Literatura académica sobre el tema "Corps dansants"

Cet article s’intéresse aux relations entre le cinéma et la danse en les concevant comme des rituels où se dit une certaine parole du social. Il prend appui sur le corps pour interroger les modalités qui rendent possible cette parole et qui participent à sa production.

Penser le « corps énergétique » et la danse revient à considérer cette réalité énergétique au sein du corps dansant, autant au niveau quantitatif que qualitatif. En danse, nous ne parlons pas exactement de « corps énergétique », mais principalement d’énergie déployée. Afin de comprendre le « corps énergétique » en danse, nous nous sommes intéressés à deux pratiques originales mettant en œuvre un jeu de question-réponse énergétique : le contact improvisation et le vol chorégraphique. Le corps énergétique apparaît au fur et à mesure de la réflexion comme une métaphore désignant une triade nécessaire au déploiement d’un seul système, et c’est cette même triade que nous rencontrons à chaque fois que nous appréhendons la complexité du corps dansant.

La vidéo de Robert Wilson, La Mort de Molière, contient quatre scènes où l’action peut être identifiée à une danse. Bien qu’une danse communique toujours l’image d’un corps humain en mouvement, cette production de Wilson génère une distinction et, par la suite, une interaction entre un corps dansant et d’autres images du corps, celles entre autres du corps de Molière mourant. Mon analyse porte plus spécifiquement sur ces interrelations entre le corps dansant et le corps mourant, afin de mieux comprendre celles entre le monde fictionnel de Molière et l’univers esthétique de Wilson.

PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIRO
CONSELHO NACIONAL DE DESENVOLVIMENTO CIENTÍFICO E TECNOLÓGICO
Ce mémoire propose une étude essayiste sur un ensemble de films dans lesquels les personnages éclatent en mouvement et dansent, à partir de trois intuitions fondamentales : que le corps ne se tient pas enfermé en soi et qu il a besoin de se mouvoir, que le fait de voir quelqu un danser est contagieux, et que le cinéma est une expression artistique privilégiée de présentation du corps et de la vie en mouvement. Dans cet inventaire de corps dansants, il ne s agit pas de comédies musicales, ni de films au sujet de la danse, mais de films dans lesquels des moments de danse ont lieu de manière inattendue, où une grande énergie se dégage, créant ainsi un espace puissant de résonance entre le spectateur et le film. Dans ce sens, les essais qui composent ce mémoire touchent l explosion du corps dansant dans des films tels quels, Cria Cuervos, Le livre de Marie, Beau Travail, 35 Rhums, Mauvais Sang, et présentent des formes de regarder et d écouter les corps en mouvement, en dialogue avec la pensée de Jean-Luc Nancy sur le corps, la danse et le cinéma.
Esta dissertação propõe um estudo ensaístico acerca de um conjunto de filmes cujos personagens irrompem em movimento e dançam, partindo de três intuições fundamentais: o corpo não se aguenta trancado e precisa se movimentar, o fato de ver alguém dançando é contagiante, e o cinema é uma forma de expressão artística privilegiada de apresentação do corpo e da vida em movimento. Este inventário de corpos dançantes no cinema não aborda filmes musicais, nem filmes sobre dança, mas filmes em que momentos de dança acontecem, potencializando a narrativa cinematográfica e criando um espaço de ressonância entre o espectador e o filme. Neste sentido, os ensaios que compõem este trabalho versam sobre a explosão do corpo dançante em uma coleção de filmes tais como, Cría Cuervos, Le livre de Marie, Beau Travail, 35 Rhums, Mauvais Sang, construindo formas de olhar e escutar os corpos em movimento, dialogando principalmente com o pensamento de Jean-Luc Nancy sobre o corpo, a dança e o cinema.

La cueca est un genre musical, poétique et chorégraphique dit traditionnel pratiqué dans certains pays d'Amérique du Sud tels que le Pérou, la Bolivie, l'Argentine et le Chili, qui revêt des caractéristiques spécifiques dans chacun d'eux. D'un point de vue chorégraphique, il s'agit d'une danse de couple qui représente le jeu de la séduction amoureuse par des mouvements en cercles et demi-cercles et où ses interprètes tiennent dans leur main droite un foulard qu'ils font tournoyer au-dessus de leur tête. Notamment au Chili, au cours des XIXe et XXe siècles, la pratique de la cueca a été influencée par des contextes sociopolitiques particuliers qui ont déclenché des processus successifs d'appropriation par différents acteurs sociaux. À la fin du XXe siècle - début du XXIe, un nouveau phénomène d'appropriation de la cueca émerge à la suite d'une conjoncture sociale et politique particulière, en l'occurrence un changement culturel après une longue période de dictature militaire (1973-1989). Cette recherche vise à analyser la gestuelle des corps dansants de cueca chilienne en tant que langage discursif qui permet de comprendre la construction d'identités plurielles pendant la période post-dictature. L'ancrage théorique de cette analyse considère trois axes : la gestuelle des corps dansants, leur dimension discursive dans la représentation des identités et la circulation et l'appropriation des styles. En ce qui concerne l'approche méthodologique, des références historiques ont été confrontées et mises en dialogue avec des enquêtes de terrain et ma propre expérience, en tant que danseuse et actrice sociale de la période étudiée. L'analyse comparative des différents types de discours, c'est-à-dire textuel, oral et corporel nous permet d'aborder l'analyse du corps dansant de cueca dans une perspective complémentaire, en cherchant à répondre à la nature socio-esthétique du problème central posé dans cette recherche
The cueca is a "traditional" musical, poetic and choreographic genre practiced in some South American countries such as Peru, Bolivia, Argentina and Chile, which has specific features in each of them. From a choreographic point of view, it is a couple's dance that represents the game of love seduction with movements in circles and semicircles, in which its interpreters hold in their right hand a scarf that they spin above their head.Particularly in Chile, during the 19th and 20th centuries, the practice of the cueca was influenced by socio-political contexts that triggered successive processes of appropriation by different social actors. At the end of the 20th century - beginning of the 21st, a new phenomenon of appropriation of the cueca emerges because of a social and political conjuncture, in this case a cultural change after a long period of military dictatorship (1973-1989). This research aims to analyze the gestures of Chilean cueca dancing bodies as a discursive language that allows us to understand the construction of plural identities during the post-dictatorship period. The theoretical anchorage for the development of the analysis considers three axes: the gesture of the dancing bodies, their discursive dimension in the representation of identities and the circulation and appropriation of styles. As far as the methodological approach is concerned, historical references have been confronted and put in dialogue with fieldwork and my own experience as a dancer and social actor of the studied period. The comparative analysis of the different types of discourse, i.e. textual, oral and corporal, allows us to approach the analysis of the dancing body of cueca in an integral and complementary perspective, seeking to respond to the socio-aesthetic nature of the central problem posed in this research

Cette recherche a pour but premier de mieux comprendre la participation des danseurs à la mise en oeuvre chorégraphique comme un facteur de construction des corps dansants. Pour rendre compte de cela, j’ai proposé une étude de l’oeuvre de deux chorégraphes contemporaines brésiliennes, Lia Rodrigues et Sheila Ribeiro. Cette recherche a également pour but d’identifier des manifestations de brésilités présentes dans les deux oeuvres chorégraphiques analysées, Aquilo de que somos feitos, de Lia Rodrigues et Marché aux puces : nous sommes usagés et pas chers, de Sheila Ribeiro et ce, tout en se demandant si ces manifestations de brésilités imprègnent aussi les corps dansants. Cette étude s’inscrit dans un paradigme postpositiviste et adopte une approche ethnographique comme méthodologie de recherche utilisant l’observation et l’entrevue comme instruments de cueillette de données. Le travail sur le terrain a pris la forme de deux études indépendantes, afin de favoriser l’immersion dans le travail de chaque compagnie. L’analyse et l’interprétation des données ont été réalisées à travers l’identification d’unités d’analyse et leur rassemblement dans des catégories d’analyse, en gardant un contact permanent avec les données brutes et le cadre théorique développé lors de la revue de littérature. La participation active des danseurs aux processus de mise en oeuvre chorégraphique est l’un des principaux aspects de la construction de corps dansants dans le contexte de Aquilo de que somos feitos et de Marché aux puces : nous sommes usagés et pas chers. Celle-ci demande aux danseurs de se détacher de leurs habitudes techniques, interprétatives et créatives pour pouvoir répondre aux sollicitations des chorégraphes, de même que pour proposer du matériau et des procédés pour la création et la recréation chorégraphique. Ainsi, la collaboration à la mise en oeuvre chorégraphique permet-elle aux danseurs de réinventer leurs corps en vue d’un projet chorégraphique, mais aussi en vue d’un projet de vie. Au-delà de certains éléments de la culture brésilienne qui peuvent être plus clairement discernés dans la mise en oeuvre de chaque pièce, je considère que ces deux chorégraphies présentent des aspects faisant référence à des représentations de brésilités liées à l’anthropophagie. L’anthropophagie, mouvement artistique développé au Brésil à partir des années 1920, se réactualise ponctuellement dans la démarche de certains artistes contemporains brésiliens. Ainsi, la métaphore anthropophagique condense-t-elle des manifestations de brésilités présentes dans Aquilo de que somos feitos et Marché aux puces : nous sommes usagés et pas chers. De même, le corps anthropophage devient une figure féconde pour comprendre la construction de corps dansants dans les démarches de Lia Rodrigues et de Sheila Ribeiro, tout en considérant que dans leurs créations se manifestent certains traits des brésilités.

L’enjeu de cette recherche se situe dans l’étude du croisement entre le domaine des spectacles chorégraphiques et celui du biographique – terme qui permet d’élargir le champ des occurrences qui composent la mise en récit de l’histoire de vie d’un individu, à travers divers média. Nous avons donc centré notre recherche sur les spectacles chorégraphiques en tant qu'occurrences du biographique, et sur l’interprétation et la perception du corps dansant. Nous avons d'abord procédé à notre investigation par le biais de l’histoire et de la classification de la biographie, pour comprendre les enjeux de ce genre littéraire et les questionnements qu’il soulève. Nous avons constitué un relevé des biographies littéraires du domaine de la danse depuis le XIXe siècle et avons procédé à son analyse quantitative, pour ensuite décrypter la manière dont s’est développé le discours biographique sur les danseurs. Dans un deuxième temps, nous nous sommes appuyés sur des concepts issus du domaine de la littérature pour nous aider dans la compréhension des œuvres biographiques littéraires et chorégraphiques. Les recherches sur la corporéité et la kinésie dans le récit littéraire nous ont permis d’analyser les descriptions et représentations du corps des danseurs. La dernière partie de la thèse est dédiée à l’analyse de huit spectacles chorégraphiques biographiques. La structure et le fonctionnement de chacune des œuvres analysées sont mis en évidence en même temps que les représentations du corps du danseur qui sont en œuvre dans un spectacle chorégraphique. Une analyse des étapes créatives du processus de construction d’une image de corps dansant dans le discours chorégraphique biographique est également réalisée. Elle nous conduit à proposer un modèle de compréhension de la construction de l'entité du biographié, l'atlas du corps du biographié, une collection de représentations du corps de celui-ci
The objective of this research is to study the interaction between the choreographic field and the biographique - a term that permits us to expand the traditional literary biographical field to individual life depiction through various media. We have therefore focused our research on choreographic performances - understood as instances of the biographique - and on the perception and interpretation of the dancing body in the biographic discourse. We began our investigation approaching the history and the classification of biography, in order to understand the main issues of this literary genre and its basic questions. We made a survey of literary biographies in the field of dance since the XIXth century, developing a quantitative analysis, and we proceeded in the understanding of how the biographical discourse on the dancers developed. On this research, our understanding of biographical and choreographic works are based on concepts from the Literature field. The existing research on corporeality (corporéité) and kinesis (the motor perception of the movement) in literary narrative enabled us to analyze the descriptions and representations of the dancers’ bodies. The last part of the research is devoted to the analysis of eight biographical choreographic works. The structure and operation of each work are highlighted along with the representations of the dancer's body that are implemented in choreographic work. We have also analyzed how the image of the dancing body is constructed in the biographical choreographic discourse. With this analysis we are able to propose a model for the understanding of how the spectator constructs the body image of the biography subject - the biography subject’s body atlas - a collection of representations of the “biographed” body

La théorie de la vérité du corps, si chère au monde de la danse, remontant à tout un fonds patrimonial judéo-chrétien, l’on considèrera que danser est à la fois un transport et une transformation. L’acte, par le mouvement du cœur qui le fait naître, faisant devenir qui l’on est, ainsi que l’exhorte Pindare, aussi est-on appelé à aller avec la force que l’on a, disent les Ecritures. C’est pourquoi d’aucuns considèrent, avec Pina Bausch, que le théâtre dansé ouvre à un au-delà du sens, de l’amour : un salut. Et c’est une évidence alors que le ballet puisque « le mouvement ne ment pas », rappelle Martha Graham. Tout comme la danse est mouvement mais non pas émotion, pose Merce Cunningham, elle est donc expression du sacré, ce que revendique totalement Maurice Béjart, soit l’intime en tant que tel pour qui voit en elle une discipline, une ascèse. Si bel et bien « la danse est le premier-né des arts », à la suite de Curt Sachs l’on s’accordera à penser que les formes orchestiques signifient un « rappel du décès et de la résurrection d’Adonis ; [. . . ] mythe antique de la mort et du réveil de la Nature ». Comme l’on se relie à plus grand que soi, par le dépassement de soi, l’instance se réalise et s’accomplit. Ainsi donc de la danse d’élévation qui s’impose dans l’univers des arts du spectacle occidental en radical ; d’où le Corps dansant glorieux : une figure de l’imaginaire chorégraphique
The theory of the truth of the body, so dear to the world of dance, dating back to a whole Judeo-Christian heritage funds, we will consider that dancing is both transport and transformation. The act by the movement of the heart that gives rise, causing them to become who we are and urges Pindar, as it is called to go with the strength that we have, say the Scriptures. That is why some consider, with Pina Bausch, dance theater that opens beyond a sense of love : a hello. And it is obvious when the ballet as "the movement does not lie," says Martha Graham. Just as the dance is movement but not emotion, pose Merce Cunningham , it is expression of the sacred , that boasts totally Maurice Béjart, is as intimate as to who sees her as a discipline, asceticism. If indeed "dance is the firstborn of the arts", following Curt Sachs is matches suggests that orchestiques forms mean a "reminder of the death and resurrection of Adonis ; [. . . ] Ancient myth of death and the awakening of Nature. " As it relates to greater than oneself, the transcendence, the instance is realized and fulfilled. Thus the elevation that is needed in the art world of Western dance spectacle radical ; where the Glorious dancing body : a figure of the imaginary dance

"La danse", vieux rêe des humains, existe à travers les différents styles qui la signifient dans chaque culture. Mais ils ne le peuvent que parce qu'ils forment le cadre symbolique où est pourtant parfois créée cette pure présence, singulière et impersonnelle, qui distingue une vraie danse d'une danse simplement belle ou bien exécutée. Nous la nommons "corps dansant" : "corps" car celui du danseur devient ici si réel qu'il fait oublier tout sens ; "dansant" car c'est l'acte de danser qui rend possible cette métamorphose d'un sujet humain. Mais : 1. Comment le "corps dansant" est-il construit sur scène, dans le cadre, contradictoire avec son essence, du dispositif de spectacle occidental ? 2. Quel changement de registre permet à un être humain de devenir pure présence, être la échappant au rêgne de la signification ? L'analyse des solos de Carlotta Ikeda (Buto) en montre la condition fondamentale : l'effacement du "je" qui se soumet au désir de danser. C'est en effet un désir fondamental en l'homme qui cherche ainsi, en se retirant des mots, à surmonter la division de son être à laquelle le condamne le langage, à résoudre l'énigme que son corps mortel, cet autre en lui, oppose a son "je". Une telle présence est possible grâce à la continuité qu'instaure le danser et au processus d'abstraction qu'opère le dispositif (au minimum un lieu reservé, une technique, un public). Celui-ci est investi d'une double fonction, ses modalités exprimant aussi le traitement de ce désir par les pouvoirs sociaux. Or le désir de danser est dangereux, menaçant leur contrôle sur les individus. La danse est ainsi le terrain d'un combat permanent et inévitable entre les institutions qui doivent permettre la manifestation du désir de danser tout en la contrôlant et, malgré cela, l'irruption récurrente du corps dansant - l'histoire de la danse au XXe siècle est exemplaire à cet égard
"Dance", that ancient human dream, exists through the different styles signifying it in each culture. But they can do it only because sometimes in this framework, however symbolic, can appear a pure, singular and impersonal presence characterizing only true dances, not even beautiful or well danced ones. We call it "dancing body" : "body" because the dancer's body becomes so real that all meanings vanish ; "dancing" because such a human being's metamorphosis results from this act. But : 1. How can the "dancing body" be built on a stage, within western theatre structure, although it is contradictory to its essence ? 2. How can a human being become pure presence, a kind of dasein outside of the sphere of meaning ? Analysis of Carlotta Ikeda's solos (Buto) teaches the way : the fading of the "I" submitting to the desire of dancing. For it is a fundamental human desire : by withdrawing from words, man seeks to overcome the splitting of his being to which language condemns him, to solve the riddle his mortal body, that other in himself, creates for him. Such a presence is made possible by the continuity produced by dancing and by the process of abstraction achieved by the structure itself (including at least a special place, a technic and an audience physically present). But this structure's settings, always particular, also express the attitude of authorities towards this dangerous desire, which threatens their control over individuals. So "dance" will always be the field of a continuous battle between institutions on one hand, which must allow the desire of dancing to take shape while controlling it and, on the other hand, dancing body's recurring revival - as proved by dance history in XXth century

Cette thèse aborde la question du sentiment de mobilité généré dans l'expérience artistique par un corps dansant inscrit dans un champ perceptif qu'il crée au travers de sa relation avec le monde. Elle prend appui sur les travaux d'artistes plasticiens et chorégraphes : elle est également motivée par ma propre démarche de plasticienne. Par la danse, il s'agit de penser des "pratiques de l'instant" qui génèrent des processus d'immersion perceptive en privilégiant, à travers l'improvisation, un lâcher-prise de l'attention au profit d'une réceptivité active, d'une disponibilité spécifique qui tient plus de l'écoute que de la vision, propice à l'état de danse. La danse apparaît ainsi comme modèle pour penser des pratiques plastiques contemporaines qui, en retour, se réflètent dans des pratiques chorégraphiques. Cette résonance d'un noeud plastique-dansé souligne la prégnance d'une écoute de la spatialité à l'oeuvre dans ces démarches non spectaculaires.

La thèse de doctorat-ci présente est consacrée à la recherche sur l’esthétique de la danse contemporaine de ces vingt dernières années en Europe. Après une introduction méthodologique et historique, nous présentons dans la partie principale les quatre paradigmes du corps dansant : politique, critique, poétique et virtuel, ce qui nous permet de distinguer des courants esthétiques présents dans la danse européenne à partir de1990. Cette date n’indique aucun événement en particulier, mais elle renvoie plutôt à deux faits majeurs : un historique – la fin du communisme en Europe qui a permis le développement spectaculaire de la danse contemporaine ; et un autre– esthétique – l’arrivée de la danse conceptuelle en France. Tout en citant plus que cent cinquante spectacles vus lors des nombreux festivals et théâtres européens, nous analysons par le biais de ces quatre paradigmes du corps dansant, la proximité esthétique des artistes venant à la fois de l’Europe de l’Ouest et des pays postcommunistes. Ceci nous a permis de constater qu’il n’est point possible de distinguer des différences purement esthétiques entre la danse est-européenne et occidentale, surtout à cause de la nature nomade de la création chorégraphique. Notre conclusion est donc la suivante, qu’à moment présent la danse tend à une esthétique pluridisciplinaire sinon hybride qui dépasse facilement les frontières nationales grâce à des systèmes d’éducation et créations très marqués par l’esprit nomade. Ainsi, des particularités nationales consistent surtout sur des conditions spécifiques du développement de la danse et de la production, ce qui fait l’objet d’un commentaire dans un texte attaché en annexe
The present work is dedicated to the research on European contemporary dance aesthetics after 1990. Following short methodological and historical introduction, we present four paradigms of dancing body: political, critic, poetic and virtual, we distinguish the main aesthetics waves present in the dance in Europe within last twenty years. 1990 is not linked to any particular event but evokes two majors facts: one is historic - the end of communism in Europe, which allowed next a brilliant development of contemporary dance, the second fact is the apparition of the conceptual dance in France in nineties. By approaching the work of over eighty choreographers and hundred fifty performances seen on festivals and in the theatres all over the Europe, we are analysing via corps dansant the aesthetics proximity of the West- and Eastern choreographers. This analysis allowed us to make a statement, that there is no such a possibility to distinguish the differences on a pure aesthetical level between eastern and western European choreographers, namely because of the nomadic character of contemporary choreography. Our conclusion consist on fact, that the contemporary dance tend to a pluridisciplinary, hybrid aesthetics, and thanks to that the national frontiers are not an obstacle, especially because of the educational and creation systems marked by nomadic spirit. In consequences, the national particularities consist on specific conditions of dance development and dance production, which is an object of an analysis in annex

La danse, art tabou et paradoxal, est à l'adolescence naturellement thérapeutique, comme le jeu l'est pour l'enfant. En réaction à l'effraction pubertaire, l'expression de la pulsion dansante favorise la réassurance narcissique par l'autoérotisme du mouvement dansé qui convoque l'identification archaïque au corps maternel, la passivité propre au féminin, la découverte de l' « autre sexe ». Ce travail de recherche vise d'une part à penser l'engouement moderne de la culture pour la danse, qu'elle soit de loisir ou artistique, comme une des nouvelles formes d'expression du lien social et de ce qu’on peut appeler avec S. Freud la « morale sexuelle civilisée », renouant avec un érotisme collectif féminin tout en s'organisant en expression symbolique afin de créer de nouveaux territoires du politique. Il vise également à affirmer l'appartenance d'une certaine forme de danse-thérapie, que je nommerai médiation danse, au champ psychanalytique, afin de soutenir la place de la psychanalyse dans le traitement des pathologies de la clinique contemporaine, et d'envisager l'adaptation de ses techniques aux modalités actuelles d'expression de la subjectivité dont l'adolescence, comme état-limite, est le paradigme. Le matériel clinique est composé de documents écrits et filmiques, de l'analyse de ma pratique thérapeutique groupale et d'entretiens psychothérapiques.D'un point de vue anthropologique, la danse classique apparaît comme une tentative pour maîtriser l'éros débordant de la danse dionysiaque ; émergeant en Occident au même moment que la psychanalyse, la danse libre vise au contraire à dévoiler, à travers la recherche du geste naturel, la vérité du désir. En même temps qu'elle procure une jouissance « autre », la danse improvisée, qu'elle soit urbaine ou contemporaine, est en effet une expérience transitionnelle qui permet au sujet, dans le mouvement même de la danse qui figure la naissance, d'éprouver la séparation et de s'engager dans la rencontre intersubjective, garante de la construction intrasubjective. Le groupe de danseurs, foule organisée par l'idéal esthétique du rythme, peut ainsi apparaître comme une forme essentielle du groupe et un lieu de subjectivation privilégié pour l'adolescent contemporain, qui y satisfait son besoin d'identification collective et de rituels initiatiques inscrivant sur son corps l'empreinte de la culture. De ce fait, la danse peut être pensée avec la psychanalyse comme une médiation thérapeutique particulièrement indiquée pour des adolescents souffrant de pathologies narcissiques graves. L'étude d'un groupe à médiation associant la danse et l'écriture, dans un hôpital de jour, montre comment la danse improvisée, telle un « squiggle dansé », vient révéler aux patients leur image inconsciente du corps qui se transforme au contact des thérapeutes et du groupe, dans le transfert. L'écriture vient soutenir, pour ces adolescents en souffrance de symbolisation, les propriétés subjectivantes de la danse qui se déploient dans l'espace de la rencontre
Dance is a taboo, paradoxical art, and is naturally therapeutic in adolescence – as is play for the child. In reaction to the turmoil of puberty, expressing the dancing impulse favours narcissistic reassurance through the auto-eroticism of danced movement, which summons the archaic identification with the mother’s body, the passivity which is proper to the feminine, and the discovery of the “other sex”. This research work aims on one hand at thinking through culture’s modern enthusiasm for dance, whether artistic or as a leisure pursuit, as one of the new forms of expression of the social bond and what (with Freud) we could call “civilized sexual morality”, taking up a collective feminine eroticism whilst organizing it as a symbolic expression in order to create new territories of the political. It also aims at affirming that a certain form of dance therapy, which I shall call mediation dance, belongs to the psychoanalytic field, so as to support the place of psychoanalysis in the treatment of pathologies in contempo-rary clinical practice, and to envisage adapting its techniques to current modalities of the ex-pression of subjectivity (of which adolescence, as the ultimate case, is the paradigm). The clinical material comprises written and filmed documents, analysis of my group therapy prac-tice, and psychotherapeutic interviews.From an anthropological point of view, classical dance appears to be an attempt to mas-ter the overflowing Eros of Dionysian dance; in contrast, free dance, which emerged in the west at the same time as psychoanalysis, aims to unveil the truth of desire through seeking the natural gesture. While it achieves an “other” jouissance, improvised dance (whether urban or contem-porary) is in fact a transitional experience which, in the very dance movement representing birth, allows the subject to experience separation and to move to the inter-subjective encounter which guarantees intra-subjective construction. A group of dancers is a crowd organized by the aesthetic ideal of rhythm, and can thus appear as an essential form of the group and a priv-ileged place of subjectivation for the contemporary adolescent, who finds a place to satisfy his/her need for collective identification and initiation rituals which leave the imprint of culture on the body. In this way dance can be thought of, with psychoanalysis, as a therapeutic medi-ation which is particularly indicated for adolescents suffering from serious narcissistic pathol-ogies. The study of a mediation group associating dance and writing in an outpatient unit shows how improvised dance, like a “danced squiggle” reveals to patients their unconscious body image, which is transformed in transference through contact with therapists and the group. For these adolescents with symbolisation problems, writing supports the subjectivising properties of dance which are deployed in the meeting space

Ce livre met en exergue ce qui se loge dans l’ombre du geste dansant à partir d’une ethnographie des processus de création de trois compagnies suisses : Nicole Seiler, Massimo Furlan/Numéro23Prod, deRothfils. L’anthropologue s’est intéressée au processus de fabrication d’oeuvres chorégraphiques qui abordent des questions existentielles. Angoisse, solitude, rapports entre morts et vivants, ces performances mettent en scène des ombres sous la forme d’esprits, de fantômes et de monstres. Enrichie par une pratique personnelle de la danse, cette recherche est née d’une anthropologie phénoménologique. La proximité avec les danseur.euse.s et chorégraphes a introduit la chercheuse au coeur des préoccupations de la création chorégraphique, et l’a amenée à partager les joies et les douleurs des corps affectés. En dialogue avec les études en danse, cet ouvrage contribue aux théories sociales du corps et des sensations.