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1
Cruz, Nina Velasco e. y Manuela Salazar. "Fotografar prejudica a memória?" Discursos Fotograficos 12, n.º 21 (20 de diciembre de 2016): 13. http://dx.doi.org/10.5433/1984-7939.2016v12n21p13.
Texto completoResumen
Este artigo discute as múltiplas relações entre o ato de fotografar e a memória, na era digital. Partindo de um artigo a respeito do impacto da fotografia sobre a memória, da americana Linda Henkel, levantamos alguns questionamentos a respeito da relação da fotografia com nossas lembranças. Existe algo no ato fotográfico que prejudique a construção de memórias? Fotografamos para lembrar? O que escolhemos fotografar importa? O acúmulo de fotografias ajuda ou atrapalha a construção da memória?
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Zerwes, Erika. "A fotografia humanista e a construção de uma historiografia sobre a fotografia latino-americana". Revista História: Debates e Tendências 16, n.º 2 (7 de abril de 2017): 314. http://dx.doi.org/10.5335/hdtv.16n.2.6920.
Texto completoResumen
Este artigo busca analisar, de forma paralela, alguns aspectos da construção de uma historiografia da chamada fotografia humanista e da fotografia latino--americana. Ambas começam a se constituir de forma mais articulada em finais da década de 1970 e início da década de 1980. Assim, mais do que discutir produções fotográficas específicas, o objetivo é debater os modos como essas produções foram articuladas em discursos que buscaram unificá-las. Trata-se da sistematização de conclusões preliminares de uma pesquisa ainda em andamento sobre as diferentes noções de humanismo na fotografia e como se manifestam na fotografia latino-americana. Palavras-chave: Cultura visual. Fotografia humanista. Fotografia latino-americana.
3
Svolenski, Roberto Luiz y Antonio Carlos Santos. "Carl Sadakichi Hartmann, um crítico de arte na belle époque americana". Revista Crítica Cultural 14, n.º 2 (10 de diciembre de 2019): 261. http://dx.doi.org/10.19177/rcc.v14e22019261-267.
Texto completoResumen
Poeta, dramaturgo, crítico de arte e de fotografia, ator, Sadakichi Hartmann foi um intelectual muito ativo na virada do século XIX para o XX em Boston, New York e Los Angeles, caindo depois de sua morte no esquecimento. Pouco conhecido no Brasil, apresentamos aqui cinco de seus textos que dão uma mostra de sua versatilidade e do alcance de sua crítica e de sua pena: são textos que revelam sua posição em relação à fotografia (Um apelo à fotografia direta), ao retrato na pintura e na fotografia (Pintura de retrato ou fotografia de retrato), à obra do pintor Whistler (Crisântemos brancos) e um texto literário, um conto (As chapas quebradas) que também pode ser lido como uma teoria da fotografia.
4
Nichele, Heloisa y Ronaldo Corrêa. "Fernanda Castro, uma fotógrafa paranaense na Primeira Mostra de Fotografia Latino Americana Contemporânea (1978)". Proa: Revista de Antropologia e Arte 11, n.º 2 (22 de junio de 2022): 131–46. http://dx.doi.org/10.20396/proa.v11i2.16561.
Texto completoResumen
Este texto reconstrói e analisa, de forma fragmentária, a participação da fotógrafa paranaense Fernanda Castro (1951) na Primeira Mostra de Fotografia Latino Americana Contemporânea (1978), ocorrida na Cidade do México. A partir da documentação sobre o evento, fragmentos biográficos da artista e da leitura das duas imagens realizadas pela fotógrafa selecionadas para exposição, temos por objetivo mapear e interpretar as intencionalidades da proposta curatorial do evento, que tinha como premissa a formulação inaugural de uma identidade da fotografia latino americana. Para isso utilizamos o catálogo da Mostra e pesquisa no acervo da Hemeroteca Digital Brasileira. Por fim, entendemos que produzir, no presente, sentidos a partir de eventos, pessoas e espaços do passado se configura em uma estratégia de reparação a partir da qual é possível localizar trajetórias e representatividades de mulheres em acervos públicos e institucionais que narram a história da fotografia no Brasil, de forma mais estrita, e na América Latina.
5
Marques, Ivania. "Imagear: o lugar, os viajantes e as imagens / Image-gearing: place, travelers and images". Geograficidade 2 (3 de septiembre de 2012): 54. http://dx.doi.org/10.22409/geograficidade2012.20.a12838.
Texto completoResumen
Considerando a imagem como uma forma de conhecer, o projeto “Roteiro Ecogeográfico” propõe a criação de um espaço onde viajantes (estudantes e educadores) possam conviver e criar a partir de um percurso pensado em explorar marcos e entornos do município de Americana no Estado de são Paulo Os viajantes explorarão imagens em fotografia e serão convidados, eles mesmos, a experimentar fotografar, usando câmeras pinhole. Extrapolando as paredes da escola, em espaço ligado às Secretarias Municipais da Cultura e da Educação de Americana, espera-se que os viajantes se tornem produtores de suas próprias imagens e de suas versões da realidade, questionando e movimentando seus saberes. Anuncia-se neste texto um projeto de mestrado, em andamento, que propõe aos participantes descobrir o lugar onde vivem e percorrer seus próprios caminhos seguindo qualquer direção, em favor de leituras múltiplas da cidade e do município, de sua história e, consequentemente, deles mesmos.
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Romaniuc-Neto, Sergio, Leandro Cardoso Pederneiras y André Luiz Gaglioti. "Flora das cangas da Serra dos Carajás, Pará, Brasil: Moraceae". Rodriguésia 69, n.º 3 (septiembre de 2018): 1255–57. http://dx.doi.org/10.1590/2175-7860201869326.
Texto completoResumen
Resumo Este trabalho compreende um tratamento para Moraceae nas cangas da Serra dos Carajás, no estado do Pará. São apresentados descrição, fotografia e comentário para Ficus americana subsp. guianensis, a única espécie registrada na área de cangas.
7
De Miranda, Gabriel. "Partilhar a ausência". Revista 2i: Estudos de Identidade e Intermedialidade 3, n.º 4 (31 de diciembre de 2021): 61–75. http://dx.doi.org/10.21814/2i.3445.
Texto completoResumen
Este ensaio se debruça sobre a série de fotografias Ausencias do argentino radicado na Catalunha Gustavo Germano. Através de uma preocupação em relação ao suporte da fotografia e o processo de montagem, o texto busca estabelecer algumas relações da série fotográfica com a problemática da percepção estética, baseado em alguns apontamentos de David Lapoujade quanto às possibilidades da recepção das fotografias se configurar como uma participação ou uma transferência de ponto de vista. Do mesmo modo, o ensaio busca analisar as fotografias como modos de desautomatização do olhar e de saída de um efeito “anestético” da arte e da percepção como notado por Susan Buck-Morss. O ensaio ainda busca demonstrar o uso da “face” como meio de identificação na série fotográfica, entendendo-a como uma espécie de comunicação pré-linguística que busca ultrapassar a diferença com o outro sem apaga-la por completo. Deste modo, o gesto fotográfico de Germano dá esteio para imaginar uma expansão do ponto de vista do desaparecimento para além do cerco familiar ou da esfera pública das políticas de memória, colocando em cena uma arte do Comum, saindo da dicotomia público-privada para adentrar uma partilha sul-americana do passado.
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Costa, Helouise. "A exposição como múltiplo: lições de uma mostra norte-americana em São Paulo, 1947". Anais do Museu Paulista: História e Cultura Material 22, n.º 1 (junio de 2014): 107–32. http://dx.doi.org/10.1590/0101-4714v22n1a04.
Texto completoResumen
No ano de 1947, a Biblioteca Municipal de São Paulo apresentou a exposição Fotografia Artística preparada pelo Museu de Arte Moderna de Nova York com consultoria técnica de Andreas Feininger. Tratava-se de uma mostra didática de reproduções fotográficas impressas em painéis, acompanhadas de textos, que reunia imagens de autoria de fotógrafos como Erich Salomon, Ansel Adams e Henri Cartier-Bresson, entre outros. Originalmente denominada Creative Photography foi produzida como múltiplo para que pudesse ser comercializada e exibida simultaneamente em diversas localidades. Este artigo visa analisar a mostra Fotografia Artística, buscando situá-la em meio às profundas transformações culturais do segundo pós-guerra, particularmente em relação às ações culturais norte-americanas realizadas no Brasil no período, às tratativas para a criação dos primeiros museus modernos no país e ao uso das técnicas de reprodutibilidade fotográfica no campo da arte.
9
Piderit, Maria Fernanda. "Poemas fotográficos de Magela Ferrero: resistencias de la imagen y la escritura en Personas que tienen hambre (2011)". Letrônica 12, n.º 3 (16 de diciembre de 2019): 34949. http://dx.doi.org/10.15448/1984-4301.2019.3.34949.
Texto completoResumen
El presente artículo trata una obra de la artista Uruguaya Magela Ferrero dedde el punto de vista de la literatura. Puesto que su obra se conforma apartir del uso del espacio, textos y fotografías, consideramos que los estudios intermediales nos ofrecen una herramienta apropiada para abordarla críticamente y, de esta manera, expandir los horizontes de la crítica literaria hacia objetos que hoy podemos denominar dentro de las categorías genéricas de literatura expandida o literatura hors du livre.*** Poemas fotográficos de Magela Ferrero: resistências da imagem e da escrita em Personas que tienen hambre (2011) *** Este artigo aborda a obra da artista uruguaia Magela Ferrero a partir da literatura. Dado que seu trabalho se conforma a partir do uso do espaço, de textos e de fotografias, consideramos que os estudos em multimeios oferecem uma ferramenta apropriada para abordá-la criticamente e, assim, expandir os horizontes da crítica literária para objetos que hoje se inserem em categorias genéricas como literatura expandida ou literatura “fora do livro” (hors du livre).Palavras-chave: Estudos multimeios; Literatura; Fotografia; Arte latino-americana.
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Susigan, Cristina. "OS DESASTRES DA GUERRA: ICONOLOGIA POLÍTICA DO SOFRIMENTO". História Revista 21, n.º 2 (9 de octubre de 2016): 62. http://dx.doi.org/10.5216/hr.v21i2.43382.
Texto completoResumen
Mesmo antes do advento da fotografia, artistas registravam os horrores da guerra através de sua arte, como forma de dar a ver a dor dos outros e perpetuar um momento histórico. Francisco de Goya, pintor espanhol, é um exemplo deste registro. Através de pinturas e gravuras que demonstravam de forma crua e forte as crueldades cometidas duranre a invasão francesa em Espanha, descreve a guerra como algo inútil, cruel e sem glória. Antes dele, em 1633, Jacques Callot, já fizera gravuras sobre os horrores da guerra. Mas será com o advento da fotografia, como meio técnico que capta o real de forma tão viva e verdadeira como a própria natureza, que o registro fotográfico se torna uma forma específica de representar a catástrofe. Neste artigo tentaremos relacionar formas de representação através das gravuras de Goya, os primeiros registros fotográficos de Mathew Brady, na guerra de Secessão americana e a iconologia política de Aby Warburg, como registros da memória.Cristina Susigan
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Staine Prado, Luiz Guilherme y Carlos Roberto Staine Prado Filho. "O APAGAMENTO DE GEORGE FLOYD". Fênix - Revista de História e Estudos Culturais 18, n.º 1 (28 de junio de 2021): 347–66. http://dx.doi.org/10.35355/revistafenix.v18i1.1065.
Texto completoResumen
A morte de George Floyd, em Minneapolis no dia 25 de maio de 2020, vítima de violência policial, é mais um triste episódio da história do racismo na sociedade norte americana e da perpetuação do abuso de poder e da violência sistêmica contra a população negra. Nas mídias e redes sociais, as imagens que envolvem o caso de Floyd e descrevem os protestos que se seguiram ao redor do mundo, ocuparam a linha do tempo de milhões de usuários. Neste contexto da produção imagética dentro do ativismo virtual, este artigo utiliza como base a teorias da imagem, fotografia, linguagem para propor uma análise crítica sobre o movimento BlackoutTuesday como modalidade de manifestação política.
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Guidini, Vinícius y Maria José Rosolino. "A revista Vogue brasileira como precursora de novos modelos e conceitos de moda e sua relação com a crítica de moda". Anagrama 6, n.º 4 (19 de abril de 2013): 1–11. http://dx.doi.org/10.11606/issn.1982-1689.anagrama.2013.56350.
Texto completoResumen
O artigo apresentado é resultado do estudo da imprensa feminina no mercado editorial com especial atenção à revista Vogue, tanto a edição americana quanto a brasileira. Também são analisados os trabalhos das editoras de moda Diana Vreeland e posteriormente Regina Guerreiro, com foco na excentricidade e criação de novas formas e conceitos para abordar e mostrar a moda nas publicações e o papel do editor de moda. A edição de arte e fotografia dos editoriais de moda é tomada como principal elemento para identificação desses conceitos inusitados seguidos da publicidade. A representatividade e função da crítica de moda ganha espaço num segundo momento, com abordagem a respeito da representatividade, função e impacto desse tipo de texto e posição editorial também relacionada, principalmente, a Vogue brasileira
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Biondi, Angie. "Quando corpos se tornam matérias: reflexões sobre a violência de gênero em fotografias de Berna Reale e Teresa Margolles // When bodies become material: reflections on gender violence in the photographs of Berna Reale and Teresa Margolles". Contemporânea Revista de Comunicação e Cultura 16, n.º 1 (11 de julio de 2018): 252. http://dx.doi.org/10.9771/contemporanea.v16i1.25833.
Texto completoResumen
Este texto procura observar como a violência de gênero tem sido abordada através de obras fotográficas recentes da produção latino-americana. Tomadas como exemplares, as artistas Berna Reale e Teresa Margolles elaboram formas distintas de apresentação de corpos, sobretudo, femininos, em produções visuais peculiares, cujos trabalhos envolvidos na reflexão sobre a violência de gênero se intensificaram ao longo dos anos 2000. Ambas tematizam a violência e tomam a fotografia como material de destaque em suas produções de modo a valorizar experiências sensíveis que busquem romper com os conhecidos quadros enunciativos que, por vezes, reforçam estereótipos, concepções e juízos de valor já tão difundidos em outras imagens, principalmente, quando se referem ao contexto latino-americano. Suas composições propõem questionarmos como as apropriações dos inúmeros corpos de mulheres assassinadas, desaparecidas, violentadas, por diversas imagens cotidianas, se tornaram cativas à própria representação de gênero, espécie de traço social persistente que parece nutrir ainda grande parte da cultura visual em nossos dias. Os corpos trazidos e elaborados nestas obras configuram situações diferenciadas das imagens que habitualmente circulam no cotidiano, de modo a negociar com a geral invisibilidade na qual suas existências sociais, culturais e políticas parecem destinadas.
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Baitz, Rafael. "Fotografia e Nacionalismo: a revista The National Geographic Magazine e a construção da identidade nacional norte-americana (1895-1914)". Revista de História, n.º 153 (30 de diciembre de 2005): 225. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2316-9141.v0i153p225-250.
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Wanderley, Olga da Costa Lima. "“Nem aqui nem lá”: rastros do feminino nas fotoperformances de Ana Mendieta". Comunicação e Sociedade 32 (29 de diciembre de 2017): 305–17. http://dx.doi.org/10.17231/comsoc.32(2017).2763.
Texto completoResumen
Este artigo aborda as questões acionadas pelo trabalho da artista cubana-americana Ana Mendieta, que tem grande parte da sua obra composta por performances elaboradas exclusivamente para a câmera e pelo que a própria artista denominou como earth-body-works. Através das suas estratégias de representação baseadas no desaparecimento do corpo feminino, Mendieta chama a nossa atenção para as violências e apagamentos legitimados por meio do estabelecimento de identidades fixas – étnicas e de gênero – no interior dos discursos hegemônicos de poder. Serão exploradas as noções de performance como instrumento para transmissão de conhecimento e memória cultural, de performatividade como fator constitutivo das categorias de identidade e, ainda, de arquivo, repertório e acontecimento ao vivo no esforço de problematizar como as temáticas do exílio e do feminino, regulares na arte de Mendieta, atingem uma dimensão profundamente política a partir das suas proposições artísticas que integram a fotografia com a arte performática.
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De Lima Freire Bezerra, Pedro Lucas. "Dentro do jogo das possibilidades infinitas: César Aira e Sérgio Sant'Anna em diálogo". Revista Odisseia 7, n.º 1 (16 de mayo de 2022): 22–39. http://dx.doi.org/10.21680/1983-2435.2022v7n1id23039.
Texto completoResumen
Esse artigo busca apontar relações intrínsecas nas obras dos escritores César Aira (1949) e Sérgio Sant’Anna (1941-2020), dois nomes que compõem o panorama da literatura latino-americana da segunda metade do século XX e início do século XXI. Suas obras, que se orientam pela via da forma breve (o conto, a novela, o ensaio), buscam vergar os limites dos gêneros e trazer para dentro do texto literário diversas outras formas narrativas que influenciam suas escritas e se interpenetram em suas técnicas: as artes plásticas, o cinema, a fotografia, a música surgem nos seus textos como elementos de construção de suas visões de mundo. Com leitura atenta da fortuna crítica de ambos os autores, além dos próprios textos e comentários que um autor fez sobre o outro, procurou-se estabelecer e discutir pontos de aproximação quanto à manipulação das técnicas das vanguardas do século XX, em um jogo de possibilidades infinitas.
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Barros, Gelka. "Bela e sadia! A mulher nas páginas da revista Alterosa (1939-1945) durante o Estado Novo e o processo de americanização do Brasil". Comunicação e Sociedade 32 (29 de diciembre de 2017): 191–209. http://dx.doi.org/10.17231/comsoc.32(2017).2757.
Texto completoResumen
Este artigo tem por objetivo analisar as estratégias discursivas presentes na revista ilustrada Alterosa. O intuito é compreender a construção do papel social da mulher brasileira, no período de 1939 a 1945, cenário que redefiniu o padrão corporal, conformando condutas sociais, por meio de valores morais baseados na ordem conjugal. A metodologia utilizada combina análise de conteúdo de texto e fotografia. O aporte teórico subsidia as reflexões, embasando-se em Scott (1995), Perrot (2000), Maia (2001), Del Priori (2003) e Matos (2003), agregando a especificidade contextual do Estado Novo em Goellner (2008) e Carvalho (2011). Para o entendimento das circunstâncias do processo de americanização buscou-se diálogo com Tota (2000). Da análise conclui-se que os discursos publicados sobre a mulher na revista, indiciando traços de uma educação do corpo, se alinhavam à cultura de massa norte-americana e ao projeto nacionalista do presidente Getúlio Vargas, conhecido por Estado Novo (1937-1945) e caracterizado pela centralização do poder, autoritarismo, populismo, nacionalismo e anticomunismo (Neto, 2013).
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Menezes, Roniere. "CECÍLIA MEIRELES E GENEVIEVE NAYLOR: FIGURAÇÕES DA CULTURA POPULAR NO CONTEXTO DA II GUERRA". Organon 34, n.º 67 (9 de diciembre de 2019): 1–17. http://dx.doi.org/10.22456/2238-8915.99039.
Texto completoResumen
Este trabalho visa a refletir sobre trabalhos realizados pela poetisa brasileira Cecília Meireles e pela fotógrafa norte-americana Genevieve Naylor durante o período da II Guerra Mundial. As duas vivenciaram o conflito internacional, mas vivenciaram também, nos anos iniciais da década de 1940, uma outra guerra: a guerra cotidiana das divisões sociais, do preconceito em relação aos negros. A fotógrafa e a poetisa estiveram envolvidas com o projeto denominado “Política da boa vizinhança”. Cecília trabalhou, para o DIP, órgão do Governo Vargas, como editora da revista Travel in Brazil. Em 1941 viaja aos Estados Unidos para proferir palestras sobre cultura popular. Em crônicas e poemas trata da questão negra. Genevieve chega ao Brasil em 1941, permanecendo até 1942. Suas fotos ressaltam imagens relativas à cultura popular – principalmente negra – e a convivências cotidianas. Os trabalhos das artistas ampliam as imagens do Brasil de meados do século XX.PALAVRAS-CHAVE: literatura – fotografia – guerra – cultura afro-brasileira
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Chavez, Jaime Edgardo Flores y Daniel Carter. "La South American Misionery Magazin, 1893-1903. El discurso escrito y fotográfico anglicano en la construcción de los indígenas de la Araucanía". Letrônica 12, n.º 3 (16 de diciembre de 2019): 34961. http://dx.doi.org/10.15448/1984-4301.2019.3.34961.
Texto completoResumen
El artículo se propone explorar el diálogo entre texto escrito y fotografía en el principal medio de difusión escrito de la acción misionera anglicanaen Sudamérica, la revista South American Misionery Magazin, particularmente su quehacer en la Araucanía en los diez años desde la aparición de la primera fotografía. Por la naturaleza misma de la producción escrita que generaban los misioneros, fundamentalmente cartas que, a partir de 1893, se publicaron acompañadas de fotografías, generalmente de su autoría, constituye un corpus relevante que permite aproximarnos a esta revista como un contenedor y productor de un discurso de un “nosotros”, los europeos, respecto de un “otro” que eran los mapuches. Un visor por el cual los británicos miraban la geografía y sujetos que habitaban en Sudamérica en general y la Araucanía en particular, sobre el cual también llegaba el imperialismo colonial británico, y que sus cartas y fotografías permiten develar.*** A South American Misionery Magazin, 1893-1903. O discurso escrito e fotográfico anglicano na construção dos indígenas de Araucanía ***O presente artigo possui o objetivo de explorar o diálogo que se reverbera entre o texto e a fotografia na divulgação da ação missioneira anglicana na América do Sul na Revista South America Misionery Magazin, sobretudo o seu interesse na representação dos indígenas deAraucanía ao longo de dez anos, contados a partir do aparecimento da primeira fotografia na revista. Por meio do conteúdo da produção escrita pelos missionários, principalmente através de cartas escritas em 1893, as quais são acompanhadas de fotografías de autoria dos própriosmissioneiros, contituem um corpus importante e nos permite estudar essa revista não apenas como uma fonte histórica, mas também como uma produtora de um discurso de um “nós”, europeu, e de um “outro”, os Mapuches. O conteúdo expresso no material estudado revela avisão dos britânicos sobre a geografia e sobre os indivíduos que habitavam a América do Sul, de forma geral, e a Araucanía, de forma particular. Além disso, o imperialismo colonial britânico também pode ser evidenciado no conteúdo, tanto das cartas, quanto das fotografias analisadas.Palavras-chave: Fotografía; Cartas; Missioneiros anglicanos; Revista; Araucanía.
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Lima Santos, Ana Carolina. "Sobre essa tal de fotografia latinoamericana: uma análise do processo de demarcação de uma suposta essência fotográfica latina / About such a Latin American photography: an analysis on the demarcation process of an alleged Latin Photographic Essence". Revista Contracampo, n.º 29 (30 de abril de 2014): 153. http://dx.doi.org/10.22409/contracampo.v0i29.627.
Texto completoResumen
Este artigo examina o processo de delimitação de um tipo específico de fotodocumentário, aquele politicamente engajado com os problemas sociais da América Latina, como suposta essência da fotografia da região. Investigam-se, em particular, os antecedentes de um projeto de identidade estabelecido nas décadas de 1970 e 1980 e a influência que as atuações do Consejo Mexicano de Fotografía e do seu então presidente Pedro Meyer exerceu na conformação de tal projeto, em especial durante as duas primeiras edições do Coloquio Latinoamericano de Fotografía, nas quais essa identidade para a fotografia local foi defendida. Ao final, arrolam-se duas consequências daí decorrentes: a visibilidade dada a uma rica produção fotográfica que passou a ser divulgada internacionalmente e o ocultamento de trabalhos realizados segundo outras propostas.
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Monteiro, Charles y Carolina Martins Etcheverry. "Fotografia e cultura visual nas ditaduras latino-americanas (1960-1980)". Diálogos 23, n.º 3 (15 de octubre de 2019): 196–215. http://dx.doi.org/10.4025/dialogos.v23i3.48486.
Texto completoResumen
Este artigo tem por objetivo analisar o campo fotográfico que se formou entre os anos 1960 e 1980 na América Latina, em específico no Brasil, na Argentina e no Chile, no período em que esses países estavam mergulhados em seus respectivos governos militares, bem como realizar uma revisão crítica da literatura sobre o assunto. Procuramos, em um primeiro momento, tratar do que ficou conhecido como “plano condor da comunicação”, ou seja, procuramos entender como os governos se utilizaram das fotografias para ratificar suas ações e fortalecer sua imagem. Em seguida, abordaremos a oposição a essas políticas oficiais a partir de diversas estratégias elaboradas pelos fotógrafos, em especial a criação de agências de fotografia. Por fim, procuraremos analisar a questão do trauma representado pelos regimes de exceção em sua relação com a fotografia e a memória através da obra do artista chileno Elías Adasme.
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Rattes, Cecília Luttembarck Oliveira Lima. "Em busca das onças: as fotografias do jaguar sul-americano no relato de viagem de Theodore Roosevelt". História, Ciências, Saúde-Manguinhos 28, suppl 1 (diciembre de 2021): 221–34. http://dx.doi.org/10.1590/s0104-59702021000500012.
Texto completoResumen
Resumo Theodore Roosevelt viajou ao noroeste brasileiro em 1913 e 1914. Um dos seus objetivos era o de recolher informações sobre a fauna amazônica, especialmente a onça-pintada. Aliando fotografia e caça esportiva, Roosevelt desejava criar um repertório visual desse animal, mesclando-o à memória de suas conquistas. Entretanto, o terreno inóspito da floresta, o caráter furtivo e a rapidez dos movimentos das onças, assim como as limitações técnicas da fotografia, desafiaram suas pretensões. Examinaremos fotografias de animais produzidas por Roosevelt durante a viagem, assim como os retratos do Señor Lopez, famosa onça do Zoológico do Bronx, cujo registro, incorporado à narrativa da expedição, tornou-se relevante na memória da conquista, numa curiosa “representação do ausente”.
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Di Pietro, Laila Figueiredo. "Ocorrências típicas de fotografias relacionadas à violação dos direitos humanos das ditaduras militares Latino-Americanas". Encontros Bibli: revista eletrônica de biblioteconomia e ciência da informação 25 (2 de septiembre de 2020): 01–22. http://dx.doi.org/10.5007/1518-2924.2020.e67924.
Texto completoResumen
Objetivo: identificar as funções da fotografia nesses períodos, no Brasil, Chile e Argentina, a fim de reforçar a necessidade da compreensão do documento fotográfico como ferramenta para a justiça e do desenvolvimento de instrumentos de organização de acervos que garantam a manutenção das propriedades desse tipo de documento.Método: Foi realizado um levantamento de ocorrências de termos relacionados à fotografia nos relatórios produzidos pelo projeto Brasil Nunca Mais e por comissões da verdade dos países estudados e analisadas as transcrições de depoimentos. Ademais, foram inseridos outros exemplos de ocorrência de fotografias no contexto analisado para complementar a lista de funções, que foi classificada e apresentada como resultado não exaustivo dessas ocorrências.Resultado: As 26 funções identificadas demonstram que a fotografia foi utilizada como produto administrativo, foi arma de oposição política e ideológica que reforçou a posição da imprensa, foi um recurso na busca e na denúncia de organizações de familiares de vítimas, foi utilizado por militantes para identificação de torturadores e para a produção de documentação falsa, foi e segue sendo prova apresentada em comissões da verdade e julgamentos, registrou e registra o trabalho das instituições de defesa dos direitos humanos e atua como ferramenta política e artística.Conclusões: Espera-se que, cada vez mais, a fotografia seja compreendida como parte integrante dos acervos que contribuem para os processos de justiça de transição.
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Rocha, Mariane Pereira y Aulus Mandagará Martins. "As fotografias compulsivas de Leila Danziger: reflexões sobre o encontro entre poesia e fotografia em “Robert Smithson”". Matlit Revista do Programa de Doutoramento em Materialidades da Literatura 9, n.º 1 (17 de noviembre de 2021): 167–83. http://dx.doi.org/10.14195/2182-8830_9-1_10.
Texto completoResumen
O presente trabalho se propõe a analisar o poema “Robert Smithson” do livro Três ensaios de fala (2012), de Leila Danziger, em que identificamos reflexões sobre o fazer fotográfico e usos culturais e artísticos da fotografia, a partir das referências ao artista norte-americano, que se entrecruzam com as referências acerca do próprio processo artístico de Leila. O objetivo deste artigo é, dessa maneira, refletir sobre o poema como um lugar de encontro entre as diferentes práticas artísticas, bem como elo entre as produções poético-visuais de Danziger e as fotografias e instalações de Smithson, evidenciadas pelo próprio poema. Para isso, traçaremos uma trajetória que parte das produções artístico-fotográficas de Danziger até a sua lírica, a qual nos possibilitará também tecer reflexões sobre a produção artística do próprio Robert Smithson.
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Mauad, Ana Maria. "Genevieve Naylor, fotógrafa: impressões de viagem (Brasil, 1941-1942)". Revista Brasileira de História 25, n.º 49 (enero de 2005): 43–75. http://dx.doi.org/10.1590/s0102-01882005000100004.
Texto completoResumen
Genevieve Naylor fotografa o Brasil, em1941 e 1942, sob os auspícios do Officeof Inter-American Affairs (OIAA), órgãodirigido por Nelson Rockefeller eresponsável pela implementação da Políticada Boa Vizinhança. Em 1943, Nayloré convidada a expor no Museu de ArteModerna de Nova York (MoMA) e,depois, em vários museus dos EstadosUnidos, suscitando diferentes impressões.Naylor formou-se influenciada pelageração de fotógrafos que nos anos 30transformaram a imprensa ilustrada noprincipal meio de acesso ao mundo, e viajou como funcionária do governo deseu país, tendo de cumprir protocolos fotográficos bem definidos. O resultado desse jogo de influências é um conjunto de fotografias analisadas neste artigo buscando compreender o seu impacto na conformação de uma certa imagem de Brasil para os "vizinhos" norte-americanos.
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Martino, Luis Mauro Sá y Ângela Cristina Salgueiro Marques. "Fotografias do limiar:". INTERIN 25, n.º 2 (23 de junio de 2020): 83–110. http://dx.doi.org/10.35168/1980-5276.utp.interin.2020.vol25.n2.pp83-110.
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Durante a vigência da Lei de Segurança das Fazendas de 1936 e da Farm Securit Administration (uma agência ligada ao New Deal e criada em 1937), projetadas pelo governo federal norte-americano para ajudar trabalhadores rurais pobres no país e na cidade, um extenso projeto de fotografias documentais foi realizado, registrando a situação das famílias naquele momento. Parte dessas fotos focalizavam pessoas olhando por janelas, uma escolha relativamente incomum na estética fotográfica. Fundamentado na análise de 16 imagens com essa temática, este artigo argumenta que as imagens reforçam duas dicotomias espaciais e temporais: a ambiguidade entre “público” e “privado”, pois as janelas são limiares entre o que está dentro e fora, e também a divisão entre "passado" e "história", como aquelas imagens, originalmente criadas como retratos contemporâneos de uma situação, com o tempo se tornaram documentos de uma era do passado. Além disso, evidencia-se como essas imagens de borda promovem fabulações e intervalos que fazer figurar os sujeitos empobrecidos na interseção de outros tempos e espaços. A abordagem adotada dá prosseguimento a discussões anteriormente realizadas pelos autores sobre a descrição de formas de vida, vulnerabilidades e resistências de pessoas em situações precárias.
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Romakina, Maria. "Architectural hybrids in kaleidoscopic photography". SAJ - Serbian Architectural Journal 7, n.º 2 (2015): 241–53. http://dx.doi.org/10.5937/saj1502241r.
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This paper focuses on the topic that is somehow a crossroad between two fields: photography and architectural morphogenesis. The particular interest of the article is contemporary photographic tendency to explore the kaleidoscopic technique and aesthetics in relation to the architectural objects and urban environment. Paradoxically these are the photographers who investigate this special type of morphogenesis of architectural form. However some of them are architects originally. Giving attention to the historical and evolutional aspects of the kaleidoscopic image in 19th century and kaleidoscopic photographic practices of American artist Alvin Langdon Coburn and his followers in 20th and 21th centuries the paper aims to analyze the potential of photography in developing the architectural form by examples of projects of Mattia Mognetti, Borbála Sütő-Nagy, Cory Stevens, Stéphane Laniray, Panos Papanagiotou, Andrey Chegin, Mohammad Domiri and those photographers who were inspired by camera work from the movie "Inception"-Ben Thomas, Kazuhiko Kawahara, Simon Gardiner, Nickolas Kennedy Sitton.
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Palazuelos, Felix Rebolledo y Tania Mara Galli Fonseca. "Rostos desfigurados: repúdio de imagens no espaço público". MATRIZes 13, n.º 1 (30 de abril de 2019): 279–302. http://dx.doi.org/10.11606/issn.1982-8160.v13i1p279-302.
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Este artigo é sobre experienciar imagens como processo imagético interativo, como apontado por Bergson no livro Matéria e Memória, por meio de um aspecto dúbio do retrato fotográfico, em termos da sua recepção repudiada no espaço público. Apresentamos uma série de fotografias de quatro cidades latino-americanas que retratam rostos desfigurados intencionalmente. Recorrendo aos estudos de Deleuze, Bergson, Benjamin e Barthes, apontamos essas fotografias como testemunho documental de diferentes reações. As fotografias nos incitam a ir além do que os rostos desfigurados significam como signos icônicos, para serem vistas como indícios da interação dinâmica entre os retratos e os agentes desfigurantes anônimos, como uma imagem.
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Souza e Silva, Wagner y Bruna Sanjar Mazzilli. "O fotolivro no ambiente tecnoimagético: considerações sobre a dimensão crítica da fotografia a partir de The Americans, de Robert Frank". Intexto, n.º 52 (19 de marzo de 2021): 94350. http://dx.doi.org/10.19132/1807-8583202152.94350.
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Com a crescente retomada dos fotolivros no campo editorial, este artigo tem por objetivo discutir a relevância desses objetos para a circulação da fotografia, sobretudo num momento em que o cenário comunicacional se baseia numa ambiência tecnoimagética de onipresença da imagem digital e da tela como suporte. Tem-se, como estratégia de análise, a abordagem do percurso editorial do livro The Americans, de Robert Frank, desde sua primeira edição, em 1958, até a versão mais recente, de 2008. Sugere-se que a insistência dessa obra como uma importante referência evidencia que o livro, além de ser um relevante espaço para a circulação e divulgação, é decisivo para a expansão do potencial crítico da fotografia.
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Bonduki, Inês Pereira Coelho. "Notations in passing - uma tese visual por Nathan Lyons". ARS (São Paulo) 16, n.º 33 (27 de agosto de 2018): 81–99. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2178-0447.ars.2018.143636.
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Esse artigo parte da edição das fotografias do livro visual de autor Notations in Passing (1974), considerado a tese visual do fotógrafo e curador americano Nathan Lyons, para discutir o que ele compreende serem os cinco níveis de construção do discurso no livro visual: o contexto, a ordem, a justaposição, os símbolos e as características físicas. Apresentando brevemente a influência da idéia de ‘alfabetização visual’ de Moholy-Nagy na teoria de Lyons, discute-se em que medida o autor trabalhou a prática fotográfica enquanto ferramenta disparadora de questões teóricas ou as questões teóricas enquanto ferramentas disparadoras de fotografias.
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Barbosa, Carlos Alberto Sampaio. "Imagens da Revolução Mexicana no Brasil 1920 1950". Diálogos 22, n.º 2 (27 de septiembre de 2018): 19. http://dx.doi.org/10.4025/dialogos.v22i2.44490.
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O objetivo desse artigo é analisar a projeção visual do México Revolucionário no Brasil entre os anos de 1910 e 1950. Essa projeção ocorre através da fotografia, pintura mural e gravura. Essas imagens conformam um patrimônio visual que constitui uma plataforma de propaganda política e busca de legitimidade do México Revolucionário. Analiso as imagens como um vetor de intercâmbio do imaginário latino-americano, possibilitada por publicações, exposições e redes de sociabilidade de artistas e intelectuais.
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Pręgowski, Filip. "W przestrzeni wymiany. Obrazy Jacka Goldsteina i fotografie Olivera Wasowa". Artium Quaestiones, n.º 28 (22 de mayo de 2018): 87–110. http://dx.doi.org/10.14746/aq.2017.28.4.
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The paper, focused on the works of two American artists of the 1980s, Jack Goldstein and Oliver Wasow, is an attempt to consider the process of crossing boundaries between two different kinds of art. That phenomenon was a characteristic feature of the late twentieth-century art, including also The Pictures Generation to which both artists actually belonged. Both Goldstein, in his paintings from the 1980s, and Wasow, in his photos from the same period, used mediated images and simulated the effects achieved by the advanced technology of nature watching and picture transmission. In consequence, among several features common to the works under scrutiny, one realizes in the first place a significant change in the defining of the medium understood not just as a material and technological aspect of the work, but as a dynamic and complex structure connecting different forms and spaces of artistic expression with the spectator’s experience. Challenging the autonomy of art and the separate identities of its kinds, rooted in the historical avant-garde, leads to a revision of the modernist idea of the medium, as well as to reconsidering the ways in which its changing status influences the semantic potential of paintings and photos. Moreover, the spectacular paintings of Goldstein and photos by Wasow, made and taken in relation to the rapidly changing technology of image transmission, provokes questions about their critical potential: do they denounce the spectacle-making techniques or, as fetishized merchandise, do they just take part in it? The frame of reference are analyses conducted by American critics and art historians who redefined the concept of the medium in contemporary artistic practices, examined the role of photography, and considered the subjection of the late twentieth-century art to the logic of spectacle, such as Rosalind Krauss, Douglas Crimp, and Hal Foster.
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Alegría, Juan Esteban. "Hacia una poética de la imagen del Che: denotación y connotaciones en torno a la fotografía de Alberto Korda". Revista de la Academia 24 (7 de diciembre de 2017): 4–24. http://dx.doi.org/10.25074/0196318.0.567.
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Este año se cumplirán 50 años de la caída en combate del Che Guevara, el guerrillero argentino cubano es uno de los personajes centrales en la historia del siglo XX, y su influencia ha sido determinante en innumerables procesos revolucionarios del Continente Americano. Su imagen desaliñada y su típica boina es una representación que está presente en gran parte de la cultura de izquierda y en los imaginarios colectivos de muchas generaciones. Sin duda, en la construcción de tal simbolismo, juega un papel fundamental la famosa fotografía tomada por Alberto Korda, la imagen guarda en sí una serie de significaciones y códigos posibles de interpretar. Nuestra hipótesis en torno a la seducción que transmite esta imagen se basa en la articulación de lo sagrado y la muerte como sus componentes discursivos principales; conceptos que a la vez entroncan con la propia identidad de Latinoamérica. Metodológicamente este trabajo se propone interpretar las particulares de la citada fotografía, en base a una estrategia de investigación de carácter hermenéutico y transdisciplinar.Palabras claves: imagen, guerrilla, fotografía, icono político, muerte, hermenéutica.
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Boone, Silvana. "The ballad of sexual dependency de Nan Goldin". PORTO ARTE: Revista de Artes Visuais 23, n.º 38 (10 de enero de 2018): 233. http://dx.doi.org/10.22456/2179-8001.76391.
Texto completoResumen
Esta resenha apresenta a exposição The ballad of sexual dependency, da artista americana Nan Goldin, realizada no MoMA, Museu de Arte Moderna de Nova York, entre 2016 e 2017, após trinta anos da sua primeira exibição, em 1986, destacando o slideshow de cerca de setecentas fotografias produzidas pela artista entre as décadas de 1970 e 1990, que evidenciam a natureza do grupo social ao qual a artista fazia parte.
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Arango Arroyave, José Ubeimar, Yurley Tuberquia Cano y Diego A. Zapata. "Plantas utilizadas como saponíferas en comunidades rurales del (occidente de Antioquia-Colombia)". Botanica Complutensis 45 (22 de febrero de 2021): e71153. http://dx.doi.org/10.5209/bocm.71153.
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En este trabajo se realizó una identificación botánica, aprovechando los conocimientos asociados a una serie de prácticas tradicionales sobre plantas sustitutivas de jabón en comunidades campesinas del municipio de Peque (Occidente de Antioquia), las cuales fueron encontradas en remanentes de bosque y en estados sucesionales asociados a éste. Para tal fin se partió de técnicas de investigación etnográfica, sondeos rurales rápidos y participativos complementados con registros audiovisuales (fotografía y video), entrevistas semiestructuradas, observación directa y participante, toma de muestras botánicas, formatos, notas y recorridos de campo e identificación taxonómica. Todo este proceso metodológico e investigativo condujo al reconocimiento de cuatro familias, cuatro géneros y cinco especies, de éstas cuatro son de origen americano, encontrándose en estado nativo, mientras que el pasto gordura (Melinis minutiflora) es de origen africano y naturalizado en tierras americanas. A la vez, se documentaron aspectos etnobotánicos en cuanto al uso y manejo de estos recursos locales como un aporte al conocimiento y difusión de la biodiversidad del país y del conocimiento asociado a ella, donde este tipo de saberes y sus respectivas prácticas se resisten a desaparecer.
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Brujić, Marija. "Kratak uvod u istoriju antropologije fotografije". Issues in Ethnology and Anthropology 12, n.º 1 (31 de marzo de 2017): 129. http://dx.doi.org/10.21301/eap.v12i1.6.
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The paper represents a short historical overview of key anthropological figures in Anglo-American and French anthropology of photography such are Boas, Malinowski, Evans-Pritchard, Mead and Bateson, Levi-Strauss and (John) Collier till the current visual anthropologists as Banks, Pink, Ruby, Pinney, and Edwards, among many. Furthermore, the major theoretical ideas such are: objectivity and subjectivity of photography, its material, and intangible aspects, its representative potential, ethical issues and reflexive approach are discussed. At the end, several anthropological projects which include photography are mentioned in order to suggest possible research pathways. I will mention few. Pink asserts the importance of ethnographic hypermedia which includes written text, images, video, photographs and sound in order to create interactive scholarly publications. During his ethnographic research of cultural aspect of wine producing in Burgundy, Coover’s work resulted in electronic ethnography and internet photo study of harvest in order to establish a better connection between the viewer-reader and his work. At the beginning unintentionally, Loescher collaborated with children during her visual research of contemporary urban childhood in Manchester by giving them her still camera. As a result, she was able to better understand their worldviews and their lifestyle. Another collaborative work was between Pink and documentary photographer, da Silva, who made a visual documentary project among two fishing communities in England and Portugal. Finally, the paper mentions Edwards’ research on archival research of museum photography which stresses the role of photography in creating and manipulating with the past.
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Vaillant, André. "O banheiro de Hitler". Arquivo Maaravi: Revista Digital de Estudos Judaicos da UFMG 14, n.º 27 (30 de noviembre de 2020): 96–112. http://dx.doi.org/10.35699/1982-3053.2020.26476.
Texto completoResumen
Este artigo procura analisar como o conflito entre cultura e barbárie, sobretudo nos grandes episódios de violência da história recente, influencia os modos de representação e a linguagem fotográfica a partir de dois registros: o retrato da fotógrafa norte-americana Lee Miller na banheira de Hitler e a planície de Balaclava, fotografada por Roger Fenton.
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Mozzati, Tommaso. "Storia collezionistica del patio di Vélez Blanco: nuovi documenti e fotografie inedite". BSAA arte, n.º 85 (12 de mayo de 2019): 337–62. http://dx.doi.org/10.24197/bsaaa.85.2019.337-362.
Texto completoResumen
L’articolo si concentra sulle vicende che portarono dalla Spagna agli Stati Uniti il patio oggi esposto all’ingresso della Thomas J. Watson Library nel Metropolitan Museum di New York. Commissionata all’inizio del XVI secolo per volontà di Pedro Fajardo y Chacón, l’imponente struttura venne venduta nel 1904 al mercante J. Goldberg: i marmi furono quindi spediti dall’Andalusia a Parigi e da lì, a distanza di pochi anni, inviati a Manhattan per decorare la residenza voluta dal banchiere George Blumenthal su Park Avenue. Nuove, numerose individuazioni archivistiche, assieme a inediti documenti fotografici, consentono di ricostruire le diverse fasi della sua storia collezionistica, chiarendone la cronologia e individuando gli attori coinvolti nei diversi passaggi attraverso i quali l’opera giunse al di là dell’Oceano, per poi entrare, negli anni Quaranta, nelle raccolte del museo americano.
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Zavala, Adriana. "Blackness Distilled, Sugar and Rum". Latin American and Latinx Visual Culture 1, n.º 2 (abril de 2019): 8–32. http://dx.doi.org/10.1525/lavc.2019.120003.
Texto completoResumen
María Magdalena Campos-Pons (b. 1959, Matanzas, Cuba) is a Cuban artist with Yoruba (Nigerian), Chinese, and Spanish roots. She is also a black US-based artist. Known for performative and installation-based work as well as photography, paintings, and videos in which her body functions as resource, medium, and site, she has recently turned to more metaphorical representations of the body. History and memory, as well as the ritual (Lucumí or Santería) and material culture of her enslaved Nigerian and indentured Chinese ancestors brought to Cuba in the nineteenth century to work in the island’s sugar plantation system, have been key touchstones for her work. Since the 1990s she has frequently employed sugar as a material for critically exploring the complex workings of colonialism. Alchemy of the Soul, Elixir for the Spirits, commissioned by the Peabody Essex Museum in Salem, Massachusetts, in 2015, is the most recent of her sugar works. The installation explored, metaphorically, the distillation of New England rum from Cuban sugar. This paper examines it in relation to Campos-Pons’s persistent interests, such as forced removal, migration, trade networks, memory, Lucumí/Santería, mestizaje, transculturation, and racism. It also examines the installation’s site to argue that the work explores black being in distinct but interrelated contexts: Cuba and New England. A powerful conjunction of objects, site, and performance, the work directed attention to a New England exceptionalism that persists in framing slavery’s violence as elsewhere. RESUMEN María Magdalena Campos-Pons (n. 1959, Matanzas, Cuba) es una artista cubana de ascendencia yoruba (nigeriana), china y española. Es también una artist negra en los estados unidos. Estas y otras identidades trianguladas forman la base de sus treinta años de carrera artística. Conocida por su trabajo performativo y basado en la instalación, así como por la fotografía, la pintura y el video en que su cuerpo funciona como recurso, medio y sitio, se ha dedicado últimamente a representaciones más metafóricas del cuerpo. La historia y la memoria, así como el ritual (Lucumí o Santería) y la cultura material de sus antepasados nigerianos y chinos esclavizados, que fueron traídos a Cuba en el siglo XIX para trabajar en las plantaciones de azúcar de la isla, han sido elementos clave de su trabajo. Desde la década de 1990, ha empleado con frecuencia el azúcar como un material para explorar críticamente el complejo sistema del colonialismo. La instalación Alchemy of the Soul, Elixir for the Spirits, que fue encargada por el Peabody Essex Museum, en Salem, MA en 2015, es la más reciente de las obras azucareras de Campos-Pons. La instalación exploró metafóricamente la destilación del ron de Nueva Inglaterra a partir del azúcar cubano. Este artículo explora Alchemy of the Soul, Elixir for the Spirits en relación con los sitios discursivos de Campos-Pons (expulsión forzada, migración, redes de comercio, memoria, Lucumí/Santería, mestizaje (mezcla etno-racial), transculturación, racismo). También examina el sitio de la instalación para defender la tesis de que la obra explora el ser negro en contextos distintos pero interrelacionados: Cuba y Nueva Inglaterra. Como conjunto de objetos, sitio y performance, el proyecto también llamó la atención sobre la Nueva Inglaterra y el excepcionalismo del norte, que sigue pensando la violencia de la escalvitud como algo ajeno. RESUMO María Magdalena Campos-Pons (n. 1959, Matanzas, Cuba) é uma artista cubana com raízes iorubás (nigerianas), chinesas e espanholas. Ela também é uma artista norte-americana negra. Essas e outras identidades trianguladas estão no centro de sua prática artística há 30 anos. Conhecida pela utilização de performance e instalação, assim como fotografia, pintura e vídeo, nos quais seu corpo funciona como recurso, meio e local, ela voltou-se recentemente para representações mais metafóricas do corpo. História e memória – bem como o ritual (Lucumí ou Santería) e a cultura material de seus antepassados escravos nigerianos e escravos trazidos para Cuba no século 19 para trabalhar no sistema de plantação de cana da ilha – foram fundamentais para seu trabalho. Desde a década de 1990, ela frequentemente emprega o açúcar como um material para explorar criticamente o complexo funcionamento do colonialismo. A instalação de Campos-Pons, Alchemy of the Soul, Elixir for the Spirits, comissionada pelo Peabody Essex Museum, em Salem, Massachusetts, em 2015, é a mais recente das suas obras de açúcar. A instalação explorou, metaforicamente, a destilação do rum da Nova Inglaterra a partir do açúcar cubano. Este artigo explora Alchemy of the Soul, Elixir for the Spirits em relação aos sítios discursivos de Campos-Pons – remoção forçada, migração, redes de comércio, memória, Lucumí/Santería, mestizaje (mistura étnico-racial), transculturação, racismo. Ele também examina o local da instalação para argumentar que o trabalho explora o ser negro em contextos distintos, mas inter-relacionados: Cuba e Nova Inglaterra. Como uma conjunção de objetos, local e performance, dirigiu atenção, também, para uma Nova Inglaterra ou para o excepcionalismo do norte que persiste em enquadrar a violência da escravidão como situada em outros lugares.
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Blanco, Manuel. "Fotografía y contracultura en Estados Unidos y España: orígenes e institucionalización. Particularidades en la obra de Alberto García-Alix". Revista científica de información y comunicación, n.º 17 (2020): 115–42. http://dx.doi.org/10.12795/ic.2020.i17.06.
Texto completoResumen
En la pujante sociedad americana de los años 60 nació la contracultura como un movimiento heterogéneo y difícilmente encasillable en lo ideológico. Conllevó una visión muy diferente de la estética, la música y prácticamente todas las ramas imaginables de arte. En concreto nos centraremos en la fotografía, que, por su poco prestigio artístico y poca importancia periodística, se convirtió en el vehículo idóneo para estos movimientos en los márgenes. En el caso español, además, la llegada de la contracultura coincidió con el ocaso del franquismo, lo que provocó particularidades dentro de la contracultura como la llamada movida madrileña. Sin embargo, esta, a su vez, presenta divergencias dentro de sus propios integrantes:aunque casi todos sufrieron un profundo proceso de institucionalización, no todos los fotógrafos considerados contraculturales hicieron efectivamente fotografía contracultural. García-Alix, icono de la contracultura, es el ejemplo: no comparte las características estéticas de los fotógrafos de la movida, sino que sus referentes se encuentran en el documentalismo clásico norteamericano y centroeuropeo. Eso sí, lo que documentará será los ambientes y los personajes de la contracultura.
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André, Richard Gonçalves. "O ogro e o demônio: a representação fotográfica da devastação nuclear em “Hiroshima”, de Ken Domon (1945-1958)". Domínios da Imagem 13, n.º 24 (26 de diciembre de 2019): 30. http://dx.doi.org/10.5433/2237-9126.2019v13n24p30.
Texto completoResumen
Em 1958, o fotógrafo japonês Ken Domon (1909-1999) publicou a coletânea intitulada “Hiroshima”, na qual produziu narrativas icônico-discursivas sobre as vítimas da bomba atômica lançada pelo exército norte-americano na cidade homônima. O presente artigo tem por objetivo analisar os textos e as fotografias presentes no livro, tendo como recorte temporal o período de 1945 a 1958, marcado, respectivamente, pelo ataque nuclear e pela publicação de “Hiroshima”. Do ponto de vista teórico e metodológico, as imagens são concebidas como representações compostas a partir de signos fotográficos, seja pensadas como unidades, seja articuladas a outras fotografias e mesmo a textos. Como resultados, sugere-se que a coletânea, utilizando abordagem humanizadora e ressaltando as histórias de pessoas cujas vidas foram afetadas pela bomba atômica, foi publicada com o intuito de não permitir que os sofrimentos derivados da guerra fosse esquecidos, justamente num período em que a sociedade japonesa começava a apresentar indícios de prosperidade e acelerado crescimento econômico.
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Risco, Ana Maria. "EN CÁMARA LENTA. REPENSANDO LA POÉTICA DE R. KAY SOBRE FOTOGRAFÍA Y “MIRADA AMERICANAˮ". Aisthesis Revista Chilena de Investigaciones Estéticas, n.º 64 (15 de diciembre de 2018): 259–69. http://dx.doi.org/10.7764/aisth.64.16.
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Latorre Izquierdo, Jorge y Marcos Jiménez González. "Capítulo 5. La metrópolis humanizada. Relaciones estéticas y ideológicas entre Manhatta y las sinfonías urbanas europeas". Espejo de Monografías de Comunicación Social, n.º 8 (26 de agosto de 2022): 119–41. http://dx.doi.org/10.52495/c5.emcs.8.c41.
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Estados Unidos se adelantó a Europa en la utilización directa y sin prejuicios del cine y la fotografía, medios urbanos por excelencia. La Straight Photography neoyorkina influyó en la Nueva Objetividad, y Manhatta (Sheeler, Strand, 1921) inspiró obras como Berlín, sinfonía de una ciudad (1927, Ruttman) y El hombre de la cámara en movimiento (1929, Vertov). Sin embargo, la fuerte influencia que las artes plásticas tradicionales ejercían en la fotografía y el cine europeos dio como resultado una mirada ambigua a las ciudades modernas, incluso cuando no todos los males de la industrialización despersonalizadora parecían encarnarse en ellas. Películas como Metropolis de Fritz Lang (1927) participan de esta mirada confusa, que está también presente en la pintura expresionista Metrópolis de Otto Dix (1929); y, de un modo más velado, en otras sinfonías urbanas cinematográficas como La calle (Karl Grüne, 1923) o Solo las horas (Alberto Cavalcanti, 1926). Incluso las visiones utópicas que futuristas italianos y constructivistas rusos dejaron de la gran urbe moderna, aunque se acercan más a una visión sin prejuicios de la metrópolis, lo hacen desde una ideología que dista mucho de la aproximación realista o verista americana. En este artículo se analizan con detalle las relaciones existentes entre los ejemplos mencionados y otros hitos del arte visual vinculado tanto con la ciudad moderna como con los nuevos lenguajes que surgen estrechamente vinculados a ella, la fotografía callejera y el cine urbano más documental. Palabras clave: Estética del cine, Sinfonías urbanas, Paul Strand, Fritz Lang, Dziga Vertov.
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Lacerda, Laís Miguel y Regilene Aparecida Sarzi Ribeiro. "Corpo - paisagem:". Palíndromo 13, n.º 29 (1 de enero de 2021): 134–47. http://dx.doi.org/10.5965/2175234613292021134.
Texto completoResumen
Trata-se de um estudo sobre identidade e nomadismo na arte contemporânea latino-americana a partir dos registros de performance. Exílio, territórios, deslocamentos e corpo são palavras chave para compreensão da obra Silueta Series (1974), composta por 200 fotografias realizadas em um período de aproximadamente sete anos, pela artista cubana Ana Mendieta (1948-1985). O artigo busca refletir os múltiplos conceitos intrínsecos na obra dessa artista pioneira que traz o corpo feminino como elemento central integrado a paisagem e ao nomadismo, além de questões de gênero, política, identidade e nomadismo que são subjetivamente estabelecidas de maneira atemporal.
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Bottiglieri, Nicola. "El lenguaje del lugar remoto en la obra del padre Alberto María de Agostini (1883-1960)". Anales de Literatura Chilena, n.º 31 (2019): 89–111. http://dx.doi.org/10.7764/analeslitchi.31.05.
Texto completoResumen
Al describir y fotografiar la Patagonia meridional y la Tierra del Fuego, Alberto de Agostini dilata la categoria de lo sublime natural característico del la literatura romántica europea del siglo XIX. La natu- raleza antártica tiene la misma belleza del mundo visto al día siguiente de la Creación, nunca pisado por hombres. Por lo tanto, en lo “sublime natural americano” se halla una hermosura inédita e impresionante desconocida en Europa. Este ensayo analiza las modalidades narrativas a través de las cuales se describe esta naturaleza primigenia.
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Bernardes, Margarida Maria Rocha y Gertrudes Teixeira Lopes. "As enfermeiras da força expedicionária brasileira no front italiano". Revista da Escola de Enfermagem da USP 41, n.º 3 (septiembre de 2007): 447–53. http://dx.doi.org/10.1590/s0080-62342007000300015.
Texto completoResumen
Estudo histórico-social, analisa a proximidade das Enfermeiras do Exército na FEB junto às autoridades que detinham o poder dos comandos dos exércitos norte-americano e brasileiro durante a 2.ª Guerra. Fontes primárias: duas fotografias que se complementam e depoimentos de nove enfermeiras que estiveram no conflito. Fontes secundárias: acervo literário referente ao assunto. Alguns conceitos do sociólogo Pierre Bourdieu foram utilizados para apoiar a discussão. Resultados: as enfermeiras inseridas no meio militar tiveram tratamento diferenciado pelos Comandantes dos Exércitos Norte-Americano e Brasileiro, tendo maior visibilidade junto à tropa masculina e à mídia. As enfermeiras ganharam uma batalha, sendo respeitadas num mundo novo e desconhecido, no universo das Forças Armadas, historicamente dominado por homens. Integrando uma equipe, aquelas enfermeiras lutaram por auto-afirmação e respeito naquele momento histórico peculiar.
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Oliveira, Solange Ribeiro de. "A representação do negro em sociedades escravocratas das Américas: história, literatura e artes visuais". Aletria: Revista de Estudos de Literatura 28, n.º 4 (28 de diciembre de 2018): 47–63. http://dx.doi.org/10.17851/2317-2096.28.4.47-63.
Texto completoResumen
Apoiado no testemunho de artistas e historiadores, o artigo argumenta que o objeto artístico pode atuar tanto para reforçar quanto para contestar tradições incrustadas na memória coletiva das nações. Nesse sentido, analisa o papel da arte visual como tão importante quanto o de documentos escritos da história e da literatura. A título de exemplo, focalizam-se diferentes formas de representação do negro em sociedades escravocratas, começando com a pintura oitocentista de Jean-Baptiste Debret. Segue-se a análise da função da fotografia, que, inventada no mesmo século, mostrou-se igualmente enredada nos fatos sociais. Nas artes contemporâneas, o trabalho destaca a atuação contestadora de Fred Wilson, artista e historiador norte-americano, de Adriana Varejão e dos poetas Márcio Barbosa e Oliveira Silveira.
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Negro, Antonio Luigi. "Black Americana. Supremacia racial e supremacia de classe em fotografias da virada do século XIX ao XX". Mundos do Trabalho 11 (22 de octubre de 2019): 1–31. http://dx.doi.org/10.5007/1984-9222.2019.e65371.
Texto completoResumen
Este artigo analisa o papel desempenhado pela produção e circulação de imagens fotográficas em cartões postais durante o processo de reconciliação nacional entre as supremacias de raça e classe, na sociedade estadunidense do pós-abolição, a partir da década de 1880. Somado ao trabalho por dívida, o aluguel de detentos do sistema prisional aponta para a recomposição da prática de obrigar proletários negros ao trabalho, fenômeno que teve lugar especialmente onde a escravidão mais resistiu ao abolicionismo, isto é, não apenas no Sul, mas sobretudo na lavoura (ou em atividades a ela ligadas, a exemplo das ferrovias). Nesse sentido, para os trabalhadores, as lutas entre capital e trabalho podiam ter no direito de ir e vir um elemento essencial de sua experiência de classe.
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Lasaitis, Cristina, Rafaela Larsen Ribeiro, Marcelo Ventura Freire y Orlando Franscisco Amodeo Bueno. "Atualização das normas brasileiras para o International Affective Picture System (IAPS)". Revista de Psiquiatria do Rio Grande do Sul 30, n.º 3 (diciembre de 2008): 230–35. http://dx.doi.org/10.1590/s0101-81082008000400012.
Texto completoResumen
Este trabalho expande a normatização brasileira do International Affective Picture System (IAPS), um instrumento de imagens afetivas, amplamente utilizado em pesquisas, com valores normativos para 240 novos estímulos, e confirma as categorias de imagens "agradáveis", "neutras" e "desagradáveis". Também são apresentados os resultados comparando os padrões de respostas de homens e mulheres. No total, participaram 448 estudantes universitários brasileiros (179 homens e 269 mulheres), que avaliaram as fotografias em termos de prazer, alerta e dominância, através da escala Self Assessment Manikin (SAM). O procedimento adotado foi o mesmo de outro estudo já desenvolvido para as normas norte-americanas.
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Neves, Livia Lopes y Maria de Fátima Fontes Piazza. "Pensamento da America: campo intelectual, ideias e dilemas de um suplemento cultural". Revista Eletrônica da ANPHLAC, n.º 12 (4 de diciembre de 2012): 280–305. http://dx.doi.org/10.46752/anphlac.12.2012.1339.
Texto completoResumen
O presente artigo tem como objetivo mostrar a importância do suplemento Pensamento da América (1941-1948), do jornal A Manhã, especialmente no período que esteve sob a direção do escritor, poeta e diplomata Rui Ribeiro Couto, para a aproximação cultural entre o campo intelectual brasileiro e o dos países de língua espanhola. O suplemento visava construir uma americanidade, ou seja, integrar as três Américas: a lusófona, a hispanófona e a anglófona, sem olvidar a indoamérica e a afroamérica. Este periódico divulgou a produção cultural das Américas: literatura (poesia e prosa), artes visuais (pintura, escultura, arquitetura, fotografia) e divulgou ícones da política e da cultura do continente, Além das teses que circulavam no mundo ibero-americano, como a cubanidade de Fernando Ortiz ou a “civilização” e “barbárie” de Sarmiento.