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Artículos de revistas sobre el tema "Racisme – Au théâtre"

Autor: Grafiati

Publicado: 25 de mayo de 2024

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1

Midgley, Caitlin. "héritage sexualisé de l'esclavage et la formation de l'identité dans Pension les Alizés et Histoire de la femme cannibale". ALTERNATIVE FRANCOPHONE 2, n.º 10 (5 de enero de 2022): 89–99. http://dx.doi.org/10.29173/af29435.

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Resumen

Les femmes de la diaspora africaine ont été marquées par l'héritage traumatique sexualisée de l'esclavage ; un héritage qui affecte leur capacité à établir des relations et des identités. Dans le contexte de cet héritage, Condé explore dans deux genres différents l'impact du traumatisme et du racisme sur la capacité de deux femmes différentes de la diaspora africaine à établir des identités et à trouver l'amour. Dans la première œuvre, une pièce de théâtre, Pension les Alizés, le protagoniste une danseuse exotique à Paris, ne peut pas se débarrasser de la tache de l'esclavage ou établir des relations durables et dans la vieillesse elle se perd dans des illusions ; elle est toujours accrochée à son identité de danseuse d'autrefois. Dans une œuvre ultérieure, Histoire de la femme cannibale, un roman, Condé est plus optimiste, le protagoniste parvient à se séparer de l'héritage de l'esclavage ; elle commence à se forger une nouvelle identité en s'identifiant à la force de la femme cannibale. Les deux genres différents présentent de différentes possibilités d'explorer l'héritage de l'esclavage. Compte tenu de la séparation de deux décennies, nous voyons l'évolution de la réflexion de Condé sur les réactions possibles au traumatisme historique collectif de l'esclavage.

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2

Goodkin, Richard. "La Lettre performative. Quand dire, c’est faire chez Racine". Études littéraires 25, n.º 1-2 (12 de abril de 2005): 23–36. http://dx.doi.org/10.7202/500994ar.

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Resumen

La théorie du performatif élaborée par Austin comprend deux éléments qui s'appliquent au théâtre de Racine : la notion de performance (elle-même théâtrale), et l'importance de la première personne qui, selon Benveniste, crée l'espace de l'énonciation. Une discussion de cette théorie appliquée au théâtre tragique - où les personnages tragiques sont souvent « parlés » plutôt que « parlants », et où le langage tragique joue avec eux davantage qu'eux avec lui - est suivie d'une analyse de Bérénice et de Bajazet et de quelques commentaires sur Andromaque et Phèdre.

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3

Louvat, Bénédicte. "Pour une autre histoire du théâtre français du XVIIe siècle". apropos [Perspektiven auf die Romania], n.º 1 (12 de diciembre de 2018): 109–26. http://dx.doi.org/10.15460/apropos.1.1255.

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Resumen

Le XVIIe siècle est considéré comme l’âge d’or du théâtre français, pour avoir vu naître le trio que forment Corneille, Molière et Racine, auteurs des chefs-d’œuvre immortels que sont, notamment, Le Cid, Tartuffe et Phèdre. Sans jamais le dire et encore moins le penser, une telle conception fait en réalité coïncider l’histoire du théâtre français avec celle du théâtre parisien et un siècle entier avec une quarantaine d’années tout au plus. C’est donc une autre histoire que nous aimerions raconter autant que donner à penser, une histoire qui embrasse la production théâtrale des territoires français en dehors de la capitale, avant et après les bornes chronologiques étroites qui vont des années 1630 aux années 1670 et dans les langues de France autres que le français autant que dans la « langue de Molière ».

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4

Saulnier-Cassia, Emmanuelle. "La haine du théâtre par le droit versus la haine du droit par le théâtre". Les Cahiers de droit 58, n.º 1-2 (17 de mayo de 2017): 241–78. http://dx.doi.org/10.7202/1039838ar.

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Resumen

Les relations entre le droit et l’art théâtral sont complexes et chargées de défiance réciproques qui peuvent se changer en haine et produire un antithéâtre et un antidroit. La haine du théâtre par le droit se manifeste par une censure de la liberté d’expression du premier par le second, qui menace cet art quels que soient l’époque et le lieu considérés, contraignant les auteurs à justifier et parfois à expurger leurs textes, le plus souvent pour des raisons de moralité ou des provocations sur des questions religieuses. La haine du droit par le théâtre s’illustre par une satire féroce du monde juridique chez certains auteurs, parmi lesquels Aristophane, Racine, Molière, Brecht et Shakespeare. Cette haine réciproque peut néanmoins être dépassée en prenant en considération la question de la responsabilité, particulièrement à l’époque contemporaine marquée par l’engagement constructif d’auteurs et de metteurs en scène comme Thomas Ostermeier et Lina Prosa.

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5

Hawcroft, Michael. "L’alinéa théâtral : Racine et le théâtre imprimé du dix-septième siècle". Dix-septième siècle 271, n.º 2 (2016): 235. http://dx.doi.org/10.3917/dss.162.0235.

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6

Rescia, Laura. "M. Hawcroft, L’alinéa théâtral: Racine et le théâtre imprimé du dix-septième siècle". Studi Francesi, n.º 181 (LXI | I) (1 de marzo de 2017): 146. http://dx.doi.org/10.4000/studifrancesi.6825.

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7

Campbell, John. "Racine : théâtre et émotion". Coulisses, n.º 42 (15 de febrero de 2011): 13–16. http://dx.doi.org/10.4000/coulisses.568.

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8

Dubu, Jean. "Mithridate, pourquoi?" Revue d'histoire littéraire de la France o 99, n.º 1 (1 de enero de 1999): 17–40. http://dx.doi.org/10.3917/rhlf.g1999.99n1.0017.

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Resumen

Résumé Une situation inédite, unique dans le domaine de la tragédie : une femme entre trois hommes, liés par la filiation ou la fraternité, et une esthétique verbale qui n’est pas sans analogie avec celle que définissait le peintre Maurice Denis lorsqu’il considéràit un tableau comme « un certain nombre de couleurs en un certain ordre assemblées ». Dans Mithridate , il s’agit d’un certain nombre de mots, rares, dans le théâtre de Racine, ici rassemblés, rendus singulièrement significatifs par les rappels qu’ils fournissent (des tragédies de Corneille, mais aussi du La Fontaine de la fable..’.), par leurs récurrences et leurs contrastes ; ils amènent à s’interroger sur « les dangereux détours » empruntés par le héros, leur efficacité réelle, le degré de lucidité dont ils témoignent ou qu’ils suscitent chez les divers protagonistes. Ils justifient sans doute pour une bonne part l’intérêt que Louis XIV n’a cessé de: porter à cette oeuvre révélatrice. Le peu d’occasions fournies au public des théâtres de l’apprécier de nos jours constitue en soi une interrogation nouvelle à son sujet.

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9

Hawcroft, Michael. "Racine: trois siècles de théâtre". French Studies 59, n.º 3 (1 de julio de 2005): 399–400. http://dx.doi.org/10.1093/fs/kni163.

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10

Douxami, Christine. "L’invisibilité des acteurs non-Blancs dans le théâtre en France : du constat à l’invention de nouvelles stratégies". ALTERNATIVE FRANCOPHONE 2, n.º 6 (17 de febrero de 2020): 89–109. http://dx.doi.org/10.29173/af29391.

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Resumen

L’analyse de la situation post-coloniale française contemporaine, par le biais de l’art et plus particulièrement du théâtre, permet de mettre à jour des dimensions politiques - nationales et internationales quant aux revendications afros ou panafricaines -, mais révèle également des imaginaires eux-mêmes porteurs de forts contenus politiques. Cet essai indique comment, à l’échelle de la scène théâtrale française aujourd’hui, la quasi-absence des acteurs non blancs au plateau et les tentatives de renversement de cet état de fait, entres autres en bloquant l’accès à certaines pièces considérées racistes, font partie d’un vaste ensemble de revendications découlant du contexte de colonisation puis de décolonisation à l’échelle mondiale. L’étude des stratégies des descendants des populations issues des colonies françaises pour conquérir les scènes théâtrales sera au cœur de cet article. La mise en parallèle avec celles des Afro-brésiliens a pour objectif d’expliciter des stratégies distinctes tant de politiques publiques que militantes dans de différents contextes d’invisibilisation des minorités.

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11

DANDREY, Patrick. "Molière et Racine : un théâtre d'anatomie ?" Cahiers de l'Association internationale des études francaises 55, n.º 1 (2003): 347–62. http://dx.doi.org/10.3406/caief.2003.1504.

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12

Papasogli, Benedetta. "André Blanc, Racine. Trois siècles de théâtre". Studi Francesi, n.º 142 (XLVIII | I) (1 de julio de 2004): 180–81. http://dx.doi.org/10.4000/studifrancesi.40592.

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13

Garcin-Marrou, Flore. "Le masque noir au théâtre est-il un attribut raciste ?" Chimères N° 96, n.º 1 (18 de mayo de 2020): 79–91. http://dx.doi.org/10.3917/chime.096.0079.

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14

Planche-Touron, Marie-Claire. "Jacques de Sève illustrateur du théâtre de Jean Racine". Dix-huitième Siècle 37, n.º 1 (2005): 513–35. http://dx.doi.org/10.3406/dhs.2005.2691.

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15

Dalla Valle, Daniela. "Marc Szuszkin, L’espace tragique dans le théâtre de Racine". Studi Francesi, n.º 152 (LI | II) (1 de octubre de 2007): 438–39. http://dx.doi.org/10.4000/studifrancesi.45800.

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16

Parish, Richard. "Racine: trois siècles de théâtre by André Blanc (review)". Modern Language Review 99, n.º 3 (julio de 2004): 775–76. http://dx.doi.org/10.1353/mlr.2004.a827058.

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17

Planche, Marie-Claire. "Britannicus de Jean Racine, des illustrations marquées par une histoire du goût au xviii e siècle". Littératures classiques N° 109, n.º 3 (13 de junio de 2023): 53–69. http://dx.doi.org/10.3917/licla1.109.0053.

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Resumen

Le théâtre de Jean Racine fut illustré avec la plus grande régularité tout au long du xviii e siècle. Pour comprendre la manière dont l’iconographie a pu s’inscrire dans une tradition ou évoluer, nous avons choisi de nous intéresser à la tragédie Britannicus , dont le fameux récit du banquet fut le sujet du premier frontispice. Nous proposons une réflexion sur le principe de réillustration à partir d’un ensemble d’estampes.

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18

French, French y Stéphane Lestage. "Simon sur les planches des Feluettes de Michel Marc Bouchard". Voix Plurielles 17, n.º 2 (12 de diciembre de 2020): 184–87. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v17i2.2611.

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Resumen

Entretien accordé à Marie Pascal, Université Dalhousie Comme Michel Marc Bouchard, Stéphane Lestage a étudié au département de théâtre de l’Université d’Ottawa. Après ces débuts dans le Britanicus de Racine au Centre National des Arts d’Ottawa, il est recruté par Brigitte Haentjens au Théâtre du Nouvel-Ontario de Sudbury pour y jouer le rôle de « Ti-Jean », personnage légendaire de la tradition orale du nord de l’Ontario. La saison suivante, il jouera dans Nickel, aussi du TNO, et c’est à cette occasion qu’il fera une tournée (Ontario, Québec et dans les maritimes) en compagnie de Michel Marc Bouchard. Suite à cette tournée, le dramaturge le recrute pour jouer Simon lors de la création des Feluettes à L’Atelier du CNA (Ottawa). De retour à Montréal, Stéphane jouera surtout à la télévision pendant quelques années, puis fera ensuite une transition vers les domaines plus techniques du cinéma et de la télévision.

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19

Brooks, William. "Theatrical Success and the Chronology of Productions at the Hotel de Bourgogne: New Evidence from Racine and Quinault". Theatre Survey 30, n.º 1-2 (mayo de 1989): 35–44. http://dx.doi.org/10.1017/s0040557400000752.

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Resumen

It is a commonplace regret of theatre historians that, for the Hôtel de Bourgogne (as, indeed, for the Théâtre du Marais) there exists no continuous record of performances analogous to that maintained by La Grange in respect of Molière's troupe. Thus one cannot always be certain which plays were performed, still less when. Such dates as are certain—or even, virtually certain—are so, only because they arise in the writings of contemporaries. In particular, the gazetiers (Loret, Robinet, and others) are an invaluable source of information. One can say, for example, that the first performance of Quinault's Stratonice took place on January 2, 1660 at the Hôtel de Bourgogne, that of Pierre Corneille's Sertorius on February 25, 1662 at the Théâtre du Marais, that of Racine's Andromaque on November 17, 1667 in the Louvre (given by the troupe of the Hôtel), and that of Quinault's Pausanias at the Hôtel on November 16, 1668—provided, of course, that the gazetiers are not mistaken (and, as a fact, they are not infallible). Clues may also be found in other miscellaneous writings (one such, to be mentioned again below, establishes the date of Racine's Bérénice).

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Bourassa, André-Gilles. "Scènes de Nouvelle-France : 1535". Pratiques & travaux, n.º 33 (6 de mayo de 2010): 144–58. http://dx.doi.org/10.7202/041529ar.

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Resumen

« Scènes de Nouvelle-France » aborde un certain nombre de productions qui impliquent un modèle métropolitain (entrée triomphale, néoclassicisme, comédie italienne), et quelques particularités coloniales (participation autochtone, scénographie inusitée). Certains officiers ont produit leurs propres textes, comme Lescarbot, Lotbinière et Le Verrier. D’autres, comme Piraube, Mareuil et Mascarène, ont osé monter et interpréter des auteurs aussi célèbres que Corneille, Racine et Molière. L’intérêt des professeurs et des familles seigneuriales pour le théâtre a contribué, malgré les réticences du haut clergé, à donner au milieu une empreinte culturelle indélébile.

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21

Ailloud-Nicolas, Catherine. "Bérénice de Racine, la belle étrangère du théâtre de Gwenaël Morin". Coulisses, n.º 42 (15 de febrero de 2011): 81–89. http://dx.doi.org/10.4000/coulisses.592.

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C. Tushar Iyengar, Chandniée. "L’entre-jeu agôn-aléa et la place du hasard dans la construction du tragique racinien". Quêtes littéraires, n.º 13 (30 de diciembre de 2023): 10–26. http://dx.doi.org/10.31743/ql.16855.

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Resumen

Dans l’épistémologie sociale de Roger Caillois, agôn et aléa sont les premiers deux principes du jeu qui se déploient entre la polarité arbitraire des tendances ludiques de paidia et de ludus. La vision traditionnelle sur les tragédies vivement soutenue par les auteurs aristotéliciens est que, dans son univers tragique particulier, l’enjeu est déterminé par une fatalité implacable dirigée du probable et du nécessaire. Cependant, dans la plupart des pièces de Racine, le cours des évènements semble tourner autour de la fortune qui finit par créer une sorte de champ médian de l’action tragique entre agôn et aléa. L’article soutient que le hasard occupe bien une place dans le théâtre de Racine, dont l’intrigue tragique doit être explorée dans une perspective stochastique. Il se sert de la notion d’« entre-jeu » empruntée aux jeux de balles signifiant le médian du terrain, position qui maximise le potentiel du hasard dans ces jeux.

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Eskenazi, A. "Observations sur la morphologie du verbe dans le théâtre de Racine (Ed. de 1697)". Linx 22, n.º 1 (1990): 15–41. http://dx.doi.org/10.3406/linx.1990.1144.

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Campion, Edmund J. "La Liberté et le destin dans le théâtre de Jean Racine. Eléonore M. Zimmermann". Modern Philology 82, n.º 3 (febrero de 1985): 325–26. http://dx.doi.org/10.1086/391393.

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Gaber, Floriane y Alain Viala. "Les classiques au théâtre et dans la presse : Corneille, Molière, Racine dans la saison 1991-92". Littératures classiques 19, n.º 1 (1993): 293–302. http://dx.doi.org/10.3406/licla.1993.1754.

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van Oostveldt, Bram y Stijn Bussels. "The Sublime and French Seventeenth-Century Theories of the Spectacle: Toward an Aesthetic Approach to Performance". Theatre Survey 58, n.º 2 (19 de abril de 2017): 209–32. http://dx.doi.org/10.1017/s0040557417000072.

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Resumen

Theatre scholars and historians assume too easily that theoretical reflection on the performative qualities of the theatre began only in the eighteenth century. In mid-eighteenth century France, writers and philosophers such as Denis Diderot, Jean le Rond D'Alembert, Jean-Jacques Rousseau, Antoine-François Riccoboni, or Jean-Georges Noverre (to name but a few) showed a passionate interest in the aesthetics and the morality of performance practices in dramatic theatre, music theatre, or dance. Compared to this rich diversity of ideas in the eighteenth century, seventeenth-century French writings on theatre and the performing arts seem, at first sight, far less interesting or daring. However, this is merely a modern perception. Our idea of le théâtre classique is still rather reductionist, and often limited to the theatrical canon of Pierre Corneille, Jean Racine, and Molière. It affords a view of the performing arts that is dominated by tragedy and comedy and that, firmly embedded within a neo-Aristotelian poetics, privileges dramatic concerns above performative interests.

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Zaiser, Rainer. "Le rayonnement du théâtre de Racine dans l'œuvre de Proust : à la recherche de la modernité de Phèdre". Littératures classiques N° 76, n.º 3 (2011): 187. http://dx.doi.org/10.3917/licla.076.0187.

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Prost, Brigitte. "À la racine... ou l’histoire souterraine de la venue du Théâtre du Soleil à Lausanne. Portraits croisés d’Omar Porras et d’Ariane Mnouchkine". Études de lettres, n.º 313 (24 de septiembre de 2020): 285–300. http://dx.doi.org/10.4000/edl.3246.

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Bovet, Jeanne. "Au miroir de la déclamation : la voix de la lecture touchante dans la nouvelle du second xviie siècle". Tangence, n.º 96 (20 de abril de 2012): 65–84. http://dx.doi.org/10.7202/1008852ar.

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Resumen

Fondé sur les équivalences entre le code de la déclamation théâtrale et celui de la lecture touchante théorisés en 1707 par Jean-Léonor Le Gallois de Grimarest dans son Traité du récitatif, ainsi que sur les considérations de plusieurs traités de rhétorique et d’art dramatique du xviie siècle, cet article cherche à définir quelques éléments clés de la poétique vocale de la nouvelle française de la seconde moitié du xviie siècle. À travers l’analyse comparée des nouvelles Floridon (1657) de Segrais et Philadelphe (1687) de Girault de Sainville et de la tragédie Bajazet (1672) de Racine, il met en évidence l’importance et la forte charge pathétique du dialogue et des figures de rhétorique, deux procédés vocaux fondateurs communs aux deux genres, replaçant ainsi la voix au coeur des pratiques d’écriture aussi bien que de lecture de la nouvelle de l’âge classique.

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Pelland, Ginette. "Pierre Gravel, Politiques, femmes, pouvoir — Éléments pour une théorie de l’otage (Essai sur le théâtre de Jean Racine), Montréal, VLB éd., 189 pages". Philosophiques 19, n.º 1 (1992): 139. http://dx.doi.org/10.7202/027179ar.

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Suciu, Silvia. "Piața de artă în Franța în sec. XVII-XVIII". Anuarul Muzeului Etnograif al Transilvaniei 33 (20 de diciembre de 2019): 171–205. http://dx.doi.org/10.47802/amet.2019.33.12.

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Resumen

Conçu comme une continuation de l’essaye „L’affaire de l’Art. Le Marché d’Art aux Pays Bas, au XVIIe siècle” (AMET 2018), cette étude suit la création artistique et le destinataire de l’œuvre d’art en France, aux XVIIe et XVIIIe siècles. À la Cour du Roy Soleil, la possession d’un capital culturel (objets de luxe, tableaux, bijoux, calèches) était un moyen de montrer le rang, la vertu et la grandeur à travers la valeur associée à ces objets. Louis XIV a exercé un contrôle absolu de la production des œuvres d’art crées à Versailles, dans tous les domaines d’art : architecture, sculpture, peinture, théâtre, ballet, musique… Il y a réalisé un mouvement culturel et artistique et s’est entouré d’une pléiade d’artistes : Charles Le Brun, Nicolas Poussin et Pierre Mignard (premiers peintres du Roy), Molière (ses pièces étaient jouées à Versailles et dans les salons de Paris), Jean-Baptiste Lully (qui encourageait la passion du Roy pour la danse), Jean Racine (l’„historique officiel” du Roy), André le Nôtre (architecte du parc et des jardins de Versailles), Jean de la Fontaine, Charles Perrault etc. Parallèlement à la vie artistique de Versailles, pendant le XVIIIe siècle on assiste au développement du marché libre d’art à Paris ; dans le magasin appartenant à Edme-François Gersaint, Au Grand Monarque, les clients achetaient des tableaux, des gravures, des sculptures, des naturalia et d’autres objets de luxe. Gersaint a été le premier à Paris qui a réalisé des ventes aux enchères, suivant le modèle des Pays Bas. Ces enchères et les chroniques d’art de Denis Diderot ont beaucoup contribué à la „démocratisation” du public des arts plastique en France et dans tout le monde, à partir du XVIIIe siècle.

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Braun, Juliane. "Re-Visiting the Creole Myth: Race and Ethnicity on the New Orleans Stage". Quebec Studies 71, n.º 1 (1 de junio de 2021): 41–60. http://dx.doi.org/10.3828/qs.2021.5.

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Scholars who have studied the contested meaning of “creole” in Louisiana have typically maintained that the “Creole myth,” that is the strategic redefinition of the term “creole” to refer to the white descendants of Louisiana’s original French and Spanish settlers, emerged during or shortly after the Civil War. Drawing on a newspaper article and two case studies related to the New Orleans theatre, this essay proposes a new periodization for the emergence of the “Creole myth” and a re-evaluation of the cultural and political work it was doing. I want to suggest that conceiving of the Creole myth as an antebellum phenomenon (rather than examining it in the context of the postbellum era) allows us to see that its creation was not just motivated by French Louisianian concerns about cultural integrity and ethnic survival but also by this population’s anxiety about race and the status and mobility of free people of color. As a rhetorical tool that gained traction in the 1830s, the strategic redefinition of “creole” to exclude all people of African descent operated in tandem with other attempts to curtail the rights of free people of color, preventing their social, economic, and political ascent during the antebellum period. Ceux qui ont étudié le sens contesté du terme « créole » en Louisiane ont typiquement maintenu que le « mythe créole », c’est-à-dire, la redéfinition stratégique du terme « créole » à ne comprendre que les descendants blancs des colons d’origine française ou espagnole est apparu pendant ou peu après la guerre de Sécession. S’appuyant sur un article de journal et sur deux études de cas du théâtre à la Nouvelle-Orléans, cet article propose une nouvelle périodisation de l’émergence du « mythe créole » ainsi qu’une réévaluation du travail politique et culturelle qu’il exerçait. Je veux suggérer qu’en concevant le mythe créole comme phénomène d’avant la guerre de Sécession (plutôt que de l’examiner dans le contexte de l’après-guerre), nous comprenons que sa création a été motivé non seulement par des préoccupations d’intégrité culturelle et de survie ethnique de la part des Franco-louisianais, mais aussi par leur anxiété raciale par rapport à la mobilité des gens de couleur libres. Comme outil rhétorique qui a gagné du terrain dans les années 1830, la redéfinition stratégique de « créole » afin d’exclure tous ceux d’ascendance africaine fonctionnait en combinaison avec d’autres tentatives à restreindre les droits des gens de couleur libres, empêchant leur ascension sociale, économique et politique pendant l’ère d’avant la guerre de Sécession.

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Chor Maio, Marcos. "GUERREIRO RAMOS INTERPELA A UNESCO: ciências sociais, militância e antirracismo". Caderno CRH 28, n.º 73 (30 de septiembre de 2015). http://dx.doi.org/10.9771/ccrh.v28i73.19859.

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Este artigo analisa as críticas de Guerreiro Ramos à proposta da Unesco de patrocinar uma série de pesquisas sobre as relações raciais no Brasil no início dos anos 1950. O estudo analisa os trabalhos de Guerreiro Ramos entre 1946 e 1950, considerando suas críticas à tradição de estudos afro-brasileiros, suas abordagens acerca do preconceito de cor sob o prisma das intersecções entre sociologia e psicologia social e as reflexões do cientista social sobre a necessidade de formação de uma intelligentsia negra com o objetivo de combater a discriminação racial no país. Apesar da proposta de Guerreiro Ramos de um Congresso Internacional sobre Raças, ao invés de uma pesquisa acadêmica, não ter vingado, ela gerou um efeito não previsto com a ampliação e diversificação dos estudos da Unesco. Concorreu para tal mudança a existência de um cenário em aberto que foi sendo construído a partir da atuação autônoma de uma rede transatlântica de cientistas sociais progressistas, com experiências diversas de ensino e/ou pesquisa no Brasil e sensível às demandas apresentadas no 1º. Congresso do Negro Brasileiro, patrocinado pelo Teatro Experimental do Negro (TEN).Palavras-chave : Racismo; Teatro Experimental Do Negro; Alberto Guerreiro Ramos; Pensamento Social No Brasil; Unesco; História Das Ciências Sociais.Guerreiro Ramos challenges Unesco: social sciences, activism, and anti-racism. Marcos Chor Maio The article analyzes Guerreiro Ramos’ criticisms of the UNESCO proposal to promote a series of studies on race relations in Brazil in the early 1950s. Focusing on the scholar’s work from 1946 to 1950, the article explores his criticism of the tradition of African-Brazilian studies, his approaches to color prejudice from the perspective of the intersection of sociology with social psychology, and his thoughts on the need to forge a black intelligentsia in order to combat racial discrimination in Brazil. Although Guerreiro Ramos’ proposal to replace the UNESCO academic research agenda with an International Conference on Race was not embraced, the idea had the unexpected effect of contributing to the expansion and diversification of UNESCO studies. The latter changes were facilitated by an open-ended scenario made possible by the autonomous work of a Transatlantic network of progressive social scientists who had diverse experiences in teaching and/or research in Brazil and who were sensitive to the demands presented at the First Brazilian Black Congress, sponsored by the Black Experimental Theater (TEN).Palavras-chave : Anti-racism; Alberto Guerreiro Ramos; black Experimental Theater; Social Thought In Brazil; History Of Social Sciences; Unesco.Guerreiro Ramos interpelle l’Unesco: sciences sociales, militance et antiracisme. Marcos Chor MaioL’objectif de cet article est d’analyser les critiques que Guerreiro Ramos a faites à la proposition de l’UNESCO de promouvoir toute une série de recherches sur les relations raciales au Brésil au début des années 50. L’étude analyse les travaux de Guerreiro Ramos de 1946 à 1950 en prenant en considération les critiques faites à la tradition des études afro-brésiliennes, les intersections entre la sociologie et la psychologie sociale et les réflexions du chercheur en sciences sociales sur le besoin de créer une intelligentsia noire en vue de combattre la discrimination raciale dans le pays. Bien que la proposition de Guerreiro Ramos de former un Congrès Internationale sur les Races, au lieu d’une recherche universitaire, n’aie pas abouti, elle a eu un effet non escompté avec l’augmentation et la diversification des études de l’UNESCO. L’avè...Palavras-chave: Racisme; Théâtre Expérimental Du Noir; Alberto Guerreiro Ramos; Pensée Sociale Au Brésil; Histoire Des Sciences Sociales; Unesco. Publicação Online do Caderno CRH no Scielo: http://www.scielo.br/ccrh Publicação Online do Caderno CRH: http://www.cadernocrh.ufba.br

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Cartron, Maxime. "(Ré)éditer Racine". Acta Mai 2014 15, n.º 5 (2 de junio de 2014). http://dx.doi.org/10.58282/acta.8687.

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Cet article est un compte-rendu du livre : Jean Racine, Théâtre complet, édition d’Alain Viala & Sylvaine Guyot, préface de Jacques Morel, Paris : Classiques Garnier, coll. « Bibliothèque du théâtre français », 2013, 1193 p., EAN 9782812407819.

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Kaczmarek, Tomasz. "Théâtre d'amour de Georges de Porto-Riche face au nouveau paradigme : « Drame-de-la-vie »". Estudios Románicos 32 (24 de abril de 2023). http://dx.doi.org/10.6018/er.527891.

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Georges de Porto-Riche has passed into posterity as an author of the modern drama of sensual and painful love. Compared to the classical tradition of Racine or Corneille, this work seems at first sight to conform to the traditional rules of drama, and more particularly of boulevard theatre. However, from the first plays that are part of the Theater of Love (in this case: Françoise’ Luck, A Loving Wife) we are forced to note that the playwright moves away somewhat from the canonical form, choosing certain formal solutions which announce the new dramatic paradigm (“drama-of-life”). The undermining manifests itself above all through the intrusion of epic elements, the shaking of the fable and a new approach to the characters. Rereading the dramas of Porto-Riche allows us to show how the author attacks the Aristotelian “beautiful animal” and how he replaces the traditional hero with a passive and reflective character, processes that anticipate the advent of modern and contemporary drama Georges de Porto-Riche est passé dans la postérité comme un auteur du drame moderne de l’amour sensuel et douloureux. Comparée à la tradition classique des Racine ou des Corneille, cette œuvre semble de prime abord se conformer aux règles traditionnelles du drame, et plus particulièrement du théâtre de boulevard. Pourtant, dès les premières pièces qui font partie du Théâtre d’amour (en l’occurrence: La Chance de Françoise, Amoureuse) force nous est de noter que le dramaturge s’éloigne quelque peu de la forme canonique, en choisissant certaines solutions formelles qui annoncent le nouveau paradigme dramatique («drame-de-la-vie»). Le travail de sape se manifeste avant tout à travers l’intrusion d’éléments épiques, l’ébranlement de la fable et une nouvelle approche des personnages. Relire les drames de Porto-Riche permet de montrer comment l’auteur s’en prend au «bel animal» aristotélicien et comment il remplace le héros traditionnel par un personnage passif et réflexif, procédés qui anticipent l’avènement du drame moderne et contemporain. Georges de Porto-Riche est passé dans la postérité comme un auteur du drame moderne de l’amour sensuel et douloureux. Comparée à la tradition classique des Racine ou des Corneille, cette œuvre semble de prime abord se conformer aux règles traditionnelles du drame, et plus particulièrement du théâtre de boulevard. Pourtant, dès les premières pièces qui font partie du Théâtre d’amour (en l’occurrence: La Chance de Françoise, Amoureuse) force nous est de noter que le dramaturge s’éloigne quelque peu de la forme canonique, en choisissant certaines solutions formelles qui annoncent le nouveau paradigme dramatique («drame-de-la-vie»). Le travail de sape se manifeste avant tout à travers l’intrusion d’éléments épiques, l’ébranlement de la fable et une nouvelle approche des personnages. Relire les drames de Porto-Riche permet de montrer comment l’auteur s’en prend au «bel animal» aristotélicien et comment il remplace le héros traditionnel par un personnage passif et réflexif, procédés qui anticipent l’avènement du drame moderne et contemporain.

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Saleh, Rania. "Les rapports maternels de la tragédie classique que l’on retrouve dans La Vie de Marianne". Le Monde français du dix-huitième siècle 8, n.º 1 (10 de noviembre de 2023). http://dx.doi.org/10.5206/mfds-ecfw.v8i1.17049.

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Lorsque Constant Venesoen aborde Le complexe maternel dans le théâtre de Racine (1987), et La thématique de la mère dans la tragédie racinienne (2016), il appuie ses arguments sur la psychanalyse de C. G. Jung comme cadre scientifique de la thématique maternelle racinienne, sans doute pour éviter de plaquer la vie de l’auteur sur son œuvre, et pour en souligner les archétypes. Il se trouve que le rapport maternel est considéré comme le plus complexe et le plus ardemment recherché dans La Vie de Marianne (1736). Nous ne tentons pas de dire que par sa préciosité, Marivaux appartienne au XVIIe siècle, mais il semble qu’il existe une continuité entre son traitement des figures maternelles dans La Vie de Marianne, et la tragédie racinienne.

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Kaczmarek, Tomasz. "L’Enchantement et Le Masque d’Henry Bataille, ou les subversions formelles du “théâtre de boulevard”". Estudios Románicos 33 (20 de febrero de 2024). http://dx.doi.org/10.6018/er.577501.

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During his lifetime, Henry Bataille was considered the “new Racine”, but he has since been remembered as the creator of “sentimental realism” that seems to fit perfectly within the aesthetic of boulevard theatre. In fact, the playwright’s name often appears among those who sincerely admire the rigid and anachronistic structure of the “well-made play”. However, despite the author’s certain attachment to the tradition of dramatic art, he does not hesitate to subvert its essential foundations. By analyzing Bataille’s earliest plays, such as The Enchantment and The Mask, one can observe an evident crisis in the canonical form that Bataille perverts through the intrusion of narrative sequences, the undermining of the fable, and the construction of a character deliberately devoid of active attributes. The study of these two texts reveals the originality of the writer, who, despite a few concessions to realism, turns away from various constraints of the “absolute drama”, while heralding the advent of a new drama poetics. De son vivant considéré comme le «nouveau Racine», Henry Bataille est passé à la postérité comme un créateur du «réalisme sentimental» qui semble s’inscrire parfaitement dans l’esthétique du théâtre de boulevard. De fait, le nom du dramaturge figure souvent parmi ceux qui vouent une admiration sincère à la construction rigide autant qu’anachronique de la «pièce bien faite». Néanmoins, malgré un certain attachement de l’auteur à la tradition de l’art dramatique, il n’hésite pas à en subvertir ses fondements essentiels. En analysant les toutes premières pièces du dramaturge, le cas échéant: L’Enchantement et Le Masque, on note une évidente mise en crise de la forme canonique que Bataille pervertit par l’intrusion de séquences narratives, la mise à mal de la fable et la construction du personnage résolument dépourvu de ses attributs actifs. L’étude de ces deux textes permet de découvrir l’originalité de la plume de l’écrivain qui malgré quelques concessions faites au réalisme, tourne le dos à diverses contraintes du «drame absolu», tout en annonçant l’avènement d’une nouvelle poétique du drame. De son vivant considéré comme le «nouveau Racine», Henry Bataille est passé à la postérité comme un créateur du «réalisme sentimental» qui semble s’inscrire parfaitement dans l’esthétique du théâtre de boulevard. De fait, le nom du dramaturge figure souvent parmi ceux qui vouent une admiration sincère à la construction rigide autant qu’anachronique de la «pièce bien faite». Néanmoins, malgré un certain attachement de l’auteur à la tradition de l’art dramatique, il n’hésite pas à en subvertir ses fondements essentiels. En analysant les toutes premières pièces du dramaturge, le cas échéant: L’Enchantement et Le Masque, on note une évidente mise en crise de la forme canonique que Bataille pervertit par l’intrusion de séquences narratives, la mise à mal de la fable et la construction du personnage résolument dépourvu de ses attributs actifs. L’étude de ces deux textes permet de découvrir l’originalité de la plume de l’écrivain qui malgré quelques concessions faites au réalisme, tourne le dos à diverses contraintes du «drame absolu», tout en annonçant l’avènement d’une nouvelle poétique du drame.

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Hawcroft, Michael. "La Concordance chez Racine: rapports entre structure grammaticale et forme métrique dans le théâtre de Racine. Par François Dell et Romain Benini". French Studies, 3 de febrero de 2022. http://dx.doi.org/10.1093/fs/knac008.

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