Tesis sobre el tema "Sculpture – XXe siècle"
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Varia, Radu. "Brancusi : une recherche du spirituel dans l'art du XXe siècle". Paris, EHESS, 1989. http://www.theses.fr/1989EHES0335.
Texto completoResumen
Constantin brancusi, le plus grand sculpteur des temps modernes, est ne au centre meme de l'espace carpato-danubien : cet environnement, depositaire des plus anciennes civilisations d'europe, predispose tout naturellement a une intelligence vivante des valeurs de la conscience archaique. Celle-ci, toujours vehiculee par des formes originelles, primaires, est indifferente au temps, se maintient contemporaine de sa propre eternite. Chaque fois qu'un genie fait que la structure archaique emerge a travers l'oeuvre qui la ressuscite et la revivifie, cette oeuvre elle-meme devient contemporaine des origines. Brancusi devait, justement, retrouver la meme monumentalite, la meme vocation de duree, la meme purete irradiante des formes premieres qui caracterisent aussi la sculpture et l'architecture sacrees de l'egypte ancienne. Egyptien dans la forme, hindou dans sa recherche spirituelle (son livre de chevet sera le jetsun kahbum, contenant l'enseignement du moine tibetain du onzieme siecle, milarepa), brancusi laissera aussi transparaitre dans son art toute l'ampleur de son inspiration celtique. Cette etude, s'appuyant sur des documents reveles souvent pour la premiere fois, se propose d'analyser et d'eclairer, dans cette multiple perspective, le cheminement spirituel de l'oeuvre de brancusi, consideree dans ses aspects formel, mystique et mathematiqueConstantin brancusi, the greatest sculptor of modern times, was born at the very centre of the landspace between the carpathian mountains and the danube. A repository of europe's most ancient civilisations, this is an environment particularly conducive to vivid awareness of the values of the archaic consciousness, perpetuated through primary, primeval forms, unmodified by time, remaining contemporaneous with its own eternity. Each time a genius brings out the archaic structure in a work that resuscitates and revitalises it, the work itself becomes contemporaneous with its origins. Brancusi would recreate the monumentality, the same urge for lastigness, the same radiant purity of primary forms that characterised the sacred sculpture and architecture of ancient egypt. Egyptian in its form, hinu its spiritual quest (the sculptor's favorite reading was the jetsun kahbum, with its teachings of the elventh century tibetan monk milarepa), brancusi's art also exudes the full force of its celtic inspiration. This study, based largely on documents which are revealed here for the first time, seeks to analyse and clarify these various aspects of the spiritual approach in brancusi's work, considered from the formal, mystical and mathematical angles
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Le, Follic-Hadida Stéphanie. "L'oiseau dans la sculpture du XXe siècle : animal, emblème, vol, envol et apesanteur". Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010672.
Texto completoResumen
L'oiseau est-il une création du XXe siècle ? Il est facile de répondre par la négative tant son empreinte est forte dans toutes les civilisations du monde. Pourtant, seul le XXe siècle choisit ainsi de l'isoler de son contexte de vie anecdotique, de le doter d'attributs, non plus seulement allégoriques, mais moraux, non plus seulement religieux ou politiques, mais lai͏̈ques et humains, humains et sacrés. Si la sculpture des premières décennies du XXe siècle met en évidence une scission entre une sculpture de la raison et une sculpture de la situation, il nous paraît logique d'inscrire l'oiseau dans cette seconde catégorie. Cet oiseau-là résulte, en effet, de l'histoire socio-politique du monde, faite et subie par les hommes. Il lui doit ses beautés (couleurs, chant et essor) et sa misère tant physique que psychologique. L'oiseau incarnait la liberté; le Xxe siècle la lui a imposée: libre d'aimer ou de consacrer l'amour, libre de tuer, libre de mourir. La liberté est un joug dont l'homme moderne a goûté l'âpre parfum. Cet oiseau-là n'existait pas avant l'avènement du XXe siècle. L'oiseau devait désormais pénétrer l'intériorité humaine. L'oiseau aurait été un buvard, une éponge, un reflet des ressentis humains du siècle, le "fantôme particulier" de l'homme, son double créé, sa métaphore privilégiée. L'oiseau créé, tout à la fois, porte-étendart de ses rêves et garde-fou de ses pulsions criminelles, aurait aidé l'homme à atténuer la vigueur de ses chocs passionnels au cours du siècle. L'oiseau serait devenu l"'avatar de l'artiste qui se soumet à cette figure comme s'il s'agissait d'un surmoi en réduction", écrit encore Werner Spies au sujet de Max Ernst et de son double, Loplop.
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Rionnet, Florence. "Le rôle de la Maison Barbedienne (1834-1954) dans la diffusion de la sculpture aux XIXe et XXe siècles : considérations sur les bronzes d’édition et l’histoire du goût". Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040092.
Texto completoResumen
La Maison Barbedienne, fondée en 1834, fut l’une des plus importantes entreprises de bronzes d’art en France au XIXe siècle. Le fondateur de la Maison, Ferdinand Barbedienne (1810-1892), s’associa dès 1838 à Achille Collas (1795-1859) - l’inventeur du procédé de réduction mécanique des statues - et sut donner une extension considérable à la production des petits bronzes d’édition. Son succès reposa en grande partie sur sa politique et sa stratégie commerciales. Son choix d’un répertoire « académique » proche du goût dominant répondait aux exigences d’une clientèle bourgeoise à la recherche de valeurs sûres. Il parvint ainsi à se démarquer de la concurrence et à s’octroyer la collaboration des artistes vivants les plus en vogue, tels Antonin Mercié ou Paul Dubois. Sa présence régulière aux Expositions universelles et les nombreuses récompenses qu’il y reçut favorisèrent l’extension de l’entreprise qui comptait plusieurs centaines d’ouvriers au début de la Troisième République. Cet Âge d’or prit fin au tournant du siècle lorsque la petite sculpture industrielle perdit peu à peu de son attrait face à l’émergence de nouvelles exigences d’« originalité » de la part de la clientèle et de contrôle de la part des sculpteurs. Gustave Leblanc-Barbedienne (1849-1945), neveu et successeur de Ferdinand, et son fils Jules (1882-1961) ne parvinrent pas, malgré leurs efforts, à donner une nouvelle impulsion à l’entreprise qui disparut en décembre 1954 victime de la morosité économique (suite à la crise de 1929 et à la Guerre) et surtout de la dépréciation générale pour le bronze d’art et pour les valeurs qu’il véhiculaitThe Maison Barbedienne was founded in 1834 and was one of the most important companies of art bronzes in the 19th century in France. As early as 1838, the founder of the company, Ferdinand Barbedienne (1810-1892), formed a partnership with Achille Collas (1795-1859) – the man who invented the process for the automatic reduction of statues. This enabled him to widely spread the production of small bronzes in series. His success resulted mostly from his policy and commercial strategy. His choice of an “academic” catalogue – close to the prevailing taste – fits the wishes of his middle class clients, who requested safe values. He managed to distinguish himself from the other founders by using fashionable living artists such as Antonin Mercié or Paul Dubois. His regular attendance at the Expositions Universelles and the numerous prizes that he won favoured the extension of the company which counted several hundred workers at the beginning of the Third Republic. This Golden Age ended at the turn of the century, when small-size industrial sculpture partly lost its appeal because clients began to request “originality”, and sculptors asked for more control. Gustave Leblanc-Barbedienne (1849-1945), Ferdinand’s nephew and successor, and his son Jules (1882-1961) failed to give a new impetus to the company in spite of their efforts. The company disappeared in December 1954, as a result of the depressed economic climate which followed the 1929 crisis and the 2nd World War and – above all – due to the general lack of appreciation of artistic bronzes and the values that they conveyed
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Monvoisin, Alain. "Analyse d'une procédure "in progress" à la lumière des modes de liaison utilisés dans quelques systèmes sculpturaux du XXe siècle, de l'objet au site". Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081316.
Texto completoResumen
Cette these est une these d'arts plastiques. Elle interroge un travail personnel faisant appel a differents media tels que la peinture, la sculpture, l'objet, la photographie, etc. . , et relevant d'une categorie le plus souvent appelee installation. Generiquement intitule le monde est tout ce qui arrive, premiere proposition du tractatus logico-philosophicus de ludwig wittgenstein, abrege en lmetcqa pour plus de commodite, ce travail s'etale sur plusieurs annees et prend la forme de ce qu'il convient de nommer "work in progress"; cependant la these proprement dite ne porte que sur une sequence de quelques mois prise dans ce continuum, sequence constituee de 10 etats. Le principe en est que chaque installation s'enrichit de la precedente par l'adjonction d'elements nouveaux en meme temps que certains autres se transmettent de l'une a la suivante en tenant des roles et des positions spatiales differentes. Les elements constitutifs proviennent de prelevements effectues dans le reel, ou d'oeuvres personnelles anterieures et convenablement recyclees. Le contenu de cette these analyse les modes de liaison techniques, conceptuels, linguistiques, etc. . , qui unissent les differents constituants des elements, les elements entre eux, ainsi que les etats installatifs entre eux, ce a la lumiere de quelques oeuvres representatives prises dans l'histoire de la sculpture occidentale du xxe siecle, plus precisement de celles ne faisant pas appel a la technique du blocThis thesis is on plastic arts. It questions a personal artistic work which uses different media (painting, sculpture, object, photography. . . ) and which belongs to the form of art most often called installation. Its generic title is le monde est tout ce qui arrive (named lmetcqa for short), referring to the first proposition of the tractatus logico-philosophicus of ludwig wittgenstein. This work has been going on for several years, taking the form of a "work in progress". However, the thesis itself is the study of a sequence lasting only a few months which is made up of 10 stages. The principle is that each installation grows richer than the precedent through the addition of new elements at the same time as some other elements transmit from one installation to the next, taking on different functions and spatial positions. The constitutive elements come from extracting operations out the real or from previous personal works which apply in the new context. This thesis analyses the technical, conceptual, linguistic bindind modes which link the different constituents of the elements, the elements in relation to one another as well as the installative stages (in relation to one another), taking inspiration from certain representative works of art selected from the history of 20th century western sculpture, and more particularly from those which were not conceived in a monolithic way
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Gleyze, Valentin. "Alina Szapocznikow à Paris (1963-1973) : une histoire culturelle du champ élargi de la sculpture en France au tournant des années 1960". Electronic Thesis or Diss., Rennes 2, 2023. http://www.theses.fr/2023REN20042.
Texto completoResumen
La dernière décennie de carrière de la sculptrice polonaise Alina Szapocznikow (1926-1973) à Paris constitue un cas d'étude particulièrement riche pour l'histoire de l'art. De fait, si la production de l'artiste entre son installation définitive dans la capitale française en 1963 et son décès en 1973 relève bien de la sculpture, elle en conteste les moyens traditionnels. Son recours au plastique, au moulage, aux objets readymades, sa dématérialisation croissante (en lien avec l'art conceptuel), son statut utilitaire (dans le cas d'objets de design) la pousse vers ce qu'on a pu nommer le << champ élargi » de cette catégorie, de façon très singulière. La thèse vise ainsi à ouvrir l'œuvre de Szapocznikow, à l'aune d'une histoire culturelle de ce champ élargi de la sculpture, qui la situe dans une histoire des matériaux, des expositions, de la critique d'art et du marché, en la faisant dialoguer avec d'autres artistes qui lui sont contemporain es. Notre étude est construite en deux moments, qui sont deux dépliages de la production de Szapocznikow à Paris. La première partie porte sur les expérimentations de Szapocznikow, et d'autres artistes, autour de l'objet utilitaire, dans le sillage de l'exposition « Antagonismes 2 - L'Objet » organisée en 1962 au musée des Arts décoratifs, qui provoque un débat essentiel à l'égard du rôle joué par les artistes dans l'invention des « formes utiles ». La seconde partie porte sur les dernières années de Szapocznikow, quand son expérience du cancer ravivant le traumatisme des camps de concentration aboutit à une mythologie individuelle qui sert une narration de soi comme corps se préparant à mourir de façon prochaineThe last decade of the Polish sculptor Alina Szapocznikow's (1926-1973) career in Paris is a particularly rich case study for art history. Indeed, while the artist's work between her establishment in the French capital in 1963 and her death in 1973 belonged to sculpture, she challenged its traditional means. Its use of plastic, moulding and readymade objects, its increasing dematerialisation (in connection with conceptual art) and its utilitarian status (in the case of design objects) pushes its towards what has been called the "expanded field" of this medium, in a very singular way. The thesis thus aims to open up Szapocznikow's work in the light of a cultural history of this expanded field of sculpture, situating it within a history of materials, exhibitions, art criticism and the market, and placing it in dialogue with other artists of its time. Our study is divided into two parts which are two unfoldings of Szapocznikow's production in Paris. The first part looks at Szapocznikow and other artists' experiments with the utilitarian object, in the wake of the 1962 exhibition "Antagonismes 2 – L'Objet" at the Musée des Arts Décoratifs, which sparked a vital debate about the role played by artists in inventing "useful forms”. The second part focuses on Szapocznikow's final years, when her experience of cancer reviving the trauma of the concentration camps results in an individual mythology that serves a narrative of the self as a body preparing for imminent death
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Autissier, Anne. "La sculpture romane en Bretagne, XIe-XIIe siècles". Poitiers, 2001. http://www.theses.fr/2001POIT5010.
Texto completoResumen
A travers l'étude du décor sulpté de cinquante-neuf édifices, réunis en monographies, se dévoilent les caractères originaux de la sculpture romane en Bretagne, réalisée essentiellement dans du granit. L'analyse des épannelages et de l'ornementation révèlent l'existence de trois courants artistiques répartis sur l'ensemble de la péninsule. Dès le milieu du Xie siècle et surtout dans les années 1075-1100, le style corinthien apparaît dans le décor des abbatiales bénédictines des côtes méridionales (Saint-Gildas-de-Rhuis, Sainte-Croix de Quimperlé, Saint-Guénolé de Landévennec). Les influences perceptibles dans ce groupe viennent des régions ligériennes et du maine. Au cours des premières décennies du XIIe siècle (1100-1130), un art géométrique lié à des techniques architecturales particulières se voit dans le centre (Langonnet, Priziac, Calan) et sur les côtes septentrionales (Treguier, Lanleff). En outre, cet art n'est pas seulement décoratif, des symbôles religieux (croix, crucifixion, orant) ainsi que quelques scènes historiées difficiles à analyser sont présents. Cette ornementation particulière soulève de nombreuses questions telles que l'existence d'une tradition de l'art du bois, d'influences celtes diffuses ou d'une résistance à l'art des marges orientales. Parallèlement, une sculpture figurative et historiée - certains édifices laissent apparaître des bribes de programme iconographique- influencée par la région du Bas-Poitou et de la Saintonge se développe essentiellement sur la frange orientale de la Bretagne jusqu'à la fin du XIIe siècle (Dinan, Malestroit, Pleurtuit, Guerande). Quelques monuments montrent également la fusion de plusieurs styles (Loctudy, Fouesnant). Par ailleurs, l'hétérogénéité de ces ensembles sculptés, dans lesquels il est extrêmement difficile d'établir des filiations, dessine une géographie artistique, liée à la frontière linguistique entre gallo et breton, qui n'est toutefois pas absolue.
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Kern, Pierre-Gilles. "Autour de la Ruche, les cités d’artistes à Paris (XIXe-XXe siècles)". Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040094.
Texto completoResumen
Cette thèse évoque le phénomène parisien du regroupement d’artistes au sein d’une centaine de cités depuis deux siècles. La première partie traite de l’origine de ce mouvement concernant tout d’abord les artistes officiels avec le Louvre, dès le règne d’Henri IV, puis la Sorbonne, l’Institut, des années 1800 à 1820 ; cette réalité s’étendit progressivement à des artistes plus modestes, installés à la fin du XIXe siècle dans des lieux tels la Cité Falguière, la Cité fleurie, la Villa des arts, le Bateau-Lavoir. La deuxième partie se concentre sur l’analyse d’une cité singulière mais représentative, la Ruche, de 1900 jusqu’à 1945 : sa création par le sculpteur Alfred Boucher qui ouvrit sa cité aux artistes de différentes disciplines, sans distinction sociale, intéressant rapidement des artistes étrangers, puis la traversée de la Grande Guerre et ses conséquences, notamment l’accueil de populations sinistrées qui devaient recomposer cette communauté, jusqu’à son affaiblissement. La troisième partie propose, de la période des années trente jusqu’à nos jours, l’étude des principales cités d’artistes créées, en particulier Montmartre aux artistes, la Cité internationale des arts, évoque la question des menaces pesant sur de nombreuses cités, ainsi que celle des nouvelles formes d’appropriation de lieux par les artistes ; est également retracée la nouvelle évolution de la Ruche dont la notoriété a incité un marchand d’art, à en créer une réplique active au JaponThis thesis treats the phenomenon of Parisian artist’s gathered in a hundred groups of private houses since two centuries. The first part deals with the origin of this movement concerning, at the beginning, official artists with “le Louvre”, since the reign of Henri IV, then “la Sorbonne”, in particular, from the years 1800 to 1820 ; this reality has been spreading out progressively at the less well-off artists, installed at the end of century XIXth in places like “la Cité Falguière”, “la Cité fleurie”, “la Villa des arts”, “le Bateau-Lavoir”. The second part concentrates on the analysis of the first years to 1945 of a special colony but representing the whole, “la Ruche” : its creator, the sculptor Alfred Boucher, opened indiscriminately the city in 1902 for painters, sculptors, musicians. . . Frenchmen as well as foreigners, then the period of the First World War, with its refugees, who modified this community up to its decline. The third part proposes, on the one hand, from the thirties up to today, the study of the principal new places, exp : “Montmartre aux artistes”, “la Cité internationale des arts”, the problem concerning groups of private houses demolitions, the actual ways of occupation ; on the other hand, the new development of “la Ruche”, which is well known and an art seller, made an active copy in Japan
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Derrot, Sophie. "Michel Liénard (1810-1870) : luxuriance et modestie de l'ornement au XIXe siècle". Paris, EPHE, 2014. http://www.theses.fr/2014EPHE4009.
Texto completoResumen
Le personnage de l'ornemaniste occupe une place primordiale mais rarement bien définie dans le processus de création du monde des arts décoratifs du XIXe siècle. Prenant place au coeur de la société de l'ornement, Michel Liénard (1810-1870) est l'un de ces artistes curieux de tout, engagés dans de nombreux chantiers et de multiples domaines, à la fois tournés vers le passé et constamment à la recherche de progrès et de nouveauté. Spécialiste du néo-Renaissance mais participant plus globalement du courant de l'éclectisme, Michel Liénard a collaboré avec les grands noms de l'époque et ses travaux regardent aussi bien l'orfèvrerie, avec François-Désiré Froment-Meurice ou le mobilier avec la maison Grohé, la sculpture religieuse monumentale (chapelle royale de Dreux) ou mobilière (église Sainte-Clotilde, orgues de Cavaillé-Coll), la décoration d'intérieur palais du quai d'Orsay) ou l'urbanisme haussmannien. Cette étude biographique s'accompagne d'un répertoire des artistes que croise Liénard au cours de sa carrière, ornemanistes, sculpteurs, architectes, chefs d'entreprise, souvent liés professionnellement et personnellementThe ornemanist occupies an essential but hardely well defined place in the creative processes of the decorative arts world of the ninteenth century. Michel Liénard (1810-1870) takes place in the heart of the society of ornament; he is one of these curious artists, involved in many decorative fields, both turned to past and contantely looking for progress and innovation. As a specialist of the néo-Renaissance style and ecclecticism in general, Michel Liénard collaborated with the great names of the time: the goldsmith François-Désiré Froment-Meurice as well as the furniture house of the Grohé brothers or the organ maker Aristide Cavaillé-Coll. His works are related to religious sculpture (royal chapel of Dreux, Sainte-Clotilde church in Paris), interior decoration (palace of the Ministry of Foreign Affaires in Paris) or Haussmann's renovation of the capital. This biographical study goes along with a repertory of the artists who Liénard sees during his carrier (ornamentists, sculptors, architects, company heads) and who are often related to one another by professional and personnal bounds
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Flammin, Anne. "La sculpture du VIe au Xe siècle entre Loire et Gironde". Poitiers, 1999. http://www.theses.fr/1999POIT5015.
Texto completo
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Vanderheyde, Catherine. "La sculpture architecturale méso byzantine empire du Xe au XIIIe siècle". Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010682.
Texto completoResumen
Le sujet de la thèse concerne l'étude de la sculpture architecturale méso byzantine conservée en Epire. Au total, 235 bas-reliefs - dont 76 inédits - dates des Xe-XIIIe siècles ont été rassemblés dans un catalogue. L'histoire des lieux de provenance de chacun des reliefs répertoriés est étudiée dans la première partie de la thèse. La deuxième partie traite des matériaux, des outils et des techniques utilisés par les sculpteurs. Une analyse du répertoire ornemental des reliefs est contenue dans la troisième partie. La recherche menée dans chacune des parties de la thèse met en évidence les caractéristiques essentielles de la sculpture architecturale méso byzantine conservée en Epire. Au-delà des découvertes purement archéologiques (ateliers de sculpteurs, diffusion des motifs,. . . ), cette étude témoigne d'un développement urbain en Epire à la période méso byzantine, avant la naissance du despotatThe subject of the thesis concerns the study of the middle-byzantine architectural sculpture of Epiros. All in all, 235 reliefs - of which 76 are unpublished - from the 10th to the 13th century are gathered in a catalogue. The history of the places from which the reliefs come has been studied in the first part of the thesis. The second part deals with the stones, the tools and the carving techniques used by the sculptor. The third part is a thorough study of the reliefs' patterns. These three parts of the thesis show the main characteristics of the mesobyzantine sculpture of Epiros. Beside the archaeological discoveries (sculptors' workshops, patterns' diffusion,. . . ). This study proves the existence of an urban development in epiros in the mesobyzantine period, before the birth of the despotate
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Gheerardyn, Claire. "La Statue dans la ville : littératures européennes, russes et américaines à la rencontre des monuments (XIXe - XXIe siècles)". Thesis, Strasbourg, 2015. http://www.theses.fr/2015STRAC021.
Texto completoResumen
Traversant un ample corpus textuel rédigé en de nombreuses langues, ce travail interroge les rapports peu explorés entre littérature et sculpture, à partir d’un objet, le monument, « fait social total » mêlant enjeux politiques, idéologiques, religieux et esthétiques. Dispositif autoritaire, le monument exerce une efficace pour dominer et transformer celui qui le rencontre. La littérature accompagne, s’approprie, contre au moyen de stratégies d’iconoclasme textuel, dévoie, et renouvelle les actes accomplis par les monuments : glorifier les héros, signifier l’histoire, édifier la société, répondre à la détresse. Dans l’épreuve du réel, le monument se montre pourtant incapable de tenir ces promesses exorbitantes. La littérature l’en délie et l’allège via l’ouverture d’une finitude et d’une compassion. Le monument est réinventé jusqu’à devenir le lieu d’une nouvelle magie ou d’un élan vers le sacré. La littérature rend ainsi un dispositif monosémique à un pluriel des significationsBringing together a broad corpus of texts written in many different languages, this dissertation explores the intersections between literature and sculpture. The starting point is the monument, an object that stands as a “social total fact”, condensing politics, ideologies, religion and aesthetics. Literature can help monuments to alter their beholders, to glorify heroes, to signify history, to build up and edify society, or to respond to distress. More often, it appropriates, subverts or debunks those acts via strategies of “textual iconoclasm”, proving that monuments cannot withstand the test of reality and fail to keep their promises. Literature aims therefore at renewing monuments, making them lighter by opening them to compassion and finitude. Thus recreated, statues in cities can point the beholders towards the sacred, or accommodate magic. Literature manages so to reinvent a polysemy around devices designed to hold an authority, and that were supposed to reinforce a monosemy
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Bertoni, Cren Nadia. "La sculpture sur bois polychrome des XIe et XIIe siècles en Bourgogne". Thesis, Dijon, 2013. http://www.theses.fr/2013DIJOL030/document.
Texto completoResumen
Le corpus de sculptures romanes en bois de la région de Bourgogne est réuni pour la première fois dans un catalogue, complété par une documentation photographique et bibliographique. Les vingt-cinq sculptures répertoriées sont étudiées du point de vue stylistique, iconographique, technique. Au XIIe siècle, une véritable école de sculpture en bois monastique semble se déployer dans les limites du duché de Bourgogne, à l’origine d’une grande variété d’apports formels et techniques. Les sculptures les plus représentatives pour la compréhension des nombreux apports sont étudiées dans le détail. Leurs relations stylistiques avec les manuscrits de la renaissance carolingienne, la sculpture ottonienne et la sculpture monumentale contemporaine en pierre sont indiquées par l’analyse des caractéristiques internes qui distinguent les différents langages formels. La description iconographique montre la dénotation précise avec laquelle le sujet sacré est figuré. Les procédés techniques de création sont comparés par l’examen direct des sculptures, et par la récolte des données disponibles. Pour plusieurs œuvres, de nouvelles datations sont proposées ; des sculptures inédites et des artistes précis sont mis en lumière. Les apports de la sculpture sur bois de la région auvergnate sont précisés. La tradition des reliques insérées dans les sculptures est vérifiée par rapport au rôle plus ou moins significatif qu’elle peut avoir dans l’élaboration de la forme. Un chapitre est consacré à la méthodologie de l’étude de la polychromie des sculptures en bois. Les conservateurs-restaurateurs sont investis d’un rôle crucial dans la collecte scientifique des données qui témoignent de l’histoire des techniques artistiques. Des propositions pour améliorer les procédures d’examen et de documentation sont avancéesFor the first time, the corpus of Roman wood sculptures from Burgundy is gathered together in a catalogue, with added photographic documents and bibliography. The twenty-five sculptures are listed and studied from a stylistic, iconographic and technical point of view. In the XIIth century, an actual school of monastic wood sculpture seemed to develop within the boundaries of the duchy of Burgundy, bringing a great diversity as far as formal and technical contributions are concerned. The sculptures that are the most representative to help the understanding of those numerous contributions are thoroughly studied. Their stylistic relationships with manuscripts dating back from the Carolingian Renaissance, with the Ottonian sculpture and the contemporary monumental stone sculpture, are pointed out with the analysis of internal characteristics, setting apart different formal languages. The iconographic description shows the specific denotation used in the representation of the holy character. The technical processes of creation are compared through the direct examination of the sculptures and through the collection of usable information. For several pieces, a new dating was suggested; new sculptures and specific artists are brought to notice.The contributions of the wood sculpture from the Auvergne region are specified. The tradition of inserting relics into sculptures is put in relation to the relatively important influence it can have on the building of the shape. One chapter is dedicated to the methodology in the study of wood sculptures’ polychromes. The conservators-restorers play a crucial part in the act of scientifically collecting information attesting the evolution of artistic techniques. Some suggestions are put forward to improve the processes of examination and the collecting of information
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Gatineau-Helbronner, Evelyne. "Catalogue raisonné des sculptures du XIXe siècle (1800-1914) des musées de Bordeaux". Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040235.
Texto completoResumen
La vision de la collection bordelaise apparaît kaléi͏̈doscopique. Même après l'achèvement du Musée en 1881, les sculptures ont été souvent déplacées. Cet art statuaire ne sera redécouvert qu'à partir des années 1970. La collection s'est toutefois constituée de manière logique à travers les dépôts de l'Etat, les achats réalisés grâce aux sociétés artistiques locales, les dons et legs ou le mécénat municipal. Parmi les artistes figurent quelques sculpteurs locaux. Nombre de bordelais ont œuvré dans d'autres genres : sculpture ornemaniste, art religieux ou funéraire. A leurs côtés, se trouvent des noms illustres : Dalou, Carpeaux, ou Rodin. Les collections du musée renferment les maquettes de monuments publics, dont les projets d'aménagement de la place des Quinconces. De l'inspiration antique à l'art décoratif, en passant par les scènes de genre et la sculpture animalière, du néo-clacissisme au réalisme pittoresque, l'ensemble regroupe les genres et les styles exprimés au XIXe siècleThe vision of the collection of Bordeaux seems kaleidoscopic. Even after the completion of the Museum in 1881, the sculptures were often moved. That statuary art will not be rediscovered before the seventies. However, the collection has been constituted by a logical way, throughout the National deposits, the purchases realized thanks to the local artistics societies, the donations and legacies or the municipal contribution Among the artists appear local sculptors. Many artists of Bordeaux have worked in others genres : ornemanist sculpture, religious or funerary art. By their side, we notice famous names : Dalou, Carpeaux, or Rodin. The collections of the Museum contain the models of public monuments, including the development projects of the place des Quinconces. From antique inspiration to decorative art, by the way of genre scenes and sculpture of animals, from neoclacissism to picturesque realism, the whole gathers together the genres and the styles expressed during the 19th century
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Carminati, Pauline. "« Le Paradis en boutique ». L’édition de sculptures religieuses au XIXe siècle : la maison Raffl". Thesis, Université Paris sciences et lettres, 2020. http://www.theses.fr/2020UPSLP031.
Texto completoResumen
Le XIXe siècle apparaît comme un âge d’or du multiple en sculpture. Du mouleur ambulant à la manufacture employant plusieurs centaines d’ouvriers, l’édition sculptée a pris toutes les formes, s’est déclinée dans toutes les matières et diffusée dans toute la société. Le catholicisme n’est pas resté à l’écart de ce phénomène. Il en a été au contraire un terrain d’élection et un moteur. Pour en rendre compte, ce travail s’est appuyé sur l’étude d’une entreprise spécialisée dans la création et l’édition de sculptures religieuses : la maison Raffl. En remontant aux origines de l’entreprise au tournant du XIXe siècle et en suivant son évolution jusqu’à sa liquidation en 1953, la thèse retrace l’émergence, le rayonnement et le déclin de cette production statuaire communément qualifiée de « saint-sulpicienne », éclairant un pan méconnu de l’art religieux et du décor des églises du Concordat au Concile Vatican IIThe XIXth century appears as the Golden Age of the multiple in sculpture. From the ambulant cast maker to the crowded factory, sculptural editions circulated under all kinds of shapes, using all kinds of materials, and throughout society. Catholicism didn’t stay away from this phenomenon, and was instrumental to its birth and growth. In order to account for it, this paper focuses on the study of one particular factory, which specialized in the production of religious sculpture: the « maison Raffl ». Going back to its origins in the late XVIIIth and following its evolution up until its dissolution in 1953, this dissertation retraces the emergence, heyday and demise of this type of sculptural production, commonly labelled « saint-sulpicienne », and sheds a new light on a little known area of religious art and church decoration, from the Concordat to the Second Vatican Council
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Pallas, Basile. "De la vue au regard : littérature et photographies au XIXe siècle". Thesis, Bordeaux 3, 2017. http://www.theses.fr/2017BOR30055.
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Au XIXe siècle, la photographie est vue comme une image vraie. Produite mécaniquement, elle serait la copie fidèle de la réalité, ce qui justifie la croyance en la vérité de ses images. Dès les premiers discours tenus à son égard, la photographie apparaît comme une image transparente, ne donnant rien d’autre à voir que la réalité, ce qui explique notamment les postures de rejet généralement adoptées par les écrivains et les artistes face à cette image, antithèse de l’art. Notre travail s’efforce de montrer comment, à l’inverse, la photographie a été, dans les textes littéraires en particulier, rendue à sa visibilité, c’est-à-dire à sa nature de vraie image. Pour cela, nous déterminons comment le phénomène optique de l’aberration, qui suppose une déformation de l’image plus ou moins visible, rend compte d’une pensée s’attachant à concevoir la photographie comme vectrice de troubles dans sa représentation. Nous examinons alors différentes manifestations de ces phénomènes dans la littérature, qui sont liées à une conscience de la matérialité des images, de leur mode de fabrication particulier, mais aussi de leurs défauts, opacifiant ce qu’elles représentent. L’attention de certains écrivains portée à ce que nous appelons la dimension photographique des photographies ouvre des pistes multiples sur la poétique des textes et situe le modèle photographique dans un ailleurs du réalisme. La réflexion sur la photographie dans les textes permet également de mesurer les conséquences d’une croyance en la vérité des images, croyance qui se révèle, à différents niveaux, comme aberrante. En effet, le fantasme d’une visibilité parfaite n’a pas seulement été appréhendé comme un moyen de mesure rationnelle du monde. La visibilité accrue et excessive de la photographie révèle au contraire ce que la réalité a de plus étrange et de plus inquiétant. Dans les textes, le modèle photographique éclaire alors une représentation fantastique du monde, lorsque celui-ci s’ouvre aux fantasmes et aux hallucinations. Nous tentons de cerner, à travers des œuvres littéraires et photographiques variées (Nerval, Champfleury, Nadar, Maupassant, Geffroy, Rachilde, Bonnetain, etc…) les différents phénomènes qui apparaissent comme les principaux agents de déréalisation de l’image photographiqueIn the nineteenth century, photographs are first seen as true images. Produced mechanically, they would be the faithful copy of reality. This justified the belief in the truth of photographic images. From the earliest speeches made about it, photographs appeared as transparent images, giving nothing more to see than reality. This explains the postures of rejection generally adopted by writers and artists in the face of the photographic image, seen as the antithesis of art. Our work tries to show how, on the contrary, photography has been rendered in literary texts, to its visibility, that is, to its nature as a true image. To do this, we determine how the optical phenomenon of aberration, which is a deformation of the image, accounts for a line of thought which tries to conceive of photography as a vector of disturbances in its representation of reality. We then examine different manifestations of this phenomenon in literature. They are linked to a growing awareness of the materiality of the images and their particular mode of manufacture, but also of the defects opacifying what they represent. The attention given by certain writers to what we call the “photographic dimension” of photographs opens up multiple avenues to the poetics of texts and situates the photographic model beyond realism. The inquiry on photography in texts also makes it possible to measure the consequences of a belief in the truth of images, a belief that reveals itself, at different levels, as aberrant. Indeed, the fantasy of perfect visibility has not been apprehended only as a means of rational measurement of the world. The increased and excessive visibility of photography reveals, on the contrary, what is strangest and most disturbing in reality. The photographic model illuminates a fantastical representation of the world’s fantasies and hallucinations. The different phenomena studied then appear as the principal agents of derealization of the photographic image
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Sioc'Han, De Kersabiec Angélique. "Charles Van der Stappen, 1843-1910: un artiste-sculpteur de la fin de siècle et la renaissance de la sculpture en Belgique". Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2013. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209498.
Texto completoResumen
À la fin du XIXe siècle, le sculpteur belge Charles Van der Stappen (1843-1910) est accueilli comme l’un des grands représentants de la sculpture aux expositions internationales de Paris, Amsterdam, Budapest, Dresde, Glasgow, Turin… ainsi qu’aux sécessions viennoises, berlinoises ou encore aux biennales de Venise. L’œuvre la plus connue de l’artiste, Le Sphinx mystérieux (buste chryséléphantin, Musées Royaux d’Art et d’Histoire, Bruxelles) est considéré comme une pièce phare de la sculpture symboliste et Art Nouveau. Pourtant, la production de l’artiste n’a jamais été étudiée dans son ensemble ni dans son évolution. Cette thèse se fixe donc comme objectif la redécouverte de l’œuvre de Van der Stappen en parallèle avec la réévaluation de son rôle dans l’évolution de la sculpture en Belgique au tournant de 1900. L’élaboration d’un catalogue raisonné reprenant ses statues, bustes, monuments, médailles et pièces d’art décoratifs, a été une première étape importante.Au fil des critiques qui commentent son œuvre, Charles Van der Stappen apparaît comme l’un des initiateurs d’une « renaissance » des arts en Belgique. La récurrence de ce terme de renaissance appliqué à Van der Stappen, est importante dans la revue L’Art moderne, dès 1883, et dans plusieurs autres journaux et publications jusqu’à la mort de l’artiste en 1911. Le livre de Georges-Olivier Destrée portant le titre The Renaissance of Sculpture in Belgium (en 1895 et rééd. en 1905) présente ainsi en couverture une sculpture de l’artiste. Dès lors, cette affirmation de « renaissance », qui commença par la littérature pour s’étendre avec la génération de Van der Stappen à la sculpture et aux arts décoratifs, apparaît à la fois révélatrice et problématique. Révélatrice en ce qu’elle synthétise la volonté de renouveau du monde artistique belge dans le dernier quart du XIXe siècle, problématique quant à l’analyse du rôle du sculpteur Van der Stappen dans ce renouveau et quant aux sources et au sens de ce renouveau. Cette thèse se base sur l’idée que le renouveau artistique de la sculpture au tournant du XIXe et du XXe siècle en Belgique est porté par le concept de renaissance et ne peut être dissocié du modèle esthétique et intellectuel de la Renaissance comprise en tant que période historique. Le concept de renaissance se définie comme l’affirmation collective d’une volonté d’innovation dans de nombreux domaines, innovation basée sur la réactualisation d’un modèle du passé. En analysant la réception des modèles de la Renaissance sur l’évolution de l’œuvre et la carrière de Van der Stappen un découpage s’impose entre trois périodes :la redécouverte, l’émulation et la transformation créative.
La trajectoire spécifique de l’artiste, initialement nourrie de ses séjours en Italie qu’il entreprit dès 1873 et de sa participation à l’atelier Portaels, l’amène à se confronter à l’art de la Renaissance italienne, à sa littérature et à ses techniques. Cette comparaison avec le passé le guide, selon le modèle d’une « réversion », vers une recherche de spécificité nationale, une volonté de sortir des modèles académiques et des structures officielles ainsi que vers plus de naturalisme en sculpture. En ceci, Van der Stappen tient une place majeure dans le renouveau de cette époque car il se trouve au carrefour d’un réseau d’artistes et d’hommes influents cherchant de nouvelles voies pour l’art.
Cependant, Van der Stappen ne se laissa pas enfermer dans un mouvement néo-renaissance et réussit à puiser dans l’histoire de la Renaissance italienne le modèle même et les concepts d’un renouveau de la sculpture de style individuel en Belgique. Sa conception de la sculpture comme un art intellectuel, un art libéral, son ouverture à l’essor des arts décoratifs sont les bases d’un renouveau de la sculpture que Charles Van der Stappen met en place dès les années 1880 et qu’il enseigna dans son atelier et à l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles. Van der Stappen se fait dès lors artiste humaniste, puisant l’émulation dans les arts du passé, dans le décloisonnement entre beaux-arts, littérature et arts décoratifs. Au sein d’une nouvelle « République des Lettres », il pense la sculpture comme le « reflet d’une civilisation intellectuelle », selon son expression. Ses œuvres sculptées dialoguent dès lors avec les œuvres littéraires de ses amis Edmond Picard, Camille Lemonnier, Émile Verhaeren ou Stefan Zweig, avec l’art de Constantin Meunier ou Émile Claus et avec la musique de Vincent d’Indy, entre autres. L’instrumentalisation politique et artistique de la référence à une renaissance permet d’insérer Van der Stappen dans un vaste mouvement de renaissance des arts en Belgique qui commence par la rupture et par la voie d’une spécificité nationale :le naturalisme et l’idée.
Le renouvellement de la lecture de l’œuvre de Van der Stappen à l’aune de ce concept de renaissance explicite le passage subtil de ses œuvres du naturalisme au symbolisme. Sa technique basée sur la recherche du modelé plein, du volume étudié sous tous ses angles et du renouveau du relief, lui permet de créer des œuvres originales où la sculpture se fait composition symboliste de signes. Ainsi, nous avons abouti par nos recherches à une analyse inédite de la sculpture du Sphinx, œuvre majeure de l’artiste :depuis une figure issue du voyage de formation en Italie - La Florentine - jusqu’à la sculpture Art Nouveau, Le Sphinx mystérieux, ces bustes sont les variations de la représentation d’une seule et même idée. Les variations sculpturales de Van der Stappen sur le thème du sphinx s’imposent comme la représentation évolutive de l’inspiration, qui part de la tradition de la Renaissance et se déploie dans le mystère d’une représentation symboliste de la création artistique. Cette évolution constitue la contribution la plus originale de Van der Stappen à la sculpture du XIXe siècle. Ce même concept de renouveau est à confronter avec celui qui conduisit à l’éclosion de l’Art nouveau. La spécificité de l’œuvre de Charles Van der Stappen, est d’avoir surpassé les modèles de la Renaissance italienne et de l’humanisme en les adaptant à la société de son temps. Les deux derniers projets de monuments, au Travail et à l’Infinie Bonté, sont les exemples commentés de cette relecture renaissante. De nouveaux documents non analysés jusqu’ici et la mise en parallèle avec l’« art social » développé par Edmond Picard et avec la poésie d’Émile Verhaeren, permettent de donner une explication sur leur longue conception. L'étude des apports de Van der Stappen à l'art de son temps dans le contexte du Bruxelles fin de siècle, a servi à délimiter certaines caractéristiques du symbolisme sculptural qui tiennent pour cet artiste à un processus de synthèse :au niveau de la narration, il procède à une fusion des éléments symboliques, dans sa conception de la sculpture, il réunit l’art de la ligne avec celui du relief. Van der Stappen développe ainsi une sculpture du silence qui « parle » par ses propres moyens, ceux d’un déploiement de l’idée dans l’espace.
Via l’œuvre et l’enseignement de Van der Stappen, l’art de la sculpture, à partir des années 1890, s’est orienté vers un art plus personnel. L’étude directe de la nature, l’importance de la ligne dans la composition, la volonté d’instiller l’art dans tout, l’introspection des figures modelées, la représentation de l’idée selon des termes propres à la sculpture, sont les indices d’une recherche propre à Van der Stappen et plus largement d’une renaissance de la sculpture spécifique à la Belgique. La volonté de renouveau des arts à la fin du XIXe siècle et de l’intégration spécifique de la sculpture dans ce processus sont des clefs pour comprendre la sculpture de Van der Stappen et la replacer dans son temps. Van der Stappen reprend à son compte point par point la stratégie de l’artiste de la Renaissance pour s’affirmer dans son temps. Cette stratégie est tout autant individuelle que collective et c’est pourquoi nous avons souligné les liens réciproques entre le sculpteur et les personnages clefs de la fin de siècle à Bruxelles qu’étaient Edmond Picard, Octave Maus, Émile Verhaeren, Camille Lemonnier ou encore Constantin Meunier. Notre doctorat, consacré à l’œuvre de Van der Stappen, apporte donc de nouveaux éléments à l’étude des arts à la fin de siècle et souligne la place, auparavant sous-évaluée, de la sculpture dans la renaissance qui eut lieu dans le dernier quart du XIXe siècle en Belgique.
Doctorat en Histoire, art et archéologie
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BERTRAND, SYLVAINE. "Contribution à l'étude de la sculpture au XVe siècle : l'élaboration des oeuvres dans les ateliers bourguignons". Dijon, 1997. http://www.theses.fr/1997DIJOL026.
Texto completoResumen
Premièrement, une classification s'organise autour de l'importante statuaire bourguignonne sous forme d'analyse typologique. Cette analyse, en établissant la nuance entre notion de type et notion de style, tente de dénouer l'ambiguïté reconnue d'un style dit bourguignon, au sein duquel, pourtant, s'intègrent plusieurs styles distincts. L'aspect typologique de l'étude met en valeur les principes sériels de production des ateliers, et introduit l'analyse des systèmes de reproduction. La question des modèles en deux ou en trois dimensions est abordée. Dans le cadre des séries typologiques, le dessin semble avoir été le modèle le plus pratique et le plus plausible, vu l'extension géographique de certaines séries. Au demeurant, comme il n'existe jamais de copie conforme dans les séries, et comme, d'autre part, on remarque la récurrence de certains motifs, visiblement réutilisables, sans doute les modèles étaient-ils utilisés de manière fractionnée. Dans le cas de copies à l'identique, le recours à la maquette tridimensionnelle peut être envisagé. Le portrait, enfin, est abordé dans le contexte ducal dijonnais. La troisième partie replace l'activité des ateliers ducaux dans son contexte vivant elle établit la distinction entre une première époque florissante et l'époque tourmentée qui suit la mort de Philippe Le Hardi en 1404. Dans la première période, on relève dans les ateliers de Jean de Marville et de Claus Sluter, une activité intense, hiérarchisée et régulière, détaillée dans les comptes ducaux. Dans la seconde période, les chefs sculpteurs, Claus de Werve, Jean de la Huerta, Antoine le Moiturier, souffrent d'un manque de régularité des paiements et d'une situation précaire. Mais celle-ci s'accompagne d'une ouverture de la sculpture dijonnaise sur la Bourgogne dès le premier tiers du XVe siècle, avec la fin de l'exclusivité du service ducal. Cette ouverture sur la Bourgogne, qui implique le développement de divers courants issus des milieux dijonnais, donne lieu à une analyse stylistique qui tente de distinguer les influences successives des sculpteurs ducauxFirst, a classification settles down around the important Burgundian statuary, in the form of a typological analysis. This analysis, establishing the nuance between notion of type and notion of style, attempts to clear up the allowed ambiguity of a so-called Burgundian style into which, however, many separate styles are combined. The typological sight of this study shows the serial principles of the workshop's production, and introduces the analysis of reproducing systems. Two- and three- dimensional models are in question. Within the framework of typological series, drawing seems to have been the more useful and plausible model, considering the geographical extension of many series. Moreover, as there is no identical copy inside the series, and as, on the other hand, there is a real recurrence of certain patterns, manifestly re-employable, no doubt that models were used in fractional way. In case of identical copies, there can be considered the use of three- dimensional models. The portrait, finally, is analyzed in the ducal context of Dijon. The third part replaces the activity of the ducal workshops in its living context. It makes the distinction between a prosperous first age, and the distorted age following the death of Philip the Bold in 1404. In the first period in the workshops of Jean de Marville and Claus Sluter, there is an intensive, hierarchical and regular activity that is detailed in the ducal accounts. In the second period, the workshop's chiefs, Claus de Werve, Jean de la Huerta, and Antoine le Moiturier, suffer from no regular payments, and from a precarious situation. On the other hand, this situation means the opening of the sculpture from Dijon on Burgundy since the first third of the XVth century, at the same time of the end of their exclusive ducal service. This opening on Burgundy, that involves the development of varied streams descended from the dijoner circle, brings to a stylistical analysis that attempts to distinguish the successive influences of the ducal sculptors
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Guillouët, Jean-Marie. "Contribution à l'étude de la sculpture du XVe siècle : la façade de la cathédrale de Nantes". Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040145.
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Inaugurée par le duc en avril 1434, la contruction, à Nantes, d'une nouvelle cathédrale témoigne du renouveau constructif que connut la Bretagne au XVe siècle. Ayant su profiter au mieux d'une politique de neutralité souvent teintée d'opportunisme lors de la guerre franco-anglaise, le duché de Bretagne put attirer à lui un certain nombre d'artistes que chassaient peut-être les troubles du conflit continental et la disparition de leurs commanditaires traditionnels. A travers une politique édilitaire ambitieuse,pour laquelle ils firent appel à des artistes de renom (dont vraisemblablement Philippe Colombe), les ducs de Bretagne prirent en partie la relève du grand mécénat artistique princier dont la mort de Jean de Berry en 1416 marquait l'effacement temporaire dans le royaume. A bien des titres, la cathédrale Saint-Pierre et Saint-Paul de Nantes constitue le plus important de ces foyers d'activité artistique. Les ducs de Bretagne, "seigneur et prince naturel" en raison d'un lignage illustre qui plonge - via les saints Donatien et Rogatien - aux sources même de l'histoire bretonne, défenseur des intérêts d'une nation qu'il place - à travers sa personne - sous la protection de saint Yves, exerce en tout temps et sur toutes ses possessions la "plenitudo potestatis", de modèle divin, à laquelle rien ni personne n'échappe. Tel est le sens de ce qui, dans les portails de Saint-Pierre de Nantes, est offert à l'admiration des fidèles. . . Ou plutôt à la réflexion des sujets. A travers le programme sculpté des portails nantais, l'Etat breton se forge ses propres représentationsOpened by the Duke in april 1434, the building in Nantes of a new cathedral shows the beginning of a new architectural impetus in XVth century Brittany. By pursueing a policy of neutrality, often tinged with opportunism during the 100 year war, the duchy of Brittany drew many artists probably escaping the troubles in the kingdom and looking for new patrons. .
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Cakpo, Érick. "Art chrétien en pays de mission : la sculpture d'inspiration chrétienne au Bénin, XVIIe-XXIe siècles". Thesis, Strasbourg, 2012. http://www.theses.fr/2012STRAK011.
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Au cours de l’entre-deux-guerres, certains textes pontificaux, tels Maximum Illud (1919) de Benoît XV et Rerum Ecclesiae (1926) de Pie XI, ont marqué un tournant très important dans la réflexion missiologique, donnant non seulement une nouvelle impulsion aux missions elles-mêmes mais encore suscitant une nouvelle pratique de l’art chrétien dans les pays de mission. Après avoir été foncièrement européocentrique, la politique iconographique des missionnaires s’efforça désormais d’aboutir à la création d’un art sacré mieux adapté à l’imaginaire, aux langages d’images et aux sensibilités diverses des pays de mission. Forts de ces orientations et surtout encouragés par la prédisposition de l’art local à offrir à la pensée chrétienne de nobles formes d’expression, les missionnaires de la Société des Missions Africaines œuvrèrent activement pour l’émergence de l’art chrétien au Bénin. Les caractéristiques particulières que présente, dans ce pays, l’émergence de l’art chrétien et la richesse des collections d’objets de facture chrétienne par rapport à celles des autres pays d’Afrique méritaient qu’on leur consacre une recherche approfondie. Outre la constitution d’un corpus iconographique, la thèse propose la contextualisation des œuvres, l’examen de leurs diverses fonctions et l’analyse des paradigmes successifs répondant à la nouvelle perspective missiologique : l’inculturationPapal texts such as Maximum Illud (1919) by Benedict XV or Rerum Ecclesiae (1926) by Pius XI show that the interwar period represented a watershed in missiological thought which gave a new impetus to missions. Hence a new strategy concerning Christian art in “mission countries” was adopted. Because it had beforehand been centred on Europe, the missionaries’ iconographical policy then consisted in creating a form of sacred art which fitted the various cultural characteristics of “mission countries” better. Armed with these tendencies and above all encouraged by the fact that local art could give noble expressions to Christian thought, the missionaries of “La Société des Missions Africaines” worked for the emergence of Christian art in Benin. Christian art in Benin is highly distinctive and the collections of this country boast a significant number of objects of Christian craftsmanship which deserve a thorough research work. Thus, as well as putting an iconographical corpus together, this thesis will describe the background of the works, examine their various functions, and analyse their successive paradigms which correspond to the new missiological perspective: inculturation
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Grenier, Marlène. "Les artistes propagateurs de l'idéal allemand en art pictural et en sculpture au Canada au XIXe siècle". Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp04/mq26215.pdf.
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Dufour, Marie-Dominique. "Les salles capitulaires circulaires et polygonales du XIIe siècle au XVe siècle en Grande Bretagne". Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010539.
Texto completoResumen
Ce travail consacré à l'étude de l'architecture et du décor sculpté des salles capitulaires circulaires et polygonales en Grande-Bretagne au Moyen Age a tenté de mettre en évidence la place originale tenue par ces édifices à plan centré construits principalement au XIIIe siècle et au XIVe siècle et leur importance dans l'histoire de l'architecture. La confrontation de la diversité des plans a révélé que le clergé séculier autant que le clergé régulier a voulu se doter de ces édifices de prestige et que l'on ne peut pas attribuer un plan spécifique à un ordre religieux précis. Il n'existe pas non plus de forme particulière à une région. Par contre certains détails de la construction et du décor peuvent être représentatifs du style de la Cour. Des listes dressent l'état des lieux et des tableaux comparatifs mettent en relief des caractéristiques architecturales. Le catalogue de 31 monographies s'attache à présenter les détails de l'architecture et du décor sculpté de chaque salle, illustré par 800 photos de l'auteur. 6 volumes. 1362 pages
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Hendler, Joseph. "Le paragone, sa pratique, son déclin : la comparaison compétitive peinture-sculpture en Italie de la fin du XVe siècle au début du XVIIe siècle". Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010555.
Texto completoResumen
La comparaison compétitive entre peinture et sculpture, définie aujourd'hui comme Ie Paragone, est un topos bien connu de la théorie de I'art de la Renaissance. Plusieurs figures-cle du Quattrocento et du Cinquecento ont cherche à répondre à la question: lequel de ces deux arts est Ie plus noble et imite mieux la nature. La présente thèse est destinée à explorer une autre face de ce débat, son aspect visuel. Le but est d'identifier, d'organiser et d'analyser les peintures et les sculptures produites en Italie des la fin du xve siècle et tout au long du XVIe siècle qui abordent clairement des problèmes lies au débat paragonien. Rassemblées pour la première fois ici dans un corpus paragonicum ces oeuvres démontrent I'impact de la dispute sur les arts comme sur les artistes eux-mêmes. La deuxième phase de la recherche s'efforce de déchiffrer pourquoi Ie Paragone visuel semble moins apparent dans l'art du XVIIe siècle. La comparaison compétitive se transforme en une comparaison constructive entre les arts jadis rivaux. L'accent se de place de I'importance de l'objet à celle de I'effet sur Ie spectateur. En conséquence les capacités mimétiques de chaque art par rapport à la nature, autrefois au cœur du débat paragonien, paraissent
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Gazave, Raphaëlle Maylis. "De Donatello à Jean Goujon : réceptions et enjeux nationaux de la sculpture de la Renaissance au XIXe siècle". Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100008.
Texto completoResumen
Cette thèse examine la réception de la sculpture de la Renaissance dans l’Europe du XIXe siècle, afin de déterminer quels enjeux sous-tendent sa fortune critique et artistique. L'histoire de la sculpture française du XIXe siècle est ainsi étudiée en regard de l’historiographie européenne de la statuaire Renaissance depuis 1805, date de la redécouverte du manuscrit original de la Vita de Cellini, jusqu’à l’exposition publique, en 1889, du Monument aux Bourgeois de Calais d’Auguste Rodin. L’intérêt pour la sculpture de la Renaissance s’éveille dans une Europe scindée entre permanence du modèle classique et affirmation du romantisme. La statuaire de la Renaissance est perçue comme le reflet d’un Age d’or que l’on voudrait revivre. En peinture comme en sculpture, la création artistique se fait le miroir de cette construction du mythe de la Renaissance. Michel-Ange devient une figure exemplaire de l’art; Jean Goujon est son contre-modèle français (I). Dans la seconde moitié du siècle, cet engouement européen pour la statuaire Renaissance est régit par des questions nationales. La sculpture des XVe et XVIe siècles est au centre d’un transfert culturel entre l’Italie et l’Allemagne. Vouées au culte de l’art gothique, la France et l’Angleterre montrent des réticences à célébrer la Renaissance italienne. Parallèlement, le développement de l’historicisme néo-renaissant dans la statuaire française aboutit d’une part au néo-style de Paul Dubois, d’autre part au renouvellement formel de Rodin (II)This thesis examines the perception of Renaissance sculpture in nineteenth-century Europe, in order to determine which stakes underlie its critical and artistic fortune. History of nineteenth-century French sculpture is studied in comparaison to European historiography of Renaissance statuary from 1805, date of the rediscovery of Cellini’s Vita original manuscript, to 1889, date of the first public exhibition of the Monument aux Bourgeois de Calais by Auguste Rodin. The interest for Renaissance sculpture picks up when Europe becomes divided between permanence of the classical model and the appearance of Romanticism. Renaissance sculpture is seen as a Golden Age. In painting as in sculpture, artistic creation reflects the birth of the myth of the Renaissance. Michelangelo becomes an exemplary figure of Art; Jean Goujon is his French counter-mode| (I). In the second half of the century, national stakes govern this European passion for the Renaissance statuary. The sculpture of the XVth and XVth centuries become the object of a cultural transfer between Italy and Germany. Dedicated to the worship of Gothic art, France and England, on their part, hesitate to celebrate Italian Renaissance. In particular, the development of Renaissance historicism in the French statuary leads on one hand to Paul Dubois’neostyle, and on the other to Rodin’s artistic renewal (II)
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Mora, Nelson. "L'influence francaise en peinture et en sculpture, pendant le xixe siecle, au chili". Toulouse 2, 1988. http://www.theses.fr/1988TOU20075.
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Notre these tente d'etablir l'origine et le developpement de l'influence francaise au chili pendant le xixe siecle. C'est pourquoi nous avons realise une retrospective historique afin d'en etablir les causes et les consequences economiques, politiques, philosophiques et artistiques. Dans cette retrospective, nous considerons tous les faits significatifs qui nous permettent de demontrer l'influence artistique exercee au cours d'une longue periode historique. En effet nous abordons d'abord les premiers contacts avec les francais et l'etablissement de ceux-ci au chili, la mutation de la societe coloniale de la fin du xviiie siecle, et l'independance fondee sur les idees de la revolution francaise. Nous abordons ensuite l'instauration des organismes culturels et artistiques, le sejour du peintre monvoisin au chili et le developpement de l'academie de peinture et sculpture. Nous aborderons finalement les artistes chiliens qui se sont perfectionnes dans les academies francaises et les influences que les maitres francais ont exerce dans les oeuvres, l'iconographie, et dans les divers evolutions formelles des artistes chiliens en relation avec le contexte artistique francais et ses propres evolutionsOur work is an attempt to establish the origin and development of the french influence in chile during the 19th. Century. It is the reason why we have achieved a historical retrospection in order to find out the economical, political, philosophical and artistic causes and consequences. In this retrospection, we take into account all the most significant facts which enable us to show that the artistic influence as far as painting and sculpture are concerned is a consequence of the influence which existed for a long historical period. Therefore, in the beginning, we examine the first contacts with the french and the settlement of the french people in chile, the changes in the colonial society of the end of the 18th. Century, and the independance based on the ideas of the french revolution. Then, we deal with the setting up of the cultural and artistic organisations, the stary of painter monvoisin in chili and the development of the academy of painting and sculpture. In the end, we shall speak about the chilian artists who were. .
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Huang, Lei. "L'abbatiale Sainte-Foy de Conques (XIe - XIIe siècles)". Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H052.
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L’étude archéologique du bâti de l’abbatiale Sainte-Foy de Conques, essentiellement centrée sur les pierres d’appareil, a pour double objectif de mettre en avant, autant que possible, des indices matériels susceptibles d’éclairer la marche des travaux ainsi que d’appréhender les dimensions technique et économique et, plus généralement, l’organisation de ce grand chantier roman. Le croisement des données archéologiques, telles que les discontinuités des maçonneries et la distribution des matériaux, des techniques de taille, des marques lapidaires et des trous de boulin, permet de proposer un phasage de la construction, qui fournit, par la suite, un cadre chronologique indépendant et efficace pour l’étude de la sculpture de l’abbatiale. Ainsi l’évolution interne de la sculpture est-elle retracée, par l’intermédiaire d’une approche stylistique globale. Les modalités des transferts artistiques entre Conques, Compostelle et l’Auvergne sont également mieux définies, ce qui invite à reconsidérer la chronologie des églises romanes d’Auvergne,d’autant que certains chantiers auvergnats et celui de Conques se situent dans la même géographie technique durant la deuxième moitié du XIe siècleThis archaeological study of the building of the abbey church of Sainte-Foy in Conques, which is mainly focused on facing stones, has a double objective: on the one hand, to discern, as much as possible, material indications likely to enlighten the progress of construction work; on the other hand, to understand technical and economic dimensions and, more generally, the site organisation of this major Romanesque building project. Archaeological data, such as masonry discontinuities, distribution of different petrographic types, stone-cutting techniques, masons’ marks and putlog holes, make it possible to propose a construction phasing, which offers an independent and efficient framework for study of the sculpture of Sainte-Foy. The sculpture evolution is thus traced, through a global stylistic approach. Artistic transfers between Conques, Santiago de Compostela and Auvergne have also been better defined, which leads to reconsider the chronology of Romanesque churches of Auvergne, especially as Conques and Auvergne were located in the same technical geography during the second half of the eleventh century
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Dekaeke, Marie. "La sculpture et l’intime en France (1865-1909)". Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100061/document.
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La littérature et la peinture semblent être les domaines les plus propices au développement de l’intime au XIXe siècle. Pourtant, la notion possède aussi sa place dans le domaine de la sculpture qui, par des procédés qui lui sont propres, parvient à la révéler. Sujet le plus favorable à l’introspection, l’autoportrait, tel que le conçoivent Carriès ou Gauguin, demeure une expérience singulière qui ne se vérifie pas chez tous les sculpteurs. L’expression de l’intime est alors à chercher dans le portrait où l’artiste tend à faire surgir l’intériorité de son modèle à la manière de Carpeaux ou de Rodin. Les fondamentaux du dialogue entre intime et sculpture sont ainsi posés. La notion se définit aussi par sa polyvalence liée au contexte de commande et de réception, aux questions esthétiques de l’époque, au mystère de la création et, enfin, jusque dans ses limites. L’intime est une notion protéiforme qui peut aussi bien prendre sens sous un aspect iconographique que suivant les modalités de création d’une sculpture. Ce concept imprègne toute forme de sculpture s’exprimant aussi bien dans le portrait sculpté, que dans les petits groupes ou statuettes ou encore dans la statuaire monumentale. L’étude des œuvres de Claudel, Dalou ou Rosso nous a permis de comprendre que plus que d’un courant esthétique à part entière, il s’agit davantage d’une caractéristique qui permet de mieux les rassembler. L’intime apparaît donc comme un outil pour étudier la sculpture des années 1865 à 1909 sous un angle nouveauLiterature and painting seem to be the most favourable fields for the development of intimacy during the nineteenth century. The notion has, nevertheless, its place too in the field of sculpture which by processes of its own, manages to reveal it. Even though self-portraits, such as conceived by Carriès or Gauguin, are particularly suitable for introspection they remain a unique experience that does not apply to every sculptor. The expression of intimacy is then to be found in portraits where artists tend to bring out the interiority of their model, in the manner of Carpeaux and Rodin. The fundamentals of dialogue between intimacy and sculpture are thus laid down. The term is also defined by its versatility, in relation to the context of order and reception, to aesthetic issues of the time, to the mystery of creation and, finally, to its own limits. Intimacy is a protean concept that can take on its full meaning through a single iconographic aspect or modalities of creation of sculpture. This very concept permeates all forms of sculpture and is expressed in sculpted portraits as well as in small groups, statuettes, even monumental sculpture. Our study of works by Claudel, Dalou or Rosso allowed us to understand that more than an aesthetic current in its own right, intimacy is rather a distinctive feature that brings works together. Intimacy therefore appears as a tool to study the sculptural fields ranging from 1865 to 1909 from a new angle
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Biay, Sébastien. "Les chapiteaux de la troisième église abbatiale de Cluny (fin XIe-début XIIe siècle) : étude iconographique". Phd thesis, Université de Poitiers, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00671485.
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Généralement cités parmi les créations majeures de la période romane, placés au centre des débats qui ont marqué l'historiographie de cette période, les chapiteaux du rond-point de la troisième église abbatiale de Cluny (aujourd'hui conservés dans l'ancien farinier de l'abbaye, transformé en musée au milieu du XXe siècle) ont fait l'objet de nombreuses études, sous les deux aspects du style et de l'iconographie. Aucune monographie de grande ampleur ne leur a pourtant été consacrée jusqu'alors. La présente thèse de doctorat entend combler ce manque. Elle s'attache en particulier à la question de la signification des chapiteaux, et surtout à leur conception esthétique. Plusieurs générations d'historiens de l'art se sont efforcées de réunir les différentes quaternités incarnées par les figures des chapiteaux (saisons, vents, vertus, arts libéraux, fleuves du paradis et musiciens) au sein d'un " programme iconographique " ou de prouver l'inexistence d'un tel " programme ", et cela au détriment de l'analyse de la construction figurative des chapiteaux. L'apport de la présente thèse concerne ce dernier point. On y démontre que la compréhension de l'œuvre dépend d'une description analytique précise des relations extrêmement fines qui s'y nouent entre le décor végétal des chapiteaux, les figures qui y prennent place et les inscriptions qui, parfois, les accompagnent.
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Karsallah, Amina. "Les mises au tombeau monumentales du Christ en France (XVe-XVIe siècles) : enjeux iconographiques, funéraires et dévotionnels". Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040202.
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Les représentations monumentales de la Mise au tombeau du Christ constituent l’un des sujets de prédilection en sculpture aux XVe et XVIe siècles. Longtemps, leur historiographie s’est contentée d’observations stylistiques sans marquer d’intérêt concernant les raisons de leur popularité. Pourtant, l’émergence de ce motif iconographique bien particulier – sans référent direct dans les Écritures – ainsi que la grande diversité des lieux d’implantation (cathédrale et église paroissiale, chapelle seigneuriale ou d’hôpital), allant de pair avec celle des donateurs, incitent à un examen attentif des contextes de commande, d’un point de vue historique, politique, économique mais aussi intime. À partir de l’examen de dossiers choisis pour leur pertinence et la richesse de leur documentation, cette étude propose plusieurs ensembles de réflexions articulés autour des notions de monument funéraire, de l’image de dévotion et de pèlerinage spirituel. Elle met ainsi en lumière l’exceptionnelle polyvalence de ces remarquables groupes sculptésThe monumental representations of the Christ’s entombment were one of the most sought after sculpted subjects during the fifteenth and sixteenth centuries. Their historiography has long been confined to mere stylistic observations without tackling the issue of the reasons for their immense popularity. However, the emergence of such a distinctive iconographic motif – one that stems from no direct reference in the Scriptures – as well as the great diversity of its locations (cathedral and parish churches, castle or hospital chapels), one which mirrors that of their donators, should lead us to a careful examination of the command contexts, from a historical, political, economic as well as personal viewpoint. By examining several examples chosen for their relevance and their wealth of documentation, the present study offers several chapters of reflections hinging upon such notions as a funeral monument, a devotion image and a spiritual pilgrimage. It thus casts light upon the outstanding polyvalence of these remarkable sculpted groups
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Iamanidzé, Nina. "Le mobilier liturgique sculpté dans les églises de Géorgie (VIe-XIe siècles)". Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010596.
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L'étude jette une nouvelle lumière sur la disposition des installations liturgiques dans les églises géorgiennes de l'époque paléochrétienne jusqu'au Moyen Age, leur typologie, décor et leur destination fonctionnelle. Ces pièces qui forment un groupe exceptionnellement riche de décor, présentent toute une série d'images inspirées par l'Ancien et le Nouveau Testament, souvent réunies dans des programmes iconographiques réfléchis en lien direct avec la liturgie. L'étude de ces programmes a permis de préciser l'usage liturgique de chaque type de mobilier et de formuler des hypothèses sur le rite. Notre attention s'est portée également aux problèmes liés à la production de ce mobilier sculpté, à la répartition géographique des ateliers et à l'adaptation et l'interprétation des modèles byzantins en Georgie. Le matériel archéologique étudié apporte également un éclairage nouveau sur les relations culturelles entre la Géorgie et les autres régions du monde chrétien.
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Spencer, Thomas. "L'architecture religieuse en Champagne du Nord aux XIe et XIIe siècles". Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010618/document.
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Les recherches sur l'architecture romane en Champagne du Nord, sauf ponctuellement n'ont pas été renouvelées depuis le début des années 1980. Une étude historiographique permet plusieurs constats aujourd'hui : les historiens de l'art et les archéologues ne se sont pas investis dans l'archéologie de la région en dépit du fait que des techniques plus performantes de datation ont été développées, en particulier, l'archéométrie et l'archéologie du bâti; la région n'a guère encore profité de ces nouvelles méthodes d'observation; le chercheur trouve également à sa disposition des ressources analytiques de l'histoire qui permettent d'aborder son propre sujet avec une meilleure connaissance des multiples conditions qui ont régi la création architectural et artistique de l'époque. Ainsi, on prend conscience du fait que le temps est venu de renouveler le regard sur l'image et sur la chronologie des monuments religieux romans champenois. Cette étude revisite, d'abord, les trois grandes églises romanes des diocèses de Reims et de Châlons : Montier-en-Der, Saint-Étienne de Vignory et Saint-Rémi de Reims dont les dates et le phasage des campagnes de construction sont encore discutées. Ensuite, a été analysé un nombre restreint d'églises-types dont les plans, les élévations et le décor monumental sont caractéristiques pour la région. En y appliquant la plus grande acuité de regard possible, il est possible d'infirmer beaucoup des critères de datation employés encore assez récemment et de formuler de nouvelles conclusions sur divers aspects de ces monumentsResearch of Romanesque architecture in the north of the Champagne region, with very few exceptions, has not been renewed since the early 1980s. In the first part of this current study, the historiography of the subject study reveals that: art historians and archaeologists have not been invested in the archaeology of the region despite the fact that there have been many improvements in the methods of observation and dating, in particular with archaeometry and buildings archaeology; the architecture of the region has therefore not benefitted from these new techniques; there are a great many more resources available today that also analyze the history of the period and permit a greater understanding of the multiple contexts that had an impact on architectural and artistic creation during the 10th, 11th and 12th centuries. As such, one is made aware of the need to renew the general comprehension and chronology of the Romanesque religious monuments in Champagne. In the second part of this current study, the three largest churches of the dioceses of Reims and Châlons are revisited : Montier-en-Der, Saint-Étienne de Vignory and Saint-Remi de Reims of which the dates and phases of construction are still a matter of discussion today. Following this monographic study is an analysis of a selected group of church-types of which the plans, elevations and monumental decoration are characteristic of the region. By applying to all of these churches a greater degree of observation than previously done, it is possible to invalidate a certain number of the criteria formerly used to date these monuments and to suggest new conclusions concerning many aspects of their construction
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Boidard, Véronique. "Les dessins de Pierre-Jean David d’Angers, une étape de création". Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL157.
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Le sculpteur Pierre-Jean David, dit David d’Angers (Angers, 1788-Paris, 1856), a produit un œuvre dessiné important, tant numériquement que par l’éclairage qu’il permet de poser sur son œuvre et sa vie. Gardés par l’artiste comme une réserve de formes et d’idées, ses dessins furent donnés, dans leur grande majorité par ses enfants au musée d’Angers qui avait été envisagé par le sculpteur lui-même comme le lieu idéal de conservation de ses principales réalisations. 3935 feuilles y sont conservées. Pourtant l’importance de l’œuvre graphique a toujours été minorée, probablement car l’artiste lui-même en faisait peu de cas. Une partie des dessins permet d’explorer le parcours de formation de l’artiste et de mettre en perspective le rôle que joua le dessin dans l’élaboration de ses principes sur l’art qu’il enseigna plus tard à ses élèves. L’étude des dessins préparatoires interroge le processus créatif de leur auteur et les relations avec les œuvres sculptées. Le parallèle avec d’autres artistes met en lumière la singularité ou la similarité des approches. Enfin, certains dessins dévoilent les influences reçues et la personnalité du dessinateur mais également les rapports avec les commanditaires des œuvres sculptées et révèlent, par leurs contradictions avec d’autres sources, la construction par David d’une mythologie personnelle lors de son entrée en politique dans les années 1830The sculptor Pierre-Jean David, known as David d'Angers (Angers, 1788-Paris, 1856), produced an important drawn work, both in terms of its number and in terms of the lighting it provides for his work and his life. Keeping by the artist as a reserve of forms and ideas, his drawings were given, in their great majority by his children, to the Musée d'Angers, which had been considered by the sculptor himself as the ideal place to preserve his main works. 3935 sheets are stored there. However, the importance of the graphic work has always been reduced, probably because the artist himself paid little attention to it. Part of the drawings explore the artist's training path and put into perspective the role that drawing played in the development of his principles on art that he later taught his students. The study of the preparatory drawings questions the creative process of their author and the relationship with the sculpted works. The parallel with other artists highlights the singularity or similarity of approaches. Finally, some drawings reveal the influences received and the personality of the draftsman, but also the relationships with the commissioners of the sculpted works and reveal, through their contradictions with other sources, David's construction of a personal mythology when he entered politics in the 1830s
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Cabrero-Ravel, Laurence. "Notre-Dame du Port et la sculpture ornementale des églises romanes d'Auvergne, les chapitaux corinthiens et leurs dérivés : (fin XIe- XIIe siècle)". Besançon, 1996. http://www.theses.fr/1995BESA1042.
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Au sein de l'Auvergne romane, Notre-Dame du Port apparait centrale au point de vue architectural et sculptural pour un groupe de 33 édifices situés dans l'ancien diocèse de Clermont. Son architecture se caractérise par l'abondance de conservatismes. Sa sculpture ornementale, également tournée vers le passé, s'inscrit parmi les diverses renaissances que connut le corinthien a l'époque romane mais se distingue tant par la variété des compositions et des types végétaux que par son ouverture sur des motifs issus d'un autre répertoire décoratif. Une analyse systématique de l'architecture et de la sculpture met en évidence, au sein de cet ensemble d'édifices apparentés à Notre-Dame du Port, des sous familles faisant apparaitre des évolutions architecturales ou sculpturales qui, palliant la carence des sources textuelles, permettent de proposer des datations. Des comparaisons stylistiques avec des édifices non auvergnats et avec la sculpture de saint-marcellin de Chanteuges, dont on peut admettre que la reconstruction intervint peu après son rattachement à la Chaise-Dieu (1137) font situer la construction de Notre-Dame du Port, et d'un certain nombre d'églises affiliées, dans le premier tiers du XIIe siècle. Outre Chanteuges, d'autres édifices auvergnats apparaissent plus tardifs, notamment Brioude Chauriat et Riom.
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Jacob, Thierry. "Art et histoire : l'iconographie religieuse romane dans les églises du Forez et du Livradois : persitances pai͏̈ennes et pédagogie monastique aux XIe et XIIe siècles". Lyon 3, 2000. http://www.theses.fr/2000LYO31019.
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Si la région regroupant le Forez et le Livradois n'eut jamais d'existence politique (aujourd'hui département de la Loire et du Puy-de-Dôme), on constate qu'elle semble avoir possédé une identité humaine. En étudiant l'iconographie romane de ce secteur, on observe une ceertaine homogénéité des thèmes de sculpture persitantes. En effet, les thèmes proprement "chrétiens" y sont quasi inexistants, supplantés par ceux de traditions pai͏̈ennes. Ces sculptures se répartissent en trois groupes : les symboles protohistoriques et celtiques, gréco-romains et enfin orientaux. Il se pourrait que ces thèmes aient été utilisés à des fins pédagogiques. En effet, lorsque Robert de Turlande fonde la Chaise-Dieu au XIe s. , la région paraît être un "désert religieux". Rapidement, Robert reprend en main de nombreuses églises, y fondant chaque fois un prieuré, comme pour initier une réévangélisation de cet espace. Cette volonté contemporaine de la réforme lancée par Cluny semblerait s'être appuyée sur une thématique pai͏̈enne, surtout prothistorique ou celtique, fort répandue dans les églises casadéennes et leurs voisines. Notons que, lorsqu'un thème est sculpté dans la pierre, et non peint, c'est qu'il y a une volonté forte qu'il perdure parce qu'il est important. Or, c'est le cas de nombreux symboles solaires, de "divinités" pai͏̈ennes,. . . , apparaissant dans ces églises. Si les sujets traités par Robert et les cassadéens peuvent provenir d'un "répertoire", ils ont pu être adaptés aux lieux. Néanmoins, on retrouve des similitudes dans d'autres régions ou pays d'Europe, souvent, apparemment, dans des espaces christianisés ou rechristianisés tardivement. En fait, on peut se demander si, aux XIe et XIIe siècles, il n'y aurait pas eu dans les campagnes d'Occident une politique de rechristianisation s'appuyant sur une thématique pai͏̈enne réusitée dans l'art roman, et mise en place pour le Forez et le Livradois par St Robert?
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Simon, Clélia. "Style, culture et société. La sculpture religieuse en France de la Restauration à la fin du Second Empire (1820-1870)". Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040206.
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Entre 1820 et 1870, l’État et les villes françaises mettent en œuvre, à grands renforts budgétaires, une commande massive destinée à pourvoir les lieux de culte d’une statuaire monumentale à vocation liturgique et didactique. Une première partie est consacrée à l'approche synoptique de la sculpture religieuse du XIXe siècle, par l'entremise des grands programmes. Celle-ci permet de porter un regard d'ensemble sur une évolution chronologique rendue complexe par la variation des attentes et des ambitions, et ainsi de prendre conscience du statut de frontispices culturels qu'acquièrent, grâce à la sculpture, les édifices religieux. Cette étude montre d’ailleurs les places éminentes qu’occupent généralement au sein de ces ensembles sculptés le Christ, la Vierge et leur association dans la Pietà, auxquels est consacrée la deuxième partie. L'espace liturgique qu'initie la Restauration hérite de la Révolution et de l'Empire d'une dimension expiatoire. C'est cette douleur mêlée de foi et d'espérance qui guide l'exécution des Vierges à l'Enfant, des Christs crucifiés et des Pietà, leur attribuant une fonction de pôles liturgiques déterminant. La période connaît enfin, en terme de représentation hagiographique, un foisonnement étonnant. La troisième partie étudie l'importance numérique des saints comme le moyen dont use la restauration du culte pour favoriser une relation intercessionnelle de tout temps forte en France. Un triple dialogue est alors mis en évidence : celui des artistes dans le temps, celui des sujets dans l’imaginaire théologique et théocratique, et celui des formes dans les recoupements parfois surprenants des généalogies stylistiquesBetween 1820 and 1870, the State and the French cities are implementing - using a great budget - a massive order to fill the churches with monumental sculptures to serve a liturgical and educational purpose. The first part of this study examines the synoptic approach to religious sculpture of the nineteenth century, through the major programs. This leads to an overall view of a chronological evolution complicated by changes in expectations and ambitions and therefore to be aware of the status of cultural frontispieces that churches had acquired trough sculpture. This study also shows the prominent places that Christ and the Virgin generally occupy within these carved sets. The liturgical space initiated by the Restauration inherits expiatory dimension from the Revolution and the Empire. This pain mixed with hope and faith guided the execution of the Virgin and Child, crucified Christs and Pieta, giving them a decisive liturgical function. The period finally knows, in terms of hagiographic representation, a surprising abundance. The third part examines the numerous representations of the saints as a mean used by the restoration of religion to foster an intercessional relationship that has always been strong in France. Hence, a triple dialogue is highlighted: one between artists in time, one between subjects in the theological and theocratic imaginary, and one between forms in the overlaps - sometimes surprising - of stylistic genealogies
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Manuel, Daniel. "Les correspondants français de Canova (1785-1822) : contribution à une histoire sociale et matérielle du goût au tournant du XIXe siècle". Thesis, Brest, 2018. http://www.theses.fr/2018BRES0104.
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Le sujet inédit de la thèse repose sur un fonds d’archives. Il questionne la réception du sculpteur néoclassique italien Antonio Canova (1757-1822) dans les cercles et salons mondains à travers la correspondance de personnalités françaises aux profils multiples, du Consulat, de l’Empire et de la Restauration. Au gré des lettres, se dessine l'image d’un artiste aux prises avec des intérêts économiques, artistiques et sentimentaux. La séduction opère auprès des Napoléonides lui assurant protection et commandes ; elle gagne aussi les représentants du pouvoir à Rome et les salonnières pris au jeu de la délicatesse et du charme des compositions de l’Italien. La recommandation apparaît comme un mode de communication privilégié entre artistes et reflète la vitalité de ce type de lettre ainsi que la diversité des réseaux. La correspondance met en évidence le changement de statut de l’artiste qui adapte sa célébrité aux exigences de ses commanditaires en devenant un véritable homme d’affaires. Partagé entre désir d’émancipation et fidélité aux choix esthétiques de son mentor Quatremère de Quincy, Canova livre une production polymorphe qui le fait apprécier de la critique et du public qui cherche à voir en lui l’héritier moderne des sculpteurs grecs : mais ses rares présences et expositions à Paris limitent son impact. L’influence du premier romantisme dans la peinture néoclassique imprègne la production canovienne lui conférant son originalité. L’étude des missives fait surgir des questionnements historiques, matériels et esthétiques dont les épistoliers de Canova sont les témoinsThe novel subject of this thesis is based upon archive material. It is centered on how the work of Italian neo-classical sculptor Antonio Canova was received in the most glamorous clubs and salons, through the study of letters exchanged by French celebrities from different walks of life during upon the periods of the Consulate, the Empire and the Restauration. Letter after letter, the image of an artist confronted with économie, artistic and sentimental challenges emerges. He succeeds in winning over the Napoleonides who grant him their patronage and their protection. He also gains the support of government représentatives in Rome and of fashionable women who are enraptured by the charm and the refinement of the Italian sculptor’s compositions. Référencés appear as a privileged form of exchange between artists, and reflect the vitality of this type of letter, and the variety of networks.Correspondence demonstrates the changing status of the artist who adjusts his réputation to the demands of his patron, thus becoming a true businessman. Torn between his longing forfreedom and his commitment to the artistic leanings of his mentor Quatremère de Quincy, Canova's production has many facets, which endear him to critics and to the public who wishes to see him as the modem heir of Greek sculptors. Yet as he rarely visits Paris and his work is rarely exhibited there, his impact is limited. The influence of early romanticism on ne classical painting permeates Canova’s works, and is a tribute to his originality. Studying these letters brings to light historical, material and esthetic questions that their authors bear witness to
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Barbedor, Isabelle. "Le musée, une histoire d'art entre l'histoire de l'art et l'histoire du goût, Angers – Nantes -Rennes (1790-1990) : peintures et sculptures XVIIIe - XIXe siècles". Rennes 2, 1993. http://www.theses.fr/1993REN20017.
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Le but de cette thèse est d'étudier l'évolution des rapports de l'art et du musée, à partir de l'exemple des collections de peintures et de sculptures des XVIIIe et XIXe siècles, conservées dans les musées d'Angers, de Nantes et de Rennes. Elle se propose de comprendre comment la création même du musée, conçu comme un outil conservatoire et pédagogique, interpelle et transforme la finalité de l'art, en fondant un espace artificiel qui inaugure la modernité. La première partie est consacrée à la période de création du musée qui s'opère dans le passage de la collection privée à la collection publique. Elle comprend l'étude des saisies révolutionnaires et des envois de l'Etat et de leur influence sur le musée jusqu'au milieu du XIXe siècle. La deuxième partie est consacrée a l'étude du musée, de son rôle et de ses usages, de 1850 a 1918. Elle présente les rapports des principaux acteurs du musée (Etat ville – collectionneur - artiste) avec l'art et leur influence sur cet espace public qui devient un des symboles du monde urbain en assurant la pérennité de ses propres traditions culturelles. La troisième partie est consacrée au musée et à ses rapports avec l'histoire de l'art qui apparaît comme un nouvel acteur du monde muséal. Elle montre comment l'histoire de l'art se substitue à l'artiste et inaugure un nouveau rapport à l'art et à la modernitéThe purpose of this thesis is to study the evolution of the relationships between art and art gallery, starting from the example of paintings and sculptures of XVIIIe and XIXe centuries, preserved in the art galleries of Angers, Nantes and Rennes. Its purpose is to show how the creation of the art gallery, regarded as a place of preservation and study, concerns and transforms the finality of art, by opening for it, an artificial space which inaugurates modernity. The first part is devoted to the period of emergence of the art gallery, which is characterised by the transition from private collections to public collections. It includes the study of the confiscations of revolutionary period and the attributions of works of art by the state and their influence on the art gallery, during the first part of the XIXe century. The second part is devoted to the study of the function and the using of art gallery, between 1850 and 1918. It describes relationships of the principal actors of art gallery (state, town, collector, artist) with art and their influence on this public space which becomes one of the symbols of urban world by securing the durability of its own cultural traditions. The third part presents the art gallery and its relationships with art history which appears as a new operator of the museal world. It shows, how art history substituted to the artist himself, inaugurates a new relation with art and modernity
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D'Hainaut, Brigitte. "Les retables d'autels sculptés dans les Pays-Bas à la fin de l'époque gothique (XVe-début XVIe siècle): raisons, thèmes et usages". Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 1996. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/212274.
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Delas, Raphaële. "Aimé et Louis Duthoit, derniers imagiers du Moyen âge : un atelier de création et de restauration de sculpture médiévale à Amiens au XIXe siècle (1820-1870)". Amiens, 2007. http://www.theses.fr/2007AMIE0013.
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Duplouy, Alain. "Le prestige des élites : recherches sur les modes de reconnaissance sociale en Grèce entre les Xe et Ve siècles avant J.-C". Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010539.
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La conception traditionnelle de l'aristocratie grecque a connu ces dernières décennies de profonds réajustements. La vision politique et gentilice d'une aristocratie de loisirs a désormais laissé la place à la notion d'individus entreprenants, conquérant leur statut à travers divers modes de reconnaissance sociale par un investissement continu en temps et en moyens. L'étude de six stratégies convoquant divers champs sociaux (énoncer une ascendance, contracter un mariage, récupérer la mort, collectionner le monde, s'inscrire dans l'espace, rivaliser d'originalité) révèle une mobilité sociale importante, où le statut de chaque individu apparaît comme une renégociation constante de l'estime que la communauté consent à lui accorder. De ce point de vue, la mentalité agonistique, caractéristique essentielle de la civilisation grecque, déterminait les rangs à tous les niveaux de l'échelle sociale et à toutes les époques, sans qu'aucun lien puisse être établi avec un groupe social particulier.
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Zito, Mickaël. "Les Marca (fin XVIIe - début XIXe siècles) : itinéraires et activités d'une dynastie de stucateurs piémontais en Franche-Comté et en Bourgogne". Thesis, Dijon, 2013. http://www.theses.fr/2013DIJOL038/document.
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Le sujet abordé dans cette thèse est la famille Marca, dynastie piémontaise originaire de la Valsesia spécialisée dans le travail du stuc. Au début du XVIIIe siècle, certains membres de cette famille migrèrent vers la Franche-Comté en quête de travail tandis que les autres restèrent dans le Piémont. Les Marca installés en France accueillirent ensuite les autres artistes de la famille qui ainsi purent travailler dans la même région voire dans des zones limitrophes. Leurs ouvrages sont présents dans des lieux de culte et des demeures privées italiens, franc-comtois et bourguignons. Ces œuvres (retables, chaires à prêcher, statues et bas-reliefs en stuc) ont été réalisées entre la fin du XVIIe siècle et le début du XIXe siècle. Ce sujet est entièrement nouveau dans la mesure où les informations concernant cette famille sont rares et dispersées et qu’aujourd’hui aucune recherche n’a été entreprise sur eux, ni en France ni en Italie. Ce travail consiste donc en une étude de cette famille italienne et de son activité. La thèse établit une biographie précise de chacun des membres, définit l’organisation, les méthodes et les techniques de travail de ces stucateurs, dresse l’inventaire de leurs œuvres et les situe dans le contexte artistique et religieux de leur temps. Les archives de Bourgogne, du Doubs, du Jura, de la Haute-Saône et des régions de Biella et de Vercelli ont été exploitées. La visite d’un grand nombre d’édifices italiens et français possédant du mobilier de la main des Marca ou d’un style proche du leur fût également nécessaire afin de mener à bien ce travail. L’objectif principal étant de replacer les Marca dans un contexte géographique, historique et culturel, de comprendre leur organisation et leur spécificité et de définir leur style de façon précise à partir des œuvres connues afin de pouvoir tenter de nouvelles attributionsThe topic of this thesis is the Marca dynasty, a piedmontese family from the Valsesia area, specialized in the stucco work. In the early eighteenth century, some of its members migrated to the Franche-Comté in France, in search of work, the others remaining in Piedmont. Their realizations can be studied in religious places and private houses in Italy, in Franche-Comté and Burgundy. These works (altars, pulpits, statues and bas-reliefs in stucco) were created between the late seventeenth century and the early nineteenth century. This topic is entirely unpublished, especially as the information on this family are rare and scattered. Moreover, no research has been undertaken on it, neither in France nor in Italy. This study is well an analysis on this Italian family and its activity. The thesis provides an accurate biography of each member, defines the organization, methods and techniques of the stucco work, the inventory of their works, and position them in the artistic and religious context of their time. The archives of Burgundy, Doubs, Jura, Haute-Saône in France and of the regions of Biella and Vercelli in Italy have been exploited. Visit a large number of Italian and French buildings decorated with Marca’s furniture or near their style has been also necessary to carry out this work. The main objective was to place the Marca dynasty in its geographical, historical and cultural context, to understand its organization and specificity, to define accurately its style from recognized works, to be able to propose new attributions
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Noet, Laurent. "Les Grands Prix de Rome de sculpture formés à Marseille dans la seconde moitié du XIXe siècle : André Allar (1845-1926), Jean Turcan (1846-1895), Jean-Baptiste Hugues (1849-1930), Henri Lombard (1855-1929), Constant Roux (1865-1942) et Auguste Carli (1868-1930) : une école marseillaise de statuaire?" Montpellier 3, 2000. http://www.theses.fr/2000MON30016.
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Chaumier-Bouron, Morgane. "Les restaurations du décor sculpté du château de Blois au XIXe siècle à travers l'étude de son fonds lapidaire". Thesis, Tours, 2016. http://www.theses.fr/2016TOUR2005.
Texto completoResumen
Classé sur la première liste des monuments historiques et premier édifice civil à bénéficier d’une restauration ordonnée et financée par l’État, le château de Blois voit se succéder, dès 1843, deux chantiers de réhabilitation respectivement dirigés par Félix Duban (1797-1870) et Anatole de Baudot (1834-1915). Remarquable synthèse de l’histoire de l’architecture française, le château est aussi le terrain d’expérimentation de diverses conceptions, méthodes et techniques de restauration qui, apparaissant au XIXe siècle, animent le débat national au centre duquel se place Viollet-le-Duc. L’inventaire et l’analyse inédits du fonds lapidaire du château de Blois, collection à laquelle sont associés les études, modèles avant exécution et moulages en plâtre des motifs décoratifs avant restauration, permettent de renouveler les connaissances sur le décor sculpté des ailes Louis XII et François Ier. Grâce à la mise en perspective des plâtres, des pierres déposées, des façades actuelles, des sources manuscrites et iconographiques, cette étude révèle les spécificités de chacune des deux restaurations, leur opposition et leur complémentarité. Elle met en évidence deux perceptions différentes de la Renaissance et la façon dont elles sont traduites dans la pierre par les architectes du XIXe siècle. Le château de Blois est ainsi un chantier-modèle, tant par l’exemplarité des restaurations dont il est l’objet que par l’intégration, assumée, du XIXe siècle à son histoireClassified on the first list of “Historic Monuments” and the first civil building to have its restoration requested and funded by the French State, the Chateau of Blois was the object of two renovation programmes starting in 1843 and respectively supervised by Félix Duban (1797-1870) and Anatole de Baudot (1834-1915). An outstanding synthesis of the history of French architecture, the chateau was also the experimenting field for various techniques, methods and approaches of restoration appearing in the 19th century and stimulating the national debate, in which Viollet-le-Duc played a major role. These unique inventory and analysis of the lapidary collection of the Chateau of Blois, to which are added the studies, the mock models, and the plaster casts of the decorative patterns before their restoration, allow to renew the knowledge about the carved décor of the Louis XII’s and the Francis I’s wings. This study puts into perspective the plaster casts, the stones taken off the facades, the present facades, the manuscript and iconographic sources, and it hereby brings to light the specificities of each restoration campaign, their differences and their complementarity. It highlights two different perceptions of the Renaissance and the way they were expressed in the stone by the 19th-century architects. Thus, thanks to its exemplary restoration and the way it integrated the 19th century into its own history, the Chateau of Blois acts as a true model for restoration campaigns
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Berriola, Riccardo. "Les terres cuites figurées de la collection Raffaele Gargiulo au Musée National de Naples : recherches sur le goût et le marché de l'art dans la première moitié du XIXe siècle". Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100194.
Texto completoResumen
La these analyse la collection de terre cuite de Raffaele Gargiulo (1785-après 1864), céramiste et restaurateur affirmé, personnage de première importance du Musée de Naples, marchand napolitain d'antiquité des années 20 et 30 du XIXe siècle. La proposition de vente de sa collection au Musée de Naples est faite en décembre 1852. Après deux années de dures négociations le 29 mai 1855 la vente se conclut pour 6000 ducats. Pour comprendre le personnage de Gargiulo en tant que marchand d'oeuvre d'art, 315 documents, conservés dans l'Archive d'État de Naples et la Surintendance de Naples, ont èté analysés. L'étude de 11 arrêtés royaux entrés en vigueur entre 1807 et 1852, ont permis de reconstruire le cadre législatif en vigueur de l'époque. La petite plastique, la classe la plus nombreuse, représente environ les trois quarts de la collection de terre cuite. En ce qui concerne les provenances, les Pouilles et la Campanie sont largement dominantes avec 578 objets (95.54% de la collection entière): dans le détail on note que les localités se trouvant aux premières places sont aussi bien les Pouilles (Gnathia, Ruvo et Canosa) que la Campanie (Capoue et Calès), plus célèbres pour les fabrications coroplastiques. Le matériel architectonique va de la fin du VIe s. av. J.- C. au I Ier s. ap. J.-C., le matériel coroplastique se situe entre la moitié du IVe s. et la fin du IIIe s. av. J.-C., la céramique à décoration plastique et polychrome et celle achrome entre le IVe et le IIIe s. av. J.-C., alors que la chronologie des vases modelés va de la fin du VIe et le IIIe s. av. J.-C. Enfin, les lampes à huile sont toutes datées entre la première moitié et le dernier quart du Ier s. ap. J.-CThe thesis analyzes the collection of terracottas of Raffaele Gargiulo (1785-after 1864), ceramist and restorer, leading figure of the Museum of Naples, neapolitan merchant of antiquity in the twenties and thirties of the 19th century. The proposed sale to the Museum of Naples of his collection is made in December 1852, but only after more than two years of hard deals it comes to the purchase on May 29th, 1855, for 6000 ducats. In order to understand the figure of Gargiulo as merchant of art 315 documents, kept in the State Archive of Naples and in the Historical Archive of the Archaeological Superintendence of Naples, have been analyzed. By the study of 11 royal decrees dated between 1807 and 1852 the legislative framework in force at the time was rebuilt, as part of the trade and export of archaeological and art objects. In the Gargiulo’s collection of terracottas the little plastic (443 specimens, 73.88%) is the most documented class, accounting for about three-quarters of the collection. About the provenances, Apulia and Campania with 578 items, the 95.54%, prevail. At the top lie the towns, both in Apulia (Gnathia, Ruvo and Canosa) and Campania (Capua and Cales), most famous for the coroplastic products. If the architectural material is dated from the end of the 6th century BC to 1st century AD, the coroplastic material lies mostly between the mid-4th century BC and the end of the 3rd BC. The pottery ranges between the 4th century and 3rd century BC, especially the plastic and polychrome decoration and the achromatic ceramic; the chronology of plastic vessels is more varied, between the late 6th and 3rd centuries BC. The lamps, finally, are dated to 1st century AD
La tesi analizza la collezione di terrecotte di Raffaele Gargiulo (1785-post 1864), ceramista e restauratore affermato, figura di primo piano del Museo di Napoli, grande mercante napoletano di antichità degli anni Venti e Trenta dell'Ottocento. La proposta di vendita al Museo di Napoli della sua collezione viene fatta nel dicembre del 1852, ma dopo oltre due anni si giunge all'acquisto, il 29 maggio 1855, per seimila ducati. Per inquadrare la figura del Gargiulo come mercante di opere d'arte sono stati analizzati 315 documenti custoditi nell'Archivio di Stato di Napoli e nell'Archivio Storico della Soprintendenza Archeologica di Napoli. Attraverso lo studio di 11 regi decreti tra il 1807 e il 1852 si è ricostruito il quadro legislativo in vigore all'epoca nell'ambito del commercio e dell'esportazione di reperti archeologici e oggetti d'arte. Nella collezione Gargiulo di terrecotte la piccola plastica (443 esemplari, pari al 73.88%) è la classe più documentata, rappresentando circa i tre quarti della collezione. Tra le provenienze prevalgono la Puglia e la Campania con 578 oggetti, il 95.54%. Ai primi posti si collocano le località, sia pugliesi (Egnazia, Ruvo e Canosa) che campane (Capua e Cales), più celebri per i prodotti coroplastici. Se il materiale architettonico va dalla fine del VI a.C. al I d.C., quello coroplastico si colloca per lo più tra la metà del IV e la fine del III a.C. La ceramica spazia tra il IV e il III secolo a.C., soprattutto per la ceramica a decorazione plastica e policroma e per quella acroma, più varia è la cronologia dei vasi plastici, tra la fine del VI e il III a.C. Le lucerne, infine, si datano nell'ambito del I secolo d.C