Tesis sobre el tema "Transe – Dans la danse"
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Rousselot, Maëlle. "De la transe dans les ballets du XIXe siècle à aujourd’hui : pour un décentrement des regards". Electronic Thesis or Diss., Bourgogne Franche-Comté, 2023. http://www.theses.fr/2023UBFCC037.
Texto completoResumen
Cette recherche formule l’hypothèse qu’il puisse y avoir des présences de transe au sein des représentations et des perceptions des ballets du XIXe siècle à aujourd’hui. De là, surgissent de nombreuses questions : comment la transe serait-elle représentée et perçue dans ces œuvres ? Qu’est-ce que ces représentations de transe ou au contraire son invisibilité dans ces ballets, disent de nous, Occidentaux ? Comment définir la transe, ce phénomène insaisissable et état aux multiples facettes ? Notre opération méthodologique consiste alors, non pas tant à définir la transe, que de dégager des dimensions et des traits transiques, soit des aspects récurrents relevés au sein d’un corpus ouvert de phénomènes de transes diversement repérés comme tels au fil de l’histoire occidentale du XVIe siècle à aujourd’hui. À la suite, cela nous permet de relever les traits et dimensions transiques au sein des ballets du XIXe à aujourd’hui, cela à travers des analyses d’œuvres et de discours à partir de sources diverses (livrets, textes, images, dessins, lithographies, tableaux, photographies, vidéos) et d’entretiens avec des danseurs. Ainsi, nous pouvons à la fois aborder le phénomène de transe dans toute sa complexité et décentrer nos regards sur les ballets. Nous découvrons un XIXe siècle foisonnant d’aspects transiques, alors que, de la fin du XXe siècle jusqu’à aujourd’hui, les éléments recouvrant et effaçant ces aspects semblent nombreux. Or, le fait de montrer ou au contraire d’effacer ces caractéristiques est porteur de discours sur ces danses, mais aussi de son public. Ce décentrement des regards permet également de possibles relectures « transiques » de ces ballets à l’heure contemporaineThis research formulates the hypothesis that there may be presence of trance in the representations and perceptions of ballets from the nineteenth century to the present day. This raises a number of questions: how is trance represented and perceived in these works? What do these representations of trance, or on the contrary its invisibility in these ballets, say about us as Westerners? How can we define trance, this elusive phenomenon and multifaceted state? Our methodological operation, then, consists not so much in defining trance, as in identifying, dimensions and features, i.e., recurring aspects found within an open corpus of trance phenomena variously identified as such throughout Western history from the sixteenth century to the present day. This then allows us to identify the transic features and dimensions of ballets from the nineteenth century to the present day, through analyses of works and discourses based on various sources such as librettos, texts, images, drawings, lithographs, paintings, photographs, videos and on interviews with dancers. In this way, we can both approach the phenomenon of trance in all its complexity and shift the way we look at ballets. We discover a nineteenth century teeming with trance aspects, whereas from the end of the twentieth century to the present day, there seems to be many elements that obscure and erase these aspects. The fact of showing or, on the contrary, erasing these characteristics conveys information about these dances, but also about their audience. This decentred perspectives also allows possible “transic” reinterpretation of these ballets in a contemporary context
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Pouchelon, Jean. "Les Gnawa du Maroc : intercesseurs de la différence ? étude ethnomusicologique, ethnopoétique et ethnochoréologique". Thesis, Paris 10, 2015. http://www.theses.fr/2015PA100019.
Texto completoResumen
Les Gnawa sont présents dans toutes les grandes villes du Maroc (Oujda, Tanger, Casablanca, Fès, Meknès, Rabat, Marrakech, Essaouira, Agadir etc.). Musiciens, officiants et adeptes se rassemblent dans un rituel nocturne baptisé la lîla (litt. "une nuit") lequel célèbre à la fois, Dieu, son prophète Muhammad, l'Afrique subsaharienne ainsi que de nombreux autres entités invisibles réparties en sept familles. La musique, la danse et la transe sont omniprésentes dans cette célébration. Cette thèse analyse l'identité des Gnawa, leurs représentations, leurs instruments rituels, leurs performances, leur musique, les textes chantés, leurs danses et leurs transes. L'examen de ces différents champs d'activité révèle que les Gnawa jouent avec l'ambiguïté de manière systémique et à plusieurs niveaux. Leur perception par la société marocaine, leur "panthéon", leurs rythmes, leurs danses et leurs transes, tous ces aspects des actions et de la pensée des Gnawa sont actés avec ambiguïté. Confrérie hybride qui a autant perpétué la mémoire de ses racines subsahariennes qu'assimilé les influences mystiques et politiques de sa société d'exil, les Gnawa - des noirs mais aussi des métis et des blancs - ont érigé en art le fait de réconcilier des imaginaires potentiellement conflictuels dans la société marocaine. Mais paradoxalement, ils se doivent de cultiver ésotérisme et étrangeté pour conserver leur légitimité d'experts de l'invisibleGnawa are living in all the big towns of Morocco (Oujda, Tanger, Casablanca, Fes, Meknes, Rabat, Marrakech, Essaouira, Agadir etc.). Musicians, officiants and adepts gather in a night ritual called the leela (litt. "one night") which celebrates at the same time God, his prophet Muhammed, Sub-Saharan Africa and other many invisible entities divided in seven families. Music, dance and trance are ubiquitous in this ceremony.This thesis gives the analysis of Gnawa identity, of their representations, their ritual instruments, their performances, their music, their sung texts, their dances and their trances. The examination of these differents fields reveals that Gnawa play with ambiguity in a systemic way and at many levels. The way Moroccan society see them, their "pantheon", their rhythms, their dances and trances, all these aspects of their actions and thought are acted with ambiguity.Hybrid brotherhood which has both carried on the memory of its Sub-Saharan roots and integrated the mystic and political influences of its society of exile, the Gnawa - Blacks but also Mixed and White - have raised in art the fact to bring back imaginaries potentially contentious together in the Moroccan society. But paradoxically, they have to maintain esotericism and otherness to preserve their legitimacy of experts of the unseen
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Pavard, Amélie. "Chanter l'extase : approche psycho-cognitive de la musique dans les rituels de transe soufis". Thesis, Strasbourg, 2015. http://www.theses.fr/2015STRAC004/document.
Texto completoResumen
Cette thèse propose d’étudier le rôle de la musique dans des contextes émotionnels intenses. Dans les rituels d’invocation de Dieu, les soufis tentent d’accéder à un état spirituel supérieur en s’approchant de la connaissance immanente du monde divin. La confrérie šaḏiliyya place la musique au cœur de ce processus : l’écoute de poèmes d’amour mystique chantés, puis la production collective de gestes dansés porte l’émotion à son paroxysme, en une extase contemplative (wajd). Entre ethnomusicologie et psychologie cognitive, cette thèse présente des pistes de réflexion pour l’étude des musiques vocales de tradition orale et leur expressivité. Dans un premier temps, une étude ethnographique dépeint le quotidien d’une confrérie damascène, pour tenter de déterminer les éléments musicaux pouvant être source d’émotion. Après une exposition des théories psychologiques cognitives de l’émotion, une analyse musicale acoustique s’intéresse plus particulièrement aux stratégies de deux interprètesThe purpose of this dissertation is to demonstrate the role of music in intense emotional contexts. In Sufi invocation rituals, believers try to reach to a superior spiritual state in their quest for divine knowledge. The šaḏiliyya brotherhood includes music at the core of this process : by listening to mystic love songs followed by collective dancing, emotion reaches its paroxysm in an ecstatic contemplation (wajd). This dissertation lies in between the fields of ethnomusicology and cognitive psychology. It introduces several lines of thinking concerning the study of vocal music belonging to the oral tradition and its expressivity. First, a description of a Damascene brotherhood doctrine will highlight emotional elements in rituals. Then, following a presentation of major theories of emotions in cognitive psychology, two interpretations of the same work will be compared using acoustic and prosodic methods of analysis
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Hoffmann, Manfred. "Rythmes et valeurs dans trois rites dansants d'Europe : essai d'anthropologie filmique". Paris 10, 1992. http://www.theses.fr/1992PA100086.
Texto completoResumen
Après un questionnement sur le rapport qu'entretiennent les rites de possession avec la musique en Europe, on réexamine quelques définitions ethnosociologiques du rite et l'on propose un paradigme pour l'analyse scénographique des films. Dans trois études d'ethnographiques européennes (tarentisme en Italie, Anastenaria en Grèce, procession dansante d’Echternach au Luxembourg), on essaye, à partir d'analyses scénographiques, de dégager une stratégie appropriée pour la réalisation de deux films, pas de danse et danse avec l'icône, constituant la partie filmique principale de la thèse. D'un point de vue pragmatique, on étudie musique, danse et rituel comme des rythmes figuratifs, et, d'un point de vue global, la représentation de la personne comme une figuration de valeurs tout en passant des éléments matériels aux aspects idéels de la mise en scène rituelle, la figuration pouvant être considérée comme un procède synchronique et ou comme un processus diachronique. La figuration des rythmes et des valeurs comporte deux aspects complémentaires : d'une part, elle est significative du comportement des humains en général, d'autre part, elle permet, comme paradigme scénographique, d'élaborer une théorie générale du cinéma dans une perspective culturelle. C'est ce qu'illustre la réalisation de deux films à caractère expérimental : geste du tireur à l'arc et océan solide. Une synthèse du portrait et du dialogue est proposée comme forme cinématographique semblant se prêter a cette approcheFollowing an exploration of the relationship between possession rites and music in Europe, several social-anthropological definitions of ritual are discussed and a paradigm for scenographic analysis is given. Three case studies of european anthropology provide the basis for a scenographic analysis of these rites that are then used to develop a strategy for the making of two films, pas de danse and danse avec l'icone, which constitute the main film part of the thesis. From pragmatic point of view music, dance and ritual are studied as figurative rhythms and from a global point of view the representation of the person is studied as a figuration of values. By progressing from the material elements to the ideational aspects of the ritual "mise en scene" the figuration could be seen as a synchronic procedure and or as a diachronic process. The figuration of rhythm and value has two complementary aspects: on the one hand, it is significant of human behavior in general and on the other hand, it permits the development of a general theory of film based on a scenographic paradigm within a cultural perspective. This is illustrated in two experimental films, geste du tireur an l'arc and ocean solide. A synthesis of portrait and dialogue is suggested as a valid film form to this approach
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Nova, Cristiane Carvalho da. "L'histoire en transe : le temps et l'histoire dans l'oeuvre de Glauber Rocha". Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030121.
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Lambert, Marc. "Ethnoscénologie du Padayani : le corps aux frontières de l'imaginaire". Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082357.
Texto completoResumen
Un danseur chorégraphe issu de l'école post-moderne américaine (Bennington College), s'immerge au Kérala dans la culture indienne dite de la Rivière Pamba. Au sein d'une communauté guerrière fédérée par le groupe Nayar, il pratique et étudie durant une décennie les transmissions dansées du Padayani, un rite de fécondité dédié à la Déesse-Mère Yakshi, représentation féminine primordiale de la nature sous tous ses aspects sensibles, démonologiques ou abstraits. Ce genre performatif codifié, particulier quant aux catégories rythmiques d'essence populaire employées, est antérieur à la brahmanisation régionale. Il est dansé par les hommes. Les danseurs pratiquent la transe qui d'un point de vue scénologique est la clé de voûte du système Padayani et un tabou social. L'étude ethnoscénologique du genre aborde successivement les aspects anthropologiques, musicologiques et dansés qui lient le rite, les Masques et la pratique de la transe dans une perspective performative. . .
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Khebour, Slimène. "Le corpen : de la calligraphie chorégraphique à la chorégraphie calligraphique : traces et tracés du corps dans la lettre dansée". Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010534.
Texto completoResumen
Quelle cadence et quel rythme s'organise autour du corps de la lettre ? Partant d'une dimension mystique et évoluant d'une calligraphie traditionnelle vers une typographie moins conventionnelle, la calligraphie arabe a, elle aussi, subi les changements propices lui permettant d'intégrer les arts contemporains. Telle une chorégraphie qui se prolonge dans l'espace pictural, la calligraphie des lettres ressemblent de plus en plus à une danse contemporaine dont on ne comprend pas tous les aléas mais s'apprécient toutes les affinités.
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Dos, Santos Boivin Vilma. "La transe, les rites et le langage dans le Candomblé de Bahia (culte afro-brésilien)". Paris, EPHE, 2000. http://www.theses.fr/2000EPHEA006.
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Jeong, Seon-Hye. "La question du souffle dans les arts plastiques : à partir d'une pratique de la photographie". Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010565.
Texto completoResumen
La question du souffle dans les arts plastiques croise celle de la vie dans l'art : Les orchidées de Kim Jeong Hee s'échappent hors du papier ; Dennis Oppenheim apportait son propre souffle dans ses performances, tout comme Vito Acconci, avant de créer des oeuvres d'art public, vibrant elles-mêmes du souffle de leurs visiteurs. A partir de souvenirs d'enfance en Corée qui nourrissent notre pratique, et d'un souffle manqué, nous engageons notre énergie dans des photographies-performances : comment visualiser le souffle d'une voix, ou le poème d'un souffle écrit par un éventail ? Le souffle s'échappe, il est toujours en train de s'echapper. Les manques de l'oeuvre appellent à saisir ce souffle. Le manque appelé des " 50 dessins pour assassiner fa magie ,,1 anime un corps du souffle dont la trace insaisissable sur le papier reste inachevée : l'ellipse des vides sur le papier, attend l'ellipse que génère la trace du geste poursuivi dans l'espace, du geste non arrêté, qui se prolonge par une danse. Nous mettrons alors en évidence des oeuvres d'air, chez Bruce Nauman, un corps du souffle, une danse. Une transe s'engage, que nous poursuivrons de l'autre cote du rideau obturateur, par l'organisation des concerts et danses du " S ouffle de la Corée ".
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Therme, Lisa. "Entre deux mondes : essai sur le rôle social de la musique dans le rituel de transe thérapeutique de la lila dans la confrérie des Hamadcha du Zerhoun (Maroc)". Paris, EHESS, 2009. http://www.theses.fr/2009EHES0412.
Texto completoResumen
La confrérie des Hamadcha, fondée au 17ème siècle par deux soufis, Sidi Ali Ben Hamdouch et Sidi Ahmed Dghoughi, dans le massif du Zerhoun (Maroc) pratique la lila, un rituel de transe dit thérapeutique, en vue de s'allier avec les esprits possesseurs. En dépit du peu d'intérêt que la musique a suscité dans les travaux anthropologiques liés à la possession, il apparaît qu'elle recouvre un véritable rôle social qui, en s'enracinant dans la lila, s'épanouit au sein de l'ensemble de la communauté des HamadchaThe Hamadcha's brotherhood, created in the 17th century by Sidi Ali Ben Hamdouch and Sidi Ahmed Dghoughi in the zerhoun mountain (Morocco), performs the lila, a trance ritual said to be therapeutic, in order to ally with the spirits. In spite of the feeble interest shown about music in anthropologic researches on possession, it seems that music conceals an important social part, rooting in the lila, that blossoms out in the Hamadcha's community
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Bouchet, Alain Paul. "Perspectives therapeutiques et sociales des phenomenes de transe et de possession dans le cadre actuel du pays songhay (niger)". Paris 7, 1988. http://www.theses.fr/1988PA070031.
Texto completoResumen
La possession songhay-zarma s'avere plus imbriquee qu'articulee a la totalite du systeme social. Une triple approche mythologique-historique, psychologique et so-ciologique permet de delimiter la possession rituelle de la transe. La trame mythologique offre des reponses ontologiques au groupe social et l'on re-marque une forte interdependance entre le culte de possession et les autres sys-temes religieux : les grandes crises (islamisation et colonisation, en particu-lier) ont provoque de nouvelles combinatoires religieuses, de nature syncretique. Le culte des holey se situe au fondement meme de la societe, a l'interface" entre la structure sociale et le psychisme individuel; il permet aux songhay de contester ou de reguler le fonctionnement social. Dans les periodes de bouleversements, ce prisme magico-religieux nous renvoie donc une image ambivalente de la societe. La perspective clinique se focalise sur les phenomenes de transformation de la personnalite, en reponse a un malaise mental collectif. Dans un contexte ou la personne se structure sur un mode rythmo-choregraphique, les processus de compen-sation psychologique, de projection et notamment d'identification contribuent a la guerison de la personne menacee. L'initie se trouve investi par un genie re-connu, il quitte alors sa situation de malade pour devenir le "cheval" du genie, au terme d'un spectaculaire renversement. En milieu songhay la possession est un phenomene normal, parce qu'il s'agit d'un phenomene social total. Cette conduite socialisee rend possible une inversion des statuts, une mise entre parentheses des inegalites : avant d'etre integres au pan-theon songhay, les genies haouka apparaissaient comme une riposte a l'oppression coloniale. Plus recemment, en pleine periode de secheresse, le culte des holey a gagne des territoires nouveaux, comme l'ader. Mais, dans les moments de crise, de transition vers la societe complexe, les phe-nomenes de possession subissent de profondes mutations : la fonction collective du culte s'etiole. Les faits de possession a vocation de therapie individuelle se generalisent, les regles religieuses cedent le pas aux manifestations de la tran-se. Cette liberation dans l'imaginaire peut etre apprehendee comme un analyseur de la societePossession in songhay-zarma territories proves to be the very kernel of society rather than a connection with it. We can define ritual possession from trance owing to three points of view : mythological-historical, psychological and socio-logical. The mythological outlook gives ontological answers to the social group and a strong interdependence between the cults of possession and other religions is to be noticed : great crises and especially islamization and colonization gave rise to a new combination of religious systems. The worship of holey gods is at the very basis of society, connecting social structure with individual psychism; it enables songhay people to criticize or modify the rules of society. In times of great social disorder, this magic and religious prism reflects an ambivalent image of society. The clinical outlook focuses onto the changes of personality undergone to respond to a collective mental instability. When rythm and choregraphy build up personalities, the phenomena of psychological compensation, projection and particularly that of identification concur to bring about the recovery of the threatened person. The initiate embodies a well-known god and, in a spectacular way, leaves his status of a patient to become the god's "horse". Possession, for songhay people, is quite a normal phenomenum because it is utterly a social phenomenum. This socialized behaviour reverses social status and ignores social disparities. Before haouka gods became part of the songhay pantheon, their worship was a way to reply to colonial oppression. More recently, because of the drought, the cult of holey gods has extended to new territories such as the ader region. But, in the hard times of transition towards a more complex society, the phenomena of possession undergo deep changes : the collective function of the cults vanishes away. The acts of possession aiming at individual therapy spread out, religious rules give way to exhibitions of trance. This liberation into the world of imagination enhances the evolution of society
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Bouchet, Alain Paul. "Perspectives thérapeutiques et sociales des phénomènes de transe et de possession dans le cadre actuel du pays Songhay (Niger)". Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37612118d.
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2, Figuères Marc-André. "Territoire empreint, emprunt de territoire, ou comment capturer les fantômes". Paris 1, 1992. http://www.theses.fr/1992PA010623.
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Cette recherche a pour but d'étudier, conceptuellement et plastiquement, les rapports entre la lumière, la transparence, l'absence, et l'aléatoire, d'investir, en inventant à chaque fois son propre système de gravure, de nouveaux territoires ou d'appréhender différemment ceux déjà existants. Utilisation d'un territoire empreint déjà investi, pour sa transposition, et transcendé vers un nouveau : emprunt de territoireThis search aims at study, conceptually and plasticly, the relations between the light, the transparency, the absence, the ephemenral, and the risky, at investigate, by inventing each time one's own system of engraving, new territories or at apprenhend differently those already existent. Utilisation of an imprinted territory already investigated, for its transposition, and transported to a new one : loan of territory
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Ruel, Marianne. "Les chrétiens et la danse dans la France moderne : XVIe-XVIIIe siècle /". Paris : H. Champion, 2006. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb40969668q.
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FAGER, MATTIAS y NIKLAS LARSSON. "Medieteknisk Dans : Samspelet mellan dans, trans, teknik, och flow". Thesis, Blekinge Tekniska Högskola, Institutionen för teknik och estetik, 2017. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:bth-14881.
Texto completoResumen
We have seen a connection between the ritual dances us humans have been engaging in for a huge part of our evolution and the rave-culture of today. How they both use music and the moving body as a vehicle to access states of being beyond the everyday life. By diving head first in the world of dance and trance we have discovered even more similarities that we today share with the humans 10.000 years ago than we ever could have imagined. We have with the help of interviews and our personal experience tried to capture what the trance means for the human today, and with our research we want to illustrate the similarities and differences between in digital world we live in today compared to the world we have lived in for thousands of years before the digital technology’s advance. This text has been our vehicle to analyse and discuss the things we still hold on to as humans even though the world around us has changed.Vi har sett ett samband mellan de rituella danserna som människan har ägnat sig åt under en stor del av vår utveckling och dagens rådande rave-kultur. Hur de båda forumen använder musik och kroppen i rörelse som ett fordon för att ta sig till andra sinnesstadier bortom det vardagliga varandet. Genom att djupdyka ner i dansens och transens värld har vi stött på ännu större likheter vi idag delar med människan för 10.000 år sedan än vad vi någonsin hade kunnat ana. Vi har med hjälp utav intervjuer och egna upplevelser försökt att skapa oss en bild om vad transen har för roll hos människan än idag, och vill med denna undersökning belysa de likheter och skillnader i den digitala världen vi lever i idag gentemot den värld människan levt i under tusentals år innan den digitala teknologins frammarsch. Denna text har varit vårt fordon för att undersöka samt diskutera de som vi har hållit oss kvar vid som människor även fast omvärlden har förändrats.
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Paul, Anne-Marie. "Danse et subjectivation à l'adolescence : de la danse dans la culture à la danse comme médiation thérapeutique". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCC065.
Texto completoResumen
La danse, art tabou et paradoxal, est à l'adolescence naturellement thérapeutique, comme le jeu l'est pour l'enfant. En réaction à l'effraction pubertaire, l'expression de la pulsion dansante favorise la réassurance narcissique par l'autoérotisme du mouvement dansé qui convoque l'identification archaïque au corps maternel, la passivité propre au féminin, la découverte de l' « autre sexe ». Ce travail de recherche vise d'une part à penser l'engouement moderne de la culture pour la danse, qu'elle soit de loisir ou artistique, comme une des nouvelles formes d'expression du lien social et de ce qu’on peut appeler avec S. Freud la « morale sexuelle civilisée », renouant avec un érotisme collectif féminin tout en s'organisant en expression symbolique afin de créer de nouveaux territoires du politique. Il vise également à affirmer l'appartenance d'une certaine forme de danse-thérapie, que je nommerai médiation danse, au champ psychanalytique, afin de soutenir la place de la psychanalyse dans le traitement des pathologies de la clinique contemporaine, et d'envisager l'adaptation de ses techniques aux modalités actuelles d'expression de la subjectivité dont l'adolescence, comme état-limite, est le paradigme. Le matériel clinique est composé de documents écrits et filmiques, de l'analyse de ma pratique thérapeutique groupale et d'entretiens psychothérapiques.D'un point de vue anthropologique, la danse classique apparaît comme une tentative pour maîtriser l'éros débordant de la danse dionysiaque ; émergeant en Occident au même moment que la psychanalyse, la danse libre vise au contraire à dévoiler, à travers la recherche du geste naturel, la vérité du désir. En même temps qu'elle procure une jouissance « autre », la danse improvisée, qu'elle soit urbaine ou contemporaine, est en effet une expérience transitionnelle qui permet au sujet, dans le mouvement même de la danse qui figure la naissance, d'éprouver la séparation et de s'engager dans la rencontre intersubjective, garante de la construction intrasubjective. Le groupe de danseurs, foule organisée par l'idéal esthétique du rythme, peut ainsi apparaître comme une forme essentielle du groupe et un lieu de subjectivation privilégié pour l'adolescent contemporain, qui y satisfait son besoin d'identification collective et de rituels initiatiques inscrivant sur son corps l'empreinte de la culture. De ce fait, la danse peut être pensée avec la psychanalyse comme une médiation thérapeutique particulièrement indiquée pour des adolescents souffrant de pathologies narcissiques graves. L'étude d'un groupe à médiation associant la danse et l'écriture, dans un hôpital de jour, montre comment la danse improvisée, telle un « squiggle dansé », vient révéler aux patients leur image inconsciente du corps qui se transforme au contact des thérapeutes et du groupe, dans le transfert. L'écriture vient soutenir, pour ces adolescents en souffrance de symbolisation, les propriétés subjectivantes de la danse qui se déploient dans l'espace de la rencontreDance is a taboo, paradoxical art, and is naturally therapeutic in adolescence – as is play for the child. In reaction to the turmoil of puberty, expressing the dancing impulse favours narcissistic reassurance through the auto-eroticism of danced movement, which summons the archaic identification with the mother’s body, the passivity which is proper to the feminine, and the discovery of the “other sex”. This research work aims on one hand at thinking through culture’s modern enthusiasm for dance, whether artistic or as a leisure pursuit, as one of the new forms of expression of the social bond and what (with Freud) we could call “civilized sexual morality”, taking up a collective feminine eroticism whilst organizing it as a symbolic expression in order to create new territories of the political. It also aims at affirming that a certain form of dance therapy, which I shall call mediation dance, belongs to the psychoanalytic field, so as to support the place of psychoanalysis in the treatment of pathologies in contempo-rary clinical practice, and to envisage adapting its techniques to current modalities of the ex-pression of subjectivity (of which adolescence, as the ultimate case, is the paradigm). The clinical material comprises written and filmed documents, analysis of my group therapy prac-tice, and psychotherapeutic interviews.From an anthropological point of view, classical dance appears to be an attempt to mas-ter the overflowing Eros of Dionysian dance; in contrast, free dance, which emerged in the west at the same time as psychoanalysis, aims to unveil the truth of desire through seeking the natural gesture. While it achieves an “other” jouissance, improvised dance (whether urban or contem-porary) is in fact a transitional experience which, in the very dance movement representing birth, allows the subject to experience separation and to move to the inter-subjective encounter which guarantees intra-subjective construction. A group of dancers is a crowd organized by the aesthetic ideal of rhythm, and can thus appear as an essential form of the group and a priv-ileged place of subjectivation for the contemporary adolescent, who finds a place to satisfy his/her need for collective identification and initiation rituals which leave the imprint of culture on the body. In this way dance can be thought of, with psychoanalysis, as a therapeutic medi-ation which is particularly indicated for adolescents suffering from serious narcissistic pathol-ogies. The study of a mediation group associating dance and writing in an outpatient unit shows how improvised dance, like a “danced squiggle” reveals to patients their unconscious body image, which is transformed in transference through contact with therapists and the group. For these adolescents with symbolisation problems, writing supports the subjectivising properties of dance which are deployed in the meeting space
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Riviere, Jean-Philippe. "Capturing traces of the dance learning process". Electronic Thesis or Diss., université Paris-Saclay, 2020. http://www.theses.fr/2020UPASG054.
Texto completoResumen
Cette thèse porte sur la conception d’outils interactifs pour comprendre et faciliter l’apprentissage de la danse à partir de vidéos. Les processus d’apprentissage des danseurs représentent une source d’informations riches pour les chercheurs qui s’intéressent à la conception de systèmes soutenant l’apprentissage moteur. En effet, les danseurs experts réutilisent un large éventail de compétences qu’ils ont appris. Cependant, ces compétences sont en partie le résultat de connaissances implicites et incarnées,qui sont difficilement exprimables et verbalisables par un individu.Dans cette thèse, je soutiens que nous pouvons capturer et sauvegarder une trace des connaissances implicites des danseurs et les utiliser pour concevoir des outils interactifs qui soutiennent l’apprentissage de la danse. Mon approche consiste à étudier différentes sessions d’apprentissage de danse dans des contextes réels, aussi bien individuels que collaboratifs.Sur la base des résultats apportés par ces études, je contribue à une meilleure compréhension des processus implicites qui sous-tendent l’apprentissage de la danse dans des contextes individuels et collectifs. Je présente plusieurs stratégies d’apprentissage utilisées par des danseurs et j’affirme que l’on peut documenter ces stratégies en sauvegardant une trace de l’apprentissage. Je discute de l’opportunité que représente la capture de ces connaissances incarnées et j’apporte de nouvelles perspectives pour la conception d’outils d’aide à l’apprentissage du mouvement par la vidéoThis thesis focuses on designing interactive tools to understand and support dance learning from videos. Dancers' learning practice represents a rich source of information for researchers interested in designing systems that support motor learning. Indeed, dancers embody a wide range of skills that they reuse during new dance sequences learning. However, these skills are in part the result of embodied implicit knowledge. In this thesis, I argue that we can capture and save traces of dancers' embodied knowledge and use them to design interactive tools that support dance learning. My approach is to study real-life dance learning tasks in individual and collaborative settings. Based on the findings from all the studies, I discuss the challenge of capturing embodied knowledge to support dancers’ learning practice. My thesis highlights that although dancers’ learning processes are diverse, similar strategies emerge to structure their learning process. Finally, I bring and discuss new perspectives to the design of movement-based learning tools
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Cuisinier-delorme, Samuel. "Danse cosmique, danse tragique : mort et renaissance de l'anatomie chorégraphiée dans le répertoire shakespearien". Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2013. http://www.theses.fr/2013CLF20014.
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Le théâtre de la Renaissance est un art hybride : la scène est un lieu composite où se mêlent et se côtoient jeu dramatique, musique et chorégraphie. L’œuvre de Shakespeare ne déroge pas à cette règle, et le dramaturge intègre naturellement la danse à ses pièces : d’abord créatrice d’images métaphoriques dans les pièces historiques, elle est ensuite régulièrement exécutée sur scène à partir de Roméo & Juliette et sa célèbre scène de bal. Elle culmine dans le Songe d’une nuit d’été où, en plus d’occuper le plateau, elle contamine le texte et fournit un canevas à la pièce.Dès lors, dépasser la fonction esthétique de la danse permet de comprendre comment, inscrite au cœur même de l’architecture des pièces, elle en structure la diégèse et, d’après les termes empruntés à Anne Ubersfeld, « met en lumière [s]es noyaux de théâtralité2 » afin d’accéder à un schème plus profond de la construction diégétique shakespearienne. Lorsque la danse en tant qu’esthétique ornementale s’efface de la mise en scène, elle (ré)apparaît sous forme verbale : ce n’est plus le corps mais le langage qui assure sa présence, jusqu’à lui donner une valeur hautement symbolique. Les réseaux sémantiques se structurent-ils alors sous forme de danse cosmique, expression de l’harmonie à la Renaissance ? Ou, à l’inverse, la discorde les transforme-t-elle en danse tragique ? L’objectif de ces travaux repose sur l’analyse des différentes strates du texte qui,de l’exécution scénique à sa dimension symbolique (c’est-à-dire de la strate la plus concrète à la plus abstraite), font de la danse une « matrice textuelle de représentativité. »This dissertation explores the use of dance in William Shakespeare’s works,from stage performance to the highly symbolical value of choreography. Most of his plays refer to dance, and it is included in more than a dozen works. In Elizabethan and Jacobean times, dancing was a necessary accomplishment for actors,for they were often called upon to dance during a performance. The aim of this study is to examine how the choreographic art is included in his plays, and what dance styles may be adopted, for the only indication given in the texts is a stage direction calling for“a dance”. Particular emphasis will be placed on the role and functions of the dance both in Shakespeare’s dramatic works and Renaissance England. When dancing is not intended for performance on stage, Shakespeare nonetheless refers to it in most of his plays to provide the audience with metaphorical imagery. The linguistic analysis of the semantic and lexical fields leads to a deeper understanding and exploration of the diegetic structure of his works. At that time, dance was also an accepted symbol of harmony, and Shakespeare used it as a pattern to comment on “the attempt to achieve order in a discordant world”(Alan Brissenden, Shakespeare and the Dance). It passes visual comments on the playsand suggests a scheme that structures them. This dissertation aims at analysing howdance relates to the cosmic ideas of the Renaissance, and how Shakespeare departs from this ideology. Could the dance turn into a tragic dance rather than a cosmic one?
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Crémézi, Sylvie. "L'élaboration du sens dans la danse contemporaine". Paris 4, 1990. http://www.theses.fr/1990PA040082.
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Depuis ces dernières décennies réapparait au premier plan du panorama artistique l'art scénique le plus archaïque qui recouvre sa fonction d'art majeur. La danse contemporaine, géologie de la psychè humaine et des états du corps exprime cette nécessite de renouer avec la sacralité cosmique le mouvement danse est non seulement générateur de sens mais aussi régénérateur - elle rappelle la vertu mythique de la scène, les pouvoirs de communication viscérale et métakinésique du corps dansant, pour que l'homme habite enfin son corpsFor these past ten years, the most archaic scenic art has been again in the fore ground of the artistic panorama and has regained its function of major art today's dance, the geology of the human psyche and of the states of the body expresses this necessity of being bound again with the sacred. The dance movement is not only generator of meaning but also regenerative. Dance reminds one of the mythical virtue of the stage, so that man finally inhabits his body
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Necker, Sophie. "Transmettre la danse à l'école : socio-ethnographie de l'atelier de danse dans le contexte scolaire français". Thesis, Metz, 2007. http://www.theses.fr/2007METZ019L.
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En France, il existe une transmission de la danse à l'école, qui s'effectue par le moyen d'un partenariat entre enseignants et artistes chorégraphiques. La thèse propose une observation participante de cette forme pédagogique originale qu'est l'atelier de danse organisé dans le cadre scolaire. Après avoir identifié les situations pédagogiques caractéristiques de cette forme de transmission, elle s'efforce de préciser les différents types d'enjeux - techniques, esthétiques, éthiques - inhérents à l'interaction artiste-enseignant et artiste-élèves. Les outils pédagogiques dégagés de l'expérience répétée de l'atelier, assurant la meilleure transposition possible des conditions de l'expérience chorégraphique, sont objectivés et mis en relation avec les critères de qualité revendiqués par les différents partenaires. Le travail de recherche contribue ainsi à l'analyse du processus de professionnalisation de cette forme de transmissionIn France, there is a dance transmission at school which is made via a partnership between teachers and choreographic artists. The thesis suggests a participating observation of this original educational form which is the organised dance workshop in the school context. After having identified the characteristic educational situations of this transmission form, it tries to specify the different stakes - technical, aesthetic, ethical types - inherent to the interaction between artists and teachers as well as artists and children. The educational tools drawn from the repeated experience of the workshop, providing the best possible transposition of the choreographic experiential conditions, are targeted and related with quality criteria claimed by the different partners. The research work contributes in that way to the analysis of the professional process of this transmission form
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Jacotot, Sophie. "Danses modernes des Amériques dans la société parisienne de l'entre-deux-guerres /". Paris : Paris 1 Sorbonne, 2003. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb401327538.
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Dereux, Véronique. "Recherche sur les valeurs éducatives dans l'apprentissage de la danse". Poitiers, 2003. http://www.theses.fr/2003POIT5003.
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Une éducation par le mouvement est possible dans l'apprentissage de la danse du tout jeune enfant. Cependant, elle ne sera présente que si des valeurs la traversent tel un fil conducteur. Le respect de l'enfant quant à son corps est indispensable. Pour cela, l'adulte le considérera comme sujet et non comme un corps-objet. Préserver sa spontanéité, son expressivité et en même temps permettre ses ajustements face au monde de la réalité sociale, dans la recontre avec autrui, constituent la base de ces valeurs. Le processus phénoménologique, inscrit le vécu du corps, du temps et de l'espace, dans la constitution de la perception. C'est à partir de ses expériences, que l'intentionnalité du mouvement va pouvoir évoluer. Certains courants de danse contemporaine vont à l'encontre de ces valeurs. Le corps y est le serviteur de la pensée. Elle le transforme en instrument. L'espace, morcelé par l'intelligence abstraite, cohabite avec un temps fermé "en soi". Plus grave est l'espace halluciné. En ces circonstances, l'imaginaire est la seule dimension proposée aux enfants. Il risque, par là, de provoquer une rupture entre l'être et la réalité. Or, la pédagogie de la danse repose autant sur la passation de savoirs que sur l'être (Dasein) de l'éducateur. Cet être est également nié en danse contemporaine car le travail de conscientisation et le corps-instrument ne sont pas compatibles. Une esthétique de la danse ne peut pas non plus envisager l'être humain dansant comme un objet, même d'art. Une esthétique de la danse doit, vis à vis du sujet dansant, être également une éthique.
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Johansson, Ulrika. "Les Traces scandinaves dans le français". Thesis, University of Skövde, School of Humanities and Informatics, 2008. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:his:diva-1338.
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A cause des pillages et des ravages des Vikings dans plusieurs régions de la France et du fait qu’ils se sont installés finalement en Normandie d’une façon permanent, ils ont du laisser certaines traces dans la langue française, comme leurs descendants l’ont fait plus tard en Angleterre après l’invasion en 1066. Avant l’invasion de Guillaume le Conquérant, les peuples d’Angleterre parlaient des langues germaniques, mais aujourd'hui l’anglais consiste dans sa plus grande partie de mots romans. Il est évident que la langue scandinave n’a pas eu la même force d’impact sur la langue française que la langue française sur l’anglais, mais on peut s’attendre à retrouver quelques traces.
Dans ce mémoire, je vais examiner quel rôle a joué la langue scandinave et quelles en sont les traces visibles aujourd’hui. A-t elle eu un impact profond qui a laissé de grandes empreintes sur la langue française ou est-ce que cette période de présence scandinave est-elle passée imperceptiblement ? S’il y a des vestiges dans le français, quels sont-ils dans ce cas, et dans quelles régions, aussi bien géographiques que linguistiques, se trouvent-ils ?
Je me concentrerai d’abord sur l’influence qu’ont eu les Vikings et la langue scandinave en Normandie, puisque c’était là qu’ils sont restés le plus longtemps et, par conséquent, il doit être probable qu’il y a des traces évidentes les plus fréquents.
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Dávila, Ramírez Tania Violeta Broyer Gérard. "La souffrance du corps vécu dans la danse professionnelle". Lyon : Université Lumière Lyon 2, 2006. http://demeter.univ-lyon2.fr/sdx/theses/lyon2/2006/davilaramirez_tv.
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Wakim, Gulnar. "Le langage contemporain dans la danse au Moyen-Orient". Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0331.
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Au XXe siècle, la danse au Moyen-Orient persiste à évoluer péniblement. Existant depuis des décennies, cette discipline fait une partie intégrante du vécu de la communauté. Toutefois, cela reste une pratique illégitime. Son exercice de manière professionnelle est déshonorant. Entre légitimité et illégitimité, l'évolution de la danse est paralysée du fait de son statut, mais la danse continue de défier la société pour se créer un avenir. La danse, au-delà de l'aspect festif, sert de point de départ dans notre recherche. Il s'agit de répondre à une question fondamentale: comment définir un langage contemporain de danse au Moyen-Orient? En effet, la danse orientale reste perdue entre son traditionalisme et la modernité occidentale. Par conséquent. Nous avons cherché dans la danse les clés d'un langage artistique pour une discipline légitime. Nous avons voulu nous investir dans une décomposition de cette pratique: Ia danse par rapport au religieux, au social et au politiqueLn the 20 th century, dance in the middle east struggled for its evolution, Through decades existence, this discipline was and still an integrated part of the community and ail along It remained a non legit practice, and its professional existence remained dishonoring, Somewhere between legit and non legit the evolution of dance was crippled due to this status, however it continued to defy society, and made its way into the future, Beyond its festive aspect, dance was a starting point in my research, It's about answering the fundamental question: how to define one or more contemporary dance languages? If we insist on the word contemporary, ifs because the oriental dance is still lost somewhere between its traditional aspect and western modernism. Research was built around the alphabet of an artistic language for a legitimate practice, for an art in favor of its community, this research aimed for decomposing this art, dance versus religion, dance vs society and dance vs politics
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Levy, Yann. "Rôle des vitamines et des éléments traces en enzymologie : étiologies de leur subcarence". Paris 5, 1992. http://www.theses.fr/1992PA05P019.
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Dávila, Ramírez Tania Violeta. "La souffrance du corps vécu dans la danse professionnelle". Lyon 2, 2006. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2006/davilaramirez_tv.
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Nous savons que nous vivons dans un monde complexe où les symptômes peuvent être la manifestation de l'époque, ils sont pour nous comme hiéroglyphes que nous devons déchiffrer. La danse, en tant qu'institution, est un paradigme du discours de l'idéal social, dans lequel les danseurs/danseuses sont immergé(e)s, qui les enferme dans une stricte aliénation, les assujettissant à des règles qui contribuent au contrôle social en les obligeant à construire une représentation de leur image corporelle qui modifie leur équilibre psychosomatique. Pourtant une certaine souffrance du corps, chez les danseurs/danseuses, se manifeste d'une façon paradoxale, puisqu'elle s’accompagne d'une certaine jouissance. La souffrance physique du corps, est un phénomène complexe qui apparaîtrait dans les groupes de danse classique professionnelle comme liée à une souffrance psychique consécutive à des facteurs sociaux, politiques, économiques et culturels. Toutefois, cette souffrance se manifeste entre autres dans des comportements alimentaires comme l'anorexie et la boulimie, peut-être à cause de la violence qui existe dans le milieu de la danse dans le but de construire un corps modelé, obéissant et performant. Pour comprendre comment la production esthétique s’annonce symboliquement dans le registre du désir, le désir d'un autre, où le narcissisme du danseur ou de la danseuse les amène à avoir un corps souffrant comme manifestation de leur identité, de sa recherche d'identité. Que cherchent-ils/elles ou qu'ont-ils/elles perdu dans cet exercice de parler sans voix mais en dansant avec son corps ? Pourquoi peuvent-ils/elles tenir et supporter autant de douleur et de souffrance ?Every one of us knows that we are living in a complex world where the symptoms can be the manifestation of our times; they are coming to us like a hieroglyphics that we must decipher. The Dance, as an institution, is a paradigm of the speech of the social ideal, where dancers are immersed and are prisoner in a strict alienation, they have to follow the rules and contributes the social control. They are obligated to build a representation of their body image that modifies their psychosomatic balance. However this suffering of the Dancer body's, we can find that it appears in a paradoxical way, because it becomes with a certain "enjoyment". The physical suffering of the body is a complex phenomena that appears in the professional classic dancers groups, as a result of a consecutive psychic suffering and some others influences like society, politics, culture and economy. This sufferance can be found like alimentary disorders as anorexia and bulimia produced by the violence existent in the dancing media who tries to build one perfect and performed body model. In order to better understand how the esthetic production are pronounced in a symbolic way in the desire of other, we have to follow the narcissism of the dancer, who carry him to have one suffer body as a manifestation of their identity. What are they searching of or what have they lost in this exercise of speak with out voice but communicating with the dance of their body's? Why must they support so much pain and suffering?
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Lakshmanan-Minet, Nicolas. "La danse des temps dans l'épopée, d'Homère au Roland". Thesis, Normandie, 2017. http://www.theses.fr/2017NORMR089/document.
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Les épopées d’Homère et de Virgile, la Chanson de Roland sont marquées par une alternance qui peut paraître capricieuse. En fait, on la saisit beaucoup mieux dès lors qu’on prend en compte la présence des corps : ceux du jongleur, de l’aède, du récitant ; le corps du public. Postures, gestuelle, mouvements, regard, souffle, musique s’articulent à cette alternance pour en faire une véritable danse. Cette thèse étudie d’abord comment dansent chacun des temps principaux du récit dans ces épopées, en accordant la priorité à Homère et au Roland ; puis elle étudie comment cette danse des temps prend corps dans chacune des petites pièces dont nous décelons que sont composées les épopées anciennes comme le Roland : les laissesThe Homeric and Virgilian epics, as well as the Chanson de Roland are full of tenseswitching, the use of which might seem capricious to the modern reader. It is in fact much better understood when bodies’ presence is taken into account — these bodies being the bard’s one as well as the audience’s. Postures, gestures, moves, eyes, breath, music are joint partners to tenseswitching, so that tenses really dance in epics. This study is firstly about how each one of the main narrative tenses dances in Homer and the Roland, and also in the Æneid. Then it studies the way tenses dance in each of the small pieces we find in the classical epics as well as in the Roland : the laisses
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Savvidou, Ioanna. "Sur les traces de la différence : limites et frontières dans le Poème de la montagne et le Poème de la fin de Marina Tsvétai͏̈eva". Paris 8, 1999. http://octaviana.fr/document/174485239#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
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La presente these a comme sujet : "sur les traces de la difference. Limites et frontieres dans le poeme de la montagne et le poeme de la fin de marina tsvetaieva". C'est une these de doctorat effectuee dans le domaine des etudes feminines, par ioanna savvidou, sous la direction de madame le professeur helene cixous. M. Tsvetaieva s'inspire pour ses poemes d'une histoire reelle. Or ils sont marques par le questionnement ethique de l'histoire, vecu par l'auteur a travers l'exil. Notre poete travaille les representations des frontieres et limites ainsi que les thematiques qui ensuivent : separation et rencontre, fin et commencement, autre et meme, transgression et depassement, mort et vie, origine et genese de l'oeuvre. M. Tsvetaieva mene aussi un travail diachronique, s'eprouve aux textes fondateurs et se mesure, ainsi, aux questions de la loi, du logos, de la langue. Ce travail poetique ouvre sur les preoccupations terribles de notre epoque, notamment sur celles ayant trait a l'alterite et a la difference, et plus precisement a la difference sexuelle. A travers le discours de ses heros, tsvetaieva ebranle les definitions du "masculin" et du "feminin", explore et mine les limites del'identite sexuelle. Ceci influe sur les representations des limites et des frontieres qu'elle met a l'epreuve ainsi qu'a sa pratique d'ecriture. Notre lecture a essaye de rester proche de l'esprit de marina tsvetaieva, notamment par l'engagement du sujet parlant sans, pour autant, oublier de prendre en consideration l'evolution de la theorie et de la critique litteraires : l'apport de la philosophie et de la psychanalyse. Notre lecture se designe comme profondement marquee par le questionnement de la difference (sexuelle) telle qu'elle a ete pratiquee par helene cixous. Ainsi, nous avons essaye de deceler et d'examiner, dans le texte (fond et forme), les traces des convergences et des divergences qui decouleraient des economies libidinales dites "masculine" et "feminine".
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Légeret, Katia. "Danse traditionnelle de l'Inde : le bharata nâtyam dans l'art des karana-s". Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010661.
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Fondement de l'art dramatique, les 108 karana-s constituent l'alphabet de poses et de pas le plus ancien de l'inde. L'au teur de cette these les interprete dans le style de danse bharata-natyam (inde du sud). Son premier volume consiste a analyser les fondements historiques et religieux de cet art, a decomposer techniquement les 108 mouvements et leurs structures spatio-temporelles, puis a developper leurs fonctions symboliques. Le second volume propose une traduction du sanscrit en francais des versets du natya-sastra definissant les 108 karana-s , enrichie de commentaires et de decompositions photographiques concernant chacun de ces mouvementsIn india, the 108 karana-s are the most ancient alphabet of poses and steps. The author of this thesis interpretes it in the style of bharata-natyam. In the first part, the historical and religious origins of this dance of art are analysed. Then the 108 karana-s are technically analysed with their spatiotemporal structures and their symbolical functions. The second part gives the french traduction of the natya-sastra (sanscrit) about the 108 karana-s with commentaries and photographies
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Guillard, François. "Trainée et portance dans les milieux granulaires". Thesis, Aix-Marseille, 2013. http://www.theses.fr/2013AIXM4782/document.
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Cette thèse présente une étude expérimentale et numérique des forces s'exerçant sur un objet en mouvement dans un milieu granulaire. La compréhension précise de ces forces présente en effet d'importants intérêts fondamentaux (rhéologie des milieux granulaires, phénomène de ségrégation) et appliqués (robotique, locomotion animale ...). Expérimentalement, un cylindre horizontal est mis en rotation à faible vitesse dans un bac de billes de verre. Les forces s'exerçant sur cet objet dans la direction du mouvement (forces de traînée) et dans la direction verticale (forces de portance) sont mesurées.Lors du premier demi-tour, avant que le cylindre ne repasse dans son propre sillage, nous mettons en évidence l'existence d'une force de portance élevée sur l'objet (bien qu'il soit symétrique), de l'ordre de 20 fois la poussée d'Archimède du milieu, et indépendante de la profondeur. Des études numériques de dynamique moléculaire (méthode éléments discrets) permettent de comprendre comment cette portance émerge de la modification de l'écoulement granulaire par la présence d'un gradient de pression dans le milieu. Aux temps longs, après plusieurs rotations du cylindre, on observe une chute de la force de traînée, qui devient indépendante de la profondeur. Le milieu se structure sous l'effet des passages répétés du cylindre dans son sillage, ce qui écrante le poids des grains situés au dessus. Enfin, une étude numérique des forces sur une grosse particule en écoulement avec le milieu granulaire est ébauchée, en lien avec le phénomène de ségrégation granulaireThis thesis presents an experimental and numerical study of the forces experienced by an object moving in granular media. This problem, which is of practical importance in many applications (robots, animal locomotion), is also of fundamental interest (rheology of granular materials, granular segregation). The experiment consists in a horizontal cylinder rotating around the vertical axis in glass beads. Both drag forces and lift forces experienced by the cylinder are measured.During the first half rotation, before the cylinder crosses its own wake, we measure a strong lift force (despite the symmetry of the object), about 20 times the buoyancy of the cylinder, and independent of its depth. Molecular dynamic simulations (Discrete Element Method) shed lights on how this lift force arises from the modification of the grain flow due to the pressure gradient in the medium. After several rotations, when the cylinder goes through its own wake, the drag force drops and becomes independent of depth. The rotation of the cylinder induces a structure in the granular packing, which screens the weight of the grains above it. Finally, a numerical study of forces on a large particle flowing with the granular medium is sketched, in relation with the phenomenon of granular segregation
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Jarrasse, Bénédicte. "Les deux corps de la danse : l'imaginaire de la danse théâtrale dans la littérature et l'iconographie européennes : 1830-1870". Thesis, Strasbourg, 2014. http://www.theses.fr/2014STRAC011.
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Aux alentours de 1830, le romantisme s'impose sur les scènes théâtrales. À une manière nouvelle d'envisager le ballet fait écho une manière nouvelle de le représenter. Celui-ci peine toutefois à se dire pour lui-même, et dans cette bataille du dire, c'est la danseuse, à défaut de la danse, qui devient l'objet principal des représentations. La ballerine cristallise le dualisme essentiel de l'imaginaire romantique et se retrouve au cœur d'une entreprise de mise en légende et de légitimation de l'art chorégraphique. Le dire de la danse passe désormais par une mythographie. L'enjeu ultime est dans la définition du corps romantique de la danse. Les procédures de mythification déterminent un corps proprement décent - le corps glorieux de la danse. Ce corps métaphorique n'est pourtant que l'avers d'un autre corps - le corps terrestre de la danse. Dans les envers du théâtre est ainsi dévoilé le corps de la danse au travail, corps faillible et souffrant, éternel prix à payer de la féerieAround 1830, Romanticism prevails on theatre stages. The new perspective on performance as a whole leads to a new perception of ballet. However, ballet struggles to assert its specificity and in the battle of words that unfolds, the ballerina, rather than the ballet, becomes the main focus onstage. The ballerina cristallizes the duality that is key to the Romantic vision. She thus finds herself at the heart of a campaign to elevate her to the status of legend, which is also a way for ballet to gain recognition. The narrative of ballet, from this point onwards, has to rely on a mythography. What is ultimately at stake is the definition of the Romantic dancing body. The mythologizing process creates a chaste body : the glorious dancing body. However, this metaphorical body is but the antithesis of another one : the earthy dancing body. Finally, it is backstage in the theatre that the dancing body is unveiled at work, frail and in pain, forever the price to pay for enchantment
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Berenfeld, Alain. "Place de l'echocardiographie trans-oesophagienne dans les traumatismes thoraciques fermes". Clermont-Ferrand 1, 1991. http://www.theses.fr/1991CLF13828.
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Serclerat, Ivan. "Les métaux traces dans le clinker de ciment Portland : rétention dans les mortiers et fixation dans les hydrates". Lyon, INSA, 1996. http://www.theses.fr/1996ISAL0140.
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Ces travaux visent à caractériser le devenir des métaux lourds introduits dans les fours à ciment par les matières premières naturelles, les combustibles fossiles ou les déchets utilisés comme combustibles. La partie expérimentale a porté sur l'étude de ciments industriels et de ciments de laboratoire enrichis en zinc, plomb et chrome au cours de la cuisson. Des tests de lixiviation ont permis de montrer que le zinc est quasiment insoluble entre pH 7 et pH 13. Le plomb est solubilisable uniquement dans les contextes de pH supérieurs à 12,5. Le chrome (VI), dont les sels courants sont très solubles, est fixé dans une phase hydratée, l'ettringite, qui reste stable dans le contexte chimique assuré par la matrice cimentière. Les relargages de plomb et de chrome sont proportionnels à leurs teneurs respectives dans le ciment. Il a été suggéré un mécanisme de relargage des métaux lié à la solubilité de l'espèce solide les contenant, en fonction du contexte chimique régnant localement à l'interface liquide-solide. Le mécanisme de fixation des métaux dans les hydrates a été étudié grâce à un suivi des concentrations en métaux dans la phase liquide du ciment au cours de l'hydratation. Le chromate est intégré dans le cristal d'ettringite, en substitution du sulfate. L'étude de la solubilisation du chrome par cette phase complexe a montré que le chrome est libéré en proportion de sa concentration dans l'ettringite, et a mis en évidence une dissolution préférentielle du métal par rapport au sulfate. Ces résultats ont permis d'éclairer en partie le mécanisme de relargage du chrome par les mortiersThis work aimed to assess the retention in the mortars of the heavy metals fed in a cement kiln with natural raw material, fossil fuels or waste derived fuels. Industrial cement has been studied, along with laboratory samples enriched during clinkering in lead, zinc and chromium. The relevant mortars were tested for metal release through leaching studies in various chemical contexts. Zinc appeared to be insoluble in the pH range 7-13. Lead is released only in alcaline medium above pH 12. 5. Hexavalent chromium whose salts are usually very soluble, is though retained in a hydrated phase that is stable in the chemical environment ensured by the cement matrix. Lead and chromium released are linked to the metal levels in the mortars. The solubility of the solid phases, in the chemical context of the pore fluid at the solid/liquid interface, appeared to be controlling the leaching rate of the metallic compounds. Fixation mechanisms of the heavy metals in the cement hydrates has been explored through the monitoring of the metal concentration in the liquid phase during cement hydration Chromate was found to substitute for sulfate in the ettringite crystal. The solubility studies of a chromate+sulfate ettringite revealed that chromium release is linked to its proportion in the crystal. A selective dissolution of the chromium part of ettringite has been pointed out. This Ieads to a lowering of the chromium level in such a solid contacted with water. These results improved the understanding of the release mechanisms of chromium by the mortar blocks
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Almeida, Marcia Soares de. "Les affections plastiques du corps et la danse contemporaine". Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010693.
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Mon travail porte sur la relation mouvement-du-quotidien/mouvements-sur-scene. II y a une manière particulière de bouger selon les sociétés, une sorte de fusion entre I'être et \'environnement, les individus s'imprègnent de choses subtiles qui les font singuliers. L'ego et la physicalité composent la personne, les interactions et I'intrication entre la participation sensorielle de I'individu et son environnement prouvent qu'il existe une me��moire corporelle mêlée a la perception corporelle. L'être humain est en constante reformulation par rapport à lui-même et a ce qui I'entoure ; grace a sa plasticite, il est pret à s'adapter. Le corps est toujours un réceptacle de valeurs. Le corps dansant remodèle Ie monde, tel qu'il se présente à la personne, a travers I'affect de I'environnement. Le danseur expose ses émotions d'une manière telle que Ie public peut les vivre a sa façon, il transforme, de manière poétique, la réalité quotidienne. Par son expression particulière, I'artiste réinvente Ie matériau brut qu'il transforme en une chose qui n'existe pas au départ
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Thomassen, Magdalene. "Traces de Dieu dans le philosophie d'Emmanuel Levinas". Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040102.
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La thèse présente une relecture chronologique et systématique de la question de Dieu dans la philosophie d’Emmanuel Levinas : elle se propose d’examiner le mouvement plurivoque et ambiguë de la « trace » par lequel se dessine le sens du mot ‘Dieu’ dans cette philosophie. En identifiant l’enchevêtrement de trois champs de recherche qui se déploient à travers l’oeuvre – les foyers thématiques de la sortie, de la socialité et de la signifiance –, nous tentons de montrer qu’à travers eux se découvrent trois modalités de la notion de la « trace » qui pénètre la pensée de Levinas sur Dieu et sur l’homme inséparablement. Nous avons d’abord suivi l’émergence de la question de Dieu depuis les premières insinuations jusqu’aux textes parus entre Totalité et Infini et Autrement qu’être (1e partie) ; ensuite, nous avons exploré le déploiement autrement accentué d’une pensée de Dieu jumelée à une reformulation du sujet, au centre de la deuxième oeuvre maîtresse (2e partie) ; enfin, nous avons relevés les points culminants de la recherche de la signifiance du mot Dieu tels qu’ils ont été approfondis et affirmés dans les oeuvres de la maturité (3e partie). La complexité du travail de Levinas sur la question de Dieu en philosophie se lit dans la densité de la notion de la trace : inscrite (1) dans le visage d’autrui, (2) dans la passivité du sujet et (3) dans le dire prophétique, elle permet de penser Dieu comme l’absence-présence d’unetranscendance radicale, transcendance qui dans toute sa séparation absolue néanmoins affecte l’immanence ets’incarne comme intelligibilité premièreThe theses presents a chronological and systematic re-reading of the question of God in the philosophy of Emmanuel Levinas, and examines the ambiguous and equivocal movement of the “trace” through which is delineated the meaning of the word ‘God’ in this philosophy. By identifying three areas of research interweaving throughout his work – the three thematic clusters of ‘exit’, of ‘sociality’ and of ‘significance’ –, it is shown how three modalities of the notion of the “trace” are exposed through these areas: the “trace” in its equivocal formulation penetrates the thinking of Levinas on God and man inseparably. First we follow the emergence of the question of God from the first early suggestions through the texts appearing between Totality and Infinity and Otherwise than being (part 1); then we explore the more accentuate thinking on God in association with a reformulation of the subject, at the heart of Levinas’ second major work (part 2); finally we drawn attention to the culminating points of the research on the meaning of the word ‘God’ as deepened and corroborated in Levinas’ later works (part 3). The complexity of the work of Levinas on the question of God in philosophy may be read through the density of the notion of the trace: Inscribed in (1) the face of the other, (2) the passivity of the subject (3) the prophetic saying, it makes it possible to think God as the absence-presence of a radical transcendence, a transcendence that in all its absolute separation still affects immanence and incarnates itself as original intelligibility
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Larivière, Dominic. "Détermination d'ultra-traces de polluants dans l'air intérieur". Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2000. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk1/tape2/PQDD_0020/MQ48936.pdf.
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Park, Soyoung. "Le paradoxe du mouvement dans l'art pictural : interface, peinture et danse". Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010519.
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Peintre, tout corps dansant m'apparait comme un flux incessant qui s'empare de moi. Il fait tourbillonner ma pensée qui remonte vers mon enfance, quand je dansais. L'hypothèse est que la pratique de la danse et de la chorégraphie apporte à ma peinture le flux continu qui, paradoxalement, s'incarne avec le maximum d'énergie dans la suspension du mouvement. D'abord, je condense dans mon carnet d'esquisses la succession des courbes dessinées par le corps dansant dans l'espace scénique. Danser et dessiner s'unissent le temps du spectacle de danse pour me rendre visible le flux temporel du mouvement. Ensuite, loin de la danse, je m'assieds dans mon atelier et je vis une dilatation de l'espace et du temps dans laquelle j'oublie le temps qui s'écoule et l'espace du monde. L'instauration de mes peintures repose sur la force des contraires : attraction et répulsion, flux et influx. Les efforts que je fournis pour peindre me rapprochent de la curiosité et de la "pureté" de l'enfance dans laquelle on ne cesse d'entrer. Loin de mon pays, mon réenracinement poïétique pourrait se concrétiser en passant par ma volonté de rupture avec mes acquis pour aller plus loin sur un terrain réapproprié. Ma thèse comprend trois parties : la partie 1, Le temps dans les arts plastiques : je tente de réfléchir au rôle du temps dans le processus pictural. La partie 2, Le corps en mouvement : je m'attache à comprendre la place du corps dans l'acte peint. La partie 3, Peindre et danser pour la vie : j'aborde les axes possibles de rapprochement entre la danse et ma peinture dans l'appréhension du mouvement et je tente de restituer ma démarche dans l'expérience de ma vie. Il peut paraitre paradoxal de vouloir traiter le mouvement, par essence libre et mobile, dans un espace pictural limité et fermé. Je capte du flux de mouvement dans ma mémoire, pour ensuite encapsuler dans ma toile l'énergie qu'il contient, et qui fera circuler le mouvement dans la pensée du spectateur.
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Denoual, Fabienne. "Le corps/objet dans les arts plastiques et la danse contemporaine". Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010641.
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Cette thèse fait état du problème que soulève la rencontre du corps et de l'objet dans les arts plastiques et la danse contemporaine. Elle tente de faire apparaître qu'au-delà du rapport du corps à l'objet, au cœur du vacillement issu de leur rencontre, se dégage une entité propre formalisée par le concept de corps/objet, dont ce travail se propose de relever les modalités dynamiques - entre indifférenciation et dialectique. Plus qu'une simple description des types de relations corps-objet. Ce concept de corps/objet permet de mettre à jour un véritable processus métabolique fondé sur la transfiguration transfiguratrice du vacillement qui devient ici le vecteur d'une métamorphose éclatante, le corps devenant créateur. C'est à débusquer sa présence au cœur même des dispositifs artistiques étudiés, et son implication chez ceux qui lui sont confrontés (artistes, danseurs, spectateurs) que ce cheminement nous invite
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Guillard, Yves. "Danse et sociabilite. Les societes choregraphiques dans l'ouest de la france". Paris, EHESS, 1995. http://www.theses.fr/1995EHES0324.
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Entre 1867 et 1939 un phenomene original s'est developpe dans l'ouest de la france, celui des societes choregraphiques specialisees dans la pratique des danses de caracteres. Commencee par des enquetes dans le milieu rural sud sarthois, l'observation participante a connu une seconde etape avec la creation d'une societe tentant de revivre, en le transposant dans le temps, l'aventure des anciens danseurs. La problematique s'est ensuite etendue aux villes de la basse vallee de la loire selon la demarche de l'histoire regressive. La premiere partie de la these envisage successivement la chronologie des six principales inplantations mises a jour. La seconde partie aborde l'ensemble de ces sociabilites comme un tout dont on s'attache a demontrer la coherence. Dans un premier temps le postulant est integre a la societe, il devient prevot, puis maitre, apprenant un repertoire long et difficile. Viennent ensuite les spectacles examines dans leur contexte. Enfin l'etude de l'organisation des societes elles-memes aborde leur vie et leur statut social entre ville et campagne, entre civil et militaire, entre savant et populaire. . . Et a l'interieur de l'espace regionalFrom 1867 to 1939 many dance societies appeared and developped in the west of france, specialised in character dances. Inaugurated by investigations into rural populations of the south of sarthe department, participative observation knew a second step with the creation of a new society trying to bring back to life, by transposing it throw the time, the old dancer's adventure. The problematic spred later to towns of the low loire valley, adopting the approach of regressive history. The first part of this thesis envisages successively the six main settlings'chronology. The second part tackles the entire of these sociabilities as a whole lot whose coherence is demonstrated. First the postulant is integrated into the society, he becomes prevot, then maitre, learning a long and difficult repertoire. Later on, shows are examined in their context. At last the study of societies'organisation treats of their life and their social status between town and country, civilian and military, scholarly and popular. . . And through the regional space
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Feuillet, Isabelle. "La danse du peintre : essai d'analyse d'une pratique picturale". Rennes 2, 1998. http://www.theses.fr/1998REN20032.
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Nous proposons une analyse comparative entre une forme de pratique picturale et la danse contemporaine. L'approche progressive pose en premier lieu la question du modèle et de l'altérité. Le modèle classique est analyse dans son rapport au peintre, ainsi que le modèle danseur. C'est la présence/absence du modèle danseur qui retient notre attention. L'essentiel de ce que le corps dansant véhicule : la tension, l'énergie, le dessin tentera d'en être le dépositaire jusqu'aux limites de la représentation. A l'oppose de l'image de l'homme de tête, de la mesure, nous tentons l'immersion dans la pratique d'un degré zéro de l'écriture. Le tableau devient plateau. Etre en scène puis 'ob-scene', c'est être immerge dans la peinture tout en s'en dégageant, c'est pour le danseur se sentir danser tout en éprouvant la sensation de se voir danser. Le corps paradigmatique ne tranche plus entre une partie noble et une partie inférieure, celle de l'instinct et du pulsionnel. Le 'corps-entre' trouve sa place entre fondation et ruine. Il s'agit pour le peintre de définir un point de stabilité, un centre qui est chez le danseur, à la fois un lieu de quiétude et de turbulence. L'espace pictural ramène aux dimensions d'une scène est un lieu de dépense, ou faire et défaire est la condition de l'instauration de la peinture. C'est l'arrachement au modèle en tant qu'objet de désir qui provoque l'irresponsabilité de l'acte et crée la véritable rencontre avec la danseWe propose a comparative analysis between a form of pictural practice and contemporary dance. The progressive approach sets in a first place, the problem of the model and otherness. The classical model is analysed in its relation to the painter along with the dancer model. It is the presence / absence of the model which draws our attention here. The drawing will endeavour to assimilate all the tension and energy a dancing body can convey, and so to the limits of representation
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Lhortolat, Elisa. "Les représentations de genre dans la danse orientale et la danse American Tribal : regards croisés sur des pratiques et des discours". Thesis, Université Côte d'Azur, 2020. http://www.theses.fr/2020COAZ2019.
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Cette étude a pour point de départ la pratique des danses orientales en France, aujourd’hui marquée par de nombreux débats autour des questions de tradition et de modernité. Deux pratiques seront ainsi mises en dialogue : la danse orientale dite Sharki, considérée comme la plus « authentique » et proche de la tradition égyptienne, et la danse American Tribal née aux États-Unis dans le contexte particulier de la contre-culture. À partir d’un travail de terrain en régions PACA et parisienne, des questions transversales à ces deux disciplines transparaissent, notamment concernant l’image des corps, croisant ainsi les questionnements de genre dans ces pratiques presque exclusivement féminines. À travers les pratiques et le discours, deux archétypes distincts de la féminité apparaissent en filigrane, posant la question de la construction et de la représentation du féminin, mais aussi paradoxalement du masculin dans ces deux formes de danses, pourtant si proches.Ce travail de recherche questionne à travers l’histoire, l’enquête de terrain mais aussi sur le plan du mouvement, la construction de ces visions stéréotypées du féminin. Quels images et imaginaires du féminin, et en conséquence du masculin, sont ici mis en jeu ? Comment s’inscrivent-ils dans les corps et dans le mouvement ?This inquiry starts with the practice of bellydance in France, marked today by numerous debates around tradition and modernity. Two practices will thus be compared. On the one hand, bellydance known as Sharki, which is considered as the most “authentic” practice and the closest to the Egyptian tradition. On the other hand, the American Tribal dance, which emerged in the United States in the specific context of counter-culture.Based on fieldwork, some cross-questions common to these two practices are arising. Those are mostly about the vision of the body and the gender issues, in these almost exclusively female practices. Through the analysis of the practices and the discourses, two archetypes of femininity appear implicitly, raising the question of the construction and the representation of the feminine, but also, paradoxically, of the masculine in these two different forms of dance, yet so close one to the other. This research puts into question the construction of these stereotypical visions of the feminine, through the history of these dance forms but also in terms of movement. What are these images and imaginary representations of the feminine, and consequently, of the masculine, how are they brought into play ? How are they embodied in dance movement ?
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Blouin, Claudia y Claudia Blouin. "Le potentiel théâtral et dramaturgique de la musique dans le processus de création chorégraphique". Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28271.
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Le présent mémoire de maîtrise présente une recherche-création réalisée dans le cadre du programme Littérature et arts de la scène et de l’écran de l’Université Laval et qui s’intéresse à la problématique du potentiel théâtral et dramaturgique de la musique prise comme « texte » en vue de la création de séquences de danse théâtralisée. L’auteur y présente d’abord le cadre théorique et conceptuel lié aux trois relations interartistiques impliquées dans son sujet : musique et théâtre, théâtre et danse et danse et musique. Elle prend alors appui notamment sur les écrits d’Adolphe Appia, Michèle Febvre et Jean-Jacques Nattiez et sur l’expérience de praticiens tels qu’Anne Teresa de Keersmaeker et Pina Bausch. De cette base réflexive, elle tire des outils permettant de dégager le potentiel recherché et de l’appliquer à la mise en mouvement de la musique. Elle expérimente également avec ces outils dans la mise en marche d’un processus de création dont les différentes étapes, qui s’étendent de la recherche de musique à la présentation publique des séquences réalisées, sont exposées dans ce mémoire. Les deux séquences de danse théâtralisée De fil en fils et Fuis-moi je te suis…, dont la captation vidéo se trouve en annexe, font l’objet d’une analyse visant à découvrir les divers éléments musicaux ayant participé à induire une forme de théâtralité.Le présent mémoire de maîtrise présente une recherche-création réalisée dans le cadre du programme Littérature et arts de la scène et de l’écran de l’Université Laval et qui s’intéresse à la problématique du potentiel théâtral et dramaturgique de la musique prise comme « texte » en vue de la création de séquences de danse théâtralisée. L’auteur y présente d’abord le cadre théorique et conceptuel lié aux trois relations interartistiques impliquées dans son sujet : musique et théâtre, théâtre et danse et danse et musique. Elle prend alors appui notamment sur les écrits d’Adolphe Appia, Michèle Febvre et Jean-Jacques Nattiez et sur l’expérience de praticiens tels qu’Anne Teresa de Keersmaeker et Pina Bausch. De cette base réflexive, elle tire des outils permettant de dégager le potentiel recherché et de l’appliquer à la mise en mouvement de la musique. Elle expérimente également avec ces outils dans la mise en marche d’un processus de création dont les différentes étapes, qui s’étendent de la recherche de musique à la présentation publique des séquences réalisées, sont exposées dans ce mémoire. Les deux séquences de danse théâtralisée De fil en fils et Fuis-moi je te suis…, dont la captation vidéo se trouve en annexe, font l’objet d’une analyse visant à découvrir les divers éléments musicaux ayant participé à induire une forme de théâtralité.
This master’s thesis presents a research-creation completed in Laval University’s Littérature et arts de la scène program and focuses on the question of music’s theatrical and dramaturgical potential when used as « text » in the creation of theatrical dance sequences. The author first presents a theoretical and conceptual framework linked to the three inter-artistic relationships implied in her subject: music and theater, theater and dance and dance and music. She supports her ideas with the works of Adolphe Appia, Michèle Febvre and Jean-Jacques Nattiez as well as with the practical experience of Anne Teresa de Keersmaeker and Pina Bausch choreographies. From this reflexive framework she finds the tools needed to release the music’s potential and to set it in motion. She also experiments with these tools to implement a creative process from the search for music to the public presentation of the constructed sequences, which are exposed in this thesis. Both theatrical dance sequences De fil en fils and Fuis-moi je te suis…, the video recording of which can be found in the annex, are analyzed in order to discover the different musical elements that encouraged their theatrical form.
This master’s thesis presents a research-creation completed in Laval University’s Littérature et arts de la scène program and focuses on the question of music’s theatrical and dramaturgical potential when used as « text » in the creation of theatrical dance sequences. The author first presents a theoretical and conceptual framework linked to the three inter-artistic relationships implied in her subject: music and theater, theater and dance and dance and music. She supports her ideas with the works of Adolphe Appia, Michèle Febvre and Jean-Jacques Nattiez as well as with the practical experience of Anne Teresa de Keersmaeker and Pina Bausch choreographies. From this reflexive framework she finds the tools needed to release the music’s potential and to set it in motion. She also experiments with these tools to implement a creative process from the search for music to the public presentation of the constructed sequences, which are exposed in this thesis. Both theatrical dance sequences De fil en fils and Fuis-moi je te suis…, the video recording of which can be found in the annex, are analyzed in order to discover the different musical elements that encouraged their theatrical form.
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Menicacci, Armando. "Rapports entre danse et technolo[g]ies dans la création et la pédagogie : expériences, réflexions, et propositions". Paris 8, 2003. http://www.theses.fr/2003PA083700.
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La création artistique fait des technologies numériques un usage de plus en plus important sur scène. Mais les technologies impliquent aussi la création de nouvelles scènes (Internet et supports hors-ligne) comme nouveaux espaces de performance chorégraphique. Dans le premier chapitre de notre travail, nous étudions l'histoire des artistes qui ont été les premiers à utiliser certains dispositifs ou à en créer pour leurs besoins artistiques. Ensuite, nous relatons les expériences de création auxquelles nous avons participé directement. Nous concluons le premier chapitre sur une analyse de différents aspects liés à l'apparition de différentes technologies en danse. L'arrivée des dispositifs sur la scène physique, mais aussi le portage du savoir-faire de la danse dans celle que nous appelons la "scène numérique". Dans le deuxième chapitre, dédié à la pédagogie de la danse avec les technologies numériques, nous faisons l'analyse des outils les plus performants dans ce domaine. D'abord, nous faisons l'analyse du CDROM "Improvisation technologies, a tool for the analytical dance eye". Ensuite, nous relatons notre expérience d'enseignement de la chorégraphie assistée par ordinateur à l'université Paris 8 (de 1998 à nos jours) pour réfléchir à la pertinence de l'utilisation de ces dispositifs dans l'enseignement de la danse. L'utilisation du logiciel "Life forms" nous a permis de revisiter certains thèmes traités en "analyse du mouvement dansé" à partir d'un autre angle. Dans le troisième chapitre, nous abordons l'élaboration d'un projet de DVDROM pour l'enseignement de la théorie de lecture du geste élaborée par Hubert Godard. Nous concluons ce travail de recherche à la fois par un examen de ce que nous avons traversé en tant que questionnements sur les rapports entre la danse et les technologies numériques, tant du point de vue artistique que pédagogique. Nous présentons aussi quelles pourraient être les lignes de développement d'une pédagogie de la danse à l'aide de dispositifs technologiques, avec leur retombées à la fois pratiques et intellectuelles pour la formation du danseurThe artistic creation makes more and more use of technologies on stage. But technologies also imply the creation of new scenes (Internet and off-line supports) as new spaces of choreographic performance. In the first chapter of our work, we study the history of the artists who were the first to use certain devices or to create new ones for their own artistic needs. Then, we report experiences of artistic creations in which we took part directly. We conclude the first chapter on an analysis of various aspects related to the appearance of various technologies in dance. The arrival of the devices on the physical scene but also the bearing of the knowledge to make dance in what we call the "numerical scene". In the second chapter, dedicated to dance pedagogy with digital technologies, we analyze the moste powerful tools in this field. At the beginning, we analyze William Forsythe's CDROM "Improvisation technologies". Then we report our pedagogic experience of computer-assisted choreography in Paris 8 University (from 1998 to nowadays) to dig the relevance of these devices in dance teaching. The use of the software "Life forms" enabled us to revisit certain topics treated in "Body movement analysis" from another angle. In the third chapter we approach the elaboration of a DVDROM project for the "Body movement analysis" theory developped by Hubert Godard. We conclude the research task with an examination of what we crossed as questionings about the relationship between dance and digital technologies from a pedagogical and artistic viewpoint. We also present what could be the development lines of dance pedagogy with the help of technological devices, and what could be their practical and intellectual consequences on the training of the dancer
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Straus, Jean A. "L'achat et la vente des esclaves dans l'Égypte romaine : contibution papyrologique à l'étude de l'esclavage dans une province orientale de l'Empire romain /". München : K. G. Saur, 2004. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39019458d.
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Tsikoura, Charitini. "Antigone et Médée dans la danse : perspectives genrées : France, Grèce, Royaume-Uni, 1993-2015". Thesis, Paris 10, 2020. http://faraway.parisnanterre.fr/login?url=http://bdr.parisnanterre.fr/theses/intranet/2020/2020PA100039/2020PA100039.pdf.
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L’objectif de cette thèse est d’étudier sous le prisme du genre le profil de deux héroïnes antiques archétypales, Antigone et Médée, en prenant appui sur un corpus de douze spectacles comportant une partition chorégraphique (ou entièrement chorégraphiés), présentés entre 1993 et 2015 en France, en Grèce et/ou au Royaume-Uni.La mise en lumière des éléments genrés en rapport (sans se limiter) avec le profil des héroïnes emblématiques dans chaque production, révèle que le genre n’étudie pas uniquement les stéréotypes et les discriminations à l’égard des femmes confirmant que la femme n’est pas la seule concernée par les inégalités genrées car le sexe biologique est seulement un des paramètres provoquant ces inégalités. Un cheminement temporel expose les autres paramètres pris en compte permettant de suivre les traces de l’évolution du concept de genre et à comprendre comment les créateurs intègrent ou reflètent les changements dans leur travail. Les axes majeurs de recherche à savoir sexe, classe sociale, et ethnicité, ne sont pas mutuellement exclusifs : au contraire ils s’entrecroisent, s’imbriquent et s’articulent devenant indissociables et dévoilant ainsi la dimension intersectionnelle du genre. L’association intersectionnalité-genre permet d’examiner les identités de manière non segmentée : en choisissant la danse comme matériau de support, en puisant les exemples dans la tragédie antique et en prenant appui sur les identités complexes d’Antigone et de Médée les entendant dans une perspective multidimensionnelle qui envisage/explore leur dynamique.Par conséquent, l’examen des productions chorégraphiques – en France, en Grèce et au Royaume-Uni – illustre l’imbrication des rapports de genre aux autres rapports de pouvoir (et vice versa) soulignant les changements qui s’opèrent d’une part sur les partitions chorégraphiques et, d’autre part, dans la mise en scène des héroïnes atypiques, en l’occurrence, Antigone et Médée. L’accent est mis sur le respect de leurs identités singulières composées de parcelles identitaires plurielles suggérant, par extension, une nouvelle « définition » de l’individuThe aim of this thesis is to study the profile of two archetypal ancient heroines, Antigone and Medea, under a gender perspective, based on a corpus of twelve performances including a choreographic score (or entirely choreographed), presented between 1993 and 2015 in France, Greece and/or the United Kingdom.Evaluating the gender features related (without being limited) to the profile of those emblematic heroines in each production revealed that gender does not only study stereotypes and discriminations against women and confirmed that they are not the only ones affected by gender inequalities since biological sex is only one of the parameters causing these inequalities. A chronological path uncovers the other parameters taken into account in gender research thus allowing to follow the traces of its evolution and to understand how creators (choreographers and stage directors) illustrate the changes that occur and how these changes are reflected in their work. The major axes of research, namely sex, social class and ethnicity are not mutually exclusive; on the contrary they intertwine, overlap and articulate becoming intrinsic to each other (inseparable) therefore suggesting intersectionality within gender. Associating the notion of intersectionality to gender enables the study of identities in a non-segmented way. By choosing dance as a support material, by drawing examples from ancient tragedy and by taking under consideration the complexity of Antigone and Medea’s personalities/identities whilst understanding their multidimensionality to further explore their dynamics.Consequently, the analysis of dance performances - in France, Greece and the United Kingdom - illustrates the intertwinement of gender relations with other power relations (and vice versa) and underlines the changes that occur in the choreography per se on one hand and in the staging of emblematic figures such as Antigone and Medea on the other. Emphasis is placed on promoting their singularity and respecting their composite personality combining identity fragments alluding by extension to a new "definition" of the individual
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Ruel, Robins Marianne. "Les chrétiens et la danse dans la France moderne : XVIe-XXVIIIe siècle". Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010560.
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Tout au long de l'époque moderne, la question des danses soulève d'importantes controverses dans le royaume de France. Ce travail analyse les fondements religieux, sociaux et culturels de ce débat, et considère dans un premier temps ses antécédents médiévaux. Au XVIe siècle, la question des danses devient un terrain d'affrontement confessionnel au cours duquel se mettent en place les critères identitaires de la communauté reformée. Les diverses perspectives sur les danses correspondent en outre, aux XVIIe et XVIIIe siècles, à des visions antithétiques du corps. À une tradition courtoise pour laquelle le corps dansant est le plus sur indice de bonne naissance ou de bonne éducation s'oppose un discours pour lequel le corps n'est qu'un signe trompeur, et qui voile plus qu'il ne décrit la nature du sujet. Dans le même temps, la ségrégation progressive des traditions chorégraphiques des élites et du peuple permet de réprimer de manière sélective cette activité. Lorsqu'elles s'en prennent aux danses populaires, les autorités ecclésiastiques et royales invoquent l'ordre social et moral : en tant que mouvement de foule, la danse engendre la violence ; en tant que point de rencontre entre hommes et femmes, elle mène à toutes sortes de dérèglements sexuels. À cette vision répressive qui insiste sur la ségrégation des groupes sociaux et des sexes répond une pratique populaire des danses que rien ne semble pouvoir enrayer. C'est que la danse remplit pour le peuple des fonctions essentielles : elle reproduit le groupe social rituellement et de facto ; elle célèbre l'unité de la communauté et réconcilie les vivants et les morts ; elle témoigne d'une familiarité avec Dieu que les autorités lisent volontiers comme une forme d'irrévérence. Lorsqu'elle parvient enfin à convaincre les fidèles de la nature profane des danses, l'église se prive d'un des rituels les plus riches de son histoireDancing generated some important political and religious debates in the early modern France. This work analyzes those debates, beginning with their precedents in medieval sermons and in the danse macabre. During the sixteenth century, the quarrel became confessional in nature, as the rejection of dancing became a means to define the protestant community. Over the next two centuries, that confessional dimension of the debate intersected with complex social and cultural trajectories. Differing attitudes toward dance often reflected contrary understandings of the body. For the courtly tradition, the body offered the best means to literally incorporate signs of high birth and proper education and training. For many religious authorities, the body was a veil rather than a telling sign. While the debates about courtly or elite dancing raged, a movement to repress popular dancing swept across the kingdom. Authorities of both church and state argued that dancing was contrary to social and moral order. It was an occasion for unruly social gatherings, and therefore violence, as well as an occasion for sexual encounters, and therefore promiscuity. The repressive measures directed against dancing did not however succeed in ridding the French of their ingrained habits. Dancing continued to function as a ritual that reflected, enhanced and projected visions of the social order within rural communities. As a form of courtship, it also aided the social body in its need to reproduce itself. Finally, dancing as religious ritual expressed an inclusive understanding of the realms of the living and the dead, and a familiarity with god and the saints that opponents of dance read as irreverence. Indeed, it was on the latter front, the attempt to convince its flock that dancing was irreverent and inappropriate for worship, that the church was perhaps most successful. And that very success deprived the church from one its most significant religious rituals
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Seyral, Frédérique. "Nouvelles fluidités dans l'art vidéo et la danse : contribution à une esthétique modale". Bordeaux 3, 2008. http://www.theses.fr/2008BOR30066.
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A l'image de la forme mouvante du Kata oriental où la manière et l'acte prédominent sur la forme close, certaines oeuvres privilégient le processus et la multiplicité des niveaux de réalité. Ces oeuvres vont à l'encontre du sentiment unitaire, uniforme et consensuel des images produites en grande masse par nos sociétés contemporaines. Dans cet univers du tout visible où l'accession aux biens de consommation rêvés est un nouvel objectif de vie, l'artiste interroge de plu en plus les fux eux-mêmes, questionnant tout autant leur surprenante rapidité, que les fluxions, épachements, stases et autre troubles de la circulation dont ils sont l'objet afin de modifier leur façon de capter et de restituer le monde et de revisiter les principes mêmes de la création. Ces approches fluidiques relayent une certaine pensée philosophique et scientifique, une pensée de la fluence qui voit, dans le mobilisme universel, dans les désirs, les agencements, la mobilité des affects, dans l'analyse des connexions et des conditions énergétiques, une critique de la substance et de la forme et nous amène à penser une esthétique qui serait à envisager en termes de modalité, d'intensité et de potentiel. A travers certains artistes, vidéastes ou chorégraphes, qui travaillent le fluctuant, l'aléatoire, le contingent, la mobilité ds points de vue, la forme en devenir, nous essaierons d'élaborer une topologie des flux en partant des essences vagues et fluentes, puis d'une cartographie nomade et intensive des flux, et enfin, en nous interrogeant sur la dimension temporelle des fluxIn the image of the changing form of Oriental Kata, where the way and the act prevail over the closed form, certain works privilege process and a multiplicity of levels of reality. These works go against the unitary, uniform and consensual sentiment of images that are mass-produced by our contemporary societies. In this all-visible universe, where access to dreamed-of consumer goods is a new life objective, the artist increasingly interrogates the flow themselves, questioning as much their amazing speed as the fluctuations, effusions, stasis and other circulation troubles that affect them, in order to modify their ways of capturing and restoring the world, and to revisit the principles of creation themselves. These fluid approaches relay a particular conception of philosophy and Science, a conception of fluidity that sees, in universal mobility, in desires, orderings, mobility of affects, in the analysis of connections and energy conditions, a critique of the substance and the form and lead us to conceptualise an aesthetic that would be envisioned in terms of modality, intensity and potential. Though the example of some artists, videographers and choreographers working with fluidity, randomness, the incidental, a mobility of viewpoints, and the form in process, we will try to elaborate a topology of flows starting with vague and fluid essences, then with a nomadic and intensive cartography of flows, and finally, by examining the temporal dimensions of flows
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Delavaud-Roux, Marie-Hélène. "Recherches sur la danse dans l'Antiquité grecque (VIIe-IVe s. Av. J. C. )". Aix-Marseille 1, 1991. http://www.theses.fr/1991AIX10019.
Texto completoResumen
Etude technique et historique de trois aspects de la danse en grece antique durant les periodes archaique et classique : danses guerrieres, danses pacifiques, danses dionysiaques. Ces trois types de danse sont abordes en utilisant la methode suivante : pratique de divers types de danse, comme la danse classique, la danse moderne, la danse folklorique et la danse de caractere, aux fins de comparaisons avec les danses grecques antiques ; etude minutieuse de l'iconographie des danses grecques antiques, en reprenant le principe de base mis en evidence par maurice emmanuel, suivant lequel les peintres de l'antiquite etaient aptes a saisir la decomposition d'un mouvement et a mettre cette connaissance en application ; dans l'esprit des travaux de germaine prudhommeau, nous avons procede a des experiences de reconstitutions au moyen de la technique cinematographique, mais ces experiences nous ont montre que la reconstitution de danses disparue s'avere difficule et relative ; etude des danses grecques antiques dans leur contexte historique, au moyen de la confrontation entre l'iconographie et les sources ecritesTechnical and historical study of three aspects of the dance in ancient greece, during archaic and classic periods : war-dances, pacific dances, dionysiac dances. Those three types of dance are approached with the fellowing method : practice of various types of dance, classical ballet, modern dance, folkoric dance, character dance, to compare with antic greek dances ; detailed study of iconography about greek antic dances, according to maurice emmanuel's basic principle, that the greek painters were be able to understand the decomposition of movment and to use that science ; according to germaine prudhommeau's work, we have made experiences of reconstitution with the technic of movies ; but those experiences show us that the reconstitution of missing dance is very difficult and relative ; restitution of dances in their historical context with comparison between iconography and ancient greek texts
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Dione, Abdoulaye. "Le Voyage atlantique et la traite des Noirs dans la littérature ouest-africaine anglophone du Nigeria et du Ghana". Cergy-Pontoise, 2009. http://www.theses.fr/2009CERG0464.
Texto completoResumen
Si peu d’auteurs se sont penchés sur cet épisode historique fondamental en Afrique, ceux qui l’ont fait, brisant une sorte de tabou sans précédent, comptent parmi les plus grands écrivains de la littérature africaine en général et de la littérature anglaise en particulier : Wole Soyinka, Nigérian et premier Prix Nobel africain de littérature en 1986, Christina Ama Ata Aidoo, romancière et dramaturge ghanéenne, Ayi Kwei Armah romancier ghanéen tout comme Yaw M. Boateng et comme l’avait fait au XVIIIème siècle Olaudah Equiano (alias Gustavus Vassa), nigérian et précurseur dans ce domaine. On peut même inclure Chinua Achebe parmi ces écrivains majeurs de langue anglaise même si le thème fondamental de son œuvre n’est pas la traite. Ces écrivains ont tous pratiquement développé dans leurs œuvres des thématiques liées à l’esclavage et à la traite atlantiques et ils ont analysé cette réalité comme un traumatisme (auquel doit s’opposer l’écriture) et une crise de civilisation (pas un accident de l’histoire désormais dépassé) qui nous interroge. Ce travail analyse les approches littéraires du thème de l’esclavage et plus particulièrement la reconstitution du crime originel : la trahison des Africains par leurs propres concitoyensThe theme of the Atlantic Slave Trade, a prolific one in European literatures, has scarcely been dealt with in African fiction. This paradox calls for an explanation. If few writers have felt it fit to explore this fundamental historical episode, those who did do so, have violated an unprecedented taboo. These writers, who rank amongst the greatest ones in African literature, include such as prominent literary figures as Nigerian writer Wole Soyinka who was the first African writer to be awarded a Nobel Prize for Literature in 1986, Ghanaian novel-writer and playwright Ama Ata Aidoo and her fellow-countrymen Ayi Kwei Armah and Yaw M. Boateng – or even Chinua Achebe in his novel Things Fall Apart. They echo the writings of 18th century writer Olaudah Equiano (also known as Gustavus Vassa), their forerunner from Nigeria… These writers have all focused their works on themes linked to the Atlantic slave trade and they have analyzed this reality as a trauma which writing must heal and a crisis of civilization that still has echoes in our modern culture, rather than a remote accident of history. This work traces the literary approaches to the theme of slavery, more specifically the metaphoric re-enactment of the original crime: the betrayal of African by their own countrymen