Tesis:

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Souza, Patricia de. "Flora Tristan et Lautréamont, ou l'invention de soi, entre deux langues et deux continents". Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030149.

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Le désir d’envisager l’écriture comme une invention du soi, dans le sens vital et de survie, s’est imposé à moi à travers deux expériences individuelles fondatrices, celles de Flora Tristan et de Lautréamont. Ce dernier, né à Montevideo, s’est trouvé très vite, face à une expérience de désarroi qui lui a montré les limites de son identité. Flora Tristan, elle, a décidé envers et contre tous, de valoriser son origine péruvienne, son rapport à une autre histoire et à une autre culture. J’ai donc souhaité les insérer dans une continuité d’écrivains qui se sont servi de l’écrit comme une façon de faire face à un vécu en territoire étranger. Mais aussi comme une façon aussi de dessiner leur propre visage dans un texte modelé par un corps bio-politique. Si cette forme d’écriture a existé bien avant eux, il s’agit, dans le cas de mes auteurs étudiés, d’une mise à l’épreuve de leur capacité de survie et d’adaptation à des situations nouvelles. A chaque fois, un long voyage crée de nouveaux rapports avec une autre langue qui marque pour toujours notre lecture du monde. Cette enquête sur l’écriture à la première personne signifie aussi une façon d’interroger les constructions linguistiques de ce « Je » qui nous parle dans (depuis ?) un texte, avec toutes les connotations psychologiques, grammaticales et politiques que cette écriture comporte, surtout dans le cas des femmes, plus susceptibles d’être amenées à développer des stratégies de résistance. Ainsi se justifie l’idée centrale de cette thèse : redonner à la voix de l’auteur(e) un statut critique et structural dans le travail d’écriture. C’est ce que l’on pourrait appeler son pathos, forme affective du geste créateur. Une chose s’est montrée à mes yeux fondamentale : l’écriture serait un des moyens de s’opposer à toute forme d’aliénation, une résistance à partir du désir, une différenciation toujours au sein du politique, une Trace
The desire to assume writing as the invention of a Self in the vital plane and as survival, was imposed to me thru two fundamental individual experiences: those of Flora Tristan and Lautréamont. This last one, born in Montevideo, encountered a detachment experience that rapidly showed him the limits of his identity. Flora Tristán, she, decided, against all, to valorize her Peruvian origin, her relationship with a new history and another culture. I have tried then to integrate both of then in a saga of writers who have used writing as a way to face an experience outside the familiar terrains. But also, as a way to reflect their own face in a text crafted by a bio-political body. If this form of writing has existed for some time, it is, in the specific case of my studied authors, a demonstration of their capability of survival and adaptation. Each time we embark on a long trip relations with another language are created that will forever affect our lecture of the world. This research about writing in first person signifies also a way to interrogate the linguistic constructions of that “self” that speaks to us from a text, with all the psychological, grammatical and political connotations of this type of writing, especially for women who are often forced to develop strategies of resistance. This is how the central idea of this work is comprehended: giving back to the voice of the author a critical and structural role in the writing labor, what could also be denominated pathos, the creation like an affective expression. There is an aspect that seems fundamental to me: writing would be one of the ways to oppose resistance to alienation, a resistance coming from the desire to try to differentiate in the political terrain, a Trace

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Horváth, Miléna. "Entre voix, écrits et images : modalités de l'entre-deux littéraire dans la seconde partie de l'oeuvre d'Assia Djebar". Bordeaux 3, 2001. http://www.theses.fr/2002BOR30033.

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La notion d'entre-deux littéraire et son application à la deuxième partie de l'oeuvre d'Assia Djebar constituent le sujet de notre thèse. L'intertextualité est prise comme modèle de départ, mais elle est élargie à l'image et à la voix. Le lieu d'énonciation de la narratrice ne change pas pour autant : sa sitution intermédiaire reste invariable au cours de l'écriture. Par transcription nous comprenons l'écriture intertextuelle en situation interculturelle : elle se présente comme la reécriture des textes et la valorisation du point de vue de l'exclu. Par la description indirecte, la narratrice élabore sa propre méthode pour créer et saisir des images. La narratrice a aussi pour rôle d'assurer l'inscription de la voix dans le texte, le passage entre l'oral et l'écrit. La voix de l'enfance surgit pour guider l'écriture personnelle. L'écriture de l'entre-deux chez Djebar montre en français l'essence de la culture maghrébine et fait valoir le point de vue de la femme algérienne
The notion of in-between and its application in the second part of Assia Djebars works make up the subject of our thesis. Intertextuality is considered as a starting point, but it is enlarged on voice and image. The narrator's enunciation position does not change however : her intermediary position remains stable during the writing procedure. By transcription we mean intertextual writing in intercultural situation : it is textual rewriting and the appraisal of the subaltern's viewpoint. By indirect description the narrator elaborates her own way to create and capture images. She also assures the inscription of the female voice in the text, the link between the oral and the written. The voice of chilhood emerges in order to guide personal writing. In Djebar's works shows the essence of maghrebian culture in french and frees the expression of Algerian women

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Yu, Ki-Hwan. "Deux romans ouvriers : Germinal, Le Crépuscule, dimension socio-politique d'une esthétique". Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081347.

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Cette recherche se propose d'eclairer la maniere dont les auteurs construisent leur recit, quand il s'agit d'illustrer leurs theses socio-politiques concernant la question ouvriere. Elle le fait en trois temps : d'abord, en etudiant la structuration romanesque de l'opposition sociale ; ensuite, celle de l'apprentissage ideologique, motive par l'opposition sociale ; enfin, celle de l'espoir de la classe ouvriere que l'apprentissage ideologique a fait naitre. La premiere partie, qui traite de trois instances du roman (le +personnage;, le +temps; et l'+espace;), montrera que l'antagonisme domine de maniere totale la vie des etres humains dans une societe capitaliste : nous attacherons de l'importance surtout a l'opposition discursive et a l'ordre temporel des episodes. La deuxieme partie est consacree a l'etude de la structure d'apprentissage: nous nous efforcerons de prouver que le noyau de la signification des romans ouvriers repose sur l'apprentissage. La troisieme partie cherche a expliquer a quel point les romans ouvriers mettent l'accent sur la volonte de lutte et sur le resultat optimiste de cette lutte : si nous inserons +une esthetique de l'espoir; dans +une esthetique de la lutte;, c'est que cet espoir ne se donne que par la lutte. A travers ce travail, nous tenterons de montrer que, si pertinentes que soient les questions posees par un texte litteraire, une schematisation excessive soumise au principe d'utilite aboutit finalement a la negation de la litterature. D'ou l'etablissement de cette conclusion en forme d'hypothese : plus un roman ouvrier manifeste de qualites artistiques, plus ses theses socio-politiques sont convaincantes
This study examines how the authors, by applying their own socio-political beliefs to the working-class struggles they write about, give form to their novels. The study is composed of three parts: first, an examination of the novels' presentation of social opposition; next, an examination of how ideological indoctrination - motivated by social opposition - is presented, and finally a focus on the working-class hopes born of this ideological teaching. The first part, which treats three of the novels' bases (+character;, +time; and +space;) will show that antagonism completely dominates humans trapped in a capitalistic society: we will emphasize discursive opposition and the temporal order of the episodes. The second part is devoted to the study of the indoctrination model: we will attempt to prove that the crux of these novels of the working class is this teaching of ideology. The third part attempts to explain just how much novels of the working class emphasize the desire to fight and the optimistic belief in a positive result of that fight: if we speak of an "aesthetic of hope" in an "aesthetic of struggle", it is because this hope comes solely from the fight. Throughout this study we will attempt to show that however pertinent the questions asked by a literary work may be, an excessive schematization for its utility will result, ultimately, in a negation of that literary work. From this reasoning we arrive at the following conclusion, posed as a hypothesis: the more a novel of the working class employs artistic qualities, the more its socio-political theses succeed in being convincing

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Costadura, Edoardo. "Le partage classique : le débat sur le classicisme dans les échanges littéraires entre la France et l'Italie pendant l'entre-deux-guerres". Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA080957.

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L'hypothese de travail a ete la suivante : les phenomenes de reception de la production litteraire de part et d'autre des alpes enbtre 1919 et 1939 ont largement ete determines par ce que l'on pourrait appler - en employant une formule proposee lar luciano canfora - les ideologies du classicisme. Or il ne s'agissait pas eulement de verifier le bien fonde de cette hypothese. Il a fallu egalement analyser, d'une part, le rapport que chacune des deux litteratures a instaure au cours des annees vingt et trente avec les valeurs du classique et de la tradition, et, d'autre part, les modes de reception de l'autre" litterature en tant qu'effets de ce rapport. Cela nous a amene a reconstruire, en italie, un veritable discours sur la litterature francaise, alors qu'en france la reception de la litterature italienne est souvent l'echo des debats en cours en italie, plutot que le fait d'une reflexion articulee. Pour terminer, nous avons essaye de mettre ces analyses a l'epreuve des textes : non pas des textes "premiers", mais de ces textes "seconds" (ou la lecture devient acte, et ou se cristallisent les mecanismes de la reception) que sont les traductions
My working hypothesis was the following : reception of literary works on either side of the alps between 1919 and 1939 was largely determined by what could be called - to quote luciano canfors - ideologies of classicism. The purpose of this study is not simply to verify the validity of this hypothesis, - but to analyze, on the one hand, the relationship that each of these two national literatures established during the 1920's and 1930's with the valuers of classicism and tradition, and on the other hand, the ways in which the "other" literaturs was received as a consequence of this relationship. This involves reconstructing a veritable discourse on french literature in italy, wheres in france reception of italian literature often echoed the debates taking place in italy instead of being the result of carefully articulated reflection. Finally, this study attempts to test these analyses in the light of a number of texts : not "primary" texts, but translations, that is "secondary" texts in which reading becomes an act, and reception mechanisms are crystallized

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Hasegawa, Akiko. "Le rôle du primitivisme dans la pensée esthétique d' André Breton entre 1920 et 1942". Paris 7, 2010. http://www.theses.fr/2010PA070005.

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Théoricien du surréalisme, André Breton (1896-1966) place au cœur de sa pensée et de son écriture esthétiques l'intérêt pour ce qui est primitif. Dans ses écrits, notamment dans sa critique d'art, il mentionne fréquemment les œuvres dites « primitives » (primitifs italiens, arts premiers, arts naïfs et arts préhistoriques), l'image primitive, la mentalité primitive et l'état primitif de la société. La plupart de ses réflexions concernant le primitif développent une contestation des valeurs de la société de son temps, souvent incarnées par la pensée rationnelle et systématique. Sa référence constante au primitif revêt un caractère à la fois esthétique, politique et mythique. Structurée autour des trois aspects du primitivisme, cette thèse vise à retracer l'évolution entière du rôle du « primitif » et du « primitivisme » dans la pensée esthétique de Breton et précise également la spécificité de sa pensée durant entre-deux-guerres
Theoretician of Surrealism, André Breton (1896-1966) places his interest in primitive at the core of his thinkings and writings. In his writings, especially in his criticism of art, he frequently mentions the works of art called "primitive" (the Italian primitives, primitive arts, naive art and prehistoric art), the primitive image, the primitive mentality and the primitive condition of society. Most of his reflections on this term cast a protest of society's values of his time, often represented by rational and systematic thought. His persistent reference to the primitive is principally aesthetic, political and mythical. Structured around these three aspects of primitivism, this thesis aims to trace the entire evolution of the role of "primitive" and "primitivism" in Breton's aesthetic thinkings and also indicate the specificity of his thinkings during the inter-war

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Hourdin, Gaëlle. "L'étincelle et la plume : une poétique de l'entre-deux dans l'œuvre de César Moro". Toulouse 2, 2010. http://www.theses.fr/2010TOU20035.

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L’œuvre poétique bilingue du Péruvien César Moro (1903-1956) se présente sous le signe de la contradiction : largement reconnue dans les milieux littéraires latino-américains, elle s’avère pourtant relativement délaissée par les maisons d’édition et la critique. Cette ambivalence naîtrait en partie du contraste entre une richesse visuelle et sonore qui interpelle le lecteur et suscite chez lui l’émotion poétique, et le caractère souvent cryptique d’un réseau d’images qui semble refuser l’accès au sens. Comment, alors, établir un processus de lecture quand le texte lui-même semble le refuser ? Si la poétique moréenne oscille entre voilement de la signification et immédiateté sensorielle, entre hermétisme et évidence, il s’agit de mettre en place une nouvelle approche de l’œuvre dans sa matérialité, en privilégiant une analyse « micro-textuelle » – via l’étude des nombreux jeux sonores et des répétitions de phonèmes – complétée par une approche « macro-textuelle » – fondée sur la mise en relation des poèmes entre eux et la prise en compte des divers contextes d’écriture. On voit alors se dessiner, derrière l’obsession du désir, une série de paysages amoureux et intertextuels dans lesquels se situe et se configure le sujet lyrique. Ce dernier répond à ses interrogations identitaires et existentielles en faisant un détour par l’altérité, par l’évocation et la recréation de figures de l’être aimé et l’appropriation de motifs et de référents de la tradition poétique. Les discours amoureux et métapoétique se rejoignent donc dans une écriture du moi habitée par les questions de la reconnaissance, de la mémoire et de la mort
Contradiction typifies the bilingual poetical works of Peruvian author César Moro (1903-1956): widely appreciated in Latin-American literary circles, Moro’s works have however been relatively overlooked by publishers and scholars alike. This paradox may partly stem from the contrast between the profusion of images and sounds which appeals to the reader and fills him with poetical emotion, and the cryptic nature of a web of visual effects which seem to defy understanding. How thus can we define an interpretative method when the text itself seems to oppose it? If the poetics of Moro’s works oscillates between opaqueness of meaning and direct sensorial experience, between abstruseness and obviousness, an original approach of the materiality of the works should be set. This new analytical strategy should favour the combination of “micro-textual” examinations –through the study of the numerous plays on sounds and repetitions of phonemes– with “macro-textual” ones –taking into account how the poems relate to each other and also based on the diverse contexts of writing. Concealed behind the obsession with desire, a series of amorous or intertextual landscapes revealing the lyrical subject emerge. This lyrical subject finds answers to his questions about identity and existence by making a detour via the issues of otherness, the evocation and reconstruction of the images of his beloved and the appropriation of motives and references to the poetic tradition. The lover’s discourse and the metaphorical one thus concur in the writing of the self haunted by the issues of recognition, memory and death

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Prince, Nathalie. "Entre éros et effroi : les célibataires du fantastique : le célibataire dans la littérature fantastique de la fin du XIXe siècle (littératures française, anglaise, américaine, allemande et belge)". Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040179.

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A la fin du XIXe siècle,la littérature fantastique choisit pour personnage privilégié un type social émergent, le célibataire. Le profil désabusé du vieux garçon et l'imaginaire qui s'y rattache, enluminé de décadence - misogynie, misanthropie, réclusion, esthétisme, dandysme. . . - impliquent une modification des effrois de cette littérature en même temps qu'un bouleversement de ses thèmes, de ses motifs et de sa poétique. Ces effrois s'inscrivent d'abord dans une nouvelle topographie réduite au chez-soi célibataire, aux murs clos de ce refuge, et surgissent de la seule peur de l'Autre et de son intrusion. Mais, par cet enfermement, l'effet fantastique se concentre définitivement sur le personnage, et ce n'est plus l'Autre finalement qui étonne ou effraie, mais soi-même. Incarnation décadente du culte du soi, le célibataire, qui s'inquiète maintenant de sa solitude, achève sa triste odyssée dans une horreur ou un dégoût de sa propre personne. Enfin, célibataire par peur de l'amour ou des femmes, il finit par érotiser sa solitude et succombe à un désir qui, en quête d'objets inédits, s'autorise toutes les extravagances : uranisme, fétichisme. . . Et surtout nécrophile. L'amour des mortes, en effet, qui permet au célibataire de vivre des amours inféconds, le pousse aussi à se comparer aux grands amants des mythes d'hier : Pygmalion, Orphée, Narcisse. Ces fantômes qui jaillissent du désir frustré achèvent alors de faire du célibataire l'élément central d'un fantastique fin-de-siècle qui a su économiser les figures expressives auxquelles plus personne ne croît
At the end of the nineteenth century, a new emergent social type is picked out by literature of the fantastic as its privileged character : the bachelor. The disenchanted profile of the bachelor and the imaginary related to it, illuminated with decadence : misogyny, misanthropy, reclusion, aestheticism, dandyism, generate a modification in the dreads of this type of literature as well as a variation of its themes, its motives,its poetics. .

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Niogret, Philippe. "Débats idéologiques et esthétique romanesque en France pendant l'entre-deux guerres (1919-1939) dans les périodiques L'Art Libre, Europe, et Vendredi". Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2001PA040132.

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Cette thèse étudie l'évolution des idées et des moeurs en France pendant l'entre-deux-guerres (1919-1939) et leur l'influence sur l'évolution de la forme romanesque, à travers trois périodiques : L'Art Libre, Europe, et Vendredi. Les thèmes suivants sont abordés : la guerre et ses conséquences ; l'inquiétude de la génération d'après-guerre et l'attrait de l'Orient ; l'évolution des moeurs et des rapports entre hommes et femmes ; le renouveau catholique ; l'engagement social et politique des écrivains. Ces évolutions se reflètent dans les romans de l'époque et ont entraîné une crise du roman, parce que l'on n'imaginait pas qu'il puisse s'écarter du modèle ancien, qui n'était plus adapté à l'instabilité de l'époque. Nous distinguons, chez les romanciers de cette période, confrontés à ce dilemme, deux tendances : l'une veut que le roman s'adapte à son époque, l'autre rêve d'un roman dégagé des influences de l'époque pour atteindre l'essence de l'être
This thesis explores the evolution of ideas and morals in France during the period between the First and Second World Wars (1919-1939) and their influence on the evolution of the novel, through analysis of three periodicals : L'Art Libre, Europe, and Vendredi. The following themes are addressed: the war and its consequences; the anxiety of the post-war generation and the attraction of the East; the evolution of morals and relations between men and women; the Catholic revival; the social and political involvement of writers. These changes are reflected in the novels of this period and they brought about a crisis concerning the novel because of the unanticipated departure from its traditionnal model, that model no longer being appropriate to the instability of the period. One distinguishes two trends among novelists of this period faced to this dilemma : one is to adapt the novel to its era, the other to envision a novel detached from its time in order to attain the essence of the human condition

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Khalsi, Khalil. "Par-delà le rêve et la veille ˸ la fin du monde. Une approche cosmologique de l'entre-deux. S. Hedayat, I. al-Koni et A. Volodine". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA036.

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Cette thèse propose d’étudier l’entre-deux du rêve et de la veille sous un angle cosmologique. Notre hypothèse est que chacun des textes du corpus véhicule une vision particulière du monde médiée par un plan interstitiel à travers lequel les protagonistes négocient leur identité ainsi que leur rapport au monde, notamment en contexte d’apocalypse culturelle. Dans le chapitre zéro, nous inscrivons notre propos dans le champ discursif contemporain s’attelant à réévaluer le concept de « grand partage » sur lequel se base l’ontologie moderne (Descola, Latour, Morin). Cette déconstruction nous amène à considérer le rapport de médiation que rêve et réel peuvent entretenir dans un contexte de crise de l’imagination (Augé), de sorte à interroger le type de réel porteur d’avenir que cette logique dialectique (Benjamin) permet d’envisager. À l’aune de ce dispositif épistémologique, le premier chapitre s'intéresse au roman La Chouette aveugle (Bouf-e-kour) de l’Iranien Sadegh Hedayat (1936). À travers l’entre-deux du rêve et de la veille, transparaît l’effondrement de la cosmologie perse antique, qu’un ange-femme signifie au narrateur en ve-nant mourir dans son lit ; l’analyse herméneutique et sémantique du texte révèle le basculement d’une vision du monde prémoderne, basée sur le déchiffrement du Réel imaginal par l’« angélophanie » (Corbin), à une perspective spectrale soumettant le présent à l’intempestivité d’une origine irrévocablement morte (Derrida). Dans le second chapitre, l’analyse de Poussière d’or (al-Tibr) du Touareg Ibrahim al-Koni (1990) fait apparaître l’entre-deux comme le socle d’une structure cosmique où les êtres s’opposent et se complètent entre visible et invisible (Claudot-Hawad) ; à travers la descente aux enfers que vit le protagoniste entre rêve et veille, l’étude cosmologique dévoile toute une écologie qui étend le territoire de l’humain à travers celui de l’esprit et de l’animal, de sorte à le faire accéder à « l’unité de l’existence » dont le désert est l’équation. Le troisième et dernier chapitre se consacre à l’analyse du Port intérieur d’Antoine Volodine (1995), et du post-exotisme en général, qui imagine l’entre-deux du rêve et de la veille comme un médium de transmigration ; nous proposons de voir comment l’apocalypse, sans cesse réactivée, lève le voile sur l’horreur du réel que les personnages réélaborent dans une éternelle transition. Enfin, la mise en écho de ces trois œuvres permet de considérer la capacité du rêve à générer du réel au seuil de l’inconnu de l’avenir, que la littérature invite à reconcevoir par le biais d’une refondation cosmologique
This dissertation aims to study the in-between of dreams and wake from a cosmological angle. We will argue that every text of our corpus conveys a particular vision of the world mediated by an interstitial level, through which the characters negotiate their identity and relationship with the world, notably in a context of cultural apocalypse. In chapter zero, we situate our statement vis a vis the contemporary field of discourse aiming to re-evaluate the concept of ‘‘Great Divide”, on which modern ontology is based (Descola, Latour, Morin). This deconstruction leads us to con-sider the mediation link interrelating dreams with reality in a context of imagination crisis (Augé), so as to interrogate the type of forward-looking reality that the dialectical logic (Benja-min) makes us consider. In light of this epistemological device, the first chapter focuses on the novel The Blind Owl (Bouf-e-kour) by Iranian writer Sadegh Hedayat (1936). Between the states of dream and wake is revealed the collapse of ancient Persian cosmology, signified to the narra-tor by a female angel coming to die in his bed. The hermeneutic and semantic analysis of the text reveals the shift from a premodern vision of the world, based on the deciphering of the Imaginal Real through « angélophanie » (Corbin), to a spectral perspective subjecting the present to an irrevocably dead origin (Derrida). In the second chapter, the Tuareg Ibrahim al-Koni’s (al-Tibr, 1990) Gold Dust shows the in-between as the pedestal of a cosmic structure where beings op-pose and complement each other between the visible and the invisible (Claudot-Hawad). Through the protagonist’s descent into hell between dream and wake, a cosmological study re-veals an ecology extending human territory through the spirit and animal domains, so as to make it reach the ‘‘unity of existence’’ which desert is the equation. The third and final chapter is de-voted to the analysis of Antoine Volodine's Le Port intérieur (1995) and post-exoticism in gen-eral, which describes the in-between as a transmigration medium. We aim to investigate how the apocalypse, constantly reactivated, lifts the veil on the horrific reality that the characters reimag-ine in an eternal transition between life and death, dream and wake. Finally, the echoing of these three works leads us to question the dream's ability to generate reality on the threshold of the future’s unknown, which literature invites us to redesign through a cosmological refoundation

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Smiley, Amy. "Le jardin entre songe et mensonge dans l'oeuvre romanesque d'Aragon (vers une poétique du jardin)". Paris 7, 1990. http://www.theses.fr/1990PA070077.

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Cette these a pour objet de reveler le role du jardin dans l'oeuvre romanesque d'aragon. Bien que clos, le jardin ouvre l'espace romanesque ; il en est sa metaphore meme. Champ d'experimentation de la langue, il nourrit la relation sensuelle entre aragon et son ecriture. De cet espace fecond surgit une veritable poetique du jardin ou la page s'assimile aux elements de la nature : dire le jardin, c'est dire le discours, qui s'avere multiple. Les limites du jardin se trouvent repousses et, par la, celles du roman, phenomene qui s'inscrit dans la recherche lyrique de l'infini
The object of this study is to reveal the role of the garden in the novelistic works of aragon. Although the garden is an enclosure, it opens up the space of the novel and is in fact its very metaphore. It is a place of experimentation with language, nourishing the sensual relationship between aragon and his writings. From this fertile world, a rea poetics of the garden takes place : the page becomes assimilated with the elements of nature. To state the garden means to state the "nature" of the discourse which is manifold. The garden is freed of its limits, and in the same vain, so is the novel. This phenomenon is bred within the scope of the lyrical pursuit of infinity

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Gil, Marie. "Les deux écritures : étude de l'intertexte néo-testamentaire dans l'oeuvre de Georges Bernanos et mise en perspective (Charles Péguy)". Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040066.

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Le problème de la récriture néo-testamentaire exacerbe celui de l'écriture : " qu'écrire, quand tout est écrit ? " devient " qu'écrire qui ne soit pas la Bible ? " Une actualisation qui ne serait pas citation mais paraphrase perdrait l'essentiel : la lettre qui contient le Logos. L'œuvre littéraire tend ainsi vers une citation totale, l'idéal de l'inscription exhaustive de l'Écriture dans la page écrite. Il s'agira de pénétrer en trois temps dans les strates du texte de Bernanos, de la surface du discours au texte latent, à la lumière, pour chaque étape, de l'écriture de Péguy. L'écriture chrétienne charge l'inspiration littéraire d'être la voix médiatrice de la parole divine, secrètement cachée dans l'objet premier du discours, le monde dénaturé. En se faisant médiatrice d'une révélation, l'œuvre s'inscrit dans l'ancien genre apocalyptique : le locuteur-narrateur s'efface, se faisant porte-parole de la Parole révélée. Dans l'étude du discours, deux écritures a priori opposées s'affrontent : la citation et le commentaire. Le paradoxe qui émerge progressivement est celui d'un intertexte biblique à la fois trouée, fulgurance au sein du texte profane et matrice englobante telle que tout texte n'en serait que l'explication ou l'amplification. Le commentaire et les paraphrases exégétiques forment un discours expansif qui déplore l'impossibilité de sa disparition. Le rapport entre le symbolisme du " livre des créatures " de l'œuvre et le livre de l'Écriture met parallèlement en évidence que le livre de l'Écriture fonctionne vis-à-vis de la représentation romanesque comme un dictionnaire, ce qui dessine une superposition des deux livres qui imite un livre originel disparu. Mais c'est dans le " palimpseste ", le texte latent et ces " mots " bibliques placés sous les mots de la page littéraire, que la superposition totale des livres est réalisée. Celle-ci est soumise à une double approche renouvelant la théorie de la lecture aussi bien que les études intertextuelles : une lecture herméneutique, nommée aussi " lecture volontaire ", et une " lecture involontaire " qui envisage le palimpseste comme " objet phénoménal "
The problem of neo-testamentary re-writing exacerbates the problem of writing. The question 'what to write, when everything is written?' becomes 'what to write that is not the Bible?' An actualization as a paraphrase rather than as a quotation loses the essential point – the letter, which contains the Logos. Literary work thus strives for a complete quotation, the ideal of the exhaustive inscription of the Scripture onto the written page. This study is concerned with penetrating the strata of Bernanos' text in three phases, from the surface of the discourse to the latent text, and, for each stage, in light of Péguy's writing. Christian writing assigns literary inspiration the task of being the mediating voice of the divine word, secretly hidden in the primary object of the discourse—the denatured world. By becoming the mediator of a revelation, the work falls within the ancient apocalyptic genre: the speaker-narrator steps aside, making itself the mouthpiece of the revealed Word. In studying the discourse, two a priori opposing writings – quotation and commentary – confront each other. The paradox that gradually emerges is that of a biblical intertext at once containing gaps, a flash of lightning within the profane text, and as an encompassing matrix, so that every text is either only an explanation or an enlargement of it. Exegetical commentary and paraphrases form an expansive discourse that laments the impossibility of its eradication. The connection between the symbolism of the work's "book of the creatures" and the book of Scripture at the same time reveals that, with regard to novelistic representation, the book of Scripture functions like a dictionary, which forms a superimposition of the two books that imitates an original book, now lost. However, it is in the 'palimpsest', the latent text, and these biblical 'words' situated under the words of the literary page, that the complete superimposition of the books is achieved. This superimposition is subject to a twofold approach reviving the theory of reading, as well as intertextual studies: a hermeneutic reading, also called an 'intentional reading', and an 'involuntary reading' that views the palimpsest as a 'phenomenal object'

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Vialle, Elisabeth. "L'objet dans la littérature britannique de l'entre-deux-guerres : Virginia Woolf, Katherine Mansfield et Elisabeth Bowen". Paris 3, 1995. http://www.theses.fr/1995PA030073.

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Muranaka, Yumiko. "Marguerite Yourcenar, autre portrait d’une voix : esthétique d’un écrivain au miroir du néoclassicisme de l’Entre-deux-guerres". Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040040.

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La présente étude vise à réexaminer l’oeuvre de Marguerite Yourcenar (1903-1987) sous le signe du néoclassicisme du XXe siècle. À travers une approche d’histoire littéraire et culturelle, sont analysés les écarts ou rapprochements qu’elle a opérés par rapport aux courants littéraires et artistiques de son temps, notamment ceux de l’Entre-deux-guerres. La première partie cherche à mettre au jour l’enjeu et la modalité de son rapport à l’Antiquité, en examinant, outre ses textespubliés, les documents inédits conservés aux archives à l’Université Harvard et à Petite Plaisance : le cahier dans lequel son père a copié des poèmes choisis ; le recueil Les Dieux ne sont pas morts (1922) et le tapuscrit de poèmes, « Album de vers anciens » (1917-1965) ; l’exemplaire de De Profundis sur lequel elle a laissé des traces de sa lecture. La deuxième partie retrace, en observant les textes publiés par l’auteur dans plusieurs revues ainsi que la correspondance, surtout dans les années trente et dans des écrits postérieurs sur cette période, l’itinéraire d’une jeune romancière qui n’est pas ignorante des courants majeurs — ceux qui se développent autour de la NRF, du courant dit du « retour à l’ordre » et de la découverte d’une nouvelle image de la Grèce — mais maintient un écart subtil entre eux et sa propre production. La troisième partie propose, à travers la caractérisation de son esthétique néoclassique, de définir Marguerite Yourcenar comme une figure de l’antimoderne et du dandy
This study proposes to reexamine the works of Marguerite Yourcenar (1903-1987), focussing on the relation to the 20th century’s neoclassicism. By means of literary- and cultural-history approaches, it analyzes the gaps or connections between her and the literary or artistic currents in the Interwar period. The first part clarifies how the author moulded her view of ancient Greece and Rome, which affected her works. It examines published and unpublished documents conserved in Harvard University and in Petite Plaisance: the notebook in which her father copied the poems chosen by him; the collection of poems by Yourcenar, The Gods didn’t die (1922), and its related typed texts “Album of ancient poems” (1917-1965); the book De Profundis of Oscar Wilde which includes her reading notes. The second part traces the trajectory of the young novelist, which shows that she was not indifferent to the major currents; the NRF, the return to the order and the discovery of the new image of Greece. We examine especially her writings published in several magazines and her letters written in the thirties as well as her works concerning this period. The third part proposes to regard Yourcenar as an anti-modernist and a dandy, by clarifying her neoclassical aesthetics

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Kern, Matthias. ""L'amour du peuple" : esthétique populiste et imaginaire du populaire dans la culture française de l'entre-deux-guerres". Thesis, Paris, EHESS, 2019. http://www.theses.fr/2019EHES0152.

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La production culturelle de l’entre-deux-guerres se distingue par un intérêt renouvelé pour la représentation des enjeux sociaux qui troublent la vie quotidienne de la population française : le travail et la misère dans un espace de plus en plus urbanisé deviennent les sujets primordiaux dans la littérature, la photographie et le cinéma, notamment pendant la période entre 1928 et 1939. Face à la crise financière, les grèves ouvrières et l’essor du Front populaire, le champ artistique réagit avec un renouveau des formes de représentation réaliste qui doit aboutir à l’interrogation de la nature du ‘peuple’, des liens sociaux qui le déterminent et de la survie des traditions populaires pendant la modernisation des pratiques quotidiennes. En littérature, un courant éphémère du roman domine les débats à partir de 1929 : le roman populiste, courant fondé dans un manifeste de Léon Lemonnier. Il devient rapidement la toile de fond d’une discussion sur le besoin de renouveler le roman réaliste et naturaliste. Simultanément, le groupe de la littérature prolétarienne autour d’Henry Poulaille se réclame de la même volonté en donnant la voix aux ouvriers. Les deux groupes, ainsi que beaucoup d’autres auteurs qui se rapprochent du populisme littéraire, réclament un renouveau du roman par le biais de la description du ‘peuple’ et de ses conditions de vie. La notion de ‘peuple’ s’oppose, dans ce contexte, à la bourgeoisie et ses écritures ‘psychologique’ et ‘snobiste’. Recourir au ‘peuple’ signifie donc avant tout une certaine esthétique anti-bourgeoise, mais – contrairement aux avant-gardes – également antimoderne, créant l’imaginaire d’une normalité marqué par la pauvreté qui devrait correspondre à l’expérience de la majorité de la population française.La thèse présente cherche à dégager d’abord les éléments d’un tel imaginaire du ‘peuple’ en s’appuyant sur la critique artistique ainsi que sur l’analyse de plusieurs romans de la nébuleuse du roman populiste : Pierre Mac Orlan, Eugène Dabit, André Thérive, Marcel Aymé et Henry Poulaille. Elle montre ensuite la survie des éléments esthétiques du populisme dans le film du réalisme poétique et dans la photographie documentaire qui donne naissance à la photographie humaniste. Ce faisant, ce travail représente une contribution sociocritique à l’histoire des idées de l’entre-deux-guerres français et signale les pièges idéologiques d’une esthétisation de termes comme ‘petites gens’ et du ‘peuple’
The cultural production of the interwar period in France is noted for its renewed interest in the representation of social issues which shake the everyday life of the French population : work and urban misery become the main subjects in literature, photography and cinema, especially in the period between 1928 and 1939. In view of the financial crisis, labour strikes and the rise of the Front Populaire, the artistic field reacts with a renovation of realist representation styles, which should lead to a questioning of the nature of ‘people’, of the underlying social connections in the masses and of the place of popular traditions in a modernized way of life. In the ambit of literature, a short-lived movement of novel writers dominates the discussions from 1929 onwards: the populist novel, a movement founded in a manifesto written by Léon Lemonnier. This movement becomes quickly the backround for a further discussion about the needs for a renewed literary realism or naturalism. Simultaneously, the group for proletarian literature, founded by Henry Poulaille, follows the same aesthetics and claims to be the real representants of the working people by giving workers the occasion to publish. Both groups, as well as many other authors close to the literary populism, try to renew the novel by describing the ‘people’ and their living conditions. In this context, the notion ‘people’ is opposed to the bourgeoisie and its ‘psychologic’ or ‘snobby’ writing style. Thus, resorting to the term ‘people’ means first and foremost that the creator subscribes to an anti-bourgeois aesthetics, but also to an anti-modernist mindset – which distinguishes populism from the French avantgardes. It means furthermore that the creator strengthens a conception of everyday life marked by poverty which should correspond to the experiences of a majority of the French population. This thesis tries to bring out the elements of such an imagination of the ‘people’ on the basis of the artistic criticism and of the analysis of several novels written by authors who are more or less associated to the populist novel movement: Pierre Mac Orlan, Eugène Dabit, André Thérive, Marcel Aymé and Henry Poulaille. The thesis goes then on to highlight the survival of aesthetic elements of populism in the cinema of poetic realism and in French documentary photography which marks the beginning of humanist photography. By doing so, the thesis represents a sociocritical contribution to the history of ideas of the French interwar period and indicates the ideological traps of aesteticization of terms like ‘little people’ or ‘people’ in general

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Khalsi, Khalil. "Par-delà le rêve et la veille ˸ la fin du monde. Une approche cosmologique de l'entre-deux. S. Hedayat, I. al-Koni et A. Volodine". Electronic Thesis or Diss., Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA036.

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Cette thèse propose d’étudier l’entre-deux du rêve et de la veille sous un angle cosmologique. Notre hypothèse est que chacun des textes du corpus véhicule une vision particulière du monde médiée par un plan interstitiel à travers lequel les protagonistes négocient leur identité ainsi que leur rapport au monde, notamment en contexte d’apocalypse culturelle. Dans le chapitre zéro, nous inscrivons notre propos dans le champ discursif contemporain s’attelant à réévaluer le concept de « grand partage » sur lequel se base l’ontologie moderne (Descola, Latour, Morin). Cette déconstruction nous amène à considérer le rapport de médiation que rêve et réel peuvent entretenir dans un contexte de crise de l’imagination (Augé), de sorte à interroger le type de réel porteur d’avenir que cette logique dialectique (Benjamin) permet d’envisager. À l’aune de ce dispositif épistémologique, le premier chapitre s'intéresse au roman La Chouette aveugle (Bouf-e-kour) de l’Iranien Sadegh Hedayat (1936). À travers l’entre-deux du rêve et de la veille, transparaît l’effondrement de la cosmologie perse antique, qu’un ange-femme signifie au narrateur en venant mourir dans son lit ; l’analyse herméneutique et sémantique du texte révèle le basculement d’une vision du monde prémoderne, basée sur le déchiffrement du Réel imaginal par l’« angélophanie » (Corbin), à une perspective spectrale soumettant le présent à l’intempestivité d’une origine irrévocablement morte (Derrida). Dans le second chapitre, l’analyse de Poussière d’or (al-Tibr) du Touareg Ibrahim al-Koni (1990) fait apparaître l’entre-deux comme le socle d’une structure cosmique où les êtres s’opposent et se complètent entre visible et invisible (Claudot-Hawad) ; à travers la descente aux enfers que vit le protagoniste entre rêve et veille, l’étude cosmologique dévoile toute une écologie qui étend le territoire de l’humain à travers celui de l’esprit et de l’animal, de sorte à le faire accéder à « l’unité de l’existence » dont le désert est l’équation. Le troisième et dernier chapitre se consacre à l’analyse du Port intérieur d’Antoine Volodine (1995), et du post-exotisme en général, qui imagine l’entre-deux du rêve et de la veille comme un médium de transmigration ; nous proposons de voir comment l’apocalypse, sans cesse réactivée, lève le voile sur l’horreur du réel que les personnages réélaborent dans une éternelle transition. Enfin, la mise en écho de ces trois œuvres permet de considérer la capacité du rêve à générer du réel au seuil de l’inconnu de l’avenir, que la littérature invite à reconcevoir par le biais d’une refondation cosmologique
This dissertation aims to study the in-between of dreams and wake from a cosmological angle. We will argue that every text of our corpus conveys a particular vision of the world mediated by an interstitial level, through which the characters negotiate their identity and relationship with the world, notably in a context of cultural apocalypse. In chapter zero, we situate our statement vis a vis the contemporary field of discourse aiming to re-evaluate the concept of ‘‘Great Divide”, on which modern ontology is based (Descola, Latour, Morin). This deconstruction leads us to con-sider the mediation link interrelating dreams with reality in a context of imagination crisis (Augé), so as to interrogate the type of forward-looking reality that the dialectical logic (Benja-min) makes us consider. In light of this epistemological device, the first chapter focuses on the novel The Blind Owl (Bouf-e-kour) by Iranian writer Sadegh Hedayat (1936). Between the states of dream and wake is revealed the collapse of ancient Persian cosmology, signified to the narra-tor by a female angel coming to die in his bed. The hermeneutic and semantic analysis of the text reveals the shift from a premodern vision of the world, based on the deciphering of the Imaginal Real through « angélophanie » (Corbin), to a spectral perspective subjecting the present to an irrevocably dead origin (Derrida). In the second chapter, the Tuareg Ibrahim al-Koni’s (al-Tibr, 1990) Gold Dust shows the in-between as the pedestal of a cosmic structure where beings op-pose and complement each other between the visible and the invisible (Claudot-Hawad). Through the protagonist’s descent into hell between dream and wake, a cosmological study re-veals an ecology extending human territory through the spirit and animal domains, so as to make it reach the ‘‘unity of existence’’ which desert is the equation. The third and final chapter is de-voted to the analysis of Antoine Volodine's Le Port intérieur (1995) and post-exoticism in gen-eral, which describes the in-between as a transmigration medium. We aim to investigate how the apocalypse, constantly reactivated, lifts the veil on the horrific reality that the characters reimag-ine in an eternal transition between life and death, dream and wake. Finally, the echoing of these three works leads us to question the dream's ability to generate reality on the threshold of the future’s unknown, which literature invites us to redesign through a cosmological refoundation

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Sampieri, Jean-Christophe. "Jean-Jacques Rousseau : Esthétique et révolte (l'auteur, le public, son public : entre solitude et communauté ; entre philosophie et Oeuvre de pensée)". Paris 7, 2002. http://www.theses.fr/2002PA070067.

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La thèse s'articule en trois parties, selon une progression qui tente de retracer la genèse de l'écriture de rousseau, ici déchiffrée comme mouvement de "révolte" cheminant de l'esthétique vers l'éthique : partant des discours, nous nous sommes d'abord efforcé de cerner les apories de l'éloquence rousseauiste, notamment dans la méfiance fascinée qu'elle nourrit tant vis-à-vis de la "rhétorique" que des pouvoirs de l'image; à travers la nouvelle Héloïse et l'essai sur l'origine des langues, nous avons ensuite tenté de montrer que la polyphonie rousseauiste se dépliait comme un espace imaginaire ou Rousseau - face à la crise du sens révélée par les discours - se livrait à une véritable refonte du symbolique et de la subjectivité ; enfin, relisant les deux premiers livres des Confessions à la lumière crue du "Drame" de 1762 et de la "Scène mythique" du lévite d'Ephraïm, nous avons essayé de nous demander quel pouvait être, dans ce contexte, le sens du "passage à l'acte" autobiographique
Our thesis consists in three parts, following a progression that attempts to retrace the singular genesis of Rousseau's writing, here deciphered as a movement of "Rebellion", from aesthetics to ethics : beginning with the "discours", we first tried to understand the difficulties of Rousseauist eloquence, particularly that fascinated suspicion it nourishes towards "rhetoric" as well as the powers of image ; then, with the "Nouvelle Eloi͏̈se" and the "Essai sur l'origine des langues", we attempted to show that Rousseauist polyphony unfolded itself as an imaginary space where Rousseau - confronted to a crisis of the sense that the "Discours" had unveiled - did undertake to a thorough refoundation of the symbolic system and subjectivity ; finally, we reread the first two books of the "Confessions" under the crude light of the 1762 "drama" and the "mythical scene" of the "Lévite d'Ephrai͏̈m", so as to try to understand which could be, in that context, the signification of the autobiographical "acting out"

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Li, Ying. "François Cheng, entre la France et la Chine : un essai d'hybridation des cultures". Lyon 3, 2010. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/in/theses/2010_in_li_y.pdf.

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Dans Les cinq méditations sur la beauté, issues des soirées de méditation, François Cheng présente pour la première fois systématiquement la Rencontre, théorie sur la révélation de la vraie beauté et omniprésente dans ses œuvres. Pour cela, la pensée ternaire de la Chine et la logique duelle de l’Occident lui ont été indispensables ; et l’amour pour l’Homme l’a rehaussé par la lumière humaniste. Sous le signe de la rencontre, entre des cultures en particulier, le poète mène inlassablement le travail de quête et de rencontre qui lui a valu au grand public le titre « le passeur des cultures » ; alors que vingt années d’études acharnées ont été fournies pour que le jeune homme (arrivé à l’âge de vingt ans à peine, il ne parlait point le français) ne puisse trouver la clé de la culture occidentale par l’apprentissage de la langue française. Lire François Cheng, c’est découvrir la beauté des langues et le mariage harmonieux à la fois dans la forme et dans le fond des deux cultures : celle de la Chine, son pays natal, et celle de la France, son pays d’adoption. L’esprit dominant de sa création, la Rencontre, fait de ces écrits une merveilleuse interprétation de l’hybridation des cultures. Dans la redécouverte de ces cultures, le poète nous offre l’image d’un créateur. A travers le vécu personnel du poète, les sources de cet esprit apparaissent ; par l’analyse lexicale et syntaxique de ses créations, notamment celles de ses recueils poétiques et de ses écrits romanesques, sa manière de réinventer le langage s’éclaircit. Les images schématiques sont également la méthode particulière qui emprunte la force de la dimension visuelle pour comprendre François Cheng
In The way of Beauty: Five Meditations for Spiritual Transformation, Francois Cheng presents for the first time systematically the Encounter” (“ la Rencontre”), the theory which is constantly reminded in the body of his work and reveals the true beauty. Based on the chinese traditional thought and the dual logic of the West, this theory is also illuminated by the love for mankind. His research directed to this encounter, especially between cultures, earned him the title of “the ferryman of cultures” amongst the general public; achieved for this, twenty years of hard studies have been undertaken by the young man, who did not speak a word of French up until his arrival to France, where he found the key to western culture by learning the French language. Reading François Cheng is the discovery of the beauty of the language and the harmonious marriage of both the form and the content between the chinese and french cultures. All of his creations, with the encounter as the prevailing spirit, are wonderful interpretations of the hybridization of cultures. The present essay tries to understand the cultural encounter by the analysis of all François Cheng’s creations, especially his poetic and fictive writings, through his way of reinventing the language seen by the personal experience of the poet. With the strength of the visual dimension, the schematic image is also a special method used in this essay

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Yang, Zhen. "La littérature française dans les revues littéraires chinoises entre 1917 et 1937". Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040078.

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La période comprise entre 1917 et 1937 marque le début de la littérature chinoise moderne. La littérature française a participé à la construction de cette nouvelle littérature, dont la modernité réside dans la négation des valeurs littéraires et sociales chinoises classiques, dans l’ouverture aux littératures étrangères et dans l’appel au respect de l’individualité. Des écrivains chinois novateurs contestent la nécessité de la société et mettent en avant la vie intérieure dans la littérature. Ils trouvent une signification à la vie dans l’amour et dans la beauté, chacun interprétant ces notions à sa manière. Cette époque est aussi celle, en Chine, de débats littéraires. Aux écrivains individualistes s’opposent des écrivains passéistes et des écrivains engagés à gauche. La confrontation entre différentes conceptions littéraires se reflète dans la réception de la littérature française. Dans les revues littéraires chinoises, des idées opposées sont formulées à propos de Ronsard, de Montaigne et de Malherbe. Des controverses agitent les milieux littéraires autour de Molière, de Rousseau ou de Baudelaire. Les divergences sur la compréhension de la littérature française résultent du fait que les critiques et les traducteurs chinois perçoivent de manière différente la relation entre l’homme et le temps, et la relation entre l’homme et la société. L’interprétation de la littérature française par les écrivains chinois s’appuie sur des réflexions sur l’homme et sur sa situation existentielle
The period between 1917 and 1937 marks the beginning of modern Chinese literature. French literature has contributed to the construction of Chinese new literature, the modernity of which resides in the denial of traditional Chinese literary and social values, in the opening to foreign literatures, and in the call for respect of the individuality. Chinese writers with pioneering spirit contest the necessity of the society and highlight the internal life in literature. They all consider the pursuit of love and beauty as the signification of the life. However, they interpret those notions of love and beauty in different ways. This period in China is full of literary debates. Individualistic writers are opposed to backward-looking writers and left-wing writers. The confrontation between different literary conceptions is reflected in the reception of French literature in China. In Chinese literary magazines, opposed ideas are formulated on Ronsard, on Montaigne and on Malherbe. Debates concerning Molière, Rousseau and Baudelaire arose in literary circles. The difference of opinions on French literature results from the fact that Chinese critics and translators understand in different ways the relationship between mankind, the time and the society. The interpretation of French literature by Chinese writers is based on reflection on human beings and on their existential situation

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Ilahi, Zouhaier. "Proust et la profondeur. L'écriture des paysages". Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030056.

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Cette thèse étudie le rôle de l’écriture dans le dévoilement de la profondeur des paysages dans les écrits de Marcel Proust qui s’étendent des années de collège jusqu’à À la Recherche du temps perdu. L’écriture romanesque de Proust est sous-tendue par une dynamique de manifestation de la profondeur des paysages naturels et musicaux qui se développent dans l’entre-deux du visible et de l’invisible, de l’audible et de l’inaudible. Proust recourt en effet à l’expression de l’entre-deux pour montrer les limites de la pensée romantique fondée sur la philosophie mystique de l’art, du Réalisme tautologique institué sur la description des surfaces et de la poésie symboliste hermétique qui perpétue la pensée platonicienne. Aussi Proust récuse-t-il les fondements du platonisme qui s’étend jusqu’à l’idéalisme français moderne. L’expression de la subjectivité permet certainement à Proust de souligner le déclin du rationalisme au début du XXe siècle qui voit l’essor de l’inconscient et de l’involontaire. L’approfondissement des paysages, du réel et des choses fonde effectivement le réalisme subjectif de Proust. L’entre-deux du sensible et de l’intelligible place le roman aux frontières de l’artistique (Monet, Whistler, Giotto, Beethoven, Wagner, Chopin, Schumann) et du philosophique (Schelling, Schopenhauer, Séailles). L’écriture de la profondeur s’intègre certainement dans le cadre d’une quête de la continuité et développe une connaissance instituée sur la catégorie de la relation, voie d’accès à l’intériorité et au gouffre. Incontestablement, Proust est un écrivain et un penseur de la profondeur
This thesis studies the role of the writing in unveiling to what extent the notion of depeth of landscapes is present in the works of Marcel Proust stretching from the college years until In search of lost time. The novelistic writing is underpinned by a dynamic of appearance of the depth of natural and musical landscapes that actually have developments in the interval of the visible and the invisible, the audible and the inaudible. Actually, Proust uses the expression of the interval to expose the limitations of the romanticism thought which perpetuates the mystic philosophy of art, the tautological Realism founded on the description of surfaces as well as the hermetic symbolist poetry which reproduce the Platonism. Therefore, Proust contests the foundations of Platonism stretching until the modern French idealism. The expression of subjectivity also allows Proust to emphasize the decline of rationalism on the decline at the turn of the XX th century that witnesses the rise of the unconscious and the involuntary. Indeed, the deepening of the landscapes, reel and things has founded the subjective realism of Proust. The interval of sensible and intelligible situates the novel in the border of the artistic (Monet, Whistler, Giotto, Beethoven, Wagner, Chopin, Schumann) and the philosophical (Schelling, Schopenhauer, Séailles). The writing of landscapes depth is certainly integrated into the quest of the continuity and develop a knowledge established on the category of the relation, a way to interiority and abyss. Undeniably Proust is a writer and a thinker of the depth

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Haberman-Levy, Smadar. "Le double, Identité empruntée dans l'impasse : le lien entre l'impasse relationnelle et le double en tant que suppléant à un deuil non élaboré". Paris 8, 2011. http://octaviana.fr/document/167616404#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Cette étude est une réflexion sur la relation triangulaire entre une impasse relationnelle, un deuil non élaboré et la notion psychanalytique du double. L'impasse place le sujet dans une situation de "tout ou rien", dont la signification s’avère être une impossibilité d'accepter la perte, la séparation, et l'altérité. Nous présumons que le deuil non élaboré est la raison pour laquelle quelqu’un s'engage dans l'impasse, tandis que le double joue le rôle de suppléant à ce deuil, jusqu'au moment ou il s'avère illusoire, face à l'impasse. Le double désigne tout ce qui fait référence à une dualité chez l'être humain. Il médiatise les tensions entre les contraires tels que dehors et dedans, extérieur et intérieur, présence et absence. Dans cette optique, il désigne à la fois le clivage et la complétude, et c'est pour cette raison que nous le proposons en tant que solution (vraie ou illusoire) de l'impasse. Nous le montrerons dans cinq œuvres de la littérature hébraïque
The present study is a reflection on the triangular relationship between a relational impasse, unresolved loss and the psychoanalytic notion of the double. The impasse creates an "all or nothing" situation, the significance of which appears to be the inability to accept the loss, separation and otherness. We assume that denied grief is the reason behind an individual entering an impasse, while the double substitutes this loss even to the point where it becomes illusory. The double refers to everything that pertains to duality in human experience. It mediates the tensions between opposites, both without and within, present and absent. In this context, it refers both to the split and the whole and it is for this the reason that we propose it as a solution (real or illusory) to the deadlock. This is demonstrated by way of five Hebrew literary works

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Rebaï, Elyssa. "Esthétique et poétique des jardins : entre art et science, parcours et discours dans la fiction sandienne". Thesis, Université Clermont Auvergne‎ (2017-2020), 2018. http://www.theses.fr/2018CLFAL007.

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Cette thèse intitulée « Esthétique et poétique des jardins : entre art et science, parcours et discours dans la fiction sandienne» vise à étudier la place qu’occupe le jardin essentiellement dans les romans, contes et nouvelles de George Sand. L’enjeu de cette recherche est de démontrer que le jardin chez Sand ne se réduit pas à un simple arrière-plan, à un élément de fioriture, ou à une pure thématique. Il revêt au contraire chez l’auteure une ampleur considérable allant jusqu’à devenir un objet spéculatif capable de repenser tout à la fois les genres et les esthétiques et de susciter de riches réflexions en rapport avec l’art (peinture, architecture, dessins) et la science (botanique, écologie, horticulture, minéralogie) au XIXe siècle. Le jardin occupe aussi une place de choix dans l’œuvre de Sand en vertu de ses diverses fonctions diégétiques, poétiques et symboliques au sein de la diégèse, mais aussi en raison de son aptitude à être un lieu de cheminement au sein duquel le promeneur peut se promettre divers plaisirs et évolutions. Le jardin devient en ce sens un monde complet en soi, un lieu riche et influent, un véritable creuset de signes et de significations dont se sert l’auteure pour véhiculer son idéologie, ses goûts esthétiques, ses pensées intimes, son idéalisme, ainsi que sa philosophie de la vie
This thesis entitled "esthetic and poetic of gardens: between art and science, path and speech in Sandian fiction" aims to study the place of garden especially in novels, tales and short stories of George Sand. The challenge of this research is to prouve that the garden for Sand is not just a backdrop, an element of flourish, or a pure topic. In contrast, it takes on a considerable scale in the author's work, even becoming a speculative object able to rethink genres and esthetics at the same time and generating rich reflections related to art (painting, architecture, drawings) and science (botany, ecology, horticulture, mineralogy) in the 19th century. The garden occupies a prominent place in the work of Sand due to its various diegetic, poetic and symbolic functions within the diegesis, but also because of its aptitude to be a pathway within which the walker can promise himself various pleasures and evolutions. The garden becomes in that way, a complete world by itself, a rich and impactful place, a veritable crucible of signs and meanings that the author uses to convey her ideology, her esthetic preferences, her intimate thoughts, her idealism, as well as her life philosophy

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Vanel, Edith. "Us et abus de la terminologie musicale à propos des œuvres de littérature : l’emploi des métaphores musicales dans la critique littéraire de langue française et anglaise entre 1890 et 1940". Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040298.

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Le propos de ce travail est d’étudier les usages, les significations et les fonctions du lexique musical dans les critiques littéraires française et anglaise de 1890 à 1940. Il s'agit de retracer les conditions dans lesquelles on en vient à déceler l'emprunt de structures musicales dans l'analyse des oeuvres littéraires, depuis les balbutiements de cette pratique dans la période symboliste jusqu’au repérage d’une forme symphonique ou fuguée dans les oeuvres de Proust, Gide,Woolf, Huxley ou Joyce. Dans une première période qui coïncide avec la fin du symbolisme en France (1890-1910), les nébuleuses métaphoriques gravitant autour des termes "musique", "symphonie" et "leitmotiv" permettent au discours critique sur la littérature de reposer différemment la question des rapports entre forme et signification et de s'émanciper des critères de la rhétorique classique. Entre 1910 et 1930, dans les milieux cosmopolites bergsoniens de la NRF, du Mercure de France, de the Athenaeum et du Times Literary Supplement, les métaphores de la symphonie et de l’harmonie participent comme métaphores de l'organique d’une lecture postromantique des oeuvres dans laquelle les notions de thème, de rythme et de variation déconstruisent les critères classiques d'intrigue, d'unité et de discontinuité. Bien que les métaphores musicales, dominées par les figures tutélaires de Beethoven, de Bach et de Wagner, restent entre 1930 et 1940 largement fondées sur l'usage du calembour, de l'antonomase et de l'hyperbole, les critères d'analyse musicologiques de la symphonie, de la variation et de la fugue s’intègrent progressivement au discours critique comme un outil de lecture formel et structurel, qui permet d’aborder les structures complexes et déroutantes des grands romans de la modernité
This work analyses how French and English literary critics from 1890 to 1940 borrow musical structures in order to explain literary texts. We consider how the role, the meanings and the function of musical metaphors in critical discourse evolve from the infancy of this practice to the reading of musical structures in works of Marcel Proust, Aldous Huxley, James Joyce and Virginia Woolf. In the first period considered (1890-1910), at the end of the Symbolist period, the metaphors of the symphony and leitmotiv allow the French Symbolists to define their own literary ideal, to move away from classical rhetoric towards a new relation between form and signification. Thereafter, the use of musical metaphors in literary criticism is associated with deconstruction of classical rules governing plot, continuity and unity. The critics of the second period (1910-1930), who conveyed a post-romantic conception of form, used terms such as "theme", "rhythm", and "variation" to describe formal and structural literary devices by using play-on-words, hyperbole and antonomasia. Borrowing features from the musicological analysis of the fugue, the symphony and musical variation, which they reframe as reading criteria, the critics of the 1930s help read modernist novels of the beginning of the twentieth century

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Mahot, Boudias Florian. "La Poésie insupportable : politiques de la littérature dans l’entre-deux-guerres européen, autour de L. Aragon, W. H. Auden et B. Brecht". Thesis, Paris 10, 2013. http://www.theses.fr/2013PA100131.

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Se dégageant du point de vue spiritualiste et idéaliste caractérisant la critique poétique contemporaine, ce travail vise à remettre en question la conception d'une poésie par principe détachée de tout enjeu politique et prend en charge des textes en partie exclus du canon poétique. Centré sur la politisation des poésies françaises, anglaises et allemandes dans l’entre-deux-guerres européen, le projet est historique et dresse une vision globale mais analytique des liens entre la poésie et la politique d’un point de vue à la fois théorique et historique. Le corpus central réunit L. Aragon, W. H. Auden et Bertolt Brecht et s’étend ponctuellement à A. Breton, X. de Magallon, S. Spender, C. Day Lewis, T. S. Eliot, E. Pound, W. Lewis, G. Benn, V. Maïakovski, R. Alberti, etc. Les trois auteurs principaux permettent une aisance méthodologique et conduisent l’évocation des réseaux littéraires européens et de certains effets de réception. L’étude prend aussi en compte certains titres de presse et revues littéraires variés (La N.R.f., Commune, Eurydice, The Criterion, The Left Review, Die neue Rundschau, Das Wort, etc.). La première partie de l’étude dresse un tableau historique des incompatibilités entre le genre poétique et l’exercice de la politique dans l’entre-deux-guerres, autour des querelles sur la « propagande » et la « poésie pure ». Analytique, la deuxième étudie les stratégies de l’inscription historique et de l’action politique à l’œuvre dans l’écriture et la publication des textes. La troisième partie livre un questionnement théorique sur le lien entre les poètes politiques et le temps en étudiant d’abord leur rapport avec la poésie des siècles précédents puis leurs relations aux théories modernistes de l’autonomie et au programme politique des avant-gardes
Leaving behind the spiritualist and idealist method which is frequent in poetry criticism nowadays, this dissertation aims to challenge the model of an essentially non-political poetry. It adopts both a historical and theoretical approach and focuses on so-called minor poems or poems that were later on excluded from the literary canon. Focused on France, Britain and Germany between the two World Wars, it presents how poets became politicized and how they conceived of the links between poetry and politics between 1918 and 1939. The main corpus is composed of L. Aragon, W. H. Auden and Bertolt Brecht but also extends to A. Breton, X. de Magallon, S. Spender, C. Day Lewis, T. S. Eliot, E. Pound, W. Lewis, G. Benn and even V. Mayakovski and R. Alberti, etc. The three main authors should be considered as centres to explore the European literary networks and describe reception effects. The project also encompasses various newspapers, magazines and literary journals (La N.R.f., Commune, Eurydice, The Criterion, The Left Review, Die neue Rundschau, Das Wort, etc.). The first part of this research is historical and establishes how poets and critics quarrelled about the notions of “propaganda” and “pure poetry” over the period. The second part is analytical and delves into how poets evoke contemporary history and how they use writing and publishing strategies to make their poems more effective in the public space. The third part is more theoretical and depicts how poets conceived their own historicity, how they positioned themselves with respect to the poetry of the past, to contemporary modernist theories of artistic autonomy and to the political programmes of the Avant-Garde

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Isal, Florelle. "Poésie et synesthésie dans l'oeuvre de Charles Baudelaire ˸ une poétique de la totalité entre imagination sensible et savoir". Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030017.

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La présente étude se propose d’éclairer la signification des Correspondances baudelairiennes selon une méthode qui associe une lecture attentive à l’inscription du sensible dans les textes et une approche inter-disciplinaire. Le vers : « Les parfums, les couleurs et les sons se répondent », doit être réinterprété au regard de l’ensemble de l’œuvre de Baudelaire. Existe-t-il une doctrine des Correspondances qui relèverait d’un principe invariable ou faut-il davantage parler de crise de l’analogie en ce sens que Baudelaire penserait avoir atteint les limites de ce mode d’expression ? La mobilité des Correspondances pose la question de l’unité du monde, principe fondateur de l’analogie universelle. Après une étude généalogique mettant en lumière le projet de configuration du monde propre aux principaux paradigmes analogiques depuis l’Antiquité jusqu’au romantisme, l’analyse de poèmes des Fleurs du Mal révèle le désir de représenter le monde dans sa totalité selon cet héritage. Mais l’idéalisme baudelairien n’étant pas compatible avec la société industrielle et positiviste du Second Empire, Baudelaire, particulièrement dans le Spleen de Paris, recompose l’unité en tissant de nouvelles relations entre l’homme et le monde qui subliment ainsi la modernité. Les synesthésies apparaissent alors comme une « science du sentir » efficiente grâce au travail de l’imagination. Cette « reine des facultés » comble les vides laissés par la science et rend littéralement sensible la réalité entrevue grâce aux images suggestives qui entrainent le lecteur dans une ivresse lyrique hybride. Il convient enfin de proposer une herméneutique du geste créateur baudelairien interrogeant la fonction épistémologique d’une poésie des sens. Ainsi, cette thèse vise à mettre en évidence l’existence d’une écriture synesthésique non seulement destinée à émouvoir, mais aussi capable d’être un outil efficace de connaissance du monde et de soi. L’accès au savoir se crée chez le poète par un voyage rétrospectif mais surtout par fertilisations de temporalités croisées. Les synesthésies participent ainsi à la création d’une écriture nomade qui épouse les accidents du présent de la vie dans toute son énergie
The present study proposes to shed light upon the meaning of Baudelaire’s Correspondances using a method that incorporates a close reading of passages involving the senses in the text and a cross-disciplinary approach. Our objective is to reinterpret the verse “Colors, sounds and perfumes respond as one” using the entirety of Baudelaire’s works. Does there exist a doctrine of Correspondances that would acts as an unvarying principle or is it preferable to see the question in terms of the crisis of analogy, with Baudelaire having attained the limits of this mode of expression? The mobility of the Correspondances invites us to question ourselves about the unity of the world, founding principle of the universal analogy. After a genealogical study highlighting the configuration of the world innate to the principal analogical paradigms from Antiquity to Romanticism, an analysis of Les Fleurs du Mal reveals the aspiration to portray the world in its totality in this tradition. However, as Baudelairean idealism is not compatible with industrial and positivist France of the Second Empire, Baudelaire, particularly in Spleen de Paris, attempts to recreate unity by weaving a web of new relations that are possible between humans and the world, thus beautifying modernity. Synesthesias thus appear as a “science of the senses” made efficient by the imagination. This “queen of faculties” fills the holes left by science and makes glimpses of reality literally perceptible thanks to evocative imagery that lead the reader into a hybridized lyrical euphoria. Finally, we sketch a hermeneutics of the Baudelairean creative act that examines the epistemological function of a poetry of the senses. As such, this thesis aims to highlight the existence of a synesthetic writing not only intended to move the reader, but also to be a tool that can be used to understand the world and one’s self. The poet’s access to knowledge is created by a retrospective voyage but also especially by alternating temporalities rich in meaning. Synesthesias thus allow for the creation of a nomadic writing that vigorously enters into and embraces the accidents of the present and of life

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Bohui, Djedje Hilaire. "Forme et fonction de l'expression du haut degré dans deux oeuvres d'Ahmadou Kourouma". Clermont-Ferrand 2, 1995. http://www.theses.fr/1995CLF20079.

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Loin de la célébration oecuménique et de l'idéalisation négritudiennes de l'Afrique pré-coloniale et du culte du français normatif par les écrivains de sa génération, Kourouma élabore une nouvelle esthétique romanesque délibérement iconoclaste. Tentative de synthèse entre la tradition orale et l'écriture romanesque classique, l'esthétique kouroumienne se situe dans une problématique énonciative. Si l'objet d'étude est l'expression du haut degré, le but du travail est double. Il s'agit d'abord de montrer l'influence de la tradition orale sur le style du romancier à travers la présence obsédante de l'hyperbole dans la narration mais aussi, le travail se propose de montrer, grâce à la description du mécanisme d'expressivité linguistique en général, comment la question essentielle de la recherche d'une certaine crédibilité discursive est résolue. Ainsi sont abordés entre autres sujets, le problème des interférences et des particularismes linguistiques constituant l'ossature de l'esthétique kouroumienne, mais aussi les problèmes de synonymie, polysémie, création lexicale. C'est une étude de sémantique linguistique qui, sans prétention d'exhauxtivité, traite à la fois des questions de syntaxe expressive et affective, de grammaire et surtout, des conditions psychologiques et socioculturelles de l'énonciation
Far from the oecumenical celebration and the negritudian idealization of pre-colonial africa on the one hand, and the worship of formal franch language made from writers of his generation on the other hand, kourouma elaborates a new and deliberately inconoclastic and novelistic aesthetics in his novels. Half-way between oral tradition and classical novel writing, kouroumian aesthetics is embeded in an enunciative problematic. If the ultimate goal of this study is the expression of high degree, our approch is double-sided : showing the influence of oral tradition on the novelist's writing through his excessive use of hyperbole in the narration ; showing, by the description of linguistic expressiveness mechanism, in general, how the essential concern of the quest for a discursive credibility is solved. Among other subjects, we deal here with the frame of kouroumian aesthetics, that is, the problem of linguistic interferences and peculiarities, the problem of synonyms, polysemy and lexical creation. Un other words, without pretending to be exhaustive, this linguistic and semantic study intends to answer the questions of expressive and affective syntax, of grammar and, above all, of psychological and socio-cultural conditions of enunciation

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Wallon, Rémi. "La musique du fond des choses : destruction, savoir et création dans les écrits de Louis-Ferdinand Céline". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCC250/document.

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Cette thèse étudie les liens qui s'établissent entre destruction, savoir et création dans l'ensemble des écrits de Céline (romans, pamphlets, écrits de jeunesse, correspondance) pour montrer comment la création y est conçue comme l'expression d'une vérité fuyante et brutale destinée à échapper aux supposés savants. On comprend mieux les évolutions du désir de « connaître et savoir » manifesté dès 1912 et les voies qu'empruntent progressivement les recherches littéraires de Céline en comparant ses écrits à un certain nombre de textes parfois méconnus dont ils se nourrissent : la revue Le Correspondant pendant son séjour en Afrique, les articles du metteur en scène Charles Dullin au moment de la rédaction de Voyage au bout de la nuit, les ouvrages de l'historien de l'art Élie Faure dans les années trente, puis, après la seconde guerre mondiale, des textes qui datent de la Belle-Époque, qu'il s'agisse de vieux numéros de la Revue des Deux Mondes ou d'ouvrages du philosophe Théodule Ribot. La comparaison des écrits de Céline avec ces textes très divers permet de voir que l'écrivain y découvre un certain nombre d'idées qu'il fait siennes, transforme ou renverse pour faire du savoir presque absolu qu'il revendique souvent une arme littéraire destinée à le faire triompher de ceux qu'il considère comme des usurpateurs ou de faux savants – au premier rang desquels se trouvent ses contemporains, qu'ils soient simples lecteurs, médecins, critiques littéraires ou écrivains
This dissertation focuses on the links between destruction, knowledge and creation in all of Céline's writings (novels, lampoons, early writings, letters), in which knowledge is often depicted as the expression of an elusive and brutal truth so-called scholars are unable to find. It is easier to understand the evolution of this absolute desire to know, expressed by Céline very early on, and to examine his literary innovations when we compare his books to several texts, sometimes little-known, that he was a great reader of : the review Le Correspondant that he used to read during his stay in Africa, the articles of the director Charles Dullin when he was writing Journey to the End of the Night, the books of the art historian Élie Faure in the 1930s, and, after World War II, texts that are typical of the Belle-Époque, such as old issues of the Revue des Deux Mondes or the works of the philosopher Théodule Ribot. The comparison between Céline's writings and these very diverse sources shows where Céline discovers and how he appropriates, transforms or reverses many of the ideas he uses in his books, in which he often tries to make a literary weapon out of this one-of-a-kind knowledge he claims to possess

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Cournoyer, Jessica. "Les Amazones entre deux mondes : sur l’ambiguïté de la caractérisation des Amazones dans la littérature antique". Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26099.

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Dans le présent mémoire, nous démontrons que les Amazones, dont les auteurs anciens ont abondamment traité tout au long de l’Antiquité, ne peuvent être réduites aux termes « Barbares », « femmes » et « guerrières ». En effet, une étude des sources anciennes montre que leur représentation se situe systématiquement aux limites entre ces trois catégories et leur parfait opposé. De ce fait, elles ne peuvent appartenir pleinement à aucun de ces groupes. Les historiens les ont décrites avec des mœurs barbares, comme leur alimentation ou leur place en tant que femmes dans la société, mais les noms et les dieux des Amazones sont résolument grecs. De plus, bien qu’elles remplissent les mêmes rôles que les monstres dans les cycles héroïques, les Amazones possèdent des caractéristiques propres aux héros et font l’objet, dans certains textes, d’un traitement similaire aux héros qu’elles affrontent. Elles sont ainsi à la fois Barbares et Grecques, femmes et hommes, ennemis et héroïnes.

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Le, Guellec Léa. "Frontières et entre-deux : traduire et comprendre les "lignes" dans trois recueils d'Alice Munro". Electronic Thesis or Diss., Normandie, 2022. http://www.theses.fr/2022NORMR073.

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L’œuvre de la nouvelliste canadienne Alice Munro, striée de lignes, est parcourue de multiples tensions. Dans cette thèse, je propose de traduire trois de ses recueils (Lives of Girls and Women [1971], Something I’ve Been Meaning to Tell You [1974] et Who Do You Think You Are? [1978]) et d’étudier ce passage vers le français au prisme de la ligne, qui s’inscrit ici dans une troisième voie possible, entre traductions sourcière et cibliste. Il s’agit de retranscrire ces textes tout en suggestions et non-dits, sans dénaturer l’univers de l’autrice par un trop-plein d’explicitations, et de trouver un équilibre entre la facilité à comprendre pour le lecteur d’une part et la fidélité à l’esprit de l’œuvre, d’autre part. La traduction requérant un regard au plus près du texte, ce travail s’accompagne d’une analyse littéraire de ces ouvrages. Cette étude s’articule autour de quatre axes : les lignes prennent tour à tour les formes de frontières délimitant l’espace diégétique, d’une séparation entre hommes et femmes issue d’un modèle patriarcal, de divisions sociétales plus larges, et d’une limite floue entre fiction et réalité. Cette thèse vise ainsi à interroger ce qui se trouve de part et d’autre de ces lignes, mais surtout à ce qui se développe dans cet entre-deux
The work of Canadian short-story writer Alice Munro is filled with lines and tensions. For this thesis, I translated three of her collections of short stories (Lives of Girls and Women [1971], Something I’ve Been Meaning to Tell You [1974] et Who Do You Think You Are? [1978]) and studied these translations through the lens of the line, trying to find a third path between source-oriented and target-oriented translations. I attempt to transcribe these texts which largely rely on the implicit and the non-said, without altering Munro’s created worlds by over-explaining, and to find a balance between facilitating the reader’s understanding and remaining faithful to the spirit of Munro’s stories. Since translation requires a close scrutiny of the text, this work goes hand in hand with a literary analysis of the collections. This study follows four lines, embodying in turn the borders demarcating the diegetic space, the patriarchal separation between men and women, larger societal divisions, and finally the blurred boundaries between fiction and reality. This thesis thus aims to consider what lies on each side of those lines, but especially what develops in between

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Pigeon, Jean-Jacques. "Peinture : pas de deux : une tentative de radicalisation du mode binaire en peinture, ou la rêverie du Deux". Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010658.

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La pratique picturale dont le corpus est constitué de deux ensembles de tableaux, balustre et nœuds et carré(s), sollicite le nombre deux. Deux est la première répétition du un, indication d'une différence, cette différence qui ajoute la réplication à la répétition et engage un travail en série marquant le pas devant la suite. A l'image de narcisse et dibutades, les deux séries cherchent à retrouver l'ontologie de la peinture. Entre le miroir et l'ombre, entre le dessin et la peinture-couleur, un "pas de deux" a lieu. Mais en-deça de la représentation se manifeste la question du formalisme. A cheval entre deux formalismes, l'avancée se fait de biais et dévoile l'importance de la structure bi-partite comme procédé opératoire. Le structuralisme n'est pas pour autant convoqué, reste que le structurel conduit les deux séries vers le un. Face au deux, le spectateur serait l'acteur déterminant d'un "pas de trois". Le mouvement de son regard entre les parties autorise un rapprochement nuance avec le montage cinématographique. Le spectateur se tiendrait sur la "ligne-seuil" qui guiderait l'errance du regard. Le principe duel des tableaux semble gommer tout présuppose unitaire alors que la coalescence rend visible le un dans la négation du deux. L'hypothèse duelle s'épanouit et s'étiole là où cela s'articule, dans l'entre-deux !
The painting practice which is splitted in two kinds of pictures, balusters and knots and square(s), requests the number two. Two is the first repetition of one, indicating a difference, this difference adds the reply on the repetition and engages a serial work stoppying in front of suite. Like narcisse and dibutades the two series are looking for the ontology of the painting. Between mirror and shadow, between drawing and painting, a "pas de deux" is taking place. But behind the representation the question of formalism occurs. Between two kinds of formalisms the sidelong progression reveals the main thing : the two parts structure as an operating process. Nevertheless the structuralism is not appointed and the "structurel" leads the two series to the one. Facing the two, the spectator would become a deciding actor for a "pas de trois". The movement of his eyes between the parts allows a nice comparison with the cinema's setting up. The spectator would be standing in the "door-step-line" which gives a guide, line for the wandering eye. The duel principle of the pictures seems to erase all unit presupposition when the "coalescence" put in light the one in the negation of the two. The duel hypothesis is brighting and withering away precisely at the jointure in the in-between

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Boully, Fabien. ""Entre deux personnes" : esthétique de la co-présence dans la quatrième période du cinéma de Philippe Garrel". Lyon 2, 2004. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2004/boully_f.

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La quatrième période du cinéma de Philippe Garrel comporte cinq films : Les Baisers de secours, J'entends plus la guitare, La Naissance de l'amour, Le Coeur fantôme et Le Vent de la nuit. Elle accorde une place privilégiée aux situations dramatiques entre deux personnes. Le parti pris de cette étude est de considérer que l'"entre deux personnes", expression employée sous forme substantivée, constitue un objet problématique, servant d'appui à une exploration analytique. Sous la diversité de ses incarnations possibles (entre deux femmes, entre père et fils, entre deux amants, etc. ), l'"entre deux personnes" peut se ramener à des dimensions fondamentales qui retiennent toute l'attention de l'étude : la co-présence, les rapports interindividuels, les interactions, les échanges de parole et l'entre-deux. La posture adoptée est celle d'une analyse esthétique en situation de réception. L'étude est divisée en huit chapitres qui abordent l'"entre deux personnes" sous un angle spécifique. C'est ainsi que sont envisagées les raisons stylistiques pour lesquelles l'"entre deux personnes" possède un relief particulier dans la quatrième période, autant que les processus symboliques de construction de la co-présence. De même, le rapport problématique qui peut s'établir entre la caméra et l'"entre deux personnes" est soumis à l'analyse, comme l'est aussi la place des "entre deux personnes" dans la narration garrelienne. Les dimensions de l'"entre deux corps", de l'"entre deux visages" et de l'"entre deux voix" constituent enfin des étapes essentielles de l'étude, avant qu'elle ne s'achève sur l'"espace entre" deux personnes, point nodal de l'esthétique garrelienne.

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Bennis, Abdelaziz. "Andre malraux : histoire d'un parcours entre deux tentations croisees : le realisme journalistique et le monde imaginaire du mythomane". Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030098.

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Longtemps mesestime par la critique, l'element journalistique joue pourtant un role majeur dans l'oeuvre d'andre malraux. Cette etude se fixe un double objectif : le premier consiste essentiellement a examiner la place qu'occupent les differentes formes journalistiques dans l'activite et la reflexion litteraires d'un ecrivain se situant a la jonction du fictif et du reel ; le deuxieme s'efforce de porter un regard nouveau sur un createur pris dans la gangue des evenements historiques. La these evoque un parcours qui permet de comprendre les diverses modalites de la connivence, de la filiation et des ecarts entre quelques textes malruciens et les principales donnees qui caracterisent l'esthetique du journalisme. Le reportage, ce discours contraignant, ne pouvait offrir a l'imaginaire d'un contemporain de l'intemporel de la stature de malraux, le modele d'une ecriture a la hauteur de ses ambitions et de ses interrogations fondamentales sur l'humaine condition.

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Blouin-Bradette, Jessye y Jessye Blouin-Bradette. "7 nuits : Hétéro ou homo : entre les deux la diégèse balance : étude du rapport au personnage à travers la narration". Master's thesis, Université Laval, 2013. http://hdl.handle.net/20.500.11794/23990.

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Debaene, Vincent. "Les Deux Livres de l'ethnographe : l'éthnologie française au XXe siècle: entre science et littérature". Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040209.

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Ce travail s’attache à retracer l’histoire des rapports entre la littérature et les sciences de l’homme en France au cours du XXe siècle, à partir d’une discipline particulière, l’ethnologie, et d’un phénomène singulier : la publication, par nombre d’ethnographes de la première génération, de deux ouvrages, l’un « scientifique », l’autre « littéraire ». Les cas les plus célèbres sont ceux de Michel Leiris qui écrit, d’une part, L’Afrique fantôme (1934) et, d’autre part, La Langue secrète des Dogons de Sanga (1938), et de Claude Lévi-Strauss qui, d’un côté, publie La Vie familiale et sociale des Indiens Nambikwara (1948) et, de l’autre, Tristes tropiques (1955). Ce ne sont cependant pas les seuls ; on trouve aussi ce « face-à-face » entre science et littérature chez Alfred Métraux, Marcel Griaule, Jacques Soustelle, etc. Après un premier moment qui envisage la fondation de l’ethnologie, et un second qui situe la discipline dans le contexte du genre voyage au XXe siècle, la partie centrale de la thèse est consacrée à une à la fois enquête historique et épistémologique qui lit l’émergence des sciences de l’homme comme le dernier prolongement de la crise des Belles-Lettres, entamée à la charnière des XVIIIe et XIXe siècles, moment à partir duquel s’est instituée l’opposition entre science et littérature. Elle relate et analyse un processus complexe de « dépossession de l’artiste par le savant », selon une formule de Lanson, par lequel les sciences humaines s’approprient un domaine jusque là réservé à la littérature – la connaissance de l’homme – et achèvent de défaire la solidarité entre littérature et anthropologie autrefois assurée par la rhétorique. La quatrième partie nuance ce constat pessimiste en détaillant, à partir des œuvres de Leiris et Lévi-Strauss, l’articulation qui, ponctuellement, peut lier une pratique littéraire et un discours scientifique
This study reviews the history of the relationship between literature and the social sciences in France during the 20th century from the vantage point of a particular discipline, ethnology. It is a striking fact that several members of the first generation of ethnographers published two books, one “literary”, one “scientific”. The most famous cases are those of Michel Leiris, author of L’Afrique fantôme (1934) and of La Langue secrète des Dogons de Sanga (1938), and Claude Lévi-Strauss, who wrote both La Vie familiale et sociale des Indiens Nambikwara (1948) and Tristes tropiques (1955). There is further proof of this inter-disciplinary confrontation between science and literature in the work of Alfred Métraux, Marcel Griaule, and Jacques Soustelle, among others. The first part of this study considers the foundation of the ethnology; a second part locates the discipline in the context of travel-writing in the twentieth century. The central part of the thesis is then devoted to an historical and epistemological investigation which interprets the emergence of the social sciences in terms of a final prolongation of the crisis of “Belles-Lettres”, the crisis which began at the turn of the nineteenth century (during the years in which the opposition between science and literature began to crystallise). What is at stake here is a complex process whereby "the artist was dispossesed by the scientist" (Lanson), whereby the social sciences came to adapt the knowledge of man hitherto reserved to literature and so dissolve the ties between literature and anthropology that had formerly been sustained by rhetoric. A fourth and final part of the thesis qualifies this pessimistic assessment by analysing in more detail the modes of articulation that, in practice, may relate literary writing and scientific speech

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Bolduc, Alexandre. "Pour une critique éthique en littérature entre le meurtre et la dignité ; représentation de l'euthanasie dans deux romans contemporains". Mémoire, Université de Sherbrooke, 2012. http://hdl.handle.net/11143/5709.

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Le mémoire se présente comme une défense de la critique éthique en littérature telle que définie dans les travaux de Wayne Booth et Martha Nussbaum, notamment The Company We Keep: An Ethics of Fiction et Love's Knowledge: Essays on Philosophy and Literature . Une méthode empruntant à Wayne Booth (pour l'étude de l'auteur implicite et de la rhétorique), à Vincent Jouve (pour l'étude des personnages) et à Paul Larrivaille (pour l'étude de la structure causale de l'histoire) est d'abord élaborée. Puis, afin de montrer la validité de cette méthode et de la critique éthique en général, elle est appliquée à l'étude de deux romans : Contre coeur d'Anna Quindlen et Miséricorde de Linn Ullmann. Les deux romans sont avant tout choisis parce qu'ils partagent le thème de l'euthanasie et que le choix d'un tel thème si radicalement éloigné de considérations purement esthétiques ou littéraires participe à montrer que la fiction n'est pas exclusivement autoréférentielle, mais qu'au contraire elle touche l'existence réelle du lecteur et opère une influence véritable sur ses réflexions éthiques. Plus précisément, l'entreprise est ici d'explorer à l'aide d'un nouvel appareil d'analyse la manière dont les romans opèrent par leur propos mais surtout par leur forme une influence sur l'éthique du lecteur.

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Lemaire, Candice. "Esthétique de l’écart dans l’œuvre poétique de Robert Frost". Thesis, Toulouse 2, 2012. http://www.theses.fr/2012TOU20130.

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Du recueil A Boy’s Will (1913) au recueil In the Clearing (1962), l’œuvre du poète américain Robert Frost (1874-1963) déploie sa réflexion sur le concept d’écart, et le présente comme principe majeur de son esthétique et de sa stratégie d’écriture. Utilisant une approche fondée sur la micro-lecture des poèmes, cette thèse entend mettre en lumière la richesse d'une thématique frostienne qui permet de repenser la dialectique entre centre et marge à différents niveaux d'analyse : cette dialectique semble à l’œuvre non seulement dans la représentation poétique des espaces nord-américains mais aussi dans le rapport des textes à l'espace métaphorique du canon, ainsi que dans l'ambiguë mise en scène du sujet dans son rapport aux espaces intime, social et politique. Nous souhaitons montrer que le poète et les personae multiples qu’il adopte au fil des recueils privilégient un positionnement détaché, qui n’est ni complètement au centre ni complètement à l’écart, mais pour ainsi dire dans l’écart. Cette position de léger retrait, à la fois sereine et équilibriste, dessine ainsi un triple autoportrait du poète. Il fait le portrait d’un artiste chez qui la tension entre tradition et modernité, entre formes fixes et libre expérimentation, relève d'une position compliquée et féconde, qui permet à Frost de se situer à la fois à l'intérieur et légèrement à l'écart du genre de la poésie pastorale ; d'autre part, il esquisse le portrait « bougé » d'un sujet en mouvement au sein du paysage de Nouvelle-Angleterre, sujet que des tentatives d’ancrage dans certains territoires installent dans une position de voisinage méfiant avec son prochain, à la fois contre les autres et tout contre eux. Enfin, l’œuvre laisse apparaître en filigrane l’autoportrait d’un Américain utilisant la stratégie de l’écart dans l’habile mise en scène de sa propre iconisation
From the collection A Boy’s Will (1913) to the collection In the Clearing (1962), the works of American poet Robert Frost (1874-1963) can be viewed as a reflection on the concept of deviation, presenting it as a major principle in his aesthetics and writing strategy. This doctoral dissertation provides a close reading of many poems, with a view to highlighting the highly seminal quality of the Frostian theme of the slight deviation, which allows one to rethink the dialectic between the center and the margins at different levels of analysis. This dialectic appears not only in the poetic representation of North American space, but also in the established connection between the texts and the metaphorical space of the canon, as well as in the ambiguous presentation of the poetic figure in relation to the intimate, social or political spheres. We wish to show that the poet together with the multiple personae that he uses in the collected poems, favor a specific vantage point, a detached position which is neither in the center nor completely in the margin, but rather within the limits delineated by some deviation. This slightly withdrawn position, which is both dispassionate and perilous, sketches out a triple self-portrait of the poet. It is the self-portrait of an artist for whom the tension between tradition and modernity, between fixed forms and free poetic experiments, creates a complicated but fertile position which allows Frost to position himself both within, and slightly on the margin of, the genre of pastoral poetry. Frost's poems also depict the portrait of a moving poetic figure in the New England landscape, a figure who is put, because of his attempts at settling in certain territories, in a situation where neighbors are both aware and wary of each other. Lastly, the poems could be regarded as the self-portrait of an American posturing as a marginal figure in the skillful staging of his own iconization

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Veillon, Charlène. "Mythes personnels et mythes pluriels dans l'oeuvre de Kimiko Yoshida : une esthétique de l'entre-deux, 1995-2012". Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010510.

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L'œuvre principalement photographique de Kimiko Yoshida (née le 23 juin 1963 au Japon et installée en France depuis 1995) se fonde sur la création de « mythes» à travers ses autoportraits. Les « mythes du Photographe» à l'origine des « fonctions» de son œuvre - visant entre autres à « informer, représenter, surprendre, faire signifier, donner envie» selon Roland Barthes dans La chambre claire - trouvent leurs sources dans la société, la culture, l'époque auxquelles l'artiste appartient et par conséquent également dans ce qui touche à la singularité de la personnalité, du vécu, de l'histoire à l'échelle intime de celui-ci. De fait, le titre général de cette étude énonce une quête des « mythes personnels et pluriels dans l'œuvre de Kimiko Yoshida », dont le thème de « rentre-deux» constitue la posture esthétique majeure, l'artiste et son œuvre se trouvant entre Japon et Occident, entre figuration et abstraction, entre réalité et fiction, entre citation et transgression. Ce discours fictionnel par l'image et dans l'image subit différentes métamorphoses qui forment les quatre axes fondateurs de la thèse, à savoir l'entre-deux particulier du « personnage conceptuel» défini par Gilles Deleuze et Félix Guattari dans Qu'est-ce que la philosophie / appliqué à la « signature» Kimiko Yoshida : l'étude d'un entre-deux géographique et culturel définissant un « syncrétisme» artistique singulier: les illustrations des différentes dimensions spatio-temporelles perceptibles dans l ' œuvre de Kimiko Yoshida, notamment à travers les (enjeux des couleurs des images : et l'interrogation concernant la place du sujet à l'image, entre trace et absence
The work of Kimiko Yoshida (born on June 23rd, 1963, in Japan and living in France since 1995), mainly based on photography, is founded on the creation of « myths ». This study is about searching, defining and analysing the « functions » of Kimiko Yoshida's self-portraits. The « myths of the Photographer », at the origins of her work's functions - aiming. amongst others, to « inform, represent, surprise, signify, create desire» according to Roland Barthes' Camera Lucida - are rooted in the society, the culture and the time the artist belongs to, and as a consequence also in the singularity of his/her personality, experience, and intimate story. Thus, the general title of this study brings forwards a research of « personal and plural myths in Kimiko Yoshida's work of art», whose topic of the « in-between » is the main aesthetic position, the artist and her work situated between Japan and the West between representation and abstraction, between reality and fiction, between quotation and transgression. The fictional speech through and in the image undergoes several transformations which make up the four founding lines of this thesis, that is to say the distinctive in-between of the « conceptual character » defined by Gilles Deleuze and Félix Guattari in Whut is Philosophy ) applied to Kirniko Yoshida's name : the study of a geographical and cultural in-between defining a singular artistic « syncretism » : the illustrations of the several perceptible space-time dimensions in Kimiko Yoshida's work, notably through the games/aims of the images' colours : and the questioning about the subject in the image, between trace and absence

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Belfkih, Rachida. "Approche sémiotique du voyage entre le réel et l'imaginaire dans deux romans marocains (La prière de l'absent de Tahar Ben Jelloun et Légende et vie d'Agoun'chich de Mohammed Khai͏̈r-Eddine)". Toulouse 2, 1993. http://www.theses.fr/1993TOU20060.

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La presente recherche a unbut theorico-analytique. Elle s'ouvre par une presentation generale de la theorie semiotique telle qu'elle a ete elaboree par a. J. Greimas et j. Courtes. Elle retrace entre autre,les principes fondamentaux duchamp conceptuel semiotique, a savoir, les niveaux d'analyse, la theorie des modalites et plus particulierement les modalites veridictoires et epistemiques. La partie analytique se focalise sur le theme du voyage. Un itineraire de devoilement de contestation, mais aussi de desillusion, puisqu'il depasse l'espace pour atteindre l'etre et les racines. En s'inscrivant dans l'espace marocain, le voyage s'effectue du nord au sud dans le roman de tahar ben jelloun : "la priere de l'absent" de mohammed khair-eddine. Dans le sens inverse dans "legende et vie d'agoun'chich" de mohammed khair-eddine. Deux parcours initiatiques opposes, jalonnes de valeurs ou le reel et l'imaginaire s'excluent, mais se confondent et s'imbriquent aussi pour traduire le dechirement et la recherche permanente de l'identite
The present research has both a theoritical and analytical end. It starts by a general presentation of the semiotic theory as it has been elaborated by a. J. Greimas and j. Courtes. It traces, among others, the fondamental principles of the conceptual field of semiotics : level analysis, the theory of modalities and more particulary the epestimic and veracious modalities. The analytic part focuses on the theme of travelling. An itinerary of unveiling, protest, as well as disillusion, since it goes beyond space to reach the being and the roots. In keeping with the moroccan space, one travels from north south in t. Benjelloun's novel "the absent's prayer", whereas it takes the opposite way in m. Khair-eddine's novel "legend and life of agoun'chich". Two opposite initiatory itineraries marked by values where the real and the imaginary are excluded mutually ; nonetheless they merge together and overlap to convey the rift and the constant search for identity

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Cala, Estelle. "L'insularité comme intervalle créateur : poïétique des structures insulaires". Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H324.

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Cette thèse d’arts plastiques s’appuie sur ma pratique personnelle. Toutes deux interrogent les contradictions que soulèvent le concept d’insularité et la conscience d’être sur une île qui détermine la condition insulaire (Bonnemaison, Péron). Le rapport à l’extériorité parait ici primordial. Entre ouverture et enfermement : entre l’ici et l’ailleurs, l’eau qui borde l’île est source de tensions. Par cette apparition d’un lointain si proche soit-il (Benjamin) du lieu ou du non-lieu (Augé), l’insularité relève d’un intervalle qui nous interroge et nous fascine. Dans l’île mais aussi dans l’œuvre d’art, qu’est-ce qui lui donnesa forme, en définitive ? Ma production personnelle qui met en jeu transparences, stratifications et décalages convoque l’intervalité. Elle sous-tend des questionnements que nous développerons à la lumière de théories esthétiques déterminantes. Il s’agit de vérifier l’hypothèse selon laquelle les tensions de l’insularité ouvrent à la création artistique. Nous étudierons des structures insulaires comme celle du désert et du labyrinthe (Jabès, Parmiggiani). Les ruptures et liens rhizomatiques (Deleuze) conditionnent toute démarche créatrice. L’enjeu, à la lumière de théories reposant sur l’étude des entre-deux, qu’ils soient physiques (Lestocart), anthropologiques (Buci-Glucksmann), ou encore psychanalytiques (Winnicott), est de mettre au jour les conditions de manifestation des phénomènes poïétiques. L’élucidation des contradictions insulaires et artistiques représente un itinéraire complexe, reposant sur plusieurs niveaux d’interprétation simultanés. Du champ sémantique proposé émerge alors l’expérience artistique et inversement. A l’instar des réseaux mondiaux, les ramifications de cette réflexion sur l’insularité nous mèneront au dépassement de la conscience rhizomatique de nos conditions d’existence stratifiées par des intervalles ; conscience que nous nommerons « l’espace de conciliation »
This thesis is based on my personal practice. Both of them interrogate the contradictions triggered by the concept of insularity and the awareness of being on an island, which determines the condition of insularity (Bonnemaison, Péron). Here, the relation to exteriority appears to be essential. Between the here and the elsewhere, between openness and confinement : the water surrounding the island is a source of tension. Withthe apparition of a distance, however near it may be (Benjamin), of a place or a non-place (Augé), the insularity involves an interval that questions and fascinates us. How does the insularity eventually shape the island and the work of art ? My work attempts to answer this question through the use of transparencies, stratifications and displacements, which summons up the concept of intervality. Questionnings stemming from this concept will bedevelopped in the light of decisive aesthetic theories. My attempt is to test the assumption that tensions emerging from insularity enable artistic creation. My study will ponder on insular structures such as the desert and the labyrinth (Jabès, Parmiggiani), and on the ways splits and rhizomatic links influence all artistic process. My goal is to highlight the conditions in which these poietic phenomena may arise, using theories drawing upon thestudy of in-betweens, be they physical (Lestocart), anthropological (Buci-Glucksmann) or psychoanalytical (Lacan). Solving insular and artistic contradictions involves a complex route building on several simultaneous levels of interpretation. Thus the artistic experience emerges from the semantic field set forth, and conversely. In the manner of global networks, the ramifications of this reflection on insularity will lead us to overcome the rhizomatic consciousness of our conditions of existence, which are stratified by intervals. This specific consciousness will here be called “the space of conciliation”

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Édet-Ghomari, Chantal. "La contribution d'une génération d'écrivains au développement de l'idée d'Europe en France et en Allemagne entre les deux guerres". Rouen, 2002. http://www.theses.fr/2002ROUEL421.

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Cette étude rend compte du vif interêt porté par une génération d'écrivains au développement de l'idée d'Europe en France et en Allemagne entre les deux guerres mondiales. Pourquoi tant d'écrivains français, allemands et autrichiens ont-ils défendu l'idée d'Europe pendant cette période ? Quelle a été leur contribution spécifique ? C'est à ces deux questions que ce travail de recherche tente de répondre en s'appuyant sur un corpus de textes littéraires (roman, théâtre, poésie), d'essais et articles critiques. La confrontation constante de ces nombreux écrits permet de faire revivre le vaste débat contradictoire si caractéristique de l'époque, mené par-delà les frontières par des écrivains soucieux de donner un sens et une finalité humaniste à l'idée européenne contre le nationalisme étroit et la barbarie
This study gives an account of the great interest taken by a generation of writers in France and Germany in the development of the European idea during the period between the two World Wars. Why did so many French, German and Austrian writers defend this concept of a European spirit ? What was their specific contribution ? This research, based on a corpus of works (novels, drama, poetry), of essays and analytic articles, attempts to answer these two questions. The thorough collation of these numerous pieces of writing allows to revive the intensive debate, so typical of that time, which was held beyond frontiers by writers concerned with giving moral sense to the concept of Europe in order to thwart narrow-minded nationalism and barbarism

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Vary, Véronique. "Interactions entre les romans américains et français et la culture de masse (1929-1981) : un thème commun la grande ville, deux champs d'exploitation Paris, New York". Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030101.

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Depuis le XIXème siècle, la production culturelle de masse constitue avec la littérature dite « légitimée » un système dual. Littérature de masse, paralittérature, roman populaire, littérature de grande consommation, fiction écrite de masse…, elle est définie comme l’Autre. Pourtant, ce qui caractérise fondamentalement la production culturelle de masse, c’est d’être l’Autre au cœur d’une totalité dont les deux termes sont interdépendants. A l’époque « post-moderne », elle interroge le genre romanesque dans son essence et met en question le concept d’art littéraire. Un constat factuel a motivé la démonstration : la culture de masse est liée au développement de la grande ville. Le Sujet fait connaissance avec cette dernière à travers des textes de nature et d’origine variées : des récits policiers (G. Simenon, L. Malet, J. -P. Manchette, D. Hammett, C. Himes et J. Charyn, six auteurs francophones et américains retenus pour être les représentants des différentes tendances de ce sous-genre) et des « textes » divers (romans « sérieux », films, bandes dessinées, etc. ) offrant à voir des représentations de Paris et de New York, deux modèles de the modern city pour la période située entre 1930 et 1980. Dès lors, une méthode « thématique » permet de multiplier les rapprochements ou les confrontations entre ces textes ; d’abord grâce à l’analyse « structurelle » des effets rhétoriques d’espaces dans une littérature de genre à l’économie très stricte ; ensuite par les approches sociocritiques, mythocritiques et psychanalytiques de la polarisation idéologique et de la lecture identificatoire dans des textes issus de la culture de masse
Since the nineteenth century, mass cultural production has, together with so-called « recognized » literature, made up a dual system. Variously called popular fiction, leisure and escapist literature or mass-produced literature, it is defined as « the Other ». Yet, what basically characterizes mass cultural production is its being at the centre of a whole, the two elements of which are interdependent. In the post-modern era it questions the very essence of fiction and the concept of literary art. A fact was established and led to the demonstration : mass-culture is linked to the development of « la grande ville ». The latter is made obvious through texts of varied nature and origins : police/detective thrillers (by G. Simenon, L. Malet, J. -P. Manchette, D. Hammett, C. Himes and J. Charyn, six French-writing and American authors chosen as representing the diversity of the genre), and a wide-range of other texts (« serious » or « recognized » novels, films, comic strips, etc. ) - all of them offering an insight into Paris and New York (two examples of the « modern city ») within the years 1930 - 1980. Then it became possible, using a theme-based method, to bring out the similarities and the contrasts between those texts. That is achieved first by means of a « structural » analysis of the rhetorical effects of spaces in a genre the narrative arrangements of which follow strict rules. We can then apply a sociocritical approach, as well as mythocritical focus and psychoanalytical study to examine the ideological polarisation and the reader’s identifying himself to the characters found in texts representative of mass culture

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Floret, Gilles. "La nausée dans la poésie est-allemande entre 1980 et 1989 : deux figures exemplaires : Hans-Eckardt Wenzel et Steffen Mensching". Nancy 2, 1993. http://www.theses.fr/1993NAN21022.

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Il s'agit d'une thèse pluridisciplinaire qui recouvre à la fois la littérature, la civilisation, la psychologie et la pathologie d'une société en décomposition (celle de la RDA entre 1980 et 1989). Le point de départ reste cependant l'étude de textes poétiques. À partir de ce corpus, la recherche s'oriente vers une quête de l'esthétique de la douleur, s'accompagnant d'un sentiment de rejet psychique et somatique. Cette quête initiatique passe par une recherche des origines lointaines de la nausée puis par une typologie du phénomène, pour déboucher sur une crise d'identité qui se reflète également dans la société tout entière. Cette recherche du mal existentiel individuel et collectif est suivie d'une quinzaine de poèmes de Hans-Eckardt Wenzel traduits par l'auteur de la thèse
This interdisciplinary thesis covers at the same time the literature, the civilization, the psychology and the pathology of a decaying society, namely that of East-Germany between 1980 and 1989. However the starting point remains the study of poetic texts. This body of work permits research to be focused upon the quest for the aesthetics of pain, in association with a feeling of psychic and somatic rejection. This original quest involves an investigation firstly into the remote origins of nausea, and then into a typology of this phenomenon and leads finally to an identity crisis which is also mirrored in society as a whole. This study of existential agony, that is at once individual and collective, is followed by about fifteen of Hans-Eckardt Wenzel's poems translated by the author of this thesis

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Müller, Susanne. "L'"Unheimlich" à l'oeuvre : approches théoriques / pratiques de l' "inquiétante étrangeté " dans l'art contemporain". Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010692.

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La double approche pratique et théorique de cette thèse reflète le caractère paradoxal du mot allemand "unheimlich" qui décrit une sensation ambiguë entre étrangeté et familiarité. À ceci correspond la définition donnée par Freud, selon laquelle l'effrayant de l'"Unheimlich" « remonte au depuis longtemps connu, depuis longtemps familier». Nous retrouvons cet aspect familier au cœur de l'adjectif "unheimlich" dans la syllabe "heim" qui signifie « chez-soi». Dans la traduction française « inquiétante étrangeté», cette signification se perd. L'ancrage de l'"Unheimlich" dans l'entre-deux amène une indécidabilité (Derrida), voire un constant passage ou aller-retour. Par conséquent, il a toujours échappé à une conceptualisation et apparaît aujourd'hui comme un « non-concept» (Masschelein). Cependant, l'"Unheimlich" est de plus en plus souvent mis en relation avec l'art, ce dont témoignent les nombreuses expositions qui s'y sont récemment consacrées. Serait-ce alors dans l'art que l'"Unheimlich" trouve son véritable "Heim" ? Selon notre hypothèse centrale, il serait à l'œuvre dans l'art lorsque celui-ci s'avère être auto-réflexif et illimité. Différents « passages» nous guident dans notre approche du cœur "unheimlich" d'une pratique artistique personnelle hantée par la mort, l'origine, les doubles, l'Ange de l'Histoire (Benjamin), une rencontre impossible avec un Autre-moi et par des « lettres volées» de la langue allemande. Située entre photographie et installation, cette pratique témoigne du caractère hybride de l'art actuel qui semble être devenu « étranger à lui-même» (Kristeva). Les travaux personnels reflètent-ils l'entre-deux "unheimlich" qui nous inquiète, mais qui peut aussi nous enchanter ? Ou alors, l'"Unheimlich" serait-il irreprésentable, renvoyant à un au-delà des images ?
The double (theoretical and practical) approach of this thesis reflects the paradoxical nature of the German word "unheimlich" which describes an ambiguous feeling between strangeness and familiarity. Correspondingly, Freud states that the terrifying of the "Unheimlich" « leads back to something long known to us, once very familiar ». The syllable "heim" «( home ») in the middle of the adjective "unheimlich" reflects this aspect of familiarity which is lost in the French translation « inquiétante étrangeté» (as well as in the English « uncanny »), The "Unheimlich's" anchorage in the in- between involves an undecidability (Derrida), a constant passage or to-and-fro, Therefore it has always escaped a stringent conceptualization and appears today as an « unconcept » (Masschelein). However, more and more the "Unheimlich" is being connected with art as is evident from the numerous exhibitions recently devoted to it. Could it be then that it founds its real "Heim" in art ? According to my main hypothesis, the "Unheimlich" is at work in art when it turns out to be self-reflexive and unlimited. Different « passages» guide our approach to the "unheimlich" heart of my own art practice haunted by death, origins, doubles, the « Angel of History » (Benjamin), an impossible encounter with an Other-me and the «purloined letters » of the German language. Located between photography and installation, this practice gives an account of the hybrid nature of current art which seems to have become a « stranger to itself» (Kristeva). Do the personal works that we compare to other artist's works, reflect the "unheimlich" in-between that disturbs, but also can delight us? Or could the "Unheimlic"h tum out to be unrepresentable, referring to a quality that goes beyond images ?

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Donin, Nicolas. "Intéractions entre écriture et lecture dans le processus de composition de deux oeuvres par un créateur contemporain : pour une méthodologie d'analyse des pratiques musicales savantes d'aujourd'hui". Paris, EHESS, 2009. http://www.theses.fr/2009EHES0086.

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Comment rendre compte des enjeux cognitifs et esthétiques de la pratique artistique d'un musicien ? L’étude détaille l'activité créatrice de Philippe Leroux, compositeur français né en 1959, pour deux œuvres successives (Voi(rex) (2003) et Apocalypsis (2006)), permet de mettre en évidence les pratiques d'écriture, de lecture, de relecture, d'écoute et de réécoute qui trament la genèse d'une partition contemporaine. La première partie de la thèse montre l'intérêt de développer « musicologie de la composition », tant pour la musicologie historique que pour l'anthropologie ou la psychologie. Deuxième partie traite des questions éthiques, méthodologiques et épistémologiques rencontrés par le chercheur souhaitait étudier un processus de composition au cours même de son accomplissement ; elle présente les processus étudiés, le dos génétique de Voi(rex), et l'atelier de Philippe Leroux. La troisième partie présente une série d'analyses de moments choisis dans les deux processus créateurs étudiés. La quatrième partie présente l'instrumentation informatique de l'étude précédente et propose d'en élargir la méthode et les leçons à un programme de recherche musicologique en dialogue avec les sciences humaines : une musicologie non seulement des œuvres, mais des pratiques et situations musicales. Deux annexes complètent la thèse: l'Annexe 1 rassemble les illustrations des 2e et 3e parties; l'Annexe 2 présente la transcription de trois entretiens la composition d'un mouvement de Voi(rex), et reproduit le «journal de bord » tenu par Leroux pendant la composition d'Apocalypsis
Haw to build knowledge about the cognitive and aesthetic issues at stake in musical practices? A detailed study of creative process of Philippe Leroux, a French composer born in 1959, in two of his major pieces, Voi(rex) (2003) and Apocalypsis (2006), shows how a composer today writes, reads and re-reads, proof-reads, listens and re-listens-the core actions of a contemporary score writing process The first section of this doctorate thesis is devoted to articulated "musicology of composition as a practice", both from a historical perspective and an anthropological and psychological one The second section explores the ethical, methodological and epistemological Issues which arise when studying a compositional work in the midst of its creative process. The third section, a case study, presents a few specific items of t creative process of the two works at stake. The fourth section deals with computer-aided analysis and publication of the d" collected, and argues that the methodology developed throughout this study could be applied to a broader research program that takes in multiple social sciences approaches. Such a program woould unite both a musicology of musical war themselves and a musicology of musical practices and situations. Two appendixes complete the thesis: 1) illustrations of the second and third sections; 2) transcription of three sample interviews with the composer, and reproduction of Lerou compositional "diary" for Apocalypsis

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Gauthier, Ambre. "Les revues de galeries en France dans l’entre-deux-guerres (1918-1940)". Thesis, Paris 10, 2015. http://www.theses.fr/2015PA100062.

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La création artistique de l’entre-deux-guerres en France est transformée par l’internationalisation du marché de l’art, la vitalité des avant-gardes et la diffusion sans précédent des revues d’art. La galerie d’art, par l’action de galeristes engagés et professionnels, s’impose alors comme un lieu central du marché de l’art moderne. Vouée au commerce des œuvres, elle se dote d’une identité nouvelle en faisant de son espace un lieu de socialisation et de débats intellectuels. Cette conjoncture explique en partie la naissance d’un nouveau mode de communication de la galerie d’art : la revue de galerie. Cet outil de promotion a pour principale mission de diffuser l’actualité des expositions et des artistes liés à la galerie. Mais il cherche également à être une tribune ouverte, un lieu d’expression et de dialogues où se rencontrent théories artistiques et synthèses du marché de l’art contemporain, règlements de comptes et pamphlets, littérature et poésie. Au-delà de sa dimension promotionnelle, la revue de galerie, objet sociologique, tisse des liens entre les différents acteurs d’un même cercle socio-culturel. Les principales revues de galerie de l’entre-deux-guerres (Les Arts à Paris, 1918-1935 ; le Bulletin de la vie artistique, 1919-1926 ; le Bulletin de la galerie B. Weill, 1923-1935 ; le Bulletin de l’Effort moderne, 1924-1927) mettent ainsi en place des modèles éditoriaux durables, qui perdureront tout au long du XXe siècle. Il s’agit d’un phénomène culturel international, de sorte que le contexte parisien ne peut être compris que par comparaison, notamment avec celui des Etats-Unis (revue 291), de la Belgique (Le Centaure) ou de l’Allemagne (Der Querschnitt), qui développent leurs propres spécificités
Art production in France is changed in the interwar years by the globalization of the art market, the vitality of the avant-gardes and the unprecedented diffusion of art periodicals. The art gallery, through the actions of socially and politically committed art dealers, is becoming a major place for the modern art market. Dedicated to the trade of artworks, it acquires a new identity by encouraging socialization and intellectual debates. This context creates new communication means for art galleries: the art gallery magazine. As a promotion tool, the main mission of the periodical is to spread news about exhibitions and artists related to the gallery. Sustained by the ideals of their editors, they offer an open platform, an utopian space of free speech and dialogue, where art theories and contemporary art market analysis, score settling and satirical tracts, literature and poetry meet. Beyond its promotional function, the art gallery magazine, as a sociological object, also establishes links between the various players of a social and cultural group. The main gallery magazines of the 20th Century (Les Arts à Paris, 1918-1935; le Bulletin de la vie artistique, 1919-1926; le Bulletin de la galerie B. Weill, 1923-1935; le Bulletin de l’Effort moderne, 1924-1927) invent lasting editorial references that will last throughout the 20th century. Operating in Paris, art gallery magazines fall within an international cultural context, as demonstrated by the presence of such magazines in the United States (291), Belgium (Le Centaure) or Germany (Der Querschnitt), all developing their own specificities

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Bernard, Julie. "Les mots et les choses dans l'œuvre théâtrale d'Alberto Savinio : un théâtre de l'entre-deux". Thesis, Normandie, 2021. http://www.theses.fr/2021NORMC004.

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Alberto Savinio (1891-1952), alias Andrea de Chirico, frère du célèbre peintre du mouvement métaphysique, est un nomade dans le monde de l'art : tour à tour peintre, musicien, écrivain, dramaturge, scénographe, traducteur mais aussi critique, il expérimente tout, abolit les frontières artistiques et linguistiques et fait du « jeu » son credo. Cet artiste polyédrique fait du théâtre un lieu ludique où toutes ces formes d’expression se retrouvent sur scène.Cette thèse pense son œuvre théâtrale comme un théâtre de l’entre-deux qui dépasse l’idée d’un théâtre total pour atteindre l’infini. Au cœur de cette brèche et par le prisme du langage, le dramaturge interroge le réel, questionne son temps et ouvre les champs des possibles.Le théâtre savinien est en effet le lieu où tout s'exprime : les mots, les morts et même les objets. Dans ce théâtre où « tout est parole », le dramaturge-scénographe exerce un jeu « pervers » sur les mots et les objets. Sa baguette de chef d’orchestre devient plume ou pinceau. Elle transforme le verbe et la matière en des choses visibles, plastiques, sonores ou parlantes et révèle au lecteur-spectateur le mystère et la poésie du monde. Alberto Savinio exhibe ainsi la théâtralité de la parole et comble la faille du discours. Les limites de la parole sont alors annihilées. La parole résonne hors-scène et sur les ondes.Dans ce théâtre trompe-l’œil, l’ennui n’a pas de place. Le lecteur-spectateur est toujours en alerte, jamais tranquille. Sa participation est active. Son intelligence et son esprit civique aussi. Or, l'étude de la réception de son œuvre théâtrale, en France et en Italie, sera l'occasion de s’interroger sur ces manquements de la part du public du vivant de l’auteur. La réhabilitation sera tardive mais sans limites.Cette thèse est un parcours dans l’œuvre théâtrale d’Alberto Savinio. Il s’agit de chercher les entrées et les sorties, de pénétrer au cœur de l’entre-deux, espace clos ou infini, où se cristallise l’activité polymorphe de l’artiste. À travers cette « Aventure colorée », le spectateur savinien explore et questionne l’envers du décor
Alberto Savinio (1891-1952), alias Andrea de Chirico, brother of the famous painter of the metaphysical movement, is a wanderer in the world of art : in turn painter, musician, writer, playwright, set designer, translator but also critic, he experiments everything, abolishes the artistic and linguistic boundaries and makes "play" his creed. This versatile artist turns the theatre into a playful place where all these forms of expression can be found on stage.This thesis considers his theatrical work as a theatre of the in-between that goes beyond the idea of a total theatre to reach infinity. At the heart of this breach and through the prism of language, the playwright questions reality, questions his time and opens up the fields of possibilities.Savinian theatre is indeed the place where everything is expressed: words, the dead and even objects. In this theatre where everything is spoken, the playwright and set designer plays a "perverse" game on words and objects. His conductor's baton becomes a pen or a brush. It turns the language and the matter into visible, plastic, sonorous or speaking objects and reveals to the reader-viewer the mystery and poetry of the world. Alberto Savinio thus exposes the theatricality of speech and fills the gap in the discourse. The limits of speech are therefore annihilated.The word resounds off-stage and on air. In this trompe-l'oeil theatre, there is no room for boredom. The reader-viewer is always on guard, never at rest. His participation is active. So are his intelligence and civic mind. Now, studying the reception of his theatrical work, in France and Italy, will be an opportunity to question these failings on the part of the audience during the author's lifetime. He will know a late but limitless rehabilitation.This thesis is a journey through the theatrical work of Alberto Savinio. The entries and exits must be discovered, to delve into the heart of this in-between, closed or endless space, where the artist's polymorphic activity crystallizes. Through this "coloured adventure", the Savinian spectator explores and questions the other side of the scenes

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Avetyan, Shahane. "Milan Kundera (et autres) : penser et écrire dans l'autre langue". Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCC055.

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Notre parcours d'étrangère en France nous a d'abord incitée à suivre certains écrivains, tels Nancy Huston, Louis Wolfson, Andreï Makine, qui ont écrit dans une autre langue que la leur. Par un exil subi ou choisi, ces auteurs se sont éloignés de leur langue maternelle, pour s'exprimer en français. Ils ont évolué entre deux langues. Dès lors, de quelle langue pouvaient-ils dire qu'elle leur était propre ? Pour eux, à partir de quel moment la langue étrangère a-t-elle cessé de l'être ? De façon plus générale, que reste-t-il d'un auteur quand il s'est fait à la langue de l'autre ? Ces questions trouvent une illustration dans le destin de Milan Kundera, dont la vie et l'oeuvre ont été façonnées par l'épreuve du changement de langue. En 1975, il quitte la Tchécoslovaquie pour s'installer en France. Dans ses écrits, où affleure l'Histoire, le français remplace peu à peu le tchèque. Dans quelle mesure ce changement a-t-il altéré le déroulement de sa vie et de sa pensée ? Quel rôle l'exil a-t-il joué dans son oeuvre et dans sa renommée ? Pour répondre à ces questions, nous avons étudié ses articles, ses pièces de théâtre, ses romans ainsi que l'accueil qui leur a été fait en France et à l'étranger
As a foreigner living in France, we were initially encouraged to study writers such as Nancy Huston, Louis Wolfson, Andreï Makine, who wrote in a language different from their own. In exile, these authors have quit their mother tongue, to speak in French. They evolved between two languages. Therefore, what language could be considered as their own? For them, when did French cease to be a foreign language? More generally, what remains of an author who has chosen to express himself in another language? These questions are illustrated by the biography of Milan Kundera, whose life and work have been shaped by the language change. In 1975 he left Czechoslovakia and settled in France. In his writings, in which we can feel the strength of History, the French gradually replaces Czech. To what extent did this change alter the course of his life and thoughts? What role did the exile play in his work and fame? To answer these questions, we studied his articles, plays, novels and the reception that was done to them in France and abroad

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Buffet, Alexis. "Les écrivains français et les États-Unis dans l’entre-deux-guerres (représentations, imaginaires, fantasmes)". Thesis, Lyon 2, 2014. http://www.theses.fr/2014LYO20093.

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Avec leur entrée en guerre en 1917, les États-Unis s’imposent rapidement comme la principale force économique, industrielle et guerrière au monde. Avec les soldats, ce sont aussi la musique américaine (le rag-time puis le jazz), le cinéma (Charlot en tête, et bientôt les films noirs), ses légendes, ses propres mythes. Alors que la France traverse une crise de civilisation, parler des États-Unis ne saurait être anodin. Les discours sur les États-Unis se chargent alors d’enjeux existentiels, idéologiques mais aussi esthétiques. Aux inquiétudes d’époque qui traversent l’abondante production littéraire sur l’Amérique, se mêlent les sentiments personnels des auteurs. Se font entendre une pluralité de voix et de points de vue qui mettent sérieusement à mal l’idée reçue d’une France unaniment « antiaméricaine ». Rares sont les auteurs qui ne s’expriment pas à un moment ou un autre sur les États-Unis, qu’ils y voient la préfiguration de la vie future, ou l’avant-garde de la décadence, un marqueur de modernité ou l’occasion d’amitiés transatlantiques, un contre-modèle politique ou l’occasion d’une utopie démocratique… Ainsi a lieu l’avènement d’un foisonnant imaginaire français des États-Unis, bien loin d’un prétendu discours monologique, qui est l’occasion d’un formidable élargissement de l’horizon des écrivains, ou au contraire d’un repli européen ou national, parfois même nationaliste. Notre thèse se propose donc de rendre compte de la position centrale des États-Unis dans l’existence et la réflexion des écrivains français de l’entre-deux-guerres à travers les multiples formes de résonances et de déflagrations du mot et de la chose « Amérique » dans leur vie imaginative. On aura compris qu’il n’est pas nécessaire, pour parler d’Amérique, d’avoir traversé l’Atlantique. Les États-Unis apparaissent comme un terrain propice à la fiction entendue dans le sens large de mythologies, fantasmes, clichés, représentations symboliques… Il faudra donc débusquer le stéréotype, le cliché, la projection d’un imaginaire personnel dans les œuvres, sans en sous-estimer la pertinence. Les textes littéraires évoluant dans un rapport ambigu à la réalité, il est possible que la ligne de partage traditionnelle entre le vrai et le faux ne soit pas des plus adéquates. Car il est vrai que l’Amérique des textes semble bien souvent être celle des fantasmes (personnels ou collectifs), ceci n’excluant d’ailleurs pas, par moments, le pressentiment d’une vérité ou la compréhension. La crise succédant au 11 septembre est le moment propice pour restituer dans sa complexité l’histoire plurielle d’un regard sur l’autre, au-delà de l’aversion et de la fascination trop souvent présentées comme les deux seules voies empruntées par les écrivains français
When they entered World War I in 1917, the USA rapidly established themselves as the main economic, industrial and military power in the world. Alongside the soldiers, it was also about American music (rag-time and jazz), cinema (the Tramp to begin with and very soon the film noir), legends and their own myths. While France was undergoing a civilisation crisis, talking about the USA could not be insignificant. Talks about the USA became then full of existential, ideological, but also aesthetic stakes. On the top of the worries of the time going through the abundant literary production about America, came the personal feelings of the authors.The many voices and points of view that could be heard seriously undermined the common idea of France being completely anti-American. The authors not talking at some point or another about the USA were very rare, whether they saw in it the foresight of a future life, the avant-garde of decadence, a landmark of modernity or the opportunity for Franco-American friendship, a countermodel in politics or the occasion to see in it a democratic utopia... It was hence the coming of age of a proliferating French imaginary about the USA, quite far from a monological speech which consisted in an amazing broadening of the writer's horizon, or, on the contrary, in a European withdrawal, sometimes even nationalist. Our thesis offers then to account for the central position of the USA in the being and reflection of French writers of the interwar period through the multiple shapes of resonance and deflagration of the word and the thing « America » in their imaginary life.We have understood by now that it is not necessary, in order to talk about America, to have actually crossed the atlantic. The USA appear as a favorable place to foster fiction-in its broad meaning encompassing mythology, fantasy, clichés, symbolic representations… Our job will be then to hunt down the stereotypes, clichés, the personal projection of the imagination in the works without underestimating its relevance. Since the literary texts evolve with an amibiguous relationship with reality, it is possible that the traditional division between true and false may not be adequate. It is true indeed that the « America » in the texts seems quite often to be the product of fantasies (personal or collective), it does not however exclude, sometimes, the feeling of a truth or understanding. The post 9/11 crisis is the right time to re-establish, within its full complexity, the plural history of a look on the other, beyond the avertion or fascination so often introduced as the only two paths taken by the French writers

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Li, Jialin. "Entre symbolique et imaginaire : étude comparée de deux symboles nationaux, le dragon chinois et le coq français, origine, élaboration, utilisation et réception de 1500 à l'époque contemporaine". Thesis, Lyon, 2019. http://www.theses.fr/2019LYSE3021.

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Le dragon est le symbole national de la Chine et le coq de la France. Le dragon est un animal imaginé, le coq un animal réel. Ils diffèrent d’autres symboles nationaux comme l’aigle germanique dont l’image évoque d’emblée la force et l’autorité. Pourquoi les deux ont pu servir de façon stable de symbole national : quelles caractéristiques ont-ils ? quelles conditions ont-ils remplies dans l’Histoire pour acquérir ce statut ? On essaye de répondre à ces questions en trois parties. La Partie I étudie la présence des deux symboles dans des domaines de la vie courante. On trouve que cette présence produit une familiarité qui permet à tous les groupes sociaux d’identifier leur apparition. La Partie II concerne l’iconographie et l’esthétique. Leurs évolutions morphologiques révèlent une combinaison d’humain-animal. On découvre ainsi que les deux symboles présentent des schèmes communs : la force, le privilège, le pouvoir, etc. Cette image est néanmoins obtenue de façon différente : le dragon de face est lié à l’empereur et le coq à une image de chevalier et de héros. La Partie III aborde la littérature à travers l’étude de la nomination et du rôle. L’étude sur la nomination révèle que leurs nom et appellation confirment les schèmes déjà identifiés de leader, d’empereur et d’élite, permettant au dragon ou au coq, de manifester l’autorité d’empereur (roi), de héros civilisateur ou d’ancêtre mythique. Ces similitudes rapprochent leur image du symbole national. A côté de ces aspects homogènes, se dessine une hétérogénéité dans la construction de l’image des deux symboles sur la personnalité idéale : l’empereur pour les Chinois et le héros pour les Français
The dragon is the national symbol of China and the rooster is of France. The dragon is an imagined animal; the rooster is a real. They are different from other symbols such as Germanic eagle who evokes strength and authority at the first sight. Why the dragon and the rooster could have been served as a country’s symbol: what characteristics do they have? what conditions have they fulfilled in the history to win this place? We try to answer the questions with three parts. The part I studies the two symbols’ presence in daily life. We find that a frequent presence produces a familiarity that allows all social communities to identify the appearance. The part II is on the iconography and aesthetics. The morphological evolutions of the two symbols reveal that their image combines the human and the animal. We discover that the two symbols present common schemas: strength, privilege, power, etc. Nevertheless, their image is obtained in a different way. The frontal dragon is in connection with the emperor, the rooster with an image of knight and hero. The part III focuses on the literature, discusses the nomination and the role. The study on the nomination reveals that the two animals’ name and appellation confirm the identified schemas of leader, emperor and elite, which allow the literary character, dragon or rooster, to manifest their authority of emperor (king), civilizing hero or mythical ancestor. These similarities bring their image closer to the national symbol. Besides the homogeneous aspects, we find a heterogeneity in the construction of the two symbols’ image on the ideal personality of the two countries: the emperor for the Chinese and the hero for the Frenchmen

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Kawczak, Paul. "Le roman d'aventures littéraire de l'entre-deux-guerres français : le jeu du rêve et de l'action". Thesis, Besançon, 2016. http://www.theses.fr/2016BESA1006/document.

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La France littéraire du début des années 1920 connaît un engouement sans précédent pour le roman d'aventures. On ambitionne alors un roman d'aventures français qui renouvellerait le genre et égalerait les grandes réussites anglo-saxonnes : la France cherche ses Stevenson et ses Conrad ! Si l'histoire littéraire a retenu les noms de Blaise Cendrars, Pierre Mac Orlan, Joseph Kessel, André Malraux, Antoine de Saint-Exupéry, elle a longtemps passé sous silence cette « vogue du roman d'aventures », ainsi que la nomme alors la presse culturelle. Or, au lendemain de ce que Michel Raimond a décrit comme une « crise du roman », les aspirations aventurières du roman français offrent une réponse romanesque aux inquiétudes poétiques et philosophiques de la première moitiédu XXe siècle. Le roman d'aventures littéraire des années 1920-1930 est le point culminant d'une pensée littéraire qui, du symbolisme à l'existentialisme, n'a cessé de questionner les jeux et enjeux de l'action et du rêve dans le roman. Cette étude propose de retracer l'histoire de ces enjeux et d'examiner, de 1918 à 1939, du Chant de l'équipage de Mac Orlan aux Figurants de la mort de Roger de Lafforest, un ensemble de romans d'aventures qui tous partagent cette mystique moderne de l'aventure
In the beginning of the 20's, literary France knows a craze for the adventure novel. After whatMichel Raimond called “la crise du roman” this new production of adventure novel offers ananswers to the poetical and philosophical questions of the first XXe century. From 1918 to 1939,from Pierre Mac Orlan's Le Chant de l'équipage to Roger de Lafforest's Figurants de la mort, thisstudy follows the history of the literary adventure novel and analyses a group of novels that allshare this modern adventurous mystic

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Benoit, Delphine. "Un malade qui s’ignore, un médecin qui guérit. : Les représentations de la médecine dans les revues de l’Entre-deux-guerres en France". Thesis, Paris 11, 2014. http://www.theses.fr/2014PA112129/document.

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Alors que les travaux historiens existants portant sur la médecine de la France de l’Entre-deux-guerres sont essentiellement tournés vers le réel, les objets, les institutions, cette thèse a choisi d’étudier cette médecine en en caractérisant les représentations. Les représentations de ce qu’est une activité, un domaine en sont en effet constitutives. En rendre compte implique donc d’en saisir aussi les représentations. C’est ce à quoi s’est attelée cette thèse pour la médecine de l’Entre-deux-guerres qui, par là, se veut une contribution originale à l’historiographie existante. Pour retrouver et analyser ces représentations, le choix a été fait d’analyser des revues de vulgarisation qui ont la propriété d’avoir été très peu étudiées alors même que ce sont des média encore très présents dans la France de l’Entre-deux-guerres. Une analyse comparée de grande ampleur portant sur sept revues, qui ont été retenues en fonction des publics qu’elles visaient, a été construite et mise en œuvre. Deux revues de vulgarisation scientifique populaire, deux revues de haute vulgarisation scientifique, deux revues politiques et littéraires et une revue professionnelle médicale ont été analysées suivant une approche qualitative qui permette la prise en charge et la comparaison de ces revues très diverses par leurs formats, leurs contenus, leurs auteurs et les publics visés. Cette approche a notamment pour caractéristique l’adaptation aux particularités de chaque revue et de porter une attention particulière à leur matérialité (illustrations, mises en page, signatures). Au-delà d’une diversité de représentations – les représentations dégagées sont parfois portées par plusieurs revues, parfois spécifiques à l’une d’elles – se dessine l’image d’une médecine puissante, variée et inventive, dont la puissance est assurée grâce aux sciences physiques et au recours à une Nature maîtrisée voire artificialisée. L’image du patient est celle d’un patient infantilisé et de facto ignorant qui a besoin en tout instant de l’expertise ou du savoir du médecin qui peut par ses soins permettre aux corps de la Nation de retrouver leurs santés physique et mentale, et à la Nation de redevenir ainsi économiquement prospère. Au-delà de sa contribution à l’histoire de la médecine de l’Entre-deux-guerres, en dégageant des discours et des modalités d’administration de la preuve spécifiques à certaines revues ou groupes de revues, la thèse apporte aussi des éléments à l’histoire de chacune des revues et à l’histoire des revues de vulgarisation de la France de l’Entre-deux-guerres
While existing historical scholarship on Interwar medicine in France has mainly questioned the reality, the objects and the institutions, this thesis chose to study it by characterizing its representations. Representations of an activity or a domain are indeed constitutive of this activity or this domain. Therefore accounting for an activity or a domain implies to also grasp its representations. This is what this thesis is seeking to do for the Interwar medicine. By so doing it aims to contribute in an original manner to the existing historiography. In order to retrieve and analyze these representations, the choice was made to analyze a series of popularization journals which present the specificity of not having been studied whilst they were still important media in the Interwar France. A wide comparative analysis of the seven journals – that were chosen according to their intended readership – has been developed and carried out. Two revues de vulgarisation scientifique populaire, two revues de haute vulgarisation scientifique, two revues politiques et littéraires and one medical professional journal have been analyzed, following a qualitative approach that allows to cater for and compare these journals that are very diverse (eg. format, contents, authors, intended readership). One of the characteristics of this approach is the adaptation to the peculiarities of each journal and to pay a special attention to their materiality (illustrations, layout, signatures). Beyond the diversity of the representations – the identified representations are sometimes shared by several journals, sometimes specific to one of them –, an image is drawn, the image of a powerful, varied, inventive medicine whose powerfulness is secured through physics and a mastered if not artificialized nature. The representations of the patient is this of an infantilized and de facto ignorant patient that all the time needs the expertise and the knowledge of the doctor that through its dedicated care can make the bodies of nation retrieve their physical and mental health, and the nation become again economically prosperous. Beyond its contribution to the history of medicine in the Interwar France, by identifying discourses and modalities of administration of proof specific to individual journals or groups of journal, the thesis also brings elements to the history of each of these journals as well as the history of popularization journals in the Interwar France

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Tesis sobre el tema "Entre-deux (esthétique) – Dans la littérature"

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