Tesis sobre el tema "Musiques mixtes"

Apparues apres 1950, les musiques mixtes - basees sur l'association. En concert d'une parite instrumentale et ou vocal et d'une partie de sons fixes sur support - ont rapidement engendre une multiplicite d'experiences individuelles (alvarez, harvey, holler, mach, malec, nono, risset, stockhausen, stroppa, vaggione, vinao. . . ) avant que l'evolution recente des technologies appliquees a la musique ne tend a faire fusionner les types de productions musicales au sein de la musique conteporaine. On peut donc etre en mesure, aujourd'hui, d'evaluer les dimensions des musiques mixtes en regroupant la musique manipulee en direct, la musique "live" et la musique miwte proprement dite. L'etude du repertoire des oeuvres mixtes met en relief une typologie d'ecriture du genre qui se manifeste graduellement autour des concepts de fusion et d'opposition des deux univers instrumental et electronique. Des esthetiques communes se font jour, laissant se deployer le double, l'hybride, l'ambiguite, l'illusion. . . Plan : histoire (musique et electricite, musique concrete, electronique, electroacoustique, musique mixte et ordinateur). Esthetique (materiau et ecriture, timbre, temps, espace). Repertoire des oeuvres mixtes
'mixed music' describes a form of music which combines an instrumental and or vocal score with pre-set taped sounds. It first appeared in the early 1950's and led to an enormous amount of experimental work by individual composers (alvarez, harvey, holler, mache, malec, nono, risset, stockhausen, stroppa, vaggione, vinao. . . ), with the application of recent technological advances to music, different types of musical production have merged into the concept of 'contemporary music'. We can now look at the development of mixed music by dividing it into three categories 'lives electronic music'. Real-time's electronic music and mixed music. A study of the mixed music repertoire shows a style of composition evolving gradually round the concept of fusing and opposing the two worlds of instrumental and elctronic music. Together they form an aesthetic entity, while creating an impression of double, hybrid, illusion and ambiguity. . . Plan : history, aesthetics and repertoire of mixed music

Avec l’avènement de l’informatique, de nouveaux champs de recherche compositionnelle et sonore se sont ouverts. Mais si l’on voit depuis des années une pléthore de générateurs de son et de nouvelles techniques de synthèse, il y a peu de propositions d’outils qui adressent le contrôle et la construction formelle musicale électronique à plusieurs niveaux et qui permettent une intégration fine de l’écriture et des processus électroniques. Le travail initié dans cette thèse vise à développer, dans le contexte des musiques interactives mixtes, électroacoustiques et audiovisuelles en temps réel, une notion de partition électronique centralisée permettant au sein d’un même environnement la définition, la composition et le contrôle général de tous les processus électroniques, leurs interactions et leurs synchronisations avec les événements musicaux, gestuels et visuels. En s’appuyant sur des nouveaux langages plus expressifs pour l’écriture de l’électronique comme Antescofo et des systèmes performants de synthèse et traitement du signal comme SuperCollider, ce travail s’est concrétisé par le développement d’une librairie dédiée : AntesCollider. Cette librairie permet d’expérimenter des nouvelles approches de l’écriture de l’électronique à travers l’organisation et la composition de structures sonores, multitemporelles, multiéchelles et de l’interaction. En tirant partie des notions informatiques d’agents, de processus et d’algorithmes temps réel, ces structures sonores peuvent se combiner dynamiquement et polyphoniquement en relation avec des événements externes, ouvrant vers de nouveaux paradigmes compositionnels et renouvelant la liberté et la plasticité de la création musicale
With the advent of computers, new avenues of compositional and sound research have opened up. But if we have seen witnessing for years a plethora of sound generators and new synthesis techniques, there are few proposals for tools that address the control and formal construction of electronic music at several levels and that allow a fine integration of electronic writing. The work initiated in this thesis aims to develop, in the context of interactive mixed electroacoustic and audiovisual music in real time, a notion of centralised electronic score allowing within the same environment the definition, composition and general control of all electronic processes, their interactions and their synchronisations with musical, gestural and visual events. Using new, more expressive languages for writing electronics such as Antescofo and powerful synthesis and signal processing systems such as SuperCollider, this work has resulted in the development of a dedicated library: AntesCollider. This library allows to experiment with new approaches to the writing of electronics through the organisation and composition of sound structures, multitemporal, multiscale and interaction. By taking advantage of the computer notions of agents, processes and real-time algorithms, these sound structures can be combined dynamically and polyphonically in relation to external events, opening up new compositional paradigms and renewing the freedom and plasticity of musical creation

Les musiques électroacoustiques sont encore aujourd’hui relativement peu abordées dans les recherches qui visent à retrouver des informations à partir du contenu musical. La plupart des travaux de recherche concernant ces musiques sont centrés sur les outils de composition, la pédagogie et l’analyse musicale. Dans ce travail de thèse, nous nous intéressons aux problématiques scientifiques liées à l’analyse des musiques électroacoustiques. Après avoir replacé ces musiques dans leur contexte historique, une étude des pratiques d’analyse de trois professionnels nous permet de dégager des invariants pour l’élaboration d’un système d’analyse. Ainsi, nous proposons un système interactif d’aide à l’analyse des musiques électroacoustiques qui permet de retrouver les différentes instances des objets sonores composant une pièce polyphonique. Le système proposé permet dans un premier temps de réaliser une segmentation afin de dégager les instances initiales des objets sonores principaux. L’utilisateur peut ainsi sélectionner les objets qu’il vise avant de rentrer dans une boucle d’interaction qui utilise l’apprentissage actif et le retour de pertinence fourni par l’utilisateur. Le retour apporté par l’utilisateur est utilisé par le système qui réalise une classification multilabel des différents segments sonores en fonction des objets sonores visés. Une évaluation par simulation utilisateur est réalisée à partir d’un corpus de pièces synthétiques. L’évaluation montre que notre approche permet d’obtenir des résultats satisfaisants en un nombre raisonnable d’interactions
Electro-acoustic music is still hardly studied in the field of Music Information Retrieval. Most research on this type of music focuses on composition tools, pedagogy and music analysis. In this thesis, we focus on scientific issues related to the analysis of electro-acoustic music. After placing this music into historical context, a study of the practices of three professional musicologist allows us to obtain guidelines for building an analysis system. Thus, we propose an interactive system for helping the analysis of electro-acoustic music that allows one to find the various instances of the sound objects of a polyphonic piece. The proposed system first performs a segmentation to identify the initial instances of the main sound objects. Then, the user can select the target sound objects before entering an interactive loop that uses active learning and relevance feedback provided by the user. The feedback of the user is then used by the system to perform a multilabel classification of sound segments based on the selected ones sound objects. An evaluation of the system is performed by user simulation using a synthetic corpus. The evaluation shows that our approach achieves satisfying results in a reasonable number of interactions

La musique savante occidentale a toujours bénéficié des avancés technologiques disponibles dans chaque époque. L’influence de ceux-ci s’est révélée au niveau de la facture instrumentale ayant comme conséquence d’abord, l’élargissement du langage musical et compositionnel et, par la suite, demandant de l’instrumentiste un travail d’adaptation à des nouvelles techniques de jeu et d’interprétation. Le rapide développement technologique qui a marqué le XXe siècle, a poussé cette situation à des limites jusqu’alors inconcevables. La musique mixte, un nouveau genre qui associe la musique électroacoustique aux instruments acoustiques, y trouve son origine. Notre thèse propose une étude sur les tendances de la musique mixte en France depuis 1981. Premièrement, nous analyserons les principaux concepts inhérents au sujet ainsi que leurs problématiques. Ensuite, nous nous orienterons vers l’organisation de l’environnement social, économique, politique, culturel et musical existant en France qui a permit le développement de ce genre musical. Finalement, nous nous attacherons à l’idée de recherche musicale pour tracer les lignes principales des tendances de la musique mixte en France depuis 1981. Pour cela nous utiliserons des œuvres musicales qui sont représentatives de ce travail pluridisciplinaire qui caractérise la recherche musicale
Western scholarly music has always benefited from the technological advancements available in each era. The influence such has proved to be, at the instrumental level, resulting initially in the broadening of the musical and compositional language and, subsequently, requiring the instrumentalist to adapt to new playing and interpretation techniques. The rapid technological development which marked the twentieth century pushed this situation to limits previously inconceivable. This is the origins of mixed music, which is a new kind of music that combining electro-acousitc music and acoustic instruments. Our thesis proposes a study on the trends of mixed music in France since 1981. First, we will analyze the main concepts inherent to the subject as well as their issues. Then, we will head towards the organization of the social, economic, political, cultural and musical environment existing in France which allowed the development of this musical genre. Lastly, we will focus on the idea of musical research to trace the main lines of mixed music trends in France since 1981. To do so, we will use musical works that are representative of this multidisciplinary work wich characterizing musical research

Si les questions du temps, du matériau, de la forme et de leurs relations sont des questions centrales pour les compositeurs, il importe de se demander si la vieille dichotomie entre forme et matériau n’est pas à repenser en regard des nouveaux dispositifs susceptibles d’amener une appréhension à la fois plus fine et plus globale des diverses dimensions temporelles. Dans le cas plus précis de la musique mixte, la question que nous étudions est la suivante : dans quelle mesure l’existence d’un continuum entre les notions de forme et de matériau est-elle liée à la composition consciente d’entrelacs temporels ?Cette question implique l’utilisation de paradigmes capables de nous faire appréhender les nombreuses composantes qui font l’identité d’un matériau ou d’une forme, et de nous faire percevoir les liens qu’elles entretiennent mutuellement. Notre travail s’articule autour de deux axes complémentaires. Le premier traite de la nécessité d’organiser des espaces compositionnels permettant de rendre plus poreuse la frontière érigée entre les notions de forme et de matériau. Nous étudions à cet effet une représentation spatiale du matériau basée sur des structures topologiques. Le second nous amène à voir comment le langage synchrone Antescofo peut nous permettre de concevoir une musique mixte singularisée par les divers types d’écriture qu’il sous-entend et les nouveaux paradigmes qu’il est susceptibles d’engendrer. La composition des temps multiples liés par l’écriture, par des processus temporels propres aux paradigmes du temps réel, ainsi que par la prise en considération des temps liés à la performance, est abordée sous un angle résolument relationnel
If the problematic of time, material, form, and their relationships is longstanding question in musical composition, the old dichotomy between form and material should be reshaped in view of the technological opportunities making possible a finer and more global apprehension in the handling of time in the scope of mixed music.In this context, the question addressed is to which extent the existence of a continuum between the notions of form and material is linked to the explicit design of temporal interlacing? This question involves new paradigms to understand the many components that determine the identity and the mutual relationships of material and form.Our research unfolds in two complementary axes to develop a compositional framework addressing the specification and the management of heterogeneous intertwined temporal processes at different time scales. The first axis works out an explicit topological representation of compositional spaces (based on simplicial complexes) that smoothes the boundaries between form and material. The second one spells out the various kinds of writing and the new temporal paradigms allowed by the Antescofo synchronous real-time programming language. The specification of multiple times during the composition phase and their management during the performance is developed through a strong relational standpoint.The theoretical and practical propositions investigated in this research works are illustrated on several pieces written during the thesis

Le vingtième siècle a vu l’émergence d’un nouveau type d’œuvres musicales issu de l’utilisation de l’électricité et d’outils technologiques inédits dans la musique savante occidentale. Des années 50 à aujourd’hui s’est construit un riche répertoire d’œuvres alors regroupées dans la catégorie générale des musiques électroacoustiques. Parmi celles-ci se trouvent les œuvres dites « mixtes » dont la particularité réside dans la rencontre entre la séculaire tradition instrumentale et les nouveaux horizons apportés par l’univers électroacoustique. Ce travail de recherche se propose de construire une démarche analytique pour aborder des œuvres mixtes. Pour ce faire, il est nécessaire de s’entendre, parmi les multiples approches possibles, sur les objectifs (que veut-on analyser ?) et la (ou les) méthode (comment analyser ce que l’on veut ?). De plus, l’étendue des problématiques posées par le projet de cet ouvrage ne réside pas seulement dans ces questions mais aussi dans la spécificité du répertoire à analyser. C’est pourquoi ce travail se centre, dans un premier temps, sur l’étude des fondements des œuvres de musique savante occidentale, dans leur évolution jusqu’à nos jours, de manière à approcher au plus près la nature des œuvres mixtes au sein de leur contexte artistique. Ce n’est qu’une fois ces deux champs envisagés (nature des œuvres mixtes/objectifs et méthodes d’analyse) que prend place l’analyse d’extraits d’œuvres, caractéristiques du genre, orientée selon deux perspectives : l’analyse axée sur les causes des sons d’une œuvre et l’analyse axée sur les relations morphologiques et structurelles entre les sons issus des instruments et ceux provenant des haut-parleurs
During the XXth century, new types of musical works appeared from the use of electricity and technological tools unknown in occidental music. A vast repertory of works has been developing from the 50’s to nowadays constituting the general category of electroacoustic music. More specifically, what were then named the mixed works originally combine the secular instrumental tradition with the new electroacoustic conception. This research work proposes to set up an analytical approach specific to these mixed works. In that sense, it is necessary to precisely define what the aims are (what is analyzed?) and what the method is (how can it be analyzed?). Besides, the stakes of the various questions studied in this work deal not only with these previous points but also with the specificity of the repertory to be analyzed. That is the reason why this work first focus on the fundamentals of occidental music from their evolution to nowadays. The point of the first part is indeed to define as precisely as possible the nature of mixed works according to their artistic background. Once this two axes set up (nature of the mixed works and methods of analysis), the work will focus on the analysis of various extracts of works which well exemplify the category. These analysis are articulated according to two major perspectives: the analysis of the causes of the sounds in a work and the analysis of the morphologic and structural relations between the sounds either produced by instruments or speakers

Si les questions du temps, du matériau, de la forme et de leurs relations sont des questions centrales pour les compositeurs, il importe de se demander si la vieille dichotomie entre forme et matériau n’est pas à repenser en regard des nouveaux dispositifs susceptibles d’amener une appréhension à la fois plus fine et plus globale des diverses dimensions temporelles. Dans le cas plus précis de la musique mixte, la question que nous étudions est la suivante : dans quelle mesure l’existence d’un continuum entre les notions de forme et de matériau est-elle liée à la composition consciente d’entrelacs temporels ?Cette question implique l’utilisation de paradigmes capables de nous faire appréhender les nombreuses composantes qui font l’identité d’un matériau ou d’une forme, et de nous faire percevoir les liens qu’elles entretiennent mutuellement. Notre travail s’articule autour de deux axes complémentaires. Le premier traite de la nécessité d’organiser des espaces compositionnels permettant de rendre plus poreuse la frontière érigée entre les notions de forme et de matériau. Nous étudions à cet effet une représentation spatiale du matériau basée sur des structures topologiques. Le second nous amène à voir comment le langage synchrone Antescofo peut nous permettre de concevoir une musique mixte singularisée par les divers types d’écriture qu’il sous-entend et les nouveaux paradigmes qu’il est susceptibles d’engendrer. La composition des temps multiples liés par l’écriture, par des processus temporels propres aux paradigmes du temps réel, ainsi que par la prise en considération des temps liés à la performance, est abordée sous un angle résolument relationnel
If the problematic of time, material, form, and their relationships is longstanding question in musical composition, the old dichotomy between form and material should be reshaped in view of the technological opportunities making possible a finer and more global apprehension in the handling of time in the scope of mixed music.In this context, the question addressed is to which extent the existence of a continuum between the notions of form and material is linked to the explicit design of temporal interlacing? This question involves new paradigms to understand the many components that determine the identity and the mutual relationships of material and form.Our research unfolds in two complementary axes to develop a compositional framework addressing the specification and the management of heterogeneous intertwined temporal processes at different time scales. The first axis works out an explicit topological representation of compositional spaces (based on simplicial complexes) that smoothes the boundaries between form and material. The second one spells out the various kinds of writing and the new temporal paradigms allowed by the Antescofo synchronous real-time programming language. The specification of multiple times during the composition phase and their management during the performance is developed through a strong relational standpoint.The theoretical and practical propositions investigated in this research works are illustrated on several pieces written during the thesis

Le travail théorique et de réflexion de cette thèse s’est déroulé de manière parallèle à l’écriture d’une grande partie des œuvres qui composent le cycle Urbana. Parfois, l’analyse détaillée de procédés de composition et de thèmes tangentiels à la création des œuvres comme, par exemple, l’écriture et la notation de la musique électroacoustique ou l’approfondissement de la synthèse par modèles physiques dans Modalys qui occupent une bonne partie de ce travail, ont été les prétextes à des nombreuses réflexions sur l’acte créateur et sur la signification sociale et politique de l’entreprise générale. La thématique principale reste centrée sur le contexte nouveau dans lequel l’œuvre de création s’inscrit. C’est finalement à travers la problématique du réseau et des implications esthétiques et sociologiques qu’une telle démarche suppose, que je m’interroge sur le devenir du musical. Partant d’une première étape et incarnée par l’œuvre musicale proprement dite, la vision devient plus globale apportant un regard que j’espère plus objectif sur le cycle Urbana. Le questionnement rejaillit alors sur une problématique plus générale et universelle qui transcende le cadre particulier de mes travaux. Par delà un objectif individuel, cette réflexion sur la création s’inscrit donc dans le cadre plus vaste de la revendication des Utopies
The theorical work and the reflexion of this thesis takes places in a paralel manner to the writting of most of the works composing the Urbana Cycle. Sometimes, the detailed analysis of the procedures of composition and the tangential themes of the creation of works, as for exemple, the writting and the notation of the electroacoustic music or the deepening of the synthesis by physical models in Modalys whitch occupy an important part of this work, has been pretexts to many reflexions on the creative act and on the social and political meaning of the general projet. The main theme remains centered on the new context in which the creative work takes part of. Finally it is throuth the web problem and it’s aesthetics and sociological involvments that such step suposes, that I wonder about the futur of music. Starting from a first stage and represented by the musical work of such, the vision becomes more global bringing a more objectif look, I hope, on the cycle Urbana. The questionning re-emerges then on a more general and universal problematic which transcenders the particular framework of my creations. Besides an individual goal, this reflexion on creation takes part within the vast framework of the claim of utopies

Étude sur la collaboration et la participation active d’un saxophoniste-chercheur avec plusieurs compositeurs dans la création musicale mixte. Les musiques mixtes combinent un performeur jouant d’un instrument acoustique qui interagit avec des outils électroniques et informatiques, se faisant entendre par des hauts-parleurs. Nous comprenons la participation comme des multiples échanges humains intégrant l’écoute, l’instrument acoustique, l’électronique et les dernières technologies numériques dans la musique. Notre méthodologie s’est nourrie des sciences cognitives, de la systémique, de la recherche-action intégrale et systémique, de la cybernétique de second ordre, de l’opérationnel et de l’émergence contextuelle. Notre démarche propose une réflexion autour de quelques bouleversements de l’écoute musicale au XXe siècle et l’étude des musiques mixtes contemporaines sous le biais de l’approche multi-échelle. Nous faisons partie de notre objet d’étude tout en le modifiant dans un processus dynamique. Quelles connaissances musicales émergent de ces échanges de compétences et peuvent en être élargies grâce à cette rétroaction (feedback) multiple, en boucle créative ? Ces questions, avec nos sources de première main et l’inclusion du compositeur en tant qu’interprète ont fait émerger notre concept d’interprétation musicale participative. Nous proposons que l’analyse de nos propres collaborations peut apporter une connaissance originale sur les pièces musicales mixtes en question et développer une sorte de plasticité dans le faire musical. Comme démonstration, des morceaux ont été créées pendant nos recherches et sont analysées sous cette approche
This research is about the collaboration of a saxophonist-researcher with several composers in electro acoustic music with saxophones. Mixed music combines a performer playing acoustic instruments (traditional or not) interacting with digital and electronics means of all sort of operations, time scales and technical configurations, diffused by loudspeakers. We understand participation in our case as human exchanges in musical digital environments, and as the creation of new links that didn’t exist before. Our research proposes a reflection on listening approaches through the XXst century and studying mixed music through the multi scale approach. The saxophonist gives a contribution, that enhance a creative perspective for each musical piece that influence the composers’ work. Which techniques and which musical knowledge can be exchanged and enlarged thanks to this multiple feedback ? The work on first sources, the competence exchanges between musicians during the many steps of their process of collaborative work construct what we call participatory interpretation in new music. In some aspects we get close to the integral and systemic action-research, since we take part in our study objet, and we modify it in a dynamic process. We propose that the analysis of the musical pieces from our collaborations can bring forth an original knowledge about them and enhance musical creativity. Participatory interpretation optimizes the musical results and explore new mixed “composable” spaces. As a demonstration, some pieces are though analyzed under this participatory perspective. Our research leads to a conclusion towards the idea of plasticity in music making

L’étude de la musique mixte est caractérisée par un dualisme d’approches, ceux qui étudient les dispositifs et ceux qui utilisent les stratégies analytiques perceptives issues de la musique électroacoustique. Pour surmonter ce dualisme, cette thèse esquisse une typologie à partir de la perception de l’interaction des composantes instrumentale et électronique : les œuvres mixtes sont considérées comme des «œuvres hybrides» juxtapositionnelles, synthétiques et transformationnelles. Afin de conjuguer les aspects de la perception et de la prescription dans la musique mixte, les notions de geste et texture s’avèrent pertinentes. Une approche analytique holistique est proposée. La définition d’un objet spécifique, le « son mixte », nous permet d’interpréter d’une manière originale la spectromorphologie de Denis Smalley et d’examiner ses fondements épistémologiques. Les critères perceptifs de la typologie s’avèrent fondés sur une répartition fonctionnelle des débuts, entretiens et extinctions sonores des « sons mixtes » entre la partie instrumentale et électronique. Cette perspective est validée par l’analyse comparative de cinq cas d’étude : Sopiana et Aulodie de François-Bernard Mâche, Pluton de Philippe Manoury, Traiettoria de Marco Stroppa et Mixtur de Karlheinz Stockhausen
The study of mixed music is characterized by a dualist approach: on the one hand, an analysis that merely focuses on technical meansand, on the other hand, research resorting to perceptive strategies in the analysis of electroacoustic music. In order to overcome thistraditional dualism, this work sketches a perceptive typology of the interaction between instrumental and electronic components, mixedmusic works are considered juxtapositionals, synthetics and transformationals. In doing so, the thesis advances an analytical holisticapproach in order to combine the concepts of perception and prescription in mixed music, where the notions of gesture and texture areparticularly relevant. The definition of a specific objet, i.e. the “mixed sound”, allows for an original interpretation of Denis Smalley’sspectromorphology and its epistemological framework. As a result, the typological perceptive criteria here proposed are based on thefunctional distribution of the attacks, sustains and decays of “mixed sounds” between the instrumental and the electronic parts. Thishypothesis is illustrated through the detailed analysis of five case studies: François-Bernard Mâche’s Sopiana and Aulodie, PhilippeManoury’s Pluton, Marco Stroppa’s Traiettoria and Karlheinz Stockhausen’s Mixtur

A partir d'une description des enjeux esthétiques et historiques qui caractérisent la confrontation entre instrument et bande magnétique, cette étude se concentre sur les techniques d'écriture mixte. Définies comme toute statégie grâce à laquelle le compositeur peut varier ou transformer une idée qui est déjà le produit de la confluence de deux sources sonores (l'intrumentale et l'électroacoustique), les techniques d'écriture mixte sont aussi censées rendre évidents les points de contact entre instrument et bande magnétique. Puisque le défi fondamental représenté par l'analyse de ce type de ce musique implique tout un travail d'exploration du rapport des musiques écrites et non écrites, nous exposons en détail l'élaboration, voire l'intention d'une méthode spécifique, axé particulièrement sur l'analyse auditive. Finalement, la thèse dresse un panorama historique inédit qui part des antécédents de la musique électroacoustique mexicaine, (avec Chávez, Carrillo et Nancarrow), en passant par les premières pièces concrètes (de 1957), pour arriver à la production électroacoustique actuelle (1980-2004)

Alors qu’il est interrogé sur la nature fragmentaire de l’écriture se faisant jour dans ses dernières œuvres, Luigi Nono affirme : « la logique du discours est pour moi quelque chose de terrifiant. » En signifiant ainsi son opposition au discours musical, le compositeur italien ne revendique pas seulement le refus du principe de déduction et l’univocité du développement : c’est le fondement même de l’expression musicale occidentale qu’il considère comme caduc. Car la musique écrite appartient aux disciplines du logos, domaine de la pensée et de sa loi d’intelligibilité auquel elle a longtemps été inféodée, même lorsque ses théoriciens ont revendiqué son autonomie. Aussi, la notion de discours musical se rapporte à un modèle de raisonnement hérité de la pensée syllogistique issue de la rhétorique aristotélicienne. Décliné au cours de son Histoire sous les méthodes du contrepoint, du développement ou encore de la variation, le principe d’engendrement causal de la forme révèle néanmoins son aporie à partir de la première moitié du XXe siècle. La génération de compositeurs se retrouvant à Darmstadt au lendemain de la Seconde Guerre Mondiale se confronte alors à une double difficulté. D’une part, le renouvellement des structures logiques de la musique apparaît comme une véritable urgence afin de libérer l’écriture musicale de la rigidité des systèmes qui l’ont dirigée depuis la fin de la Renaissance. D’autre part, l’avènement des nouvelles technologies dévoile la richesse du phénomène sonore et intime à repenser l’expression musicale au contact de ce matériau inédit qui ne peut se réduire aux procédés compositionnels instrumentaux. Dès lors, l’acte d’écriture s’enrichit d’une responsabilité critique, en ce qu’il doit se satisfaire à l’exigence d’une articulation logique tout en rompant avec la rigidité d’un discours univoque imposé à l’écoute. C’est dans ce contexte que Pierre Boulez et Luigi Nono propose une esthétique musicale mixte fondée sur la virtualité, l’espace et la résonance au cours des années 1980, instaurant un régime discursif unifiant l’hétérogène sans le contraindre ni l’abolir
When he is questioned about the fragmentary nature of the writing appearing in his last works, Luigi Nono asserts: “the logic of the discourse is something terrifying for me.” By standing against the musical discourse, the Italian composer does not just claim his refusal of the principle of deduction and the univocity of the development: he also considers the foundation of the western musical expression as obsolete. Indeed, written music belongs to the disciplines of the logos, the domain of the thought and its law of comprehensibility in which it was enfeoffed for centuries, even when the theorists claimed its autonomy. So, the notion of musical discourse relates to a model of reasoning inherited from the syllogistic thought of the Aristotelian rhetoric. Declined during its History under the methods of the counterpoint, the development or the variation, the principle of causal establishment of the form reveals its aporia since the first half of the 20th century.Then, the composers who went to Darmstadt after the World War II confront themselves with a double difficulty. On one hand, the renewal of the logical structures of the music appears as an urgency to release the musical writing of the rigidity of the systems which managed it since the end of the Renaissance. On the other hand, the advent of the new technologies reveals the richness of the sound phenomenon and suggest to reconsider the musical expression in order to integrate this material, which cannot be reduced to the writing processes of instrumental music. Therefore, the act of composing is enhanced by a critical responsibility because the composer has to fulfill the requirement of a logical articulation while he abolished the rigidity of an unambiguous discourse imposed on the listening. It is in this context that Pierre Boulez and Luigi Nono propose an electroacoustic aesthetics based on virtuality, space and resonance during the 1980s, establishing a discursive regime which unifies the heterogeneous without forcing it nor abolishing it

Cette thèse doctorale prétend contribuer, premièrement, à soumettre à discussioncette interprétation dominante de la pensée philosophique et scientifique du PèreMinime Marin Mersenne (1588-1648), étant portée et structurée par la question duscepticisme, et deuxièmement, à mettre en avant la manière dont cette philosophieincarne l’esprit de la révolution scientifique du XVIIe siècle par sa capacité de se mettreen question dans sa recherche insatiable de la vérité; une recherche accompagnée d’unsouci de conservation de l’ordre politique et religieux. L’hypothèse principale de notretravail consiste à affirmer une profonde transformation dans la conception de la musique: transformation qui mène d’une science quadriviale et subalterne aux mathématiques,exigeant la soumission au jugement de la raison dans la pratique, à une science physiqueet mathématique, dont la recherche se fonde sur de nombreuses expériences,reconnaissant l’individualité de l’expérience esthétique, la liberté de l’imagination descompositeurs et le caractère ineffable du sublime musical. Il s’agit d’une transformationqui n’est pas exempte de difficultés, car elle ne conduit pas simplement à affirmerl’existence de deux périodes dans la pensée de Mersenne. En effet, il exprime ses doutessur la pertinence de l’approche spéculative lorsqu’il discute avec ses correspondants surla réforme musicale proposée à l’imitation des anciens et ne cesse de rappeler laperfection des rapports numériques des consonances lorsqu’il est prêt à les mettre enquestion en acceptant et en cherchant les fondements de la pratique de l’accordage desinstruments. Or, malgré cette complexité (voire ces contradictions) nous jugeons et nousprétendons montrer que cette transformation est indéniable et que l’épistémologie duMinime doit être analysée à la lumière des problématiques et de nouvelles expériencesscientifiques auxquelles il est confronté et non comme une manière de donner réponseaux arguments du scepticisme
This PhD dissertation provides a critical perspective of the dominantinterpretation of the scientific and philosophical works of Father Marin Mersenne(1588-1648) entirely structured by the sceptical question. The development of his ideasabout music embodies the spirit of the scientific revolution which emerges in theseventeenth-century. His investigation has the capacity to put his methods into questionwith an insatiable quest for the truth; a quest that involves political and religiousconcerns. The aim of this study is to show a profound transformation in the conceptionof music. This transformation that leads from a science of the quadrivium (subordinateto mathematics and claiming superiority of the judgement of reason) to a physical andmathematical science grounded on experience that recognizes the individuality of theesthetic experience, the liberty of the imagination of the composers and the ineffabilityof the sublime. It is quite difficult however to identify the existence of two differentstages in Mersenne’s thought. It is surprising how he expresses doubts about therelevance of the speculative approach to music whereas a musical reform is proposed inhis apologetic writings, having as a model the perfection of proportions of consonancesand rhythmic combinations well known by the ancients. And also, when he accepts thepractice of musical temperament, challenging the observation of the mathematicalperfection, he will continue to remind the proportions underlying the consonances.Despite this complexity (even these contradictions) we consider and pretend to showthat this transformation is undeniable and that the Mersenne epistemology must beanalysed according to the scientific questions and experiences which he faces in hisinvestigations and not as a response to a sceptical crisis

Le développement d'environnements de composition assistée par ordinateur, destinés à la formalisation informatique de structures musicales, a constitué pendant la deuxième moitié du XX Siècle une importante avancée pour l'écriture contemporaine. À partir d'une réflexion sur l'influence que tels environnements ont apportée à la composition musicale, cette étude proposera un ensemble d'outils CAO qui essayeront de donner une nouvelle approche vis-à-vis de cette problématique. La recherche s'appuiera principalement sur mon expérience personnelle en tant que compositeur et sera orientée à partir de trois aspects fondamentaux : 1 - Processus de composition - Création d'un corpus de procédés de composition visant sa formalisation algorithmique. 2 - Représentation des données musicales - création d'un ensemble d'outils de visualisation et d'écoute des données et des structures musicales. 3 - Interaction Compositeur-Ordinateur. Création, expérimentation et développement d'interfaces graphiques de contrôle (recherches ergonomiques) pour chaque type de fonction
The development of computer assisted composition environments, intended for data-processing and formalization of musical structures, as been an important contribution for the contemporary musical writing, during second half of the 20th Century. Starting from a reflection on the influence that such environments brought to the musical composition, this study will propose a set of tools CAC which will try to give a new approach concerning these issues. This research will be based mainly on my personal experience as a composer, and will be based upon three fundamental aspects: 1 - Processes of composition - Creation of a corpus of processes of composition aiming its algorithmic formalization. 2 - Representation of the musical data - creation of a unit of visualization and listening tools for sound data and musical structures. 3 - Interaction Composer-Computer. Creation, experimentation and development of graphic user interfaces (ergonomic research) for each type of function or tool

Cette recherche vise à étudier l’intégration contemporaine, dans la composition et la performance, des outils technologiques et artistiques correspondant à l’état de l’art en matière d’interaction temps-réel entre production instrumentale, production numérique du son et production de formes spatio-temporelles dans le lieu d’écoute. On souhaite notamment étudier comment cette intégration pourra constituer en retour une nouvelle modalité de l’écriture où fusionnent en cohérence une écriture du son, une écriture du temps et une écriture de l’espace informées par la technologie.Les paradigmes informatiques pour la gestion du temps et de l'interaction, les outils de synchronisation de processus, l'analyse de flux sonores et gestuels, le contrôle des paramètres à partir du son instrumental, la recherche sur la question du timbre instrumental et de ses descripteurs numériques et l’interaction interprète-ordinateur forment les éléments clefs de cette recherche.L’idée principale de ce travail est centrée sur l’interaction en temps réel avec des dispositifs informatiques avancés, dans le cadre d’une écriture particulièrement virtuose, avec des aspects spécifiques de construction temporelle et spatiale, cette situation hybride influençant en retour la nature de l’écriture elle-même. Les différents thèmes relatifs à cette exploration, tels que l’écriture du son, du temps et de l’espace, sont le point de départ pour décliner et développer, selon la nature des diverses productions envisagées, les liens possibles avec d’autres disciplines artistiques
This research project aims to study the contemporary integration, in the composition and performance, of technological and artistic tools corresponding to the state of the art in terms of real-time interaction between instrumental production, digital sound production and production of spatio-temporal forms in the listening space. In particular, we study how this integration can in turn constitute a new modality of writing in which a coherent writing of sound, a writing of time and a writing of space informed by technology do merge together in a coherent way.Computer paradigms for time and interaction management, synchronization tools, sound and gestural flow analysis, parameter control from instrumental sound, research on the issue of instrumental timbre and its digital descriptors, and interpreter-computer interaction are key elements of this research and creation work.We focus on real-time interaction with smart computer devices in a particularly virtuoso writing with specific aspects of temporal and spatial construction, this hybrid situation in turn influencing the nature of the writing itself. The various themes relating to this exploration, such as the writing of sound, time and space, are the starting point for declining and developing, according to the nature of the various productions envisaged, the possible links with other artistic disciplines

Nous proposons une étude sur les potentialités compositionnelles résultant de la conjonction de la notion d'objet sonore et du transfert progressif des technologies musicales vers le milieu numérique. Partant de l'objet sonore de Schaeffer et parcourant les écrits d’autres auteurs (Bayle, Smalley, Wishart), nous en arrivons au concept d'objet sonore numérique de Vaggione qui articule cette conjonction. Il en découle deux conséquences : la constatation de l'élargissement de l'écriture musicale et une attitude compositionnelle fondée sur l’idée de l’oeuvre comme le résultat d’une interface vers une base de données musicales (d’après Manovich). Nous décrivons enfin les logiciels et les œuvres qui nous ont permis d’aboutir à deux résultats concrets : un logiciel de gestion des patches externes (KITTy) et la musique pour un documentaire de création, Nature Morte, dont l’existence n’auraient pas été possibles sans les réflexions et conséquences présentées
We propose a study on the composition potentialities resulting from the conjunction of the object sound concept and the progressive transfer of musical technologies to the digital media. Beginning with the sound object of Schaeffer, through the writings of other authors (Bayle, Smalley, Wishart), we arrive at the concept of digital sound object of Vaggione, which articulates this conjunction. Two consequences result: the statement of the enlargement of musical writing and a compositional attitude based upon the idea of a work as the result of an interface to a musical database (adapted from Manovich). Finally we describe the software and the works which guided us to two concrete results: a software for external patches management (KITTy) and the music for the “found footage” documentary Nature Morte which would not have been possible without the reflection and consequences presented here

Ce travail a pour but principal de répondre à certaines difficultés de notation rencontrées par les compositeurs. Dans un premier temps, nous nous se proposons de montrer les limites du système d’écriture musicale occidentale (SEMO) dans la notation de certains éléments de la musique et, dans un deuxième temps, de montrer les avantages qu’offre l’utilisation de l’écriture multimédia (EM). Les résultats de ce travail, obtenus à partir de six « expériences-projets de composition », montrent l’efficacité de l’EM : un ensemble de procédés qui permettent l'utilisation simultanée de plusieurs modes de représentation de l'information (tels que textes, sons, images fixes ou animées, entre autres), servant à noter un message afin de pouvoir le conserver et le transmettre du compositeur à l’interprète. Dans le cadre de la composition musicale, l’EM, telle que nous l’avons employée ici, s’est montrée efficace pour noter les éléments suivants : le timbre, des nouveaux modes de jeu, des nouvelles techniques vocales, des instructions pour l’emploi des logiciels ; et aussi l’EM s’est montrée efficace pour l’intégration des éléments suivants dans les œuvres de musique mixte : le jeu d’un musicien de tradition orale, des modes de jeu tirés des musiques de tradition orale et exécutés par un musicien de tradition écrite, une langue tonale (et l’expressivité liée aux genres de musique de tradition orale dans les œuvres écrites. À l’ensemble de notations multimédia déjà existantes et disponibles pour la composition musicale, nous ajoutons deux types de notation qui se sont révélés efficaces dans cette recherche : la notation auditive et la notation d’un savoir-faire au moyen de la vidéo
The main goal of this work is to solve some of the difficulties that composers encounter when notating music. Firstly, we describe how the Western musical notation (WMN) is limited when attempting to write specific musical elements. Secondly, we show the possible advantages that multimedia writing (MW) could offer on the notation of such elements. To address these issues, we used MW in six “experiments/composition projects” that were conceived to answer specific notation questions. The results obtained thereof allowed us to demonstrate the efficacy of MW for overcoming current limitations in music notation. More specifically, MW constitutes a group of procedures that allows to simultaneously represent information in different ways. This information could be either text, sounds, still or moving images, among others. Such procedures can be used to note down a message to further save it and transfer it from the composer to the performer. In the context of our experimental paradigms, MW has proven to be efficient for: the notation of timber, the integration of musicians from oral tradition in mixed music works, the incorporation of instrumental techniques drawn from oral tradition music into written music, the integration of a tonal language in a music score, the notation of new instrumental and vocal techniques, the guidance at using new software, and the incorporation of expressiveness associated to music styles of oral tradition into written works. We consider that two types of notation that proved to be efficient in this research could be added to the body of already existing MW, namely auditive notation and the notation of a know-how by the means of video

Cette recherche-création associe la mobilité numérique immersive et la composition musicale interactive. Elle développe une approche de création en art numérique propre à favoriser l’engagement et prolonger l’expérimentation d’un dispositif artistique dans un espace public extérieur. Nous nous intéressons à l’être-ensemble numérique en réalité mixte, où présence physique et virtuelle se superposent et s’hybrident. Poursuivant et renouvelant d’anciennes traditions culturelles participatives, notre création, ScnVir offre une scène virtuelle de réalité mixte et un design d’interaction favorisant l’émergence d’expériences artistiques participatives. Notre hypothèse est que l’être-ensemble numérique, à travers ses indices communiqués par l’agentivité de groupe, favorise l’engagement et prolonge l’expérienced’un dispositif d’art numérique. Ce qui suppose que l’être-ensemble numérique émerge en fournissant des indices associés à cet état et que la simulation située est une technologie qui permet de matérialiser de tels indices au sein d’un dispositif artistique. Afin de poursuivre cette recherche, nous avons établi une démarche de recherche-création interdisciplinaire incluant l’art numérique, le design d’interaction et la géomatique, qui comporte des objectifs d’ordres conceptuel, méthodologique et artistique. Nous avons déterminé et validé des phases de l’être-ensemble numérique (l’être-là, l’hymersion et l’interaction de groupe) et des indices de l’être-ensemble numérique en simulation située (la proximité, la sociabilité, la coordination des mouvements, la réussite d’une mission). Pour la réalisation du projet, nous avons conçu un design d’interaction basé sur des mouvements simples mettant en œuvre de tels indices. Nous avons élaboré une méthodologie de création et créé une œuvre artistique appliquant les phases de l’être-ensemble numérique dans un dispositif artistique en simulation située. Pour valider notre recherche, nous avons élaboré une méthodologie hybride combinant une approche quantitative et qualitative d’analyse. Les résultats attestent que tous les participants ont accédé à la première phase de l’être-ensemble numérique, l’être-là et que tous les participants ont accédé, au moins partiellement, à la seconde phase de l’être-ensemble numérique, l’hymersion. La réussite de la seconde phase de l’être-ensemble numérique valide que notre dispositif favorise bien l’engagement des participants dans l’expérience, car l’hymersion nécessite l’engagement. Du point de vue de l’interaction de groupe, soit la troisième phase, nos résultats mettent en évidence denombreux indices de l’être-ensemble numérique et un taux de succès de la mission cachée mitigé (28 %), ce qui nous permet d’affirmer que des formes d’être-ensemble numérique ont émergé de notre dispositif. Cependant, les participants n’ont pas tous réussila mission cachée qui nous servait de validation quantitative de l’émergence de l’être-ensemble numérique, car les conditions expérimentales, l’implémentation du design d’interaction et notre démarche de validation démontrent des faiblesses. D’autre part, la présence de nombreux indices de l’être-ensemble numérique atteste que la simulation située est une technologie propre à mettre en œuvre l’agentivité de groupe. Ces résultats démontrent que la mise en œuvre de l’être-ensemble numérique au sein d’un dispositif artistique est possible. Pour y parvenir, des conditions sont à respecter: les phases de l’être-ensemble numérique doivent être rencontrées; le dispositif doit permettre la communication d’indices comportementaux par l’agentivité de groupe; les interactions de groupe doivent être médiatisées dans l’interface par des contenus médiatiques adaptés. Les résultats observés établissent que notre dispositif offre une expérimentation d’assez longue durée et donc favorise la prolongation de l’expérimentation d’un dispositif d’interaction gestuelle simple. Ainsi, nos résultats nous permettent d’affirmer que l’être-ensemble numérique favorise l’engagement et prolonge la participation à un dispositif d’art numérique dans l’espace public. Du point de vue artistique, notre démarche de création est satisfaisante, car elle offre des événements à la fois imprévisibles et significatifs, connectés à l’expérience des utilisateurs, propre à l’expression musicale et artistique. La diffusion de notre projet dans un festival reconnu valide l’intérêt de notre démarche de création et de la simulation située pour la création numérique. Les perspectives de développement artistiques sont extraordinaires.Mots clés: être-ensemble numérique, réalité mixte, simulation située, art numérique, design d’interaction, musique interactive, scène virtuelle, interaction gestuelle, interaction de groupe, agentivité de groupe.
This research associate immersive digital mobility and interactivemusic composition. We develop an approach to creation that encourages engagement and prolongs the experimentation of an artistic installation in an outdoor public space. We are interested in digital togetherness in mixed reality, where physical and virtual presence overlap and hybridize. Continuing and renewing ancient participatory cultural traditions, our creation, ScnVir offers a virtual scene of mixed reality and interactive design that promotes the emergence of participatory artistic experiences. Our hypothesis is that digital togetherness, through its clues communicated by group agency, favors engagement and extends the experience of a digital art installation. This assumes that the digital togetherness emerges by providing clues associated with this state and that the situated simulation is a technology that makes it possible to materialize such clues within an artistic installation. In order to continue this research, we have established an interdisciplinary research-creation approach including digital art, interaction design and geomatics, which includes conceptual, methodological and artistic objectives. We have determined and validated phases of the digital togetherness (the being-there, the hymersion and the group interaction) and the indices of the digital togetherness in situated simulation (proximity, sociability, the coordination of movements, the success of a mission). For the realization of the project, we designed interactivity based on simple movements using such indices. We have developed a creative methodology and created an artistic work applying the phases of digital togetherness in an artistic installation in situated simulation. To validate our research, we have developed a hybrid methodology combining a quantitative and qualitative analysis approach. The results show that all the participants have reached the first phase of the digital togetherness, the being-there and that all the participants have acceded, at least partially, to the second phase of the digital togetherness, the hymersion. The success of the second phase of digital togetherness validates that our device promotes the commitment of the participants in the experience, because hymersion requires commitment. For the third phase involving group interaction, our results highlight many digital togetherness indices and a mitigate success (28%) for the hidden mission, which allows us to affirm that some forms of digital togetherness have emerged from our installation. However, not all the participants succeeded in the hidden mission that served us as a quantitative validation of the emergence of digital togetherness, because the experimental conditions, the implementation of interaction design and our validation process demonstrate weaknesses. On the other hand, the presence of numerous indices of the digital togetherness attests that the situated simulation is a effective technology to implement the group agency. These results demonstrate that the implementation of digital togetherness within an artistic installation is possible. To achieve this, conditions must be respected: the phases of the digital togetherness must be met; the installation must allow the communication of behavioral indices by the group agency; group interactions must be mediated in the interface by appropriate media content. The observed results establish that our installation offers an experiment of rather long duration and thus favors the prolongation of the experimentation of a device of simple gestural interaction. Thus, our results allow us to affirm that digital togetherness promotes engagement and prolongs participation in a digital art installation in the public space. From an artistic point of view, our creative process is satisfactory because it offers both unpredictable and significant events, connected to the user experience, adapted to musical and artistic expression. The diffusion of our project in a recognized festival validates the interest of our approach of creation for the digital creation. The prospects for artistic development are extraordinary.

Rossignolet des bois pour chœur à quatre voix mixtes, Pièce concertante pour saxophone alto, percussion et 24 cordes, et Rives pour orchestre sont des œuvres réalisées au cours des trois dernières années dans le cadre de la maîtrise en composition. Des rapports entre les protagonistes et la musique sont établis dans la pièce pour chœur. Ces protagonistes sont représentés par les différents solistes et les regroupements vocaux. Le contenu poétique correspond à la forme musicale et à la série utilisée dans la pièce pour orchestre. La Pièce concertante s’inspire du motif musical de l’œuvre The Unanswered Question de Charles Ives. Ces compositions font appel à divers langages musicaux : modalité, chromatisme et sérialisme. La Pièce concertante et Rives sont construites à partir d’une organisation de la durée, du tempo, de la métrique, de l’orchestration et du jeu instrumental.
Québec Université Laval, Bibliothèque 2019

De nombreux traitements appliqués aux signaux audio travaillent sur une représentation Temps-Fréquence (TF) des données. Lorsque le résultat de ces algorithmes est un champ spectral d’amplitude, la question se pose, pour reconstituer un signal temporel, d’estimer le champ de phase correspondant. C’est par exemple le cas dans les applications de séparation de sources, qui estiment les spectrogrammes des sources individuelles à partir du mélange ; la méthode dite de filtrage de Wiener, largement utilisée en pratique, fournit des résultats satisfaisants mais est mise en défaut lorsque les sources se recouvrent dans le plan TF. Cette thèse aborde le problème de la reconstruction de phase de signaux dans le domaine TF appliquée à la séparation de sources audio. Une étude préliminaire révèle la nécessité de mettre au point de nouvelles techniques de reconstruction de phase pour améliorer la qualité de la séparation de sources. Nous proposons de baser celles-ci sur des modèles de signaux. Notre approche consiste à exploiter des informations issues de modèles sous-jacents aux données comme les mélanges de sinusoïdes. La prise en compte de ces informations permet de préserver certaines propriétés intéressantes, comme la continuité temporelle ou la précision des attaques. Nous intégrons ces contraintes dans des modèles de mélanges pour la séparation de sources, où la phase du mélange est exploitée. Les amplitudes des sources pourront être supposées connues, ou bien estimées conjointement dans un modèle inspiré de la factorisation en matrices non-négatives complexe. Enfin, un modèle probabiliste de sources à phase non-uniforme est mis au point. Il permet d’exploiter les à priori provenant de la modélisation de signaux et de tenir compte d’une incertitude sur ceux-ci. Ces méthodes sont testées sur de nombreuses bases de données de signaux de musique réalistes. Leurs performances, en termes de qualité des signaux estimés et de temps de calcul, sont supérieures à celles des méthodes traditionnelles. En particulier, nous observons une diminution des interférences entre sources estimées, et une réduction des artéfacts dans les basses fréquences, ce qui confirme l’intérêt des modèles de signaux pour la reconstruction de phase
A variety of audio signal processing techniques act on a Time-Frequency (TF) representation of the data. When the result of those algorithms is a magnitude spectrum, it is necessary to reconstruct the corresponding phase field in order to resynthesize time-domain signals. For instance, in the source separation framework the spectrograms of the individual sources are estimated from the mixture ; the widely used Wiener filtering technique then provides satisfactory results, but its performance decreases when the sources overlap in the TF domain. This thesis addresses the problem of phase reconstruction in the TF domain for audio source separation. From a preliminary study we highlight the need for novel phase recovery methods. We therefore introduce new phase reconstruction techniques that are based on music signal modeling : our approach consists inexploiting phase information that originates from signal models such as mixtures of sinusoids. Taking those constraints into account enables us to preserve desirable properties such as temporal continuity or transient precision. We integrate these into several mixture models where the mixture phase is exploited ; the magnitudes of the sources are either assumed to be known, or jointly estimated in a complex nonnegative matrix factorization framework. Finally we design a phase-dependent probabilistic mixture model that accounts for model-based phase priors. Those methods are tested on a variety of realistic music signals. They compare favorably or outperform traditional source separation techniques in terms of signal reconstruction quality and computational cost. In particular, we observe a decrease in interferences between the estimated sources and a reduction of artifacts in the low-frequency components, which confirms the benefit of signal model-based phase reconstruction methods

De nombreux traitements appliqués aux signaux audio travaillent sur une représentation Temps-Fréquence (TF) des données. Lorsque le résultat de ces algorithmes est un champ spectral d’amplitude, la question se pose, pour reconstituer un signal temporel, d’estimer le champ de phase correspondant. C’est par exemple le cas dans les applications de séparation de sources, qui estiment les spectrogrammes des sources individuelles à partir du mélange ; la méthode dite de filtrage de Wiener, largement utilisée en pratique, fournit des résultats satisfaisants mais est mise en défaut lorsque les sources se recouvrent dans le plan TF. Cette thèse aborde le problème de la reconstruction de phase de signaux dans le domaine TF appliquée à la séparation de sources audio. Une étude préliminaire révèle la nécessité de mettre au point de nouvelles techniques de reconstruction de phase pour améliorer la qualité de la séparation de sources. Nous proposons de baser celles-ci sur des modèles de signaux. Notre approche consiste à exploiter des informations issues de modèles sous-jacents aux données comme les mélanges de sinusoïdes. La prise en compte de ces informations permet de préserver certaines propriétés intéressantes, comme la continuité temporelle ou la précision des attaques. Nous intégrons ces contraintes dans des modèles de mélanges pour la séparation de sources, où la phase du mélange est exploitée. Les amplitudes des sources pourront être supposées connues, ou bien estimées conjointement dans un modèle inspiré de la factorisation en matrices non-négatives complexe. Enfin, un modèle probabiliste de sources à phase non-uniforme est mis au point. Il permet d’exploiter les à priori provenant de la modélisation de signaux et de tenir compte d’une incertitude sur ceux-ci. Ces méthodes sont testées sur de nombreuses bases de données de signaux de musique réalistes. Leurs performances, en termes de qualité des signaux estimés et de temps de calcul, sont supérieures à celles des méthodes traditionnelles. En particulier, nous observons une diminution des interférences entre sources estimées, et une réduction des artéfacts dans les basses fréquences, ce qui confirme l’intérêt des modèles de signaux pour la reconstruction de phase
A variety of audio signal processing techniques act on a Time-Frequency (TF) representation of the data. When the result of those algorithms is a magnitude spectrum, it is necessary to reconstruct the corresponding phase field in order to resynthesize time-domain signals. For instance, in the source separation framework the spectrograms of the individual sources are estimated from the mixture ; the widely used Wiener filtering technique then provides satisfactory results, but its performance decreases when the sources overlap in the TF domain. This thesis addresses the problem of phase reconstruction in the TF domain for audio source separation. From a preliminary study we highlight the need for novel phase recovery methods. We therefore introduce new phase reconstruction techniques that are based on music signal modeling : our approach consists inexploiting phase information that originates from signal models such as mixtures of sinusoids. Taking those constraints into account enables us to preserve desirable properties such as temporal continuity or transient precision. We integrate these into several mixture models where the mixture phase is exploited ; the magnitudes of the sources are either assumed to be known, or jointly estimated in a complex nonnegative matrix factorization framework. Finally we design a phase-dependent probabilistic mixture model that accounts for model-based phase priors. Those methods are tested on a variety of realistic music signals. They compare favorably or outperform traditional source separation techniques in terms of signal reconstruction quality and computational cost. In particular, we observe a decrease in interferences between the estimated sources and a reduction of artifacts in the low-frequency components, which confirms the benefit of signal model-based phase reconstruction methods

Cette version du mémoire a été tronquée des éléments audio et vidéo des compositions originales. Une version plus complète est disponible en ligne pour les membres de la communauté de l’Université de Montréal et peut aussi être consultée dans une des bibliothèques UdeM.
Le projet de recherche-création présenté dans ce mémoire comporte la mise en contexte et l’analyse d’une série d’œuvres musicales originales pouvant être jouées en concert par un ensemble de musiciens (instrumentistes, manipulateurs d’objets et interprète de synthèse sonore) créée en utilisant une approche de composition basée sur la musique électroacoustique. Cette recherche-création a exploré les enjeux créatifs et esthétiques de la fusion de deux approches de composition (mixte et électroacoustique), ainsi que du changement de médium (de support fixe à la performance). Se basant sur les théories d’analyse et d’écriture de la musique électroacoustique (Schaeffer, Roy, Vande Gorne) et de la musique mixte (Dall'Ara-Majek, Doneux) - quatre œuvres ont été composées (Éclats | Violet, Imaginary Landscape, Éclats | Noir et interference patterns), proposant un éclairage pratique à ces outils de composition. L’écriture de partitions pour instruments ou dispositifs électroniques est aussi abordée à partir d’exemples et d’articles sur le sujet.
The research-creation project presented in this dissertation presents the context and the analysis of a series of original musical works that can be played in concert by a group of musicians (instrumentalists, manipulators of objects and sound synthesis interpret) created using a composition approach based on electroacoustic music. This research-creation explored the creative and aesthetic challenges of merging two compositional approaches (mixed and electroacoustic), as well as the change of medium (from fixed support to performance). Based on theories of analysis and writing of electroacoustic music (Schaeffer, Roy, Vande Gorne) and mixed music (Dall'Ara-Majek, Doneux) - four works have been composed (Éclats | Violet, Imaginary Landscape, Éclats | Noir and interference patterns) providing practical lighting for these composition tools. The writing of scores for electronic instruments or devices is also approached from examples and articles on the subject.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU).
La recherche propose une analyse des stratégies qui entrent en jeu dans la composition de musique mixte et la composition assistée par ordinateur. Elle met en relief les caractéristiques de trois écritures (instrumentale, électroacoustique et programmation informatique) afin de les postuler comme fondements de différentes approches musicales. Ces approches sont ensuite examinées en tant qu’entrées possibles dans un projet, démarches impliquant un statut spécifique du compositeur, et caractéristiques qui résultent de leur interaction, afin de former l’ensemble des stratégies de composition. À travers la réalisation de projets musicaux, la recherche propose d’appliquer quatre stratégies différentes dans l’objectif d’explorer de nouvelles méthodologies. L’expérimentation a mis en évidence les facteurs conduisant au respect ou à la déviation des partis pris, et a ouvert la voie au questionnement de l’influence du « faire » sur « l’entendre ».
This research proposes an analysis of the strategies that come into play in the composition of mixed and computer-assisted musical works. It highlights the characteristics of three compositional practices (instrumental, electroacoustic, and computer programming) in order to represent them as the foundation of different musical approaches. These approaches are then analyzed as possible starting points for a project, as processes implying a particular status of the composer and characteristics which result from their interaction, in order to form the entirety of compositional strategies. Through the realization of musical projects, the research proposes to apply four different strategies with the goal of exploring new methodologies. This experimentation has demonstrated the factors leading to the respect for or the deviation from biases and has opened the way to the questioning of the influence of the “doing” on the “hearing”.

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Dans cette recherche, nous aborderons un genre hybride issu de la musique mixte et de la vidéomusique. Contrairement au genre vidéomusique qui est sur un support fixe, la vidéo proposée dans ce projet est interactive. Cette interaction fera l'objet principal de cette recherche puisqu'elle est nécessaire pour bien intégrer le jeu du musicien avec la vidéo. Nous nous attarderons plus spécifiquement sur des moyens pour permettre à la vidéo de suivre et de s'adapter à la musique puisque c'est dans ce champ qu'il y a le plus à découvrir. Nous ferons l'analyse de quatre études composées dans le but de trouver quels moyens sont les plus efficaces, élégants et polyvalents et nous en tirerons des conclusions. Une oeuvre musicale a ensuite été composée à la lumière de ces conclusions et nous en ferons l'analyse détaillée. Cette dernière pièce est d'une plus grande envergure pour un ensemble plus grand et d'une durée plus longue. Elle a été composée dans le but de transmettre un argument poétique. Nous nous sommes aussi penché sur l'intégration visuelle du jeu de l'instrumentiste et de la vidéo afin qu'ils se complètent dans une composition visuelle globale. Pour y arriver, nous avons expérimenté différents types de projections et de mise en scène.
In this research, we shall address a hybrid genre born from the mixture of mixed music and videomusic. Contrary to videomusic which is on a fixed medium, the video approached in this project is interactive. This interaction will figure as the main aspect of this research because it is necessary to achieve a good integration between the performer and the video. We will dwell more specifically on the methods allowing the video to follow the music because it is the field in which there is more to discover. We are going to analyze four little experimental pieces composed in such a way as to find which methods are the most efficient, elegant and versatile. We will draw our conclusions. A final piece has been composed from these conclusions and we are presenting a detailed analysis. This last piece is a larger-scale piece for a bigger ensemble with a longer length. The main goal was to communicate a poetic vision in the most efficient way. We also thought about the visual integration of the performer and the video to allow a unified visual composition between them. To achieve this integration, we have experimented different video projection types and stagings.

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Dans mon travail de recherche et de création musicale, je m’inspire du concept d’intersection pour sa capacité à donner naissance à quelque chose de nouveau. Ce mémoire de maîtrise documente une exploration de ce concept dans trois contextes différents : une pièce instrumentale, une pièce mixte et une pièce pour chœur. J’emploie le mot « intersection » dans le sens figuré de deux éléments abstraits ou concrets qui se rencontrent. La nature de leur rencontre ainsi que les résultats possibles m’intéressent également. Je vise l’intégration du concept à tous les niveaux d’une pièce : du global (la conception, la forme) jusqu’au local (la facture et l’emploi des techniques de composition). Le choix de procédés est très ouvert et dépend entièrement du contexte de la pièce et du résultat artistique envisagé. Ainsi, dans chacune de mes trois pièces de maîtrise, j’ai choisi une approche différente de l’idée de l’intersection. J’ai expérimenté une variété de moyens et de procédés, ainsi que la fonction de la composante extra-musicale (lorsqu’il y en a une). Au premier chapitre, je discute de mon quintette Finding Common Ground qui explore l’intersection de l’écriture pour percussion avec l’écriture pour les quatre autres instruments plutôt « mélodiques ». Ensuite, au deuxième chapitre je présente ma pièce Pleine lune pour contrebasse et bande, qui apprivoise le croisement de l’écriture instrumentale avec l’écriture acousmatique. Finalement, au troisième chapitre j’expose ma pièce Séjour dans un autre monde, pour chœur de jeunes et piano préparé, qui s’inspire du croisement de la pensée électroacoustique et de l’écriture vocale et instrumentale.
In my musical research and creative work, I am inspired by the concept of intersection for its capacity to give birth to something new. This Master’s thesis documents an exploration of this concept in three different contexts: an instrumental piece, a mixed piece and a piece for choir. I employ the term “intersection” in the figurative sense of two elements, either abstract or concrete, which meet. The nature of their meeting and the possible results are of equal interest to me. I strive to integrate the concept at all levels of a piece: from the global perspective (the conception, the form) to the local perspective (the craft and the use of compositional techniques). The choice of procedures is wide open and depends entirely on the piece and the envisioned artistic result. Thereby, for each of my three Master’s pieces I chose a different approach to the concept of intersection. I experimented with a variety of means and procedures, as well as the function of the extra musical component (where applicable). In the first chapter, I discuss my quintet Finding Common Ground, which explores the intersection of percussion writing with the writing for the four other “melodic” instruments. Next, in the second chapter I present my piece Pleine lune for double bass and tape, which undertakes the crossing of instrumental writing with acousmatic writing. Finally, in the third chapter I examine my piece Séjour dans un autre monde, for youth choir and prepared piano, which was inspired by the crossing of electroacoustic thought with vocal and instrumental writing.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU).
Ce mémoire présente quatre œuvres musicales composées dans le cadre d'une exploration des musiques numériques. La description de leur contexte de création et leur analyse témoignent d’une démarche méthodologique inspirée par l’improvisation, la collaboration et l’interprétation des musiques. Une introduction précise d’abord mon parcours musical et mes sources d’inspiration en plus de décrire les origines et les objectifs de mon projet. Le premier chapitre présente le contexte de création des quatre œuvres qui composent mon corpus. De velours et d’acier est une pièce acousmatique inspirée de la musique métal qui s’organise autour de matériaux sonores référentiels. Un pied dans ma poubelle est une pièce musicale mixte composée expressément pour l'ensemble de jazz contemporain [iks]. Sa composition a grandement fait évoluer ma conception de l’improvisation. La pièce Enfant Robot au cœur fondant est une recherche sur l’intégration des composantes électroacoustique et instrumentale dans une même musique. Druckabfall est une musique acousmatique qui a vu le jour suite à une collaboration théâtrale. Un deuxième chapitre offre une discussion sur la musique mixte et ses implications dans le processus créatif. Un ultime chapitre aborde de façon critique mon corpus en plus d’en extraire certaines préoccupations. Je propose alors une méthodologie de composition en plus de discuter de l’improvisation et de la collaboration comme moyens de développer mon processus créatif. Cette discussion d’ordre esthétique me permet d'établir des perspectives d’avenir pour ma création musicale.
This Master's thesis presents four musical works composed whilst researching numeric music. The description of their context of creation and their analysis indicate a methodological approach inspired by improvisation, collaboration and interpretation of music. First, an introduction describes my musical background and sources of inspiration in addition to describing the origins and objectives of my project. The first chapter presents the context, within which the four musical works were created. De velours et d’acier is an acousmatic work inspired by metal music. It is organized around a set of referential sounds. Un pied dans ma poubelle is a mixed music work composed specifically for the contemporary jazz band [iks]. My understanding of improvisation has greatly evolved with the composition of this work. The piece called Enfant Robot au cœur fondant was made during my research for integrating electroacoustic and instrumental components within a united music. Druckabfall is an acousmatic work born after a collaboration within the world of theater. The second chapter provides a discussion on mixed music and its implications in the creative process. The final chapter looks critically across my corpus to extract some aesthetic concerns. I then propose a methodology of composition and discuss the improvisation and collaboration as means to develop my creative process. This discussion allows me to enunciate my future musical pratices.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l'Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU).
Ce mémoire expose les résultats de mon projet de recherche, qui consistait à élaborer et tester ma démarche compositionnelle s’appliquant aux musiques de pratique électroacoustique, instrumentale et mixte. Mon intention était d’uniformiser et de systématiser mon approche s’inscrivant essentiellement dans l’esthétique des romantiques. J’y combine musique à programme, partitions graphiques et autres techniques modernes de composition. Le premier chapitre est consacré à la description détaillée et commentée des trois étapes qui constituent mon travail de création : le programme, l’analyse ainsi que la structure et la forme. Pour expérimenter cette approche, j’ai composé trois pièces : Le chat noir, pièce mixte pour gamelan, bandes et traitements en temps réel et inspirée d’une nouvelle d’Edgar Allan Poe, La nébuleuse de la tour, pièce électroacoustique basée sur une partition graphique exécutée par une guitare et un trombone et, comme troisième pièce, Le livre de Thot, pour trio à cordes et piano, présentée en quatre mouvements inspirés d’autant de cartes du tarot. Les trois pièces sont décrites et analysées en fonction de ma démarche aux chapitres deux, trois et quatre, respectivement.
This thesis presents the results of my research project which consisted in elaborating and testing my compositional approach in three musical forms, namely, electroacoustic, instrumental, and mix. My aim was to systematize my approach—which belongs essentially with romantic aesthetics—and to make it uniform by combining program music, graphic partitions, and other modern compositional techniques. The first chapter is devoted to the detailed and commented description of the three stages of my creation process : program, analysis, as well as form and structure. To test my approach, I have composed three pieces, 1- Le chat noir, a mixed piece for gamelan, recording and real-time processing inspired by a novel by Edgar Allan Poes, 2- La nébuleuse de la tour, an electroacoustic piece based on a graphic partition and performed on guitar and trombone, and 3- Le livre de Thot, for string trio and piano and performed in four movements inspired by four tarot cards. These three pieces are described and analyzed in chapters two, three, and four respectively.

La « pensée mixte » est une approche de la composition caractérisée par l’interaction de trois pensées: la pensée instrumentale, la pensée électroacoustique et la pensée informatique. Elle prend la forme d’un réseau où le compositeur fait des aller-retours entre les trois pensées et réalise des équivalences paramétriques. La pensée instrumentale se rattache à la tradition de l’écriture occidentale, la pensée électroacoustique fait allusion aux pratiques du studio analogique et de la musique acousmatique, et la pensée informatique fait référence aux pratiques numériques de la programmation visuelle et de l’analyse spectrale. Des lieux communs existent où s’opèrent l’interaction des trois pensées: la notion du studio instrumental de Ivo Malec, la notion de musique concrète instrumentale de Helmut Lachenmann, la composition assistée par ordinateur, la musique spectrale, l’approche instrumentale par montage, la musique acousmatique s’inspirant de la tradition musicale écrite et les musiques mixtes. Ces domaines constituent les influences autour desquelles j’ai composé un corpus de deux cycles d’œuvres: Les Larmes du Scaphandre et le Nano-Cosmos. L’analyse des œuvres met en évidence la notion de « pensée mixte » en abordant la pensée électroacoustique dans ma pratique instrumentale, la pensée informatique dans ma pratique musicale, et la pensée instrumentale dans ma pratique électroacoustique.
“Mixed-method thinking” is an approach to composition characterized by the interaction of three streams of compositional thought: instrumental, electroacoustic and computing-based. It takes the form of a network within which the composer goes back and forth between these three types of conceptualization and succeeds in finding equivalences between parameters. Instrumental thinking is connected to the Western notated compositional tradition, electroacoustic thinking alludes to practices derived from the analog studio environment and the acousmatic music tradition, and computing-based thinking refers to visual programming and spectral analysis practices. Common areas exist where all three forms of thinking interact: Ivo Malec’s notion of the instrumental studio, Helmut Lachenmann’s notion of musique concrète instrumentale, computer-assisted composition, spectral music, the montage approach to instrumental composition, acousmatic music inspired by the written musical tradition and genres combining instruments with fixed media or electronics. These areas comprise the influences around which I composed a corpus of two cycles of works: Les Larmes du Scaphandre and Nano-Cosmos. Analysis of these works demonstrates the notion of “mixed-method thinking” through the adoption of electroacoustic thinking in my instrumental composition practice, computational thinking in my musical practice, and instrumental thinking in my electroacoustic practice.

Cette thèse revient sur les onze œuvres musicales ayant jalonné mon parcours compositionnel et marqué le développement de ma pensée de créatrice. J’ai divisé la production de ces sept années de doctorat en trois sections, correspondant à trois phases distinctes de l’évolution de mon langage. Ce parcours est un passage graduel d’une pensée intuitive vers une pensée de plus en plus structurée. Bailo, String Quartet no.1, et Con fuoco sont les œuvres composées durant la première phase. La deuxième phase a mené à la composition de deux pièces où sont juxtaposées musique instrumentale et musique électroacoustique : le Concerto pour clarinette et bande et Impressions pour basson et bande. Afin d’arrimer ces deux mondes disparates, l’approche intuitive a tranquillement été écartée au profit d’une meilleure organisation des paramètres à travers l’introduction de la formalisation. La troisième phase correspond à une exploration plus rigoureuse de la formalisation par l’entremise de modèles. Quatre modèles sont abordés dans cette thèse; soit le modèle de l’objet sonore, le modèle de la linguistique, le modèle du timbre et le modèle de l’art visuel. Dans le modèle de l’objet sonore, utilisé dans la pièce Nevaliashka, la formalisation se construit autour d’un jouet duquel j’extrais le plus d’information possible. Utilisé dans les opéras Les bottes jaunes et The Feast of Nemesis, le modèle linguistique aborde la sémantique et phonétique des différentes langues. Le modèle du timbre, que l’on retrouve dans FLAW/LESS et Transition, s’attarde à la corporéité des instruments traditionnels et à leurs potentialités acoustiques. L’écriture instrumentale y est pensée comme une sculpture de timbres et la méthodologie est dérivée de celle généralement utilisée pour la composition de la musique électroacoustique. Enfin, avec le modèle de l’art visuel, mis en valeur dans la pièce Galženjaki, je m’intéresse aux interactions entre art visuel et littérature, de même qu’à la manière de transposer ce dialogue en musique.
This thesis returns to the eleven musical works that marked my compositional journey as well as my development as an artist. I divided the production of these seven years of doctoral studies into three sections, corresponding to three distinct phases of the evolution of my language. This journey is a gradual transition from an intuitive approach to musical writing to a more structured approach. Bailo, String Quartet no.1, and Con fuoco were composed in the first phase. The second phase led to two pieces in which instrumental music and electroacoustic music were juxtaposed: the Concerto pour clarinette et bande and Impressions for bassoon and tape. In order to bridge the gap between these two distinct worlds, intuition gradually gave way to a better organization of parameters through the introduction of formalization. The third phase corresponds to a more rigorous exploration of formalization through the use of models. Four models are addressed in this thesis; the sound object model, the linguistics model, the timbre model and the visual arts model. In the sound object model, used in the Nevaliashka piece, formalization is built around an object of everyday life from which a maximum of information is extracted and analyzed. Used in the operas Les bottes jaunes and The Feast of Nemesis, the linguistics model incorporates the semantics and phonetics of different languages into the compositional process. The timbre model, found in FLAW/LESS and Transition, focuses on the corporeality of traditional instruments and their acoustic potential. Instrumental writing is thought of as a sculpture of timbres and follows the methodology generally used in electroacoustic music composition. Finally, with the visual arts model, highlighted in the Galženjaki piece, I analyze the interactions between visual arts and literature and attempt to translate this dialogue into music.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU).
Cette thèse est basée sur une approche méthodologique hybride relevant de recherche-création en musique et de musicologie appliquée à l’interprétation. Elle s’intéresse à cette question centrale : « Quels rôles l’interprète-chercheur occupe-t-il dans un contexte de création ou de re-création (ou d’interprétation) musicale » ? Pour y répondre, l’auteure examine et rend compte du processus créateur et re-créateur de deux œuvres significatives dans son parcours en tant qu’interprète, soit Kathinkas Gesang als Luzifers Requiem (1983-1984) de Karlheinz Stockhausen et La Machi, rituel pour flûtes, électronique et regards (2007-2011) d’Analía Llugdar. Le travail de ces œuvres mixtes qui comportent toutes deux une dimension théâtrale tout en mettant en scène des personnages instrumentaux l’amène aussi à traiter des problématiques de l’appropriation de l’œuvre par l’interprète-chercheur et de la liberté de celui-ci face aux œuvres présentant un haut degré de déterminisme notationnel. La première partie situe les contextes disciplinaires et théoriques des recherches de l’auteure. Le premier chapitre permet de comprendre comment s’exerce la recherche de l’interprète en musique et de situer les différentes modalités dans lesquelles ce type de recherche s’effectue. Le deuxième chapitre explique les notions d’interprétation, d’improvisation et de composition et il situe l’interprète par rapport à ces trois champs d’activités. L’auteure y compare aussi les modes créatifs du théâtre à ceux de la musique tout en s’intéressant aux divers types d’authenticité inhérents au travail d’interprétation. Le troisième chapitre pose le principal angle d’investigation et d’analyse adopté dans cette thèse, soit celui du timbre instrumental. La deuxième partie porte sur Kathinkas Gesang de Stockhausen. Le quatrième chapitre présente une chronologie récapitulative des différentes grandes périodes d’appropriation de l’auteure. Le cinquième chapitre présente et met en contexte le symbolisme du cycle Licht, die sieben Tage der Woche (1977-2003), dans lequel Kathinkas Gesang s’insère. Le sixième chapitre est voué à une analyse du symbolisme attribué au timbre des principaux instruments que l’on retrouve dans Licht. Le septième chapitre évalue l’impact de la présence des interprètes dans le processus compositionnel chez Stockhausen tout en traitant de la question du casting dans Licht. Le huitième chapitre s’articule en un lexique timbral présentant une exégèse des techniques de jeu employées dans Kathinkas Gesang pour produire divers types de timbres. La troisième partie porte sur La Machi d’Analía Llugdar. Dans le neuvième chapitre, l’auteure présente la structure générale de l’œuvre et son synopsis et elle traite du rôle qu’elle a joué dans le processus de création de cette œuvre. Le dixième chapitre prend la forme d’un lexique timbral présentant une exégèse des différentes techniques de jeu employées dans l’œuvre pour produire divers types de timbres. Dans la conclusion, trois sphères d’action et six rôles-types de l’interprète-chercheur en création et en re-création musicale sont identifiés. De plus, des réponses aux problématiques de l’appropriation de l’œuvre et de la liberté de l’interprète sont apportées. L’auteure y suggère également des pistes de réflexion pour la recherche- création en musique et elle y présente les principales retombées de la thèse.
This dissertation is based on a hybrid methodological approach belonging to research-creation in music and musicology applied to performance. It explores the following central question : “What roles are occupied by the performer-researcher in a context of musical creation or re-creation (or performance)” ? In response, the author examines and relates the creative and re-creative process for two significant works in her practice as a performer : Kathinkas Gesang als Luzifers Requiem (1983- 1984) by Karlheinz Stockhausen and La Machi, rituel pour flûtes, électronique et regards (2007-2011) by Analía Llugdar. The work on these mixed electroacoustic music pieces that both include a theatrical dimension and the staging of instrumental characters also leads her to consider issues of appropriation of the piece by a performer-researcher and their freedom when faced with pieces involving a high level of notational determinism. The first part lays out the discipline-based and theoretical contexts of the author’s research. Chapter 1 provides insight into how a performer’s research is carried out in music and situates the different ways in which this type of research is undertaken. Chapter 2 explains the notions of performance, improvisation and composition, and it positions the performer in relation to these three fields of activity. The author also compares creative approaches in theatre to those in music, while exploring different types of authenticity inherent in the interpretive process. Chapter 3 presents the principal angle of investigation and analysis adopted in this dissertation, that of instrumental timbre. The second part focusses on Kathinkas Gesang by Stockhausen. Chapter 4 presents a recapitulative chronology of the different major periods of the author’s performance. Chapter 5 presents and contextualizes the symbolism of the cycle Licht, die sieben Tage der Woche (1977-2003), from which Kathinkas Gesang is taken. Chapter 6 is devoted to the analysis of the symbolism attributed to the timbre of Licht’s main instruments. Chapter 7 evaluates the impact of the performer’s presence during the compositional process for Stockhausen, while exploring the question of casting in Licht. Chapter 8 is articulated around a lexicon of timbre presenting an exegesis of the playing techniques used in Kathinkas Gesang to produce various types of timbres. The third part focusses on La Machi by Analía Llugdar. In Chapter 9, the author presents the general structure of the piece and its synopsis, and she explores the role she played in the creative process of this piece. Chapter 10 takes the form of a lexicon of timbre presenting an exegesis of playing techniques used in the piece to produce various types of timbres. In the conclusion, three spheres of action and six archetypal roles of the performer-researcher in musical creation and re-creation are identified. Furthermore, answers to the issues of appropriation of the piece and the performer’s freedom are proposed. The author also suggests reflections for research-creation in music and she presents the main outcomes of the dissertation.

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Durant ces trois dernières années, mon langage musical a évolué vers une dialectique de plus en plus gestuelle. Par l’intermédiaire de cet élément, j’ai recherché comment on pouvait « chorégraphier » la musique. Ces réflexions m’ont poussé à choisir une approche basée aussi bien sur le mouvement que sur la temporalité afin d’en déduire certains aspects musicaux. La finalité est de mêler d’une manière cohérente le geste chorégraphique, le geste musical et le geste instrumental. J’ai choisi de présenter mes pièces en ordre chronologique afin de montrer les liens qui subsistent entre elles, aussi bien dans leurs caractères que dans l’évolution de mon discours compositionnel. Ces oeuvres, qui utilisent toutes certains paradigmes électroacoustiques, exhibent une forte disparité énergétique et démontrent un intérêt marqué pour les extrêmes. Ces éléments sont au coeur de mon écriture et de ma pensée musicale. Ces considérations m’ont permis de faire évoluer un concept de « musique chorégraphique » dans lequel le discours musical s’oriente à travers différents types d’événements gestuels.
During these last three years, my language evolved constantly towards a more gestural vocabulary. Through this, I searched for a way to « choreograph » music. During this research, I gave as much importance to movement as to temporality in order to highlight certain aspects that are purely musical. The objective is mixing the pure choreographical movement, the musical gesture, and the instrumental gesture. I choose to present my pieces chronologically in order to analyze their relation, the compositional evolution that I experimented. These pieces use very different energy dynamics, a tendency for the extremes and the paradigm of electroacoustic music. These elements are intrinsic both in my writing and my musical thinking. Taking this into consideration, I was able to generate the concept of « choreographical » music, where the music is expressed through different types of gesture.

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Cette thèse présente la démarche compositionnelle relative à six œuvres de musique mixte interactive pour hyper-flûtes, soit des flûtes traversières munies de capteurs gestuels électroniques reliés à un ordinateur. Le jeu instrumental est ainsi augmenté par des composantes électroacoustiques qui peuvent être contrôlées par l’interprète. Une grande partie de cet ouvrage est consacrée à la recherche autour de ces œuvres. On peut y lire un bref historique de la musique mixte qui souligne l'apport de la flûte à la musique électroacoustique. On se penche sur les défis de synchronisation du son instrumental et électronique auxquels font face les compositeurs depuis les années 1950, pour ensuite déterminer en quoi consiste la composition interactive. Après avoir défini la notion de geste instrumental, en particulier en ce qui concerne le jeu de la flûte traversière, on aborde les détails de la lutherie électronique de l’hyper-flûte et de l’hyper-flûte-basse. Ces descriptions techniques sont précédées de commentaires sur différents instruments augmentés et spécifiquement sur les différentes flûtes connues. Cette partie se termine par un exposé concernant l’interaction et les stratégies de mappage des données gestuelles vers les correspondances sonores. La suite est consacrée aux compositions. On peut d’abord y lire mon point de vue sur la composition interactive et l’improvisation. Six chapitres décrivent ensuite en détail chacune des œuvres. On y présente les sources d’inspiration et une analyse formelle sommaire de chaque pièce, puis on élabore sur les composantes instrumentales et électroacoustiques, en explicitant les types d’interactions utilisés. Soulignons que quatre de ces œuvres ont été élaborées autour de textes poétiques. Finalement, une courte conclusion résume les objectifs artistiques réalisés dans le cadre de ce doctorat et les pistes envisagées pour la poursuite de mon travail créateur avec les hyper-flûtes.
This dissertation presents the compositional processes of six pieces with live interactive electronics for hyper-flutes: flutes equipped with electronic motion sensors connected to a computer. Instrumental techniques are thus augmented by electroacoustic components that can be controlled by the performer. A significant portion of this document is focussed on the research framing these works. A brief history of «musique mixte» is presented, underlining the contribution of the flute to electroacoustic music. The challenges associated with the synchronization of instrumental and electronic sounds with which composers have been faced since the 1950’s are then addressed, providing the context for establishing the essential nature of interactive composition. After having defined the notion of instrumental gesture, particularly as it concerns flute techniques, details of the electronic design of the hyper-flute and the hyper-bass-flute are considered. The descriptions of these techniques are prefaced by observations about other augmented instruments and more specifically the different known flutes. This part concludes with a presentation of the interaction and mapping strategies of gestural data as it relates to the corresponding audio elements. The sections that follow focus attention on the compositions. I begin by elaborating my own perspective on interactive composition and improvisation. Six chapters then provide detailed descriptions of each of the pieces, starting with the sources of inspiration and a brief formal analysis. I go on to explain their instrumental and electroacoustic components, detailing the types of interactions used. Of particular note is the fact that four of these works were developed based on poetic texts. Lastly, a short conclusion summarizes the artistic objectives realized during my doctoral tenure as well as the potential opportunities for the continuation of my creative work with the hyper-flutes.