiquity and the Great European Tourists. This artist from the first half of the 19th century travelled there with his eyes set on experiencing a dreamy, idyllic past. During his travels, he allowed himself to be transported by what the vestiges of Antiquity he encountered symbolised and brought to life for him. Following each of his two Grand Tours, he succeeded in transcribing this dream through his canvases. However, he did not neglect the American landscape, which he also explored with great passion. Perhaps his attachment to discovering and preserving the American wilderness was due to the fact that his roots were in England, where he was born and spent his first 17 years. Cole reinvented the Grand Tour by organising his own trips and refusing to be dictated by what he should conventionally see or do during his stays in the various cities of Europe. As a result, this is an original Grand Tour that gives a whole new dimension to the American Grand Tour. The painter stayed in Europe for a long time: three years for his first Grand Tour and one year for the second. He was as much in search of the Picturesque, the Beautiful or the Sublime in Europe as he was observing and studying the paintings of the Great Masters. He was particularly enchanted by Italy and the Alpine landscapes of Switzerland, to which he attributed the qualities of all three categories. We have looked at Cole's knowledge of aesthetic categories and how this translated into his work, influencing his contemporaries and landscape painting in the United States. In addition to his European or European-inspired paintings, his writings and sketches give us a more complete picture of his experience on the Old Continent. Far from the dream of Arcadia, we have also studied the material aspects of travel at the time. We have analysed how Cole's dream image of Europe measured against reality, and the extent to which his vision of Europe was altered by his experience. We have studied what emerges from this in his work. Cole was a very interesting figure, bringing together different types of art: writing, painting and architecture. This enabled us to make a more comprehensive analysis of the influence of Europe on the development of American art. We studied the different aspects of his art, considering not only his final canvases, but also his sketches and his writings of various kinds (poems, articles, letters, journals, travel diaries, etc.). His testimonies allow us to see, hear, taste, smell and touch landscapes and cityscapes, creating this European mosaic of landscapes. After visiting Europe, Cole returned home, enriched by a wealth of sketches from the Old Continent, to paint from. In this way, Cole delivered a very rich image of the place, sometimes comparing the centuries and giving life to an idealised history of Antiquity. He made a habit of populating his notes with descriptions of the activities, customs, and modes of dress of the people he met along the way. Thanks to the various forms of narration used by the American artist, we had access for our research to a vision that was alternately authentic, intimate, formal, more artistically accomplished (in his poems and articles), or providing an overall vision thanks to his paintings, offering the viewer an immediate impression of the sensations felt in the various places discovered on his journey. The same landscape was sometimes represented in his sketchbook from different angles, in order to preserve as accurate a memory as possible. The artist drew on European mythology, history, art, and literature to create his work, as can be seen in his Course of Empire. His aim was to elevate landscape painting to the level of historical painting, and he succeeded in doing so both in his European canvases and in his American works

Cette étude s'intéresse à la persistance d'un mythe américain de Paris de 1945 aux années 1960. Les années d'après-guerre voient l'arrivée de nombreux artistes américains dans le cadre du GI Bill. Un petit groupe s'installe de façon durable à Paris, participant activement aux échanges transatlantiques. Au tournant des années 1950-1960, on observe l'arrivée de nouvelles avant-gardes et d'une jeune génération dont les pratiques sont davantage tournées vers des modes collectifs de production. Cette thèse s'ouvre par une étude de cette communauté américaine de Paris. Est ensuite examiné le rôle de ces artistes dans la diffusion de l'art américain en Europe durant la Guerre froide. Dans les années 1950, les abstraits américains de Paris profitent d'une situation de relativement faible circulation artistique de l'art américain. Ils sont reçus comme les « passeurs » de l'expressionnisme abstrait et guident les Européens dans leur découverte de l'Amérique. Conforme à certaines attentes, leur production encourage une réception tronquée de l'abstraction américaine dont l'agressivité est écartée en faveur d'une peinture plus lyrique. Dans les années 1960, la capitale française accueille les membres d'avant-gardes plus marginales aux Etats-Unis – nouvelle figuration et happenings. Ils contribuent à donner une image complexe de l'art américain tout en confortant, par leur aspect contestataire, certaines critiques à l'égard du modèle américain. La première moitié des années 1960 apparaît par bien des aspecst comme un moment court de collaborations transnationales en rupture avec les rivalités de la décennie précédente et une conception à la fois nationale et universaliste de l'art
The American myth of Paris, its evolution and decline from 1945 to the late 1960s, is at the core of this study. The GI Bill encouraged many young American artists to come to study in Paris after war. A small group settled in the city, actively taking part in transatlantic exchanges throughout the 1950s. In the late 1950s, a younger generation of artists and members of new avant-gardes arrived in Paris, turning to more collaborative forms of art production. The first part of this thesis deals with the collective life of American artists in Paris. The second part examines the role these expatriate artists played in the promotion of American art in Europe during the Cold War. In the 1950s, American abstract painters in Paris benefited from the sparse exchanges and slow arrival of American art in Europe. They were easily considered as the ambassadors of the new American painting by Europeans eagerly waiting for shows of abstract expressionism. Their artworks met European expectations but also encouraged a partial acceptance of American abstraction, whose violent dimension was rejected in favor of more lyrical forms of abstraction. The American artists who arrived in Paris in the 1960s represented new avant-gardes that were still marginal in the United States – from Chicago new figuration to happenings. They gave a more diverse and complex image of what American art was. Their work was also appreciated in Parisian circles for its radicalism and criticism of the American model

Dès la fin du 19ème siècle jusqu’à la première guerre mondiale, les artistes américains se sont rendus à Paris dans le but de parfaire leur parcours artistique dans les écoles et académies d’art dont regorgeait la capitale française. Au début du 20ème siècle, alors que Paris assiste avec enthousiasme et émotion à la naissance de l’art moderne, la communauté américaine de tradition conversatrice connait de profonds changements qui vont affecter à jamais le visage de la communauté elle-Même, le développement de l’art moderne dans un Paris marqué par l’internationalisme, et le futur de l’histoire de l’art américain pour de longues années. Cette étude se propose de revenir sur ces années cruciales pour les artistes outre-Atlantique souvent négligés des études portant sur cette époque. Ces artistes tissèrent des relations amicales et professionnelles importantes avec les principaux acteurs parisiens et contribuèrent pleinement au développement et à l’essor de l’art moderne aussi bien en France qu’aux Etats-Unis
From the end of the 19th century until the First World War, American artists travel to Paris to attend the numerous art schools and official academies in order to build and refine their career. At the beginning of the 20th century, while Paris gives birth to modern art, the American community who was artistically conservative, is subject to many changes that will alter the course of modern art in Paris along with the future of American art. This study goes back to these crucial years and focuses on these artists who lived in Paris at a very special time, when the French capital was an international center for the arts. These artists are often neglected and underestimated, yet they dealt with the main artists of the time and played their

L’analyse de la réception critique des nouvelles formes d’art apparaissant dès la fin des années 1950 et se développant au cours des années 1960, en particulier dans le champ de la sculpture et des œuvres en trois dimensions, constitue le socle de notre réflexion. Celle-ci vise à mettre en lumière les profondes évolutions que connaissent les processus de conception et de production des œuvres en trois dimensions, chez des artistes que la réception critique « à chaud » puis l’histoire de l’art ont séparés en fonction de critères stylistiques : néo-dada, pop, minimal… L’observation de ces déplacements de la pratique, intégrant des matériaux et des modes de production industriels (ou résistant à ces derniers) offre une autre approche des enjeux de l’art de cette période, qui voit s’éloigner la figure archétypale et héroïque du sculpteur moderniste incarnée par David Smith, et s’élaborer la figure nouvelle de l’artiste « post-studio ». Parallèlement, apparaissent de nouveaux soutiens, institutionnels, financiers et surtout techniques, pour les artistes produisant des œuvres en trois dimensions et délégant tout ou partie de la fabrication à des sociétés industrielles. Un nouveau type d’entreprise voit le jour, spécialisé dans la fabrication d’œuvres en trois dimensions et de sculptures monumentales. Au début des années 1970, les nouveaux modes de fabrication expérimentés durant la décennie précédente sont parfaitement intégrés à l’économie générale de l’art. En proposer une forme d’archéologie afin d’en comprendre les motivations initiales vise à mieux penser les enjeux actuels des pratiques artistiques ayant recours à la fabrication déléguée
The analysis of the critical reception of the new forms of art appearing from the end of the 1950s and developing during the 1960s, especially in the field of sculpture and tridimensional works, constitutes the foundation of our thought. It aims at bringing to light the profound shifts in the conception and production processes of the works in three dimensions, made by artists separated by the critical reception then the art history according to stylistic criteria : Neo-Dada, Pop, Minimal, and so on. To observe these displacements of the art practice, integrating industrials materials and means of production (or resisting them) offers another approach of the art stakes in this period, which sees the archetypal and heroic figure of the modernist sculptor (embodied by David Smith) fading, and elaborating the new figure of the post-studio artist. At the same time, new supports (institutional, financial and especially technical) appear for the artists producing works in three dimensions and delegating all or any of the manufacturing to industrial companies. A new type of company, specialized in the manufacturing of works in three dimensions and monumental sculptures, is born. In the early 1970s, the new means of manufacturing experienced during the previous decade are perfectly integrated into the general economy of art. To propose a kind of archeology of these means in order to understand the initial motivations aims at a better thinking of the current stakes in the artistic practices turning to delegated manufacturing processes

L’objectif principal de ma thèse est de déterminer si les artistes du numérique et du Bio art du continent américain et de la Caraïbe, travaillant sur le vivant avec des moyens digitaux, ont des pratiques artistiques contemporaines spécifiques, par rapport à celles produites en Europe et en Occident en général. Cette thèse présente dans sa première partie les concepts principaux que sont le vivant et le numérique, ainsi que les définitions de l'art numérique. En même temps, est présentée une brève chronologie de l’art numérique, montrant son émergence en Europe en Amérique et partout dans le monde à partir de la seconde moitié du 20e siècle. La seconde partie s'attache véritablement au travail de certains artistes : Joachim Fargas, Natascha Vita-More, Nicolas Reeves et Vera Silvia Bighetti. Ce groupe d'artistes réalise des œuvres que l'on peut assimiler aux problématiques et à la production artistique occidentale. Enfin, la troisième partie concerne le travail des artistes qui ont une production qui se détache de la vision naturaliste et matérialiste du monde prônant le dualisme et la séparation entre nature et culture, chère à Descartes. Ces artistes se nomment Michel Pétris, Carlos Estrada, André Éric Letourneau et Gilberto Esparza. Ils créent et proposent, tous, des œuvres qui ont la particularité d'être hybrides en ce sens qu’elles sont la rencontre entre différentes cultures, entre différentes techniques, entre différents domaines. Ces œuvres sont des hybridations entre l'art, la science et une spiritualité animiste (généralement). Ces créateurs proposent de nouveaux paradigmes artistiques contemporains non-occidentaux
Do the digital and bio art artists of the American continent and the Caribbean, working on the “living” with digital means, have specific contemporary artistic practices, compared to those which are produced in Europe and in the West in general ? This thesis presents in its first part the main concepts that are the “living” and the “digital”, as well as the definitions of digital art. At the same time, is presented a brief chronology of digital art, showing its emergence in Europe, in America and around the world from the second half of the 20th century. The second part focuses on the work of the following artists: Joachim Fargas, Natascha Vita-More, Nicolas Reeves and Vera Silvia Bighetti. This group of artists produces artworks that can be assimilated to Western’s issues and artistic production. Finally, the third part concerns the work of artists who have a production that stands out from the naturalist and materialistic vision of the world, advocating dualism and the separation between nature and culture, dear to Descartes. These artists are called Michel Pétris, Carlos Estrada, André Éric Letourneau and Gilberto Esparza. All create and offer artworks that have the particularity to be hybrid as they are the encounter between different cultures, different techniques and different fields. These works are hybridizations between art, science and an animist spirituality (mostly). These creators propose new non-Western contemporary artistic paradigms

Cette thèse porte sur le processus de mise en stéréotype du personnage noir dans le cinéma américains. L'analyse fait apparaître que dès l’apparition de l’homme de couleur sur les écrans, naît le stéréotype du personnage noir. L'enjeu de ce travail est d'expliquer que cette toute première image figée, caricaturale, stéréotypée et réductrice du Noir, lui collera à la peau, tout au long de son évolution cinématographique. La vision proposée par cette étude repose sur les représentations majeures du personnage noir stéréotypés qui ont été répertoriées par l’historien américain Donald Bogle auquel nous nous réfèrerons tout au long de ce travail. Ces figures du personnage noir seront au fil de ce travail, des repères à la compréhension d’un cinéma américain qui oscille entre un désir de faire évoluer cette représentation et une irrésistible envie de répéter inlassablement les figures traditionnelles. L’objectif de ce mémoire étant de donner un aperçu de l’évolution de l’identité noire au sein du cinéma américain depuis sa création à nos jours, nous verrons se succéder, dans le contexte historique de chaque époque, des genres cinématographiques, des acteurs et réalisateurs noirs ou blancs, produits en indépendants ou financés par l’industrie hollywoodienne. En conclusion, l'itinéraire suivi par ce personnage tout au long de notre étude démontre que le chemin fut long et semé d'embuches et que des inégalités persistent, ce qui confirme la nécessité pour l'audience américaine de rester vigilante puisque la rémanence des représentations classiques du personnage noir renferme des images fantômes qui continueront encore longtemps à hanter le cinéma américain
The subject matter of this doctoral work is the process by which black characters have become stereotypes in American cinema. The work shows how, very early on, American cinema, the first appearances of black people on screen gave rise to stereotypical black characters. The purpose of this work is to try and show that these very first caricatured, stereotypical, reductive and set images of black people have endured thereafter, in more or less varied forms, throughout American cinema’s history. The work is based on the five major stereotypical black figures listed by American historian Donald Bogle. The categories of stereotypes drawn by Bogle form the backbone of this work. Throughout the work, these black figures will be used as a benchmark to show that American cinema has both, tried to improve its portrayal of black characters while, at the same time, given in to the easy endless repetition of traditional figures. The aim of this dissertation being to provide an overview of black identity’s evolution in American cinema from the early days up until now, it will, therefore, focus on several genres, black and white actors and directors, and independent films, as well as films financed by Hollywood’s movie industry. By way of conclusion, the journey of black characters throughout this study is a long, arduous one. Inequalities remain. American audiences must, therefore, be wary of the persistence of classical representations of black characters, as such representations bring back ghost images that will continue to haunt American cinema for many years

Este trabalho tem como intuito o estudo comparado entre Mário de Andrade (1893 - 1945) e José Carlos Mariátegui (1894 - 1930), através de seus textos críticos sobre arte e literatura. A proposta para o desenvolvimento deste estudo centrou-se na análise do projeto estético e ideológico destes autores para que, a partir desta prerrogativa, pudéssemos indagar sobre o papel do artista e do intelectual frente a sua época. No primeiro capítulo desta dissertação abordamos a relação entre Mário de Andrade e José Carlos Mariátegui perante o modernismo brasileiro e peruano. No segundo, tratamos da dicotomia entre a tradição e a modernidade, através de um \"método moderno\" de observação crítica da arte e da literatura, comum a ambos os autores. No terceiro capítulo desenvolvemos uma comparação entre os preceitos advindos das vanguardas européias junto a dois artistas latino-americanos: Candido Portinari e José Sabogal. Por fim, procuramos examinar as condições nas quais o artista e o intelectual desenvolvem suas obras e o conceito de mediação decorrente de suas atuações.
Este trabajo tiene por objetivo el estudio comparado de Mário de Andrade (1893 - 1945) y José Carlos Mariátegui (1894 - 1930), a través de sus textos críticos sobre arte y literatura. La propuesta para el desarrollo de este estudio se centró en el análisis del proyecto estético e ideológico de estos autores para poder indagar, a partir de esta prerrogativa, el papel del artista y del intelectual frente a su época. En el primer capítulo de esta disertación abordamos la relación entre Mário de Andrade y José Carlos Mariátegui frente al modernismo brasileño y peruano. En el segundo, tratamos de la dicotomía entre la tradición y la modernidad, a través de un \"método moderno\" de observación crítica del arte y de la literatura común a ambos autores. En el tercer capítulo desarrollamos una comparación entre los preceptos provenientes de las vanguardias europeas y dos artistas latinoamericanos: Candido Portinari y José Sabogal. Finalmente, procuramos examinar las condiciones en las que el artista y el intelectual desarrollan sus obras y el concepto de mediación que resulta de sus actuaciones.

L’ordonnance du 23 mars 2006 a réformé le droit des sûretés en France et introduit un gage sans dépossession inspiré du security interest américain dans l’objectif d’améliorer l’efficacité de la matière. L’amélioration est visible mais peut encore être approfondie. En premier lieu, la prépondérance de l’autonomie de la volonté dans la constitution et le régime du gage sans dépossession traduit son détachement progressif de la matière réelle. En effet, le droit du créancier bénéficiaire a pour objet plus la valeur du contenu de l’assiette affectée que son incarnation matérielle. Ainsi, il faut, d’une part, autoriser l’évolution du contenu matériel de l’assiette de constitution pour admettre que l’assiette de réalisation ne soit pas constituée des mêmes biens mais représente toujours la même valeur affectée. D’autre part, il faut reconnaître l’opposabilité du droit de rétention fictif aux procédures d’insolvabilité. En second lieu, le détachement de la sûreté de son objet réel et la prévalence de l’autonomie de la volonté doivent se prolonger en droit international privé. Ainsi, il convient d’admettre l’abandon de la compétence de la lex rei sitae, source de difficultés liées à la nature mobilière du bien grevé, et de reconnaître la compétence de la lex contractus, tirée de la prépondérance de la source conventionnelle de la sûreté.Ainsi, tant l’adaptation de la sûreté permise par la place laissée la volonté des parties, que la possibilité de circulation transfrontalière offerte par la reconnaissance des sûretés étrangères, font du gage sans dépossession une sûreté plus efficace aussi bien en droit interne qu’au niveau international
On March 23rd 2006, the French reform of security law introduced the « gage sans dépossession », inspired by the security interest of the Article 9 of the U.C.C. from the United- States, in order to improve the efficiency of security law in France. The enhancement is undeniable and yet but there remains room for improvement.First of all, the increased autonomy given to parties when creating and ruling a security results in its detachment from the scope of personal property. Indeed, the creditor is more entitled to the value of the collateral rather than to the good itself. Therefore, the physical content of the collateral should be allowed to change physically as long as collateral remains of same value. On the other hand, the creditor’s fictive right of retention must be enforceable against insolvency proceedings. Secondly, both the detachment of the security from its physical collateral and the preponderance of parties’ autonomy must be taken into account in international private law. Should a matter of choice of law arise, the security should be governed not by lex rei sitae, given the issues raised when applied to movable goods, but by lex contractus, on account of the contractual source of the security. As a result of its adaptability enabled by autonomy, and as a result of the ability to move the security over borders and still be enforceable, the French “gage sans dépossession” appears to be more efficient both in France and on an international level

Ce travail s’attache à étudier le droit des artistes interprètes à la protection de leur travail à l’ère numérique. La première partie de ce travail s’intéresse à la théorie des droits d’auteur, l’histoire des droits moraux, et à l’application de la théorie des droits moraux aux procès qui impliquent les artistes interprètes aux Etats-Unis, au Royaume-Uni, et en France. De plus, ce travail présente le droit international en la matière, y compris la Convention de Berne et le Traite de Beijing. La deuxième partie de ce travail examine l’histoire de l’industrie du cinéma. Plus spécifiquement, il se concentre sur l’histoire de l’industrie du cinéma aux Etats-Unis, au Royaume-Uni et en France, en observant comment les progrès des technologies cinématographiques ont affecté les droits des acteurs de cinéma dans le domaine du droit national et international. La troisième partie de ce travail propose un Protocole au Traité de Beijing afin que créer un mécanisme pour diminuer les obstacles à l'accès à la justice qui empêchent les artistes interprètes de faire valoir leurs droits. La thèse se termine par uneréflexion sur les leçons qui peuvent être tirées de l'histoire et des pratiques actuelles des États-Unis, du Royaume-Uni et de la France en ce qui concerne les droits moraux des artistes interprètes, en recommandant que les trois pays fournissent à l'avenir des protections plus significatives aux artistes interprètes
This work provides a broad study of the right of performing artists to protect their performances in the Internet era. The first part of this work explores the theoretical foundation of copyright law, the history of moral rights, and the application of the theory of moral rights to cases affecting performing artists in the United States, the United Kingdom, and France. In addition, this work discusses relevant international law, including the Berne Convention and the Beijing Treaty. The second part of this work addresses the history of the movie industry. More specifically, it concentrates on the history of the film industry in the United States, the United Kingdom, and France, observing how technological progress in filmmaking techniques have affected the rights of movie actors under both national and international law. The third part of this work proposes a Protocol to the Beijing Treaty that would create a mechanism to lower the barriers to justice that currently prevent performing artists from vindicating their rights. This work concludes with a reflection on the lessons that can be drawn from both the history and the current practices of the United States, the United Kingdom, and France with respect to the moral rights of performing artists, recommending that the three countries provide more significant protections to performing artists going forward

O trabalho apresenta um estudo sobre a I Bienal Latino-Americana de 1978 e seu Simpósio. O evento trouxe subsídios para o pensamento crítico sobre a América Latina Contemporânea. Observa-se no estudo a relevância do diálogo sobre a arte em sua identidade especificamente latino-americana (não europeia e nem americana), ocorrido nesta Bienal, e dentro dos quadros da Fundação Bienal de São Paulo. A tese apresenta quatro capítulos, além da introdução e das considerações finais. Os capítulos trazem informações sobre: (1) a Fundação Bienal de São Paulo e as Bienais Internacionais e Nacionais; (2) a organização da I Bienal Latino-Americana, o papel e a expectativa da crítica de arte; (3) o Simpósio, a apresentação de algumas teses, a perspectiva dos artistas; (4) a visão crítica de Aracy Amaral, os procedimentos relacionados a uma possível II Bienal Latino-Americana, as comissões estabelecidas pelos críticos de arte; e em especial, fazemos um comparativo da I Bienal Latino-Americana com a 30º Bienal de São Paulo, e as atuais 54º Bienal de Veneza e a Documenta 13, com uma complementação das Bienais do Mercosul e VentoSul. Recuperaram-se documentos inéditos, tendo-se uma preocupação de reconstruir historicamente o processo de organização desta Bienal, e extrair, dos diálogos registrados em textos, as ideias e estratégias pensadas pelo diretor artístico (curador), e pelos críticos envolvidos no Conselho de Arte e Cultura, e no Simpósio sobre o conceito de arte latino-americana. Evidencia-se o papel da crítica de arte. Trata-se igualmente, a questão da I Bienal Latino-Americana em permanecer parcialmente incógnita, por tantas décadas, nos estudos sobre a arte no Brasil. Na análise empreendida, discorre-se sobre a cena política e artística das décadas 1970 e 1980, sempre que este contexto é relevante para entender a ideia de uma mostra latino-americana de grande porte, a organização desta exposição e os seus desdobramentos críticos e culturais no debate sobre América Latina e Caribe. Uma atenção especial é dada, ao papel da arte no processo de integração desta região do continente americano, e seu possível legado para a contemporaneidade.
Initially, this work presents a research on the I Latin America Biennial of 1978 and its Symposium. Secondly, the event brought subsidies to critical thinking about Contemporary Latin America continent. We have noted the relevance of the dialogue about art in its specifically Latin American identity (neither American nor European) occurred in this biennial, and within the frames of the São Paulo Biennial Foundation. Moreover, the thesis is presented in four chapters, besides the introduction and final considerations. The chapters bring information about: (1) São Paulo Biennial Foundation, including the view of the international editions plus the fourth national ones; (2) its organization of the first Latin America Biennial, its position and expectations of the art criticism; (3) the Symposium, the presentation of some thesis, and its artists belief; (4) the thought of the art critics of this period, especially the critical view of Aracy Amaral, the procedures related to a possible II Latin America Biennial, the commissions of art critics; in particular, the comparison of the I Latin American Biennial with the 30th São Paulo Biennial, and similarities with the 54th Venice Biennial and Documenta 13, plus, the Biennial of MERCOSUR and VentoSul. We recovered some unpublished documents and were concerned to reconstruct historically the process of organizing this biennial in study. Ideas and strategies designed by the artistic director (curator) about the concept of \"Latin American art and also by the art critics involved in the Art and Culture Council as well as in the Symposium were extracted from the documents. We have also investigated the issue of the Biennial being partially unknown for so many decades, especially in studies about art in Brazil. All in all, in the undertaken study, the artistic and political scene of the 1970 and 1980s were considered whenever it is a relevant context to understand the idea of a large Latin American exhibition, its organization and its critical and cultural branches for the debate on Latin America and Caribbean. A special attention is given to the role of art in the process of integration of this region of the American continent.

La presente tesis doctoral se ocupa de revisar y analizar de forma ensayística y por hitos históricos desde los estudios culturales, postcoloniales y la historia del arte casos de proyectos de artistas latinoamericanos en el Berlín post-Caída del Muro y hasta el desmontaje del Palast der Republik, identificando a ambos hitos como cruciales en una etapa de transformación de la ciudad tras el fin de la Guerra Fría. El abordaje se inscribe en el giro espacial – tanto epistemológico como de prácticas artísticas – y entendiendo a las prácticas desde el arte como sociales y por ende generadoras y transformadoras de espacios y experiencias de vida en la ciudad. Esto es logrado a partir de estrategias desde una identidad y diferencia para llegar a la contemporaneidad como eje y lograr así espacios liminales y zonas de contacto para la negociación de conflictos, narrativas y discursos del pasado y presente, así como de tiempos-espacios diferentes en el contexto global.
This doctoral thesis is an approach from a perspective from the cultural, postcolonial studies and art history, reviewing and analyzing historical milestones and projects of Latin American artists in the Berlin post-Fall of the Wall until the dismantling of the Palast der Republik. It considers both historical moments as crucial in a stage of transformation of the city after the end of the Cold War. The approach is framed in the spatial turn – considering both epistemological and practical dimensions of it - and understanding art practices as social, and therefore generating and transforming spaces and life experiences in the city. This is achieved from strategies from identity and difference, arriving at the contemporaneity as an axis. The projects analyzed produce liminal spaces and contact zones for the negotiation of conflicts, narratives, and discourses of the past and present, as well as of different time-spaces in the global context.

Au XIXe siècle les peintres latino-américains se rendaient en Europe à la recherche de la perfection artistique. Paris, le centre de l’art moderne, était l’une des principales destinations de la migration artistique intercontinentale. Les artistes de l’Amérique latine sont venus à Paris pour étudier dans des écoles d’art célèbres et pour participer aux salons afin de montrer la qualité de leur travail et tenter de lancer leur carrière sur la scène internationale. Beaucoup d’entre eux sont restés en Europe, mais ont été ignorés par la critique française et plus tard par les historiographies modernistes. Ces peintres ont été repoussés à la périphérie à laquelle ils appartenaient, quels que soient leurs choix géographiques. Cette thèse explore les trajectoires des peintres latino-américains à Paris qui ont participé aux Salons de la Société nationale des beaux-arts de 1890 à 1899 et revisite leurs positions dans le canon moderne. La recherche commence par l’aperçu général du système d’art des deux côtés de l’océan Atlantique et va de l’étude de la place des artistes dans les historiographies nationales à l’interprétation de leurs oeuvres. Les multiples facteurs qui façonnent la réception de l’art dans la périphérie sont analysés pour redécouvrir les peintres effacés de l’histoire et pour écarter leurs histoires d’un récit dominant dans l’histoire de l’art
In the nineteenth century Latin American painters were going to Europe in search of artistic perfection. Paris as the centre of modern art was one of the main destinations for intercontinental artistic migration. The artists from Latin American countries went to Paris to study in famous art schools and to participate in the Salon in order to prove their professional status and to begin their careers in the international arena. Many of them stayed in Europe, but they were usually ignored by French criticism and later, by modernist historiographies. These painters were pushed back to the periphery to which they belonged regardless of their geographical choices. The dissertation explores the trajectories of Latin American painters in Paris who participated in the Salons of the Société Nationale des Beaux-arts from 1890 to 1899 and revisits their position in the modern canon. The research starts with the general overview of the art system on both sides of the Atlantic Ocean and goes from the investigation of artists’ places in national historiographies to the interpretation of their paintings. The multiple factors that shape the reception of the art from periphery are brought to light in order to see the painters erased from history and to find the ways to resist the domination of the master narrative in art history

Tous deux écrivains afro-descendants de langue anglaise, faisant partie de la « diaspora noire », Toni Morrison et Derek Walcott sont reconnus pour l’éclairage poétique qu’ils offrent sur leur histoire et sur leur culture respective : les États-Unis pour Morrison et les Caraïbes pour Walcott. Cependant dans les œuvres, à la place des normes de révélation et de visibilité, se perçoit un « non-pouvoir » voir la culture, rejoignant un « non-pouvoir » dire l’histoire à la naissance des groupes culturels représentés. Malgré leurs spécificités poétiques, tous deux donnent forme à une même poétique de la dissimulation, qui problématise le concept de culture en le soumettant aux secrets entourant l’histoire de l’esclavage et du colonialisme qui leur est commune. Bouleversant les normes énonciatives, et à travers des personnages signés par un même mal ontologique relié à la différence raciale, les deux écritures donnent forme poétiquement au « problème noir » énoncé par Frantz Fanon, et « disent sans dire tout en disant » (Édouard Glissant) des secrets historiques et culturels que nous partageons. Poétique performative venant perturber les frontières linguistiques et énonciatives, la dissimulation engendre les questionnements suivants : qu’est-ce que signifie « noir », renvoyant à une différence raciale aussi bien en anglais (black) qu’en français, et aussi bien dans les textes, qu’au sein de notre contexte ? Comment passe-t-on de la différence raciale à la différence culturelle ? Comment cette différence est-elle produite ? Que signifie la « diaspora » ? Et comment les œuvres poétiques renouvellent-elles la culture, quand celle-ci apparaît problématique et négativée au départ ?
Toni Morrison and Derek Walcott, both English mother tongue writers from Afro-descendants, being part of the "black diaspora", are famous for the poetic analysis they propose about their history and their culture; the United States for Morrisson on the one hand, the Caribbean for Walcott on the other hand. However in their works, instead of the revelation and visibility standards, one can perceive a "no-power" to see culture along with a "no-power" to tell the history that gave birth to the cultural groups which are represented. Despite their poetic specificities, both give shape to the same poetics of dissimulation that puts the concept of culture into question submitting it to the secrets related to the history of slavery and colonialism that they both have in common. Shaking up the enonciation standards, using characters struck by the same ontological evil related to racial difference, both writings give shape poetically to the "black problem" enounced by Frantz Fanon and "say without saying while saying anyway" (Édouard Glissant) historical and cultural secrets that we share. As a performative poetics perturbing the linguistic and enunciative frontiers, the dissimulation produces the following questions: What does "black" mean, referring to a racial difference in English (black) as well as in French, but also in literature and within our context? How do we shift from a racial difference to a cultural difference? How is this difference produced? What does "diaspora" mean? How poetic works can renew culture when it appears problematic and negative from the very start?

Cette thèse porte sur les représentations de l’Indien présentées dans les Salons parisiens et dans les sections des Beaux-Arts des Expositions universelles françaises. Elle débute avec la première apparition du thème au Salon, en 1781, et s’achève à sa disparition progressive, au commencement de la Première Guerre Mondiale. Le corpus rassemble des œuvres hétérogènes dont l’étude s’articule autour de trois grandes campagnes de représentation marquées par l’histoire des relations entre les Blancs et les Amérindiens. L’iconographie amérindienne dévoile une figure à la fois attractive et répulsive ; à l’esthétique de la disparition du «bon sauvage» répondent des mises en scène dégradantes. Notre étude rend ainsi compte des sources des imaginaires collectifs et des stéréotypes raciaux assignés à la représentation de l’Indien. Mais l’iconographie amérindienne survient également des impressions d’artistes ayant été à la rencontre de leur sujet. Pour ce groupe de quelques Français et Américains, la question de la représentation de l’«Autre» ne se joue pas exclusivement à travers les schèmes esthétiques abordés auparavant. Les déplacements répétés sur le continent nord-américain et l’attention portée à l’art amérindien favorisent un élargissement des horizons artistiques. Cette thèse est enfin l’occasion d’étudier l’image de l’«Autre» dans le cadre compétitif des Expositions universelles, où la figure de l’Indien tergiverse entre recherche de vraisemblance et sujet d’art. Il en ressort la constitution d’un discours visant à encourager la construction d’une identité esthétique nationale américaine au contact de l’art français
This Ph. D. dissertation investigates images of Native Americans displayed at the Paris Salons and in the Fine Art sections of the Great Exhibitions of 1855, 1868, 1878, 1889 and 1900. My analysis starts with the first outbreak of the theme at the 1781 Salon and ends following its gradual dismissal at the beginning of the First World War. The body of artworks I analyze documents three main campaigns of representation marked by the history of Native Americans and Whites relations. These representations reveal an artistic figure both attractive and repulsive at the same time. The rhetoric of the disappearance of the “Noble Indian” alternates with degrading images of the “Savage Indians”. Our study reveals the origins of collective imagination and racial stereotypes that originate representations of “Indians”. But this iconography is also based on artists’ itinerancies and their migration to the West in order to meet their models. The artistic production of this small group of French and American artists can not be reduced exclusively to the two aesthetic patterns previously discussed. Their travels on the North American territory and their attention to Native American Art encourage new artistic horizons at the Paris venues. This thesis is also an opportunity to study the image of the Native American “Others” displayed in the competitive Fine Art sections of the Great Exhibitions. It brings out a discourse promoting the figure of the “Indian” to build an American art with its own aesthetic in response to French artistic influences

As reformas orientadas para o mercado realizadas no Brasil e no Equador a partir da década de 1980 e de 1990 diminuíram os gastos públicos e os recursos humanos das organizações nacionais de patrimônio cultural. Para suprir a demanda por tais recursos, surgiu, na arena política do patrimônio cultural, o agente financeiro internacional. Nesse contexto, esta dissertação busca compreender a relação de poder e as formas como são feitas as escolhas políticas entre os órgãos de patrimônio nacionais e a instituição multilateral que financia diversas políticas públicas culturais. Para tanto, partiu-se da experiência de dois países latino-americanos, o Brasil e o Equador, analisando em que medida os órgãos nacionais desobrigaram-se da realização das políticas públicas para o setor, sofrendo ingerência dos organismos financeiros internacionais. Estabeleceu-se como objeto de estudo três organizações o Banco Interamericano de Desenvolvimento (BID), o Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (IPHAN), no Brasil, e o Instituto Nacional de Patrimonio Cultural (Instituto de Patrimônio Cultural) (INPC), no Equador e recorreu-se à pesquisa bibliográfica, documental e de campo, bem como a entrevistas com gestores dos órgãos estudados. Confirmou-se a hipótese de que o processo de enfraquecimento das instituições nacionais de patrimônio cultural contribuiu decisivamente para que se retirasse, progressivamente, o poder de decidir, executar e avaliar políticas públicas de preservação do patrimônio cultural dos domínios do Estado. Entretanto, não se confirmou que as decisões se transferiram para organismos internacionais, mas sim para a iniciativa privada, buscando tornar os órgãos nacionais voltados àquele fim meros chanceladores de decisões tomadas fora deles. Verificou-se, ainda, que o processo de desmonte das instituições nacionais de patrimônio cultural brasileira e equatoriana se reverteu nos últimos anos com os governos dos presidentes Luis Inácio Lula da Silva e Rafael Corrêa, repercutindo, inclusive, na condução das políticas públicas financiadas pelo BID para o setor.
The market-oriented reforms carried out in Brazil and Ecuador from the 1980s and 1990s diminished the public expenses and the human resources in the national organizations of cultural heritage. In order to meet the demand for those resources, the international financial agent has come up in the arena of cultural heritage policy. In this context, this thesis aims at understanding the power relation between the national heritage organs and the multilateral institution, which supports several policies of cultural heritage, as well as the ways they choose their policies. To do so, starting with the experiences from two Latin American countries, Brazil and Ecuador, an analysis was held in order to determine to what extent the national organs relieved themselves of accomplishing the public policies for the sector, which caused them to undergo interference by the international financial organs. As the object of study, three organizations were chosen: the Inter-American Development Bank (IDB), the Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (National Institute of Artistic and Historical Heritage) (IPHAN), in Brazil, and the Instituto Nacional de Patrimonio Cultural (National Institute of Cultural Heritage) (INPC), in Ecuador. The research has used related literature, documentary and field research, as well as interviews with the managers of the organs in study. The hypothesis confirmed was that the process of weakening of the national institutions of cultural heritage has contributed decisively to deprive, progressively, the power to decide, implement and evaluate public policies for the preservation of cultural heritage of the State domains. However, it has not been proved that the decisions had been transferred to international organs; rather, to the public initiative, seeking to turn the national organs focused on preservation of heritage into mere chancellors of the decisions made apart from them. It has also been observed that the process of dismantling the Brazilian and Ecuadorian national institutions of cultural heritage was reversed in the last years during the government of Luis Inácio Lula da Silva and Rafael Corrêa, echoing, also, in the conduct of public policies for the sector sponsored by the IDB.

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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Esta dissertação trata da coleção de mates burilados, que constitui parte do acervo do Memorial da América Latina, no Pavilhão da Criatividade, em São Paulo, que estiveram expostos ao público, entre os anos de 2005 e 2009. Os estudos desenvolvidos sobre os mates burilados são para valorizar a cabaça como jóia ou livro circular, considerada patrimônio cultural peruano por representar a mais antiga tradição artística nesse suporte natural. O estudo do fruto cabaça, cuia ou mate, considera toda a sua potencialidade material e como suporte artístico tradicional e contemporâneo, nas mais diversas expressões de arte latinoamericanas. São abordados os fenômenos materiais e naturais deste fruto, buscando compreender a diversidade de suas espécies, as conexões com as civilizações e os desdobramentos de sua representação simbólica. A poética será o elo e elemento de fruição, nas relações entre as sociedades e suas tradições culturais. Desvelará e aproximará as mais variadas expressões artísticas, em diferentes períodos, revelando parte da história e meios de expressão de sociedades latinoamericanas. O estudo envolve a análise de três exposições de arte editadas na Argentina, Brasil e Peru, cujo foco é o fruto. Os artistas destacados são Mestre Didi, Walter Smetak, Catin Nardi, Gina Celeghini, Miguel Chikaoka, Marepe, Saint Clair Cemim, Os Gemeos e Victor Delfin. O mate é aqui apresentado como patrimônio cultural dos países do Cone Sul e Peru, por ser um fruto original, tradicional, popular, mestiço e, portanto, sua cultura é elemento de inclusão e integração dos povos latinoamericanos
The study is about “mate burilado” - the engraved or etched gourd collection from Peru, which is part of the patrimony of the Latin American Memorial exhibited in the Creativity Pavilion in São Paulo, from 2005 to 2009. The study about this art form serve to value the gourds as jewels or circular books as they are considered Peruvian cultural patrimony by representing the oldest artistic tradition using this natural support of art. The studies about gourds and mates, consider all the material potentiality of the fruit, as well as their use in various Latin American traditional and contemporary art expressions. In this study material and natural phenomena will be considered to comprehend the diversity of species, connections with the civilizations and the unfolding of their symbolic representation. The poetics of the gourds is the link and element for fruition in the relationship between the societies and their many cultural traditions. The piece of art is the tool used to unveil and approach the various art expressions throughout different periods of history and means of living of Brazilian and Latin American societies. Thus this essay involves the analysis of three art exhibitions in Argentine, Brazil and Peru, where the fruit is the main element. Some contemporary artists are made salient, namely Mestre Didi, Walter Smetak, Catin Nardi, Gina Celeghini, Miguel Chikaoka, Marepe, Saint Clair Cemim, Os Gemeos and Victor Delfin. The mate will be presented as part of the cultural patrimony of countries forming the south of Latin America and of Peru, because it is primitive, traditional, popular, “mestizo” and its culture is one of the elements, for inclusion and integration, of the Latin American people and their art
Este trabajo es el estudio de la colección de mates burilados, que constituye parte del acervo del Memorial de la América Latina, en el Pabellón de la Creatividad, en Sao Paulo, que fueron exhibidos al público entre los años de 2005 al 2009. Los estudios desarrollados sobre los mates burilados son para la valoración de la calabaza como una joya o un libro circular, considerada patrimonio cultural peruano por representar la más antigua tradición artística en ese soporte natural. El estudio del fruto seco calabaza o mate, considera toda su potencialidad material y como soporte artístico tradicional y contemporáneo en las más diversas expresiones de arte latinoamericanas. Son abordados los fenómenos materiales y naturales de ese fruto, buscando comprender la diversidad de sus especies, las conexiones con las civilizaciones y los desdoblamientos de su representación simbólica. La poética del fruto es el hilo de unión y elemento de fruición en las relaciones entre la sociedad y las diversas tradiciones culturales. Descubrirá y aproximará las más variadas expresiones artísticas en distintos periodos, revelando parte de la historia y medios de vida de las sociedades latinoamericanas. El estudio envuelve el análisis de tres exhibiciones de arte editadas en Argentina, Brasil y Perú, cuyo mote central es el fruto. Los artistas contemporáneos destacados son Mestre Didi, Walter Smetak, Catin Nardi, Gina Celeghini, Miguel Chikaoka, Marepe, Saint Clair Cemim, Os Gemeos e Victor Delfin. El mate es presentado como patrimonio cultural de los países del Cono Sur y del Perú, por ser un fruto original, tradicional, popular, mestizo y, por lo tanto su cultura es elemento de inclusión e integración de los pueblos latinoamericanos

Mon travail de recherche se propose de combler des lacunes concernant l’iconogaphie des femmes sud-américaines. Etant donné l’absence d’écoles d’art ainsi que d’ateliers d’impression en Grande Colombie jusqu’à la première moitié du XIXe siècle, les images en général sont rares. Quand on en trouve, il s’agit des portraits de quelques femmes extraordinaires comme des saintes ou des épouses des hauts fonctionnaires, donc des représentantes d’une minorité aisée et créole. Les artistes locaux ont surtout peint les grands hommes et notamment les héros des jeunes Républiques. En revanche, sur la vie quotidienne de la plupart des femmes, qu’elles soient Indiennes, Métisses, Noires ou même Créoles, nous n’avons que très peu de témoignages. La Grande Colombie comme la Nouvelle Grenade, par ailleurs, souffrait d’un manque d’attrait. Cette région n’a jamais représentée dans l’imaginaire des voyageurs européens, les richesses légendaires des vice-royautés du Pérou ou de la Nouvelle Espagne (Mexique). C’est seulement à l’orée du XIXe siècle que cette zone équatoriale commence à faire parler d’elle et ce changement significatif est dû au grand voyage scientifique de Humboldt et Bonpland. Grâce à la médiatisation de ces explorateurs, un nombre important de voyageurs français décide de suivre leurs pas. Parmi eux, un petit nombre écrit et publie des récits illustrés. Leurs gravures et lithographies apportent donc les documents nécessaires pour combler en partie le vide pictural féminin. Ces images n’ont jusque là pas suscitées d’études historiques approfondies d’autant qu’elles ont longtemps été considérées comme des simples ornements accompagnant le texte. Cette thèse propose de démontrer, au contraire, le rôle primordial de cette iconographie, sa puissance symbolique et sa contribution au discours qui caractérise alors la littérature de voyage. Qu’elles soient guidées par des observations concrètes ou par la pure imagination, ces descriptions picturales et littéraires permettent de dégager les principaux stéréotypes élaborés sur les femmes grande-colombiennes et ce malgré leur riche multiplicité
The aim of this thesis is to fill in certain gaps in the iconographic treatment of South American women. Due to the lack of art schools and printing workshops in Gran Colombia through the first half of the nineteenth century, images in general are rare. The existing works are portraits of such extraordinary women as saints or wives of important officials, thus representatives of a wealthy Creole minority. Local artists tended to choose as subjects prominent men, notably the heroes of the young Republics. By contrast, the daily lives of most women, whether Indian, Métis, Black or even Creole, were rarely featured. In addition, like New Granada, Gran Colombia suffered from a relative lack of attractiveness. In the imagination of European travelers this region never represented the legendary wealth of Viceroyalties like Peru or New Spain (Mexico). It was only at the dawn of the nineteenth century that this equatorial zone attracted significant interest due in large part to the great scientific exploration of Humboldt and Bonpland. Thanks to their many publications, a large number of French travelers decided to follow their footsteps. Among them, a small group wrote and published illustrated volumes. Their engravings and lithographs provide the material needed to restore at least partially the lack of female images. To this point such iconography has not generated in-depth historical study, since it has long been considered merely ornamental and secondary to the text. This thesis proposes to demonstrate the contrary by focusing upon the sizeable role of this iconography, its symbolic power and its contribution to the discourse then characteristic of travel literature. Based upon specific observations or drawn purely from imagination, these pictorial and literary descriptions enable the identification of the principal stereotypes developed to characterize Gran Colombian women, despite the fact of their rich cultural multiplicity
La presente tesis busca llenar algunos vacíos existentes en los estudios sobre la representación iconográfica de las mujeres suramericanas. Debido a la ausencia de escuelas de Bellas Artes y talleres de impresión en la Gran Colombia hasta mediados del siglo XIX, la producción general de imágenes era escasa. Los artistas locales apostaban por retratar a hombres influyentes, particularmente los héroes de la naciente República, y las pocas obras sobre mujeres que se realizaban correspondían a santas o esposas de los altos funcionarios, representantes de la opulenta minoría criolla. Son entonces pocos los testimonios iconográficos que se conservan de la vida cotidiana de la mayoría de las mujeres de origen amerindio, mestizo, negro e incluso criollo. La Gran Colombia sufría además de la misma falta de atracción que aisló durante siglos a la Nueva Granada: en el imaginario de los viajeros europeos, la región no se comparaba con la legendaria riqueza de los virreinatos de Perú y Nueva España. Sólo hasta principios del siglo XIX, la América equinoccial se convirtió en un centro de interés tras las expediciones científicas de Humboldt y Bonpland. Gracias a sus múltiples publicaciones, varios viajeros franceses decidieron seguir sus pasos, publicando, además, sus relatos de viaje ilustrados con grabados y litografías. Unos trabajos que proveen el material necesario para suplir, al menos parcialmente, la ausencia de imágenes femeninas en la Gran Colombia. Hasta la fecha, esta iconografía no ha generado estudios históricos específicos pues ha sido considerada siempre ornamental y secundaria frente al texto de los relatos. El objetivo de este estudio es entonces demostrar lo contrario, revelando su papel protagónico, su poder simbólico y su influencia en el discurso literario característico de los relatos de viajeros. Por tanto, ya sean inspiradas por la imaginación o guiadas por la observación empírica, las descripciones pictóricas y literarias de estos relatos permiten la identificación de los principales estereotipos elaborados sobre las mujeres grancolombianas a pesar de su heterogeneidad cultural

Pendant l’entre-deux-guerres, pédagogues et pouvoirs publics attendent des élèves musiciens étrangers formés à Paris qu’ils deviennent, selon une expression d’Henri Rabaud, directeur du Conservatoire, « les plus utiles propagateurs de la culture française » : par leurs déplacements, ces musiciens voyageurs assureraient la diffusion internationale de techniques musicales et de partis pris esthétiques français. Nous confrontons ce transfert culturel désiré à sa réalisation. La correspondance des institutions avec les pouvoirs publics souligne d’abord les enjeux que recouvre la venue de ces élèves en France. Les archives des écoles de musique, partiellement inédites, alimentent ensuite une base de données prosopographique identifiant les apprentis étrangers. La presse musicale et les récits de vie témoignent enfin de l’insertion de ces jeunes artistes dans la vie musicale parisienne et internationale, et permettent d’évaluer l’efficacité des mesures prises en faveur des élèves étrangers
During the interwar years, foreign music students trained in Paris are expected from teachers and public authorities to become « the most useful propagators of French culture », according to director of Conservatoire, Henri Rabaud’s words : through moving abroad, those traveler musicians shall spread musical techniques and French aesthetical bias all over the world. We are confronting this cultural transfer to its fulfilment. First, the correspondence between institutions and public authorities emphasizes issues caused by these students coming to France. Then, the partly unpublished archives of music schools form a prosopographic data base identifying foreign young musicians. Musical press and life stories finally attest that these young artists are integrated in parisian as well as international musical life, and allow also to estimate the effect of measures in favour of foreign students

Nesta dissertação, é analisada a problemática existente entre as práticas artísticas contemporâneas associadas ao campo da etnografia e da antropologia. A análise da dissertação concentrar-se-á no livro "El retorno de lo real: La vanguardia a finales de siglo XX" (2001), de Hal Foster (1965), nomeadamente no capítulo "El artista como etnógrafo". Para desenvolver esta temática, o texto é dividido em três partes, com o objetivo de esclarecer conceitos considerados necessários à contextualização da noção de crítica pós-colonialista, concebida dentro do campo da arte contemporânea. Na investigação são estudados os precedentes nos quais o discurso colonialista que fundamenta as ciências humanas, do período iluminista na América Latina, é instituído e como esses precedentes permanecem em vigor em certas práticas artísticas atuais. Para isso, são analisadas questões relacionadas ao processo de consolidação das ciências modernas na América Latina entre os séculos XVI e XVIII. Inicialmente, são abordados os referentes fundamentais para o processo de consolidação do conhecimento europeu da Ilustração, como foi feita a construção das ciências rigorosas baseadas na noção de objetividade universal e a conformação de metodologias experimentais e cartesianas. Esta reflexão será determinada pela descrição de teorias filosóficas e analíticas que serviram de base científica para a construção desse imaginário eurocêntrico. Na pesquisa é tratado o livro de Santiago Castro Gómez (1958) “La hybris del punto cero: ciencia, raza e ilustración en la Nueva Granada (1750-1816)” (2005), onde se analisa o conceito de cosmópolis no pensamento moderno entre os séculos XVI e XVIII, um dos pilares da ciência esclarecida para configurar uma mentalidade hegemonicamente eurocêntrica. O conceito de negação da simultaneidade é também abordado, como parte de um discurso que será formulado na Europa para legitimar uma única linha de pensamento possível na história, eliminando e descartando outros conhecimentos não europeus. Em seguida delimita-se, de modo amplo, as diferenças que Castro Gomez apresenta entre o conceito de orientalismo de Edward Said (1935-2003) e o ocidentalismo de Dussel (1934) para identificar como se constituem os diferentes sistemas geopolíticos entre a América e a Europa em relação aos sistemas geopolíticos de outros territórios como a Ásia e a Europa. Numa segunda fase, são analisadas as práticas de resistência a esses discursos colonialistas nos movimentos artísticos e de insurgência latino-americanos entre os anos 60 e 80, com base em diferentes mecanismos de enfrentamento em relação aos regimes políticos do momento. Nesta segunda parte, o livro de Luís Camnitzer (1937) “A didática da libertação: arte conceitual latino-americana” (2005) é utilizado como um referente para identificar como foram estabelecidas as políticas de insurgência que procuravam unificar a América Latina e reconstruir uma identidade fora de um pensamento eurocêntrico. Para isso, são abordadas questões relacionadas a alguns movimentos e grupos de artistas insurgentes latino-americanos que resistiram à imposição de certas narrativas colonialistas hegemónicas e políticas estatais na América Latina durante as décadas de 60, 70 e 80. Essa reflexão levará em consideração a perspectiva segundo a qual Luís Camnitzer diferencia as linhas de pensamento e produção artística latino-americanas em relação às linhas de pensamento e produção artística oficiais da Europa e da América do Norte. A análise que iremos realizar identificará como os discursos de insurgência são constituídos e como se questionam as linhas de pensamento dos discursos oficiais que assumem uma estrutura hierárquica, com uma linha histórica de arte generalista e reducionista. Junto com isso, pretendemos determinar em que medida as correntes artísticas paralelas diferem em função das várias geografias, por exemplo, o caso da arte conceptual latino-americana em relação à arte conceptual norte-americana. A terceira parte da pesquisa identifica como, entre os anos 80 e 90, a introdução e institucionalização da etnografia no cenário artístico e cultural toma as bases do pensamento esclarecido. Examina-se como a arte se relaciona com uma prática etnográfica, utilizando como apoio alguns conceitos que o autor Hal Foster destaca sobre a questão. Entre eles, expõem-se como certas práticas artísticas replicam políticas culturais de alteridade, a relação das práticas etnográficas com a construção de suposições da realidade e as implicações que derivam da implementação dessas lógicas de pensamento na produção artística. Também são discutidos alguns conceitos estabelecidos por Hal Foster, através das reflexões do antropólogo George Marcus (1943), no seu livro “Betwen art and anthropology” (2010) e a teórica Miwon Kwon (1961) no “One step after another” (2002), textos em que os autores abordam questões relativas à virada etnográfica na arte contemporânea, especialmente num contexto em que a indústria cultural começa a exercer mais pressão sobre a posição dos artistas em situações sociais de repressão ou marginalização. Para identificar o escopo apresentado na virada etnográfica que ocorre na arte contemporânea, o desenvolvimento do terceiro capítulo concentrar-se-á na exposição de Melanie Smith, "Farsa y Artifício" (2018-2019), realizada no MACBA (Museo de Arte Contemporâneo de Barcelona) e no Museu Amparo e na exposição "História natural y política: conocimientos y representaciones em la naturaleza americana" (2008), realizada no Museu do Banco da República em Bogotá com a curadoria de Manuel Nieto. Com estes exemplos, o escopo do trabalho artístico é identificado sob uma abordagem sujeita à contextualização e crítica do imaginário social latino-americano, sob diferentes perspectivas de abordagem. Com base nesses modelos, são apresentados os aspectos mais significativos sugeridos por autores como George Marcus, sobre a importância de integrar a arte em diferentes plataformas de trabalho no campo antropológico, e como estes métodos de criação artística favorecem o manejo de linguagens mais relevantes e pertinentes, dependendo de cada contexto, local ou comunidade nos quais os trabalhos são desenvolvidos. Ao final da investigação, são reconhecidas uma série de contradições presentes na figura do artista contemporâneo e as dificuldades que surgem com o papel do artista como expoente do mecenas ideológico. Também são identificados processos relevantes de mudança que apresentam, por exemplo, como novas dinâmicas da criação em arte foram estabelecidas, como a insistência numa relação de trabalho entre o publico, o artista e a comunidade com que trabalha, promovendo mudanças na dinâmica social do processo de criação artística, mas um imaginário pós-colonialista permanece presente, ligado em parte ao perfil do etnógrafo, tanto no seu discurso quanto na sua prática artística. A última parte deste projeto enfoca uma descrição do meu processo de trabalho escultórico realizado durante a fase curricular do Mestrado em Escultura, no ano lectivo de 2018/19. O processo de trabalho está ligado a diferentes métodos de reconstrução de imagens, objetos e fósseis. A partir da gestão de materiais residuais, são identificados diferentes processos de resignificação de representações icónicas de Lisboa. Cada proposta configura imagens com diferentes idiomas que recorrem ao gerenciamento de imaginários arqueológicos. O processo de trabalho funciona como um reconhecimento de um contexto urbano específico e utiliza uma satirização de certos métodos etnográficos, arqueológicos e botânicos, criando uma exageração no processo de reconstrução de imagens em determinadas metodologias científicas. Assim, usa-se a referência clássica do gabinete e do levantamento arqueológico, que servem para acentuar a construção de um imaginário ficcional de um lugar ou de um ser vivo, mas que, por sua vez, pode ser real e possível, porque a partir dessas formas e imagens pode ser construída uma noção de identidade dum lugar fragmentado, mas credível. Para o processo de escultura, são utilizados resíduos e imagens da cidade, como folhas secas de plátano, cascas de banana, penas de pombo, beatas de cigarro, entre outros fragmentos dispersos pelo chão da cidade, estabelecendo uma ponte entre a imagem atual de Lisboa e um discurso pós-colonialista latente, usando esse contraste para questionar a idealização de Lisboa, entendida como uma cidade homogénea e emblemática, tanto na sua aparência quanto no seu legado histórico.