Tesis:

1

Baxmann, Inge. "Mythos : Gemeinschaft : Körper- und Tanzkulturen in der Moderne /". München : Fink, 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb38898800v.

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2

Parviainen, Jaana. "Bodies moving and moved : a phenomenological analysis of the dancing subject and the cognitive and ethical values of dance art /". Tampere : Tampere university press, 1998. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb377551707.

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3

Almeida, Marcia Soares de. "Les affections plastiques du corps et la danse contemporaine". Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010693.

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Resumen

Mon travail porte sur la relation mouvement-du-quotidien/mouvements-sur-scene. II y a une manière particulière de bouger selon les sociétés, une sorte de fusion entre I'être et \'environnement, les individus s'imprègnent de choses subtiles qui les font singuliers. L'ego et la physicalité composent la personne, les interactions et I'intrication entre la participation sensorielle de I'individu et son environnement prouvent qu'il existe une me��moire corporelle mêlée a la perception corporelle. L'être humain est en constante reformulation par rapport à lui-même et a ce qui I'entoure ; grace a sa plasticite, il est pret à s'adapter. Le corps est toujours un réceptacle de valeurs. Le corps dansant remodèle Ie monde, tel qu'il se présente à la personne, a travers I'affect de I'environnement. Le danseur expose ses émotions d'une manière telle que Ie public peut les vivre a sa façon, il transforme, de manière poétique, la réalité quotidienne. Par son expression particulière, I'artiste réinvente Ie matériau brut qu'il transforme en une chose qui n'existe pas au départ

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Denoual, Fabienne. "Le corps/objet dans les arts plastiques et la danse contemporaine". Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010641.

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Resumen

Cette thèse fait état du problème que soulève la rencontre du corps et de l'objet dans les arts plastiques et la danse contemporaine. Elle tente de faire apparaître qu'au-delà du rapport du corps à l'objet, au cœur du vacillement issu de leur rencontre, se dégage une entité propre formalisée par le concept de corps/objet, dont ce travail se propose de relever les modalités dynamiques - entre indifférenciation et dialectique. Plus qu'une simple description des types de relations corps-objet. Ce concept de corps/objet permet de mettre à jour un véritable processus métabolique fondé sur la transfiguration transfiguratrice du vacillement qui devient ici le vecteur d'une métamorphose éclatante, le corps devenant créateur. C'est à débusquer sa présence au cœur même des dispositifs artistiques étudiés, et son implication chez ceux qui lui sont confrontés (artistes, danseurs, spectateurs) que ce cheminement nous invite

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Jacoby, Estelle. "Dialogues et convergences entre la danse et la poésie moderne". Paris 8, 2003. http://www.theses.fr/2003PA082319.

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Resumen

Le rapport entre la danse et la poésie est dans ce travail envisagé selon deux points de vue conjoints : une comparaison des enjeux communs auxquels ces deux arts, se trouvent confrontés et un pari méthodologique, celui de lire la poésie avec la théorie de la danse. Deux axes de réflexion se dégagent, établis à partir d'une définition resserrée de la danse comme art du corps en mouvement : précisément, le corps et le mouvement. L'étude de ces deux axes se distribue en trois parties. La première est consacrée à la déconstruction de la notion de corps pour penser avec la danse un corps pluriel qui ne s'inscrit plus du côté du donné mais de celui de la fiction. Est interrogée ensuite la question du passage du corps dans l'écrit. Trois opérations sont distinguées : la transcription, la traduction et la translittération. La troisième partie montre que la prise en compte, à partir de la danse, de la catégorie de mouvement, conduit à penser l'ouverture de la poésie au bouleversement du virtuel
In this work the relationship between dance and poetry is seen from two related viewpoints : first, a comparison between the common stakes which those two arts are confronted with, and then, a methodological challenge consisting in reading poetry according to a dance theory approach. According to those viewpoints two main lines of thinking emerge from a restricted definition of dance as a body movement art : precisely body and movement. Those two lines will be studied in three parts. The first will deal with the deconstruction of the notion of body to enable dance to produce a plural body that no longer belongs to facts but fiction. Then will come the question of the body in writing. Three operations will be explored : transcription, translation and transliteration. The third part will demonstrate that, from the dancing point of view, taking movement category into account leads to consider the opening of poetry to the disruption of fiction

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Maugery, Ariane. "L' instant et le mouvant : une esthétique du corps dansant : présence corporelle des pratiques dansées". Aix-Marseille 1, 2007. http://www.theses.fr/2007AIX10093.

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Resumen

Cette thèse aborde la question du sentiment de mobilité généré dans l'expérience artistique par un corps dansant inscrit dans un champ perceptif qu'il crée au travers de sa relation avec le monde. Elle prend appui sur les travaux d'artistes plasticiens et chorégraphes : elle est également motivée par ma propre démarche de plasticienne. Par la danse, il s'agit de penser des "pratiques de l'instant" qui génèrent des processus d'immersion perceptive en privilégiant, à travers l'improvisation, un lâcher-prise de l'attention au profit d'une réceptivité active, d'une disponibilité spécifique qui tient plus de l'écoute que de la vision, propice à l'état de danse. La danse apparaît ainsi comme modèle pour penser des pratiques plastiques contemporaines qui, en retour, se réflètent dans des pratiques chorégraphiques. Cette résonance d'un noeud plastique-dansé souligne la prégnance d'une écoute de la spatialité à l'oeuvre dans ces démarches non spectaculaires.

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Pressard-Berthier, Véronique. "Expression de l'intériorité en danse moderne et contemporaine". Paris, EHESS, 2013. http://faraway.parisnanterre.fr/login?url=https://www.harmatheque.com/ebook/expression-de-l-interiorite-en-danse-moderne-et-contemporaine-50068.

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Resumen

Le passage d'une extériorité codifiée à la recherche d'un mouvement intérieur en danse constitue l'objet de notre étude avec la question de l'émergence du sujet-dansant posée en filigrane. La période de rupture entre académisme et modernité en danse en Occident est analysée dans le sens d'une évolution culturelle plus générale, incluant le phénomène de naissance de l'individu, auquel est intimement lié l'accroissement de la notion d'égalité et une liberté corporelle plus marquée. Une étude sur l'intériorité physique a retenu notre attention avec la visée de mettre en évidence le processus d'une prise de conscience progressive de la sensibilité interne du danseur moderne (transformation de l'univers psychologique et sensible) à partir de la Belle Epoque. L'impact de la danse moderne sur la culture du temps et réciproquement a fait l'objet d'investigations précises, offrant une mise en perspective du goût collectif du public d'une époque, pour une certaine approche du corps dansant, en étroite relation avec les échos des productions dansées. Les écrits de danseurs, chorégraphes, théoriciens du mouvement, physiologistes, sociologues, historiens, psychologues et philosophes constituent le socle informatif et conceptuel de la recherche, sans omettre les considérations d'écrivains sur la question. Deux interviews du chorégraphe Angelin Preljocaj, fondées sur un questionnement de ses pratiques et de ses "ressentis", permettent à l'analyse de s'ancrer dans la réalité et l'actualité de l'objet d'étude
The passage of an exteriority codified looking for an interior movement in dance is the object of our study with the question of the emergence of the subject-dancing put watermark. The period of rupture between academicism and modemity in dance in the West is analyzed in the direction of a more general cultural evolution, including the phenomenon of birth of the individual, that is intimately bound the enlargement of the concept of equality and greater personal freedom. A study on physical interiority has retained our attention with the aim to highlight the process of progressive awareness of the intemal sensitivity of the dancer (transformation of the psychological and sensitive universe) from the Belle Epoque. The impact of modem dance on the culture of the time and vice versa has been subjected to specifie investigations, providing a layout perspective oftaste class to the public of an era, for a certain approach to the dancing body in close relationship with echoes of the dance productions. The writings of dancers, choreographers, theorists of the movement, physiologists, sociologists, historians, psychologists and philosophers constitute the base, informative and conceptual research, without omitting considerations of writers on the subject. Two interviews with choreographer Angelin Preljocaj, based on a questioning of his practices and his "felt", allow the analysis to be grounded in reality and the actuality of the object of study

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Feuillet, Isabelle. "La danse du peintre : essai d'analyse d'une pratique picturale". Rennes 2, 1998. http://www.theses.fr/1998REN20032.

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Resumen

Nous proposons une analyse comparative entre une forme de pratique picturale et la danse contemporaine. L'approche progressive pose en premier lieu la question du modèle et de l'altérité. Le modèle classique est analyse dans son rapport au peintre, ainsi que le modèle danseur. C'est la présence/absence du modèle danseur qui retient notre attention. L'essentiel de ce que le corps dansant véhicule : la tension, l'énergie, le dessin tentera d'en être le dépositaire jusqu'aux limites de la représentation. A l'oppose de l'image de l'homme de tête, de la mesure, nous tentons l'immersion dans la pratique d'un degré zéro de l'écriture. Le tableau devient plateau. Etre en scène puis 'ob-scene', c'est être immerge dans la peinture tout en s'en dégageant, c'est pour le danseur se sentir danser tout en éprouvant la sensation de se voir danser. Le corps paradigmatique ne tranche plus entre une partie noble et une partie inférieure, celle de l'instinct et du pulsionnel. Le 'corps-entre' trouve sa place entre fondation et ruine. Il s'agit pour le peintre de définir un point de stabilité, un centre qui est chez le danseur, à la fois un lieu de quiétude et de turbulence. L'espace pictural ramène aux dimensions d'une scène est un lieu de dépense, ou faire et défaire est la condition de l'instauration de la peinture. C'est l'arrachement au modèle en tant qu'objet de désir qui provoque l'irresponsabilité de l'acte et crée la véritable rencontre avec la danse
We propose a comparative analysis between a form of pictural practice and contemporary dance. The progressive approach sets in a first place, the problem of the model and otherness. The classical model is analysed in its relation to the painter along with the dancer model. It is the presence / absence of the model which draws our attention here. The drawing will endeavour to assimilate all the tension and energy a dancing body can convey, and so to the limits of representation

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Bourdie, Annie. "Créations chorégraphiques d’Afrique francophone : systèmes de représentations et stratégies de reconnaissance en période contemporaine". Thesis, Paris Est, 2013. http://www.theses.fr/2013PEST0006.

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Les créations chorégraphiques contemporaines d’Afrique, sont non seulement traversées par des représentations sur la danse, le corps et les arts, mais également alimentées par toute une histoire des regards portés au cours des siècles par l’Occident sur l’Afrique le “Noir“, et “sa“ danse. Par ailleurs la France et l’Afrique ont entretenu historiquement des relations ambivalentes dont la teneur a pu avoir un impact sur les représentations, y compris dans le domaine de la danse scénique professionnelle. Dans les années soixante-dix, Léopold Sedar Senghor, mû par l’ambition de valoriser tous les Arts d’Afrique à travers le concept de Négritude, a tenté, à Dakar, en collaboration avec Maurice Béjart,une expérience inédite intitulée Mudra Afrique. Ce projet de formation aux arts de la scène, destiné essentiellement aux danseurs du continent, nourri par les représentations de ses concepteurs, visait à“moderniser“ les arts chorégraphiques en Afrique. Il n’a pourtant pas eu l’impact attendu, même si Germaine Acogny, qui en fut la directrice artistique, est devenue aujourd’hui l’une des figures les plus influentes de la danse en Afrique, au-delà même de sa partie francophone.Au cours des années quatre-vingt dix, on a pourtant assisté à un essor fulgurant de la création chorégraphique contemporaine du continent. Mais celui-ci est essentiellement dû à la mise en placepar le Ministère français des Affaires Etrangères d’une politique de coopération culturelle vis-à-vis despays africains. Le programme Afrique en Créations chargé de développer l’ensemble des expressionsartistiques contemporaines d’Afrique, a joué un rôle particulièrement déterminant dans la promotion etle développement d’une “danse africaine contemporaine“ notamment par la mise en place de rencontres chorégraphiques biennales.Par le biais des arts et de la culture, la France a ainsi réaffirmé ses liens spécifiques avec l’Afrique.Cependant, dans un tel contexte, où le politique et l’artistique se sont trouvés inextricablement liés,comment les artistes ont-ils composé avec les modèles dominants ? Sont-ils parvenus à se mettre à distance des ces cadres préétablis ? Quelles stratégies ont-ils été amenés à adopter ? Qu’en est-il plus spécifiquement pour les chorégraphes francophones ?
Contemporary choreographies from Africa have been crossed by social representations of dance, bodyand arts but they are also nurtured by the historical western gaze on Africa, on the “Black“, and on“his“ dance. Furthermore, the ambivalent relationships built for generations between France andAfrica have impacted these representations, including professional scenic dance.During the seventies, Léopold Sedar Senghar, driven by the ambition to promote arts in Africa throughthe concept of Negritude, proposed, with the french choreographer Maurice Béjart, a new artisticexperience called Mudra Afrique. This school was a training project about performing arts for Africandancers, nurtured by Senghor’s and Bejart’s representations, with the aim of “modernizing“ dance inAfrica. This project did not have the expected impact, even though the director of Mudra, GermaineAcogny, thanks to this school, has become one of the most influencial figure in the African dance, infrench-speaking area and beyond.Nevertheless, the explosive development of contemporary choreographies from Africa, since the1990s, is mainly due to the France’s foreign policy by redefining cultural cooperation with the Africancontinent. Its specific program called Afrique en Creations aimed to enable African artists to developtheir own contemporary expression. It contributed more specifically to the promotion of“contemporary African dance“ through the launch of biennial choreographic encounters in Africa. Bythis way, France reaffirmed the specific nature of its ties with Africa through arts and culture. Againstsuch a backdrop, when political and artistic expressions are closely related, how the artists dealt withthe dominant models? Could they move away from this established framework? Which strategies didthey adopt? And more specifically, what about the French-speaking choreographers?

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Potrovic, Laura. "Ce qu'un corps peut devenir : cartographie entre danse et philosophie". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA087/document.

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Resumen

Cette thèse n'explore pas ce qu'est le corps, mais ce qu'un corps peut devenir. Elle explore le corps comme un événement en train de se faire à travers les concepts tels que le Corps sans Organes (Antonin Artaud, Gilles Deleuze et Félix Guattari), le bodying (Erin Manning), le corps en train de se faire (Erin Manning) et le devenir (Gilles Deleuze et Félix Guattari). Ce que tous ces concepts ont en commun est l'état de devenir. Ici, le corps devient, et en tant que tel - c'est un verbe, une activité, une force. Cette thèse explore non seulement le corps comme une force de devenir, mais elle explore également le devenir de cette force - au niveau moléculaire, expérientiel et relationnel. Comme le dit Manning, un corps est toujours plus qu'un corps. Ici, nous essayons d'aborder les devenirs physiques, expérientiels et relationnels d'un corps en mouvement. Ce qui bouge le corps de l'état d'être vers l'état de devenir est le mouvement. Cette thèse tente de montrer comment le mouvement ne s'arrête jamais. Nous bougeons toujours, donc, il y a une continuité de devenir. Un corps n'est jamais uniquement une forme, il est une force-forme. Le mouvement est celui qui ouvre le corps vers son devenir de force(s). Un corps en mouvement n'est pas une forme d'expression, mais une force d'expressivité. Le mouvement fait le corps, par conséquent, le corps lui-même est un mouvement. Nous ne dansons pas avec le corps, nous dansons le corps lui-même. Le corps est une partition, un corps-partition, de son devenir
This thesis does not explore what body is, but what a body can become. It explores the body as event-in-making throughout the concepts such as Body without Organs (Antonin Artaud, Gilles Deleuze and Félix Guattari), bodying (Erin Manning), body-in-making (Erin Manning). What all of those concepts have in common is the same state - a state of becoming. Here, body becomes, and as such - it is a verb, an activity, a force. This thesis does not only explore the body as a force of becoming, but it also explores the becoming of that force - at the molecular, experiential and relational level. As Manning says, a body is always more-than one. Here, we are trying to approach the physical, experiential and relational becomings of a body in movement. That which moves the body from the state of being into the state of becoming is movement. This thesis is trying to show how movement never stops. We always move, therefore, there is a continuity of becoming. A body is never just a form, but a force-form. Movement is that which opens the body toward its becoming of force(s). A moving body is not a form of expression, but a force-field of expressivity. Movement makes the body, therefore, the body itself is a movement. We are not dancing with the body, we are dancing the body itself. The body is a score, a body-score, of its own becoming

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Khebour, Slimène. "Le corpen : de la calligraphie chorégraphique à la chorégraphie calligraphique : traces et tracés du corps dans la lettre dansée". Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010534.

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Quelle cadence et quel rythme s'organise autour du corps de la lettre ? Partant d'une dimension mystique et évoluant d'une calligraphie traditionnelle vers une typographie moins conventionnelle, la calligraphie arabe a, elle aussi, subi les changements propices lui permettant d'intégrer les arts contemporains. Telle une chorégraphie qui se prolonge dans l'espace pictural, la calligraphie des lettres ressemblent de plus en plus à une danse contemporaine dont on ne comprend pas tous les aléas mais s'apprécient toutes les affinités.

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Silva, Liliana Coutinho Da. "Pour un discours sensible sur la capacité cognitive du corps dans l'expérience de l'art". Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010570.

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Pour un discours sensible – sur la capacité cognitive du corps dans l'expérience de l'art est une réflexion sur l'expérience esthétique en tant qu'expérience de connaissance. Elle est nourrie par le travail de médiation entre art et société, que je développe en parallèle à mon parcours académique. Je veux comprendre, par un discours au plus près de l'activité sensible déclenchée par l'expérience d'œuvres d'art spécifiques, les liens entre l'artistique, l'esthétique et la connaissance, cette dernière comprise comme action effective dans l'environnement auquel nous appartenons. Les œuvres d'art sont prises selon une approche systémique, qui lesenracine dans des contextes historique, social et esthétique, alors que ces mêmes œuvres participent de leur composition. Abordant le rapport entre langage et expérience sensible, le rôle cognitif de la figuration et de l'indétermination au sein du langage théorique et la définition de corps et d'image au carrefour de lignes d'action sensitives, énergétiques et sociales, j'ai cherché à voir où me conduisait mon expérience de l'œuvre au niveau théorique. L'objet d'art est devenu un objet qui émergeait par ma corrélation avec lui et ceci au fur et à mesure que ma connaissance du champ de discussion visée s'élargissait. La question du rapport entre expérience esthétique et connaissance sous-entendait celle de savoir comment une expérience subjective pouvait être partagée et être considérée comme appartenant au champ d'expérience commune. La thèse se termine ainsi par une réflexion sur un horizon politique à même d'accepter les singularités vers lesquelles pointe l'expérience esthétique

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Sulbarán, Zerpa Maricela. "Le travail du corps et les pirouettes de la jouissance". Paris 7, 2009. http://www.theses.fr/2009PA070003.

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Nous avons analysé dans cette thèse certains éléments qui peuvent montrer un aspect de la jouissance enjeu chez deux groupes de sujets qui « travaillent » leur corps : d'une part, les danseurs et, d'autre part, ceux qui se font opérer pour des raisons d'esthétique. Ces deux groupes se « construisent » un corps par le « travail ». Parvenir à une beauté à travers la chirurgie esthétique peut offrir un gain de plus-de-jouir, et une jouissance autre peut s'ajouter à ce plus-de-jouir pour les danseurs. Cette recherche a pris appui sur trois cas cliniques ainsi que sur dix entretiens avec des danseurs de danse contemporaine. Deux des cas cliniques concernent des patientes que nous avons suivies dans notre pratique clinique : le premier est celui d'une femme qui recourt à la chirurgie esthétique et le second concerne une danseuse. Nous avons ensuite examiné le cas Nijinski à partir de ses écrits, ses Cahiers, qui mettent en évidence toute la pente de la jouissance de l'Autre. Dans ces trois cas, nous avons repéré les « pirouettes » faites par chacun des sujets pour contourner quelque chose de sa jouissance. C'est le réel enjeu qui est suspendu tout spécialement au corps
Our investigation consisted in analyzing a number of elements that can show an aspect of the "jouissance" occurring in two groups of subjects that "work" their body: dancers on one hand, and those that undergo cosmetic surgery for aesthetic reasons on the other. These two groups build themselves a body throughout the "work". To achieve a degree of beauty by use of aesthetic surgery can offer individuals a gain in "jouissance" "plus-of-jouissance". For some dancers, in addition to obtaining that "plus-of-jouissance", it is possible to add another "jouissance" (jouissance autre). Our research work was based on three clinic cases as well as an interview to ten dancers of contemporary dance. Two of the clinic cases concern patients that we have seen in our practice: thé fîrst one is about a woman that resorted to cosmetic surgery and the second concerns a dancer. We then examined the case Nijinski from his writings: his Notebooks, which put in evidence a tendency to the "jouissance of the Other". In all three cases, we have identified the "pirouettes" accomplished by each of the subjects to get around something in the "jouissance". What is in play here is something of the realness that is attached (or suspended) very especially to the body

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Guzmán, Daniela. "Les corps dansants de cueca : Gestuelles discursives pendant la post dictature au Chili (1990-2016)". Electronic Thesis or Diss., Université Côte d'Azur, 2023. http://www.theses.fr/2023COAZ2012.

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La cueca est un genre musical, poétique et chorégraphique dit traditionnel pratiqué dans certains pays d'Amérique du Sud tels que le Pérou, la Bolivie, l'Argentine et le Chili, qui revêt des caractéristiques spécifiques dans chacun d'eux. D'un point de vue chorégraphique, il s'agit d'une danse de couple qui représente le jeu de la séduction amoureuse par des mouvements en cercles et demi-cercles et où ses interprètes tiennent dans leur main droite un foulard qu'ils font tournoyer au-dessus de leur tête. Notamment au Chili, au cours des XIXe et XXe siècles, la pratique de la cueca a été influencée par des contextes sociopolitiques particuliers qui ont déclenché des processus successifs d'appropriation par différents acteurs sociaux. À la fin du XXe siècle - début du XXIe, un nouveau phénomène d'appropriation de la cueca émerge à la suite d'une conjoncture sociale et politique particulière, en l'occurrence un changement culturel après une longue période de dictature militaire (1973-1989). Cette recherche vise à analyser la gestuelle des corps dansants de cueca chilienne en tant que langage discursif qui permet de comprendre la construction d'identités plurielles pendant la période post-dictature. L'ancrage théorique de cette analyse considère trois axes : la gestuelle des corps dansants, leur dimension discursive dans la représentation des identités et la circulation et l'appropriation des styles. En ce qui concerne l'approche méthodologique, des références historiques ont été confrontées et mises en dialogue avec des enquêtes de terrain et ma propre expérience, en tant que danseuse et actrice sociale de la période étudiée. L'analyse comparative des différents types de discours, c'est-à-dire textuel, oral et corporel nous permet d'aborder l'analyse du corps dansant de cueca dans une perspective complémentaire, en cherchant à répondre à la nature socio-esthétique du problème central posé dans cette recherche
The cueca is a "traditional" musical, poetic and choreographic genre practiced in some South American countries such as Peru, Bolivia, Argentina and Chile, which has specific features in each of them. From a choreographic point of view, it is a couple's dance that represents the game of love seduction with movements in circles and semicircles, in which its interpreters hold in their right hand a scarf that they spin above their head.Particularly in Chile, during the 19th and 20th centuries, the practice of the cueca was influenced by socio-political contexts that triggered successive processes of appropriation by different social actors. At the end of the 20th century - beginning of the 21st, a new phenomenon of appropriation of the cueca emerges because of a social and political conjuncture, in this case a cultural change after a long period of military dictatorship (1973-1989). This research aims to analyze the gestures of Chilean cueca dancing bodies as a discursive language that allows us to understand the construction of plural identities during the post-dictatorship period. The theoretical anchorage for the development of the analysis considers three axes: the gesture of the dancing bodies, their discursive dimension in the representation of identities and the circulation and appropriation of styles. As far as the methodological approach is concerned, historical references have been confronted and put in dialogue with fieldwork and my own experience as a dancer and social actor of the studied period. The comparative analysis of the different types of discourse, i.e. textual, oral and corporal, allows us to approach the analysis of the dancing body of cueca in an integral and complementary perspective, seeking to respond to the socio-aesthetic nature of the central problem posed in this research

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Prévost, Bertrand. "L'art du geste : manières et stylistique du corps dans l'Italie de la Renaissance : discours, pratiques, images". Paris, EHESS, 2004. http://www.theses.fr/2004EHES0061.

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En quoi les gestes ont-t-ils fait l'objet d'une forme de problématisation esthétique dans l'Italie de la Renaissance? L'analyse de trois formations discursives (traités d'art, traités de danse, traités de comportement) permet de dégager deux directions principales. La première tend à astreindre les gestes à l'ordre de la représentation. La seconde prend le nom de grâce, comme art du geste au-delà de l'art, installant un régime profondément esthétique, fait d'intensités dispersées et d'action à distance. La seconde parrtie s'attache à montrer comment les arts florentins du second Quatrocento interviennent dans des pratiques gestuelles (combat et amour) pour les intensifier et les précipiter et non simplement les représenter. Nous en venons à mettre au point une notion singulière de maniérisme puis, par une analyse plus spécifique de la peinture de Pollaiolo et de Botticelli, à dissocier définitivement les gestes de toute forme corporelle et partant, de tout langage des gestes
How gestures became an aesthetic problem for the Italian Renaissance? The nalysis of three discursive forms (theory of art, theory of dance, theory of behaviour) makes it possible to distinguish two main directions. The first aims to compel the gestures to the order of Representation. The second deals with grace, as an art of gesture beyond art, and implying a profound aesthetic system, consisting in scattered intensities and action in distance. Second part considers how the visual arts of the second florentine Quattrocento intervene into gestural practices (fighting and love) to precipitate and intensify them rather than represent them. A new notion of "manierism" can be operative to understand what rise in painting. A more specific analysis of Pollaiuolo's and Botticelli's paintings leads to dissociate gestures from any bodily form and any notion of "language of gestures"

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Brignone, Patricia. "Les nouvelles pratiques du corps scénique : pour une approche élargie des rapports danse, arts plastiques, performance". Thesis, Rennes 2, 2018. http://www.theses.fr/2018REN20008/document.

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On assiste depuis ces dernières décennies à l’émergence de pratiques artistiques qui nous incitent plus que jamais à repenser les catégories cloisonnées auxquelles on aurait tendance à les rattacher : arts plastiques, danse, performance. Ces pratiques attestent du dépassement de l’idée de pluridisciplinarité (qui a longtemps prévalu) et investissent desmodalités et des espaces de travail (physiques et mentaux) radicalement autres. Ces porosités du genre artistique témoignent parfois de problématiques communes, telles que la question du « je » ; la représentation et la mise en scène de soi ; une investigation particulière des codes ; l’exploration de corpus de gestes. Le constat d’une certaine déterritorialisation des pratiques ne saurait toutefois faire l’économie d’un éclairage historique, fourni en particulier par les activités du Judson Dance Theater élargi au contexte artistique new yorkais des années 1960. Il constitue un laboratoire de recherches inédit pour ces nouvelles stratégies du corps en mouvement, dont la portée rayonne encore. Si aujourd’hui ce n’est plus tant le rapport aux gestes ordinaires qui aimante les artistes, certaines procédures d’expérimentation continuent d’être opérantes, qu’il s’agisse du corps en interaction avec l’objet ou encore du recours à un dispositif spécifique. Ce sont ces approches plurielles, croisant aussi bien les démarches de Jérôme Bel, Alain Buffard, Ulla von Brandenburg, Boris Charmatz, Hélène Delprat, Esther Ferrer, Nicolas Floc’h et bien d’autres, que nous avons souhaité cartographier sous l’intitulé de « nouvelles pratiques du corps scénique »
Since the last few decades, we are witnessing the emergence of artistic practices that lead us to rethink more than ever the cloistered categories we’re used to fit them into: visual arts, dance, performance. These practices testify the override of the idea of multidisciplinarity (which has been a long-term focus) to invest new physical and mental modalities and spaces.The artistic genre porousness often attests common issues like the question of the « I », the representation and the staging of the self ; a specific code investigation ; the exploration of a gestural corpus.Stating a kind of deterritorialization of practices cannot however prevent from an historical enlightening, mainly to be found in the Judson Dance Theater and its broader context, the New-York avant-garde scene of the sixties. This unprecedented field of experimentation shaped new strategies for the body in motion whose reach is still seminal today.Though relationships to ordinary gestures are no more what artists are striving for, some experimental processes are still operating, regarding either the interactions of the body to objects or to particular devices. This open realm of relationships, crossing the work of artists like Jerôme Bel, Alain Buffard, Ulla von Brandenburg, Boris Charmatz, Helène Delprat, Esther Ferrer, Nicolas Floc’h and so many others, is what we sought to map under the term of “the new practices of the scenic body”

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Iwahara, Cécile. "Le corps, laboratoire de soi et du monde. Anthropologie d’un réseau de danseurs de butô a Kyôto". Thesis, Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100009.

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Danse d’avant-garde, le butô est né au Japon dans les années 1950 d’une hybridation d’avant-gardes artistiques européennes et de formes scéniques populaires japonaises. Naguère plus connu dans les pays occidentaux qu’au Japon, alternativement tenu pour une forme de danse contemporaine ou un art typiquement japonais, le butô fait depuis une dizaine d’années l’objet d’une revalorisation au Japon. À partir de l’ethnographie d’un réseau de danseurs de butô à Kyôto, la présente étude explore les manières dont, dans un contexte de globalisation communément associé, au Japon, à une crise morale, sociale et économique, ils font du corps tout à la fois la matière, l’outil et le foyer subjectif d’une transformation de soi et du monde. L’étude rend compte des imbrications et des interprétations mouvantes de notions constamment invoquées : la singularité, l’universalité et la japonéité. Ainsi, l’un des principes fondateurs du butô, le « corps en déclin », autrefois mis en scène dans un esprit de contestation d’une société « moderne et capitaliste », apparaît aujourd’hui comme une quasi-métaphore d’un pays lui-même déclinant. Un autre principe, une mobilisation du bassin induisant l’ancrage dans le sol, associé par les danseurs à des valeurs asiatiques, tend à le supplanter. L’étude s’attache ainsi à décrire, dans les gestes mêmes, comment l’incessante recréation des valeurs fondatrices du butô sous-tend à la fois des aspirations à transformer le politique et un questionnement éminemment intime : la frontière entre la vie et la mort
Butoh avant-garde dance, as an art form originally emerged in Japan at the end of the 1950s, is a result of the crossover between avant-garde European artistic movements and Japanese popular scenic traditions. Until recent years, more widespread in western countries than in Japan itself, alternatively viewed either as a contemporary dance form or again as typical of Japanese art, Butoh has within the ten last years been subject to strong local reappraisal. Through an ethnography of a Butoh dance network based in Kyôto, this study aims to explore how, through their practices and in a context of globalization in Japan commonly associated with moral, social and economic crisis, the dancers make of the human body simultaneously the material, the instrument and the subjective locus of a transformation of the self and world. This study analyzes the constantly mobile intrications and interpretations of certain continuously recurrent notions : singularity, universality and japaneseness. Thus, one of the essential principles of Butoh, the “declining body”, formerly claimed in a spirit of protest against “modern capitalist society” has today morphed into a quasi-metaphor for a country in decline. This principle is tending to be superseded by yet another, a mobilization of the pelvis, indicating a rootedness of the body in the soil, associated by the dancers with Asian values. The study thus engages with the description of how, through their very gestures, the unceasing recreation of fundamental Butoh values underpins both aspirations for the transformation of the political arena and a supremely intimate questioning of the self, at the frontier between life and death

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Rebeschini, Nicola. "Image corporelle, Corps d'images. Processus de création et œuvre aujourd'hui. Hypothèses pour une esthétique organique : Étude comparative à partir de l'installation-performative Sketches / Notebook de Meg Stuart (Berlin, 2013)". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA138.

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Le corps est être-au-monde. Le corps est l'être-vivant-de-l'image et, ainsi, le corps est image habitée. L'image-corps donne lieu à l'espace sensible lors de son apparition. L'Être comme Nature, peut-il se rendre visible à travers les images ou dans les gestes ? Y a-t-il une spécificité de certains fragments filmiques ou performatifs de la figure du corps et des formes de la persona ? Si cette spécificité a lieu, par quelles voies de la création esthétique ces images ou ces gestes se créent-ils et de quelles manières en imprègnent-t-ils l'œuvre ? Selon quels dispositifs de partage sensible de l'espace matériel et immatériel établi par l'œuvre le spectateur peut-il vivre l'expérience du surgissement de l'être dans l'image ou dans le geste dont il est témoin ? Cette étude est fondée sur l'expérience de recherche pratique et théorique des œuvres. Le sens de cette recherche est ancré dans l'expérience de la création de la danse performative et du cinéma du corps et, plus largement, du cinéma de danse. La quête d'une théorie du sensible est ici fondée, d'une part, sur l'étude du processus de création transdisciplinaire mettant en jeu le corps et les images / les images et les corps en mouvement, d'autre part, sur l'étude d'images mouvantes donnant lieu à une expérience de la présence du corps considérée comme spécifique à la matière de l'humain. Il s'agit, par cette perspective, dans un processus de création performatif, d'étudier les conditions qui donnent lieu au surgissement de ce que nous qualifions de corps d'images et, dans une œuvre filmique, de saisir et de décrire les modalités de l'apparition de ce que nous définissons comme une image corporelle. En ce qui concerne la recherche pratique, nous avons intégré l'équipe de création de l'installation performative Sketches / Notebook de Meg Stuart et, ainsi, constitué un corpus documentaire que, tout au long de notre recherche théorique, nous avons analysé et comparé avec un corpus complémentaire constitué d'œuvres performatives et, surtout, filmiques (on compte, parmi elles, Die Klage der Kaiserin, de Pina Bausch ou Sátántángo de Béla Tarr). Cette recherche nous a permis d’évoquer de nombreux liens entre diverses perspectives philosophiques et esthétiques et d'approfondir l'élaboration du concept janus bifrons d'image corporelle / de corps d'images en relation à la manifestation de la persona dans un environnement de dispositifs et de symboles que nous proposons de penser comme propre à une esthétique organique. En effet, nous reconnaissons à certains fragments de ces œuvres filmiques ou scéniques la puissance de création de l'espace sensible; une organisation de dispositifs dans l'image ou dans le geste capable de générer une mutation de l'espace de signes et de leur réception. De ce fait, nous comprenons qu'en terme de processus de création, certains fragments performatifs et certaines images semblent témoigner de protocoles d'expérience de créations qui - de manière plus propices que d'autres - permettent de donner lieu, voire de faire surgir, des images du corps comme images de la persona : par la présence particulière et universelle à la fois de l'être humain, signe ana-chronique d'une présence mortelle
The body is being-in-the-world. The body is the image's-being-alive, and thus, the body is an inhabited-image. The image-body gives place to the sensitive space within its advent. Can the Being, as Nature, be visible through images or gestures ? Is there a specificity in certain filmic or performative fragments about the figure of the body and forms taken by a persona ? If this specificity is proven, through which means of the aesthetic creation can these images or gestures be created and how do they impact the artwork ? What are the devices of material and immaterial sensitive sharing of space, as settled by the artwork, that allow the onlooker to live the experiment of the emergence of being through the image or the gesture which he is witnessing ? This study is based upon the experience of practical and theoretical research on artworks. The meaning of said research is rooted in the experience of creation concerning performative dance, cinema of the body and, in a wider perspective, dance cinema. The quest for a theory of the sensitive, in our work, has its foundations, first in the study of the process involved in transdisciplinary creation involving body and images / images and body in motion ; second, in the study of moving pictures generating an experience of the body's presence, considered as specific to human matters. In light of this point of view, our project, through the process of performative creation, is to study the conditions which give birth to the upsurge of what we call a body of images and, in filmic artwork, to grasp and describe the modalities through which what we define as a corporeal image appear. Concerning practical research, we have taken part in the creative team of Meg Stuart's performative setup, Sketches / Notebook, and thus assembled a set of documents which we have analysed and compared, all along our theoretical research, to a complementary set made of performative and, most of all, filmic artworks (among which are included Pina Bausch's Die Klage der Kaiserin and Béla Tarr's Sátántángo). This research gave us the opportunity to call to mind the numerous links existing between different philosophical and aesthetical points of view, as well as to deepen our construction of the janus bifrons concept of corporeal image / body of images, as related to the expression of the persona in an environment made of setups and symbols which our research designates as specific to an organic aesthetic. In fact, we recognize in specific fragments of these filmic or scenic artworks the creative power of sensitive space ; the arrangement of setups within the image or within the gesture, able to operate a mutation of the space of signs and their reception. Therefore, it is our understanding that, regarding the creation process, some performative fragments and some images appear to participate in protocols in creative experience which, in a more suitable manner than others, lead, or even give birth to images of the body as images of a persona, through the presence, all together individual and universal, of the human being as the anachronistic sign of a mortal presence

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Strazzacappa, Hernandez Marcia. "Fondements et enseignement des techniques corporelles des artistes de la scène dans l é́tat de Sao Paulo (Brésil) au XXe siècle". Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081674.

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La presente recherche sur "les fondements et l'enseignement des techniques corporelles des artistes de la scene dans l'etat de sao paulo, bresil, au xxeme siecle" analyse la genese et l'appropriation de techniques corporelles codifiees utilisees dans la formation pratique des artistes de la scene. Certaines expressions utilisees dans le texte comme : "l'artiste de la scene", "l'education somatique", "reformateurs", "pratiquants" et "praticiens" ont trouves leurs respectives definitions dans l' introduction du texte. Divise en trois parties, la these presente d'abord la realite de l'enseignement general au bresil et, plus specifiquement, de la formation artistique. Nous avons examine, dans la deuxieme partie, les conditions de la naissance de deux courants complementaires : l'un ne du contact avec des reformateurs etrangers et l'autre genere par des theoriciens locaux. Les biographies des reformateurs du mouvement comme dalcroze, laban, alexander, feldenkrais, entre autre, ont ete soigneusement etudiees. Parmi les reformateurs locaux, la these analyse le travail de quatre bresiliens, dont les recherches ont ete tres importantes dans la formation des artistes dans l'etat de sao paulo : maria duschenes, klauss vianna, luis otavio burnier et jose antonio lima. La troisieme partie fait une analyse comparative entre les techniques abordees, a partir des notions fondamentales de chaque technique pour ensuite discuter le travail en salle, c'est-a-dire le travail pratique des techniques elles-memes, ou nous avons pu observer les digressions et les malentendus actuels.

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Glon, Marie. "Les Lumières chorégraphiques : les maîtres de danse européens au cœur d’un phénomène éditorial (1700-1760)". Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0065.

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Conjuguant l'histoire des usages de l'écrit, l'histoire des transferts culturels et l'histoire du corps, cette thèse cherche à comprendre le phénomène éditorial qui se déploie en Europe, durant deux tiers de siècle, à partir de la Chorégraphie - « art de décrire la dance » dont les principes sont publiés à Paris en 1700. Grâce à cet art scripturaire sont publiées plusieurs centaines de « danses gravées », objets à la lisière de l'écriture et de l'image, dont le déchiffrage est destiné à mettre en mouvement le corps de l'usager. L'étude des danses gravées révèle des expériences novatrices quant à l'autonomie du lecteur-danseur postulé par ces objets. Elle éclaire également une pensée technique propre au premier XVIIIe siècle, alliant de façon originale l'abstraction et la culture artisanale : une conceptualisation du corps en mouvement s'invente au sein même des caractéristiques les plus concrètes d'ouvrages conçus comme des outils. Elle dévoile enfin un réseau d'échanges : il s'agit de faire circuler, dans des espaces géographiques et sociaux divers, des danses, mais aussi des idées et des innovations techniques. Pour les maîtres de danse qui y recourent, la Chorégraphie devient en effet une langue écrite internationale, au moyen de laquelle ils dialoguent avec leurs confrères. Investissant le monde de l'imprimé, instaurant les conditions d'exercice d'un esprit critique et collaboratif, ils reconfigurent leur statut et leurs activités. C'est l'ensemble de ce phénomène que nous appelons les Lumières chorégraphiques : un projet de mise en mouvement du corps, de mise en mouvement des frontières géographiques, institutionnelles et sociales, de mise en mouvement de pensée
At the crossroads between the history of the uses of the written word, the history of cultural exchanges, and the history of the body, this doctoral thesis seeks to understand the publishing phenomenon which spread in Europe from 1700 to c. 1760 about and through Chorégraphie (i. E. "the art of dancing by characters") - following the publication of its principles in Paris, in 1700. Thanks to this scriptural art, hundreds of "dances engraven in characters and figures" were published; they pertained both to writing and to drawing, and were meant to set the user's body into motion. A study of these "dances in characters" brings out novel paths towards the self-reliance of the typical reader-cum-dancer targeted by these objects. It also sheds light on a form of technical thinking typical of the early 18th century, and characterized by a combination of abstraction and craftsmanship: a conceptualization of the dancing body emerged from the most concrete features of the printed material designed as a tool. It also reveals a whole network of exchanges: the aim was to introduce dances, but also breakthrough ideas and techniques, into different geographical and social areas. Indeed, for the dancing masters resorting to it, Chorégraphie was becoming a kind of written lingua franca. By taking hold of the world of print, and setting the conditions for the exercise of critical and collaborative thinking, they were redefining their own assignments and statuses. What we call Choreographic Enlightenment encompasses the various aspects of this phenomenon - the project of getting the body to move, boundaries to move, whether they were geographical, institutional or social, and thoughts to move

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Johansson, Franz. "Le corps dans le théâtre de Paul Valéry". Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040059.

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Parmi toutes les écritures, celle du théâtre engage le corps d’une manière particulière : elle l’accueille non seulement comme une représentation mais aussi comme un instrument, un matériau, une présence. Le dramaturge se trouve confronté au corps de la manière la plus étroite ; aux prises avec sa constitution, ses ressources, ses limites et, en définitive, avec son essence. C’est pourquoi nous abordons le rapport qui lie Paul Valéry au corps précisément à travers son expérience théâtrale : le drame est sans doute le domaine privilégié où cet auteur explore et approfondit sa relation au corps -une relation qui, pour être problématique et conflictuelle, n’en est pas moins riche. Valéry est un grand écrivain du corps. La première partie de notre étude se penche sur le rapport que l’auteur entretient vis-à-vis de l’incarnation scénique : son théâtre suppose-t-il, appelle-t-il ou, du moins, tolère-t-il le corps ? Nous sommes amenés, dans une deuxième partie, à analyser la manière dont le dramaturge se saisit de la présence vivante de l’interprète et l’incorpore dans son écriture scénique ; à définir donc la place que le corps occupe à l’intérieur de l’esthétique théâtrale de l’auteur. Dans la troisième partie, nous cherchons à préciser les représentations, les visions ou les conceptions du corps qui se dessinent au fil des drames et des ébauches tracés par l’écrivain ; en d’autres termes à déterminer quels sont les discours sur le corps que tient ce discours du corps qu’est l’oeuvre théâtrale de Valéry
Among all the literary genres, theatre deals with the human body in a unique way: not only is the body figured in a play but it also becomes a substance, an instrument, a presence on the stage. A playwright will always, in some way or another, be confronted with the body in the meaning of its biological constitution, its shape and movement, its resources and limitations and, ultimately, its essence. Theatre is therefore one of the most interesting fields for studying Valéry’s approach to the human body : in no other part of his work does the writer embrace the body in such an immediate, complex, profound - and nonetheless problematic and ambiguous -way. Valéry is an immense artist of the body. The first part of this work explores how Valéry contemplates the experience of theatrical embodiment: do his dramatic works and projects need and call on the actor’s active matter ? Or do they, at least, tolerate it ? The second part analyses the different ways in which Valéry’s aesthetic principles incorporate the presence and movement of the body in dramatic writing: how are the expressive means of the actor seized and transformed by artistic conventions, processes or techniques ? The last part aims to specify the conceptions of the body that emerge from Valéry’s plays and drafts: what does this theatre, as a language of the body, tell us about the human body ?

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Alias, Valérie. "Postures et dérobades : écritures du corps en mouvement dans les œuvres d'Henri Michaux et de Samuel Beckett". Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCC038.

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Les oeuvres de Michaux et de Beckett se rejoignent dans leur méfiance à l'endroit du langage et des moyens de représentation. A cet égard, la représentation du corps est soumise à une critique radicale : il s'agit de pousser jusqu'à leur ratage les traditions langagières, rhétoriques, théâtrales, picturales qui prétendent donner une forme au corps. Ces stratégies de sabotage ont pour enjeu une réflexion sur le corps et le sujet : aux figures du corps-forme correspond une certaine conception du sujet que les oeuvres agressent, au nom d'une expérience du corps qui l'éprouve au contraire comme force, aussi instable et indéterminé que le sujet qu'il suppose. La critique, dans les deux oeuvres, exhibe donc à la fois les échecs des traditions figuratives, et les diverses tentatives pour représenter autrement cette matière en mouvement. Cet effort positif, expérimental, implique une attention extrême aux surfaces du corps et du geste : avant d'interpréter, de rapporter à une profondeur ces surfaces du corps, les oeuvres s'appliquent à scruter, inventorier, épuiser ses mouvements concrets, à noter ses expériences et ses états. D'où cette proximité entre les corps représentés dans les oeuvres de Michaux et de Beckett : on y détaille les blessures, les maladies, les chutes, comme autant d'événements où le corps apparaît dans son mouvement, c'est-à-dire dans ses capacités de métamorphose et de résistance. La thèse s'attache à suivre ce scrupule descriptif : quelles postures, quelles démarches, quels élans, quels tremblements, quelles lignes '? Ce faisant, elle propose de rapprocher ces écritures des façons dont la danse contemporaine pense, pratique et chorégraphie le corps en mouvement
The works of Michaux and Beckett share a common distrust of language and of the various means of representation. For this reason, both display a radical critique of the ways in which bodies are represented : in these works, the linguistic, rhetorical, theatrical and pictorial traditions that daim to shape bodies are pushed to their breaking point. These strategies of subversion amount to a questioning of the ideas of « body » and « subject » : the various figures of the body-as-form are underpinned by a certain understanding of the subject which both works attack, and to which they oppose an experience of the body as force, as something equally unstable and indeterminate as the subject it presupposes. Hence, the critique that permeates both works exposes the failures of the various figurative traditions, and brings to light the various attempts at representing this matter-in-motion differently. This positive- and experimental endeavour requires that one pay close attention to the surface of bodies and gestures : these works scrutinize and record the concrete movements of bodies, take note of their experiences and the states they find themselves in. As a result, the bodies represented in the works of Michaux and Beckett have something in common: their wounds, their ailments and their fans become events in which bodies are shown in motion, in which their ability to change and resist are brought to the fore. The present study aims to share in this care to describe. In doing so, connections are drawn up between these works and the ways in which contemporary dance thinks, experiences and orchestrates bodies in motion

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Pichette, Julie. "BALBUTIEMENT... de fil en aiguille". Thesis, Université Laval, 2012. http://www.theses.ulaval.ca/2012/28068/28068.pdf.

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FUOCO, ESTER. ""Né qui, né ora": peripezie del teatro contemporaneo ( "Ailleurs et autrement": Rebondissements du théâtre contemporain )". Doctoral thesis, Università degli studi di Genova, 2019. http://hdl.handle.net/11567/945965.

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Si sono qui prese in esame quattro esperienze performative internazionali contemporanee - scelte per la loro rilevanza e nello stesso tempo per la loro eterogeneità - rappresentative di una peculiare interazione del performer con il mezzo tecnologico. Si è evidenziato così come quest’interazione produca in attori e spettatori – ove sussista ancora questa distinzione – una percezione dello spazio e del tempo affatto nuova; secondo tre modalità relazionali ed espressive che potremmo qui anticipare come: “presente nel qui e ora” (prossimità immediata), “presente a distanza” e “assente/virtuale”. Sempre nelle esperienze qui considerate, il corpo contemporaneo, lontano da ciò che poteva rappresentare in partenza, non è più elemento significativo dell’identità, di una sola identità: viene privato della propria soggettività e condotto a una specie di “grado zero” della propria natura; appare così frammentato, aperto, liquido. In queste performance, e in particolare in quelle che partono dalla danza, sono le caratteristiche oggettuali e materiali dei corpi a essere messe in primo piano; cosicché la manipolazione della corporeità o la dislocazione dell’agente al di fuori del corpo sembrerebbero annullare la consueta nozione di “presenza”. Più corretto invece – e questa è la sfida di questa indagine – ci è sembrato valutare la riconfigurazione di questa presenza alla luce di una verità mediata, quell’effetto di realtà che induce a ritenere reale ciò che ci viene mostrato su un supporto, filmato, riprodotto digitalmente, ricostruito attraverso la luce o il suono. La presente ricerca consiste quindi nell’esplorazione dello status di questo corpo performativo contemporaneo, del processo estetico di rimediazione e di “democratizzazione” che esso subisce nelle performance live attuali: per comprendere le ragioni e gli effetti del quale si è reso necessario lo svolgimento di un’analisi dell’evento teatrale sistemica e relazionale, prima che analitica; cercando di ricostruire una rete di particolari connessi e interdipendenti al soggetto e al contesto, anziché limitarci a una semplice diegesi dei singoli spettacoli.
In the present analysis four contemporary international artistic examples will be analysed, chosen for their significance and at the same time their heterogeneity, representative of a peculiar interaction of the performer with the technological medium. It has been shown that this interaction produces in actors and spectators – where this distinction still subsists – a perception of space and time that is quite new; in keeping with three relational and expressive modes that we could anticipate here as: “present in the here and now” (immediate proximity), “present at a distance” and “absent/virtual”. Again in the experiences considered here, the contemporary body, far from what it represented at the origins, is no longer representative of identity, of a single identity: it is deprived of its subjectivity and reduced to a kind of “degree zero” of its nature. It becomes liquid, open, fragmented. In these performances, and in particular those that start from dance, the object and material characteristics of the bodies are brought into the foreground; so that the manipulation of the body or the displacement of the agent outside the body would seem to efface the notion of “presence”. Rather it would be more correct – and this is the challenge of this investigation – to evaluate the reconfiguration of this presence in the light of a mediated truth, an effect of reality that leads us to regard as real what is shown to us on a support, filmed, reproduced digitally, reconstructed through light or sound. The present research therefore consists in an investigation of the status of this contemporary performative body, of the aesthetic process of remediation and of the “democratisation” that it undergoes in current live performances. To understand the reasons for and effects of this phenomenon, it was necessary to conduct an analysis of the theatrical event in a systemic and relational rather than an analytical way, seeking to reconstruct a network of details connected to and interdependent of the subject and the context, before presenting a diegesis of individual spectacles.
Ce travail de recherche consiste en une réflexion sur le statut de ce corps performatif contemporain, sur le procédé esthétique de remédiation et sur la « démocratisation » qu’il subit dans les performances live actuelles. Pour comprendre les raisons et les effets de ce phénomène, il a fallu analyser l’événement théâtral tout d’abord de façon systémique et relationnelle, puis analytique, en essayant de reconstruire avant tout un réseau de détails interdépendants et connectés au sujet et au contexte, plutôt que de partir d’une diégèse de chaque spectacle. Quatre exemples artistiques internationaux contemporains – sélectionnés pour leur importance et leur hétérogénéité – représentatifs d’une interaction particulière entre le performeur et les nouvelles technologies, ont été analysés. La réflexion a portée sur la manière dont cette interaction créait chez les acteurs et les spectateurs – lorsque cette distinction subsiste – une perception de l’espace et du temps complètement nouvelle selon trois modalités relationnelles et expressives que nous pourrions définir comme : « présent ici et maintenant » (proximité immédiate), « présent à distance » et « absent/virtuel ». Dans les expériences prises ici en considération, le corps contemporain, bien loin de ce qu’il représentait à l’origine, n’est plus élément représentatif de l’identité, d’une seule identité : il est privé de sa subjectivité et ramené à une sorte de « degré zéro » de sa nature ; il devient liquide, ouvert, fragmenté. Dans ces performances, et plus particulièrement dans celles qui ont pour point de départ la danse, c’est le corps comme objet, ses caractéristiques matérielles qui sont mises au premier plan, si bien que la manipulation de la corporéité ou la dislocation de l’agent en-dehors du corps semblent annuler la notion de « présence ». Il serait plus correct – et c’est le défi de notre réflexion – d’analyser la reconfiguration de cette présence à la lumière d’une vérité médiatisée, un effet de réalité qui pousse à considérer comme réel ce qui nous est montré à travers un support, filmé, reproduit de façon digitale, reconstruit à travers la lumière et le son.

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Padonou, Assomption. "Danser, c'est manger : pour une ethnographie de la créativité artistique chez les Gun de Porto-Novo (Bénin)". Thesis, Strasbourg, 2019. https://publication-theses.unistra.fr/restreint/theses_doctorat/2019/PADONOU_Assomption_2019_ED519.pdf.

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L’importance de la danse gun est, non la belle chorégraphie sur laquelle sont souvent focalisés les regards, mais plutôt l’activité du sang dans le corps dansant, y compris la dynamique culturelle suscitée par le savoir endogène auquel se réfèrent les traditions ancestrales. Car les mouvements observés lors de cette danse sont des contractions de muscles (yè) chaque fois accompagnées de relaxations du corps (hwé), comme s’il s’agissait, au fond, d’une alternance chaque fois renouvelée entre un cumul et une dépense d’énergies. Il en résulte que la danse gun se nourrit d’énergies. D’une part, elle se nourrit d’une énergie physique sous l’impulsion du cœur qui rythme la bonne circulation du sang irrigant le corps dansant de nourritures. D’autre part, la danse se nourrit d’émotions suscitées par le savoir qui éveille la mémoire à la joie, au sens d’espoir. Ainsi, la danse consiste dans l’éclosion du corps à travers la belle chorégraphie ; elle révèle à la fois une ouverture du cœur rythmant la vie et un éveil de la mémoire à la beauté du paradis, au sens d’oubli des misères des hommes et de leur histoire. Dans le cadre de cette thèse, je soutiens que la danse n’est pas seulement un art, mais elle est aussi une forme de nourriture. La danse est un art au cœur duquel le corps dansant mange la vie. La danse présente des caractéristiques nutritives d’émotions, à la fois performatives et communicatives ; elles expriment les relations des Gun entre eux, y compris avec leurs Vodǔn
The importance of Gun dance is not the beautiful choreography on which the spectators are often focused, but rather the activity of blood in the dancing body, including the cultural dynamics aroused by the endogenous knowledge to which the endogenous knowledge refers ancestral traditions among the Gun people. Indeed, the movements observed during the Gun dance are contractions of muscles each time accompanied by relaxations of the body, as if it were a renewed alternation between a cumulative and an expenditure of energies. As a result, dance feeds on energy. On the one hand, it feeds on a physical energy under the impulse of the heart that rhythms the proper circulation of blood irrigating the body dancing with nutrients. On the other hand, dance feeds on emotions aroused by knowledge that awakens memory to joy, to the sense of hope that sustains life. Hence, the dance consists in the hatching of the body through the beautiful ultrasound; it reveals both an opening of the heart punctuating life and an awakening of memory to the beauty of paradise, in the sense of forgetting the miseries of men and their history. As part of this thesis, I argue that dance is not only an art, but it is also a form of food. Dance is an art in which the dancing body eats life. Gun dance has nutritional characteristics of emotions, both performative and communicative, which help to express the most fundamental relationships of the Gun people with each other, including with their Vodǔn

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Heyd, Marie. "Les représentations de la mort dans la création artistique actuelle : histoire, contextualisation, comparaisons". Thesis, Strasbourg, 2015. http://www.theses.fr/2015STRAC002.

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Alors que les individus dans la société contemporaine sont unis non par une propriété mais par un devoir et par une dette, par un manque, par une limite prenant la forme d’une charge pour celui qui en est affecté, la postmodernité rend à la mort et à l’absence toute sa densité. À travers la répétition, entre jubilation et désespérance, les artistes figurent la temporalité de l’épreuve par une écriture qui travaille l’instant. Ils racontent ces évènements infimes qui sont les plus fragiles, les plus précaires, ayant pourtant une forte efficacité. Il s’agira ici d’étudier les nouvelles postures devant l’événement historique, quand l’artiste se tient au plus singulier
While individuals in contemporary society are united not by property but by a duty and a debt, a lack, by a limit taking the shape of a responsibility for the one who is affected, postmodernism returns to death and absence all its density. Through repetition, between jubilation and despair, the artist represents the temporality of the event. His writing works the moment. He tells these tiny events that are the most fragile, the most precarious, having nevertheless a strong efficiency. This thesis will try to study the new postures in front of the historic event, when the artist stands in the most singular

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Porro, Fenaroli Flavia. "Corps, Corpus, Corps subtil : la pesanteur dans le champ élargi de la sculture contemporaine". Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010556.

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Le champ élargi de la sculpture contemporaine intègre désormais des pratiques et des comportements, parfois anachroniques et archaïques, tous liés au corps, Dans un monde qui perd ses fondements culturels et tous les lieux qui nous ancraient "quelque part", le corps prend en charge une transmission. "Corps, Corpus, Corps subtil" auraient des multiples niveaux de signification. "Corps", vivant et matériel, est aussi un "Corpus", en latin successivement le corps, l'hostie et plus tard un recueil de textes. "Corps subtil", presque immatériel rappelle une "sub-tela" qui était aussi la trame d'un récit. "Corps, Corpus, Corps subtil", montreraient des correspondances entre corps, œuvre et document. A travers l'étude des œuvres nous verrons une évolution de l'espace de celles-ci vers les modalités de celui du document et aussi une intégration du corps dans cet espace. Corps subtil deviendra le moment d'une disparition, d'un retrait et d’une substitution, mais aussi la possibilité de créer un espace en marge dans lequel nous pouvons toujours nous reconnaitre. Un espace dans lequel nous pouvons toujours et encore bâtir ce "Templum" des origines, lieu premier de notre enracinement.

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Araujo, Nivalda Assunção de. "Corps humain, corps urbain : la traversée des apparences". Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010532.

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Le but de cette thèse consiste à analyser la production artistique à partir de l'expérimentation du monde réel, ayant comme support théorique les rapports existants entre l'artiste et la ville vivante. Cette approche envisage d'explorer les liens existants entre le corps humain et le corps urbain; l'approximation des deux univers est démontrée par la mise en place d'une production plastique, qui interroge à la fois le monde souterrain, sombre, mystérieux de la ville, et sa surface claire et lumineuse. La photographie, la vidéo, les photomontages et les performances sont les différentes techniques utilisées pour pénétrer les symboles et l'imaginaire, et donner des significations du réel, tout en gardant une dimension poétique. Il s'agit de dépasser la réalité évidente, et d'aller vers un monde sous-jacent, sans lequel aucune existence ne serait possible. La ville et le corps humain impriment le rythme du parcours entrepris, et l'ensemble des oeuvres compose un seul corps, qui transite entre le paysage urbain et l'espace sombre du monde souterrain.

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Zinetti, Philippe. "La blessure : la représentation du corps sur le corps". Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010668.

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Le corps éprouvé par l'acte de peinture qui recouvre la peau et cherche ainsi, par le recueillement, à concentrer l'énergie créatrice sur mon propre corps. Une figure noire, signe d'ouverture apparait sur le corps. Il semble que l'absence, le manque s'inscrivent sur la peau par cette représentation. La peau doit être comprise comme une enveloppe qui protège le corps et qui par son ouverture laisse entrevoir l'intériorité de celui-ci. Le travail onirique doit être mené à partir de toute enveloppe servant l'élaboration de la pratique plastique. Ainsi, les tissus tendus dans l'atelier cernent l'organisation de la pratique qui elle-même prend naissance sur la surface du corps : la peau, pour enfin s'inscrire sur la pellicule photographique chargée de mémoriser l'acte de peinture. La souffrance, suggérée par la représentation, ainsi que ce désir d'écorcher la peau permettent de penser cette ouverture comme une blessure. Les dialectiques vide-plein, dedans-dehors élaborent la forme dans ce qui est défini comme représentation du corps sur le corps. La figure du double apparait dans la représentation et l'autre corps devient support de peinture. De l'activité du corps, il n'est garde que le souvenir de l'acte éphémère de peinture, l'action menée dans l'enceinte de l'atelier est inscrite sur le palimpseste photographique et l'image devient la nouvelle enveloppe investie par la pratique plastique. Ainsi, le corps par son état de vie instaure la constitution-même de sa dépouille. De son action naissent les signes de l'enveloppe, de la surface offerte au regard extérieur. Cette offrande n'est que la vaine tentative de réunir les différents états du corps entre la vie et la mort. Aussi, la blessure serait bien cette contusion symbolique qui signe la présence du corps dans la représentation
The body is tested by the act of painting which covers the skin and thus tries, through meditation to concentrate the creative energy on my own body. A dark shape, asign of opening, appears on the body. It seems that the absence, the gap are inscribed on the skin by that representation. The skin must be understood as a frame which protects the body and which throught its opening enables to have a glimpse of the interiority of that one. The dreamlike work must be led from any frame serving the elaboration of plastic practise. So, the fabric hung in the workshop outlines the organisation of the practise which itself takes form on the surface of the body : the skin, to be eventually printed on the photographic film in charge of memorizing the act of painting. The suffering, suggested by representation, as well as that desire fo r flaying the skin allows to think this opening as a wound. The empty-full, inside-outside dialectics elaborate the shap e in what is defined as the representation of the body on the body. The sign of the double appears in the representation and the other body becomes the support of painting. From the activity of the body, what is only kept is the remembrane of the short-lived act of painting, the action led within the workshop is inscribed on the photographic palimpsest and the picture becomes the new frame invested by plastic practise. So, the body through its state of life institutes the very constitution of its hide. The signs of the frame, of the surface offered to the exterior stare arise from its action. This offering is but the vain attempt of gathering the different states of the body between life and death. Therefore, the wound could very well be this symbolic extension which signs the presence of the body in the representation

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Dumas-Lavenac, Sophie. "L'acte sur le corps dans l'intérêt médical d'autrui". Rennes 1, 2012. http://www.theses.fr/2012REN1G027.

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L’acte sur le corps dans l’intérêt médical d’autrui est une figure récente du droit positif. Il consiste, pour une personne, à consentir à ce qu’une atteinte soit portée à son corps pour soigner autrui, ou pour améliorer les connaissances scientifiques en vue de développer de nouvelles thérapeutiques. Il regroupe deux types de pratiques biomédicales : le don d’éléments ou de produits du corps et la recherche biomédicale. Cet acte est difficile à saisir, tant les mécanismes juridiques connus paraissent inadaptés. Il existe pourtant des outils techniques susceptibles d’en permettre une meilleure appréhension, et par là même de solidifier et de pérenniser la protection de la personne. Cette protection est en effet une préoccupation majeure, l’objectif étant d’éviter la marchandisation du corps de la personne. Cet objectif ne peut être atteint sans une compréhension nette et précise des relations nouées à l’occasion de l’acte, entre la personne qui accepte l’atteinte et celle qui la porte. Afin d’améliorer cette compréhension, nous proposons une lecture de l’acte sur le corps dans l’intérêt médical d’autrui par le prisme du contrat. Employé comme outil d’analyse, le contrat permet de saisir les mécanismes protecteurs de la personne à l’œuvre dans cet acte, mécanismes qui devront être conservés lors des évolutions futures de la législation relative à l’utilisation médicale du corps
The therapeutic act on the human body for the medical interest of others is a recent concept of the French law. It consists of an individual accepting an exposure toward their body to cure another individual or to improve scientific knowledge in order to develop new therapeutics. This corresponds to two biomedical procedures: body elements donations and biomedical research. This therapeutic act is difficult to grasp as current jurisdictional mechanisms do not seem adapted. However, some jurisdictional instruments do exist; that could allow a better understanding, thus strengthening and ensuring sustainability of the protection of the individual. This protection is a major preoccupation as the objective is to avoid human body commoditization. This objective cannot be reached without the clear and precise understanding of the relationships formed between the receiver and the giver of the therapeutic act. In order to improve this understanding we propose a reading, of the therapeutic act on the human body in the medical interest of others, through the angle of the private contract. Used as an analytical tool, the private contract allows us to grasp the mechanisms for safeguarding individual rights during the therapeutic act. These mechanisms must be kept during the development of future laws related to the use of the human body for medical purposes

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Rahbari, Morvarid. "Le féminin dans l’œuvre dramatique de Samuel Beckett". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA148/document.

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Dans l’œuvre de Samuel Beckett, les personnages féminins qui au début sont quasi absents, prennent de plus en plus d’importance et présentent alors différentes images féminines. L’univers féminin qui apparaît ne cesse de prendre de l’ampleur. Pour aborder le fait féminin, il faut prendre en compte les différents langages esthétiques spécifiques des personnages-femmes. En effet, ces langages - faits de diverses tournures imagées -, mettent en exergue l’identité féminine de ces personnages. Ces langages recouvrent de nombreux domaines : corporel, gestuel, scénique et pictural. Cette recherche permet de mieux comprendre le traitement du féminin dans l’œuvre dramatique de Samuel Beckett et de souligner les aspects majeurs des personnages féminins
In Samuel Beckett’s works the female characters are seen to be absent at the beginning, but throughout the story their presence becomes more significant, and represents the different images of the female characters.The female characters in his work expand and grow constantly.To understand the female characters, we need to analyze the languages that have been used by each character. The languages provide a different image which highlights the identity of each character. They also cover many areas such as body, gestural, scenic, and pictorial. This research paper helps us to better understand how Samuel Beckett deals with feminine in his works, and highlights the major features of the female characters

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Singer-Delaunay, Hélène. "Expressions du corps interne". Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010662.

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Le titre de cette thèse, " Expressions du corps interne ", se présente comme une énigme: que signifie le " corps interne ", de quelle nature sont ses expressions? La solution recherchée passe par l'analyse de créations de l'auteur (des performances vocales), où elle se met en scène pour produire une matière sonore qui se situe au croisement du cri et du chant. Elle nomme cette création visuelle et vocale " chant plastique ". Elle tente par lui d'exprimer le " corps interne ". Ce chant se différencie du chant lyrique, tout en s'y référant; il apparaît comme un "hors chant" et un "en deçà du langage". Cette pratique vocale expérimentale relie différents domaines tels que le chant lyrique, le rock, le chamanisme, l'animalité et le burlesque. Le "corps interne" est un corps inconnu, invisible; seul le chant plastique pourrait l'exprimer, le rendre manifeste: il en donnerait une " visibilité auditive".

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Coulombe, Maxime. "Faire du corps une image". Doctoral thesis, Université Laval, 2006. http://hdl.handle.net/20.500.11794/18280.

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Reyes, Arellano Ma Antonia. "La place du corps dans la psychanalyse : le corps dans les troubles allergiques". Paris 7, 2000. http://www.theses.fr/2000PA070103.

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Ce travail vise à étudier le statut des phénomènes somatiques dans la théorie psychanalytique. Nous nous sommes ainsi intéressés au repérage de la place du corps dans les travaux psychanalytiques, plus précisément de l'entité corporelle dans le phénomène allergique. Notre problématique examine les liens entre le "corps" et les ressorts inconscients qui se dégagent du "choix allergique". Nous proposons, en conséquence, une conception du système immunitaire conçu comme une "carte d'identité" organique. Une identité qui nous conduit à penser que le "choix allergique" est une sorte d'agression subjective perpetuée contre l'organisme. A la lumière de cette hypothèse, notre approche métapsychologique s'avère essentielle afin d'examiner de plus près le rôle de l'inconscient dans la constitution du lien entre le corps et la "psyché" et d'analyser, de même, le problème du phénomène somatique grâce à la métapsychologie
This investigation aims at examining the somatic phenomena within the psychoanalytical theory. Hence the importance of pinpointing the place of the body in psychoanalytical studies, more exactly that of the body entity in allergic responses. Thus our thesis explores the connections between the "body" and the motives of the unconscious that derive from an allergic alternative. As a result, an approach of the immune system designed as an "identity card" is put forward. Such an identity implies that the "allergic alternative" is a kind of subjective act of aggression against the system. In the light of this hypothesis, our metapsychological interpretation method of investigation proves to be basic and enables us to consider more closely the incumbent role of the unconscious in the building up of the connection between body and psyche and, similarly to analyse the issue of the somatic response through the metapsychological method

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Travert, Lucile. "Le démembrement du corps". Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010569.

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C'est sur une production plastique continue que nous allons porter notre analyse et chercher à préciser les implications de la pensée et du corps dans le processus d'une création qui depuis 1989 traite toujours d'un seul et même sujet, le corps. Le sujet semble être ce qui constitue la peinture depuis ses origines. Pour la peinture dite figurative dont le but est de figurer, de représenter, le sujet est omniprésent. Il énonce le problème de la narration pour cette peinture qui finit par raconter plus qu'elle ne montre. En effet, telle est l'ambigui͏̈té de la Figuration. Aussi, comment faire pour conjurer la narration dans une peinture figurative ? Nous allons tenter de surmonter notre thèse de départ, à savoir que plus la figuration montre moins elle donne à voir. Pour ce faire nous émettrons l'hypothèse, dans le cadre précis de notre pratique plastique dont le sujet est le corps, d'arracher la figure au figuratif c'est-à-dire de rompre avec le motif figuratif pour préserver le sujet figuraI. Perdre le motif pour maintenir le sujet, telle serait la solution offerte à la peinture figurative pour se sortir d'elle-même, se maintenir et enfin se préserver. Pour cette rupture nous utiliserons le concept de démembrement parce qu'il permet de maintenir le corps dans un état de perte, par son mouvement d'effondrement, et un état de recouvrement, par son mouvement de dépassement. Le démembrement installe le travail dans un perpétuel mouvement de rupture et de tentative de reconstruction. Nous découvrirons à la fin de cette recherche que le démembrement a permis de transformer le motif figuratif en sujet fIgurai, de transférer l'espace traditionnel de la peinture figurative en espace figurai et, enfin, de transfigurer l'oeuvre figurative en oeuvre flgurale où corps et esprit se croisent en un centre qui se brise en permanence. Le démembrement, et non démembrer, situe la recherche plastique du corps dans une durée, un temps inachevé, inachevable en perpétuel retour sur soi. Il expulse l'artiste de son oeuvre. L'artiste mène alors une quête, celle de la perte de ce qu'il n'a jamais eu et qu'il n'aura jamais, c'est-à-dire la perte de l'origine.

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Bouftass, Saïd. "La morphologie du corps humain entre pédagogie artistique et science du corps". Paris 8, 2001. http://www.theses.fr/2001PA082034.

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Le corps humain a depuis toujours fasciné. Science, philosophie, art. . . Les disciplines majeures ont fait du corps humain leur objet de recherche. Alors, qu'en est-il de la représentation du corps ? Peut-on dresser un historique, au sein d'une institution comme l'Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris ? Y-a-t-il une pédagogie liée à l'étude du corps ? Comment des siècles d'anatomie ont donné naissance à la morphologie ? C'est à une aventure d'une incroyable richesse que vous convie l'auteur de cette recherche

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Danou, Gérard. "Le corps souffrant : littérature et médecine". Paris 7, 1993. http://www.theses.fr/1992PA070132.

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Le corps souffrant : litterature et medecine la medecine scientifique ne voit que le corps-machine, pas l'etre de desir. Le corps vit quotidiennement une foule de phenomenes obscurs : emotions, fatigue, douleur. La litterature, portee par le desir d'un sujet ecrivant, aux frontieres entrelacees d'un monde et d'un langage, nous offre une fine approche de ces experiences vecues, auxquelles nous relie analogiquement la lecture. Lisons la fatique de jean reverzy, la douleur de duras, les emotions fievreuses de le clezio, et thomas mann. La litterature alchimise la souffrance de l'esprit, que dit-elle des maladies physiques (cancer, sida) ? avec guibert et d'autres, la medecine technicienne entre en litterature. Avec le sida, font retour : l'irrationnel, la pensee causale, la peur de l'etranger, comme au temps lepreux ou de peste. Qu'en est-il de la souffrance du medecin, du rapport au degout naturel pour le corps stigmatise? comment reagir au degout? a la mort de l'autre, avant-scene de la sienne propre ? l'oeuvre de certains ecrivains medecins explore les arcanes du lien medecin-malade, et restaure la subjectivite du medecin tenue a distance par sa pratique. La position de l'ecrivain medecin, oscille entre le souci de l'autre et le souci de soi; guerir le malade, et oeuvrer secretement pour son propre salut. Nous insistons sur la "melancolie" de l'ecrivain-medecin, qui, voyant sa fin a l'horizon, relativise l'apport de la science. Les ecrivains malades (bousquet, perros, guibert, hocquenghem), recherchent une reconnaissance, avant une medecine. Les deux principales ideologies medicales, l'empiriste et la scientiste sont largement illustrees dans la litterature
Scientific medicine sees only mechanical bodies, it doesn't see the inner desires. Bodies live everyday trhough a number of obscure phenomenon : emotions, tiredness, pain. Literature, as born from the desires of the writing subject, on the entwined borders of world and language, gives us a subtle approach on life's experiments, through the analogical link reading is. Let us read jean reverzy's fatigue, marguerite duras' douleur, j. M. G. Le clezio's feverish emotions, or thomas mann. Literature's alchemy tells us about the pains of mind; what does it say about physical illnesses (cancer, aids)? with herve guibert and other writers, technical medicine comes into literature. Along with aids, irrationality, causality, fear of strangers are back, as in the time of plague and lepers. But what of the physician's pain, his disgust over the scarred body ? what can be his reaction to disgust ? to the other person's death, a forecast of his own ? the works of several doctor-writers explore the mysteries of patient-doctor relationship and restore that part of the physician's self which had been held back, day after day, by his medical practice. Doctor-writers stand on a tight line between caring for the others and caring for one self; bertween curing the ill and secretly fighting for his own salvation

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Santinho, Gabriela Di Donato Salvador 1978. "O corpo mitológico na dança : quando o mito atravessa o corpo". [s.n.], 2014. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285240.

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Orientador: Marília Vieira Soares
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
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Resumo: Este texto apresenta o corpo mitológico como uma possibilidade de trabalho com a mitologia sagrada na dança cênica. A proposta do corpo mitológico surge a partir da observação da significativa presença da mitologia nas temáticas da dança cênica ao longo de sua história e das práticas usadas pela autora como caminho de criação coreográfica. O corpo mitológico é aqui apresentado como um tipo de corpo cênico voltado para a interpretação da mitologia na cena que pode ser alcançado a partir de trabalhos psicofísicos que despertam os conteúdos mitológicos presentes no inconsciente do dançarino, que, por sua vez, os transformam em movimentos expressivos. A base do conceito teórico do corpo mitológico está nas teorias de inconsciente pessoal e coletivo, propostas pela Psicologia Analítica Junguiana e na compreensão da mitologia como resultado de processos psíquicos e biológicos, advindas de autores como Mircea Eliade e Joseph Campbel. A prática efetiva do corpo mitológico foi realizada a partir de laboratórios de dança que buscaram possíveis caminhos para que esse tipo de corpo se manifeste na dança e teve como resultado o estudo coreográfico intitulado "Outra Pele", também apresentado como parte da presente pesquisa
Abstract: This text presents the mythological body as a possibility to work with sacred mythology in scenic dance. The proposal of the mythological body arises from the observation of the significant presence of mythology in the scenic dance themes throughout its history and practices used by the author as a way of choreographic creation. The mythological body is presented here as a type of scenic body facing the interpretation of mythology in the scene that can be reached from psychophysical studies that evoke mythological content present in the unconscious of the dancer , which in turn transform them into expressive movements. The basis of the theoretical concept of the mythological body is in theories of personal and collective unconscious, proposed by Analytical Jungian Psychology and understanding of mythology as a result of psychological and biological processes , resulting from authors such as Mircea Eliade and Joseph Campbel. The effective practice of mythological body was carried from dance laboratories sought possible ways for this body type is manifested in dance and resulted choreographic study entitled " Another Skin " , also presented as part of this research
Doutorado
Teatro, Dança e Performance
Doutora em Artes da Cena

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Machu, Didier. "Corps et representation dans l'oeuvre de vladimir nabokov". Paris 7, 1999. http://www.theses.fr/1999PA070057.

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L'ecrivain vladimir nabokov se disait mi-naturaliste, mi-peintre. Dans ses oeuvres, le corps est a considerer autant comme objet physiologique et figuration picturale. Dans ces deux conceptions, qui ne s'excluent pas, il est metaphore de la creation du romancier. On observe une transition par degres du corps de chair au corps en gloire de la peinture religieuse, ou le corps prend une valeur extatique et une dimension cosmique. Ces modes d'apprehension du corps sont des facons parentes de nier le temps et la mort, des modes de la transcendance et des representations de la duree aleatoire de l'oeuvre. Des liens se constatent entre : corps de l'auteur, qui metaphoriquement concoit, porte, livre l'oeuvre ; corps des personnages ; enfin, oeuvre comme corps, produit d'une individuation, etape d'une evolution. Ces valeurs du corps represente et du corps comme representation sont d'abord etudiees dans l'ensemble de l'oeuvre en langue anglaise. Sont ensuite consideres individuellement sous ce rapport cinq des premiers romans de nabokov. The real life of sebastian knight, premier roman ecrit directement en anglais, est regi par la metaphore des rythmes physiologiques vitaux, suggerant la recherche d'une coincidence de corps qui permet d'assimiler l'ame d'autrui. Laughter in the dark et king, queen, knave posent en termes opposes la question de l'artialisation de la chair et de l'animation de la representation inerte. Bend sinister, une dystopie, et lolita, differents de ton et d'intrigue, ont pour sujet commun la negation de la mort, la perpetuation de la chair, la reunion de deux etres par la transcendance de l'ecriture. Les diverses questions evoquees sont reprises dans ce dernier livre ou leur traitement contribue a en faire le premier succes inconteste de nabokov en terre americaine.

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Mouton, Martine. "Les écritures du mouvement : sémiologie de la représentation écrite du mouvement du corps humain en Occident à travers ses systèmes d'écriture : problématique de la transcription du mouvement corporel du XVIème au XXème siècles : application théorique et pratique d'une écriture contemporaine". Paris 5, 1992. http://www.theses.fr/1992PA05H031.

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On nous a tellement répété que le mouvement était condamne à l'éphémère qu'on avait fini par le croire. Le mouvement, c'est à dire toute action physique humaine, laisse des traces dans l'espace et dans le temps. La danse, le sport ou encore les gestes quotidiens de l'homme ont fragilement traverse les siècles. Le verbe, le dessin, la photographie ou maintenant les techniques autido-visuelles ont décrit, reproduit ou enregistre l'action physique sans la représenter dans sa totalité. Cependant, en occident, dès le moyen-Age, apparait le désir de représenter par écrit les mouvements du corps humain, de créer une écriture propre au mouvement, comme l'est l'écriture musicale pour le son. Après de nombreuses tentatives qui ont plus ou moins marque l'histoire de la danse et du geste, le XXème siècle assiste à l'épanouissement de quatre écritures du mouvement : Laban, conte, benesh et eskhol qui sont officiellement reconnues. Ces écritures se révèlent être un moyen de transcription et d'analyse du mouvement. L’écriture conte par exemple, est un système d'écriture utilisant des signes, la plupart empruntes a l'écriture musicale. Par ailleurs, l'écriture procure au mouvement un nouveau statut : elle lui donne la mémoire qu'il n'a jamais eu. Elle participe à la construction de son histoire. Le mouvement n'est plus alors condamne à l'éphémère mais a l'interprétation, terme qui semble se dérober au fur et à mesure qu'on veut le saisir. Mais n'est-ce point-là le devenir de toute écriture?
We have so often heard that movement is condemned to the fleeting that we have come to believe it. Movement, it means all human physical action leaves its traces in space and time. Dance, sport or daily gestures of the human being crossed with fragility the centuries. The verb, the drawing, the photography and now the audio-visual technics described, reproduced and recorded physical action without representing it totally. However, in the western world, since the middle age, appeared the desire to represent by writing the human body movements, and create a writing for the movement, as it exist for the music the sound. After several attempts which have had more or less importance in dance and gesture history, the xxth century is a witness of the coming of four movement notations : laban, conte, benesh and eskhol. The writing of movement is a mean for transcribing and analyzing movement. "ecriture conte" for example, is a writing system using signs, most of which are borrowed from musical writing. Besides, writing brings to movement a new status: it gives to movement the memory it has never had. Movement, then, is no longer condemned to the fleeting but to interpretation, a tem which seems to become less clear as one tries to comprehend it. But is it not here the becoming of each writing ?

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Buret, Nelly. "L'enveloppe des corps : déplacement des limites". Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010541.

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La tension entre présence et absence au sein de tout corps témoigne d 'une chair en voie de constitution et de dissolution. Au lieu de combler une disparition, le corps met en forme un vide et donne chair à l'absence. Il est mis à l'épreuve d'une fissure qui réfléchit la fission. Il s'agit d'être attentif à ce qui circule entre, l'entre en tant qu'espace acousmatique. Comment la mémoire de notre enveloppe, tissée d'images et de mots lacunaires, en métamorphose incessante, peut-elle être circonscrite ? Le travail plastique a été envisagé dans un mouvement d'oscillation entre présence et absence de la figure. Les protocoles visuels et textuels ont permis de préciser, de localiser des images qui prennent la mémoire comme fondement de la lucidité des perceptions. Ils ont conduit un questionnement sur la matérialité qui délie la ressemblance.

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Bernard, Paul. "Corps indéfinis : la représentation des corps dans l'art d'après Auschwitz". Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0188.

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Cette thèse intitulée Corps indéfinis. La représentation des corps dans l'art d'après Auschwitz vise à démontrer que l'événement en question a profondément rompu les formes de représentation du corps humain dans les arts plastiques, et plus particulièrement dans la peinture. Une telle rupture engage aussi bien les modes de représentation dits traditionnels, et dont on soutient ici qu'ils relèvent d'une esthétique du discernement, que les modes hérités de la modernité artistique en rendant précisément ces corps indéfinis, c'est-à-dire indiscernables. Dans une perspective à la fois historique et théorique, il s'agit donc de proposer un examen approfondi d'un certain nombre d'œuvres, aussi bien d'avant Auschwitz que d'après, en faisant droit pour ce qui touche à ces dernières aux multiples formes que suggère cette temporalité du « d'après », selon une dialectique qu'on définit comme celle de la traduction : à la fois transmission et trahison de l'événement. Il s'agit donc aussi bien de reconsidérer un corpus d'œuvres déjà constitué (celui de l'art contemporain) que de définir les outils d'analyse à même de définir les contours conceptuels et herméneutiques dudit corpus. Examen et analyse visant en toute fin de compte à repenser aussi bien les modes de représentation du corps humain que la façon dont un certain habitus s'est développé à ce sujet d'après Auschwitz
This doctoral dissertation, untitled Undefmed Bodies : The Representation of Bodies in Art after Auschwitz, aims to demonstrate that this event deeply ruptured the forms of representation of the human body in the plastic arts ; especially in painting. Such a rupture engages the so-called traditional modes of representation (for which we argue that they belong to an aesthetics of discernment), as well as those inherited from the artistic modernity, by making this bodies undefined, i. E. Undiscernible. In a perspective both historical and theoretical, this dissertation proposes a deep examination of several artworks, from before and after Auschwitz, trying to question for the latter the multiple forms of the temporality determined by the term "after", following then a dialectic close to the notion of translation : transmission as well as treason of the event. Therefore, the main purpose of the dissertation is to reconsider an artworks' corpus (already existing since it derives from contemporary art) and to define analysis devices able to define the conceptual and hermeneutic outlines of such a corpus. Both examination and analysis aim at rethinking the modes of representation of the human body as well as a kind of habitus which has been developed around them in the aftermath of Auschwitz

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Macheta, Gabriel. "Représentation et organisme : du corps pictural au visage peint". Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010534.

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Loin d'une représentation kinesthésique du corps, l'organisme situe le phénotype physiologique dans le temps et l'espace ; l'organisme est l'efficience du corps, sa construction, sa précision. Pour autant que le corps intéresse centralement l'œuvre d'art, on peut supposer que l'organisme - en tant qu'il est l'ensemble des opérations du corps -constitue une solution adéquate pour une production plastique en état de fabrication, une réponse à la question "comment faire". Le "corps de l'œuvre", ou le corps pictural, sont des notions esthétiques trop discursives pour intéresser l'œuvre comme poétique, comme avènement et manifestation ; cette thèse tente donc de mieux définir ce corps dans sa dynamique, sa perspective et sa clarté "poïétique". La tête, par suite, considérée comme objet partiel de l'organisme, signe de sa dissémination, de son caractère constamment parcellaire, sera définit comme sur-organe, ou méta-organe. D'abord strictement "tête-chercheuse" et "tête centrale", elle devient visage dans la nouvelle sphère hominienne de subjectivité, c'est-à-dire face, pancarte, titre. Le visage identifie le sujet mais aussi aspire a le cacher, ou le juger. Le visage, comme l'organisme, répond à la dimension religieuse de la faute et du jugement, il "fait croix" à la place de. . . "faire le portrait", c'est ne refuser aucun de ces enjeux physiologiques, religieux, subjectifs ; et "faire un portrait" singulier, ce sera à chaque fois trancher le débat théologique de la visageité, sauver la picturalité du mauvais procès de sa vérification afin de la rendre à la réalisation
In the organic system lays the efficiency of the body, its construction, its preciseness. In the same way the body bas an essential effect on the work of art, the organic system, - since it sums up the body operations (and) draws its appropriate perspective as to shaping and coming out, is the answer to the question "how to do" plastic production ? Therefore, the head considered as a mere component of the system, sign of bis constant fragmentarity, will be, defined as a super-organ, or a meta-organ. At first, essentially, "searching head" and "central head", it is finally perceived as a surface, that is, as a face. Identifying the subject mais also contriving to hide him, the face judges, challenges. "To paint a singular portrait" will each time mean to settle the theological question of the "visageite", to save the pictoriality from the bad case of its verification to give it back to realization

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Barbillon, Claire. "Canons et théories de proportions du corps humain en France (1780-1895)". Paris 10, 1998. http://www.theses.fr/1998PA100120.

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La question du canon de proportions, qui a fait l'objet d'etudes pour l'antiquite et la renaissance, continue de se poser dans les theories et l'enseignement des beaux-arts au xixe siecle. La constitution, puis l'etude du corpus que constituent les textes rediges explicitement a l'intention des artistes par des auteurs issus d'horizons differents - peintres, sculpteurs, theoriciens de l'art, anthropologues, anatomistes - permet de mesurer la richesse, les enjeux et les evolutions de cette question depuis la penetration des theories neo-classiques en france, a la fin du xviiie siecle, jusqu'au tournant des xixe et xxe siecles, qui voit l'avenement du canon scientifique. Apres une premiere remise en cause de l'hegemonie du modele canonique antique, effectuee au nom des concepts developpes par la philosophie des lumieres de nature et de verite, et permise par les progres accomplis par la science anatomique, la question du canon de proportions trouve une place au coeur du debat esthetique francais nourri par les theories neo-classiques. La reference a l'antique persiste sous une double forme : celle du mythe d'un modele unique, le canon de polyclete, qui n'est connu en france, jusqu'aux annees 1880, que par la lecture de fragments de textes grecs ou latins, mais donne lieu a tout un faisceau de conjectures et interpretations ; celle d'un pantheon compose de sculptures antiques consacrees par une tradition academique, enrichi, diversifie, puis remis en cause par certaines voix avant son extinction progressive dans les manuels de dessin. Un nouveau type de references apparait a partir des annees 1830 dans nombre de traites de proportions ou d'ouvrages d'anatomie artistique y consacrant une part de leur etude : les auteurs manifestent du gout pour l'erudition historique, rapportent et commentent des exposes canoniques glanes dans les theories de l'art, depuis les modeles egyptiens jusqu'a la renaissance. Parallelement, les investigations techniques des theoriciens de la question des proportions se developpent, explorant, a partir de deux modeles dominants (le canon de huit tetes et celui de sept tetes et demie) des possibilites alternatives qui mettent en jeu une multiplicite d'unites de mesure et l'etude de rapports proportionnels complementaires, elargissant le champ des mesures dites canoniques qui se limitaient en general aux rapports proportionnels de hauteur

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Guerber-Cahuzac, Chloé. "Le corps réinventé : sens et enjeux de la modélisation du corps humain par le cinéma". Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030033.

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Soumis au récit, le corps au cinéma est souvent réduit à des actes, à des symboles lisibles. Pour réapparaître, il doit s'insurger contre les règles de la fiction et devenir " un corps contre ". Cette réinvention est conditionnée par la spécificité analogique du médium. Pour distinguer les particularités du corps filmé et les enjeux de sa modélisation, nous évoquons la chronophotographie, l'anthropologie visuelle, la sculpture, la peinture et la danse. Notre approche esthétique intègre ainsi des dimensions historique, culturelle, anthropologique et éthique. Puis, quatre cas précis illustrent la construction du corps contre la narration : le personnage keatonien ; le modèle hollywoodien façonné par la censure des années trente ; le motif du corps fragmenté dans le cinéma français des années soixante ; le corps épuisé chez John Cassavetes. Peu à peu, des croyances se dessinent rappelant que toute réinvention du corps relie univers singulier, imaginaire collectif et statut du médium
Subordinated to the narrative, the body in cinema is often reduced to actions, to legible symbols. To reappear as itself, it must revolt against the rules of fiction and become "an opposing body. " This reinvention is governed by the analogical specificity of the medium. To distinguish the particularities of the filmed body and of its modeling, we evoke time-lapse photography, visual anthropology, sculpture, painting, and dance. Our aesthetic approach thus integrates historical, cultural, anthropological, and ethical dimensions. Then, four specific cases illustrate the construction of the body against the narration : the Keatonian character ; the Hollywood model resulting from censorship in the 1930s ; the motif of the fragmented body in the French cinema of the 1960s ; the exhausted body filmed by John Cassavetes. Little by little, concepts emerge to remind us that all reinventions of the body bring together a singular universe, a collective imagination, and the status of the medium

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Boudet, Menard Edwige. "Histoire de mon corps : enquête graphique et photographique, rôle thérapeutique". Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010577.

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Deux travaux réalisés au cours de mon D. E. A. Me "pointent". Ils sont "moi",. . . Mais "qui et moi?". "Je" décide de répondre à cette question en réalisant mon "auto-analyse" à l'aide - de la méthode de libre association - de l'analyse de mes travaux photographiques selon la méthode de l'interprétation onirique en faisant appel au symbolisme collectif - d'une amplification du drame examiné au cours du premier chapitre, "l'image mentale : le corps souffrant" qui donne lieu à la création de trois séries : "l'ambivalence et l'acceptation de bi-polarité", "mort et re-naissance" et enfin "infini", et à leur analyse respectivement faite dans le second, troisième et quatrième chapitre. Le cinquième chapitre, "mon discours intérieur" affirme les unités de sens dégagées par les chaines associatives et cerne ma dynamique défensive. Ce n'est qu'à la fin de cette expérience que je prends conscience de l'ambigüité posée par mon projet : hallucinée par l'objet, j'étais impuissante à m'en dégager. Ils étaient le vrai moi : l'original. Mon corps ou l'image de mon corps étaient le double, le "remplissement" était "ailleurs". Mon "auto-analyse" sous la forme d'une thèse apparait comme le signe d'un doute quant à moi-même, et comme illusion des sens. Je sais que j'existe car je n'ignore point être un individu social, mais je réfute les conséquences logiques de cette perception. Il me faut une preuve de mon existence et ma préférence va à moi de papier. L'empreinte inscrite par la lumière, la trace écrite deviennent le double, la représentation d'une angoisse existentielle
Two works, completed during my "D. E. A. " represent limited analyses of myself. They are "me",. . . But "who am i ?". "I" propose to answer this question through a "self-analysis" that resorts - to the free association process, - the analysis of my photographic works according to the dream interpretation method, appealing to collective symbolism, - an amplification of the tragefy dealt with in the first chapter : "mental image : body in pain", resulting in the creation of three series : "ambivalence and the acceptance of bipolarity", "death and re-birth", and finally "the infinite", respectively dealt with in the second, third and fourth chapter. The fifth chapter, "my inner discourse", materialises the meaningful items determined by the associative @atterns, and it defines my defensive dynamic. It is only at the end of this experiment that i plainly realise the ambiguity of my project : mesmerized by the "object", i was unable to free myself from it. They were my real self : the original thing. My body and the image of my body were but a second self : the meaningful core of the matter was "elsewhere". My "self-analysis" embodied in a thesis appears as the exemplification of my questiioning my own self, an illusion of the senses. I know that i am, for i know that i am a social being; but i refute the logical consequences of that awareness

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Romestaing, Alain. "Jean Giono, le corps à l'oeuvre /". Paris : H. Champion, 2009. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb414809086.

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Andron, Marie-Pierre. "Le thème du corps dans les romans de Gabrielle Roy". Bordeaux 3, 1998. http://www.theses.fr/1999BOR30002.

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L'oeuvre romanesque de gabrielle roy met en valeur l'omnipresence du corps. Sa representation est majeure par ses thematiques : porosite, maternite, sexualite, maladie etc. Or cette omnipresence est paradoxalement rendue par une ecriture tendant a evacuer sa realite, parfois gardee secrete lorsqu'elle n'est pas gommee. Des personnages masculins majeurs, comme alexandre chenevert ou pierre cadorai, ne reconnaissent leur corps que par la dependance a laquelle celui-ci les soumet : nourriture, desir. . . Ou bien par ses maux : maladie, souffrance. . . Ils le refusent d'autant plus. Quant aux personnages feminins, telles rose-anna et florentine lacasse, eugenie et irene chenevert, le corps n'est qu'une source supplementaire d'humiliation et de souffrance stigmatisant leur destin de femmes. Ainsi, les personnages de gabrielle roy subissent leur corps et ses contingences. Ils ressentent animosite et rejet pour cet ennemi. Notre recherche souhaite illustrer la presence irreductible du corps ainsi qu'une volonte de negation par les personnages et d'ellipse par l'ecriture. Car le corps revele une ambiguite de l'ecriture oscillant entre presence et absence. La presence du corps est d'autant mieux ecrite qu'il s'agit d'eviter son exaltation. L'ecriture du corps par gabrielle roy tend vers une particularite : l'evincer par la representation d'un corps malade, aux affections redondantes et incurables ou par une representation si pejorante qu'elle provoque le rejet de ce corps. L'ecriture royenne souhaiterait aboutir a la mort du corps ecrit. Ainsi les sources de frustration deviennent de facto inexistantes et seule perdure ce qui est valorisee : la puissance de l'esprit qui s'oppose a la faiblesse du corps. De la redondance du corps a son ellipse, l'ecriture serait devouee a l'indicible, au monde sensible et surtout a l'imagination creatrice
The novels of gabrielle roy emphasize the omnipresence of the body. The subject of the body is of major importance to these novels because of themes that surround it : porosity, maternity, sexuality, disease and so on. Nevertheless this omnipresence is paradoxically conveyed in a writing style that seemingly drains the body of all physical reality : the body is sometimes kept secret or indeed erased. Major male characters, like alexandre chenevert or pierre cadorai, recognize their body only by their own dependence to it : hungry, desire. . . Or by the body's illness : disease, pain. . . They all the more refuse it. And for the female characters like rose-anna and florentine lacasse, eugenie and irene chenevert, the body is only a one more source of humiliation and pain that stigmatize their woman destiny. So gabrielle roy's characters are submitted to their body and its contingencies. They deeply feel animosity and reject for this enemy. Our research would like to illustrate the unyielding presence of the body and a double will : negation by the characters and ellipsis from the style writing. For the body reveals an ambiguity from the style writing, oscillating between presence end absence. The presence of the body is all the better depicted because the author has to avoid its exaltation. The writing of the body by gabrielle roy tends to a characteristic : to supplant it by representing an ill body with redundant and incurable illnesses or with such a pejorative representation that it incites the reject of the body. Royen writing would like to bring to a successful conclusion : the death of the written body. Thus reasons of frustration become de facto non-existents and only persists what is valorized : the power of the mind against the weakness of the body. From the redundance of the body to its ellipsis, the writing would be devoted to the inexpressible, to the sensible world and above all to the creative imagination

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Breton, Myrtille. "Le corps opérateur". Master's thesis, Université Laval, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.11794/37822.

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Le corps opérateur est une réflexion sur l’état de corps pendant une action-performance. Cetexte d’accompagnement explore les différents éléments qui viennent façonner ce «corpsopérateur» durant mes actions: le corps lui-même, les mots, l’espace public et la vidéo. Je questionne donc mon rapport au corps performatif, celui qui crée, danse et se meut et saprésence, mais aussi mon lien avec les textes qui viennent inspirer mes gestes; j’utilisemon corps comme un traducteur, passant des mots aux gestes. Ce corps performatif vientensuite se confronter à l’espace qu’il occupe, ici des espaces publics, espaces partagésentrainant de nouvelles présences, celles des passants. Enfin la diffusion, passant par lavidéo, entraîne de nouveaux espaces créés.

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Renault, Jean Marc. "De l'image du corps : élaboration d'une destructuration : vers une restructuration nouvelle". Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010613.

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Ma recherche picturale porte sur l'image du corps humain ; image que je voudrais renouveler. Mon hypothèse de travail est que l'obtention d'une image du corps autre, restructurée de façon novatrice, implique une déstructuration préalable. Pour ce faire je vais premièrement tenter de cibler l'image du corps qui sera mon sujet d'investigation. L'image recherchée devra être, au-delà d'une représentation, une figuration optimale de l'idée du corps allant vers le figural. Le figural est le fondement, le point de départ de la figure, un corpus englobant l'ensemble des acceptations liées au corps et à sa présentation. Cette recherche transitera de la constitution anthropologique du corps à sa perception sensible, par ses mouvements, par son espace, par ses matières. Mes choix formels s'appuieront et s'articuleront autour de huit axes de recherche. Ces axes de recherche correspondent à des observations effectuées sur l'œuvre de plasticiens, modernes et contemporains, regroupés selon des critères de déstructuration constatés. Les choix plastiques qui découleront de cette recherche s'articuleront en trois phases. Une phase préliminaire de mise en place formelle de corps déstructurés suite à l'étude des plasticiens représentatifs des différents axes de recherche. Une phase intermédiaire d'assimilation des voies plastiques étudiées. Une phase terminale d'établissement plastique, vers une restructuration nouvelle. Dans cette dernière approche les matières constitutives du corps deviendront l'attribut essentiel de sa signalisation. En conclusion j'avancerai que l'image du corps ne peut pas définitivement être fixée dans des règles strictes. Toutes les règles mises en œuvre tenteront de contenir en elles les modalités d'établissement de nouvelles règles transgressives
My pictorial research is about human body image. Image that I want to make new. My hypothesis of work is that to have an other view of the body, I need to make a previous destructuration. To work on this way I first of all try to specify my subject of investigation. The desired image have to be a perfect figuration of body idea, going to the basis figure. This research going from the anthropological body constitution to his sensitive perception, through its mouvements, through its space, through its matter. My formal choices revolved around height axles of research. This basic research agree with some observations carried out on the work of modern and contemporary painters. My choices following this research are articulated in three phases. First, the research of a basis destructurated body. Secondly, an assimilation of studied painters. Thirdly, a make up foundation to a new restructuration. In this last approach the constituent matter of the body will become the essential signalling system of it. In conclusion, I think that image of the body cannot be fixed in a strict order. All working rules have to countain new contravene rules

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Tesis sobre el tema "Corps humain – Danse"

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