Tesis sobre el tema "Diffusion de la culture – États-Unis – 20e siècle"

Pour analyser la complexité du système culturel américain, cette recherche part du rôle de l'Etat (1ère partie "Politique de la culture") qui suit la création des agences culturelles fédérales, leur déclin et décrypte les « politiques de la culture » des administrations américaines jusqu'à aujourd'hui. Parallèlement, le rôle des États et des villes est analysé à travers les mécanismes décentralisés du financement de la culture. A ce point, il est possible de saisir les raisons de la faiblesse du rôle public. Dans une deuxième partie ("La société de la culture"), la recherche se fonde sur une analyse de la philanthropie, des fondations et du rôle majeur des universités dans l'art. A partir de centaines de documents d'archives (dont 434 en annexes) et de plus de 700 interviews réalisés dans 35 Etats et 110 villes américaines, le « modèle » culturel américain apparaît dans son originalité et sa complexité, ni dépendant de l'Etat, ni véritablement influencé par le marché
In order to analyze the complexity of the « American cultural system », this PhD dissertation begins in Part I (“Government of the arts”) with the role of the government following the creation of the federal arts agencies, examines the decline of these agencies, and deciphers the “cultural politics” (“politiques de la culture”) of subsequent American administrations to the present day. At the same time, the role of state and local governments is analyzed within the context of the decentralized mechanisms of arts funding. By this point, the limited role of the public sector becomes more comprehensible, for reasons that include the democratic ideal itself. In Part II (“Society and the arts”), this dissertation looks at philanthropy, foundations and the important role of universities play in the arts. Through hundreds of archival documents (among 434 as appendices) and more than seven hundred interviews in 35 states and 110 American cities, the American cultural model” appears in all its singularity and complexity, largely “nonprofit”, neither dependent on the state, nor truly influenced by the market

L'evangelicalism est un protestantisme conservateur qui attache une valeur intangible au texte biblique et insiste sur la foi personnelle. Mais aussi, dans les traditions revivalistes wesleyenne et américaine des XVIIIe et XIXe siècles qui l'ont périodiquement renouvelé, l'evangelicalisin contemporain est un ensemble d'organisations dont l'origine peut remonter a la reforme du XVIe siècle et dont les plus récentes ont été créées au cours des années étudiées dans cette thèse (1970-1990). Ce sont des milliers d'églises locales indépendantes, des centaines de regroupements d'églises locales dits << dénominations >> ou << fellowships >>, et des milliers d'organisations de service autonomes de type para-ecclésial (parachurch organisations). S'y ajoutent des membres d'églises libérales. Organisations et individus partagent des convictions et des sensibilités communes. Cette mouvance constitue environ un cinquième florissant de la population du pays. L'égalité des clercs et des laïcs (concept du sacerdoce universel), associée au gout de la démocratie participative américaine rend les evangelicals copropriétaires de leurs organisations et multiplie les initiatives et les ressources. La fragilisation de l'identité du pays, apparue au milieu des années 1960 et un sentiment d'attente millénariste ont multiplié depuis les efforts de protection identitaire et d'expansion missionnaire des evangelicals. Leur sens de l'organisation pour la diffusion de leur cause a bénéficie de l'homogénéisation technique du pays et a su créer des réseaux efficaces de contacts, notamment par la radio et la télévision.

Se concentrant sur les trois expositions internationales du surréalisme organisées sur le continent nord-américain entre 1940 et 1960, cette étude examine les points où ces manifestations se croisent avec les pratiques et les discours culturels locaux. Les questions identitaires, de la réception, de la traduction, et de la diffusion sont au cœur de cette analyse, qui explore comment les dimensions transculturelle et transnationale du mouvement surréaliste se négocie aux Amériques. Les différences géopolitiques, lourdes des propos nationalistes et impérialistes, nés du colonialisme et réactivés par les hostilités globales, se jouent également sur le terrain culturel. Les expositions internationales du surréalisme – Exposición Internacional del Surrealismo, First Papers of Surrealism and Surrealist Intrusion in the Enchanters' Domain – offrent ainsi une « zone de contacts », un espace mitoyen et un catalyseur de rencontres, de débats, de mutation et de dissémination. La réception initiale du surréalisme dans les années 1930 fournit l'arrière plan des expositions à Mexico et New York, en 1940 et 1942 respectivement. Ces événements amplifient les différences et les contradictions inhérentes à la transmission des idéaux du mouvement. Pendant les années 1940 et 1950, la promotion institutionnelle et commerciale s'accroît et se répand géographiquement vers la côte ouest, à Chicago et à Houston, un phénomène lié au déclin de l'intérêt pour le mouvement à New York. Eclipsé par l'expressionnisme abstrait américain dans l'après-guerre, le surréalisme revient néanmoins sur la scène new yorkaise au début des années 1960, ce qui témoigne de son dynamisme et de son influence.

Les relations croisées entre France et États-Unis sont faites de nombreux échanges, dont les circulations théoriques et leurs réappropriations fictionnelles, toutes deux révélatrices des caractéristiques des deux nations. Analysés tout au long du XXème siècle, à la fois sous l’ère moderne et sous l’ère postmoderne, ces échanges culturels et artistiques très particuliers reflètent l’évolution de la relation entre les deux pays, marquée par les progrès de la jeune Amérique en matière d’arts et de culture, par son autonomie grandissante vis-à-vis du modèle français et par la fin du rapport de maître à élève qui avait jusque-là uni les deux territoires. Ils mettent également en lumière la construction culturelle de chaque espace, faite d’emprunts à l’autre territoire mais aussi d’une prise de distance à son égard, nécessaire à qui veut se doter d’une identité propre et d’une singularité bien marquée. La naturalisation des données étrangères importées apparaît dès lors comme un phénomène incontournable des échanges culturels franco-américains, signe à la fois de la quête d’autonomie de chacun et de la volonté de se démarquer d’un Autre qui séduit depuis toujours mais provoque aussi de violentes réactions de rejet
Relationships between France and the United States of America are built around lots of exchanges, including the flow of theories and the fictional re-appropriations revealing characteristics of both nations. Observed all along the twentieth century, in both modern and postmodern times, these very special cultural and artistic exchanges reflect the evolution of the relationship between the two countries, characterized by the progress of an America new to arts and culture, by its self-consciousness towards French example and by the end of the teacher-pupil interaction which had linked these two countries until then. Moreover, they highlight the cultural construction of each land, made by theoretical borrowings from the other side, as well as its estrangement from it in order to forge its own national identity and singularity. In this perspective, naturalisation of foreign imported materials seems to be a necessary phenomenon to the cultural exchanges between France and the United-States of America, sign of the quest of autonomy of each side and the will to distinguish from an Other who has always fascinated but also created violent rejection

Notre étude a pour objet la réception de l'oeuvre de l'artiste américain Robert Mapplethorpe (1946-1989). Par l'examen des expositions et des publications, elle permet de retranscrire l'évolution du discours critique. Ce dernier est considéré pour ses lacunes dans le contexte polémique des Culture Wars — conflit latent marqué par des batailles idéologiques opposant conservateurs et libéraux aux États-Unis. Dans une première partie, nous proposons de dé-contextualiser la réception de l'oeuvre en montrant que la censure, souvent comprise comme une conséquence de la controverse à laquelle l'artiste est associé, doit être considérée comme étant au centre de ses préoccupations et ce, dès les années 1970. Nous montrons notamment que le contenu de ses travaux et de ses expositions a été soumis à de multiples contraintes pendant toute sa carrière. Nous offrons ensuite dans la partie suivante la possibilité d'étudier la part de l'oeuvre la moins connue afin de faire émerger des principes clefs, négligés dans les études portées par une approche formaliste. Après avoir critiqué cette approche conventionnelle (interprétée ici comme le coeur du problème dans la réception de l'oeuvre), nous proposons dans la troisième partie des arguments inédits permettant de mettre en valeur le contenu des travaux. Notre méthode pluridisciplinaire permet plus généralement de valoriser l'étude des archives personnelles de l'artiste, peu exploitées jusqu'ici
Our study takes as its object the reception of Robert Mapplethorpe's work. By examining exhibitions and publications, it retraces the evolution of the critical discourse. The latter is considered for its deficiencies with regards to the polemical context of the Culture Wars — a latent conflict characterized by a series of ideological, disputes between conservatives and liberals in the United States. In the first part, we work to decontextualize the reception of Mapplethorpe's work, showing that censorship, often seen as a consequence of the controversy with which the artist has been involved, must be understood, as of the 1970s, to have been a central theme of his work. We notably demonstrate that the content of his art and exhibitions has been shaped by multiple constraints during the entirety of his career. In the second part, we offer an opportunity to study the lesser-known of his works, revealing key principals that have been neglected in studies conducted with a formalist approach. After having criticized this conventional approach (understood here to be the main problem in the reception of his oeuvre), we propose, in a third part, novel arguments that make it possible to focus on the works' content. More generally, our transdisciplinary method makes it possible to value the artist's personal archives, which have been largely underexplored in existing research

Les théories de la culture de masse sont durant vingt ans un enjeu essentiel pour les intellectuels américains, qui cherchent à construire un modèle rendant compte des dangers esthétiques mais aussi sociaux des contenus culturels diffusés par les médias de masse. Influencés par les théories de l'Ecole de Francfort mais développant une pensée indépendante, les intellectuels américains et en particulier le groupe des New York intellectuals se livrent par revues interposées à un long dialogue, qui prend fin brusquement au début des années soixante. Cette recherche reconstitue l'histoire de cette pensée aux Etats-Unis, depuis sa formulation condensée par le journaliste Dwight Macdonald dés 1944, dans un article retentissant ("A Theory of Popular Culture"), jusqu'à sa disparition deux décennies plus tard, consacrée par la publication simultanée du Understanding Media de Marshall McLuhan et des "Notes on Camp" de Susan Sontag. Il s'agit également de tester le domaine de validité de ces théories en les confrontant à un objet culture supposé de masse, les comic books. Deux ambitions sous-tendent cette recherche : reconstituer le débat dans sa complexité en interrogeant les textes clés, mais aussi identifier les facteurs endogènes et exogènes ayant mené à la désaffection rapide pour cette idée. Une attention particulière est accordée à deux passerelles entre l'activité intellectuelle et le grand public, d'une part l'influent recueil Mass Culture, the Popular Arts in America, publié en 1957, et de l'autre son pendant Culture for the Millions?, publié quatre ans plus tard.

Cette thèse examine le discours socioculturel et les pratiques militantes des femmes conservatrices aux États-Unis, àtravers le cas de l’organisation Eagle Forum créée par Phyllis Schlafly (1924-2016). Cette militante conservatrice puiseà la fois dans son expérience militante personnelle, notamment au sein du Parti républicain, et dans des cadresidéologiques normatifs véhiculés par le mouvement conservateur pour mobiliser ses semblables. Son parcours personnel,entre conformité et vocation politique, est abordé tout au long de cette étude en lien avec la montée du conservatismesur la période considérée, mais également avec la contestation sociale, à partir des années 1960. Dans un contexte d’épanouissement des mouvements sociaux, et en particulier du féminisme, qui préconise la libération des femmes vis-à-vis des carcans patriarcaux et de définitions genrées étroites, les conservatrices ont recours à l’action collective, qu’elles estiment nécessaire pour défendre la famille traditionnelle régie par la division stricte des rôles par sexe. L’homme y est en charge de la survie économique du foyer tandis que la femme s’occupe des soins aux enfants et du foyer. En 1972, les conservatrices s’opposent à la proposition d’un amendement pour l’égalité des droits, l’Equal Rights Amendment (ERA), qui vise à inscrire l’égalité des sexes dans la Constitution. Phyllis Schlafly fonde alors STOP ERA (1972), puis Eagle Forum (1975) afin de porter le message conservateur et fournir un support militant pour les conservatrices, souvent caractérisées par leur statut de femmes au foyer. La responsable d’Eagle Forum se fait le héraut d’un discours antiféministe acerbe qui rejette la vision féministe de lafemme et de la famille et prône le maintien des normes socioculturelles traditionnelles qu’elle juge bénéfiques pour lesfemmes. Au moyen de cadres de l’action collective et d’une manipulation des émotions opportuns, elle diffuse largementses idées, notamment dans sa newsletter The Phyllis Schlafly Report. Dans le but d’assurer la solidité de son organisation et de l’inscrire dans la longévité, Schlafly développe des pratiques culturelles visant la cohésion, impliquant notamment l’utilisation des émotions et l’entretien de la mémoire, et elle se pose en leader et figure conservatrice incontournables
This thesis focuses on the sociocultural discourse as well as the militant activities championed by conservativewomen in the United States, through the specific example of Phyllis Schlafly (1924-2016) and her organization EagleForum. This conservative activist mobilized her peers by drawing from her personal experiences, especially in theRepublican Party, and from ideological principles crafted by the conservative movement. Her personal trajectory,between conformity to social norms and involvement in the political arena, is discussed in parallel with the rise ofconservatism and in the context of the 1960s-70s social protest. In the face of thriving social movements, and more particularly feminism, which advocated women’s liberation, conservative women also resorted to collective action in order to protect what they saw as the traditional family construct, characterized by a strict division of work by sex. In their vision, the man is meant to be the sole breadwinner, ensuring the economic viability of the home, while the woman is a homemaker, taking care of home and children. In 1972, conservative women opposed the Equal Rights Amendment (ERA), which aimed to secure equality between the sexesin the U.S. Constitution. Phyllis Schlafly founded STOP ERA that same year, and Eagle Forum in 1975, in order tospread the conservative message and provide conservative women, often homemakers, with an organization into whichthey could channel their activism. Phyllis Schlafly crafted a strongly antifeminist discourse that opposed the feminists’ intention to liberate women and reform the family, and she advocated for traditional sociocultural norms that she considered beneficial to women. Thanks to appropriate collective action frames, coupled with her ability to manipulate emotions, she was able to spread her ideas throughout the country, especially with the use of her newsletter The Phyllis Schlafly Report.In order to strengthen her organization and insure her legacy, Schlafly also devised collective practices such as emotionalsupport and the construction of memory, thus developing a unique militant culture. She also established herself as anabsolute leader, solely at the forefront of the conservative women’s movement

Fleuron du photojournalisme américain du XXe siècle qui connaît son apogée pendant les années 1950, le magazine Life jouit d'une aura prestigieuse qui en fait une entité iconique de la presse périodique illustrée et de la culture américaine du XXe siècle. Classiquement convoqué dans la littérature en sa qualité de parangon d'un genre de presse modélisant des pratiques éditoriales, Life endosse également jouer un rôle de « mémoire visuelle » de la société américaine du XXe siècle. La présente thèse intègre ce statut emblématique de Life, à la croisée de deux champs d'investigations distincts que sont les études américaines et l'histoire de la presse, autour de trois grands axes : historiographie, pratiques éditoriales et iconographie du magazine. Ceci, afin d'identifier et d'analyser les principaux enjeux impliqués dans le projet « d'histoire culturelle » que nous défendons dans notre analyse du contenu éditorial du magazine. Ce projet, né d'une certaine insatisfaction face à une critique idéologique qui analyse le contenu éditorial de Life dans son seul contexte politique, se traduit par la volonté de mettre en œuvre une méthodologie qui se propose de revisiter les pratiques intellectuelles élaborées par Life autour de la photographie. En concevant la réflexion autour des fonctions heuristiques, narratives et cognitives des images photographiques — assorties de leur mise en récit à travers des essais photographiques fondés sur une relation iconotextuelle qui met le texte au service de la narration visuelle — l'objectif de cette thèse est de faire la lumière sur le contenu éditorial d'un magazine qui semble paradoxalement mal connu, au regard de son statut iconique
As a leading 20 Century American photojournalism magazine, Life benefits from a prestigious aura turning it into an iconic entity — in press history, scholars usually refer to Life as a paragon of picture magazine when in the meantime Life plays a part in collective history as a Visual record of 20th Century American society -. The first part of this doctoral dissertation dedicated to examining the historiography of Life, explores the emblematic status held by Life, both on the academic field of press history and American studies. As a mainstream culture artifact, and under the impulsion of the counterculture of the 1960s, Life has largely been criticized for being a conservative media. Due to a dissatisfaction with the ideological critique towards Life — which often reduces the study of its editorial content to political issues — the second part of this work focuses on Life's editorial practices, so as to understand how its news content serves the establishment of a Visual culture, rather than offers a sole political statement. These first two parts are preliminary to the main purpose of this doctoral dissertation, which is to identify and analyze the main stakes that are raised when considering Life as a cultural artifact. Thus, the scope of the third part is to investigate Life's use of photography as means to celebrate and evaluate the cultural references the magazine highlights. The corpus of this investigation is a series of case studies, based on a selection of photo-essays published in Life during the early 1950s, when the magazine reached its golden age, so as to revisit this overrated area

Cette recherche vise à définir la signification de l'Amérique (USA) dans la culture italienne de l'entre-deux-guerres, c'est à dire ce que révèle indirectement sur cette culture la manière dont les Italiens interprétaient l'Amérique. Elle fait une analyse par thèmes de ce qu'ont écrit les Italiens sur l'Amérique, son cinéma et sa littérature, ainsi que des interprétations de l'Amérique que l'on peut trouver dans la littérature italienne. La présence du fascisme en Italie n'a eu qu'une faible influence sur cette image, tandis que la présence en Amérique d'une émigration italienne nombreuse et mal intégrée semble avoir accentué l'incompréhension des Italiens envers ce pays. C'est à travers ses villes - surtout New York et son centre Manhattan - que les Italiens voyaient l'Amérique, mais ils percevaient très mal ses aspects industriels, démocratiques et protestants. Symbole du poids qu'avaient le catholicisme et la famille dans la culture italienne, et de la fascination qu'exerçait Hollywood en Italie, la libre américaine tenait une place de premier plan dans l'image italienne de l'Amérique. La popularité du cinéma américain et de Jack London en Italie traduit la fascination qu'éprouvaient les Italiens pour une Amérique de l'aventure, tandis que la littérature italienne confirme le rôle de l'Amérique et de l'émigration dans cette image
This piece of research aims at defining what America (USA) meant for Italian culture between world war one and world war two, namely, what the way America was interpreted by the Italian indirectly revealed about their culture. It makes an analysis by themes of what the Italian have written about America, its films and its literature, and of the interpretations of America which can be found in Italian literature. Fascism has had only little effect on this image, whereas the presence in America of many ill-integrated Italian immigrants has probably increased misunderstanding of America in Italy; the Italian saw America through its cities - particularly New York and its center Manhattan - but they hardly perceived at all its industrial, democratic and protestant aspects. A symbol of the importance of catholicism and of family in Italian culture, and of the fascination exerted by Hollywood in Italy, the free American woman occupies a place in the Italian image of America. The popularity of American film and of Jack London in Italy means that the Italian were fascinated by an adventurous America, whereas Italian literature is confirmation of the role played by American woman and Italian emigration in the Italian image of America

Cette thèse analyse une série d'« histoires de l'art moderne» diffusées en France de 1900 à 1960 comme un « hypertexte» dont les mutations ne se comprennent qu'à la lumière des reconfigurations politiques d'une même question, à savoir la forme de la communauté qu'ils tentent de définir. Entre la nation et l'Europe, le peuple et les élites, les « ethnies» et les « races», ces « histoires» établissent jusqu'à la Seconde Guerre mondiale des liens complexes, et des distinctions tranchées. Le modèle organiciste testé par la III e République vers 1900 puis au Salon d'Automne structure durant trois décennies un récit qui, selon le cas, se réfère à la psychologie des peuples ou privilégie l'activité créatrice d’une élite, héritière, selon l'Action française, d'un Occident latin. Le modèle impérialiste de l'Europe française chère aux maurrassiens coexiste à la fin des années 1920 avec un récit mettant l'accent sur les caractéristiques « ethniques» de chaque « peuple européen ». Au début des années 1930; enfin, le mythe politique d'un Occident latin cède le pas à la vision biologique d'une Europe latine composée de groupes ethniques appartenant au même « type racial ». Une nouvelle « histoire de l'art» diffuse bientôt les mêmes mots d'ordre que les divers fascismes européens. L'« histoire de l'art moderne », centrée sur des avant-gardes internationales exprimant les valeurs du monde libre, que des groupes américains et européens tentèrent d'imposer au début des années 1950, ne pouvait dès lors qu'entrer en conflit avec les représentations de la nation mais aussi celles d'une Europe supranationale, ethno-raciale, qui avaient dominé l'entre-deux-guerres
This thesis studies a series of « histories of modern art », which circulated in France between 1900 and 1960, as a « hypertext» whose transformations can be understood as political reinterpretations of the same question, that is the form of the community they« describe ». Thus in the first half of the XX th Century, those narratives establish complex relations, and sharp distinctions, between «nation» and «Europe », «people» and «elites », «ethnic groups» and «races ». The organicist model the Third Republic favoured around 1900 and which triumphed al the Salon d'Automne would structure during three decades a narrative which referred either to the so-called psychology of the peoples or to the creative power of an elite, which according to the Action française, would save a Western Civilisation rooted in a Latin tradition. At the end of 1920s, the imperialist model of a « French Europe », dear to the maurrassians, coexisted with a narrative stressing the ethnic caracteristics of each « Europeân people ». Ln the early 30s, the political myth of a Latin Civilisation was at last dispeIIed in favour of the biological conception of a « Latin Europe » composed of ethnie groups belonging to the same « racial type ». A new « history of art» was designed to spread ideas similar to those of the diverse European fascisms. The «history of modern art », focused on international avant-gardes expressing the values of the « free world », that American and European groups tried to impose in the early 1950s, would then conflict not only with nationalist representations but also with the supranational, ethno-racial, « European » models of the interwar period

Cette thèse est la première monographie dédiée à Chauncey Hare (né en 1934), figure à la fois reconnue et marginale de la photographie documentaire américaine contemporaine. Auteur d'un corpus où se mêlent l'héritage de la Farm Security Administration, l'influence de la contre-culture, le souci de l'art et la critique du capitalisme, Hare a traversé le monde de la photographie entre les années 1960 et 1980 et connu un succès inégal. Son livre Interior America, commencé en 1968 et paru en 1978, lui vaut la reconnaissance du monde de l'art et devient un jalon du genre documentaire. Mais la portée politique de ces photographies, mise en avant par un photographe activiste, complique notamment leur réception institutionnelle. Cette thèse est basée sur l'étude des archives de Chauncey Hare, déposée en 2000 à l'université de Berkeley, ainsi que sur de longs entretiens avec lui et d'autres acteurs culturels de la baie de San Francisco. Elle s'appuie sur une définition étendue de l'oeuvre de Chauncey Hare, à la fois visuelle, textuelle et existentielle, et l'ancre dans le contexte de la Californie contre-culturelle des années 1960-70 qui l'a vu naître. À la croisée de l'histoire de l'art et de l'histoire culturelle, elle vise à en donner une vision précise et approfondie, à la fois descriptive, comparative et critique, pour déconstruire le mythe qui s'est élaboré autour du photographe et réintégrer l'oeuvre à ses différents réseaux (institutionnels, intellectuels, humains). Les quatre parties de cette étude couvrent l'intégralité de la vie de Chauncey Hare à ce jour, de 1934 à 2019
This dissertation is the first monographic study of Chauncey Hare's work and career. Born in 1934 and based in San Francisco, he is a key figure of American documentary photography. Hare's work combines the heritage of the Farm Security Administration, the influence of counter-culture, a strong artistic impetus and anti-capitalist worldview. His photographic career spans two decades, from the mid-1960 to the mid-1980s, but his success in the art world was short-lived : he achieved recognition with his book Interior America published in 1978, which eventually became a landmark for social documentary photography, but his political stance and activism complicated the institutional reception of his work. This dissertation is based on the study of Chauncey Hare's archives, stored at the Bancroft library (University of California-Berkeley) since 2000, and on a series of interviews conducted with him and other cultural players of the Bay Area. It considers Chauncey Hare's oeuvre in itsbroadest dimension, including his visual work, his texts but also his very existence as form of praxis. This large and diverse body of work is anchored in the text of 1960-70s counter-cultural California in which it was born. Art history and cultural history come together in this dissertation, whose aims are to give a first,precise, descriptive and critical overview of this body of work to deconstruct the myth surrounding the artist and to reintegrate the work in its various networks (institutional, intellectual, social). This dissertation is divided to four chronological parts, which cover Chauncey Hare's entire lifespan to date (1934-2019)

Depuis le XIXème siècle, la production culturelle de masse constitue avec la littérature dite « légitimée » un système dual. Littérature de masse, paralittérature, roman populaire, littérature de grande consommation, fiction écrite de masse…, elle est définie comme l’Autre. Pourtant, ce qui caractérise fondamentalement la production culturelle de masse, c’est d’être l’Autre au cœur d’une totalité dont les deux termes sont interdépendants. A l’époque « post-moderne », elle interroge le genre romanesque dans son essence et met en question le concept d’art littéraire. Un constat factuel a motivé la démonstration : la culture de masse est liée au développement de la grande ville. Le Sujet fait connaissance avec cette dernière à travers des textes de nature et d’origine variées : des récits policiers (G. Simenon, L. Malet, J. -P. Manchette, D. Hammett, C. Himes et J. Charyn, six auteurs francophones et américains retenus pour être les représentants des différentes tendances de ce sous-genre) et des « textes » divers (romans « sérieux », films, bandes dessinées, etc. ) offrant à voir des représentations de Paris et de New York, deux modèles de the modern city pour la période située entre 1930 et 1980. Dès lors, une méthode « thématique » permet de multiplier les rapprochements ou les confrontations entre ces textes ; d’abord grâce à l’analyse « structurelle » des effets rhétoriques d’espaces dans une littérature de genre à l’économie très stricte ; ensuite par les approches sociocritiques, mythocritiques et psychanalytiques de la polarisation idéologique et de la lecture identificatoire dans des textes issus de la culture de masse
Since the nineteenth century, mass cultural production has, together with so-called « recognized » literature, made up a dual system. Variously called popular fiction, leisure and escapist literature or mass-produced literature, it is defined as « the Other ». Yet, what basically characterizes mass cultural production is its being at the centre of a whole, the two elements of which are interdependent. In the post-modern era it questions the very essence of fiction and the concept of literary art. A fact was established and led to the demonstration : mass-culture is linked to the development of « la grande ville ». The latter is made obvious through texts of varied nature and origins : police/detective thrillers (by G. Simenon, L. Malet, J. -P. Manchette, D. Hammett, C. Himes and J. Charyn, six French-writing and American authors chosen as representing the diversity of the genre), and a wide-range of other texts (« serious » or « recognized » novels, films, comic strips, etc. ) - all of them offering an insight into Paris and New York (two examples of the « modern city ») within the years 1930 - 1980. Then it became possible, using a theme-based method, to bring out the similarities and the contrasts between those texts. That is achieved first by means of a « structural » analysis of the rhetorical effects of spaces in a genre the narrative arrangements of which follow strict rules. We can then apply a sociocritical approach, as well as mythocritical focus and psychoanalytical study to examine the ideological polarisation and the reader’s identifying himself to the characters found in texts representative of mass culture

@Avec la sortie de Star Wars en 1977, les studios hollywoodiens entrèrent dans une nouvelle période de leur histoire qui dure encore aujourd'hui; en effet, après 1977, les mécanismes de production et de sortie des films américains furent modifiés et virent le développement d'étapes devenues très importantes comme le merchandising, l'insertion dans un plan de produits industriels (aussi appelée placement de produits) ou encore la conception des effets spéciaux. Durant cette période, l'acquisition de presque toutes les Majors hollywoodiennes par des compagnies dont l'activité principale n'était pas toujours la production de longs-métrages conduisit à une course au profit qui se traduisit, et continue à se traduire, par une augmentation des coûts de production et de marketing, et par une recherche optimisée du succès à tous les niveaux de conception, de tournage et d'exploitation des films américains aux Etats-Unis et à l'étranger. . .

Cette thèse porte sur les notions d'archétypes, caricatures et stéréotypes et leurs applications aux personnages noirs dans le film d'animation américain du XXe siècle. C'est en 1907 qu'est diffusé aux Etats-Unis le tout premier film d'animation mettant en scène un personnage noir. Ce dernier, appelé coon, était l'héritier d'une longue tradition de représentations péjoratives qui visaient à maintenir les Noirs dans une position d'altérité et d'infériorité face aux Blancs. Les premiers exemples de ces représentations se retrouvent notamment dans le comic strip américain dont les artistes ont d'abord été dessinateurs, puis « animateurs ». Toutefois, une grande partie des traits physiques et de l'idéologie qui sous-tendent à la création de ces personnages avait déjà été déterminée au XIXe siècle par des disciplines pseudo scientifiques consacrant « l'infériorité » des Noirs sous couvert d'une fausse science, surtout la physiognomonie et la phrénologie, des disciplines émettrices de ce type d'observations et de dessins qui connurent un succès important aux Etats-Unis après avoir été diffusées en Europe. Une autre source d'influence dans l'édification des stéréotypes noirs des films d'animation est celle du spectacle vivant, en particulier les numéros de vaudeville et du Blackface (spectacles populaires de la fin du XIXe siècle aux années 1960 durant lesquels des comédiens blancs grimés en Noirs parodiaient ces derniers). Les personnages noirs du cinéma d'animation reprenaient ces trois influences dont les traces sont largement perceptibles jusqu'aux années 1940. Les représentations péjoratives des Noirs dans l'animation évoluent lentement à partir de 1941 et la conscription des soldats Africains-Américains durant la Seconde Guerre mondiale. Bien qu'une majorité de films d'animation continuent de mettre en scène des personnages caricaturaux, des changements commencent à poindre légèrement, notamment à travers l'exploitation de la musique bebop. L'après-guerre marque une transition définitive entre anciennes caricatures et nouvelles représentations. La montée des revendications des Africains-Américains en faveur d’une égalité de traitement créé une ambivalence entre leurs velléités réformatrices et la persistance d'archaïsmes dépréciatifs dans le cinéma d'animation. Au gré des avancées sociales obtenues par le Mouvement pour les Droits Civiques et du combat mené par les partisans du Black Power, les personnages noirs du cinéma d'animation, puis du dessin animé télévisuel intègrent ces nouvelles dynamiques positives mais également conformistes, parfois déconnectées des réalités des Africains-Américains. Les représentations les plus en adéquation avec leur époque proviennent finalement du milieu du film d'animation underground des années 1970 où se côtoient prostituées et bonimenteurs autour d'un sous-texte social inédit
This thesis focuses on the notions of archetypes, caricatures and stereotypes as well as their application to black characters in twentieth-century American animated films. In 1907, the very first animated film depicting a black character, “Coon”, was screened. “Coon” came from a long tradition of pejorative depictions that targeted African Americans and defined them down as “others” and “inferiors”. The first regular examples of these representations emerged in American comic strips and were drawn by cartoonists who soon became “animators”. A large part of the ideology and physical representations leading to the creation of these characters was inspired by pseudo-scientific theories that sanctioned black people “inferiority”, graphically and ideologically in the name of pseudo-sciences, including first and foremost physiognomy and phrenology, which first gained influence in Europe before reaching the United States. Vaudeville and Blackface Minstrelsy performances – popular shows that lampooned Black people and were performed by white actors in make-up from the end of the nineteenth century to the 1960s – also played a significant role in the creation of black otherness. The black characters in animated films were a reflection of these three cultural influences and remained unchanged until the 1940s. The negative depictions of African Americans in animated films began to evolve slowly when the United States entered World War II. Slow changes were perceptible through the use of bebop music in such films, although the vast majority of those films remained full of caricatures of Black people. Irrevocable changes rose in the post-war period, from old caricatures to new representations. Increasing demands by African Americans for equal rights created an ambiguity between their integrationist aspirations and the remaining visual traces going back to the period of slavery. The gradual legal gains achieved through their fight in the Civil Rights and Black Power movements led to a new televisual and cinematic imagery, which showed more positive sides of Blackness, despite the persistence of a conformist tone, sometimes out of touch with African American reality. The most faithful reflections of African American experience ultimately came from underground animated movies in the 1970s, in which prostitutes and hustlers added to a new social subtext

Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, dans les plus grands titres de la presse américaine, les nouveaux immeubles équipés de murs rideaux et de l’air climatisé sont présentés comme un « futur déjà arrivé dans le présent ». Le récit médiatique des projets de Mies Van der Rohe, S.O.M. ou Welton Becket est instrumentalisé à des fins de publicité et de divertissement, comme espace de projection dans le futur pour un public en mal d’horizons concrets. Cette thèse interroge la place de l’architecture dans une profonde reconfiguration du régime d’historicité, dans le sillage de l’imaginaire technoscientifique débridé qui caractérise la période – à l’instar de l’Atomic Age, du Space Age ou du Jet Age. Suivant une définition anthropologique de la culture comme production sociale de sens, la thèse met en évidence le rôle des professionnels de l’image (photographes et illustrateurs), de la communication et de l’édition dans le succès de l’architecture ultra-moderne comme proposition culturelle. Le principal cadre méthodologique du projet est la description du contexte de production et de réception du récit de l’architecture ultra-moderne dans la presse grand public. L’analyse conjugue une prise en compte des situations, des processus et des jeux d’acteurs propres au projet d’architecture et à sa médiatisation, avec un appareil interprétatif issu de l’histoire et de la théorie des arts et des images. A l’aune de son récit médiatique, l’architecture ultra-moderne apparaît comme un support de croyances et d’aspirations qui tenaient du mythe, autant que du projet technologique et rationnel revendiqué par les architectes. En tissant l’histoire de l’architecture, l’histoire du récit médiatique, et l’histoire du rapport au temps, cette thèse entend forger un cadre pour l’historiographie des mythes. La mise en œuvre des images d’architecture dans le récit du futur, qui s’appuie sur un imaginaire de la concrétisation, offre un prisme inédit pour revisiter la question de la performance des images, au cœur du champ des études visuelles
In the aftermath of the Second World War, in the headlines of the American press, new buildings equipped with curtain walls and air conditioning were presented as a "future already arrived in the present". The media account of the projects of Mies Van der Rohe, S.O.M. or Welton Becket was used for publicity purposes, as a space for future projections for an audience lacking concrete horizons. This thesis questions the place of architecture in a profound reconfiguration of the regime of historicity, in the wake of the unbridled technoscientific imagination that characterized the period – in the same way as the Atomic Age, the Space Age or the Jet Age. Following an anthropological definition of culture as a social production of meaning, the thesis highlights the role of photographers and illustrators, public relations and publishing profesionnals in the success of ultra-modern architecture as a cultural object. The main methodological framework of the project is the description of the context of production and reception of the narrative of ultra-modern architecture in the mainstream press. The analysis combines a consideration of the situations, processes and agents specific to the architectural project and its publicity, with an interpretative apparatus based on the history and theory of arts and images. In the light of its media narrative, ultra-modern architecture appears to be a support for beliefs and aspirations akin to a myth, as much as the technological and rational project claimed by the architects. By weaving together the history of architecture, the history of media narrative, and the history of the relationship to time, this thesis aims to forge a framework for a historiography of myths. The implementation of architectural images in the narrative of the future, which is based on an imaginary of concretization, offers a new prism to revisit the question of the performativity of images, at the heart of the field of visual studies

Cette étude a pour but de mettre en contexte la thèse de la modernisation psychique de Daniel Lerner, de faire une analyse interne de l'ouvrage et d'étudier sa réception par les sociologues de l'époque. Comme démarche de recherche, dans un premier temps, nous replacerons l'ouvrage dans la situation historique des deux premières décennies de la guerre froide (les années 50 et 60). Ce faisant, nous tenterons de comprendre la logique de la politique de développement des États-Unis à l'endroit des pays en voie de développement et la place des recherches universitaires dans la politique coloniale américaine. L'approche du développement exogène a largement inspiré les politiques étrangères des pays occidentaux et leurs efforts pour lancer le développement des pays plus nécessiteux. C'est pour cela que Lerner se concentre sur l'effet des médias américains, et surtout du Voice of America, pour analyser le rôle que ceux-ci jouent dans le processus de transformation de la personnalité. Pour aborder cette étape de la recherche, nous devrons comprendre davantage le contexte de l'ouvrage et mieux analyser la relation entre les facteurs externes et les éléments internes qui ont influencé la formation de l'ouvrage. Dans un deuxième temps, nous étudierons l'ouvrage de Lerner et nous discuterons des différents aspects relatifs aux changements sociaux que l'ouvrage a examinés. Dans notre analyse de l'ouvrage, nous critiquerons divers aspects de la pensée sociologique de Lerner et sa manière d'interpréter les faits sociaux et les statistiques. Dans un troisième temps, nous réviserons la réception de l'ouvrage par la communauté scientifique de son époque pour obtenir une large vision de la place de l'oeuvre dans l'histoire de la pensée sociologique américaine du développement. Nous établirons une catégorisation des recensions de l'ouvrage portant sur l'approche sociologique de Lerner et nous mettrons ces recensions dans l'éclairage des champs de recherches universitaires américaines. Nous nous concentrerons sur la réception de cette théorie chez les sociologues de l'époque pour comprendre la dialectique entre la thèse qui y est défendue et la société. Ce faisant, nous éviterons de nous éloigner de la sociologie comme étant la discipline de l'étude des liens sociaux et des interactions symboliques et nous éviterons de réduire notre démarche sociologique à une simple étude historique des idées. En gros, nous discuterons de la vision sociologique de l'auteur, de la façon dont son ouvrage a été formé au fil du temps et comment il a été influencé par l'esprit de son époque. De plus, nous verrons comment l'écrivain s'est nourri des théories sociologiques et à quel point il a influencé la pensée sociologique de son temps. Tout cela, en parallèle à l'analyse interne de l'ouvrage, nous permettra de saisir la place de «The Passing of Traditional Society» dans la pensée sociologique américaine. Cette recherche nous aidera à mieux comprendre la vision américaine de l'empathie en tant qu'un élément modernisateur, par rapport à la question du développement dans le contexte historique de l'époque. Cette compréhension nous mènera à approfondir notre analyse des programmes de développement des États-Unis dans le monde en voie du développement. Cette étude nous amènera aussi à élargir notre vision quant aux idées construites et formées dans leur contexte historique (en général) et à découvrir comment la communauté scientifique reste toujours en parti prisonnière de son contexte historique. Cette étude nous permettra de mieux voir les idées (le texte) en relation avec la société, ce qui est vital pour ne pas tomber dans la réduction des idées seulement au texte ou seulement au contexte. En outre, elle nous aidera à comprendre davantage la façon dont la société intervient dans la formation des idées et comment en retour les idées influencent la société.

Ce travail propose une réflexion sur le principe féminin dans l’œuvre romanesque d’Ernest J. Gaines : Catherine Carmier, Of Love and Dust, A Gathering of Old Men, In My Father’s House, A Lesson Before Dying, The Autobiography of Miss Jane Pittman. Il tente de définir le sujet féminin et d’identifier ses principes moraux [par opposition aux principes masculins]. Il s’articule autour de trois parties et dévoile une évolution du principe féminin dans l’œuvre gainesienne. De Catherine Carmier à The Autobiography of Miss Jane Pittman, le principe féminin se fortifie. Dans les premiers romans, le féminin agit conformément au devoir [et par devoir], il prône un idéal de vertu, une sagesse qui l’empêche de créer. Le féminin s’affirme alors progressivement par le biais du langage dans un face à face avec le masculin et déconstruit l’idéologie blanche. Ce travail explore la violence de la construction anormale du sujet noir et les stratégies de déconstruction du mythe de la suprématie blanche. L’analyse de la libération identitaire révèle une déstabilisation des frontières du genre. Face au masculin dévirilisé, le féminin se virilise et relève la féminité du masculin. Enfin, dans le roman The Autobiography of Miss Jane Pittman, le féminin devient militantisme et activisme. La mère de la communauté noire, s’identifiant à la loi Divine de la famille, parvient à créer, à s’imposer, à transmettre des principes moraux à des hommes en devenir. Les destins du féminin et le masculin sont alors en miroir : ils travaillent pour obtenir la reconnaissance de l’homme blanc, se perfectionnent. Ce travail révèle l’idée de la mort digne, idée d’une liberté qui s’affirme dans la négativité
This thesis studies the principles of the feminine in Ernest J. Gaines’ six novels: Catherine Carmier, Of Love and Dust, A Gathering of Old Men, In My Father’s House, A Lesson Before Dying and The Autobiography of Miss Jane Pittman. It defines the feminine subject and identifies its moral principles. There is a gradual evolution of the feminine in the works of Ernest J. Gaines. From Catherine Carmier to The Autobiography of Miss Jane Pittman, the feminine strengthens itself. In the first novels, the feminine acts out of duty, advocates wisdom, which prevents it from creating things. The feminine gradually reaffirms itself through language and faces the masculine. This work explores the violence of the abnormal construction of the Black self and the strategies of deconstruction of the myth of white supremacy. The analysis of the reconstruction of the self shows a redefinition of genres. The feminine is virilized and feminizes the masculine. Finally, in The Autobiography of Miss Jane Pittman, the feminine becomes militant and activist. The mother of the black community, identifying herself with the female Divine Law of the family, embodies female agency; she raises her sons and teaches them moral principles. The feminine and the masculine function as mirror images of each other; they work to get the recognition of the White man, and they seek to improve themselves. This study highlights the idea of dignity in death, of freedom which asserts itself in negativity

Dès l’apparition du Pop art autour de 1962, l’iconographie de l’illustration et de la publicité indique l’émergence d’une véritable esthétique graphique. La rencontre du Pop art et du dessin se révèle particulièrement intéressante car suivre les productions réalisées dans cette discipline éminemment manuelle permet de réexaminer les différentes positions des artistes vis-à-vis de la culture de masse et d’aborder des questions tant matérielles qu’iconographiques. Partant du constat que les formations artistiques sont à l’origine du va-et-vient entre options manuelles et mécaniques dans l’économie du Pop art, le propos débute par l’examen des conditions d’émergence du dessin. L’examen des relations entre dessin et culture de masse ne saurait être complet sans évoquer la réponse d’artistes qui s’engagent dans la recherche d’un dialogue avec un public croissant (par des stratégies de classe, l’iconographie de logos de produits, la prise en compte des possibilités de l’estampe etc.). Non seulement l’œuvre naît du parcours de la main, mais le dessin pop dépasse le seul processus créateur pour exister dans un corpus d’œuvres autonomes, qui s’écarte de tout schéma finaliste. Cette présence souligne ce que peuvent avoir de critique l’image et l’action du corps. De même que Claes Oldenburg et David Hockney opposent une tension manuelle aux expressions mécanisées dans la société – et là réside le double sens de la notion d’engagement autant physique que politique dans le dessin pop –, le réinvestissement du corps sous la forme du portrait et du nu affirme sa solidarité avec les combats pour la libération sexuelle à l’aube des années soixante-dix
By 1962 with the beginning of Pop art, the iconography of illustration and advertising points the development of an art founded on graphics. Interestingly, the relations between Pop art and drawing allow to follow how the handmade practices reassess the artists’ positions towards mass culture and deal with material issues (such as manual involvement) and the meaning of iconography (counter-culture, return of the figure). Starting from the point that artistic pop economy of art owes its back and forth mouvement between manual and mechanical options to its protagonists’ artistic education, this dissertation opens with the study of drawing’s emergence in a pedagogical context. The study of the relations between drawing and mass culture wouldn’t be fully led without assessing the answer of the artists who involve in the claim for a bigger audience (with a class strategy, an iconography full of mass products and the possibilities of prints). Moreover, not only the graphic works stem from the hand, but pop drawing overwhelms the solely issue of creation processes to exist in an autonomous corpus of works, which doesn’t fall into the finalist schema. This presence points how critical may be the body, through drawing, as an image and as an action. Similary to Claes Oldenburg and David Hockney who oppose a manual tension to the social mechanized expressions – and there lay the double sense of the very notion of involvement which is to be understood in Pop art in the same time on a physical and a political level – the reinvolvement of the body by way of portrait or nude shows its solidarity with the fights in the wake of the sixties, fight for sexual liberation, or women rights

Cette étude explore les relations entre la "Beat Generation" et l'art. Elle se penche principalement sur les oeuvres plastiques de William S. Burroughs (1914-1997), Jack Kerouac (1922-1969) et Allen Ginsberg (1926-1997). La période choisie pour cette recherche débute en 1944 et se poursuit jusqu'en 1975, c'est-à-dire de la formation du groupe à la fin de l'idée de contre-culture. L'analyse ne se limite pas à la constatation d'un va-et-vient entre le mot et l'image, mais démontre que les écrivains de la "Beat Generation" sont en prise direct avec l'art de l'époque et vont explorer toutes les techniques plastiques pour exprimer en dehors de leur œuvre littéraire. En abordant l'aventure artistique, les trois "Beats" sont confrontés à la notion d'"ekphrasis": ils prolongent un long héritage à travers des disciplines artistiques différentes: la peinture, le croquis ou la technique du collage
This study exlpores the relationship between art and the "Beat Generation". It mainly focuses on the plastic works of William S. Burroughs (1914-1997), Jack Kerouac (1922-1969)and en Ginsberg (1926-1997). The field of research covers the period from 1944 to 1975, i.e. from the formation of the Group to the end of the idea of counterculture. The analysis does not limit itself to the description of the back and forth movements between literature and the arts. The "Beat Generation" writers were in fact directly connected to the art of their time and explored all kinds of plastic techniques to express themselves independently from their lierary works. In addressing the adventures of the artistic experience, the three "Beats" were confronted with the notion of "ekphrasis" and obviously prolonged an old legacy through different artistic disciplines like painting, drawing or collage