Literatura académica sobre el tema "Donna artista"
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Artículos de revistas sobre el tema "Donna artista"
1
Toscano, Anna. "Scrittura e pittura come solchi". Balthazar, n.º 4 (13 de septiembre de 2022): 146–50. http://dx.doi.org/10.54103/balthazar/18513.
Texto completoResumen
La produzione artistica di Etel Adnan nel suo insieme, scrittura e pittura, è un santuario della memoria legato a paesi, lingua, culture, società diversissime. Le vite vissute da Adnan, donna e artista attivista e femminista, ruotano intorno all’esperienza di differenti luoghi e idiomi e creano un’arte legata a un corpo a corpo con la vita.
2
Martin, Nadia. "Retratos cultivados". Index, revista de arte contemporáneo, n.º 10 (31 de diciembre de 2020): 126–42. http://dx.doi.org/10.26807/cav.vi10.382.
Texto completoResumen
El trabajo aborda la serie Retratos (2010-actualidad) que Luciana Paoletti realiza mediante el cultivo de los microorganismos capturados en los cuerpos de seres queridos, siguiendo el programa de "hacer visible lo invisible". Se analizan los desvíos que la artista realiza tanto de la disciplina científica como del concepto de bioarte. Se reflexiona, también, acerca de las tensiones que la serie entabla con la tradición moderna del retrato, a la que comenta. La pregunta central, es qué tipo de potencia referencial detentan estas imágenes respecto del "modelo vivo" representado. Mediante el concepto de simpoiesis aportado por Donna Haraway, se analiza la ruptura que esta artista realiza respecto la escala visual humana. Se concluye que, lejos de una relación de semejanza con el cuerpo al que refieren, entablan una relación metonímica, basada en el contacto y en el devenir-con. El cuerpo se muestra, así como territorio de una vida microbiológica a descubrir.
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Bergamaschi, Alessandra. "Do espaço cibernético à Guerra do Canaimés: imagens que ganham vida e a arte como armadilha". ARS (São Paulo) 19, n.º 43 (30 de diciembre de 2021): 68–115. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2178-0447.ars.2021.190679.
Texto completoResumen
O artigo introduz algumas reflexões sobre os efeitos das interações cotidianas no ambiente cibernético, intensificadas durante a pandemia. Um deles é que a mediação constante da tecnologia na geração e arquivo de nossas memórias esteja diluindo as demarcações fixas entre seres humanos e máquinas. Propomos então um percurso especulativo através de teorias recentes, no campo da estética e da antropologia, que procuram dar conta dessas hibridizações, repensando radicalmente os dualismos centrais para o nosso pensamento (natureza e cultura, humano e não humano, masculino e feminino, o eu e o outro). Ao longo do artigo, serão abordados objetos díspares, como as perspectivas parciais da filósofa Donna Haraway e as armadilhas poéticas de Jaider Esbell, artista, ativista e escritor.
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Jiménez Carmona, Susana. "Historias fuera de rango: escuchas tramadas en la era de las extinciones (sobre Jana Winderen)". Boletín de Arte, n.º 40 (27 de noviembre de 2019): 159–66. http://dx.doi.org/10.24310/bolarte.2019.v0i40.5669.
Texto completoResumen
Este artículo se acerca a la práctica y el trabajo de Jana Winderen para reflexionar sobre el arte que implica a seres vivos no humanos como protagonistas. Esta artista ha centrado su trabajo principalmente en seres vivos a los que estamos sordos, sintiendo una predilección especial por las pequeñas criaturas marinas cuyas vidas se ven profundamente afectadas por la acción de los seres humanos. En diálogo con Ursula Le Guin, Donna Haraway, Thom van Dooren, Vinciane Despret y Rosi Braidotti, nos preguntamos si es posible acercarnos a estos otros seres vivos y sus mundosde maneras no predominantemente antropocéntricas y qué papel pueden pueden desempeñar las prácticas artísticastentando resistencias y posibilidades que hagan este mundo habitable para los seres humanos y no humanos.
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Víñez Sánchez, Antonia y Inmaculada Concepción Víñez Daza. "LA ‘DONNA ANGELICATA’ O LA DESHUMANIZACIÓN DE LA MUJER: APROXIMACIÓN AL CONCEPTO DE MUSA EN EL DOLCE STIL NOVO". RAUDEM. Revista de Estudios de las Mujeres 9 (21 de diciembre de 2021): 162–75. http://dx.doi.org/10.25115/raudem.v9i1.5528.
Texto completoResumen
En los albores del Humanismo, ya desde el “otoño de la Edad Media”, se diseña un concepto de musa cuya lectura es fuente de perfección, símbolo de belleza suprema e inalcanzable para el artista y causa de su sufrimiento constante. La imagen exterior se corresponde con un ideal de mujer espiritualizada al extremo, paradójicamente víctima de una divinización que la aparta definitivamente de cualquier dimensión humana. Este trabajo reflexiona sobre los inconvenientes de ser “musa” en la transición de la Baja Edad Media al Renacimiento, centrándose en el corpus de la escuela poética del Dolce Stil Novo.
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Souza, Humberto Da Cunha Alves de, Michel Alves Ferreira y Luiz Ernesto Merkle. ""We're all born naked and the rest is drag": técnicas e tecnologias da performance drag queen". Cadernos de Gênero e Tecnologia 15, n.º 46 (30 de diciembre de 2022): 19. http://dx.doi.org/10.3895/cgt.v15n46.13687.
Texto completoResumen
Este artigo descreve algumas das técnicas da performance drag queen. Ao montar-se, expressão que dá nome ao processo de transformação da expressão de gênero do corpo, o/a artista emprega diversos conhecimentos técnicos que tornam possível a ilusão de um gênero e revelam, a uma só vez, a produção/contingência performativa e tecnológica do próprio gênero. Nos utilizamos de uma metodologia descritiva das técnicas observadas em duas oficinas de maquiagem, combinada com alguns relatos/exemplos históricos de artistas que exerceram a arte drag e, por fim, de tutoriais mais visualizados no Youtube. O objetivo deste trabalho é descrever as técnicas da performance drag queen e, ao explorar este tema, argumentar que tais técnicas também são produtoras de um conhecimento que pode contribuir para uma abordagem mais crítica sobre as técnicas e tecnologias, em que a arte ou performance drag seja, ela própria, compreendida enquanto uma tecnologia de si/de gênero. Não se trata, absolutamente, de dar a estes conhecimentos status científico – como se esta integração fosse necessária para reconhecer estas práticas enquanto conhecimento e saber técnico e tecnológico, ou para fazer justiça social com tais performances, violentamente colocadas à margem da racionalidade e racialidade heteronormativas. O referencial teórico é a teoria da performatividade de gênero de Judith Butler, a noção de tecnologias de si de Michel Foucault, de tecnologias de gênero de Teresa de Lauretis e o mito do ciborgue de Donna Haraway.
7
Almeida de Mello, Júlia. "Mediações poéticas sobre o corpo gordo de Elisa Queiroz e Fernanda Magalhães". ouvirOUver 13, n.º 1 (25 de mayo de 2017): 256. http://dx.doi.org/10.14393/ouv20-v13n1a2017-19.
Texto completoResumen
O presente artigo traz uma interseção entre o projeto poético das artistas brasileiras Elisa Queiroz e Fernanda Magalhães. Ambas possuem produções autorreferenciais que permitem reflexões acerca da corpulência. As artistas provocam os espectadores através de trabalhos feitos em diferentes suportes e superfícies e parecem tensionar as normas e padrões estéticos vigentes na sociedade contemporânea. Para a leitura dos projetos, são considerados os escritos de autores como Donna Haraway (2009), Chantal Mouffe (2007), Whitney Chadwick (2001) e André Rouillé (2005), que tratam de gênero, política e práticas artísticas como política. Os resultados revelam a possibilidade em realizar uma conversa entre as obras das artistas, partindo dos seus corpos para alinhavar discursos concernentes a identidade, gênero e poder.
ABSTRACT
This article provides an intersection between the poetic project from Brazilian artists Elisa Queiroz and Fernanda Magalhães. Both have self-referential productions that allow reflections about corpulence and seem to tighten standards and aesthetic standards prevailing in contemporary society. For the reading of the projects are considered the writings of authors such as Donna Haraway (2009), Chantal Mouffe (2007), Whitney Chadwick (2001) and Andre Rouillé (2005), dealing with gender, political and artistic practices as politics. The results reveal the possibility to hold a conversation between the artists works starting from their bodies to tack speeches concerning identity, gender and power.
KEYWORDS
Art, Elisa Queiroz, Fernanda Magalhães, body, gender.
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Ngongkum, Eunice. "Urban orature and resistance: The case of Donny Elwood". Tydskrif vir Letterkunde 54, n.º 2 (4 de septiembre de 2017): 61–73. http://dx.doi.org/10.17159/2309-9070/tvl.v.54i2.1229.
Texto completoResumen
From their very origins, contemporary African artistic creations have been works of resistance. Born from the struggle against colonialism, these works continued in this trajectory when independence failed to deliver on the aspiration of the masses. Today's artists follow in the footsteps of their predecessors; resisting all forms of social injustice, economic inequality and political oppression that bedevil the post-independence arena. Using resistance aesthetics as critical tool of analysis, this paper seeks to examine the concept of resistance in the music of Donny Elwood. It aims at showing that urban orature, to which category Elwood's music belongs, is one of those sites in the postcolonial context where the struggle for liberation from all forms of oppression is continuously waged. The paper argues that, with its emphasis on sense and rhythm, and not dance, Elwood's music effectively communicates the artist's protest against socio-political contradictions in the postcolonial space while sensitizing the masses on the need for change. The discursive perspectives in his art reside in the interface between social interactions in the urban milieu and urban orature (witnessed in the blend of musical varieties, instruments and message). These effectively register his social commitment as an urban artist.
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Marugán Ricart, Paola María. "El deseo de multiplicar la narrativa única del semiárido brasileño: una metodología del acompañamiento como práctica colectiva, feminista y descolonial". Pacha. Revista de Estudios Contemporáneos del Sur Global 3, n.º 9 (30 de noviembre de 2022): e210143. http://dx.doi.org/10.46652/pacha.v3i9.143.
Texto completoResumen
Este artículo está dedicado al análisis del proceso creativo de TERRANE, que la artista Ana Lira desarrolla en diálogo con Dona Lourdes da Silva, Dona Luzia Simões y Cláudia Oliveira, mujeres pedreiras (obreras) del Sertão do Pajeú, estado de Pernambuco, Nordeste, Brasil. Me propongo examinar la metodología del proceso de creación, así como la elaboración de uno de los libros de artista; con ello busco comprender de qué maneras la artista y las pedreiras, en su hacer poético-político colectivo, interpelan los imperativos del canon moderno-colonial del arte y producen una epistemología y una ética situadas en las condiciones múltiples de ese territorio. El análisis de este texto se ubica en la encrucijada de los estudios culturales y los feminismos descoloniales como un (no)campo de posibilidades teórico-creativas.
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Guimarães, Mariana De Souza. "Casas Invisíveis". Revista Concinnitas 21, n.º 39 (17 de diciembre de 2020): 254–65. http://dx.doi.org/10.12957/concinnitas.2020.50289.
Texto completoResumen
Esse ensaio visual tem como objetivo apresentar um recorte da produção da artista que desenvolve suas pesquisas plásticas e teóricas em artes visuais a partir da investigação do espaço doméstico como espaço de reinvenção e criação de novos mundos em tensionamento com a sustentação do desejo de criação na mulher artista, pesquisadora, mãe, dona de casa.
Tesis sobre el tema "Donna artista"
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Coidessa, Clarissa <1992>. "Donne artiste alla Biennale d’arte di Venezia. Analisi e studio di una partecipazione ancora tutta da scoprire". Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2019. http://hdl.handle.net/10579/14651.
Texto completoResumen
Il presente lavoro intende indagare la presenza delle donne artiste alla Biennale d’arte di Venezia. L’arco temporale preso in considerazione si estende dal 1895, anno di apertura della rassegna veneziana, al 1995, un periodo di cento anni scelto per avere un’ampia visione sulla partecipazione delle artiste espositrici.
Nella prima parte della tesi è stato compiuto un primo lavoro di analisi sui dati: numero delle artiste, quantità e tipologia delle opere presentate per ognuna di esse. Tale ricerca ha riscontrato diverse difficoltà in corso d’opera per la mancanza e in molti casi per l’inesattezza di alcuni dati, problematicità che sono state esposte e giustificate all’interno dell’elaborato. Come principale fonte è stato scelto l’archivio digitale dell’ASAC (Archivio Storico delle Arti Contemporanee) nonché diversi siti disponibili in rete.
Nella seconda parte dello studio si è deciso di adottare una visione più ravvicinata, compiendo da un lato un focus su alcune personalità che si sono particolarmente distinte all’esposizione biennale di Venezia, dall’altro riscoprendo artiste che sono cadute nell’oblio ma che hanno parimenti importanza.
Lo scopo finale del presente lavoro è quello di intraprendere una prima e generale ricerca organica, non ancora compiuta fino ad adesso, su un tema avvincente e ricco di potenzialità come quello della partecipazione femminile alla Biennale di Venezia.
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Tinterri, Vania. "Corpo Pubblico -Corpo Significante". Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2004. http://www.tdx.cat/TDX-0707105-103020.
Texto completoResumen
1. HIPÓTESIS DEL TRABAJOEsta tesis considera el cuerpo como lugar de investigación y creatividad artística, desde un punto de vista marcado por las mujeres artistas y por la presentación y/o representación del cuerpo femenino, en términos propios o cercanos a la escultura y al Arte Público.
El pretexto, para este trabajo, consiste en considerar a las mujeres artistas y a los cuerpos femeninos como identidades que actúan con creatividad, para introducirse y modificar el entorno social.
El objetivo principal es determinar unas posibles definiciones de Cuerpo Público, seleccionando intervenciones creativas que permiten evidenciar cómo el cuerpo, a través del arte, se perfila como un medio colectivo socialmente útil.
2. METODOLOGÍA DE INVESTIGACIÓN
La delimitación del campo de investigación se ha acotado analizando la producción artística femenina del siglo veinte, relacionando y confrontando los datos bibliográficos e iconográficos hallados.
El corpus general de datos, marcado por vacíos, fragmentación y complejidad, ha sido catalogado por orden alfabético y seleccionado, restringiendo el marco de investigación a obras de arte que presentaran el tema del cuerpo o problemas de identidad femenina.
3. RESULTADOS
Analizando las obras de arte, se ha definido el Cuerpo Público, explicando sus características, al desarrollar unos conceptos clave, que han evidenciado dos condiciones principales: una objetiva y otra simbólica, que permiten la recíproca interferencia y/o copresencia, que determina las caracterizaciones y coincidencias que siguen:
- Cuerpo Público como corpus de conceptos y/o acciones.
Corresponde a las obras de arte seleccionadas y al compromiso artístico de las mujeres. Esta primera definición puede entenderse también como Cuerpo Público "extendido". Identifica un "bien" potencialmente alcanzable por todos y ofrece un tránsito, físico o mental, que permite conocer y re-conocerse.
- Cuerpo Público "plástico", asumido como material y medio y "objeto/sujeto plasmable" del arte. Esta segunda hipótesis puede equivaler a la de Cuerpo Público como "escultura viviente", patente en la performance y en el Body Art.
- Cuerpo Público que atañe al Arte Público, entendido como actitud colectiva y democráctica, por implicar a más autores y al público en la configuración de la obra de arte y/o por expresarse en "espacios" de uso público. Debe considerarse la capacidad de dialogar y colaborar entre identidades. Puede corresponder a una práctica artística para los "asuntos públicos" que podría convertirse en "razón de estado". Esta tercera propuesta puede sumarse al concepto de Cuerpo Público "político", como libre presentación y/o representación del "cuerpo" y capacidad de mediar democráticamente. Implica el consenso de los interesados al lugar y la apropriación social del acontecimiento.
- Cuerpo Público "autobiográfico", como explicitación pública de una mirada privada individual que puede tener resoncia en una mirada pública colectiva. Debate las necesidades relativas a una vivencia local/global y puede configurarse en "multi-identidad". Esta última consideración puede coincidir con Cuerpo Público como identidad "híbrida" interpretada como actitud sincrónica e interdisciplinar.
4. CONCLUSIONES
Los resultados obtenidos se indican como parciales y revisables y no pretenden dictar pautas estrictas.
En concreto, el tema del Cuerpo Público ha ofrecido la posibilidad de desarrollar con creatividad un género que atañe la investigación del Arte Público, con la intención de contribuir a llenar unos vacíos histórico-artísticos y fomentar la curiosidad de futuros investigadores.
Se ha demostrado cómo es posible repensar el papel del arte, gracias a la creatividad de las artistas, y cómo se pueden insertar nuevas lecturas del arte dentro de la historiografía oficial.
Se ha puesto de manifiesto, además, cómo la obra de arte puede representar una posible solución a los problemas sociales, junto a la calidad y actualidad de:
- la atención siempre más frecuente hacia el Arte Público.
- los temas que se ocupan de estudios de género.
- la importancia del cuerpo come eje de investigación.
The basic notions in this doctoral dissertation arise from looking upon the body as the site for artistic research and creativity. Specifically, such an analysis is deduced from the point of view of female artists, and from the presentation and/or representation of the female body in terms that are peculiar or closely related to sculpture and Public Art.
The pretext for this research plan comes down to considering female artists and female bodies as entities capable of behaving with creativity, in order to gain access into the social fabric and so influence society.
This dissertation therefore introduces some creative works by female artists, which can be defined as "public body", and they allow demonstration of how, by means of art, the body presents itself as a collective and socially useful resource.
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Tinterri, Vania. "Corpo Pubblico - Corpo Significante". Doctoral thesis, universitat de barcelona, 2004. http://www.tdx.cat/tdx-0707105-103020.
Texto completoResumen
1. hipótesis del trabajoesta tesis considera el cuerpo como lugar de investigación y creatividad artística, desde un punto de vista marcado por las mujeres artistas y por la presentación y/o representación del cuerpo femenino, en términos propios o cercanos a la escultura y al arte público.
el pretexto, para este trabajo, consiste en considerar a las mujeres artistas y a los cuerpos femeninos como identidades que actúan con creatividad, para introducirse y modificar el entorno social.
el objetivo principal es determinar unas posibles definiciones de cuerpo público, seleccionando intervenciones creativas que permiten evidenciar cómo el cuerpo, a través del arte, se perfila como un medio colectivo socialmente útil.
2. metodología de investigación
la delimitación del campo de investigación se ha acotado analizando la producción artística femenina del siglo veinte, relacionando y confrontando los datos bibliográficos e iconográficos hallados.
el corpus general de datos, marcado por vacíos, fragmentación y complejidad, ha sido catalogado por orden alfabético y seleccionado, restringiendo el marco de investigación a obras de arte que presentaran el tema del cuerpo o problemas de identidad femenina.
3. resultados
analizando las obras de arte, se ha definido el cuerpo público, explicando sus características, al desarrollar unos conceptos clave, que han evidenciado dos condiciones principales: una objetiva y otra simbólica, que permiten la recíproca interferencia y/o copresencia, que determina las caracterizaciones y coincidencias que siguen:
- cuerpo público como corpus de conceptos y/o acciones.
corresponde a las obras de arte seleccionadas y al compromiso artístico de las mujeres. esta primera definición puede entenderse también como cuerpo público "extendido". identifica un "bien" potencialmente alcanzable por todos y ofrece un tránsito, físico o mental, que permite conocer y re-conocerse.
- cuerpo público "plástico", asumido como material y medio y "objeto/sujeto plasmable" del arte. esta segunda hipótesis puede equivaler a la de cuerpo público como "escultura viviente", patente en la performance y en el body art.
- cuerpo público que atañe al arte público, entendido como actitud colectiva y democráctica, por implicar a más autores y al público en la configuración de la obra de arte y/o por expresarse en "espacios" de uso público. debe considerarse la capacidad de dialogar y colaborar entre identidades. puede corresponder a una práctica artística para los "asuntos públicos" que podría convertirse en "razón de estado". esta tercera propuesta puede sumarse al concepto de cuerpo público "político", como libre presentación y/o representación del "cuerpo" y capacidad de mediar democráticamente. implica el consenso de los interesados al lugar y la apropriación social del acontecimiento.
- cuerpo público "autobiográfico", como explicitación pública de una mirada privada individual que puede tener resoncia en una mirada pública colectiva. debate las necesidades relativas a una vivencia local/global y puede configurarse en "multi-identidad". esta última consideración puede coincidir con cuerpo público como identidad "híbrida" interpretada como actitud sincrónica e interdisciplinar.
4. conclusiones
los resultados obtenidos se indican como parciales y revisables y no pretenden dictar pautas estrictas.
en concreto, el tema del cuerpo público ha ofrecido la posibilidad de desarrollar con creatividad un género que atañe la investigación del arte público, con la intención de contribuir a llenar unos vacíos histórico-artísticos y fomentar la curiosidad de futuros investigadores.
se ha demostrado cómo es posible repensar el papel del arte, gracias a la creatividad de las artistas, y cómo se pueden insertar nuevas lecturas del arte dentro de la historiografía oficial.
se ha puesto de manifiesto, además, cómo la obra de arte puede representar una posible solución a los problemas sociales, junto a la calidad y actualidad de:
- la atención siempre más frecuente hacia el arte público.
- los temas que se ocupan de estudios de género.
- la importancia del cuerpo come eje de investigación.
the basic notions in this doctoral dissertation arise from looking upon the body as the site for artistic research and creativity. specifically, such an analysis is deduced from the point of view of female artists, and from the presentation and/or representation of the female body in terms that are peculiar or closely related to sculpture and public art.
the pretext for this research plan comes down to considering female artists and female bodies as entities capable of behaving with creativity, in order to gain access into the social fabric and so influence society.
this dissertation therefore introduces some creative works by female artists, which can be defined as "public body", and they allow demonstration of how, by means of art, the body presents itself as a collective and socially useful resource.
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Spadaccino, Camilla <1996>. "La rappresentazione della maternità da parte delle artiste cinesi contemporanee: controllo esterno sul corpo delle donne e reazioni dall'interno". Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2022. http://hdl.handle.net/10579/21654.
Texto completoResumen
L’analisi alla base di questo elaborato parte dal presupposto che il controllo sulle scelte e sui corpi delle donne riguardanti le condizioni e i dettagli della gravidanza e dell'esperienza della maternità sia guidato da diverse forze: il Partito Comunista Cinese, la famiglia, il pensiero confuciano. Questi elementi hanno tuttora un peso nel contesto culturale cinese, avendo questi una storia e un’influenza rilevanti. Allo stesso tempo, le reazioni di chi ha vissuto queste dinamiche in prima persona sono importanti non solo in relazione alla conseguente produzione artistica da parte delle artiste cinesi, ma anche come empowerment, acquisito da donne e artiste grazie a un punto di vista, quando non un vissuto, diversi da quello della controparte maschile. È necessario prendere in considerazione la percezione e il significato dato alla maternità e al ruolo delle madri in Cina per cogliere il potere contemporaneo della rappresentazione della maternità. Tenendo in considerazione diversi elementi, tra cui quelli che continuano a definire standard e modelli della maternità, decostruire e ricostruire l'immagine delle madri in Cina sono una parte principale del discorso, a partire dalle teorie sociali e culturali fino al coinvolgimento del femminismo e all'arte contemporanea. Partendo da questa prospettiva, e citando anche artisti contemporanei cinesi, quando in relazione con la maternità, il mio elaborato si vuole concentrare sulla produzione successiva agli Ottanta del Novecento delle artiste cinesi contemporanee, in particolare di Lin Tianmiao, Xiang Jing, Yu Hong, Xing Danwen, He Chenyao, Patty Chang. Nel corso dello scorso secolo si è assistito a un crescente interesse per i diritti, le percezioni e le voci delle donne, ma mancano ancora rappresentazioni femminili e femministe di ciò che sappiamo essere tabù. Questo comprende anche la discriminazione di genere – affrontata in modo discontinuo nel corso del Novecento in Cina, ma sempre subordinata a questione di ordine e costruzione sociale ed economica del paese – e il pregiudizio per cui non vi possono essere madri femministe. Tenendo conto della storia delle madri cinesi e dei movimenti femministi globali, il tema della produzione contemporanea femminile cinese e della produzione di quest’ultime è ancora lontano dall'essere pienamente esplorato.
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Casas, Llogari. "Creació de models humans sintètics, home i dona, aptes per a aplicacions tecnològiques i científiques". Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/386515.
Texto completoResumen
Als artistes l’estudi de l’anatomia els serveix, ens serveix, per entendre la relació entre la forma exterior i les estructures responsables de la creació d’aquesta forma. En aquest treball seguiré un enfocament similar en el desenvolupament de models basats en l'anatomia, especialment pel que fa als músculs i als ossos. Consideraré la influència de la musculatura en les formes superficials i desenvoluparé uns models de musculatura que s’adaptin automàticament als canvis de la postura d'un esquelet articulat subjacent que farà les funcions d’esquelet funcional. Els models s'implementaran en un llenguatge que ofereix uns mecanismes i procediments útils per definir i manipular models articulats de forma que a posteriori i amb un maquinari molt més potent també sigui aplicable a altres parts del cos humà no visibles (en el sentit d’afectables) des de la morfologia externa com poden ser el sistema limfàtic, el digestiu o el circulatori dels quals no se’n farà l’animació degut a la gran quantitat de recursos que es necessiten com a conseqüència de l’elevat nombre de polígons que contenen. Per mostrar el funcionament d’aquest procediment l’aplicaré en diverses situacions als dos models de figura humana realitzats en aquest treball.
En aquesta tesi abordaré el procés de modelat d’un cos humà masculí sintètic i d’un de femení fent ús d’un software de representació tridimensional.
L'objectiu final és la realització d'un model humà tridimensional d’home i d’un de dona amb la màxima fidelitat possible a la realitat. Els moviments i les animacions obtingudes amb ambdós models estaran sota llicència de Creative Commons per tal de fer viable els dos aspectes següents:
1. Que d’una banda aquests resultats puguin ser emprats pels estudiants d’arts en general i d’animació en particular per assolir coneixements anatòmics i poder així estudiar i analitzar postures i moviments que d’altra manera serien difícils de retenir.
2. Que en formar part d’una base de dades de moviments i estar aquests sota una llicència compartida tots ens puguem beneficiar de les aportacions que algú altre pugui també fer i incorporar a posteriori en aquesta base de dades.
Aquest treball està estructurat en quatre capítols.
En el Capítol I hi trobem una part introductòria on es detallen els antecedents històrics pel qu fa al procediment emprat, es justifica la realització del treball i es fa un repàs de les dues gransestructures, axial i apendicular, com a responsables de la major part de la geometria visible del cos humà
El Capítol II fonamenta teòricament la creació de gràfics 3D en general, el sistema de modelat emprat tot comparant-lo amb els altres sistemes i el procés tècnic de riggejat i mapejat del models generats.
En el Capítol III es detallen les característiques necessàries que han de reunir els esquelets funcionals per poder rebre animació de forma automatitzada i s’aplica l’animació a aquests a partir d’arxius MoCap.
En el Capítol IV es detalla la implementació de les animacions en quatre simuladors 3D i es valoren les possibilitats que té cadascún i les funcionalitats que podrà fer servir l’usuari.
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Scappini, Alessandra. "L’immaginario simbolico e archetipico nelle opere pittoriche e negli scritti di Remedios Varo: un itinerario creativo a confronto con le idee, le opere e le tecniche surrealiste". Doctoral thesis, 2021. http://hdl.handle.net/2158/1237729.
Texto completoResumen
This research is a specific study on the artist Remedios Varo (Anglès, 1908 - Mexico City, 1963), between her creative and existential experience, with the intention of examining a unique personality, which has contributed to enriching with her own creative path the artistic world and the international literary climate of the 20th century. Her own itinerary develops in relation to the surrealist avant-garde, because the artist knows this current between the 1930s and 1940s and builds relationships with some of its exponents, but she works autonomously and her research depends on her desire for self-realization and its divergent nature. In fact, she always shows resistance to joining the avant-garde movement because she prefers to keep her distance, avoiding any classification. Critical studies of her paintings and written papers, especially in the last decades, have valued and rediscovered Remedios Varo as a singular figure in artistic history and in contemporary criticism. Her legacy is distinguished by her authenticity and experimentation in the cultural and historical context of the aforementioned years and in the decades following the 20th century, until her death in 1963. The intention is to analyze and explore aspects of her itinerary as a combination of art and life for understanding, through philological and comparative analysis of sources, of avant-garde influences founded by André Breton in 1924 and to see how she is able to integrate and modify them in her work and to separate herself from the movement to continue your own itinerary, especially when she migrate in Mexico. We undertake a complete analysis of her works and documents, through comparison, to clarify the similarities and differences with respect to the typical elements of the avant-garde, such as psychic automatism in relation to automatic writing, the game of the exquisite corpse and fortuitous juxtaposition and the disorienting effect, omnipotence of desire, dream as vision and potential of the imaginary, metamorphism and critical paranoia, alchemical transmutation, irony regarding black humor, the concepts of space and time, the totemic and symbolic object and its connection with examples of works of surrealist authors. This to also study the relationships, as poetics, concepts and artistic productions, with Esteban Francés, Óscar Domínguez, Benjamin Péret, Victor Brauner, trying to also examine the influeneces in her creative itinerary of Salvador Dalí and Luis Buñuel, to understand her role in an environment of men, considering that the group consisted predominantly of male figures, and her heterodox position. At the same time we try to deepen her relationship with female figures such as the artist friend Leonora Carrington when she lives in Mexico City, during her voluntary exile, to identify, through published documents and other unpublished ones that have appeared in recent years, each of the still hidden facets of her original career, as an artist and a woman, but mainly as a person, which reflects the cultural nomadism of our time.
Questa ricerca è uno studio specifico sull’artista Remedios Varo (Anglès, 1908 - Città del Messico, 1963), tra la sua esperienza creativa ed esistenziale, nell’intenzione di esaminare una personalità unica, che ha contribuito ad arricchire con il suo percorso creativo il mondo artistico e il clima letterario internazionale del XX secolo. Il suo itinerario si sviluppa in relazione all’avanguardia surrealista, perché l’artista conosce questa corrente tra gli anni Trenta e Quaranta del novecento e costruisce relazioni con alcuni dei suoi esponenti, ma lavora autonomamente e la sua ricerca dipende dal suo desiderio di autorealizzazione e dalla sua natura divergente. In realtà, mostra sempre resistenza a unirsi al movimento d’avanguardia perché preferisce mantenere le distanze, evitando qualsiasi classificazione. Gli studi critici dei suoi dipinti e scritti, soprattutto negli ultimi decenni, hanno rivalutato e riscoperto Remedios Varo come una figura singolare nella storia artistica e nella critica contemporanea. La sua eredità si distingue per la sua autenticità e sperimentazione nel contesto culturale e storico degli anni menzionati e nei decenni successivi del novecento, fino alla sua morte nel 1963. L’intenzione è quella di analizzare ed esplorare aspetti del suo itinerario come una combinazione di arte e vita per la comprensione, attraverso l’analisi filologica e comparativa delle fonti, delle influenze dell’avanguardia fondata da André Breton nel 1924 e per capire come è in grado di integrarle e modificarle nel suo lavoro e di separarsi dal movimento per continuare il proprio itinerario, soprattutto quando migra in Messico. Intraprendiamo un’analisi completa delle sue opere e dei suoi documenti, per cogliere, attraverso il confronto, le somiglianze e le differenze rispetto agli elementi tipici dell’avanguardia, come l’automatismo psichico in relazione alla scrittura automatica, il gioco del cadavere squisito, la giustapposizione fortuita e l’effetto disorientante, l’onnipotenza del desiderio, il sogno come visione e potenziale dell’immaginario, il metamorfismo e la paranoia critica, la trasmutazione alchemica, l’ironia rispetto all’umor nero, i concetti di spazio e tempo, l’oggetto totemico e simbolico e la sua connessione con esempi di opere di autori surrealisti. Questo è oltremodo utile anche per esaminare le relazioni, come poetica, concetti e produzioni artistiche, con Esteban Francés, Óscar Domínguez, Benjamin Péret, Victor Brauner, cercando di individuare anche le influenze nel suo itinerario creativo di Salvador Dalí e Luis Buñuel, per capire il suo ruolo in un ambiente di uomini, considerando che il gruppo era prevalentemente costituito da figure maschili, e precisare la sua posizione eterodossa. Al tempo stesso tentiamo anche di approfondire in questo studio il suo rapporto con le figure femminili come l’amica artista Leonora Carrington, quando vive in “esilio volontario” a Città del Messico. L’intento è di identificare, attraverso documenti pubblicati e altri inediti apparsi negli ultimi anni, ognuna delle sfaccettature ancora nascoste del suo percorso originale, come artista e donna, ma principalmente come persona che riflette il nomadismo culturale del nostro tempo.
Libros sobre el tema "Donna artista"
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Nicoletti, Italia. Italia Nicoletti: Artista e donna speciale. Matera: Edizioni Magister, 2017.
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Imarisio, Eligio. Donna poi artista: Identità e presenza tra Otto e Novecento. Milano: FrancoAngeli, 1996.
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3
Vigée-Lebrun, Louise-Elisabeth. Viaggio in italia di una donna artista: I souvenirs di Elisabeth Vigée Le Brun : 1789-1792. Milano: Electa, 2004.
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4
Cameron, Donna. Donna Cameron. New York: Spuyten Duyvil, 2007.
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5
editor, Mauro Alessandra y Palazzo reale di Milano, eds. Prima, donna. Roma: Contrasto, 2020.
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6
Morrione, Gabriele. Grammatica di donna. [Cittá di Castello, Italy]: Borla, 1986.
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7
Jesse, Locker, Portland Art Museum (Or.), Arte Italia (Organization), Nevada Museum of Art y Milwaukee Art Museum, eds. Raphael: La donna velata = The woman with the veil. Portland, Or: Portland Art Museum, 2009.
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8
1922-, Bentivoglio Mirella, Rocca Roveresca (Senigallia Italy) y Senigallia (Italy) Museo dell'informazione, eds. Volùmina: Arte donna, Rocca Roveresca, Senigallia. Senigallia: Comune di Senigallia, Museo dell'informazione, 1990.
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9
Brandigi, Eleonora, ed. Videovoci. Interviste a scrittrici. Florence: Firenze University Press, 2011. http://dx.doi.org/10.36253/978-88-6453-277-6.
Texto completoResumen
Videovoci brings together seventeen interviews with writers and artists carried out by the Association Archivio per la memoria e la scrittura delle donne "Alessandra Contini Bonacossi" from 1998 on, within the framework of the project Archivio della scrittura delle donne in Toscana dal 1861 ad oggi (www.archiviodistato.firenze.it/memoriadonne). The publication of Videovoci. Interviste a scrittrici is in fact the result of a ten-year scientific and research project conceived with the aim of valorising the female culture, Italian and other, present in Tuscany. The result of this project takes the form of seventeen speaking biographies: seventeen self-portraits which, with the force of the image and the voice, engage the reader-spectator in a dialogue on the meaning of literary, artistic and political commitment. The video interviews can be consulted at this address: videovoci.fupress.net/
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Winspeare, Maddalena Paola. Donne & colori: Artiste nei musei statali fiorentini = Women & colours : women artists in the Florentine state museums. Livorno [Italy]: Sillabe, 2002.
Buscar texto completoCapítulos de libros sobre el tema "Donna artista"
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Ito, Atsuhide. "Hauntology of the Machinic". En Machine Law, Ethics, and Morality in the Age of Artificial Intelligence, 126–44. IGI Global, 2021. http://dx.doi.org/10.4018/978-1-7998-4894-3.ch008.
Texto completoResumen
The chapter observes the distinction between the mechanical and the machinic, and moves beyond the metaphors of android (Metropolis), or cyborg (Donna Haraway), and considers how the machinic has brought new cognitive patterns for human subjects to interact with their environment and others. Artists' dislocation from the central agent of production has opened passages for the posthuman mode of production. Consequently, the machine has become an integral part of artwork and of the artist. Contrary to this development, some artists retain the machine's materiality as a form of Other. The chapter argues that the machine remains as a form of externalization of the Other within the human subject.
2
Wink, Paul. "Prima Donna Assoluta". En Prima Donna, 9–38. Oxford University Press, 2021. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780190857738.003.0002.
Texto completoResumen
This chapter “Prima Donna Assoluta: Psychological Mysteries,” uses two performances of Donizetti’s Anna Bolena to illustrate how, within the space of one year (1957–1958), Callas went from being the darling of Milan’s La Scala audiences to its utmost villain. This shift in attitude resulted from a series of cancelled appearances, including the infamous Roman fiasco. Callas’s polarization of public opinion reflects her own tendency to view the world in black or white terms. This dichotomy is a hallmark of a narcissistic self that oscillates between grandiosity and vulnerability without allowing for shades of gray in self-evaluation. These two faces of narcissism capture the disjunction between the self-assured and imperial la Callas, the operatic diva, and the vulnerable and insecure Maria, the woman. It is not Callas’s grandiosity and entitlement but her consciously experienced vulnerability, along with the sheer brilliance of her artistry, that distinguishes her personality from her operatic peers.
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Wink, Paul. "Introduction". En Prima Donna, 1–8. Oxford University Press, 2021. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780190857738.003.0001.
Texto completoResumen
The “Introduction” traces the author’s interest in Maria Callas to his initial forays into the world of opera as a psychology graduate student at the University of California, Berkeley. It describes his research credentials as an expert in the fields of adult development and narcissism. A summary of major turning points in Callas’s life is used to show how the interplay between healthy (creativity) and less healthy (a split between an unintegrated sense of grandiosity and vulnerability) aspects of narcissism shed light on the magic of her artistry and the tragic ending to her life.
4
Wink, Paul. "Product of Her Mother’s Imagination". En Prima Donna, 67–88. Oxford University Press, 2021. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780190857738.003.0004.
Texto completoResumen
This chapter, “Product of Her Mother’s Imagination,” probes the origins of Callas’s life-long conviction that she was celebrated not for her intrinsic worth but for her exceptional talent. Callas developed early in life an ambition to become a celebrated artist, one that she pursued with fierce dedication and commitment. Yet throughout her life she maintained that her career had been imposed upon her, that her mother compelled her to sing professionally, and this lingering view led to an ambivalent relationship with the world of opera. Callas’s sense of superiority derived from being celebrated by her mother as a gifted child but coincided with feelings of vulnerability and inferiority reflecting her perception that she was loved only because of her voice. Her feelings of being unloved and inferior were further exacerbated by her mother’s favoring of Maria’s older sister Jackie and the emphasis placed on physical appearance in the Callas household.
5
Wink, Paul. "An Athenian Interlude". En Prima Donna, 89–118. Oxford University Press, 2021. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780190857738.003.0005.
Texto completoResumen
This chapter, “An Athenian Interlude,” analyzes a major turning point in Callas’s life associated with her move, at age thirteen, from New York City to Athens. In Athens, she experienced poverty, personal humiliation, and, during the World War II years, threats to her life. But her singing benefited from the strong mentorship she received from Elvira de Hidalgo, which helped launch her operatic career. Callas’s success as a singer with the Greek National Opera fueled resentment among her older and more established colleagues who envied her talent and resented being dethroned by a mere teenager who spoke Greek with an American accent. Poverty and conflicted relations at home with her mother and sister failed to compensate Callas for hostility at work. A significant gain in weight further undermined her self-confidence. Her experiences during the seven years spent in Athens exacerbated the split between Callas, the self-assured artist, and Maria, the vulnerable young woman.
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Wink, Paul. "I Gave You Everything". En Prima Donna, 159–94. Oxford University Press, 2021. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780190857738.003.0007.
Texto completoResumen
This chapter, “I Gave You Everything,” analyzes Callas’s magic as a stage performer and the revolutionary nature of her short career that continues to resonate today. Her dark and penetrating voice was very different from the light voices of the coloratura sopranos who dominated bel canto roles in the first half of the twentieth century. The power of Callas’s artistry was the product not only of her voice and her musicianship, but also of her acting ability, her enormous capacity to render emotional truth and merge with her audiences. Her vision of opera as combining singing and acting in the joint pursuit of emotional truth meant an emphasis on the cohesion and integrity of the entire performance. Callas’s perfectionism drove her dynamic success but it also prevented her from dealing effectively with escalating vocal difficulties resulting from a precipitous loss of weight and undertaking overly taxing roles early in her career.
7
Wink, Paul. "Nothing Left to Give". En Prima Donna, 233–74. Oxford University Press, 2021. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780190857738.003.0009.
Texto completoResumen
This chapter, “Nothing Left to Give,” focuses on Callas’s life after the breakup with Onassis. Never a quitter, Callas showed resolve in dealing with the abandonment but was ultimately unable to find meaning in life nor derive satisfaction from her past accomplishments. She accepted the leading role in Pasolini’s film Medea that, despite critical acclaim, was a box office failure. Her master classes at New York’s Juilliard School exposed Callas’s limitation in conveying to others her idiosyncratic artistic skills. Reviving their singing partnership, Callas embarked in 1973 on a year-long concert tour with Giuseppe Di Stefano, the success of which was undermined by her visibly deteriorated voice. Following the tour and the death of Onassis, who continued to be the love of her life, Maria died at age fifty-three, secluded in a Paris apartment. She spent the last decade of her life battling feelings of emptiness, envy, and despair.
8
Coidessa, Clarissa. "Le donne artiste alla Biennale d’arte di Venezia". En Storie della Biennale di Venezia. Venice: Edizioni Ca' Foscari, 2019. http://dx.doi.org/10.30687/978-88-6969-366-3/004.
Texto completoResumen
This study on the theme of female participation at Venice Biennale from 1895 to 1995 contains data that allow us to outline the history of their participation, also in comparison of the male one. In order to limit the number of the analised artists and in order to carry out a more in-depth analysis, the first ten editions of Venice Biennale (1895-1912) were chosen: for this reason, the sculpture sector was also preferred as case study. A specific situation of the Venetian exhibition has been discovered. The artistic training of some sculptors and the study of art history made it possible to understand the role of women.
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Missero, Dalila. "The Beginning of the End? Depoliticised Feminism in Fellini’s City of Women". En Women, Feminism and Italian Cinema, 97–106. Edinburgh University Press, 2021. http://dx.doi.org/10.3366/edinburgh/9781474463249.003.0009.
Texto completoResumen
This chapter focuses on a late film of Federico, La città delle donne (City of Women, 1980), which benefitted of the collaboration of a group of feminist intellectuals, artists and activists. By reconstructing the creative and political implications of this collaboration, the chapter uses this film as a prism to look at the shifts occurred in the strategies of the feminist movement by the late 1970s.
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Sammern, Romana. "Treating Bodily Impurities: Skin, Art, and Medicine". En Indecent Bodies in Early Modern Visual Culture. Nieuwe Prinsengracht 89 1018 VR Amsterdam Nederland: Amsterdam University Press, 2022. http://dx.doi.org/10.5117/9789463725835_ch04.
Texto completoResumen
Early modern physicians, theorists, and artists shared a knowledge of the human body that merged aesthetics with empirical knowledge about the realities of the physical constitution. For instance, books of secrets, such as Giovanni Marinello’s ‘Women’s Embellishments’ (Gli ornamenti delle donne, 1562), discussed at great length ‘infirmities’ of the skin, including stains, odours and bodily fluids that unsettled normative beauty standards. This essay considers examples of such ambivalent discourses in medical writings (Mercurialis) and books of secrets (Marinello, Della Porta) written in humanistic settings with regard to treatments of the body such as cosmetics practices in the context of Early Modern dietetics.
Actas de conferencias sobre el tema "Donna artista"
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Caplliure, Johanna. "Embrazing the worlding. Zheng Bo y una política de mundos posibles". En V Congreso Internacional de Investigacion en Artes Visuales ANIAV 2022. RE/DES Conectar. València: Editorial Universitat Politècnica de València, 2022. http://dx.doi.org/10.4995/aniav2022.2022.15491.
Texto completoResumen
“Dao is ubiquitous, and all embracing”. Zhuang Zhou Igual que el Dao (la vía, la manera), nuestra teoría de mundos posibles –inspirada en el worlding de Donna Haraway y la cosmopolitique de Isabelle Stengers – es ubicua y lo abarca todo. Las últimas décadas nos han mostrado un mundo en colapso al borde de la extinción: la crisis climática, el agotamiento de los recursos energéticos, el fortalecimiento de las ideologías de extrema derecha, los crímenes de odio y la crisis sanitaria (después del ataque de la Covid 19 a lo largo del año 2020), la desaparición de especies animales y vegetales, así como de modos de vida que creíamos “normales” y que se han cuestionado todavía más con el agravamiento de las faltas de libertades, la vídeo-vigilancia y el teletrabajo han hecho aflorar una serie de discursos utópicos y distópicos de manera desorbitada. Estos nos han recolocado sobre maneras de conectar, pero también de desconectar buscando nuevos modelos basados en la atención del presente, la contemplación de lo pequeño y cercano o el interés por una poética y política de vuelta a la naturaleza para encontrar otras formas de relación más allá de lo humano como parte de un agenciamiento global multiespecie. En las artes visuales de la última década apreciamos una insistente inquietud por estas cuestiones multiplicándose investigaciones y trabajos que vislumbran nuevos mundos a través de narraciones especulativas que nos enseñen a vivir y morir con otros (Haraway). El artista chino Zheng Bo, desde una perspectiva eco-queer, pondría atención en una teoría de los afectos y en una política de las plantas capaz de albergar una comunidad global multiespecie reconectando con formas de hacer que apuestan por la vida en común. De esta manera, nos gustaría presentar algunos de sus trabajos orientados a explorar otras formas de vida y prácticas sociopolítico-artísticas que pareciendo irrepresentables muestran la interdependencia entre especies. Además, ahondaremos en nuestra teoría de mundos posibles como una política de lo común a través de las narraciones especulativas elaborada en estos últimos años.