Thèses sur le sujet « 1954-2012 »

La guerre d’Indochine n’est pas seulement le sujet de quelques films de guerre réalisés par d’anciens enrôlés du Service cinématographique des armées tels Pierre Schoendoerffer ou Claude Bernard-Aubert. Elle est également un phénomène de société, dont la présence, ténue mais récurrente, est notable dans les fictions françaises (tous genres confondus) tournées depuis plus d’un demi-siècle par des cinéastes aussi reconnus que Louis Malle, Claude Chabrol, Georges Lautner, Pierre Granier-Deferre, Yves Boisset, Gérard Corbiau, Bertrand Tavernier, Régis Wargnier, etc. La guerre d’Indochine n’est jamais clairement dite dans ces films, mais elle s’avère impossible à taire totalement, comme s’il s’agissait d’un refoulé cinématographique tentant perpétuellement d’apparaître à l’écran. Trou de mémoire cinématographique, le conflit devient l’objet d’une mythification héritée du cinéma colonial, renouvelée par les enjeux des représentations post-coloniales. Ainsi, les références à la guerre d’Indochine sont-elles souvent sibyllines et toujours lancinantes, signalant une défaillance, un manque tant chez les personnages qui la stigmatisent (les anciens d’Indo) qu’au sein des récits qui y font allusion sans la mettre en scène. Pour paraphraser le titre d’un ouvrage de Paul Ricoeur, la représentation de la guerre d’Indochine dans le cinéma français est sans doute exemplaire d’un lien possible entre l’Histoire et la Mémoire via l’Oubli
The Indochina War is not merely the topic of several movies directed by former soldiers who enrolled in the “Army movie department” (Service cinématographique des armées) such as Pierre Schoenderffer or Claude Bernard-Aubert. For more than half a century, it has also been a mass phenomenon which tenuous but recurring presence can be felt in French fictions from all genres directed by such acclaimed filmmakers as Louis Malle, Claude Chabrol, Georges Lautner, Pierre Granier-Deferre, Yves Boisset, Gérard Corbiau, Bertrand Tavernier, Régis Wargnier, etc. The Indochina War is never clearly expressed in these films but it is never totally hushed as if it were a kind of cinematic repressed always attempting to return onscreen. As a cinematic blank mind, this conflict has been turned into a myth inherited from colonial cinema and renewed by the stakes of postcolonial representations. The many references to the Indochina War are thus often cryptic and always haunting. They point at a lapse or at a lack not only for the characters who tend to stigmatize this War (Indochina veterans) but also within the narratives that allude to it without staging it. To paraphrase the title of a book by Paul Ricoeur, the representation of the Indochina War in French cinema may be the perfect example of a potential link between History and Memory through Forgetfulness/Forgetting

Ce travail présente le rôle et l'influence de l'artiste américain Mike Kelley sur la scène internationale de l'art depuis la fin des années 70 jusqu'au début du XXIe siècle. Il présente un panorama de l'atmosphère artistique à Los Angeles, ville où est basé l'artiste, ainsi que des différentes tendances de la critique et de l'art contemporain américain au cours de la même période. Cette thèse présente diverses stratégies utilisées par l'artiste comme l'emploi et le détournement de stéréotypes, ainsi que l'utilisation du concept flou de " l'inquiétante étrangeté " théorisée par Freud pour interroger les débats critiques contemporains tournés vers l'abject art et l'informe. De même, l'artiste critique les tendances identitaires et autobiographiques à l'oeuvre dans l'art d'aujourd'hui et redéfinit la pratique de l'art comme une anti-esthétique, en utilisant la provocation, l'ironie et la distanciation afin de mettre en évidence la notion de l'art comme espace symbolique de réflexion.

The present Doctoral Thesis focuses his research monographically on the figure of the Valencian composer D. Vicente Ramón Ramos Villanueva (1954-2012), considered one of the most relevant composers of the contemporary musical Valencian panorama of the last thirty years. Due to the lack of in-depth studies on the author, a short time after his premature death, the objectives of this work are focused on illuminating the different planes that make up the figure of the Valencian composer: biographical, catalographical and analytic-aesthetical. The structure and content of the Thesis is defined as follows: -I. INTRODUCTION: It includes the justification of the subject, the detailed study of the state of the question, the definition of the objectives and the planning of the methodology and sources for the research. -II. RESULTS: Where the body of research is exposed, divided into three planes that interact about the author. ·Biographical plane: Where the human side of the composer is treated, situating ourselves in the understanding of the social, vital and personal conjunctures that conditioned his artistic development (formation, received influences, developed work and aesthetic evolution). For this, a brief description of the socio-musical contexts is presented, followed by an extensive chronological biography divided in artistic-vital stages, narrated in detail and illustrated, and exposing a final approximation to the personality of the author. ·Catalographical plane: Detailed cataloguing of the author's entire corpus, until now non-existent, is carried out, as well as the crucial recovery of the scores of his grave situation of dispersion, gathering them here in a Digital Archive. ·Analytical and musical aesthetic plane: From the scores recovered for the Digital Archive, a musical analysis of the author's chamber production is carried out first, addressing a total of 56 works analyzed that cover the 32 years of musical production of the author. Later on, based on the observation and global analysis of the analyzes, establish the aesthetic, stylistic and thematic foundations of the musical language of Ramón Ramos, being able also in the last instance to determine throughout its different artistic stages the evolutionary line of its Musical aesthetics. -III. CONCLUSIONS: The final conclusions reached after the research carried out in the three levels about the author, as well as the reports on the results obtained, are presented. In addition, it points out the possible pending tasks and the research perspectives that are opened from this Doctoral Thesis. The Thesis ends with the enumeration of IV. BIBLIOGRAPHY consulted, and followed by the documentary ANNEXES and in digital format.
La presente Tesis Doctoral centra su investigación monográficamente en la figura del compositor valenciano D. Vicente Ramón Ramos Villanueva (1954-2012), considerado uno de los compositores más relevantes del panorama musical contemporáneo valenciano de los últimos treinta años. Ante la inexistencia de estudios profundos sobre el autor, escaso tiempo tras su prematuro fallecimiento, los objetivos del presente trabajo están enfocados a alumbrar los diferentes planos que componen la figura del compositor valenciano: biográfico, catalográfico y analítico estético. La estructura y el contenido de la Tesis se define del siguiente modo: -I. INTRODUCCIÓN: Incluye la justificación del tema, el estudio detallado del estado de la cuestión, la definición de los objetivos y la planificación de la metodología y fuentes para la investigación. -II. RESULTADOS: Donde se expone el cuerpo de las investigaciones, dividido en tres planos que interaccionan acerca del autor. ·Plano biográfico: Donde se trata el lado humano del compositor situándonos en la comprensión de las coyunturas sociales, vitales y personales que condicionaron su desarrollo artístico (formación, influencias recibidas, labor desarrollada y evolución estética). Para ello se expone una breve descripción de los contextos socio-musicales, seguido de una amplia biografía cronológica dividida en etapas artístico-vitales, narrada detalladamente e ilustrada, y exponiendo una final aproximación a la personalidad del autor. ·Plano catalográfico: Se lleva a cabo la catalogación detallada del corpus completo del autor, hasta ahora inexistente, así como la crucial recuperación de las partituras de su grave situación de dispersión, reuniéndolas aquí en un Archivo Digital. ·Plano analítico y estético musical: A partir de las partituras recuperadas para el Archivo Digital se realiza en primer lugar un análisis musical de la producción camerística del autor, abordando un total de 56 obras analizadas que abarcan los 32 años de producción musical del autor. Para posteriormente, a partir de la observación y estudio global de los análisis realizados, establecer los fundamentos estéticos, estilísticos y temáticos del lenguaje musical de Ramón Ramos, pudiendo además en última instancia determinarse a lo largo de sus diferentes etapas artísticas la línea evolutiva de su estética musical. -III. CONCLUSIONES: Se exponen las conclusiones finales alcanzadas tras las investigaciones llevadas a cabo en los tres planos acerca del autor, así como los informes sobre los resultados obtenidos. Además, se apuntan las posibles tareas pendientes y las perspectivas de investigación que se abren a partir de la presente Tesis Doctoral. La Tesis finaliza con la enumeración de la IV. BIBLIOGRAFÍA consultada, y seguida por los ANEXOS documentales y en formato digital.
La present Tesi Doctoral centra la seua investigació monogràficament en la figura del compositor valencià D. Vicente Ramón Ramos Villanueva (1954- 2012), considerat un dels compositors més rellevants del panorama musical contemporani valencià dels últims trenta anys. Davant de la inexistència d'estudis profunds sobre l'autor, escàs temps després de la seua prematura defunció, els objectius del present treball estan enfocats a il¿luminar els diferents plans que componen la figura del compositor valencià: biogràfic, catalogràfic i analític estètic. L'estructura i el contingut de la Tesi es definix de la manera següent: -I. INTRODUCCIÓ: Inclou la justificació del tema, l'estudi detallat de l'estat de la qüestió, la definició dels objectius i la planificació de la metodologia i fonts per a la investigació. -II. RESULTATS: On s'exposa el cos de les investigacions, dividit en tres plans que interaccionen sobre l'autor. ·Pla biogràfic: On es tracta el costat humà del compositor situant-nos en la comprensió de les conjuntures socials, vitals i personals que van condicionar el seu desenrotllament artístic (formació, influències rebudes, labor desenrotllada i evolució estètica). Per a això s'exposa una breu descripció dels contextos sociomusicals, seguit d'una àmplia biografia cronològica dividida en etapes artisticovitals, narrada detalladament i il¿lustrada, i exposant una final aproximació a la personalitat de l'autor. ·Pla catalogràfic: Es du a terme la catalogació detallada del corpus complet de l'autor, fins ara inexistent, així com la crucial recuperació de les partitures de la seua greu situació de dispersió, reunint-les ací en un Arxiu Digital. ·Pla analític i estètic musical: A partir de les partitures recuperades per a l'Arxiu Digital es realitza en primer lloc un anàlisi musical de la producció camerística de l'autor, abordant un total de 56 obres analitzades que comprenen els 32 anys de producció musical de l'autor. Per a posteriorment, a partir de l'observació i estudi global dels anàlisis realitzats, establir els fonaments estètics, estilístics i temàtics del llenguatge musical de Ramón Ramos, podent a més en última instància determinar-se al llarg de les seues diferents etapes artístiques la línia evolutiva de la seua estètica musical. -III. CONCLUSIONS: S'exposen les conclusions finals aconseguides després de les investigacions dutes a terme en els tres plans sobre l'autor, així com els informes sobre els resultats obtinguts. A més, s'apunten les possibles tasques pendents i les perspectives d'investigació que s'obrin a partir de la present Tesi Doctoral. La Tesi finalitza amb l'enumeració de la IV. BIBLIOGRAFIA consultada, i seguida pels ANNEXOS documentals i en format digital.
Oltra García, H. (2017). EL COMPOSITOR VALENCIANO VICENTE RAMÓN RAMOS VILLANUEVA (1954-2012): BIOGRAFÍA, CATÁLOGO DE OBRA Y FUNDAMENTOS ESTÉTICOS A TRAVÉS DEL ANÁLISIS MUSICAL DE SU OBRA CAMERÍSTICA [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90471
TESIS

Résumé du roman: La fréquentation de l'horreur et de la violence ont épuisé Damien Martel, photographe de guerre. Après un tragique incident qui le touche de proche, il glisse lentement vers le désespoir. Le directeur de son agence de presse l'envoie se reposer à Québec, avec la mission d'écrire un roman dans lequel il réglera leur compte aux démons qui le hantent. Dès les premiers instants de son séjour, Damien rencontre des personnages bien réels qui se sont donné rendez-vous pour lui faire revisiter le passé. Certains pourraient s'être échappés d'une bande dessinée, d'autres d'un récit d'aventures. Heureusement, tout le monde finit par trouver sa place dans l'éternel roman de la vie. Résumé de l'essai: L'entrelacement de la musique et de la littérature romanesque n'est plus à découvrir. De nombreux auteurs ont pratiqué la musicalité dans la fiction, que ce soit sous forme de thématique musicale ou d'analogie formelle. L'usage de variations sophistiquées sur un thème initial et la composition en contrepoint propres à la fugue invitent à s'interroger sur les chemins communs parcourus par les deux arts. Le roman Auprès de moi toujours de Kazuo Ishiguro sert d'exemple dans cet essai pour étayer l'intuition de la narration contrapuntique. L'auteur de ce mémoire propose cet essai à la suite du roman intitulé La violoncelliste est disparue, qui ne prétend pas à la forme musicale, mais certainement à sa thématique.

À la fin des années 70, lorsqu’on commence à s’interroger autour des changements historico-politiques qui intéressent les deux “moitiés” de l’Europe, la crise du bloc communiste et la fin des idéologies, la référence à la Modernité est inévitable : on discute la crise de la modernité, d’une modernité inaccomplie ou accomplie. Comment est-ce que le paradigme littéraire change en cette “période de mutation”? Comment s’exprime dans la littérature contemporaine la recherche du sens? On assiste, dans le panorama littéraire, au retour du sujet et du besoin anthropologique de la narration, à la fonction du narrateur comme témoin et médiateur d’histoires d’autrui. À travers la narration de récits de vie, des destins “fragmentés”, des biographies réinventées, on peut remarquer l’intention de ressusciter des “marginalia”, des traces oubliées par l’Histoire : on essaie de donner un sens à une vie ou de saisir une vie par le sens, de représenter la quête d’un centre métaphysique par le personnage qui revit le conflit et la dissociation entre “âme et forme”. Ce sont des récits de filiations, ils narrent des relations père-fils, de l’histoire de la faute et de l’origine du pouvoir, mais aussi des vies marginales, des traces de l’histoire et du rôle du narrateur en tant que témoin. Les auteurs ont recours au mythe : on s’interrogera alors sur le sens nouveau de la représentation du mythe dans ces récits en tant qu’interprétation allégorique du contemporain et d’une relation nouvelle au temps ; on questionnera son utilisation en tant qu’allégorie vide et énigmatique
In the late 70s, when one begins to wonder about the historical and political changes regarding the two “halves” of Europe, the crisis of the communist bloc and the end of ideology, the reference to Modernity is inevitable: the crisis of modernity is discussed – a modernity accomplished or unaccomplished. How does the literary paradigm change in this “time of mutation”? How is it expressed the search for meaning in the contemporary literature? We are the witnesses, in the literary scene, of the subject’s return and of the anthropological need of narration (the function of the narrator as a mediator of others’ stories). Through the narration of life stories, “fragmented” destinies, reinvented biographies, we can see the intention of resurrecting the “marginalia”, the traces forgotten by history: we try to give meaning to a life or to grasp a life by meaning, we try to represent the quest for a metaphysical centre through the character reliving the conflict and the dissociation between “soul and forms”. The authors use the myth: we will ask the new meaning of the representation of myth in these stories as an allegorical interpretation of contemporary and a new relationship to time; we will question its use as empty and enigmatic allegory

La thèse s'attache à aborder, par le prisme de la notion de roman symbolique, un corpus de romans choisis parmi les œuvres de Sylvie Germain, Henry Bauchau et Philippe Le Guillou. La démarche de ces trois auteurs, investissant pleinement les ressources de la narration et du romanesque, permet de les situer dans une lignée littéraire qui rencontre le roman mythologique, initiatique, ou la démarche psychanalytique ; la notion de symbole se situe à la confluence de ces orientations, sans que l'on puisse résumer la démarche des trois romanciers à un seul de ces modèles. Le roman symbolique est ainsi situé dans le cadre des interrogations modernes et contemporaines, portant sur la représentation par l'écriture. Celle-ci apparaît comme symbolique dans le corpus, car la figuration se fait signification, et appel à l'interprétation : elle est aussi configuration et transfiguration. Une vision du monde ressort par conséquent de ces œuvres, renouvelant l'approche de questions, à dimension philosophique et spirituelle, qui sous-tendent tout système symbolique, celle de la situation de l'homme dans le monde, perçu comme une totalité avec laquelle on peut entrer en relation, et celle de la figuration de l'invisible, qu'il s'agisse d'une autre dimension de la réalité ou des profondeurs de l'intériorité. La thématique de la confrontation de l'homme à ce qui le dépasse ou lui échappe, ainsi présente dans les œuvres, a des conséquences sur la poétique du roman : c'est l'écriture elle-même qui manifeste un dépassement ou une inadéquation avec son objet, et se fait ainsi révélation d'une transcendance en creux, dont la présence paradoxale se réalise dans le langage romanesque
Through the notion of symbolism in the novel, this thesis deals with a corpus of works written by Sylvie Germain, Henry Bauchau and Philippe Le Guillou. Thanks to fictional and narrative techniques, these authors' approach belongs to a literature between the mythological novel, the initiation rite genre or the psychoanalytical approach. The notion of symbol fits into the directions mentioned above ; however, the three novelists' approach cannot be restricted to one of these notions. The symbolic novel identifies with modern and contemporary questionings about representation in writing which appears through symbolism in the novels, for figuration turns into signification and appeals interpretation : it is both construction and metamorphosis. As a consequence, in these works the world is perceived with its philosophical and spiritual dimensions that are inherent in symbolism : the one of the man in the world seen in his entirety with whom communication is possible and the one of the figuration of the invisible whether it is another dimension of reality or deep inwardness. In these works, the theme of the man confronted to what is beyond him or what escapes from his reality impacts on the poetry of the novel : it is the writing itself that expresses an appearance or an inadequation with its topic and thus reveals an empty transcendance which paradoxal figuration exists in fictional language

La crise du FLN de l'été 1962 est l'aboutissement logique des mutations que le FLN a connu depuis sa création à l'automne 1954. Au cours des sept années et demie qu'a duré le conflit armé, de graves dissensions ont couvé en son sein. L'objectif de l'indépendance atteint, la course à la direction du pays est devenue une autre guerre à gagner pour de nombreux dirigeants du FLN et de FALN (Armée de libération nationale). Chronologiquement, c'est la suspension, dans la nuit du 5 au 6 juin 1962, des travaux de la cinquième et dernière session du Conseil national de la Révolution algérienne (CNRA) de Tripoli qui marque le début de la crise. Celle-ci s'achève le 5 septembre 1962, au moment ou le Bureau politique (BP) du FLN et le conseil de là Wilâya 4 (celle de l'Algérois) concluent un cessez-le-feu. La crise de l'été 1962 se solde par des centaines de victimes. Les enjeux politiques de la crise du FLN à l'été 1962 sont considérables. La constitution du nouvel État algérien est étroitement liée à cet événement historique. Les premiers dirigeants de l'Algérie indépendante sont les vainqueurs de cette confrontation politique et militaire. Les vaincus, quant à eux, se sont retirés de la vie publique, ou ont constitué une opposition politique au nouveau régime
The FLN's crisis in the summer of 1962 was the logical result of the changes that it had undergone since its creation in the autumn of 1954. During the seven and half years of the armed conflict, serious discords had brewed within the organization. Once the goal of Independence had been achieved, the race for control of the country became another war to win for many of the leaders of the FLN or ALN (National Liberation Army). Chronologically, it was the suspension of the National Council of the Algerian Revolution's (CNRA) fifth and last session in Tripoli, during the night between June 5th and 6th 1962, that marked the beginning of the crisis, which ceased on September 5th, when the FLN's political bureau (BP) and the 4th Wilâya's council declared a ceasefire. The crisis of the summer of 1962 ended with hundreds of victims. The political stakes were significant. The setting up of the new Algerian state was closely tied to this historical event. The first leaders of independent Algeria were the winners of this political and military confrontation. As for the vanquished, they either retired from public life or built up political opposition to the new regime

Pierre Schoendoerffer fait irruption dans le paysage médiatique en 1965 avec La 317ème section ; ce film met en scène une section locale supplétive à la fin de la guerre d’Indochine. Avec ses œuvres suivantes, jusqu’à Là-haut, sorti en 2004, le cinéaste poursuit un récit qui va de l’Indochine à l’Algérie, du Vietnam en guerre aux mers du grand Nord. C’est le destin d’une génération que Pierre Schoendoerffer porte à l’écran, de ces officiers qui, adolescents sous l’Occupation, sont devenus des hommes dans la guerre d’Indochine et ont dû faire des choix décisifs en Algérie. Alors qu’aucun imaginaire national n’émerge vraiment sur cette période, son œuvre occupe une place originale. Le parcours du réalisateur lui-même fascine les critiques et le public : né en 1928, Pierre Schoendoerffer est entré dans le cinéma par la guerre, en devenant caméraman pour le Service Presse-Information des Armées en Indochine en 1952. Fait prisonnier à Dien Bien Phu, c’est avant tout pour ceux qu’il a vu mourir à ses côtés qu’il dit vouloir témoigner. La manière dont son œuvre est reçue et comprise est révélatrice des évolutions de la mémoire sur ces guerres de décolonisation. L’œuvre de Pierre Schoendoerffer marque incontestablement son public, même si certains films remportent un succès mitigé. Dans le vide de représentations sur la guerre d’Indochine et alors que la guerre d’Algérie demeure une blessure ouverte dans l’imaginaire nationale, sa fresque contribue à l’édification d’une mythologie
Pierre Schoendoerffer burst into the media landscape in 1965 with La 317ème section (The 317th platoon), a film about a local auxiliary platoon at the end of the First Indochina War. In his next works, till the last one Là-haut – a movie released in 2004 –, the movie maker carried on a tale from Indochina to Algerian, from Vietnam at war to the Arctic Seas. Thus, the destiny of a whole generation has been screened by Pierre Schoendoerffer : officers who were in their teens during the Occupation have become men in Indochina War and, as such, faced decisive choices in Algerian. While no national mythe really emerged during this period, his work takes a special meaning. The very development of the director’s art fascinates critics as well as the audience: war led Pierre Schoendoerffer (he was born in 1928) to cinema as he was a cameraman for the Service Presse-Information des Armées en Indochine, i.e. the Military Information Department in Indochina, in 1952. Captured in Dien Bien Phu, he pledged above all those who were killed around him to testimony. The way his work was welcome and understood is a good illustration of how memory on decolonization evolved. Pierre Schoendoerffer’s cinema undoubtedly reached its audience, even though some movies happened to meet a lesser/minor success. In the context of lack of representations of Indochina War, and while Algerian War remained an open wound in the imagined community, his fresque contributed to build a mythology

Cette thèse se propose d’étudier les imaginaires créatifs de cinq artistes du XXe siècle liés au mouvement surréaliste : Leonora Carrington, Frida Kahlo, Gisèle Prassinos, Dorothea Tanning et Unica Zürn. En se centrant sur leur double pratique, littéraire et plastique, notre étude vise à circonscrire l’originalité de leurs « spectacles intérieurs ». Axées autour de l’auto-représentation, leurs œuvres interrogent la question du reflet, de l’identité et de l’appartenance à un genre. En s’imprégnant de codes et de modèles traditionnels – ou convenus – ces artistes soulignent leurs difficultés à se positionner dans un monde encore très dominé par une pensée patriarcale
This dissertation intends to study the creative imaginative worlds of five twentieth-century artists linked to the Surrealist movement : Leonora Carrington, Frida Kahlo, Gisèle Prassions, Dorothea Tanning and Unica Zürn namely. By focalizing on their double practice, i. E. Their literary and visual art practice, our study aims to define the originality of their “inscapes”. Their works, which are focused on self-representation, question the notions of reflection and identity and the fact of belonging to a particular gender. Deeply influenced by traditional or conventional codes and models, these artists emphasize the difficulties to define one’s position in a world still largely dominated by patriarchal discourses

En 2005, quand William Ospina publie Ursúa, son intérêt pour la conquête de l'Amérique n'est pas nouveau. Mais avec El País de la Canela et La serpiente sin ojos, qui viennent compléter la trilogie de l'Amazone en 2008 et 2012, les récits de l'écrivain colombien prennent une autre dimension. En effet, derrière cette approche historique, William Ospina interprète l'événement. L'histoire est un prétexte pour repenser les fondements de la nation colombienne, redessiner son imaginaire et réorienter son identité et sa conscience collective. La trilogie de l'Amazone devient donc l'espace de son engagement poétique et politique. Le mythe de l'El Dorado en est la clé de compréhension essentielle et, en lui conférant une pérennité transcendante, il devient même le symbole d'un projet historique et culturel national métamorphosé. Cette image est l’aboutissement d’un processus qui s'échelonne sur les trois romans. Dans cette optique, William Ospina recompose d'abord, sous l'égide de Juan de Castellanos, une tradition littéraire capable de réformer la mémoire colombienne. Puis, il revient aux sources de l'histoire et la réécrit, afin de fonder historiquement un mythe métis de l'Amérique. Enfin, dans un rapport très étroit à la terre et à l’Amazone, « naturalisant » la langue espagnole, William Ospina s'essaie à rénover poétiquement l'univers symbolique colombien. Il fusionne les traumatismes du passé avec les défis du présent et légitime ainsi l'affirmation d'un idéal national métis, auquel il assigne ses rêves humanistes et écologiques. Son but est en fait la création d'une sensibilité spécifique à la Colombie, susceptible de transformer l’esprit occidental
In 2005, when William Ospina published Ursúa, his interest in the conquest of America was not new. But with El País de la Canela and La serpiente sin ojos, which completed the trilogy of the Amazon in 2008 and 2012, the stories of the Colombian writer take on another dimension. Indeed, behind this historical approach, William Ospina interprets the event. History is a pretext for rethinking the foundations of the Colombian nation, recreating its imagination and reorienting its identity and collective consciousness. The trilogy of the Amazon thus becomes the space of his poetic and political commitment. The myth of El Dorado is the essential key to its understanding and, by giving it transcendent durability, it even becomes the symbol of a metamorphosed national, historical and cultural project. This image is the culmination of a process that spans onto the three novels. With this in mind, William Ospina first recomposes, under the auspices of Juan de Castellanos, a literary tradition capable of reforming Colombian memory. Then, he returns to the sources of history and rewrites it, in order to lay historical actions on a mixed myth of America. Finally, in a very close relationship to the land and the Amazon, "naturalizing" the Spanish language, William Ospina tries to poetically renovate the Colombian symbolic universe. He fuses the traumas of the past with the challenges of the present and thus legitimizes the affirmation of a mixed national ideal, to which he assigns his humanistic and ecological dreams. Its purpose is in fact the creation of a sensibility specific to Colombia, able of transforming the Western mind

Master of Music
Department of Music, Theatre, and Dance
Gary C. Mortenson
This report is an analysis and exploration of the following works: Eugène Bozza’s Caprice, Vincent Persichetti’s The Hollow Men, Halsey Stevens’s Sonata for Trumpet and Piano, Alexander Arutunian’s Concerto for Trumpet, Ernest Bloch’s Proclamation, and Eric Ewazen’s Grand Valley Fanfare. The purpose of this report is to aid performance preparation of these pieces by providing thematic and formal analysis as well as identifying general unifying elements for each piece. Once identified, these patterns will help the performer communicate the broad musical ideas to the audience by finding a balance between the technical aspects and musical statements in each work.

Pierre Schoendoerffer fait irruption dans le paysage médiatique en 1965 avec La 317ème section ; ce film met en scène une section locale supplétive à la fin de la guerre d’Indochine. Avec ses œuvres suivantes, jusqu’à Là-haut, sorti en 2004, le cinéaste poursuit un récit qui va de l’Indochine à l’Algérie, du Vietnam en guerre aux mers du grand Nord. C’est le destin d’une génération que Pierre Schoendoerffer porte à l’écran, de ces officiers qui, adolescents sous l’Occupation, sont devenus des hommes dans la guerre d’Indochine et ont dû faire des choix décisifs en Algérie. Alors qu’aucun imaginaire national n’émerge vraiment sur cette période, son œuvre occupe une place originale. Le parcours du réalisateur lui-même fascine les critiques et le public : né en 1928, Pierre Schoendoerffer est entré dans le cinéma par la guerre, en devenant caméraman pour le Service Presse-Information des Armées en Indochine en 1952. Fait prisonnier à Dien Bien Phu, c’est avant tout pour ceux qu’il a vu mourir à ses côtés qu’il dit vouloir témoigner. La manière dont son œuvre est reçue et comprise est révélatrice des évolutions de la mémoire sur ces guerres de décolonisation. L’œuvre de Pierre Schoendoerffer marque incontestablement son public, même si certains films remportent un succès mitigé. Dans le vide de représentations sur la guerre d’Indochine et alors que la guerre d’Algérie demeure une blessure ouverte dans l’imaginaire nationale, sa fresque contribue à l’édification d’une mythologie
Pierre Schoendoerffer burst into the media landscape in 1965 with La 317ème section (The 317th platoon), a film about a local auxiliary platoon at the end of the First Indochina War. In his next works, till the last one Là-haut – a movie released in 2004 –, the movie maker carried on a tale from Indochina to Algerian, from Vietnam at war to the Arctic Seas. Thus, the destiny of a whole generation has been screened by Pierre Schoendoerffer : officers who were in their teens during the Occupation have become men in Indochina War and, as such, faced decisive choices in Algerian. While no national mythe really emerged during this period, his work takes a special meaning. The very development of the director’s art fascinates critics as well as the audience: war led Pierre Schoendoerffer (he was born in 1928) to cinema as he was a cameraman for the Service Presse-Information des Armées en Indochine, i.e. the Military Information Department in Indochina, in 1952. Captured in Dien Bien Phu, he pledged above all those who were killed around him to testimony. The way his work was welcome and understood is a good illustration of how memory on decolonization evolved. Pierre Schoendoerffer’s cinema undoubtedly reached its audience, even though some movies happened to meet a lesser/minor success. In the context of lack of representations of Indochina War, and while Algerian War remained an open wound in the imagined community, his fresque contributed to build a mythology

L'œuvre principalement photographique de Kimiko Yoshida (née le 23 juin 1963 au Japon et installée en France depuis 1995) se fonde sur la création de « mythes» à travers ses autoportraits. Les « mythes du Photographe» à l'origine des « fonctions» de son œuvre - visant entre autres à « informer, représenter, surprendre, faire signifier, donner envie» selon Roland Barthes dans La chambre claire - trouvent leurs sources dans la société, la culture, l'époque auxquelles l'artiste appartient et par conséquent également dans ce qui touche à la singularité de la personnalité, du vécu, de l'histoire à l'échelle intime de celui-ci. De fait, le titre général de cette étude énonce une quête des « mythes personnels et pluriels dans l'œuvre de Kimiko Yoshida », dont le thème de « rentre-deux» constitue la posture esthétique majeure, l'artiste et son œuvre se trouvant entre Japon et Occident, entre figuration et abstraction, entre réalité et fiction, entre citation et transgression. Ce discours fictionnel par l'image et dans l'image subit différentes métamorphoses qui forment les quatre axes fondateurs de la thèse, à savoir l'entre-deux particulier du « personnage conceptuel» défini par Gilles Deleuze et Félix Guattari dans Qu'est-ce que la philosophie / appliqué à la « signature» Kimiko Yoshida : l'étude d'un entre-deux géographique et culturel définissant un « syncrétisme» artistique singulier: les illustrations des différentes dimensions spatio-temporelles perceptibles dans l ' œuvre de Kimiko Yoshida, notamment à travers les (enjeux des couleurs des images : et l'interrogation concernant la place du sujet à l'image, entre trace et absence
The work of Kimiko Yoshida (born on June 23rd, 1963, in Japan and living in France since 1995), mainly based on photography, is founded on the creation of « myths ». This study is about searching, defining and analysing the « functions » of Kimiko Yoshida's self-portraits. The « myths of the Photographer », at the origins of her work's functions - aiming. amongst others, to « inform, represent, surprise, signify, create desire» according to Roland Barthes' Camera Lucida - are rooted in the society, the culture and the time the artist belongs to, and as a consequence also in the singularity of his/her personality, experience, and intimate story. Thus, the general title of this study brings forwards a research of « personal and plural myths in Kimiko Yoshida's work of art», whose topic of the « in-between » is the main aesthetic position, the artist and her work situated between Japan and the West between representation and abstraction, between reality and fiction, between quotation and transgression. The fictional speech through and in the image undergoes several transformations which make up the four founding lines of this thesis, that is to say the distinctive in-between of the « conceptual character » defined by Gilles Deleuze and Félix Guattari in Whut is Philosophy ) applied to Kirniko Yoshida's name : the study of a geographical and cultural in-between defining a singular artistic « syncretism » : the illustrations of the several perceptible space-time dimensions in Kimiko Yoshida's work, notably through the games/aims of the images' colours : and the questioning about the subject in the image, between trace and absence

This Project Work aims to discuss and understand the importance of typography in visual arts and its relationship with the emerging cultural movements of the 20th Century. It starts with an analysis of the early decades, and the appearance of so-called modern typography, as well as the use of collage techniques in artistic works. Following that, the discussion moves on to the advent of typographic poetry and its contribution to the renewal of the art of writing during this period, especially in what regards the transformation of language into image; also, the cultural phenomena affected at the end of the century by the inclusion of typography in contemporary art will be under analysis. One of the main theses of this Work supports the idea of combining elements, using verbal and visual codes, and reflecting on artistic movements, and their historical origins, that involve the universes of collage, typographic poetry and arts. This is done by observing and studying how the ideologies of the beginning of the century tended to break paradigms, something borne fruit from the need for a socio-political and cultural redefinition, a factor that became a mainstay thereon in the practice of art, and ended up infiltrating and reshaping several artistic, with typography as a fundamental guideline with which to legitimize these new trends. Finally, after completion of the theoretical research, a practical physical project will be carried out and presented, in which some intervention typographic and prints techniques applied on paper and fabric. The will culminate in an exhibition of works created during the graduate research period, representing an empirical proof of concept that will serve as a proper conclusion of the work presented here.

In Outside the Metropolitan Frame: The Nouvelle Vague and the Foreign, 1954-1968 I examine the significance of the Nouvelle Vague directors’ engagement with the world beyond metropolitan France, through formal analyses of seminal films by Jean-Luc Godard, Chris Marker, Alain Resnais, and Jean Rouch, as well as close readings of archival documents pertaining to their promotion and reception. I contend that the directors of the Nouvelle Vague were concerned with the shifts in national, transnational and colonial dynamics that marked their era. I demonstrate that their texts and films are structured by a dialectical relationship between a gaze turned outwards onto the world beyond metropolitan France, and a gaze turned inwards, onto the French. In my first three chapters, I inscribe the Nouvelle Vague in a cultural longue durée by examining its formal and thematic continuities with the tradition of French ethnography; the inter-war artistic movement, Surrealism; and the cinéma vérité documentary tradition of the early 1960s. I illustrate that the films of the Nouvelle Vague were fundamentally shaped by their directors’ engagement with the decolonization of the French empire. In my final chapter, I reexamine the most conspicuous example of foreign influence on the Nouvelle Vague, American cinema, in light of my preceding demonstrations. I determine that there are two levels of foreign influence on the Nouvelle Vague, and that the influence of American cinema was above all textual and superficial, whereas a grappling with the end of the French empire was, though far less conspicuous, fundamental to the form of the Nouvelle Vague films themselves.