Bibliografías temáticas / Racisme – Au théâtre

Índice

  1. Artículos de revistas
  2. Tesis
  3. Libros
  4. Capítulos de libros

Literatura académica sobre el tema "Racisme – Au théâtre"

Autor: Grafiati
Publicado: 25 de mayo de 2024

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Artículos de revistas sobre el tema "Racisme – Au théâtre"

1

Midgley, Caitlin. "héritage sexualisé de l'esclavage et la formation de l'identité dans Pension les Alizés et Histoire de la femme cannibale". ALTERNATIVE FRANCOPHONE 2, n.º 10 (5 de enero de 2022): 89–99. http://dx.doi.org/10.29173/af29435.

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Resumen
Les femmes de la diaspora africaine ont été marquées par l'héritage traumatique sexualisée de l'esclavage ; un héritage qui affecte leur capacité à établir des relations et des identités. Dans le contexte de cet héritage, Condé explore dans deux genres différents l'impact du traumatisme et du racisme sur la capacité de deux femmes différentes de la diaspora africaine à établir des identités et à trouver l'amour. Dans la première œuvre, une pièce de théâtre, Pension les Alizés, le protagoniste une danseuse exotique à Paris, ne peut pas se débarrasser de la tache de l'esclavage ou établir des relations durables et dans la vieillesse elle se perd dans des illusions ; elle est toujours accrochée à son identité de danseuse d'autrefois. Dans une œuvre ultérieure, Histoire de la femme cannibale, un roman, Condé est plus optimiste, le protagoniste parvient à se séparer de l'héritage de l'esclavage ; elle commence à se forger une nouvelle identité en s'identifiant à la force de la femme cannibale. Les deux genres différents présentent de différentes possibilités d'explorer l'héritage de l'esclavage. Compte tenu de la séparation de deux décennies, nous voyons l'évolution de la réflexion de Condé sur les réactions possibles au traumatisme historique collectif de l'esclavage.
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Goodkin, Richard. "La Lettre performative. Quand dire, c’est faire chez Racine". Études littéraires 25, n.º 1-2 (12 de abril de 2005): 23–36. http://dx.doi.org/10.7202/500994ar.

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Resumen
La théorie du performatif élaborée par Austin comprend deux éléments qui s'appliquent au théâtre de Racine : la notion de performance (elle-même théâtrale), et l'importance de la première personne qui, selon Benveniste, crée l'espace de l'énonciation. Une discussion de cette théorie appliquée au théâtre tragique - où les personnages tragiques sont souvent « parlés » plutôt que « parlants », et où le langage tragique joue avec eux davantage qu'eux avec lui - est suivie d'une analyse de Bérénice et de Bajazet et de quelques commentaires sur Andromaque et Phèdre.
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Louvat, Bénédicte. "Pour une autre histoire du théâtre français du XVIIe siècle". apropos [Perspektiven auf die Romania], n.º 1 (12 de diciembre de 2018): 109–26. http://dx.doi.org/10.15460/apropos.1.1255.

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Le XVIIe siècle est considéré comme l’âge d’or du théâtre français, pour avoir vu naître le trio que forment Corneille, Molière et Racine, auteurs des chefs-d’œuvre immortels que sont, notamment, Le Cid, Tartuffe et Phèdre. Sans jamais le dire et encore moins le penser, une telle conception fait en réalité coïncider l’histoire du théâtre français avec celle du théâtre parisien et un siècle entier avec une quarantaine d’années tout au plus. C’est donc une autre histoire que nous aimerions raconter autant que donner à penser, une histoire qui embrasse la production théâtrale des territoires français en dehors de la capitale, avant et après les bornes chronologiques étroites qui vont des années 1630 aux années 1670 et dans les langues de France autres que le français autant que dans la « langue de Molière ».
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Saulnier-Cassia, Emmanuelle. "La haine du théâtre par le droit versus la haine du droit par le théâtre". Les Cahiers de droit 58, n.º 1-2 (17 de mayo de 2017): 241–78. http://dx.doi.org/10.7202/1039838ar.

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Les relations entre le droit et l’art théâtral sont complexes et chargées de défiance réciproques qui peuvent se changer en haine et produire un antithéâtre et un antidroit. La haine du théâtre par le droit se manifeste par une censure de la liberté d’expression du premier par le second, qui menace cet art quels que soient l’époque et le lieu considérés, contraignant les auteurs à justifier et parfois à expurger leurs textes, le plus souvent pour des raisons de moralité ou des provocations sur des questions religieuses. La haine du droit par le théâtre s’illustre par une satire féroce du monde juridique chez certains auteurs, parmi lesquels Aristophane, Racine, Molière, Brecht et Shakespeare. Cette haine réciproque peut néanmoins être dépassée en prenant en considération la question de la responsabilité, particulièrement à l’époque contemporaine marquée par l’engagement constructif d’auteurs et de metteurs en scène comme Thomas Ostermeier et Lina Prosa.
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Hawcroft, Michael. "L’alinéa théâtral : Racine et le théâtre imprimé du dix-septième siècle". Dix-septième siècle 271, n.º 2 (2016): 235. http://dx.doi.org/10.3917/dss.162.0235.

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Rescia, Laura. "M. Hawcroft, L’alinéa théâtral: Racine et le théâtre imprimé du dix-septième siècle". Studi Francesi, n.º 181 (LXI | I) (1 de marzo de 2017): 146. http://dx.doi.org/10.4000/studifrancesi.6825.

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7

Campbell, John. "Racine : théâtre et émotion". Coulisses, n.º 42 (15 de febrero de 2011): 13–16. http://dx.doi.org/10.4000/coulisses.568.

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Dubu, Jean. "Mithridate, pourquoi?" Revue d'histoire littéraire de la France o 99, n.º 1 (1 de enero de 1999): 17–40. http://dx.doi.org/10.3917/rhlf.g1999.99n1.0017.

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Résumé Une situation inédite, unique dans le domaine de la tragédie : une femme entre trois hommes, liés par la filiation ou la fraternité, et une esthétique verbale qui n’est pas sans analogie avec celle que définissait le peintre Maurice Denis lorsqu’il considéràit un tableau comme « un certain nombre de couleurs en un certain ordre assemblées ». Dans Mithridate , il s’agit d’un certain nombre de mots, rares, dans le théâtre de Racine, ici rassemblés, rendus singulièrement significatifs par les rappels qu’ils fournissent (des tragédies de Corneille, mais aussi du La Fontaine de la fable..’.), par leurs récurrences et leurs contrastes ; ils amènent à s’interroger sur « les dangereux détours » empruntés par le héros, leur efficacité réelle, le degré de lucidité dont ils témoignent ou qu’ils suscitent chez les divers protagonistes. Ils justifient sans doute pour une bonne part l’intérêt que Louis XIV n’a cessé de: porter à cette oeuvre révélatrice. Le peu d’occasions fournies au public des théâtres de l’apprécier de nos jours constitue en soi une interrogation nouvelle à son sujet.
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Hawcroft, Michael. "Racine: trois siècles de théâtre". French Studies 59, n.º 3 (1 de julio de 2005): 399–400. http://dx.doi.org/10.1093/fs/kni163.

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10

Douxami, Christine. "L’invisibilité des acteurs non-Blancs dans le théâtre en France : du constat à l’invention de nouvelles stratégies". ALTERNATIVE FRANCOPHONE 2, n.º 6 (17 de febrero de 2020): 89–109. http://dx.doi.org/10.29173/af29391.

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L’analyse de la situation post-coloniale française contemporaine, par le biais de l’art et plus particulièrement du théâtre, permet de mettre à jour des dimensions politiques - nationales et internationales quant aux revendications afros ou panafricaines -, mais révèle également des imaginaires eux-mêmes porteurs de forts contenus politiques. Cet essai indique comment, à l’échelle de la scène théâtrale française aujourd’hui, la quasi-absence des acteurs non blancs au plateau et les tentatives de renversement de cet état de fait, entres autres en bloquant l’accès à certaines pièces considérées racistes, font partie d’un vaste ensemble de revendications découlant du contexte de colonisation puis de décolonisation à l’échelle mondiale. L’étude des stratégies des descendants des populations issues des colonies françaises pour conquérir les scènes théâtrales sera au cœur de cet article. La mise en parallèle avec celles des Afro-brésiliens a pour objectif d’expliciter des stratégies distinctes tant de politiques publiques que militantes dans de différents contextes d’invisibilisation des minorités.
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Tesis sobre el tema "Racisme – Au théâtre"

1

Freitas-Fernandes, Aurélien. "Le Concert Party hier et aujourd’hui en Afrique de l’ouest : une enquête de terrain (évolution histoire, question dramaturgiques, enjeux esthétiques et sociologiques)". Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030030.

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Cette thèse en Études théâtrales, assortie d’un film scientifique documentaire, s’appuie sur une enquête de terrain aussi historique qu’anthropologique qui vise à comprendre les enjeux dramaturgiques et sociologiques d’un genre de Cabaret-Théâtre musical nommé le Concert Party. De ses origines aux temps de la colonisation, jusqu’à nos jours, le Concert Party s’est inscrit en Afrique de l’Ouest comme un mouvement artistique extrêmement populaire et subversif. Produits en langue vernaculaire (twi, ewe, mina…), associés à de la musique Highlife et s’appuyant sur des travestissements, des maquillages et une dramaturgie extrêmement codés, les spectacles se jouent encore dans les maquis des grandes et moyennes villes de la côte ouest-africaine et s’amusent avec dérision à retourner les représentations coloniales et racistes tout en résistant à l’aliénation culturelle et aux pouvoirs politiques. Né en 1930 en Gold Coast (aujourd’hui le Ghana), le genre s’est exporté, après les Indépendances, vers son pays voisin le Togo en 1965. Mais le genre va connaître dans ces deux pays un destin bien différent, sans perdre pour autant sa force subversive. La recherche, qui s’attache à l’histoire et aux mutations du genre jusqu’à son devenir actuel, est adossée à un travail d’investigation entrepris lors de plusieurs séjours au Ghana et au Togo, ainsi qu’à des expériences de terrain faites de l’intérieur. Elle a en effet été menée, entre autres, en immersion au sein de l’Azé Kokovivina Concert Band, la dernière grande compagnie de Concert Party du Togo, créée en 1985. Ce qui a également permis de réaliser un collectage d’archives, de témoignages et de traces vidéo sous la forme d’un reportage scientifique
This thesis in Theatre Studies, accompanied by a scientific documentary film, is based on a historical and anthropological field study that aims to understand the dramaturgical and sociological issues of a genre of musical cabaret theatre called the Concert Party. From its origins during the colonial period to the present day, the Concert Party has been an extremely popular and subversive artistic movement in West Africa. Produced in the vernacular (Twi, Ewe, Mina...), associated with highlife music and relying on highly coded disguises, make-up and dramaturgy, the shows are still performed in the maquis of the large and medium-sized cities of the West African coast and derisively enjoy turning colonial and racist representations on their head while resisting cultural alienation and political powers. Born in 1930 in the Gold Coast (now Ghana), the genre was exported to its neighbouring country Togo in 1965 after independence. However, the genre's fate in these two countries was very different, without losing its subversive force. The research, which focuses on the history and mutations of the genre up to its present day, is based on research undertaken during several visits to Ghana and Togo, as well as on field experiences from the inside. It was carried out, among other things, by immersion in the Azé Kokovivina Concert Band, Togo's last great concert party company, created in 1985. This also made it possible to collect archives, testimonies and video traces in the form of a scientific report
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Elthes, Agnès. "Théâtre et musique dans les tragédies de Racine". Paris, INALCO, 1991. http://www.theses.fr/1991INAL0009.

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"Dans les tragédies de Racine les éléments para verbaux de la représentation s'incorporent au texte poétique. Ces éléments qu'on peut grouper autour de l'organisation des gestes et des mouvements scéniques, de la musique et du décor, sont dans un rapport dynamique avec le texte. L'œuvre de Racine est inséparablement liée à la musique. Pour prouver qu'il existe un lien de contact entre Racine et la musique, le chercheur doit dépasser les limites strictement disciplinaires de l'analyse de l'œuvre littéraire. L'"Idylle sur la paix" de Racine / Lully peut être considérée comme un prologue d'opéra, en analysant la partition musicale. Les phénomènes ayant référence à la musique dans la composition du temps sont la polyphonie, le contrepoint et la variation. L'effet acoustique le plus complexe du texte poétique qui unit la signification, la phonie, le rythme et l'iconographie est la technique de reprise. Dans "Bérénice", la tragédie la plus classique de Racine, il est possible de démontrer des rapports abstraits et concrets avec la musique. "
In the tragedies of Racine, the paraverbal elements of representation are involved in the poetic text. The elements referring to the scenic movements, to the mimic and to the setting are in a dynamic relationship with the text. At the same time, the art of Racine is inseparably connected with the music. In order to prove the existence of relations between Racine and the music, the researcher has to overcome the traditional disciplinary limits of the analyse of a literary work. By analysing the musical partition, "Idylle sur la paix" of Racine / Lully it can be regarded as an opera prologue. The phenomena having musical reference in the composition of the time are polyphony, counterpoint and variation. The most compound acoustic effect in the poetic text combining signification, phonics, rhythm and iconography, is the echo-technique. In "Berenice", being the most classical tragedy written by Racine, it is possible to demonstrate abstract and concrete relations with the music
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3

Jeong, Jae Hoon. "Les rôles des reines dans le théâtre de Racine". Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030015.

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A l'epoque de louis xiv, la tragedie s'est faite passionnelle et veritablement tragique avec racine. Interrogeant ses chefs-d'uvre memorables, ce travail, essayant de preciser le role et la fonction des reines et des princesses, tente d'interpreter leur conscience traversee de conflits interieurs dans plusieurs situations individuelles et sociales, et leurs ames desemparees en analysant la dramaturgie de racine. Nourries d'obsession de l'heredite fatale, et de desirs ardents tels que la passion amoureuse, l'ambition politique, elles se trouvent souvent dans une situation ineluctable sous le regard du << dieu cache >>. Nous oserions dire que la plupart d'entre elles sont l'expression d'une ambivalence affective de racine : l'enfance malheureuse, ecartee du monde profane et l'accomplissementdu desir, d'une << strategie du cameleon >> ambitieux en tant que dramaturge et favori du roi-soleil. Pour approcher de l'univers racinien, il faudra laisser s'envoler nos pensees, esprits et imaginations sans commen♭ tateur en eprouvant a la fois un intense bouleversement et une supreme satisfaction.
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N'heri, Touhami. "La poétique des éléments dans le théâtre de Jean Racine". Thesis, Paris Est, 2014. http://www.theses.fr/2014PEST0004.

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Guyot, Sylvaine. "Jean Racine et le corps tragique". Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030135.

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Le corps tragique chez Racine semble un objet d’étude à la fois paradoxal et évident. Évident, car le théâtre est par excellence un art du corps. Paradoxal, car les tragédies raciniennes sont réputées pour réfréner la présence du corps, tant comme enjeu que comme moyen d’expression. Cette enquête vise à combler ce silence critique, en contestant l’idée d’un classicisme désincarné, harmonieux et universel. Étudier le corps tragique, c’est en faire une histoire culturelle. Le corps est un fait social dont usages, valeurs et représentations sont déterminées par la société à laquelle il appartient. Au croisement du politique, de l’anthropologie morale et scientifique, de la civilité mondaine, des arts oratoires et des évolutions esthétiques, le corps racinien met en jeu les valeurs fondatrices de la société du XVIIe siècle. Loin d’en être le reflet, il est un lieu conflictuel qui interroge les fondations de la symbolique sociale, en dramatisant les fêlures inhérentes aux institutions. La tragédie du Grand Siècle est un révélateur fécond. Contemporaine de l’absolutisme, elle est amplement investie par le pouvoir ; d’inspiration aristotélicienne, elle exploite le rapport polémique entre dignité et faiblesse, pour provoquer d’intenses émotions ; avec l’émergence du premier champ littéraire, elle est surtout soucieuse de plaire. Racine, écrivain de ce siècle galant, explore les formes du corps les plus à même de toucher ses publics. Ce sont aussi les mutations de l’esthétique théâtrale que son analyse permet d’observer. Corps culturels, corps critiques, corps esthétiques : les corps raciniens ouvrent une voie pour interroger l’histoire du théâtre, des moeurs et des sensibilités
The tragic body in Racinian tragedy appears to be an object of study that is both paradoxical and obvious. Obvious since theatre is par excellence an art of the body and yet paradoxical because Racinian tragedies are typically known for their de-emphasis of the body’s presence both as a point of focus and as a means of expression. This study seeks to address this neglected topic by challenging the conventional notion that classicism was fundamentally detached, harmonious and universal. To study the tragic body is to undertake a cultural history since the body is a social fact whose practices, values and representations are determined by the society of which it is a part. At the crossroads of a number of areas – politics, moral and scientific anthropology, elite civility, oratory arts and aesthetic trends – the Racinian body puts into play the fundamental values of seventeenth-century society. Far from being a simple reflection of reality, Racinian tragedy is a space of conflict that probes the very foundations of social imagery, in that it dramatizes the fissures inherent in institutions. Tragedy during the reign of Louis XIV serves as a fruitful avenue of inquiry. It is contemporaneous with absolutism and thereby amply imbued with power. Of Aristotlean inspiration, it also draws upon the polemical relationship between dignity and weakness in order to call forth intense emotions. And with the emergence of the field of literature, tragedy is above all concerned with pleasing. Dramatist in this gallant century, Racine explores the forms of the body to the extent of touching his audiences. His analysis allows one equally to observe the transformations in the theatrical aesthetic. Cultural, critical and aesthetic bodies : the physical body in Racine’s tragedies offers a point of entry to examine the history of the theater, of manners, of taste and of emotions
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Lacroix, Philippe. "Le théâtre tragique de Racine au regard de son temps et de l'histoire". Paris 12, 1989. http://www.theses.fr/1989PA120020.

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Racine a fait subir a la tragedie une veritable metamorphose: il est le champion de la renaissance courtoise et le createur d'une mystique modelee sur celle de la contre-reforme. S'il est un digne fils des anciens, racine fait aussi preuve d'une surprenante et audacieuse vision politique, subordonnee a sa mystique, et a laquelle les tragedies sacrees donnent tout son sens. Bien que cette demarche s'inscrive dans un mouvement de pensee, d'ailleurs ignore ou deforme par la critique, elle permet une nouvelle approche de l'univers racinien
Racine transforms tragedy: he is the champion of a courteous new hirth and the creator of a mystic. Ancients son, racine is so author of an audacious and refined political, explained by sacred tragedies. This idea, always ignored or learnedly transformed by the critic, has no equivalent in the tragic theatre of seventeenth century
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Stephan, Hayek Christelle. "Linguistique et rhétorique du monologue dans le théâtre racinien". Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030042.

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Nous avons abordé la forme langagière particulière qu’est le monologue pour nous intéresser, plus particulièrement, à la place qu’occupe cette forme dans le théâtre racinien. Défini intuitivement comme un discours que se tient un personnage à lui-même, le monologue devient, au fil de l’analyse, un puits inépuisable de richesses langagières, pragmatiques et rhétoriques. Or, le meilleur moyen d’analyser une forme langagière est de s’intéresser à la langue qui en constitue la trame ainsi qu’aux composantes qui en font une forme de discours. Nous avons tenté, dans une première partie, de définir le monologue, en partant des définitions lexicologiques et étymologiques pour aboutir à une caractérisation dramaturgique de cette forme particulière du discours théâtral ; le deuxième chapitre a été exclusivement consacré aux monologues raciniens abordés sous divers aspects, alors que dans le troisième, nous avons établi une comparaison entre les monologues raciniens et cornéliens. Nous nous sommes ensuite intéressés, dans une deuxième partie, aux seuls monologues de Racine à travers une analyse linguistique pointue des trente monologues que contiennent ses pièces, dévoilant un à un les mécanismes de la métrique, de la syntaxe et du lexique qui les régissent, et explorant les spécificités de la communication dans cette forme de discours si particulière. La troisième partie, quant à elle, a été consacrée à l'analyse rhétorique et conversationnelle du monologue, abordé selon les concepts de la pragmatique et de la rhétorique classique
We have approached the particular form of language which is the monologue, to concentrate our interest on the place occupied by this form in Racine’s plays. As the analysis progressed, the monologue, that was intuitively defined as a speech held by a character to itself, became an inexhaustible mine of linguistic, pragmatic and rhetorical richness. However, the best way to analyze a linguistic form is to focus on the language that constitutes its framework, as well as on the components that turn it into a form of speech. We have tried, in the first part, to define the monologue starting from the lexicological and etymological definitions and ending up with a dramaturgical characterization of this particular form of theatrical speech; the second chapter has been exclusively dedicated to various aspects of the Racine’s monologues. In the third chapter, we have established a comparison between our corpus and the Cornelian monologues. Then, in the second part, we have only been interested in the Racine’s monologues, throughout a narrow linguistic analysis of the thirty monologs contained in his plays, revealing one by one, each of the ruling metric, syntactic and lexical mechanisms, and exploring the specificities of the communication in this so particular form of speech. The third part has been dedicated to the analysis of Racine's monologues using the concepts of rhetoric and pragmatic
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Guillemot, Jean-Marie. "Les para-personnages dans l'oeuvre de Jean Racine". Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1998PA040327.

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Les tragédies de Racine sont émaillées de ces personnages dits invisibles parce que maintenus par l'auteur en coulisses, hors de la vue du public. A partir d'un recensement précis et complet de leurs occurrences, nous avons étudié la manière dont l'auteur utilise cet outil, et ce tout au long de sa carrière. Pièce après pièce, nous avons analysé les modifications qu'il avait apportées à ses personnages invisibles par rapport aux œuvres précédentes, et l'influence que chaque nouveau sujet exerce sur leur nombre et leur nature. Cette étude nous a conduit à nous pencher du côté des sources de l'auteur; l'histoire, et les rapports parfois ambigus qu'elle entretient avec la création littéraire, le monde littéraire de la fin du XVIIème siècle, la stylistique, ou encore l'originalité des personnages de Racine, et leurs différences par rapport à ses prédécesseurs ou à leur modèle mythologique, font également partie des nombreux domaines auxquels nous nous sommes intéressé.
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Beaudouin, Valérie. "Rythme et rime de l'alexandrin classique : étude empirique des 80 000 vers du théâtre de Corneille et Racine". Phd thesis, Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), 2000. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00377348.

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Ce mémoire présente une approche empirique du rythme et de la rime du vers alexandrin classique. Un outil d'analyse systématique du vers, le métromètre, a été mis au point. Il transcrit le vers dans l'alphabet phonétique, le découpe selon les positions ou syllabes métriques, en respectant les règles de la versification (diérèse/synérèse, décompte du e muet et liaison) ; finalement, il attribue à chacune des positions un certain nombre de marquages ou étiquettes d'ordre exclusivement linguistique : noyau vocalique et syllabe de la position, catégorie morpho-syntaxique, situation dans le mot et présence d'une marque accentuelle sur la position. L'outil repose sur un analyseur syntaxique développé par P. Constant et un phonétiseur développé par F. Yvon. Les outils ont été adaptés aux particularités du vers.
Le métromètre a été utilisé pour analyser les 80 000 vers de Corneille et Racine. Il en résulte que la structure rythmique du vers est bel et bien le résultat d'un agencement spécifique des éléments de la langue (il n'y a pas « d'accent de vers »). Nous montrons que tous les marquages, qui relèvent de composantes a priori indépendantes de la langue, contribuent chacun à leur manière à définir la forme rythmique de chaque hémistiche et du vers. Les corrélations entre ces niveaux a priori indépendants semblent être constitutives du rythme.
Parallèlement, l'examen systématique de la rime chez Corneille et Racine a permis de montrer l'existence de régularités, non attestées dans les traités de métrique (la voyelle [e] a, par exemple, toujours besoin d'une consonne d'appui) et de proposer une définition contextuelle des concepts de rime riche, suffisante ou pauvre, lesquels varient selon le type de terminaison examiné.
Enfin, nous avons tenté de montrer en quoi la structure rythmique et rimique des vers pouvait contribuer à enrichir l'analyse stylistique : nous avons ainsi mis à jour des corrélations entre des univers de discours et des rythmes spécifiques.
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10

Szuszkin, Marc. "L'espace dans les tragédies de Racine". Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040174.

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L'étude de l'espace dans une œuvre littéraire est relativement peu abordée. Cette problématique associant la littérature et l'espace reste inexplorée en comparaison des longs travaux consacrés au rapport de l'écriture et du temps. Au sujet des tragédies de Racine, la configuration des espaces peut apparaitre uniforme d'une pièce à l'autre. En effet, l'absence d'éléments de décoration dans « ces palais à volonté » est frappante. L'espace vide et sans couleur n'est néanmoins pas vide de sens. Le poète fait des références constantes aux palais, aux temples, au sénat, aux murailles qui constituent le décor extérieur du lieu scénique. L'espace imagine par Racine prend la forme de lieux concentriques, imbriqués les uns dans les autres. Sur l'échelle du plus petit au plus grand espace, se situent le cabinet, la chambre ou l'antichambre puis l'appartement et son agencement aux autres appartements, puis le palais. Aux abords du palais sont placés les bâtiments des institutions politiques et religieuses. A plus grande échelle, il y a la cité et enfin les remparts autour de la cité. L'ensemble de ces éléments architecturaux participent comme acteur au déroulement de la mécanique du tragique. La grande originalité du théâtre racinien est de faire intervenir l'espace dans le cœur de l'action. Le lieu scénique n'est jamais neutre. Avant l'entrée d'un personnage, il est déjà marqué par le passé au même titre que les protagonistes. Le lieu a déjà été habité et demeure soumis à des influences positives ou négatives. Parallèlement aux lieux concrets environnant la scène, Racine décrit un espace intérieur propre à ses héros tragiques qui sont saisis par les passions. L'expérience de la passion offre aux personnages une perception singulière des lieux. Ils construisent un monde intérieur, un univers mental ou ils peuvent réinventer leurs rapports avec les autres protagonistes, qu'il s'agisse de relations amoureuses passionnées ou de rivalité et de haine farouche.
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Más fuentes

Libros sobre el tema "Racisme – Au théâtre"

1

Ah! Jérôme, la racine: Théâtre. Cotonou, Bénin: Star Éditions, 2008.

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2

Jean, Bessière, ed. Théâtre et destin: Sophocle, Shakespeare, Racine, Ibsen. Paris: H. Champion, 1997.

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3

L' espace tragique dans le théâtre de Racine. Paris: L'Harmattan, 2005.

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4

Szuszkin, Marc. L' espace tragique dans le théâtre de Racine. Paris: Harmattan, 2005.

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5

Szuszkin, Marc. L' espace tragique dans le théâtre de Racine. Paris: Harmattan, 2005.

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6

Gravel, Pierre. Politiques, femmes, pouvoir: Essai sur le théâtre de Jean Racine. Montréal: VLB, 1991.

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7

Surber, Christian. Parole, personnage et référence dans le théâtre de Jean Racine. Genève: Libr. Droz, 1992.

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8

Gravel, Pierre. Politiques, femmes, pouvoir: Essai sur le théâtre de Jean Racine. Montréal, Qué: VLB, 1991.

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9

Spencer, Catherine. La tragédie du prince: Étude du personnage médiateur dans le théâtre tragique de Racine. Paris: Papers on French Seventeenth Century Literature, 1987.

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10

Les comédiennes de monsieur Racine. [Paris]: Flammarion, 2005.

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Capítulos de libros sobre el tema "Racisme – Au théâtre"

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CHARDONNET-DARMAILLACQ, Damien. "Mettre en scène Andromaque de Racine en 2018". En Théâtre Mythologique, 101–8. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.5594.

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Il s'agit d'une enquête sur la permanence du mythe dans le théâtre contemporain : peut-il encore trouver son public et le toucher ? Le metteur en scène doit-il rester fidèle au texte classique ou s’en éloigner et le réinventer ? C’est à ces questions que répond cette contribution en retraçant le chemin d’un metteur en scène qui a décidé de monter une œuvre mythologique du théâtre classique : Andromaque de Racine.
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DEREGNONCOURT, Marine. "Clôture de l’amour de Pascal Rambert : une adaptation moderne de Bérénice de Jean Racine ?" En Théâtre Mythologique, 39–54. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.4773.

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Resumen
Dans Clôture de l’amour, comment Pascal Rambert se réapproprie-t-il Bérénice de Jean Racine et comment construit-il une rupture unilatérale qui devient une clôture bilatérale ? En d’autres termes, comment un « je » solitaire et un « nous » captif se font-ils face et rendent-ils compte d’une rupture / clôture paroxystique ? Telle est la problématique à laquelle notre article sera consacré. Le dispositif dramaturgique mis au jour par l’auteur est novateur. Ce sont deux blocs de mots noirs et vengeurs, entrecoupés de silences, qui sont proposés au public ; ou plus précisément deux monologues qui s’apparentent à un dialogue et à un duo de danse. Dans une salle de répétitions, comparable à une « chambre de torture » et dont les néons produisent des lumières blanches et crues, Stan débute les hostilités face à Audrey qui, mutique dans un premier temps, lui répond par corps avant de riposter, 45 minutes plus tard, par la parole. Audrey Bonnet et Stanislas Nordey, les deux interprètes pour qui Pascal Rambert a rédigé cette pièce de théâtre sont semblables à Bérénice et à Titus et sont deux monstres qui s’affrontent. Leurs corps sont traversés par les mots. Ils éprouvent et épuisent le langage. Par leurs regards et leur voix, ils expriment leur douleur, hurlent leur souffrance et chantent l’amour, la vie et l’art du théâtre.
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Bouvier, Michel. "Une dramaturgie de l’amour-propre : le théâtre de Racine". En Jean Racine, 1699-1999, 189. Presses Universitaires de France, 2004. http://dx.doi.org/10.3917/puf.decl.2004.01.0189.

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Gefen, Alexandre y Simon Gefen. "24 heures chrono : une tragédie à l’heure des news networks". En 24 heures chrono, naissance du genre sécuritaire ? Librairie Philosophique J. Vrin, 2022. http://dx.doi.org/10.53984/philoseries04906.

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Entre ancrage présentiste dans l’urgence d’une époque qui s’accélère et repli sur les figures les plus simples du théâtre antique, la série 24 heures chrono peut être lue comme la tragédie d’une Amérique néoconservatrice à la fois grave et violente. Au-delà, en prenant à contre-courant le parti de la sobriété tragique, du respect de la règle des unités et de la théâtralité scénique, les réalisateurs de 24 heures chrono nous rappellent – consciemment ou non – l’efficacité implacable des mécanismes à la racine de la dramaturgie occidentale.
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5

"Dixième leçon. [Le théâtre français]". En August Wilhem Schlegel. Comparaison entre la Phèdre de Racine et celle d’Euripide (et autres textes), 207–16. Artois Presses Université, 2013. http://dx.doi.org/10.4000/books.apu.16442.

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6

EYENGA ONANA, Pierre Suzanne. "Sémio-significativité du paradigme "race" et (a)perceptions de la croix dans La Croix du Sud de Joseph Ngoué". En Sous le signe du signe ou l’art d’être sémioticien, 47–62. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.4800.

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Quel sens attribue Joseph Ngoué au paradigme race tant ce dernier entretient un commerce fructueux avec la symbolique de la croix dans le drame scénarisé ? En trois parties adossées à la sémiologie théâtrale de Patrice Pavis, la présente étude entend tour à tour disséquer le sens que revêt l’allégorie de l’ombre et de la lumière dans le tracé du destin des personnages cibles du texte. Ensuite, questionner l’esthétique à l’œuvre dans la pièce avant de montrer comment le double drame y noué porte le stigmate d’un plaidoyer fécond : reconstruire une humanité sacrifiée à l’autel des égoïsmes racistes inopérants.
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"Onzième leçon. [La mythologie et l’histoire dans le théâtre français]". En August Wilhem Schlegel. Comparaison entre la Phèdre de Racine et celle d’Euripide (et autres textes), 217–28. Artois Presses Université, 2013. http://dx.doi.org/10.4000/books.apu.16447.

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8

Guibert, Noëlle. "L’iconographie et la scénographie des œuvres de Racine : Réflexions à partir des planches d’Estherdans lesRecherches sur les costumes et sur les théâtres de toutes les nations, par Levacher de Charnois, 1790". En Jean Racine, 1699-1999, 609. Presses Universitaires de France, 2004. http://dx.doi.org/10.3917/puf.decl.2004.01.0609.

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"C. Palmézeaux Hippolyte, tragédie en trois actes imitée d’Euripide représentée pour la première fois à Paris, sur le théâtre du Marais, le 9 ventose an 11". En August Wilhem Schlegel. Comparaison entre la Phèdre de Racine et celle d’Euripide (et autres textes), 291–311. Artois Presses Université, 2013. http://dx.doi.org/10.4000/books.apu.16477.

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