Artículos de revistas sobre el tema "Théorie de la création littéraire"

Si l’importance des éditions François Maspero dans les champs politique et intellectuel a été bien démontrée par de nombreux travaux récents, son apport aux mutations survenues dans les politiques de la littérature autour de Mai 68 mérite d’être mis en lumière. Nous soumettons l’hypothèse que l’action de François Maspero en amont et en aval de 68 participe à une politisation du champ littéraire par l’articulation complexe entre théorie politique et création littéraire que l’on peut observer dans l’ensemble de son catalogue. Nous nous intéressons ici à quatre acceptions de la littérature qui circulent chez Maspero et qui incarnent les différentes facettes d’une inscription conflictuelle de la littérature dans l’espace social représentative de 68. Nous portons d’abord notre attention sur les préfaces que signe Jean-Paul Sartre de deux livres publiés par Maspero : Aden Arabie de Paul Nizan et Les damnés de la terre de Frantz Fanon. Nous analysons ensuite une série d’articles de Georges Perec qui paraît au début des années 1960 dans la revue Partisans. La troisième acception que nous observons est perceptible dans les collections consacrées à la création littéraire chez Maspero, notamment à la poésie en traduction. Finalement, notre analyse porte sur la collection « Théorie » dirigée par Louis Althusser et la réflexion qu’elle déploie sur les tensions entre art et idéologie. L’examen de ces quatre déclinaisons du littéraire montre que Maspero constitue le lieu privilégié d’une prise en charge de paroles subalternes provenant du Tiers-Monde, d’une critique virulente des prescriptions esthétiques du PCF et d’un éloignement des principes de la littérature engagée. Il annonce donc des transformations importantes de 1968 et les pérennise au fil des années 1970.

À partir de la mimésis d'appropriation ouvrant sur la remise en question de l'orthodoxie canonique liée à la séparation dualiste extérieur / intérieur et métalangage / langage objet, on aboutit à une critique postmoderne métissée ouverte aux expériences discursives. Celles-ci ouvrent la critique littéraire 1) à la présence biographique qui n'est plus pulsion subjective dans le contexte savant pseudo-objectif propre à la modernité, mais métissage en prise sur l'impossibilité d'échapper à la lutte entre croyances et herméneutiques butant sur le processus victimaire et le génocide ; 2) à la post-théorie comme travail entre discours spécialisés et discours public, ce qui mène au déplacement des paradigmes en un dynamisme fondé sur la présence de la différence des tiers et sur une sémiosis ouverte ; 3) au franchissement des limites et à une interpénétration théorie / pratique, critique / création aboutissant à des textes où le plaisir se joint à la scientificité et à la possibilité de donner place à d'autres voix.

Dans cet article, je me pose la question de l’emploi du concept de vérité par la critique littéraire et je me concentre sur la théorie : « pas de vérité en littérature », élaborée par Peter Lamarque et Stein Haughom Olsen. Je tâche de développer et d’approfondir certaines critiques de leurs thèses et arguments, afin d’en proposer une évaluation d’ensemble. Je conclus que le problème principal avec Lamarque et Olsen est qu’ils veulent exclure toute considération de vérité en littérature — endossant ainsi une conception de la création littéraire plus ou moins expressiviste — tout en sauvegardant la reconnaissance de la vérité de nos croyances concernant une série de notions de ce qui est d’intérêt humain et des valeurs universelles non formelles. Leur approche risque ainsi de sombrer dans l’incohérence.

Cet article essaie de délimiter socialement et textuellement la production littéraire d’Ahmadou Kourouma dans le champ littéraire africain francophone en suivant la théorie de Bourdieu. La première partie de l’article analyse socialement l’œuvre de Kourouma d’après les critères suivants: perméabilité des frontières, lectorat, autonomie économique, monde de l’édition et instances de légitimation. L’analyse délimite également la place de l’auteur et de sa production d’après les spécificités sociales du champ littéraire africain francophone. La deuxième partie de l’article étudie l’appartenance de la création littéraire de Kourouma dans le champ d’un point de vue textuel en considérant les paramètres de la tradition orale, de l’insécurité et de l’altérité.

Au contraire de la théorie littéraire, la théorie pragmatique considère que le contexte ne précède pas le discours, mais l'accompagne; qu'il est en fait construit ou reconstruit dans et par l'acte de communication. Une analyse pragmatique de Trou de mémoire d'Hubert Aquin et du Nez qui voque de Réjean Ducharme permet de montrer l'interdépendance des présupposés du lecteur et des conventions textuelles dans la création d'un contexte à la fois social et littéraire pour la lecture des textes. Dans ces romans de la Révolution tranquille, le conflit entre le présupposé d'un idéal de la cohérence et une réalité ressentie comme incohérente (incohérence qui caractérise tant le texte que le monde fictif) contribue à révéler la situation coloniale du Québec et à créer un nouveau contexte favorisant l'émergence d'une identité cohérente et authentique.

Résumé L'auteur commence par montrer l'importance de l'œuvre de Lucien Goldmann pour situer le phénomène de la création artistique à l'intérieur de la totalité des comportements humains. Il souligne l'originalité des hypothèses goldmanniennes quant au rôle et à la fonction de l'œuvre littéraire comme élément actif pour la constitution d'une conscience collective. Dans un deuxième temps l'auteur illustre la pertinence du structuralisme génétique par une analyse schématique de l'œuvre du romancier québécois Roger Lemelin. Enfin il montre comment les travaux d'une autre sociologie de la littérature (celle de Robert Escarpit) développée à partir de recherches sur la production, la diffusion et la consommation du livre rejoignent ceux de Lucien Goldmann dans l'élaboration d'une théorie dynamique et globale de la littérature.

Dans le cadre d’un doctorat en études littéraires (recherche-création) à l’Université Laval, l’auteur de l’article documente et analyse des ateliers somatiques d’écriture qu’il anime depuis 2015. Il questionne ce que l’expression corporelle apporte à la pratique de la création littéraire. Durant un atelier, des écrivain⸱e⸱s exécutent des exercices de respiration, du yoga et des automassages Do-In ; chacun⸱e explore par le mouvement son anatomie osseuse et charnelle, se déplace dans l’espace avec les yeux fermés, puis iel commence à écrire. Aux automnes 2018 et 2019 Mattia Scarpulla a été chargé du cours « Écritures nomades » pour étudiant⸱e⸱s de premier cycle. Certaines séances débutaient avec de la méditation et du yoga assis. Ensuite, il proposait des exercices d’écriture automatique. Ces activités étaient un préambule au travail théorique et créatif sur le thème du voyage, et permettaient aux étudiant⸱e⸱s de lever leurs inhibitions. Il leur demandait aussi d’observer leurs compositions, de les commenter. Les étudiant⸱e⸱s identifiaient des « erreurs » dans leurs textes en prose et dans leurs poèmes. Pourtant, pendant la conversation, ces « erreurs » se révélaient être des possibilités créatives. L’article retrace cette expérience didactique pour questionner une rencontre des pratiques corporelle et écrite entraînant un regard critique, mettant en doute les conventions de production du texte, encourageant les étudiant⸱e⸱s à expérimenter plus librement la création littéraire.

Il n’est d’aucune utilité de préciser que la panoplie des œuvres produites par J.M.G. Le Clézio, représente une fragmentation chaotique qui est la résultante d’une conglomération d’expériences faites de rencontres, d’exil, et de communion avec des peuples dominés, exploités, abandonnés et brutalisés. Le contexte de la mobilité favorise l’émergence des tensions qui créent des terreaux fertiles pour les écrivains nomades à participer à l’éclosion de nouvelles esthétiques narratives influencées par des expériences personnelles. C’est à juste titre que Philippe Lejeune déclare : « Pour qu’il y ait autobiographie, […] il faut qu’il y ait identité de l’auteur, du narrateur et du personnage » (Lejeune 1996 : 15). Cet article s’intéresse à l’isolation des nouvelles valeurs identitaires qui sont crées grâce à l’écriture migrante. Aussi, il examine les dynamiques contradictoires et complémentaires, au regard des théories abondantes sur la mobilité et l’écriture développées, entre autres, par Patrick Imbert, Fonkoua Romuald-Blaise, Helene Cixous et Alain Mabanckou.

Cet article présente les différentes étapes de mes explorations transdisciplinaires, nées du besoin de créer des liens, de multiplier les occasions de rencontres entre les disciplines, entre les êtres qui les incarnent. La première partie est consacrée à la géopoétique, théorie-pratique qui cherche à créer un « nouveau territoire » dans lequel se croisent les sciences, les arts et la littérature. Il s’agit autrement dit d’un champ transdisciplinaire, où la recherche et la création sont conçues comme les deux volets essentiels d’une démarche sensible et intellectuelle visant à intensifier le rapport au monde. La transdisciplinarité est ici définie comme lieu de rencontre au-delà de toute discipline, mais aussi au-delà du cadre universitaire dans la mesure où chercheur·euse·s et artistes travaillent ensemble, créant ainsi des ponts entre l’université et la communauté. La deuxième partie tente de situer l’approche géopoétique du texte littéraire par rapport aux autres approches critiques explorant les liens entre littérature et géographie, soit la géocritique, la géographie littéraire et la cartographie littéraire. Enfin, la troisième partie présente l’approche botanique de la littérature mise au point récemment par le groupe de recherche « L’imaginaire botanique », une approche s’inscrivant au croisement de la géopoétique et de l’écocritique et accordant une large place à la botanique, à la géographie et à la philosophie. Une approche qui se présentait au départ sous l’angle de l’interdisciplinarité mais qui a fini par prendre elle aussi une envergure transdisciplinaire.

Cet article se penche sur le projet fondateur de la revue Études françaises et l’esprit qui en a marqué les premières décennies en montrant, en premier lieu, comment la création de celle-ci s’inscrit dans une transformation marquée de l’Université de Montréal, qui impose le primat de la recherche et des divisions disciplinaires. Études françaises se distingue cependant en tentant une conciliation entre le discours savant et la création littéraire, qui s’inscrit dans la foulée de la « nouvelle critique », développe une herméneutique de la confiance et résiste à l’emballement théorique, comme le montre une comparaison avec Études littéraires.

Joyce McDougall a eu l’originalité d’intégrer la notion de créativité dans son corpus théorique psychanalytique. Elle a aussi pensé la cure psychanalytique comme une possibilité de libérer l’expression artistique des patients. Sa conception est ici déployée et discutée, à l’aide des propositions d’autres analystes intéressés par le processus de la création. Elle est aussi éclairée et nuancée par les expériences et propos de quelques écrivains.

À partir de quel appareillage théorique appréhender l’écriture migrante ? Pour répondre à une telle question, cette contribution analyse, à partir de quatre romans, l’écriture migrante africaine subsaharienne. Elle propose, comme appui conceptuel et théorique, le réaménagement de la notion anthropologique d’ethnoscape introduite par Arjun Appadurai (Après le colonialisme. Les conséquences culturelles de la globalisation, Paris, Payot, 2001 [1996]) en ethnoscopie littéraire. Sous cet angle, l’écriture migrante dépasse le phénomène de la présence d’écrivains africains en d’autres sphères géographiques ; l’opérationnalité typologique de l’ethnoscopie littéraire amène à prendre en compte les facteurs endogènes et exogènes de cette littérature spécifique. Compte tenu de la légitimation qui s’opère en périphérie et de l’élargissement du lectorat au monde, l’écriture migrante de l’Afrique subsaharienne est située, à l’heure de la mondialisation, dans l’entre-deux de la création, avec une modification tant du paradigme des catégories narratives que celui de la représentation elle-même, inscrite dans le mobile, le liquide.

RÉSUMÉ À l’aide d’une revue de littérature, nous expliquons les motivations qui ont entraîné la création de la théorie de l’espérance d’utilité. Nous montrons que le passage de cette théorie du rôle d’outil normatif à celui de problème de recherche fondamentale est la conséquence de l’arrivée de nombreux tests encore non expliqués. Par la suite nous discutons de la pertinence de considérer la procédure employée par le décideur comme étant le point important à la base des modèles.

La prise en compte de la traduction littéraire comme création pose d’emblée l’immémoriale question du littéralisme, qui oppose sourciers et ciblistes. Quand on traduit une oeuvre littéraire, le théorème de dichotomie met en évidence le choix à opérer entre la spécificité ethnoculturelle (et linguistique) du texte original et l’esthétique littéraire qui est la sienne, et au sein de laquelle le rythme est un aspect parmi d’autres. Or il apparaît que l’accent mis trop souvent sur le décalage interculturel est plus ou moins surdéterminé par des impensés idéologiques. Mais la créativité littéraire de la traduction est un enjeu esthétique, et non pas idéologique. Cela dit, l’idée même de créativité est tendanciellement aporétique – et ce, alors qu’elle est concrètement à l’oeuvre dans les traductions de haut niveau.

Sylva (1961) fait partie des romans de l’œuvre de l’écrivain français Vercors consacrés à la mise en fiction de la frontière homme-animal. Théorisée dans son essai La sédition humaine (1949), cette limite ontologique soulève des questions multiples, auxquelles l’auteur essayera de répondre par la création littéraire. Dans Sylva, Vercors met en scène la métamorphose d’une renarde en femme. Il s’agira dans cet article d’analyser la représentation littéraire de ce processus et d’étudier dans quelle mesure un tel changement permet de nuancer ou contredire la pensée vercorienne au sujet de la barrière entre la bête et l’être humain.

L a légende d'Orphée a eu un retentissement particulier dans la musique et dans la pensée musicale des temps modernes. Grâce à la transmission de la légende à travers la littérature et la théorie de la musique du Moyen Âge, le personnage d'Orphée se présente, surtout pendant le XVe, le XVIe et le XVIIe siècle, comme allégorie de la musique à laquelle se réfère aussi bien la musique que la théorie de la musique. Pour la théorie de la musique, la légende d'Orphée s'inscrit dans la tradition de la doctrine des effectus musices. Dans ce cadre, la légende, de même que tous les mythes antiques se référant aux effets de la musique, a une double fonction au début des temps modernes. La première est de livrer des exemples attestant la théorie. Ces exemples subissent un examen critique qui va de la réfutation des faits racontés jusqu'à leur interprétation au moyen de forces naturelles. La deuxième fonction est de fournir des points de repère pour la conception de la réalité musicale de l'époque. Cette fonction concerne le public des milieux de la vie musicale de la Renaissance et du début du XVIIe siècle et elle se manifeste plutôt dans l'historiographie galante que dans la théorie de la musique . proprement dite. Pour la création musicale, le personnage d'Orphée représente d'un côté l'allégorie de la force de l'homme, et de l'autre, à travers la dramatisation de la légende, la force de la musique et plus spécialement du chant — champ d'expression par excellence de l'opéra naissant. «A partir du XVIIIe siècle, avec la naissance de l'acoustique moderne, la référence aux légendes de l'Antiquité disparaît de la théorie de la musique. Par contre, dans la création musicale, la légende d'Orphée continue de susciter l'intérêt des compositeurs jusqu' à la fin du XXe siècle. Néanmoins, la place des premières œuvres musicales inspirées par cette légende au début des temps modernes reste unique dans l'histoire de la musique, parce que ces œuvres s'inscrivent dans une époque pour laquelle la référence aux légendes musicales de l'Antiquité constituait un lieu de convergence de la théorie de la musique, de la création musicale et de la conception que les contemporains eux-mêmes se formaient de la réalité musicale de leur temps.

COMPTE RENDUCe petit livre réunit plusieurs points de vue contenus dans la littérature sur les relations ethniques et la gérontologie sociale pour examiner le vieillissement parmi les groupes ethniques importants au Canada. Plus particulièrement, les auteurs démontrent comment la théorie d'assimilation et la théorie de modernisation du vieillissement peuvent être utiles dans la création d'une typologie qu'ils qualifient de type “eth-elder”. Quoique les auteurs se soient basés sur une fraction de la littérature canadienne pertinente, ils réussissent néanmoins à poser les fondations qui donneront naissance à plusieurs hypothèses utiles sur lesquelles les chercheurs au Canada et aux Etats-Unis pourront se baser pour mener de futures enquêtes de recherches. En plus d'être agréable et facile à lire, ce petit livre serait aussi très utile aux étudiants qui suivent des cours de gérontologie sociale au Canada.

Résumé L’on voudrait que la traduction soit considérée comme une création ; or toutes les traductions ne sont pas créatives. Dans quelle mesure et en quoi y a-t-il création en traduction ? Les approches cognitives permettent de faire la lumière sur l’élaboration du sens et de la forme en traduction, et de préciser la notion de créativité. Des modèles sont issus des théories et des études empiriques sur la question. Nous chercherons à les discuter à la lumière des résultats de nos propres observations. Nous proposons un modèle de la créativité qui intègre la compréhension et la réécriture : une double hélice traversée par cinq axes (formel, sémantique, référentiel, narratif et traductologique) pour rendre compte des différents niveaux sur lesquels s’exerce la créativité. Le cas particulier de la traduction littéraire sera aussi discuté. Finalement, nous dégagerons quelques critères de la créativité.

Que désigne le concept d’intermédialité et quelle est sa vertu heuristique pour la théorie? En procédant à un petit essai d’« ego-histoire », cet article propose différentes réponses à cette question. Une chose frappe d’abord : si l’intermédialité a souvent été une idéologie d’artiste nécessaire à la création (voir Eisenstein), elle ne joue presque aucun rôle dans la première sémiologie du cinéma et dans la narratologie littéraire. Elle est « une question non questionnée », comme aurait dit Bachelard. La première vertu heuristique du concept est celle de la narratologie comparée, qui consiste à faire varier en extension et en compréhension des concepts peu ou prou universels. Elle procède par allers-retours entre mediums. Ces résultats restent fragiles tant qu’ils n’ont pas été confrontés à l’épreuve de la mise en contexte médiatique. En s’appuyant sur les exemples du début du cinéma et du succès mondial d’émissions du type Big Brother, on montre que le concept d’intermédialité n’a d’efficacité réelle que lorsqu’il établit des passerelles entre des médias différents pour mieux construire une relation intelligible entre des causes et des effets.

Cet article propose une première approche théorique du « stade de l’écriture » menée à partir de l’analyse d’Orion aveugle de Claude Simon (1970). Elle s’appuie sur le dessin initial de la « main écrivant » et sur l’énonciation éditoriale que l’auteur révèle au fil de son ouvrage en répondant au titre de la collection, « Les sentiers de la création » (Skira). En quoi ce geste de monstration des conditions de production de l’écriture littéraire et éditoriale nous permet-il de définir les premiers éléments théoriques du « stade de l’écriture » ? Une seconde phase de l’analyse reprendra ces acquis d’un point de vue phénoménologique afin de proposer, dans un autre article, une perspective théorique du « stade de l’écriture » considéré dans le cadre d’une anthropologie communicationnelle. Comment peut-on envisager de définir les conditions de possibilité de l’écriture ?

Cet article cherche à explorer ce que le dialogisme bakhtinien pourrait signifier pour la poétique de la traduction littéraire. À partir de la théorie du discours de Bakhtine, il est argumenté que la traduction relève d’un processus de création dialogique qui est décrit comme l’incorporation, dans le « créé » de la forme du texte traduit, du « donné » d’un matériau à traduire qui relève de la fondamentale non-équivalence du discours d’autrui. Au binarisme différentiel des formes supposées « équivalentes » d’un « texte source » et d’un « texte cible » se substitue ainsi une poétique inclusive qui considère le texte « original » comme un texte non traduit et le texte traduit comme un original dont la forme nouvellement créée incorpore le matériau à traduire du discours d’autrui. Laretraduction, qui plus est, est une double prise de position dialogique, vis-à-vis d’un « donné » qui comprend le matériau à traduire, mais aussi les formes par lesquelles les premières traductions ont dialogiquement incorporé ce matériau. À partir d’analyses du dialogisme des retraductions anglaises deL’Étrangerde Camus (Kaplansky 2004) et deNanade Zola (Brownlie 2006) et de la retraduction française d’Ulyssesde Joyce (Hoepffner 2011), il est montré comment la retraduction redéfinit et intensifie les intersections dialogiques entre textes, langues et cultures. Bref, les retraductions étudiées ne sont guère, comme le voudrait laretranslation hypothesis, plus « sourcières », mais plus ouvertement dialogiques, c’est-à-dire à-la-fois-sourcières-et-ciblistes, que les premières traductions.

Le concept de Smart City est régulièrement associé à une ambition de création de valeur multi-dimensionnelle. Plusieurs auteurs proposent de l’étudier du point de vue de la théorie de la valeur publique. Toutefois, peu de travaux adressent directement la question de l’influence des pratiques de gouvernance dans le processus de création de valeur publique. Nous proposons de remédier à ce manque en nous centrant sur les politiques publiques de Villes et de Territoires Intelligents (VTI). Après un état des lieux de la littérature relative aux relations entre Smart City , gouvernance et valeur publique, nous élaborons un cadre d’analyse qui s’efforce d’appréhender, pour chaque action et activité composant les politiques VTI, le mode dominant de gouvernance entre proactivité et ouverture, ainsi que le(s) type(s) de valeur publique créé(s). Les six « mécanismes générateurs de valeur » décrits par Harrison et al. (2012), efficience, efficacité, améliorations intrinsèques, transparence, participation et collaboration, sont positionnés en tant que variable médiatrice. Nous réalisons alors une étude qualitative longitudinale exploratoire sur deux collectivités locales françaises. Nos résultats permettent de préciser le rôle de la gouvernance locale dans le processus de création de valeur publique dans la mise en œuvre des politiques VTI. Nous mettons en évidence la contribution de la gouvernance proactive à la création des cinq premiers types de valeur publique identifiés par Harrison et al. (2012) : économique, politique, sociale, stratégique et qualité de vie. La gouvernance ouverte contribue également à ces types de valeur publique, mais surtout aux deux derniers : idéologique et intendance. Toutefois, sa mise en pratique reste principalement limitée par des facteurs techniques et organisationnels, ainsi que par de fortes tensions sur les ressources, qui rendent difficile de mener conjointement la double dynamique de proactivité et d’ouverture. Nous identifions ainsi un risque de ne pas voir se réaliser la promesse associée au concept de Smart City de renouvellement de la relation des autorités publiques avec leur environnement de légitimité et de soutien, et donc de ne rester que sur des dynamiques partielles de création de valeur publique.

Le concept de Smart City est régulièrement associé à une ambition de création de valeur multi-dimensionnelle. Plusieurs auteurs proposent de l’étudier du point de vue de la théorie de la valeur publique. Toutefois, peu de travaux adressent directement la question de l’influence des pratiques de gouvernance dans le processus de création de valeur publique. Nous proposons de remédier à ce manque en nous centrant sur les politiques publiques de Villes et de Territoires Intelligents (VTI). Après un état des lieux de la littérature relative aux relations entre Smart City , gouvernance et valeur publique, nous élaborons un cadre d’analyse qui s’efforce d’appréhender, pour chaque action et activité composant les politiques VTI, le mode dominant de gouvernance entre proactivité et ouverture, ainsi que le(s) type(s) de valeur publique créé(s). Les six « mécanismes générateurs de valeur » décrits par Harrison et al . (2012), efficience, efficacité, améliorations intrinsèques, transparence, participation et collaboration, sont positionnés en tant que variable médiatrice. Nous réalisons alors une étude qualitative longitudinale exploratoire sur deux collectivités locales françaises. Nos résultats permettent de préciser le rôle de la gouvernance locale dans le processus de création de valeur publique dans la mise en œuvre des politiques VTI. Nous mettons en évidence la contribution de la gouvernance proactive à la création des cinq premiers types de valeur publique identifiés par Harrison et al . (2012) : économique, politique, sociale, stratégique et qualité de vie. La gouvernance ouverte contribue également à ces types de valeur publique, mais surtout aux deux derniers : idéologique et intendance. Toutefois, sa mise en pratique reste principalement limitée par des facteurs techniques et organisationnels, ainsi que par de fortes tensions sur les ressources, qui rendent difficile de mener conjointement la double dynamique de proactivité et d’ouverture. Nous identifions ainsi un risque de ne pas voir se réaliser la promesse associée au concept de Smart City de renouvellement de la relation des autorités publiques avec leur environnement de légitimité et de soutien, et donc de ne rester que sur des dynamiques partielles de création de valeur publique.

Unissant le théorique et le souvenir, cet article relie la pensée de Gilles Marcotte à des traits de sa personnalité. Il met en évidence les qualités d’un professeur qui va directement aux mots et enseigne à « lire vraiment un texte » ; l’originalité d’un critique pour qui l’écrivain voit le monde sous l’angle dynamique de la lecture ; l’acuité d’un homme de culture qui inscrit toujours la création littéraire, celle des autres autant que la sienne, dans une durée de laquelle elle est traversée mais à laquelle elle donne sens ; la passion d’un lecteur boulimique pour des oeuvres qu’il aime avec une empathie mêlée d’exigence ; la rigueur bienveillante du directeur de thèse ; l’art d’une conversation qui ne néglige jamais l’humour. Il souligne ensuite son apport décisif à la sociocritique, son aval à la reconnaissance de « L’École de Montréal » et son appui à la fondation du CRIST (Centre de recherche interuniversitaire de sociocritique des textes).

La réflexion suivante propose de changer de perspective sur les questions littéraires en réexaminant la question de l'ontologie de la littérature basée sur la matérialité du texte (ses arrangements techniques, médiatiques et éditoriaux). L'identification du phénomène de la littérature, une question persistante dans le domaine littéraire à travers les âges (jusqu'à la littérature numérique), soulève des interrogations sur la réalité de plusieurs catégories (lisible, visible, audible) et des systèmes d'antinomie (fond/forme, matière/sens), ouvrant ainsi la voie à une discussion beaucoup plus large sur la matière dans le monde. En étudiant diverses approches intellectuelles qui examinent les porosités entre le média et l'inscription (les théories des études médiatiques et le nouveau matérialisme) ainsi que plusieurs créations qui mettent en valeur la dimension médiatique du texte (tel que la Physiologie du mariage de Balzac, Un Coup de dés jamais n'abolira le hasard de Mallarmé et Nox de Carson), l'article cherche à décomposer l'essence du phénomène de la littérature en une diversité d'acteurs et une multitude de pratiques plastiques.

Artemisia Gentileschi n'est pas seulement une artiste femme reconnue parmi les plus grands peintres du dix-septième siècle, mais aussi le personnage récurrent d'œuvres littéraires et cinématographique de femmes auteures françaises contemporaines (Agnès Merlet, Alexandra Lapierre, Catherine Weinzaepflen, Michèle Desbordes). Ces fictions de l'art poursuivent un questionnement théorique du « gender » dans l'écriture et le cinéma, infléchissant la manière de mettre en récit une vie de femme artiste d'exception. En faire l'analyse permet de comprendre comment cette figure se joue, déjoue ou tombe dans le piège des stéréotypes identitaires, mais aussi de penser la création au féminin à la croisée d'une recherche transdisciplinaire en littérature, histoire de l'art et théories féministes. Le comparatisme ici engagé permet de dégager certains mythes, mais aussi une valeur anthropologique de la création féminine, dont l'indice dans les textes est la servante qui accompagne l'artiste. Car cette servante témoigne d'une culture du labeur, d'un savoir-faire et d'un mode d'existence domestique, qui met en abyme l'activité artistique féminine et ses propres procédures de création.

La langue est un système symbolique qui contient des éléments appelé les mots. C’est-à-dire, un mot est aussi un symbole, parce que tous les deux sont présents dans une autre forme. Les mots sont arrangés de sorte qu’ils forment un texte. Dans les œuvres littéraires, le texte fonctionne comme élément de la création. Elles se composent de la poésie, de la prose, et du drame. Le drame est une performance qui contient des dialogues effectués entre les acteurs. Dans cette recherche, le drame Caligula a été choisi comme objet matériel. Caligula est l'un des chefs-d'œuvres le plus connu d’Albert Camus. Écrit en 1938, cette œuvre de Camus est bien connue dans le cadre de la trilogie 'Cycle de l’absurde' avec les romans Le Mythe de Sisyphe et L’Etranger. Ce drame est présenté dans la forme absurde avec beaucoup de bagages significatifs. C’est pour cette raison-là qu’un bon outil est nécessaire pour découvrir et analyser tous ces symboles. Cet outil s’appelle l’approche herméneutique. Dans ce cas-là, c’est la théorie herméneutique de Paul Ricœur qui est utilisée comme objet formel pour révéler les sens absurdes dans le drame de Camus. La technique de la collecte de données utilisée est celle de bibliographique complétée par la méthode de la littérature. Tandis que la technique de l’analyse des données utilisée est celle de l’analyse des contenus, en appliquant la méthode descriptive analytique. Pour conclure, la chercheuse a trouvé que la métaphore et les symboles avaient décrit une histoire émotionnelle à travers les caractères et les personna ges du drame Caligula.

Linguist Ofelia Garcia proposes the term ‘translanguaging’ to refer to a ‘dynamic bilingualism’ that ‘is centred, not on languages as has often been the case, but on the practices of bilinguals that are readily observable in order to make sense of their multilingual worlds’. In this article, I examine Kim Thúy’s practice of translanguaging in her 2013 text Mãn. In this text, Francophone Vietnamese writer Thúy blends French and Vietnamese to create a dynamic, plurilingual idiom. I focus on three narrative strategies that Thúy develops: her bilingual inscriptions in the margins of each page, her frequent citations of Vietnamese with no accompanying translation and her creation of words and expressions that meld the two languages to create plurilingual neologisms. Taken together, these strategies move her text beyond the blending of two discreet languages to the invention of a new form of communicating subjectivity in transit. La linguiste Ofelia Garcia propose le terme ‘translanguaging’ pour représenter un ‘bilinguisme dynamique’ qui est ‘basé non sur les langues, ce qui est souvent le cas pour les théories du bilinguisme, mais sur les pratiques observés chez les individus bilingues pour donner du sens à leur monde multilingue’. Dans cet article, nous analysons la pratique de ‘translanguaging’ de Kim Thúy dans son texte Mãn (2013). Dans ce texte, Thúy, écrivain vietnamien d’expression française, mélange le français et le vietnamien pour créer un langage dynamique et plurilingue. Nous nous concentrons sur trois de ses stratégies littéraires: les inscriptions bilingues dans les marges de chaque page, les citations fréquentes du vietnamien sans traduction, et la création de nouveaux mots et expressions qui mélangent les deux langues pour inventer des néologismes plurilingues. Ensemble, ces stratégies forment un texte littéraire qui n’est pas fondé sur la combinaison de deux langues discrètes mais qui invente une nouvelle forme de subjectivité en mouvement.

L’actualité de l'article proposé est déterminée par le fait que l'un des aspects importants de l'étude de la littérature nationale à travers le prisme de la théorie du genre est la représentation artistique de la femme en tant que sujet de création culturelle et porteuse d'un ensemble complexe d'idées culturelles. La nouveauté scientifique de la recherche présentée réside dans le fait qu'elle tente d'envisager les signes de réussite du genre à travers le prisme des concepts culturels retrouvés dans les oeuvres d'art de la fin du XXe et du début du XXIe siècle. Par conséquent, le but de l'article est de présenter le concept culturel de «femme qui réussit», qui est réalisé à l'aide de certaines dominantes culturelles, telles que «l'argent», la «beauté» et le «glamour». La méthodologie de la recherche de ce concept consiste dans le fait que le concept de «femme qui réussit» est considéré comme une formation mentale et verbale multidimensionnelle, qui contient au moins trois composantes: conceptuelle, figurative et corporelle-symbolique, dont chacune est étudiée à l'aide de l'analyse linguistique et culturelle et de l'interprétation conceptuelle. L'examen des principales dominantes culturelles de la conscience ethnique ukrainienne a démontré que le champ associatif du concept de «succès/réussite» contient les éléments suivants: carrière, popularité, beauté, argent, amour, glamour. Le succès des femmes basé sur le matériel de la prose en langue ukrainienne de la fin du XXe – début du XXIe siècle s'accompagne et se précise toujours dans l'espace conceptuel de ces concepts dont chacun est conditionné par une conscience mythologique, archétypale, mondaine et sociale. Au sein de ces concepts, on observe l'identification de composantes sémantiques communes et l'axiologie de nature subjective et collective.

Littérature amérindienne du Québec. Écrits de langue française,, Maurizio Gatti, (Préface de Robert Lalonde)., Montréal : Hurtubise HMH, 2004, 271 p.Les études littéraires portant sur les écrits amérindiens, en langues amérindiennes et en anglais, constituent depuis maintenant quelques années un champ intellectuel construit et créatif, animé principalement au Canada par les universités du Manitoba et de la Saskatchewan. Emma LaRocque et Thomas King œuvrent notamment depuis une trentaine d'années à rassembler, découvrir, faire connaître et traduire la littérature amérindienne et ses auteurs. Cette littérature s'est d'abord constituée comme une littérature de combat, un travail de décolonisation et de réappropriation (“ reinventing the ennemy's language ”, dira justement LaRocque à propos du passage des langues amérindiennes à l'anglais dans l'histoire de cette littérature), mais aussi comme un travail thérapeutique et comme le témoignage d'une expérience non documentée dans les livres d'histoire officielle. Cette littérature, devenue fiction, poésie, théâtre, humour, travail herméneutique, est maintenant, du moins dans le monde anglo-saxon, le fer de lance de ce qu'il n'est pas exagéré d'appeler la renaissance de la culture amérindienne. Ce corpus effervescent est donc d'un intérêt particulier pour les lecteurs de pensée et de théorie politiques, pour les artisans des cultural studies, pour les canadianistes et, pourquoi pas, pour les résidents de l'Amérique en général.

Dans le cadre d’une recherche indépendante, à partir de sources oubliées de la littérature psychiatrique classique, nous étudierons comment la psychiatrie a construit son identité par une réflexion sur des entités cliniques nouvellement créées. Elles ont découlé de l’élaboration de nouvelles classifications, qui sont toujours des travaux enracinées dans leur époque et dans les modèles théoriques dominants. D’où vient le fait que le terme de psychose est devenu à lui seul un pan entier de la psychiatrie, dans la diversité de ses expressions symptomatiques et des pathologies variées qui s’y rattachent ? Nos ainés y ont-ils découvert un nouvel état de l’esprit humain ? Comment y ont-ils reconnu une parenté, un processus psychique qui nécessitait la création d’un nouveau mot où viendront se cristalliser les troubles psychotiques ? Nous verrons comment Ernst von Feuchtersleben (1806–1849), personnage haut en couleur, probablement en avance sur son temps, et cela avant la théorie de la Dégénérescence, a repris le terme préexistant de psychose (forgé en 1841 par Canstatt), et a construit une nouvelle espèce de maladie mentale distincte d’une part de l’idiotie, et du délire fixe de l’autre. Le romantisme s’y retrouve probablement par sa manière d’exprimer son intuition de clinicien, en tant que médecin, et d’exposer son programme clinique à l’époque où la psychiatrie, qui s’appelait plus volontiers aliénisme ou « médecine psychique », n’en était qu’à ses débuts. Son œuvre médicale, par la précision de son propos, nous confronte avec un regard qui peut paraître étonnamment moderne, comme un tronc commun des divers courants ultérieurs dépouillé des idéologies plus récentes. Elle nous apprend autant sur la rigueur éthique d’une profession balbutiante que sur la marque, indélébile mais aujourd’hui oubliée, qu’il imprima sur toute la psychiatrie.

"Comme Barthes qui pensait que la littérature devait céder la place à l’auto-écriture de tous, je pense que tout le monde devrait faire la même chose : raconter sa vie. Connais-toi toi-même. Mets-toi en forme. Mets-toi en ordre". Dustan, Guillaume (1999). Nicolas Pages (p. 400). Balland. Guillaume Dustan et sa particulière vision de la littérature (« en littérature, soit c’est soi, soit c’est du bidon », Dustan, 1999, p. 384) me permettent de commencer cette Ouverture du troisième numéro de la revue HYBRIDA. Revue scientifique sur les hybridations culturelles et les identités migrantes dont le Dossier central est intitulé SIDA/S – 40 ans. Pour suivre les conseils de Dustan, je vais raconter (un peu) ma vie : en 1994, étant ce que l’on appelle « jeune chercheur », j’ai présenté un projet sur « sida et littérature » qui m’aurait permis d’obtenir une bourse aboutissant à une thèse doctorale. Je n’ai pas eu la bourse et j’ai dû changer de sujet pour candidater à nouveau l’année suivante. J’ai finalement obtenu cette bourse, ce qui m’a permis de commencer ma « carrière » universitaire en 1996. Le fait est que, même si je me suis centré sur le corps dans le discours artistico-littéraire d’avant-garde, notamment dans le théâtre (« panique »), je n’ai jamais quitté ce premier projet et me suis toujours intéressé aux écritures liées à l’expérience de la maladie, et plus concrètement aux « récits de sida », surtout d’écrivains homosexuels ayant pour la plupart disparu à cause de l’épidémie. Le souvenir du congrès Sida y cultura (Sida et culture) à l’Université de Valence en 1997, organisé, il y a 25 ans, par Ana Monleón et Ahmed Haderbache, restera donc toujours comme un moment important dans ma mémoire affective et académique. Je leur serai toujours reconnaissant de m’avoir permis de publier mon premier article de recherche intitulé « Escribir en el apremio » (« Écrire dans l’urgence »). Malheureusement, ce « modeste » volume, qui a même été exposé au Musée d’Art Moderne de Valence (IVAM), n’a pas eu une large diffusion. C’est donc un privilège de pouvoir le rééditer comme Annexe à ce numéro d’HYBRIDA. Nous avons respecté l’édition originale de 1997, même si elle ne répond pas aux normes éditoriales de la revue ni aux critères actuels de « qualité » concernant les publications scientifiques. Le volume est composé d’un bel ensemble de dix-neuf contributions de personnes venues de générations, de formations et d’horizons différents, ce qui a permis une réelle circulation des savoirs et un échange intéressant entre l’activisme et l’Université. Certains d’entre eux nous ont quittés, prématurément. La mort nous surprend toujours. Voici donc toute ma reconnaissance (nunc et semper) à la Professeure de littérature française Elena Real, ma directrice de thèse, qui s’était spécialisée, entre autres, dans l’autobiographie contemporaine, concrètement dans l’écriture des femmes et les thématiques du corps et de la séduction ; et au journaliste et historien de la déportation homosexuelle Jean Le Bitoux, figure emblématique du militantisme en France et fondateur historique, avec d’autres intellectuels et activistes comme Frank Arnal (décédé à 42 ans en 1993) et Jean Stern, du magazine Le Gai Pied dont le premier numéro de 1979 contenait un article de Michel Foucault qui aurait suggéré le nom. Le magazine a été une grande fenêtre ouverte à la liberté d’expression et à l’activisme homosexuel jusqu’à sa disparition en 1992. Il comptait sur la collaboration habituelle d’intellectuel·le·s et d’auteur·e·s comme Jean-Paul Aron, Renaud Camus, Copi, Guy Hocquenghem, Nathalie Magnan, Hugo Marsan ou Yves Navarre, pour n’en citer que quelques-un·e·s. Même Jean-Paul Sartre lui a accordé une interview en 1980. Mais revenons à Sida y Cultura pour ajouter que les approches ont été riches et variées, aussi bien sociologiques que culturelles, sous une perspective historique (en comparant le sida avec d’autres maladies antérieures), du point de vue de l’analyse du discours sur le sida ou de l’analyse concrète d’œuvres et d’auteurs touchés par le sida comme Cyril Collard (mort en 1993 à 35 ans), Copi (mort en 1987 à 48 ans), Pascal de Duve (mort en 1993 à 29 ans), et bien évidemment Hervé Guibert (mort en 1991 à 36 ans). Nous avons eu la chance également de compter sur la collaboration de Juan Vicente Aliaga, critique d’art espagnol réputé, spécialiste en études de genre et LGBT, qui avait publié quelques années auparavant (1993), aux côtés de José Miguel G. Cortés, le premier essai fait en Espagne sur l’art et le sida intitulé De amor y rabia (D’amour et de rage) qui reste un référent important dans ce domaine. Concernant la coordination du Dossier central SIDA/S – 40 ANS, je tiens à remercier sincèrement Didier Lestrade, journaliste, écrivain et militant reconnu, fondateur d’Act Up-Paris, ainsi que du magazine Têtu, possédant une longue trajectoire et une importante production intellectuelle sur l’activisme LGBT. Ses trois derniers essais portent les titres suggestifs de : Minorités. L’essentiel (2014), Le Journal du Sida. Chroniques 1994-2013 (2015), « mon dernier livre sur le sida », affirme-t-il ; et I love Porn (2021), excellent essai qui reprend la forme du témoignage pour retracer une histoire particulière de la sexualité à partir des années 1970 par l’intermédiaire de la pornographie comme instrument politique de contestation. Je remercie également de tout cœur Ahmed Haderbache, traducteur de Guillaume Dustan en espagnol et grand spécialiste de son œuvre, d’avoir accepté de coordonner ce Dossier qui nous a paru nécessaire pour réactiver la mémoire d’une maladie et d’une production artistico-littéraire qui semble lointaine, voire révolue, surtout pour les jeunes générations, mais qui prend toute sa signification dans le contexte pandémique actuel. Ce Dossier, qui débute par un bel Avant-propos de Didier Lestrade intitulé « Sida : une épidémie presque oubliée » et par une Introduction d’Ahmed Haderbache, est composé de sept articles. Il part du fait sociologique et politique pour aborder la production littéraire, en passant par l’analyse filmique et théâtrale. Thierry Schaffauser s’intéresse aux personnes invisibles, voire oubliées, pour nous proposer une pertinente étude sur l’histoire des mobilisations des travailleuses du sexe contre le VIH en France et au Royaume-Uni ; Romain Chareyron fait une riche analyse des images du sida dans le film 120 battements par minute (2017) ; Henry F. Vásquez Sáenz aborde avec précision la pièce Une visite inopportune (1988), ce qui lui permet de restituer et de resituer la figure du dramaturge franco-argentin Copi en tant qu’auteur subversif et engagé, pionnier du théâtre autobiographique lié au sida. Les deux articles suivants, de Daniel Fliege et de l’écrivaine Ariane Bessette respectivement, proposent d’intéressantes analyses littéraires d’œuvres « autobiographiques » d’auteurs « controversés » car défenseurs des rapports sexuels non protégés ou barebacking : Guillaume Dustan (mort en 2005 à 39 ans) et Érik Rémès. Puisque HYBRIDA s’intéresse particulièrement aux contextes francophones ou comparés, nous avons créé une petite section à la fin du Dossier intitulée Autres regards afin de publier deux articles spécialement attirants. Le premier, écrit par Thibault Boulvain dont la thèse doctorale a été publiée en 2021 sous le titre L’art en sida 1981-1997, aborde les dernières années d’Andy Warhol (décédé en 1987) sous la perspective du sida ; le dernier, proposé par Caroline Benedetto, se penche sur les journaux intimes de l’artiste pluridisciplinaire américain David Wojnarowicz (mort en 1992 à 37 ans), en soulignant les influences françaises. Dans la section Mosaïque, où nous publions des études sur les hybridations culturelles et les identités migrantes qui ne correspondent pas à la thématique centrale du Dossier, nous publions trois articles. José Manuel Sánchez Diosdado analyse profondément les récits coloniaux des voyageuses françaises de la première moitié du XXe siècle qui se sont inspirées du Maroc. Feyrouz Soltani aborde le roman Verre Cassé de l’écrivain franco-congolais Alain Mabanckou pour y déceler les traces du métissage linguistique et culturel et, enfin, Rolph Roderick Koumba et Ama Brigitte Kouakou nous présentent la langue française comme instrument positif dans la construction de l’altérité à travers l’analyse des œuvres de l’écrivaine franco-sénégalaise Fatou Diome et de l’écrivaine franco-camerounaise Léonora Miano. La section Traces de la revue HYBRIDA est consacrée à la création littéraire et s’éloigne volontairement de l’esprit d’évaluation en double aveugle, bien que les soumissions soient strictement analysées et révisées par le comité éditorial. Dans ce numéro 3, nous publions quatre textes aussi différents qu’intéressants. Leurs auteur·e·s se sont inspiré·e·s de la thématique du Dossier central autour du sida. Nous avons l’honneur de publier un court récit de l’écrivaine québécoise Catherine Mavrikakis intitulé « Évitons de respirer l’air du temps » qui nous met en alerte par rapport aux préjugés qui perdurent de nos jours concernant le sida. Nous voudrions rappeler au passage que, partant de la pensée de Michel Foucault sur la santé et l’organisation sociale, ses recherches sur les écrits du sida, ainsi que sur les notions de contamination, d’aveu et de souffrance, sont d’une grande importance pour la thématique qui nous occupe. Nous ne pouvons que rester admiratifs face à sa double facette de professeure universitaire et d’écrivaine ; et souligner la force de ses romans « autofictionnels » dont Ce qui restera (2017), L’annexe (2019) et L’absente de tous bouquets (2020), pour n’en citer que les derniers. Ensuite, nous avons deux « témoignages » sincères et touchants. Le premier, intitulé Les spectres d’ACT UP, nous propose un parcours émotionnel et académique autour de l’expérience du sida. Son auteur, David Caron, Professeur à l’Université du Michigan, a fait une importante recherche dans le domaine des études LGBT et concrètement sur le VIH. Il s’est intéressé également aux études sur l’holocauste. Parmi ses dernières publications, nous trouvons The Nearness of Others. Searching for Tact and Contact in the Age of HIV (2014) et Marais gay, Marais juif. Pour une théorie queer de la communauté (2015). Le court et intense « témoignage » de Lydia Vázquez Jimémez (écrit en espagnol) intitulé « Filou, te fuiste demasiado pronto » (« Filou, tu es parti trop tôt ») nous montre la difficulté de l’aveu et de s’exprimer par rapport au sida, en nous dévoilant son expérience intime et douloureuse face au deuil dû à la perte de l’être aimé. Au-delà de sa brillante carrière universitaire en tant que spécialiste dans l’étude de l’érotisme et de la sexualité (notamment au XVIIIe siècle), avec une focalisation particulière sur les femmes et le collectif LGBT, je ne voudrais pas négliger sa facette de traductrice en espagnol de l’œuvre d’auteur·e·s admiré·e·s comme Abdellah Taïa, Annie Ernaux, Jean-Baptiste del Amo, Gabrielle Wittkop ou Fatima Daas, entre autres. En tant qu’auteure, j’aimerais signaler son livre illustré Journal intime (2019). Pour clore cette section de création littéraire et dans le but d’encourager l’écriture des jeunes écrivain·e·s, nous publions en espagnol la pièce inédite de Javier Sanz intitulée Reset. Volver a empezar (Reset. Repartir à zéro). Avec une fraîcheur et une franchise touchantes, la pièce aborde, en 2021, la problématique de l’incommunicabilité et de la difficulté à établir des relations amoureuses sincères, ainsi que la découverte de la séropositivité. Je suis persuadé que ce numéro d’HYBRIDA, 25 ans après Sida et Culture, marquera notre trajectoire en tant que revue universitaire. Il ne me reste qu’à remercier très sincèrement notre excellente équipe d’évaluation qui se nourrit et se diversifie à une grande vitesse grâce aux apports de spécialistes du monde entier. Et un sincère merci à José Luis Iniesta, Directeur Artistique de la revue, pour son investissement et son savoir-faire ; sans lui rien ne serait possible… Je vous propose un prochain rendez-vous pour fin juin 2022 pour le numéro 4 d’HYBRIDA. Salus in periculis

En faisant un retour sur une démarche de création littéraire avec l’Association des auteures et des auteurs de l’Ontario français (AAOF) en milieu carcéral et ouvert au Québec, nous discutons comment la création littéraire peut offrir, bien que modestement, un espace d’expression et de reconquête de soi pour les personnes incarcérées.

Résumé L'effet sur la volatilité du prix au comptant de la création d'un marché à terme est ambigu, comme l'indique la littérature théorique et empirique sur ce sujet. Nous montrons ici que cet effet peut dépendre crucialement de la nature des imperfections financières qui affectent les investisseurs, et empêchent que cer­tains d'entre eux prennent la position spéculative qu'ils désirent lorsqu'il n'y a pas de marché à terme.