Literatura académica sobre el tema "Mot poétique"
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Artículos de revistas sobre el tema "Mot poétique"
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Frighetto, Aurélie. "L’appropriation romantique des clichés de langue : Lamartine, Hugo et la langue des dictionnaires poétiques". Revue de littérature comparée 388, n.º 4 (29 de enero de 2024): 440–50. http://dx.doi.org/10.3917/rlc.388.0058.
Texto completoResumen
Les premières années du XIX e siècle sont marquées par la publication de nombreux dictionnaires poétiques, ouvrages destinés aux versificateurs de tous horizons et se proposant d’offrir, en un volume, l’essentiel du langage poétique. Ces dictionnaires contiennent, outre une classification des rimes, des listes d’épithètes ou de locutions figées qui tendent à circonscrire tel ou tel mot poétique dans des phrases « prêtes à l’emploi » et prêtes, aussi, à devenir autant de clichés. Cet article se propose donc d’étudier le rôle des dictionnaires poétiques dans l’élaboration des clichés romantiques, pour voir comment deux poètes du premier XIX e siècle (Lamartine et Hugo) ont pu tout à la fois utiliser cette langue poétique considérée comme stéréotypée, en faire bouger les lignes et créer, à partir de ce fonds, de nouvelles tournures destinées à devenir elles aussi et bien plus tard, des clichés.
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Nancy, Jean-Luc. "Pris au mot". Études françaises 38, n.º 1-2 (18 de agosto de 2004): 13–14. http://dx.doi.org/10.7202/008389ar.
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Tronchet, Gilles. "Horace miniaturiste : une poétique du mot à mot (Odes I, 23)". Vita Latina 195, n.º 1 (2017): 91–121. http://dx.doi.org/10.3406/vita.2017.1845.
Texto completoResumen
This paper is concerned with one of Horace’s Odes : it highlights several echoes and connections between words, unobserved yet by the scholars. Doubtless, such sophisticated structures can exert an influence on the understanding of that poem. The concept of epistemological obstacle introduced by Gaston Bachelard, conjugated with the method of a new theory, the textique, developed by Jean Ricardou, is useful for explaining why readers had never detected an arrangement so perceptible.
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Mercier, Michel. "Le Renouvellement d’un mot ou le Luxe selon Colette". Études littéraires 26, n.º 1 (12 de abril de 2005): 11–19. http://dx.doi.org/10.7202/501027ar.
Texto completoResumen
Les nécessités du métier de journaliste ont conduit Colette à s'interroger sur les modes et en particulier sur tout ce qui touche aux industries de luxe. Ce faisant, en bon artiste-artisan, elle ne peut s'empêcher d'infléchir le sens ordinaire de luxe pour en faire une sorte de mot poétique autour duquel se regroupent en réseaux les grands motifs de son oeuvre, et l'art d'ajuster cette oeuvre aux beautés de «l'univers tangible et poétique» dont elle propose la représentation. S'il existe une industrie de luxe, il existe aussi pour Colette une écriture du luxe; elle nous invite ainsi à communier avec elle dans une célébration qui est la marque de son originalité.
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Saint-Gérand, Jacques-Philippe. "Réflexions sur la poétique du mot dans Oberman". L Information Grammaticale 28, n.º 1 (1986): 32–37. http://dx.doi.org/10.3406/igram.1986.2155.
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Chol, Isabelle y Anne Reverseau. "La poésie comme une « image ». Emplois et valeurs du mot dans le discours critique des poètes français". Tangence, n.º 124 (23 de septiembre de 2021): 11–28. http://dx.doi.org/10.7202/1081685ar.
Texto completoResumen
Si les réflexions sur l’image ne sont pas nouvelles, qu’elles s’inscrivent dans le champ de la rhétorique, de l’esthétique, mais aussi de la physiologie et de la psychologie qui se sont développées au xixe siècle, le mot est particulièrement fréquent dans le premier tiers du xxe siècle, marqué par le symbolisme finissant, l’esprit nouveau et les premières avant-gardes. Il prend place au sein de discours qui tentent de réévaluer les « moyens » de la création poétique et, plus largement, d’en définir les contours, notamment au regard des arts visuels. Cet article se propose d’étudier les valeurs et les enjeux du mot « image » dans le discours critique des poètes français, afin d’observer pourquoi et comment différents types d’images sont convoquées comme modèles dans la poésie française de l’entre-deux-guerres. Il s’agira alors d’analyser les glissements entre les valeurs du mot « image », cette dernière étant apte à désigner, dans sa polysémie, les arts visuels et la poésie, et s’avérant, dans ce dernier champ, un moyen spécifique autant qu’une dynamique globale du poème et de la création poétique, alors entendue au-delà de ses frontières linguistiques.
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Biron, Michel. "La ferveur poétique de Gilbert Langevin". Dossier 22, n.º 3 (29 de agosto de 2006): 460–72. http://dx.doi.org/10.7202/201320ar.
Texto completoResumen
Résumé À partir de l'analyse du recueil Griefs. Poégrammes (1975) et de quelques autres, Michel Biron montre comment la ferveur poétique reçoit chez Gilbert Langevin une force d'évidence qui définit le sens du mot « révolte » au lendemain de la Révolution tranquille. Langevin exalte la poésie en tant qu'ultime valeur-refuge dans un monde livré au cynisme froid de la bureaucratie. Avec un talent incertain, capable parfois d'un détachement mélancolique et lucide, Langevin s'accroche à la poésie comme à une vérité première, indiscutable. L'analyse suggère que cette exaltation du poème trouve sa légitimité sociale à l'extérieur de la poésie, dans le discours culturel des années 1970.
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Pil'scikov, Igor'. "La forme interne du mot dans l’interprétation des formalistes russes (OPOJaZ, CLM, GAXN)". Cahiers du Centre de Linguistique et des Sciences du Langage, n.º 46 (9 de mayo de 2016): 121–42. http://dx.doi.org/10.26034/la.cdclsl.2016.493.
Texto completoResumen
Cet article est consacré au développement des idées de Potebnja dans les écrits des formalistes de Petrograd et de Moscou, en premier lieu aux interprétations divergentes du concept de «forme interne du mot». Ce sont les tentatives pour en saisir le sens qui ont contribué à la mise en place de la théorie formaliste du langage poétique et au développement des idées sur la spécificité de la sémantique poétique. En fait, toutes les variantes du formalisme russe ont eu en commun une conception relationnelle, remontant à Potebnja, de la forme en tant que telle et de la «forme interne» en particulier : par-delà leurs antagonismes, tous les formalistes la formulent, d’une façon ou d’une autre, de Šklovskij à Vinokur, et de Jarxo à Špet.
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Debailly, Pascal. "POÉTIQUE DE LA SATIRE". Revista de Estudos Literários 7 (19 de julio de 2018): 17–36. http://dx.doi.org/10.14195/2183-847x_7_1.
Texto completoResumen
La satire mêle parole et violence, violence de l’indignation, violence durire. Elle naît d’un décalage, devenu insupportable, entre l’idéal et le réel.Elle convertit en émotion littéraire tout ce qui, dans le spectacle de la vie aujour le jour, suscite de la contrariété et du déplaisir, apparaît comme ridiculeou scandaleux. Elle invite à réfléchir sur le rapport entre littérature etagressivité, sur les enjeux esthétiques de l’indignation et de la dérision, surla possibilité et la portée d’un lyrisme fondé sur le comique et la négativité.La satire témoigne en outre dans l’histoire littéraire de l’émergence d’unsujet libre et critique qui s’affranchit des sources traditionnelles d’autorité.Elle prouve que la beauté poétique peut aussi être inspirée par la noblessede l’indignation et par le pouvoir salvateur du rire. Quatre élémentsapparaissent essentiels. Le premier concerne son origine psychologique :la satire répond à une colère, un malaise, une contrariété ; elle soulage laconscience, la mauvaise humeur ou l’envie de se moquer. Le second, c’estl’agression : une satire est une attaque qui vise à provoquer une blessuremorale. Le troisième élément touche à la norme, à la loi, au principe quel’on a estimé bafoué et piétiné. Le quatrième élément engage la mise enforme du mouvement d’indignation. Ici intervient l’habileté rhétorique,l’art du bon mot, l’arme privilégiée du comique.
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Corrado-Kazanski, Florence. "Remarques sur la notion d’energeia à l’Âge d’argent". Modernités Russes 15, n.º 1 (2015): 57–72. http://dx.doi.org/10.3406/modru.2015.1021.
Texto completoResumen
L’Âge d’argent voit se développer une philosophie de la langue qui reprend l’affirmation humboldtienne de la dualité de la langue en terme d’ergon et d’energeia, ainsi qu’une théologie du verbe renouant avec la théologie patristique. De plus, la notion d’ еnergeia, dans toutes ces acceptions, est un réservoir de métaphores pour les poètes qui cherchent à dire l’efficacité du verbe poétique, ainsi que son caractère ontologique. La métaphore du verbe-lumière est ainsi révélatrice de la rencontre entre théologie et poésie à l’Âge d’argent, et le mot sijanie, très présents chez Andrej Belyj, Zinaida Hippius ou Georgij Ivanov, par exemple, peut être interprété comme une «traduction» poétique du concept théologique d’énergie.
Tesis sobre el tema "Mot poétique"
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Prinderre, Corinne. "Le mot "pierre" dans l'oeuvre poétique de Saint-John Perse : contribution du vocabulaire geologique à la poétique persienne". Aix-Marseille 1, 2002. http://www.theses.fr/2002AIX10079.
Texto completoResumen
L'étude du mot "pierre" dans l'oeuvre poétique de Saint-John Perse est le fil directeur qui permet de se fonder sur le vocabulaire géologique afin de repérer les images essentielles qui traversent les poèmes. Mettant à profit la gourmandise lexicale qui le caractérise, Saint-John Perse s'adonne à de véritables recherches en sciences de la Terre pour s'assurer une collection de termes techniques et scientifiques qu'il transforme en matière poétique, grâce à des procédés linguistiques qui développent en contexte les potentialités sémantiques des mots. Dans le premier chapitre, l'examen de la bibliothèque personnelle du poète, conservée à la Fondation Saint-John Perse, aide à reconstituer une partie de son fonds documentaire et de s'appuyer sur ses annotations afin d'établir, dans le chapitre suivant, un corpus qui met en évidence l'emploi de termes spécialisés. Il est ainsi possible de combiner l'analyse du contenu sémantique des termes et celle de leur insertion dans les poèmes. La construction des images est l'objet du troisième chapitre. En effet, les mots se répercutent d'une oeuvre à l'autre, tissant des réseaux sémantiques complexes et construisant une forte charpente thématique, sur lesquels repose la dynamique de la poésie persienne. Mais la particularité des images minérales consiste à établir une analogie entre la formation de la Terre et l'écriture du poème. Retrouver l'itinéraire intellectuel de Saint-John Perse à travers les mots nous conduit ainsi à plonger dans les profondeurs de l'imaginaire. Dans un quatrième chapitre, apparaît l'importance du vocabulaire géologique dans la poésie persienne. Si la pierre occupe une place essentielle dans différents systèmes de pensée, c'est qu'elle oppose à la précarité humaine l'image de la dureté, de la rudesse, mais surtout celle de la permanence de la matière. Outre l'émergence de ces images archai͏̈ques, s'ajoute la difficulté pour l'homme à se représenter une échelle des temps qui exclut le temps humain.
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Frighetto, Aurélie. "Penser le "mot poétique" au XIXe siècle : entre discours lexicographique et pratique littéraire". Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2023. http://www.theses.fr/2023SORUL117.
Texto completoResumen
À la croisée de l’histoire de la langue, de la lexicographie, de la stylistique et de la littérature, cette thèse se propose de retracer le parcours d’une notion complexe, celle de « mot poétique », qui connaît au XIXe siècle une évolution singulière. Des débuts du Romantisme à la mort de Mallarmé, le lexique poétique est en effet soumis à des bouleversements majeurs, entre héritage postclassique et déni de cet héritage, désir de modernité, expérimentations fin-de-siècle. Afin de mieux cerner les contours de cette évolution, nous avons choisi de faire dialoguer le discours lexicographique et les textes littéraires et de confronter leur pensée du mot poétique. La première partie de ce travail propose un panorama du poétique tel qu’il se donne à lire dans les dictionnaires (du premier Dictionnaire de l’Académie de 1694 à La Grande Encyclopédie de 1885-1902) et détermine un corpus lexical, établi à partir des termes que le Grand Dictionnaire universel du dix-neuvième siècle (1863-1876) de Pierre Larousse définit comme poétiques. La deuxième partie de la thèse analyse les usages de ce lexique dans les textes littéraires et montre comment les mots poétiques traditionnels parviennent à conserver leur aura. Enfin, le troisième temps de la réflexion s’intéresse d’une part aux dérives et aux limites de ce lexique, à son devenir cliché, et d’autre part, à tous les nouveaux procédés de poétisation du mot comme au renouvellement général de la pensée du poétique qui confine, à l’aube du XXe siècle, à la rêverieAt the crossroads of the history of language, lexicography, stylistics and literature, this doctoral dissertation aims to recount the path taken by the complex notion of the "poetic word" which is transfigured like no other in the 19th century. From the beginnings of Romanticism to the death of Mallarmé, the poetic lexicon is subjected to major disruptions, as it is torn between post-classical heritage and the denial of that heritage, between an attachment to modernity and end-of-the-century experimentations. To get a better grasp of the features of this evolution, we decided to put lexicographical discourse and literary texts in conversation with each other and contrast their conception of the poetic word. The first part offers an overview of the poetic as revealed by dictionaries (from the first Dictionnaire de l’Académie of 1694 to La Grande Encyclopédie of 1885-1902) and identifies a lexical corpus based on the terms defined as poetic by Pierre Larousse in his Grand Dictionnaire universel du dix-neuvième siècle (1863-1876). The second part analyses the uses of this lexicon in literary texts, showing how traditional poetic words manage to retain their aura. The third part focuses, on the one hand, on the misuses and limits of this lexicon that trivializes it and makes it cliché. On the other hand, it tackles all the new ways of poetizing the word as well as the renewal of thoughts on the poetic which, on the eve of the 20th century, borders on reverie
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Tummillo, Federica. "Le théâtre de Dario Fo après la fin des années soixante-dix : contexte, dramaturgie, poétique (1977-1999)". Thesis, Grenoble, 2012. http://www.theses.fr/2012GRENL038/document.
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Anger, Violaine. "Musique et langage : contribution à une poétique du mot chanté en français de Rousseau à Mallarmé". Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081465.
Texto completoResumen
Sur l'ensemble du xixe siecle deux constats paralleles peuvent etre faits : d'une part, la metaphore musicale prend une place de plus en plus importante dans la maniere qu'ont les poetes de se referer a leur art ; du point de vue des musiciens, bien que l'air reste important, la difference entre parole et chant tend a etre gommee. D'autre part, on assiste dans les deux domaines a une evolution de la sensibilite metrique et intonative quelles sont les grandes etapes de cette evolution? il faut proceder par sondage, a des periodes choisies. La notion d'accent tonique s'avere centrale, car point de rencontre entre metre et intonation, entre musique et langue. Elle apparait comme une sorte de "lieu musical du langage", autour duquel s'organisent des notions plus obscures, comme celle de "sens". L'histoire croisee de la musique et de la langue se joue autour d'une double dissociation : dissociation entre rythme et mesure, entre vers et unite syntaxique. Tout en s'operant au nom de la nature unitaire de la langue et de la musique, le parallelisme de ces deux mouvements de fluidification met en evidence un divorce entre les deux instances. Les deux bornes retenues, rousseau et mallarme, sont considerees dans leur continuite et dans leur opposition. Rousseau attribue une origine commune a la langue et a la musique, en deca de l'articulation et de l'harmonie, union qui contient le geste physique, et qui est le lieu du sens, l'evolution, introduisant articulation et harmonie, marque la perte de sens, et l'inadequation insurmontable entre languge et musique a l'oppose, mallarme peut apparaitre comme celui qui tire les consequences ultimes de l'impossibilite a trouver une continuite reelle entre langue et musique, en affirmant leur difference, tout en travaillant a partir de cette idee de musicalisation de la langue, et de conception de la musique comme un langage autonomeIn the xixth century, music and language have a cross history : rousseau and mallarme, meyerbeer and debussy can be considered as departure and terminus, theoretically as well as in the artistic realizations
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Costa, Melo Maria de Fatima. "L'univers poétique d'António Feijó". Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040171.
Texto completoResumen
L’œuvre poétique d’António Feijó (1859-1917) s’inscrit dans un moment historique marqué de différents courants littéraires: Réalisme, Naturalisme, Parnasse, Décadentisme et Symbolisme. La nouvelle ère du progrès en Europe provoque un renouvellement littéraire. Avide des nouvelles émotions qui arrivaient de Paris dominée par le Réalisme, Feijó remet en question le Romantisme. Depuis sa première publication poétique, Transfigurações (1882), datant de ses années de jeunesse, jusqu’à Novas Bailatas (1926), sa poésie présente une vaste perspective thématique lyrique. Les poèmes réunis dans Transfigurações résument les différentes phases de l’évolution de l’esprit de Feijó, sous l’influence du pessimisme de Schopenhauer et de Leopardi aux doctrines d’Auguste Comte et d’Herbert Spencer. Le pessimisme et la mort s’imposent presque tout au long de sa poésie. Ces doctrines chez Feijó dévoilent une métaphysique et un goût pour la spiritualité. Le poète hésite à trouver sa voie, mais il est influencé par la crise de transition du XIXème au XXème siècle, dominée par l’esthétique décadente qui précède l’esthétique symboliste. Avec son départ vers le Brésil puis vers la Suède, le spleen s’empare plus après la mort de son épouse. Feijó justifie alors sa qualité de poète de l’Amour et de la Mort, thèmes constants dans son œuvre où domine la figure de la Femme. Ce travail examine l’ensemble du corpus de l’œuvre poétique d’António Feijó, contemporain d’Eça de Queirós et mal connue en Europe et au Portugal. Elle apparait comme le résultat d’une époque que le poète synthétise et qui ouvre un chemin original dans une phase de transition tardive du post-romantisme portugaisThe poetic work of António Feijó (1859-1917) is part of a historical moment of different literary currents: Realism, Naturalism, Parnassianism, Decadentism and Symbolism. The new era of progress in Europe originates a literary renewal. Avid of the new emotions that arrived from Paris dominated by Realism, Feijó questions Romanticism. Since its first publication, Transfigurações (1882), written in his youth years until Novas Bailatas (1926), his poetry presents a broad perspective thematic. The poems gathered in Transfigurações summarize the different stages of the intellectual evolution of Feijó, under the influence of the pessimism of Schopenhauer and Leopardi to the doctrines of Auguste Comte and Herbert Spencer. Pessimism and death are presents almost in all his poetry. These doctrines in the work of Feijó unveil his metaphysics and his taste for spirituality. Feijó seems reluctant to find its way, but he is influenced by the crisis of transition from the 19th to the 20th century, dominated by the Decadent aesthetics that precedes the Symbolist aesthetic. With his departure to Brazil and then to Sweden, the spleen takes possession more clearly of Feijó, after the death of his wife. Feijó then justifies his quality of the poet dealing with love and death, constant themes in his work, dominated by the figure of the Woman. This work explores the whole corpus of the poetic work of António Feijó, a contemporary of Eça de Queirós and a poet poorly known in Europe as well as in Portugal. He appears as the result of an era that he synthesizes, but which opens an original road in a late transition of the Portuguese post-romanticism
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Conort, Benoît. "La mort dans l'œuvre poétique de Pierre-Jean Jouve". Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040012.
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Broutelle, Marthe. "Honoré Broutelle : Etude de son univers poétique". Angers, 1987. http://www.theses.fr/1987ANGE0007.
Texto completoResumen
Honoré broutelle, né à nantes, le 16. 04. 1866, décédé à Bois-Colombes, le 19. 01. 1929, médecin, poète et xylographe, chante dans ses volumes de vers le cosmos, alias univers, alias espace-temps, qu'il fait, d'ailleurs, assez rapidement, éclater en espace et temps. D'où divers hommages à l'axe cosmique: l'homme-arbre et à la main; celle-ci considérée comme cordeau de la distance et calculatrice du temps ou négation de l'espace, négation du temps, quand elle est main créatrice, prolongée par l'outil. D'ailleurs, Broutelle fut peintre et, surtout, graveur sur bois original, carrière qui se joue pour lui de 1917 a 1929, il est repertorié dans les dictionnaires et manuels de l'espace (oeuvres acquises par le musée du louvre et divers autres musées nationaux). Par cette hantise de l'espace et du temps, Broutelle traduit, subie par lui dans le vecu, sa problématique profonde de l'absence, de la distance et de la mort, par exemple, à propos de sa filiation directe avec Duguay-Trouin et, surtout, de la disparition de son père, Honore-Salomon Broutelle, capitaine au long cours, lors d'une escale à Sydney. Il apaise partiellement son angoisse par le recours à l'écoute du chuchotement des premières sources : l'eau, la terre, l'air, le feu, créatrices et conservatrices de la vie dont il exalte le grand-prêtre, le paysan, ainsi que les manifestations animales les plus familières. D'ailleurs, la vie, il la sert comme médecin, d'où les poèmes médicaux (édition posthume). Il fait paraitre, en 1922, les poèmes sarthois, ouvrage couronné par l'academie française en 1925. Il devient ainsi, de la Sarthe, le chantre reconnu (des stèles et des rues lui sont, à ce titre consacrées). Jeanne Blin-Lefebvre, fondatrice et présidente de la societe litteraire du Maine, écrit a la fille du poète : son livre est le premier et le plus beau fleuron de la littérature paysanne, historique et descriptive de la province ; il chante les cités et les champs en un tout complet. . . Il sera difficilement égalable dans l'avenir. Dans la premiere partie du volume : bucoliques sarthoises, le poète pratique un réalisme original : poèmes rustiques au vocabulaire évocateur, parsemé de termes dialectaux ; dans la deuxieme partie: la cité vivante, poèmes plus ambitieux de beauté plastique, descriptifs de la capitale, Le Mans, et de son joyau architectural, sa cathédrale, la magnifique, comme, depuis Broutelle, on l'appelle en Sarthe.
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Seys, Elisabeth. "Violette Leduc, Jean Genet : poétique du désastre". Paris 7, 2003. http://www.theses.fr/2003PA070059.
Texto completoResumen
Marginalisés, Leduc et Genet voulurent modifier leur image et créèrent une stratégie originale d'écriture de soi: hors-normes, ils ne pouvaient s'écrire selon des règles, même littéraires. L'autobiographie, les concepts de temps et de sujet en furent bouleversés : la problématique est existentielle et poétique qui force à reforger le langage même. C'est la création de deux poétiques du désastre, signes que l'écart tragique dénoncé alors n'est pas entre Leduc ou Genet et la société, mais, sans cesse recommencé, entre une lecture et le texte lu qui, création d'une langue toujours renaissante, exige une lecture toujours nouvelle. Leduc et Genet soulignent que la lecture est problématique qui porte sur un texte qui ne se conforme pas à un minimum de conventions, et plus généralement que toute lecture gauchit un texte quand elle le lit avec des outils déjà préparés, quand il faudrait qu'elle lui fût isomorphe : la posture requise est celle d'une ascèse qui laisse les mots respirerMarginalized, Leduc and Genet wanted to shape a new image of themselves, and created an original strategy of self-writing : out of norms, they could not obey any roles, even though literary. Thus they modified autobiography, and such concepts as Time and Subject. There, problematic is existential and poetic since it forces them to shape a new language. Then appear two poetics of disaster, who signify that the gap is not between Leduc or Genet and society, but an always started again gap between reading and text. The last, creating a new language, requires a new reading. Leduc and Genet 'show that it is problematic to read a text that does not obey the common roles, and, more generally, that any reading distorts a text if it uses tools that were prepared yet: on the contrary, it should be isomorphic to the text: the required position is here one df an. Asceticism that keeps words breathing
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Athenot, Eric. "La poétique du temps dans l'œuvre de Robert Lowell". Université Stendhal (Grenoble ; 1970-2015), 1995. http://www.theses.fr/1995GRE39016.
Texto completoResumen
Cette exploration de la strategie temporelle mise en oeuvre par robert lowell s'appuie sur les axes fondamentaux de la poesie. Tout en s'efforcant de depasser la dimension purement autobiographique des poemes, ce travail tente de demontrer comment l'emergence d'un style dit confessionnel signale en fait le besoin du poete de recentrer le discours sur une temporalite percue comme deficiente. La confession systematique, les crises de folie, le recours au pathos, la hantise de l'echec artistique et la presence obsedante d'un moi qui cherche vainement a articuler sa quete impossible de l'oubli reparateur sont au centre de cette etude. Les relations qu'entretient l'oeuvre poetique et theatrale avec l'histoire mettent en evidence une tendance marquee, a travers la metonymie, a meler devenir personnel et eschatologie collective. Tout ceci conduit l'auteur de ce travail a se concentrer sur les mecanismes operatoires de la production lowellienne pour arriver a la conclusion que le discours poetique chez lowell s'efforce paradoxalement d'occulter les enjeux veritables de l'oeuvre. La douleur retrospective et les traumatismes de l'enfance ne sont plus alors a lire dans leur dimension biographique mais comme les moteurs necessaires d'une oeuvre qui s'ecrit en cherchant avant tout a exercer sa volonte de puissance sur un reel inexorablement fuyantThe present analysisof lowell's temporal strategy examines the poetry's constitutive elements. While endeavouring to go beyond the merely autobiographical data presented by the poems, this thesis tries to show how the the emergence of the confessional style signals the poet's need to focus his discourse on his deficient relationship with time. Systematic confession, the bouts of madness, the recourse to pathos, the obsession with artistic failure as well as the haunting presence of a self vainly trying to articulate his doomed attempts at forgetting are key motifs analysed in the present thesis. The relationship between lowell's poetic and theatrical output and universal history signals a marked preference for metonymy as well as the poet's conscious desire to blend private development and collective eschatology. All this leads the present writer to consider the functional workings of the poetry and to reach the paradoxical conclusion that lowell's poetic discourse tries hard to cover up the fundamental concerns of his work. Retrospective agony and childhood traumata therefore need no longer be read in their autobiographical dimension only but as the necessary stimuli of a poetry which tries first and foremost to exert its author's will-to-power over an intractable and forever hostile reality
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Kumaki, Atsushi. "L’avatar du Moi : l’évolution théorique de la poétique d’Antonin Artaud". Thesis, Lyon, École normale supérieure, 2011. http://www.theses.fr/2011ENSL0663/document.
Texto completoResumen
Le but de la présente thèse est de retracer le changement théorique qu’a réalisé Antonin Artaud de la notion du moi, et par là d'éclairer la poétique particulière qu’il a établie à la fin de sa vie. La 1ère partie focalise ses premiers écrits et surtout la maladie dans laquelle il ne pouvait penser. Qu’est-ce que l’impossibilité de penser ? Pour lui cette maladie n’est qu’un dysfonctionnement psychologique. Sa maladie consiste à son incapacité de faire correspondre rétrospectivement sa pensée intérieure aux paroles extériorisées. A l’époque le moi artaldien restait minimisé. Il s’agit dans la 2e partie de la théorie du théâtre qu’il développait toute sa vie. Certes sa théorie reste cohérente en ce sens qu’il s’agit toujours de la relation entre le texte et l’acteur. Mais dans les années 30 comme le texte fonctionne comme un double qui hante le moi de l’acteur et lui demande tel ou tel acte, le texte se trouve toujours antérieur à l’acteur. Par contre, dans les années 40, Artaud n’accepte plus l’antériorité du texte par rapport à l’acteur, ce qui rend impossible le théâtre au sens ordinaire du terme. La 3e partie aborde l’hypertrophie du moi artaldien. Or cette centralité du moi artaldien n’est pas un solipsisme car ce n’est que rétrospectivement qu’il peut dire « tout est sorti de moi ». Cette rétrospectivité lui permet de développer sa propre poétique à travers la lecture des Chimères de Nerval où il établit un nouveau sujet littéraire : sujet de lecture qui domine rétrospectivement l’espace poétique. L’hypertrophie du moi n’est point un symptôme de la schizophrénie, mais un support théorique à la poésie contemporaine, comme la poésie sonore ou littéralisteThe purpose of the present thesis is to redraw Antonin Artaud's theoretical change of the notion of the ego, and to clarify the particular poetics that he established at the end of his life. The 1st part of the thesis focuses his early writings and especially the disease by which he could not think. What is the impossibility to think? For him this disease is only a psychological dysfunction. His disease consists in his incapacity to make, afterward, his internal thought correspond to the exteriorized words. At the time Artaud's ego remained minimized. In 2nd part, it is a matter of the theory of theater that he developed all his life. While his theory remains coherent in the sense that it is always about the relation between the text and the actor. But in the 30s as the text works as a double that haunts the ego of the actor and asked him a particular act, the text is always previous to the actor. On the other hand, in the 40s, Artaud does not accept any more the anteriority of the text with regard to the actor, what makes impossible the theater for the common sense of the term. The 3rd part approaches the hypertrophy of Artaud's ego. But this centrality of the ego is not solipsism because it is only afterward that he can say "everything went out of me". This rétrospectivité allows him to develop his own poetics through the reading of Les Chimères of Nerval where he establishes a new literary subject: subject of reading which dominates afterward the poetic space. This hypertrophy of the ego is not a symptom of the schizophrenia, but a theoretical support in the contemporary poetry, as the sound poetry or literalist poetry
Libros sobre el tema "Mot poétique"
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Du mot à l'image & du son au mot: Théories, manifestes, documents, une anthologie de 1897 à 2005. Marseille: Mot et le reste, 2006.
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La poétique de la liberté dans la réflexion éthique de Paul Ricœur. Paris: Harmattan, 2006.
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3
La gestion poétique du discours politique chez Aimé Césaire: De ferrements à moi, laminaire. Paris: Harmattan, 2010.
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4
The poetic imperative: A speculative aesthetics. Montreal: McGill-Queen's University Press, 2020.
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5
Whitman possessed: Poetry, sexuality, and popular authority. Baltimore: Johns Hopkins University Press, 2001.
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6
Maslan, Mark. Whitman Possessed: Poetry, Sexuality, and Popular Authority. Johns Hopkins University Press, 2003.
Buscar texto completoCapítulos de libros sobre el tema "Mot poétique"
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Didier, Jean-Jacques. "Fonction poétique du mot d’esprit". En L'Esprit, 31–61. BRILL, 1992. http://dx.doi.org/10.1163/9789004650152_004.
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2
Barraband, Mathilde. "« Reprenons une fois de plus le chemin déjà pris » : les leçons de poétique de François Bon". En Le mot juste, 75–88. Presses Sorbonne Nouvelle, 2006. http://dx.doi.org/10.4000/books.psn.1299.
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Dupuis, France. "Approche phénoménologique de l’expression poétique de l’amour : le cas du mot hohoshiku". En Les tiges de mil et les pattes du héron, 279–85. CNRS Éditions, 2013. http://dx.doi.org/10.4000/books.editionscnrs.23456.
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4
Denèfle, Muriel. "Marina Tsvetaeva et les compositeurs européens (Schumann, Beethoven, Chopin, Wagner)". En Marina Tsvetaeva et l'Europe, 155–70. Editions des archives contemporaines, 2021. http://dx.doi.org/10.17184/eac.3369.
Texto completoResumen
Cet article a pour but de montrer l’importance de la musique des compositeurs européens, et en particulier du romantisme allemand, dans la production écrite (poésie et prose) de Tsvetaeva. Les compositeurs européens, qu’elle fréquente beaucoup durant son adolescence, ne se contentent pas de faire partie de l’héritage culturel de Tsvetaeva : ils ont un impact sur le développement de son œuvre poétique, notamment dans la dimension sonore qu’elle revêt. Aussi s’agit-il dans cet article d’établir les différentes modalités de la présence des musiciens dans l’œuvre de la poétesse : qu’ils apparaissent en personne dans les écrits ou que les procédés musicaux influencent le travail du mot, nous verrons que leur univers est une source d’inspiration majeure et constante pour elle.
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Chométy, Philippe. "Le mot et l’atome. La traduction du De rerum natura de Lucrèce comme exploration poétique de la langue". En Trouver une langue / Finding a language, 113–44. Artois Presses Université, 2019. http://dx.doi.org/10.4000/books.apu.20278.
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THIBON, Jean-Jacques. "Entre expérience et doctrine". En Les enjeux de l’écriture mystique, 15–24. Editions des archives contemporaines, 2020. http://dx.doi.org/10.17184/eac.3655.
Texto completoResumen
Notre réflexion se base sur un échange poétique qui, selon la présentation rapportée par Sulamī (m. 412/1021) dans ses Ṭabaqāt al-ṣūfiyya, met en scène Nūrī (m. 295/907), Ǧunayd (m. 297/910) et Šiblī (m. 334/946), trois figures majeures du soufisme bagdadien primitif. À partir d’un prétexte, la maladie qui frappe les deux premiers personnages, le motif de l’épreuve qui est nodal dans l’architecture doctrinale du soufisme, est traité de trois manières différentes, à l’aide de la prose ou de la poésie par chacun des protagonistes, illustration d’une controverse feutrée. Nous interrogeons les usages de la prose et de la poésie dans ces discours et leurs relations avec l’expérieence mystique et les formulations doctrinales. Après avoir présenté ces fragments poétiques, nous devrons tenter d’expliciter des contenus, abscons de prime abord. Ensuite, nous envisagerons les raisons du choix de ces divers modes d’expression, afin de mieux cerner l’un des usages de la poésie pour les soufis: à savoir rendre compte de l’expérience spirituelle. Le propos est finalement de tenter de retrouver le noyau primitif autour duquel le ḫabar s’est développé, et les temporalités successives qui le composent.
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Gasparini, Philippe. "Vers une histoire des écritures du moi". En Poétiques du je, 261–70. Presses universitaires de Lyon, 2016. http://dx.doi.org/10.4000/books.pul.32262.
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Ripoll, Ricard. "Petite anthologie poétique". En Littérature du moi, autofiction et hétérographie dans la littérature française et en français du xxe et du xxie siècles, 157–68. Presses Universitaires de Bordeaux, 2015. http://dx.doi.org/10.4000/books.pub.16648.
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Tabachnikova, Olga. "Marina Tsvetaeva et Lev Chestov". En Marina Tsvetaeva et l'Europe, 203–14. Editions des archives contemporaines, 2021. http://dx.doi.org/10.17184/eac.3372.
Texto completoResumen
Cet article présente une exploration d’une proximité étroite entre les visions du monde de Marina Tsvetaeva et Lev Chestov et de leur philosophie de base manifestée dans leur créativité poétique et philosophique. Nous analysons cette proximité en termes de philosophie du refus et de philosophie de la tragédie, alors que l’ordre mondial existant est passionnément et catégoriquement rejeté. Ce niveau de refus et de non-conformité semble remarquable dans le contexte de la tradition culturelle russe de la compassion, de la réconciliation tragique et de la gratitude absolue, du refus en termes éthiques plutôt qu’esthétiques (ce que le romantisme russe démontre incontestablement). Si on la juge par des mesures ordinaires, une telle attitude se démarque et semble effrayante, même à l’intérieur du fameux maximalisme de la culture russe. On constate qu’il y a deux niveaux où la vie et l’héritage de Tsvetaeva peuvent être appréciés, un niveau quotidien et un niveau poétique. Il faut souligner la nécessité de se souvenir toujours de l’énorme prix existentiel que Tsvetaeva a payé pour son génie poétique non seulement par sa mort tragique, mais aussi par tous les jours de sa vie, quand elle se soumettait constamment à un équivalent du Jugement Dernier, si l’on cite Joseph Brodsky.
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"Hors de moi Lettre à Bernard Noël". En Sens et présence du sujet poétique, 97–104. BRILL, 2006. http://dx.doi.org/10.1163/9789401203258_011.
Texto completoActas de conferencias sobre el tema "Mot poétique"
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M'selmi, Sana. "Lecture croisée du désir dans Hable con ella de Pedro Almodóvar et La Macération de Rachid Boudjedra à travers le motif de l’eau". En XXV Coloquio AFUE. Palabras e imaginarios del agua. Valencia: Universitat Politècnica València, 2016. http://dx.doi.org/10.4995/xxvcoloquioafue.2016.2969.
Texto completoResumen
Les personnages de l’écrivain algérien Rachid Boudjedra ne prennent pas la mer. Dans ses romans, la mer est citée en tant que frontière ; les fleuves sont des tombeaux à ciel ouvert où s’entassent les cadavres des résistants au colonisateur. Mais, La Macération, roman publié en 1984, met en scène un univers aquatique où écrire est faire acte de désir, où l’écriture est à la fois sexuelle et mystique car l’eau est encre et l’encre féconde la page blanche comme l’eau féconde la terre et l’homme féconde la femme. Parle avec elle : Marco est dans une chambre d’hôpital, il y veille Lydia qui semble dormir pour ne plus se réveiller. Plan rapproché, zoom sur les yeux grand ouverts de Marco. Ce dernier fait un rêve, où l’amante est vivante. Mais surtout, dans ce rêve, il y a un homme : beau et sculptural qui traverse une piscine à la nage. Pourquoi ce rêve ? Comment s’est fait le passage entre les gouttes du médicament se déversant dans le corps de « la belle endormie » à cette eau belle, bleue et translucide ? Comment Lydia a-t-elle laissé la place à cet homme ? Et qui est-il d’ailleurs ? Que fait-il dans ce film ? Scène seconde : Marco laisse couler ses larmes en regardant Pina Bausch se débattre sur scène contre des chaises et des murs. Marco pleure l’absente et Benigno regarde, comme fasciné, ces larmes viriles. Le choix de ces deux récits découle, entre autres, d’une ressemblance thématique – le désir d’un homme pour une femme qui passe ou non par la parole. La Macération et Parle avec elle, me semblent les plus aptes à porter en avant la porosité entre littérature et cinéma au niveau poétique (esthétique) en vue d’exprimer la notion du désir dans son lien viscéral avec l’image/la parole aquatique.DOI: http://dx.doi.org/10.4995/XXVColloqueAFUE.2016.2969