Literatura académica sobre el tema "Œuvre éphémère"

Si l’une des préoccupations essentielles d’Henry Bauchau semble d’être de « se délier du poids du temps », l’étude montre, en s’appuyant entre autres sur la pensée de François Jullien, comment il répond à ce vœu dans sa poésie par la mise en œuvre du temps présent, qui s’impose soit comme saisie de l’expérience éphémère, soit comme donnée anachronique. Il ne s’agit pas d’évoquer le ponctuel et l’extensif, mais la durée et l’intensif.

Abstract This article focuses on the ephemeral, multimedia façade for the French Academy commemorating the recovery of Louis XIV from illness. Known only through an engraved print, this installation seems tobe the first – and perhaps the only – tangible manifestation of the collective work carried out by French architects, sculptors, and painters resident in Rome during the second half of the seventeenth century. The aim is to demonstrate that, in addition to constituting a precious reservoir of visual references, whose correct understanding depends on an archaeological study of the ancient and modern repertoires, this apparatus imposes itself as an ambitious project of political mediation at a particular moment in the history of the Kingdom of France.

Les articles dans ce numéro sont consacrés à l'analyse et la théorie de la représentation théâtrale. Jusqu'à ces dernières années la notion d'études théâtrales était un oxymore et, dans le meilleur des cas, l'histoire du théâtre se contentait de décrire et d'établir la chronologie des représentations. La théorie de la mise en scène occupait une place incertaine entre le discours esthétique et l'anecdote. Les études sur l'art du théâtre côtoyaient livres d'histoire et anthologies de théâtre sur les rayons des bibliothèques, sans qu'il y ait dialogue entre eux. Les anthologies présentaient les pièces de théâtre comme des textes littéraires à interpréter et à replacer dans leur contexte historico-littéraire; et seule l'œuvre imprimée était considérée digne d'étude. On considérait que la représentation théâtrale était trop éphémère pour constituer une véritable œuvre d'art, encore moins un texte authentique. Même la pièce imprimée ne constituait pas le véritable texte primaire, le discours académique en situant toujours la source ailleurs. Une pièce n'était en définitive qu'une illustration ou une concrétisation d'un autre discours: biographique, philosophique, théologique, psychologique ou historique. Il y avait bien des descriptions de représentations dans certaines anthologies et, pour des auteurs canonisés tels Shakespeare ou Ibsen, il existait même une histoire des représentations les plus importantes. Mais, en général, il n'y avait théorie ou analyse de la représentation que si l'auteur en avait publié une, tels Strindberg ou Brecht, ou si le dramaturge faisait partie d'un mouvement esthétique tel que le naturalisme, l'expressionisme, le Théâtre de l'Absurde, etc…Cet état de fait s'explique aisément puisque les Etudes Universitaires Théâtrales furent longtemps rattachées aux départements de littérature.

Résumé Les blocages monétaires et financiers que l'on pouvait au printemps espérer voir rapidement levés ont persisté partout dans le monde industrialisé. Les dérèglements qui s'ensuivent sont d'autant plus vifs que la confrontation a pris le pas sur les velléités de coopération internationale. Aux Etats-Unis, la reprise s'est déroulée jusqu'à l'été 1992 selon un schéma usuel en termes de chronologie mais d'une ampleur inhabituellement faible. Elle s'est interrompue à l'été du fait notamment que la baisse des « fed funds » n'est pas parvenue à entraîner celle des autres taux d'intérêt de manière suffisamment puissante. Ce n'est guère avant le début 1993 que l'économie retrouvera le chemin d'une croissance lente. Au Japon, le dégonflement de la bulle spéculative met en relief le surinvestissement et alourdit le poids des dettes. Le plan de relance, destiné à parer aux risques de déflation avant de pouvoir espérer provoquer une véritable croissance, risque de n'avoir que des effets limités. En Allemagne, face à la réalité des tensions inflationnistes, la Bundesbank n'assouplira pas spontanément sa politique avant la mi-1993. Elle pourrait toutefois être contrainte de le faire avant sous la pression des événements. En effet aussi longtemps que les taux d'intérêt allemands resteront à un niveau trop élevé pour les partenaires européens, et au-delà pour les Etats-Unis, les turbulences sur les marchés des changes et les marchés financiers menacent de dégénérer en véritables effondrements. Tant que les taux d'intérêt allemands n'auront pas baissé de manière significative, les pays européens qui s'infligent par ailleurs pour nombre d'entre eux des plans d'austérité budgétaire traverseront au mieux une stagnation, au pire une récession. Dans un tel contexte c'est une logique de parts de marché qui sera à l'œuvre, non de dynamique européenne. En France, le climat économique au début de septembre 1992 témoigne d'une dégradation de l'activité. Un rebond s'était manifesté au premier trimestre, comme dans les autres pays, mais il fut éphémère. Les entreprises compriment de plus en plus leurs budgets d'investissements et la confiance des consommateurs se dégrade à nouveau. Les agrégats monétaires se tassent, après s'être un peu étendus. Faute de détente financière, la croissance française ne pouvait en tout état de cause dépasser 2 % en 1992. Les désordres monétaires de septembre accentuent le marasme ambiant et l'année 1992 se terminera par un repli d'activité. La formulation d'une prévision à la mi-septembre est périlleuse. Parmi les choix qui s'ouvrent aujourd'hui, on peut faire celui de reporter dans le temps la réalisation de l'hypothèse de révision de la politique économique allemande et décaler ainsi la reprise de l'activité qui en découle. Cela conduit à décrire une croissance française qui ne s'opérerait qu'à partir du milieu de 1993 et qui atteindrait 2 % en moyenne annuelle. Elle est fondée sur une reprise modérée de la consommation des ménages, une croissance décalée de l'investissement des entreprises, une progression des importations et des exportations allant de pair, et une politique budgétaire qui ne comprime pas les dépenses en deçà de la progression du PIB en valeur. Faible hausse des prix et maintien d'un excédent commercial en découlent. Montée du chômage également, que seule l'intensification du traitement social permettra de contenir. Le risque est cependant, par ce parti pris, d'adopter un schéma moyen, qui décrit les mécanismes en œuvre et non les ruptures auxquelles ceux-ci peuvent conduire. Les désordres monétaires et financiers actuels, s'ils se prolongent sans révision des politiques économiques, rendent plus crédible le risque de déflation où le poids croissant de l'endettement des agents limite leurs dépenses courantes et où les réajustements monétaires bouleversent les parts de marché. La croissance française serait alors bien plus faible. Inversement, si les autorités allemandes sont contraintes à un revirement plus précoce et pas seulement symbolique, il n'est pas exclu d'envisager pour 1993 une croissance plus franche.

Les stratégies d’adaptation des environnements urbains aux changements climatiques, comme le développement de parcs urbains ou la révision des règles d’urbanisme, ne porteront leurs fruits qu’à moyen et long termes. Dans l’intervalle, des solutions palliatives doivent être mises en œuvre. Elles se déploient souvent sous la forme d’installations éphémères ou durables capables de proposer des opportunités de rafraîchissement en différents points de l’espace public. Ces dispositifs de rafraîchissement se développent dans les grandes villes depuis deux décennies et mettent en œuvre une grande diversité de techniques. Face aux investissements que représentent de tels aménagements, les pouvoirs publics sont demandeurs de connaissances sur leur capacité à répondre aux enjeux d’habitabilité des espaces publics sous la canicule. Il s’agit de savoir si ces « points frais » ont un réel pouvoir de rafraîchissement et s’ils sont appropriés par les citadins lorsque les températures augmentent. C’est pour apporter des réponses à ce type de questions et mieux connaître les spécificités des dispositifs urbains de rafraîchissement que nous avons développé une démarche multidisciplinaire basée notamment sur un système de métrologie climatique mobile original. Nous avons mis en œuvre ce système pour étudier différents dispositifs de rafraîchissement estival à Nantes et à Paris. La première partie de l’article décrit le synopsis de notre démarche qui se développe suivant quatre approches portant successivement sur l’analyse architecturale et urbaine du dispositif et de son environnement proche, la simulation d’ensoleillement dans le dispositif et son environnement, la métrologie climatique associant des instruments fixes et mobiles, ainsi que des observations d’usage du dispositif en situation de forte chaleur. La deuxième partie décrit plus en détail les principes de métrologie climatique que nous proposons. La troisième partie illustre la méthode par une étude de cas réalisée en 2022 en collaboration avec Nantes Métropole.

À l’heure où les manifestations artistiques proposent de plus en plus d’oeuvres “évènementielles” de type installations ou performances, quel rôle concret le conservateur-restaurateur peut-il jouer dans la transmission de ces créations plastiques quelques fois éphémères, voire immatérielles ? Y a-t-il une alternative à la conservation de ces oeuvres audelà de leur sauvegarde à travers le seul document photo ou vidéo ? La conservation-restauration en tant que telle, est-elle compatible avec les créations évènementielles ? Si cette contradiction apparente émane des institutions et des artistes eux-mêmes (dès lors que les uns et les autres créent un marché pour ce type d’œuvres), il apparaît alors nécessaire de se pencher sur la question de la transmission de ces œuvres, ainsi que sur la mise en commun des compétences du conservateur, du conservateur-restaurateur et du scénographe au service d’un patrimoine fugace.

Les recherches sur l'utopie à l'âge classique et au XVIIIe siècle doivent éviter toute projection des connotations ultérieures du terme utopie (critique marxiste de l'utopie, exaltation libertaire, assimilation de l'utopie aux totalitarismes du XXe siècle). Ce type de projection a notamment permis de considérer à tort l'œuvre de droit politique de Jean-Jacques Rousseau comme utopique. L'utopie hante certes la pensée de Rousseau mais Jean-Jacques en souligne surtout le caractère précaire et inévitablement éphémère. Les utopies du XVIIIe siècle sont en fait formellement très diverses même si la prégnance du texte source, l'Utopia de Thomas More et de son schéma narratif reste forte. La caractérisation de l'ailleurs semble en fait le seul dénominateur commun de ces voyages imaginaires, romans, songes, pièces de théâtre et, exceptionnellement, traités théoriques. Les interférences de ces textes avec les discours politiques contemporains sont certes également présentes mais ces textes utopiques tendent surtout à mettre en scène une étrangeté aux politiques connues en abordant des sujets différents et en développant des thématiques résolument autres. C'est une véritable dynamique de l'ailleurs qui se développe ainsi dans l'utopie au fil du XVIIIe siècle tandis qu’intervient une tendance croissante au passage à l'uchronie. De plus en plus disséminées dans les œuvres romanesques les plus diverses, les utopies tendent en outre à présenter leur propre mise en cause, leur procès et leur éclatement à l'initiative de sujets libres qui ne peuvent accepter la totalisation et les contraintes inhérentes à la cité utopique.

FR. En France, deux magazines dédiés au journalisme d’investigation dessiné ont vu le jour dans les années 2010. La Revue dessinée et Topo publient des reportages édités sur des supports papier volumineux et de qualité —des « mooks »—, distribués dans les kiosques et dans les librairies. Ces deux titres illustrent, dans les registres narratifs de la bande dessinée, une stratégie industrielle de revalorisation de l’information déjà mise en œuvre par d’autres mensuels ou trimestriels, comme la revue XXI ou 6 mois. À rebours de la diffusion d’informations éphémères publiées sur des supports jetables, et produites dans l’urgence, ces éditeurs s’engagent à informer différemment, au moyen d’enquêtes longues portant sur des sujets d’intérêt général. Sylvain Ricard, l’un des cofondateurs de La Revue dessinée et de Topo, revient dans cet entretien sur les raisons qui ont présidées à leur création et sur les stratégies mises en œuvre pour pérenniser leur modèle économique. *** EN. In France, two magazines dedicated to investigative graphic journalism were launched in the 2010’s. La Revue dessinée and Topo publish reportages in sizeable, high-quality paper editions – also referred to as "mooks” – which are distributed in newsstands and bookshops. In the narrative registers specific to comics, these two titles illustrate the industrial strategy of revamping information, also employed by other monthly or quarterly magazines such as XXI or 6 mois. In contrast to the distribution of short-lived information, published in throwaway media and hastily produced, these publishers are committed to informing in a different way, through well-documented investigations on subjects of general interest. Sylvain Ricard, one of the co-founders of La Revue dessinée and Topo, reflects in this interview on the reasons behind their creation, and on the strategies implemented to build a sustainable business model. *** PT. Duas revistas dedicadas ao jornalismo investigativo em quadrinhos surgiram na França na década de 2010. A La Revue dessinée e a Topo publicam reportagens em edições impressas de grande volume e alta qualidade – os “mooks” –, distribuídas em bancas de jornal e livrarias. Ambas ilustram, nos registros narrativos da história em quadrinhos, uma estratégia industrial de revalorização da informação já implementada por outras revistas mensais ou trimestrais, como a XXI ou a 6 mois. Na contramão da divulgação de informações efêmeras publicadas em mídias descartáveis e produzidas às pressas, essas editoras empenham-se em informar de forma diferente, por meio de pesquisas extensas sobre assuntos de interesse geral. Sylvain Ricard, um dos cofundadores da La Revue dessinée e da Topo, comenta nesta entrevista sobre os motivos por trás de sua criação e as estratégias que estão sendo implementadas para garantir a sustentabilidade de seu modelo de negócios. *** ES. En Francia se lanzaron en la década de 2010 dos revistas dedicadas al periodismo de investigación en cómics. La Revue Dessinée y Topo publican reportajes editados en papel de gran tamaño y alta calidad —o "mooks"— que se distribuyen en quioscos y librerías. Estos dos títulos ilustran, en los registros narrativos del cómic, una estrategia industrial de revalorización de la información ya puesta en práctica por otras publicaciones mensuales o trimestrales, como las revistas XXI o 6 mois. A contramano de la difusión de noticias efímeras publicadas en soportes desechables y producidas en un contexto de urgencia, estos editores apuestan por informar de otra manera, mediante investigaciones largas sobre temas de interés general. Sylvain Ricard, uno de los cofundadores de La Revue Dessinée y de Topo, habla en esta entrevista de las razones de la creación de estas publicaciones y de las estrategias aplicadas para garantizar el futuro a largo plazo de su modelo de negocio. ***

English Abstract: Concert programmes are at the heart of the rituals of Western classical music concerts. Providing information on musical works and more, they are invaluable objects of study for music scholars. This article investigates how ensembles engage in the production of these documents—a dimension so far neglected in much of concert programme scholarship, yet vital to understanding what these objects contain, look like, and do. In doing so, it approaches concert programmes as agents that help orchestras explore their musical and institutional identities. It compares, through a combination of archival research and interviews, two major European orchestras: the London Symphony Orchestra and the Vienna Philharmonic Orchestra. The investigation focuses on the programmes’ design and appearance, their contents and structures, and the programme notes. Drawing on the concept of ‘sociomateriality’—taking these documents’ situated and highly specific materialities into account, thus questioning their commonly assumed ephemerality—this article demonstrates how concert programmes maintain particular tokens of musical tradition and knowledge whilst renewing others. It thereby opens up discussions on the role that concert programmes play in opening up and manifesting musical knowledge resulting from processes of orchestral identity formation, and it proposes a practice-based methodology to how concert programmes may be studied. French Abstract: Les programmes de concert sont au cœur du rituel des concerts de musique classique occidentale. Fournissant des informations sur les œuvres musicales et plus encore, ils constituent des objets d’étude inestimables pour les chercheurs en musique. Cet article étudie la manière dont les ensembles instrumentaux s’engagent dans la production de ces documents –une dimension jusqu’à présent négligée dans la plupart des études sur les programmes de concert, et pourtant essentielle pour comprendre ce que ces objets contiennent, ce à quoi ils ressemblent et ce qu’ils font. Ce faisant, il aborde les programmes de concert comme des outils pour aider les orchestres à explorer leurs identités musicales et institutionnelles. Il compare deux grands orchestres européens, le London Symphony Orchestra et l’Orchestre philharmonique de Vienne, en combinant recherches archivistiques et entretiens. L’enquête se concentre donc sur la conception et l’apparence des programmes, leur contenu et leur structure, ainsi que sur les notes de programme. S’appuyant sur le concept de « socio-matérialité », qui prend en compte les matérialités situées et hautement spécifiques de ces documents, remettant ainsi en question leur caractère éphémère communément admis, cet article montre comment les programmes de concert maintiennent certains symboles de la tradition et de la connaissance musicales tout en en renouvelant d’autres. Il ouvre ainsi la discussion sur le rôle que jouent les programmes de concert dans l’ouverture et la diffusion de connaissances musicales résultant des processus de formation de l’identité orchestrale. Ce faisant, il propose une méthodologie basée sur la pratique pour étudier les programmes de concert. German Abstract: Konzertprogramme stehen im Mittelpunkt der Rituale westlicher Konzerte klassischer Musik. Sie bieten mehr als nur Informationen zu musikalischen Werken und sind somit für Musikwissenschaftler von unschätzbarem Wert. In diesem Artikel wird untersucht, wie Ensembles selbst an der Produktion dieser Dokumente beteiligt sind –ein Aspekt, der in der bisherigen Forschung zu Konzertprogrammen vernachlässigt wurde, der jedoch von entscheidender Bedeutung für das Verständnis dessen ist, was die Programme enthalten, wie sie aussehen und welche Funktion sie haben. Konzertprogramme können dabei helfen, Aspekte der musikalischen und institutionellen Identität von Orchestern zu vermitteln. Anhand einer Kombination aus Archivrecherchen und Interviews werden zwei große europäische Orchester –das London Symphony Orchestra und die Wiener Philharmoniker –miteinander verglichen. Im Mittelpunkt der Untersuchung stehen dabei Gestaltung und Erscheinungsbild der jeweiligen Programme, ihre Inhalte und Strukturen sowie die enthaltenen Erläuterungen, bzw. Werktexte. Aufbauend auf dem Konzept der „Soziomaterialität“, welches den jeweiligen Kontext und die stark spezifizierten Materialitäten dieser Dokumente berücksichtigt sowie gleichzeitig auch ihre Kurzlebigkeit hinterfragt, zeigt dieser Artikel, wie Konzertprogramme bestimmte Merkmale musikalischer Tradition und Information bewahren und andere erneuern. Dadurch eröffnet er eine Diskussion über die Rolle von Konzertprogrammen in der Produktion und Manifastierung musikalischen Wissens, welches in den Prozessen der Identitätsbildung des jeweiligen Orchesters verankert ist. Gleichzeitig wird eine praxisorientierte Methodik für die Untersuchung von Konzertprogrammen vorgeschlagen.

L'utilisation des réseaux sociaux dans le cadre des visites aux musées ne cesse d'augmenter. Cette recherche s’est penchée, au travers d'entretiens semi-directifs et de photo-entretiens (photo-élicitation), sur les stories partagées sur Instagram et Snapchat par des visiteurs du Brooklyn Museum. Les résultats offrent un aperçu des caractéristiques de ces médias éphémères et des motivations qui sous-tendent leur publication. À l’instar de la photographie traditionnelle, le contenu éphémère sur les médias sociaux est souvent motivé par l’intention de saisir une œuvre d'art esthétiquement intéressante, de documenter une émotion, de partager une expérience ou de bâtir une identité personnelle. Cependant, le contenu partagé sur les réseaux est façonné par son caractère éphémère qui induit une préparation et un montage rapides. Les résultats de cette recherche viennent s'ajouter au domaine en pleine évolution des médias sociaux dans le contexte muséal. Ces résultats plaident pour une plus grande proactivité des musées dans la mise en place de politiques et opportunités autour de ces comportements, et pour qu’ils tirent des contenus partagés des enseignements pour la conception des futurs éléments d’interprétation et d'apprentissage.

La fragilité est une notion importante dans la sculpture contemporaine. Cette thèse s’interroge sur ses aspects chez deux des plus influents artistes de l'histoire de l'art au XXe siècle : Pablo Picasso et Marcel Duchamp. Nous nous interrogeons dans ce sens sur les facteurs qui ont favorisé l’avènement de la fragilité dans leurs pratiques : contexte historique, traditions populaires revisitées par la modernité, évolution du regard porté sur les matériaux, pratiques artistiques novatrices, contraintes et techniques de conservation. Notre recherche aborde bien entendu la question de la fragilité/la vanité de l’être humain que nous traitons dans les champs historique et philosophique – à travers ses dimensions esthétique, philosophique et spirituelle – mais dans les champs du sacré et de la science à partir du corps et de la mémoire tels que nous les observons se manifester dans le champ artistique. Pour montrer la prégnance de ce qui nous paraît relever du concept de fragilité, tel que nous l’aurons auparavant défini chez Duchamp et Picasso et des formes qu’il revêt, nous nous appuyons sur leurs œuvres en verre et papier. Notre étude analyse ces œuvres tant à travers le concept de fragilité qui s’y déploie qu’à l’aune de leur matérialité. Par ailleurs, l’usage des matériaux fragiles amène les artistes à privilégier certaines techniques qui ont pour objectif de protéger et d’assurer la conservation de leur travail : un tel processus aboutit au nouage serré, voire parfois inextricable, de leur démarche artistique et de leur pratique. Les modes de conservation de l’œuvre fragile constituent donc également l’un des axes de notre thèse. ---Pour finir, nous présentons notre propre pratique artistique, nourrie de notre approche de la fragilité et, bien sûr, de toutes les œuvres et références que nous aurons étudiées tout au long de notre recherche
Fragility is an important notion in contemporary sculpture. This thesis examines its aspects in two of the most influential artists in the history of art in the 20th century: Pablo Picasso and Marcel Duchamp. In this sense, we question the factors that have favored the advent of fragility in their practices: historical context, popular traditions revisited by modernity, changes in the way we look at materials, innovative artistic practices, constraints and conservation techniques. Our research of course addresses the question of the fragility/vanity of the human being that we deal with in the historical and philosophical fields - through its aesthetic, philosophical and spiritual dimensions - but in the fields of the sacred and of science from of body and memory as we observe them manifesting themselves in the artistic field. To show the significance of what seems to us to fall under the concept of fragility, as we have previously defined it with Duchamp and Picasso and the forms it takes, we rely on their works in glass and paper. Our study analyzes these works both through the concept of fragility that unfolds there and in terms of their materiality. Furthermore, the use of fragile materials leads artists to favor certain techniques whose objective is to protect and ensure the conservation of their work: such a process results in the tight, even sometimes inextricable knotting of their artistic approach and their practice. The modes of conservation of the fragile work therefore also constitute one of the axes of our thesis. ___Finally, we present our own artistic practice, nourished by our approach to fragility and, of course, by all the works and references that we will have studied throughout our research

Ce travail de recherche part de la description d’événements artistiquescontemporains, réexposant ou rejouant des oeuvres éphémères du passé, afin d’analyser lesmodalités de leur transmission. Dans un premier moment, il s’agit de montrer que l’éphémèreopère une réduction temporelle qui met en crise une conception de l’oeuvre que la tradition desarts plastiques a fondée sur la conservation de l’objet et de la trace. Or, lorsque les oeuvreséphémères nous sont données a posteriori, dans le corps du vestige ou de l’archive, la questionest de savoir si leur reconnaissance par l’institution ne coïncide pas avec l’inexorable perte deleur discours. Dans son second moment, ce travail cherche à mettre en évidence une modalitéessentielle de la transmission que les oeuvres éphémères ont contribué à inscrire dans lespratiques : une forme de théâtralité dont les signes manifestes sont la requalification du muséecomme scène et du commissaire comme scénographe et metteur en scène. Plus profondément,cette modalité révèle un nouvel ethos né de la relation fragile entre l’oeuvre et des spectateursdevenus témoins. Car le devenir des oeuvres éphémères se fonde sur la conversion d’uneémotion mémorable en devoir de transmettre. C’est à la mise au jour de cette opération que cetravail doctoral se consacre finalement, pour montrer comment le devenir mémorable engagetoujours un sens de la communauté humaine
This research work starts from the description of contemporary artistic events, reexposingor replaying ephemeral mankind's past achievements, in order to analyse the modalitiesof their transmission. In a first moment, it is intended to show that the ephemeral carries out atime-based reduction that puts in crisis a conception of the work of art that the tradition of thevisual arts has founded on object and trace conservation. However, when ephemeral worksreach us a posteriori, in the frame of the vestige or archive material, the question is to know iftheir recognition by the institution does not coincide with the inexorable loss of their speech.In its second moment, this work seeks to highlight a key modality for transmission thatephemeral works have contributed to graft onto established practices : a type of theatricalpresence the obvious signs of which being the requalification of the museum as a stage and ofthe curator as a set designer and stage manager. At a deeper level, this modality reveals a newethos arising out of the fragile relationship between the work and spectators having becomewitnesses. For, the destiny of ephemeral works is based on the conversion of an unforgettableemotion into a duty of transmission. It is with the updating of this operation that this doctoralwork is ultimately devoted to, to show how the memorable becoming always engages a sense of thehuman community

De 2003 à 2017, le jardin des Premières-Nations du Jardin botanique de Montréal a été le lieu d’exposition de 12 œuvres d’artistes autochtones dans le cadre du Concours d’œuvre murale éphémère lancé par Sylvie Paré. Ce mémoire rassemble l’ensemble de cette exposition afin d’en relever le discours général et les liens que les œuvres entretiennent entre elles, avec le Jardin et avec les territoires physiques et imaginaires. À travers une analyse formelle et symbolique des œuvres qui intègre les ontologies, épistémologies et méthodologies des Premières Nations, je souhaite réfléchir aux liens qui unissent les notions que sont le regard, le territoire, l’interconnexion et la mémoire. Le premier chapitre s’articule autour du mouvement de distanciation opéré par le regard perçu comme un intermédiaire « objectif » de l’expérience humaine et de la séparation (ou schisme) qu’il engendre entre nature et culture. Je m’intéresse ensuite à la remise en question de cette rupture par le Jardin des Premières-Nations. Le deuxième chapitre de ce mémoire s’intéresse plus spécifiquement aux perspectives obliques adoptées par les œuvres du concours en ce qu’ils se portent sur les mémoires et les marques culturelles laissées par les nations autochtones sur les territoires depuis plus de 10 000 ans. Par ailleurs, si les murales traduisent généralement une inquiétude environnementale, elles le font à travers le regard de différentes « entités » qui y circulent de manière fluide et circulaire dans l’espace, le temps et l’intersubjectivité. Elles explorent les traces physiques et imaginaires des relations entretenues avec le territoire et mettent en lumière l’existence d’une relation de réciprocité avec l’univers dont le territoire tient un rôle dynamique.
From 2003 to 2017, the First Nations Garden of the Montréal Botanical Garden has exhibited each year the mural artwork of an Indigenous artist as part of the Ephemeral mural contest launched by Sylvie Paré. This memoir brings together all of this exhibition in order to highlight the general discourse and the relations that the artworks have with each other, with the Garden and with the physical and imaginary territories. Through a formal and symbolic analysis of this exposition, that integrates the ontologies, epistemology and methodologies of the First Nations, I wish to reflect on the links that unite the notions of gaze, territory, interconnection and memory. The first chapter focuses on the distance generated by the sight seen as an intermediary “objective” of human experience, and the separation (or schism) that it created between the conceptions of nature and culture. I will then look at how the First Nations Garden questions this rupture. The second chapter of this dissertation focuses more specifically on the oblique perspectives adopted by the mural artworks in that they focus on memories and cultural marks left by the indigenous nations on the territories for more than 10,000 years. Moreover, if the murals generally express an environmental concern, they do so through the eyes of different “entities” circulating fluidly and circularly in space, time and intersubjectivity. They explore the physical and imaginary traces of relationships with the territory and highlight the existence of a relationship of reciprocity with the universe in which the territory plays a dynamic role.