Artículos de revistas: "Compositore"

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Schmitter, Philippe. "UNA BIOGRAFIA INTELLETTUALE E DI VITA DEL «MAESTRO-COMPOSITORE» JUAN J. LINZ". Italian Political Science Review/Rivista Italiana di Scienza Politica 33, n.º 3 (diciembre de 2003): 515–38. http://dx.doi.org/10.1017/s0048840200027441.

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Resumen

IntroduzioneSe per «maestro» intendiamo qualcuno che mette insieme un ampio gruppo di subordinati e fa eseguire loro la musica di qualcun altro, Juan José Linz non è, e non è mai stato tale. È sempre stato un «compositore» — qualcuno che scrive e suona la propria musica. E, tuttavia, dato che ha spesso riunito un certo numero di collaboratori, e scritto e diretto musica insieme a loro, chiamiamolo il «maestro-compositore» della scienza politica.

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Sterpellone, Luciano. "Manuel Albéniz: fu vero Bright?" Giornale di Clinica Nefrologica e Dialisi 25, n.º 3 (29 de julio de 2013): 272–75. http://dx.doi.org/10.33393/gcnd.2013.1052.

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Dopo alcuni cenni sulla vita del grande compositore spagnolo Manuel Albèniz, l'Autore prende in considerazione la possibile ricaduta della sua patologia renale (al tempo denominata genericamente “morbo di Bright” sulla sua creatività e produttività artistica, con alcune riflessioni sulla possibile diagnosi differenziale.

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Frisina, Marco. "Il compositore di musica sacra e contemporanea nel contesto culturale contemporaneo". Pro Musica Sacra 15 (16 de noviembre de 2017): 239. http://dx.doi.org/10.15633/pms.2264.

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4

Earle, Ben. "La giovinezza sommersa di un compositore: Luigi Dallapiccola. By Luciano Alberti." Music and Letters 98, n.º 4 (1 de noviembre de 2017): 692–97. http://dx.doi.org/10.1093/ml/gcx097.

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Cerchiari, Luca. "Poesia, musica, società: I’inedita fisionomia del rapporto Quasimodo-Gaslini". Forum Italicum: A Journal of Italian Studies 53, n.º 3 (5 de abril de 2019): 656–78. http://dx.doi.org/10.1177/0014585819833669.

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Il poeta Salvatore Quasimodo, premio Nobel 1959, e il pianista e compositore Giorgio Gaslini, attivo nel jazz e nella musica contemporanea, hanno condiviso un ventennio che li ha visti prima uno insegnante dell’altro (al Conservatorio di Milano), quindi collaboratori di esperienze professionali sia nella ricerca nell’ambito delle avanguardie sia nelle relazioni tra arti, ideologie e società. L’articolo fa luce su un rapporto sinora inedito, attingendo a fonti e testimonianze primarie, tra cui quella del figlio di Quasimodo, Alessandro.

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Amaral, João Paulo. "A trajetória do violeiro Tião Carreiro: das primeiras duplas ao sucesso do criador do rei do Pagode". Revista da Tulha 2, n.º 1 (16 de junio de 2016): 144. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2447-7117.rt.2016.125299.

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Esse trabalho traz um resumo da trajetória do cantor, compositore violeiro Tião Carreiro (José Dias Nunes, 1934-1993). Por meio daanálise musical de sua extensa discografia e da pesquisa de suabiografia desde o início da carreira até sua inserção e repercussãono segmento sertanejo nas décadas de cinquenta, sessenta, setentae oitenta, procuramos entender em que medida o artista utilizou asmatrizes, os gêneros e linguagens caipiras tradicionais, e de queforma os conciliou com outras tendências e gêneros relacionados aosinteresses do mercado e da indústria fonográfica.

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Monzone, Chiel. "Rappresentazioni licenziose nei componimenti poetici di Domenico Tempio: Il versante maschile". Forum Italicum: A Journal of Italian Studies 53, n.º 1 (17 de diciembre de 2018): 90–111. http://dx.doi.org/10.1177/0014585818812787.

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L’organo virile in poesia non risulta per forza volgare. Al di là del lessico usato e delle situazioni descritte, esso può avere altri significati. Come nel caso del settecentesco Domenico Tempio, autore catanese essenzialmente dialettale. In certi suoi testi, il membro è espressione del maschio; è veicolo di un istinto basilare del corpo; è manifestazione, al contempo, di una “predominanza” nell’ambito del rapporto carnale e di un “imperio” sulla donna. Soprattutto, la rappresentazione del sesso dell’uomo mostra, una volta di più e in un ulteriore modo, le qualità di letterato di Tempio, che non fu quel compositore esclusivamente osceno com’è stato da sempre “etichettato”.

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Ciprandi, Davide. "Le musiche di scena di Louis Pister per La Tosca di Sardou: edizione critica della partitura". ACME 74, n.º 1 (26 de noviembre de 2021): 133–80. http://dx.doi.org/10.54103/2282-0035/16796.

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La tesi di dottorato di Erin M. Brooks, oggi Assistant Professor di Storia della musica presso la Crane School of Music della State University of New York at Potsdam, indaga il rapporto tra Sarah Bernhardt, prima interprete del ruolo di Floria in La Tosca, e la musica del suo tempo, compresa quella scritta appositamente per il teatro. All’interno di questo testo viene citata una rilevante scoperta dell’autrice, ossia un manoscritto delle musiche di scena composte da un certo Louis Pister per la pièce di Sardou, conservate oggi presso la National Library of Australia. Scopo di questo contributo è quello di proporre un’edizione critica delle musiche di scena composte da Pister, documento imprescindibile per l’analisi dell’opera di Sardou. Inoltre, si tenterà di ricostruire, attraverso lo spoglio dei periodici contemporanei, la ricezione del dramma La Tosca e il profilo biografico dello sconosciuto compositore della musica incidentale.

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Palandrani, Tiziana. "Il sogno di Chopin nell’autobiografia di George Sand". Eikon / Imago 11 (1 de marzo de 2022): 299–310. http://dx.doi.org/10.5209/eiko.77627.

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Nel presente lavoro viene analizzato il sogno di Chopin raccontato da George Sand nell'ultimo volume di Histoire de ma vie, dal punto di vista della produzione letteraria dello scrittore, e includendo il contesto artistico-letterario del tempo in cui furono modificato i loro ricordi. Nell'analisi generale della sua opera di lei suscita una ricorrenza di motivi topici; Tra tutti, il Tema della morte per acqua compare dalle sue prime alle ultime produzioni, compresa la narrazione su Chopin, e segnando coincidenze estetiche con alcuni dipinti dell'epoca (in particolare con l'Ofelia di Millais, nel corpo immerso nell'acqua e nel condizione di pre-morte). Tenendo conto dell'intenso impatto che avranno gli scritti di George Sand sulla ricezione dell'immagine del compositore, questo articolo esamina alcuni aspetti che accompagneranno la rappresentazione pittorica e letteraria di Fryderyk Chopin e ipotizza che sul racconto del sogno chopiniano pesino più accorgimenti poetici che una totale aderenza alla realtà dei fatti.

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Fabris, Dinko. "Circolazione dell’opera italiana attraverso i teatri non europei del Mediterraneo: Il caso degli italiani al Cairo intorno alla prima dell’ Aida del 1871". Artigrama, n.º 36 (9 de diciembre de 2022): 223–40. http://dx.doi.org/10.26754/ojs_artigrama/artigrama.2021368108.

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Per un secolo e mezzo, l’episodio della prima dell’Aida di Verdi al Cairo nel 1871 hacatturato l’attenzione degli studiosi, che non hanno mai esplorato sistematicamente il contestooperistico —allo stesso tempo locale e globalizzato— in cui quella vicenda si era inserita. Inrealtà l’Egitto stava vivendo una fase di grande interesse per l’opera e per i teatri all’europea,condivisa da molti altri territori dell’impero ottomano a cominciare dalla capitale Costantinopoli. Compagnie di cantanti italiani avevano già portato il repertorio più aggiornato dell’operaitaliana prima ad Alessandria e poi al Cairo e, negli stessi anni della produzione di Aida, unacompagnia era stata scritturata per una stagione di opere francesi e italiane, con la direzione diNicola De Giosa, compositore di scuola napoletana e primo vero direttore dell’orchestra del Teatrodi San Carlo. Come il prediletto di Verdi, Emanuele Muzio, anche De Giosa fu però scartato dalsovrintendente del teatro egiziano, che affidò la direzione di Aida a Bottesini. Alcuni frammentisuperstiti di documentazione consentono di intuire il peso della presenza degli artisti italianinella nascita del teatro d’opera vicereale al Cairo. Artisti e direttori itineranti, ma anche glialtri individui coinvolti nelle prime rappresentazioni di opere europee in Egitto, sono certamenteprotagonisti di una storia minore, ma che ci sembra interessante cominciare a ricostruire perinserire queste vicende di mobilità artistica in una più ampia rete dei teatri del Mediterraneo.

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Berni, Luca. "Giacomo Puccini (1858–1924): un malato di musica e di altro". Giornale di Clinica Nefrologica e Dialisi 26, n.º 2 (7 de febrero de 2014): 187–91. http://dx.doi.org/10.33393/gcnd.2014.886.

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Giacomo Puccini, nato a Lucca il 22 dicembre 1858, era il sesto di nove figli di Michele Puccini e Albina Magi e l'ultimo rappresentante di una genealogia di musicisti risalente al XVIII secolo. Erede della tradizione melodrammatica verdiana ebbe un enorme successo in vita in tutti i teatri d'Europa e in America. Appassionato cacciatore, altre sue passioni furono: le automobili, le sigarette, i sigari, i motoscafi, e le abitazioni da acquistare e ristrutturare. Un'incidente d'auto nel 1903 e la difficile calcificazione della tibia destra portarono alla diagnosi di un diabete e all'uso della saccarina. Nel 1923 quasi per caso inizia a curarsi con l'Insulin, ma senza i dosaggi e le tecniche di cura oggi conosciute. Sempre nel 1923 ingoia un osso d'oca che gli deve essere estratto, da allora, fumatore accanito di sigari sigarette, accusa insistenti laringiti con otalgie fino a dolori alla deglutizione, disfonia e infine tumefazioni cervicali tali da non permettergli di chiudere il colletto della camicia. Furono interpellati illustri medici del tempo, come era accaduto per l'incidente d'auto. Il 3 novembre 1924 un consulto generale con i professori Torrigiani, Toti e Gradenigo a Firenze, consigliò al compositore di recarsi nella clinica del dottor Louis Ledoux di Bruxelles che eseguiva un trattamento radio-chirurgico per i tumori della laringe. Puccini morì a Bruxelles il 29 novembre 1924 lasciando incompiuta Turandot che sarà rappresentata postuma, con la direzione di Arturo Toscanini il 25 aprile 1926.

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Russi, Roberto. "Il compositore, il dilettante e l’appassionato. Metamorfosi di un personaggio nella narrativa del primo novecento e ascolto musicale in Tristan di Thomas Mann". Филолошки преглед 48, n.º 2 (2021): 149–68. http://dx.doi.org/10.18485/fpregled.2021.48.2.9.

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Ortega, Fernanda. "VI Encuentro Internacional de Compositores en Chile: Mujeres Compositoras". Revista musical chilena 68, n.º 222 (diciembre de 2014): 149–50. http://dx.doi.org/10.4067/s0716-27902014000200021.

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Moreira, Fernando Alberto Torres y Humberto Rodrigues Júnior. "A ESTÉTICA MUSICAL JOANINA: UM ESTUDO DAS INFLUÊNCIAS DAS COMPOSIÇÕES DE MARCOS PORTUGAL, NUNES GARCIA E SIGISMUND NEUKOMM NO PERÍODO JOANINO NO BRASIL". ERAS | European Review of Artistic Studies 11, n.º 4 (30 de diciembre de 2020): 73–96. http://dx.doi.org/10.37334/eras.v11i4.11.

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As características da estética musical de obras dos compositores do período joanino, na atualidade, tem sido um importante fator para uma interpretação histórica fundamentada. O presente trabalho tem como objetivo o estudo e análise da estética estilística de três dos principais compositores do período joanino brasileiro de 1808 a 1822. Com base em dados biográficos e documentais dos compositores José Maurício Nunes Garcia, Marcos Portugal e Sigismund Neukomm, bem como, suas respectivas obras, são possíveis de se averiguar as diferenças e semelhanças estruturais e estéticas dentre os compositores. Para tal exame, levam-se em conta suas formações musicais e o contexto histórico em que cada compositor se inseriu. O estudo dos artistas abordados é de grande importância para uma melhor compreensão do período joanino, bem como, para toda a música brasileira pós-joanina.

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Lacerda, Bruno Renato. "Guerra-Peixe: arranjador de orquestras de rádio". Per Musi, n.º 23 (junio de 2011): 138–47. http://dx.doi.org/10.1590/s1517-75992011000100015.

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Resumen

Revisão biográfica sobre o músico brasileiro Guerra-Peixe e sua carreira como arranjador de orquestras de rádio. Objetiva-se compreender como compositores clássicos, como Guerra-Peixe, encontraram na esfera popular um meio de vida. Inclui dados biográficos pouco conhecidos sobre o compositor.

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Morisseau, Arthur. "La sombra de Vinteuil en dos novelas francesas". Recial 12, n.º 19 (12 de julio de 2021): 139–50. http://dx.doi.org/10.53971/2718.658x.v12.n19.33837.

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Resumen

Este artículo de literatura comparada investiga el período post-Vinteuil analizando la recepción del compositor ficticio de À la Recherche du temps perdu de Marcel Proust en escritos de la segunda mitad del siglo XX y del siglo XXI. Estas novelas sobre el compositor se inscriben en una subcategoría de la ficción relativamente reciente (fines del siglo XVIII): la de las historias sobre compositores que solo existen en las páginas de los libros. La segunda mitad del siglo XX marcó el comienzo de un cambio en la forma en que los novelistas describen a los compositores ficticios: surgió una vena burlesca que no escapa a algunas novelas proustianas. La sombra de Vinteuil puede explicar la necesidad, con implicancias variadas, de esta orientación paródica: algunos autores, como Richard Millet en L’Angélus, son conscientes de que deben literalmente dar muerte al maestro, Proust, con el fin de librarse de él, incluso aunque su legado siga presente. Otros, como Jérôme Bastianelli en La Vraie vie de Vinteuil, fingen volver real a Vinteuil, creando en realidad un nuevo personaje aún más ficticio.

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Pinheiro, Luizan. "Amazônidas: arte-música-poesia-pensamento-combate... em disparos potentes!" REVISTA POIÉSIS 22, n.º 37 (1 de enero de 2021): 13–30. http://dx.doi.org/10.22409/poiesis.v22i37.47225.

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Resumen

Este artigo atravessa territórios musicais pra colocar em visibilidade aspectos da vida na Amazônia a partir de um viés crítico-guerrilheiro marcado na percepção e vivência musical de quatro compositores: Vital Farias, Xangai, Mestre Lourival Igarapé e o autor-compositor deste trabalho, que sentem e expressam a Amazônia de ângulos diversos e sensibilidades específicas.

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Hernández Prado, Alonso. "Rescate histórico de la obra de Bonifacio Rojas Ramírez, compositor, director de orquesta y pedagogo michoacano". RICSH Revista Iberoamericana de las Ciencias Sociales y Humanísticas 11, n.º 21 (18 de marzo de 2022): 50–65. http://dx.doi.org/10.23913/ricsh.v11i21.276.

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Resumen

En un afán de contribuir al rescate histórico de compositores mexicanos de calidad, el presente artículo aporta elementos sobre la vida y obra del maestro Bonifacio Rojas Ramírez, oriundo del estado de Michoacán, México. A pesar de haber construido una sólida carrera como compositor, director, organista y pedagogo, inmerecidamente solo tiene reconocimiento regional. En el primer apartado se describe de forma breve lo que varios investigadores han catalogado y divulgado sobre la obra del maestro Rojas Ramírez; después se ofrece una sucinta biografía del compositor michoacano; posteriormente se analiza el primer movimiento de la Sinfonía Herencia tarasca (p´urhépecha), quizá la obra más significativa del maestro Rojas.

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Murray, J. William y Fausto Borém. "O Jazz de Bill Evans: formação, influências, obras e estilo composicional". Per Musi, n.º 28 (diciembre de 2013): 21–34. http://dx.doi.org/10.1590/s1517-75992013000200004.

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Resumen

Estudo estilístico sobre a música do compositor e pianista norte-americano Bill Evans. Inclui um contexto sobre os pianistas, compositores (eruditos e populares) e o teórico do jazz George Russell, que marcaram sua formação musical. A análise de 19 obras selecionadas de Bill Evans revela características estilísticas relacionadas ao estilo/andamento, métrica, tonalidade, forma, duração, ritmo harmônico, linguagem harmônica e outros detalhes relevantes.

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Lievens, Robrecht. "Varia bibliographica". Quaerendo 30, n.º 2 (2000): 164–66. http://dx.doi.org/10.1163/157006900x00057.

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AbstractIn his brief note on a compositor's pun, the author refers to Prof. Marita Mathijsen's handbook on the discipline of editing, Naar de letter. Handboek editiewetenschap (Assen 1995), where she observes a difference between intentional interference and unintentional alteration in a given text. In the first category she mentions six reasons for a copyist or compositor to interfere in a text: (1) he wants to correct a mistake, (2) he disapproves of a particular construction, (3) he wants to alter the spelling, (4) he wants to alter the interpunction, (5) acting as a censor, he deletes, and (6) he has problems of a technical nature. The author mentions yet another possibility: the compositor wants to have some fun. In addition to the examples occurring in Die historie van Reynaert die Vos (Gouda, Leeu, 1479), mentioned by Hellinga-Querido and Gondrie - see note 2, the author has discovered another compositor's pun in Die excellente Cronike van Vlaanderen (Antwerpen, Willem Vorstcrman, 1531). On fo. 123v. of this edition the Christian name Adriaen occurs twice, the first time printed 'Adriaen', the second time 'Aaaa' when pronounced in Dutch 'Adriaen' could be understood to denote 'A three a's'. The author suggests that the compositor might have been inspired by an often quoted biblical reminiscence of Jeremiah 1, 6.

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de Oliveira Magre, Fernando. "“Por uma frente unida das vanguardas musicais latino-americanas”: a virada latino-americana no Festival Música Nova a partir do III Festival de Música de América y España". Resonancias: Revista de investigación musical, n.º 50 (2022): 77–98. http://dx.doi.org/10.7764/res.2022.50.5.

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Em 1970, o compositor brasileiro Gilberto Mendes foi convidado para participar do III Festival de Música de América y España em Madri, que reuniu compositores de diversos países da América Latina, EUA, Canadá e Espanha. Para Mendes, esse festival foi fundamental para estabelecer uma aproximação entre os compositores latino-americanos, mais especificamente entre brasileiros e os demais países de língua espanhola, que, em sua opinião, até aquele momento ainda se conheciam pouco. A partir desse ano, observa-se um crescimento da participação de compositores latino-americanos no Festival Música Nova, criado por Gilberto Mendes em 1962 em Santos. Por meio da análise de fontes primárias como programas de concertos e depoimentos, este trabalho demonstra a importância do Festival de Música de América y España para o desenvolvimento de um projeto de integração da música de vanguarda latino-americana, iniciado no Festival Música Nova e ampliado nos Cursos Latinoamericanos de Música Contemporánea.

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Luis Moreno, Beatriz. "Un eslabón en el recorrido estético de Stravinsky: la Suite Italiana". Epistemus. Revista de Estudios en Música, Cognición y Cultura 9, n.º 2 (17 de diciembre de 2021): 034. http://dx.doi.org/10.24215/18530494e034.

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Stravinsky se erige como una de las figuras más importantes de la música del siglo XX, y es también uno de los compositores que más importancia le ha concedido al pensamiento estético y filosófico en materia musical. Se ha perseguido dar una explicación más detallada a preguntas relacionadas con la naturaleza del fenómeno musical recogidas en sus libros, así como a otros aspectos diferentes que trata el compositor en relación con la figura del intérprete o del compositor director de sus propias obras. Hemos llevado la investigación a un ámbito más práctico, a través de un análisis principalmente de recursos y materiales, así como diferencias entre las partituras del ballet Pulcinella y de la Suite Italiana.

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Candido, Marisa Milan y Eliana Monteiro da Silva. "Eunice Katunda e seu Quinteto Schoenberg: uma homenagem ao criador do dodecafonismo". Revista Música 21, n.º 2 (17 de diciembre de 2021): 287–314. http://dx.doi.org/10.11606/rm.v21i2.191266.

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Eunice Katunda (1915–1990) foi uma importante musicista brasileira do século XX. Viveu e atuou de maneira intensa no campo musical por quase todo o século, realizando atividades como pianista, compositora, regente, pesquisadora, professora, crítica, entre outros. Foi responsável tanto pela estreia e difusão de inúmeras obras brasileiras e estrangeiras desconhecidas no meio musical de sua época, como pela criação de peças a partir de modernas técnicas de composição. Neste artigo trataremos do uso feito pela compositora da técnica dodecafônica criada pelo compositor austríaco-estadunidense Arnold Schoenberg (1874-1951), a quem ela homenageou em seu Quinteto Schoenberg. Através de análise musical, mostraremos, entre outros procedimentos, como a compositora utilizou na serie inicial de sua obra o hexacorde inversionalmente simétrico catalogado por Allen Forte como 6-20, usado por Schoenberg em seu quinteto Ode to Napoleon Buonaparte Op. 41. Paralelamente, a musicista inseriu melodias de inspiração folclórica nacional, a fim de dar à composição um caráter humanista e crítico do período em que foi criada.

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Weiss, Ledice Fernandes de Oliveira y Silvio Ferraz. "Interações entre escrita e instrumentalidade em Ladainha e Eclusas, para violão solo". Revista Música 21, n.º 1 (27 de julio de 2021): 227–68. http://dx.doi.org/10.11606/rm.v21i1.188831.

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Este artigo tem como tema as estratégias de construção de performance de duas peças para violão solo, Eclusas e Ladainha, traçando um amplo diálogo com os violonistas e pesquisadores Daniel Murray e Stanley Levi, que não apenas estrearam cada qual uma das duas obras, como também deixaram registrados em trabalhos acadêmicos seu modo de construção de performances. Propomos assim uma leitura dessas duas composições a partir dos paradigmas sonoros que permeiam essas obras, do conhecimento do universo de referências do compositor (Silvio Ferraz) e do universo de performance do violão da segunda metade do séc. XX herdado pela violonista (Ledice Fernandes Weiss). Observamos a importância da composição e reconstrução do gesto nas duas pontas do processo de colaboração compositor-interprete. Nossos principais referenciais são as noções de técnica estendida e aquela do aspecto tripartite da música no gesto, textura e figura, tal qual proposto por diversos compositores, como B. Ferneyhough, H. Lachenmann, Luciano Berio e resgatada pelo compositor.

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Vargas, Daniel. "A complexidade rítmica no Estudo Percussivo II de Arthur Kampela". Per Musi, n.º 26 (diciembre de 2012): 170–80. http://dx.doi.org/10.1590/s1517-75992012000200017.

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Este artigo discute o uso das estruturas rítmicas complexas, tais como quiálteras dentro de quiálteras na obra Estudo Percussivo II, de 1993, do compositor brasileiro Arthur Kampela. Em alguns casos, serão demonstrados procedimentos de notação da escrita complexa do compositor britânico Brian Ferneyhoug. Isso se dá pelo fato de ao transformar uma semínima em uma quiáltera de cinco, Ferneyhough utiliza uma simbologia acima da quiáltera, indicando que são cinco semicolcheias no lugar de quatro semicolcheias, desta forma, o compositor britânico faz a indicação da mesma figura rítmica ao utilizar a semicolcheia. Diferentemente, Arthur Kampela no Estudo Percussivo II, utiliza uma escrita peculiar na qual ele não faz a mesma indicação das figuras rítmicas como Brian Ferneyhough. Este artigo propõe uma discussão a respeito desta escrita peculiar no Estudo Percussivo II. Para finalizar será abordada a escrita complexa sobre a ótica de outros compositores como Pierre Boulez para que a partir desta visão sejam propostas outras possibilidades de escrita rítmica no Estudo Percussivo II.

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González Ludeña, Carlos. "Mateo Tollis de la Roca en la escena teatral madrileña entre 1737-1744". Cuadernos de Música Iberoamericana 35 (8 de septiembre de 2022): 193–226. http://dx.doi.org/10.5209/cmib.74762.

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Mateo Tollis de la Roca (1714-1781) fue un compositor madrileño de relevancia en el ámbito hispanoamericano, dado que alcanzó el magisterio de capilla de la Catedral de México. Antes de partir al Nuevo Mundo, compuso, en su ciudad natal, una ópera de éxito, La Casandra, estrenada en el Coliseo de la Cruz en 1737, y colaboró estrechamente con la Compañía de José de Parra en la temporada teatral de 1743-1744. Sin embargo, no parece que llegara a ser uno de los principales compositores de los teatros madrileños, por lo que su trayectoria como compositor teatral ha pasado algo inadvertida. Por ello, el presente artículo tratará de arrojar luz acerca de la actividad compositiva de Roca en la escena teatral madrileña.

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De Carvalho, Régis. "Música vocal contemporânea: a ótica do criador em uma entrevista comentada". OPUS 26, n.º 2 (1 de octubre de 2020): 1. http://dx.doi.org/10.20504/opus2020b2614.

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Este artigo apresenta, sob uma ótica fenomenológica, uma entrevista comentada com o compositor Rafael Felício. O roteiro desta entrevista foi estruturado com o intuito de compreender o processo criativo desenvolvido pelo compositor durante a composição da peça Aurora: uma história de amor em 3 haicais1. Esta peça foi criada a partir de uma ação colaborativa entre cantor (aqui o entrevistador) e compositor e se insere no contexto de música vocal contemporânea de concerto. Para cada resposta obtida junto ao compositor, o artigo apresenta alguns Comentários do Intérprete, construindo, a partir de narrativa auto etnográfica, um diálogo sobre como a obra se revela a cada um dos envolvidos. Mesmo reconhecendo que a criação e a interpretação de uma peça musical são um fenômeno particular, acredita-se que esta iniciativa possa trazer contribuição para intérpretes e compositores ao oportunizar o debate sobre peculiaridades da prática de música contemporânea de concerto. A entrevista apontou dados particulares da dimensão criativa da obra tais quais: contexto da escolha do texto, modelo de estruturação da ideia musical no tempo e espaço, motivo da escolha da instrumentação, emissão vocal aspirada pelo compositor, motivo da escolha de recursos vocais não melódicos. Por fim, foi explanado pelo intérprete o modo como a compreensão de determinadas motivações do compositor influenciou suas escolhas interpretativas. Além da discussão teórica sobre aspectos como criação e interpretação, é disponibilizada a gravação audiovisual da peça na seção A obra deste artigo.

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Aloqaili, Murtadha Jaafar y Rahim Alhamzawi. "Bayesian Composite Quantile Regression with Composite Group Bridge Penalty". NeuroQuantology 20, n.º 2 (28 de febrero de 2022): 173–79. http://dx.doi.org/10.14704/nq.2022.20.2.nq22269.

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We study composite quantile regression (CQReg) with composite group bridge penalty for model selection and estimation. Compared to conventional mean regression, composite quantile regression (CQR) is an efficient and robust estimation approach. A simple and efficient algorithm was developed for posterior inference using a pseudo composite asymmetric Laplace distribution which can be formulated as a location-scale mixture of normals. The composite group bridge priors were formulated as a scale mixture of multivariate uniforms. We assess the performance of the proposed method using simulation studies, and demonstrate it with an air pollution data. Results indicated that our approach performs very well compared to the existing approaches.

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Hartmann, Ernesto y Juliano Dinelli. "Do Galante ao Clássico: as estratégias e os recursos composicionais e técnicos empregados por Muzio Clementi na construção das áreas temáticas I nas suas primeiras Sonatas para piano (1779-1782)". Opus 27, n.º 2 (1 de mayo de 2021): 1–28. http://dx.doi.org/10.20504/opus2021b2710.

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Resumen

O presente trabalho investiga as estratégias e os recursos composicionais empregados pelo compositor Muzio Clementi na confecção dos temas (área temática principal) das suas Sonatas para piano Opp. 1, 2, 7 e 8. Tem como objetivo esclarecer esses processos utilizando como método a comparação através da análise e tendo como aporte teórico os conceitos de Tight Knit Organization, simetria e paralelismo propostos por William Caplin. Após as análises, concluiu-se que, como esperado, estas obras aderem, com certa flexibilidade, à essência das características apontadas pelo autor, mas também apontam para uma progressiva articulação entre questões técnicas do instrumento e estruturação formal. Ainda, nas duas obras em modo menor do recorte, observou-se o emprego do estilo sensível, denotando uma maior preocupação com a expressividade destacando-se das sonatas anteriores do compositor. Todos estes fatores contribuem para a noção de que Clementi foi, de fato, um pioneiro na promoção do gênero sonata de uma obra doméstica/camerística para um veículo de expressão pessoal e técnica do compositor/virtuose, característica da virada do século XVIII para o XIX, tendo sido influenciado e influenciando outros compositores contemporâneos.

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Oliveira, Katya Beatriz de y Laura Rónai. "A prática musical religiosa no Brasil e em Portugal na segunda metade do século XVIII: paralelo e fundamentação para a interpretação vocal da música de José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita". Per Musi, n.º 24 (diciembre de 2011): 151–66. http://dx.doi.org/10.1590/s1517-75992011000200016.

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Na busca da sonoridade histórica e estilisticamente embasada para a interpretação vocal da música sacra mineira da segunda metade do século XVIII e início do XIX, tornase necessário um paralelo com a música realizada em Portugal durante o século XVIII, que constate a influência desta sobre a música mineira setecentista. Neste artigo pretendemos investigar as similaridades estilísticas entre a música do compositor mineiro José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita, particularmente no solo de soprano de sua Missa em Mi bemol, com o solo de soprano de uma Missa a cinco vozes do compositor David Perez e o primeiro movimento do moteto Care Deus si respiro, para soprano solo e cordas, de Niccolò Jommelli, compositores italianos da escola napolitana atuantes em Portugal na segunda metade do século XVIII. Temos como objetivo justificar a utilização de tratados europeus para a fundamentação dos aspectos interpretativos da música mineira.

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Diniz, Sheyla Castro y Danilo Ávila. "A canção pode morrer, mas eu não vou morrer, não..." Música Popular em Revista 5, n.º 2 (26 de agosto de 2018): 146–99. http://dx.doi.org/10.20396/muspop.v5i2.13141.

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Kiko Dinucci (1977-), compositor, cantor, instrumentista, e também cineasta e designer gráfico, é um dos artistas mais representativos da cena musical independente paulistana. Para além do trabalho solo e de uma porção de projetos com compositores de sua geração, como Douglas Germano, e com figuras renomadas, como Elza Soares, Kiko integra o grupo Passo Torto, junto a Rodrigo Campos, Rómulo Fróes e Marcelo Cabral, e, desde 2008, ao lado da vocalista Juçara Marçal e do saxofonista Thiago França, o trio Metá Metá, cujos discos e repercussão somam críticas elogiosas tanto no Brasil quanto no exterior.

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Bonafe, Isabela Martins. "Processos de indeterminação em Acronon de H. J. Koellreutter". ouvirOUver 15, n.º 1 (17 de junio de 2019): 206–18. http://dx.doi.org/10.14393/ouv24-v15n1a2019-14.

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O presente trabalho propõe a análise da peça Acronon, do maestro e compositor Hans Joachim Koellreutter, com base nas estéticas da indeterminação dos compositores John Cage e Pierre Boulez. Ambas as estéticas do século XX divergem a terminologia em significado, porém ainda sim é possível encontrá-las no processo de criação da peça para piano solo, Acronon. Buscar-se-á demonstrar como tais estéticas, por vezes divergentes, convergem na obra de Koellreutter, Acronon, por meio da análise e estudos a cerca do indeterminismo e serialismo de John Cage e Pierre Boulez.

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Nunes-Silva, Marília, Ana Carolina Duarte Valadares, Gerlaine Teixeira Rosa, Liliane Cristina Moreira Lopes y Célia Auxiliadora dos Santos Marra. "Avaliação de Músicas Compostas para Indução de Relaxamento e de seus Efeitos Psicológicos". Psicologia: Ciência e Profissão 36, n.º 3 (septiembre de 2016): 709–25. http://dx.doi.org/10.1590/1982-3703001672014.

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Resumo O presente estudo teve por objetivo avaliar as características das músicas compostas por dois diferentes compositores para a fase preparatória da Abordagem Direta do Inconsciente/Terapia de Integração Pessoa (ADI/TIP) e seus efeitos psicológicos, buscando verificar se elas contribuem para a indução de relaxamento. Para tanto, foi realizada inicialmente a análise teórica das músicas com o intuito de verificar se apresentavam características estruturais consideradas relaxantes, evidenciadas pelos estudos experimentais revisados. Posteriormente, as músicas foram avaliadas considerando os efeitos subjetivos eliciados pela sua audição. Participaram do estudo 72 voluntários, divididos em quatro condições: 1) Compositor A; 2) Compositor B; 3) Coletânea (músicas utilizadas em estudos prévios para promover o relaxamento); e 4) Sem audição musical. Os participantes responderam a um protocolo de avaliação da percepção subjetiva de sentimentos e emoções antes e depois de serem expostos à condição experimental. Os dados do protocolo foram comparados com os dados obtidos na análise teórica das músicas. Apesar de as músicas do compositor A apresentarem mais características estruturais relaxantes do que as do compositor B, todas as músicas analisadas foram consideradas como relaxantes e tiveram efeito para redução da pontuação da categoria de “Raiva/Medo” do protocolo utilizado. Isso indica que as músicas utilizadas na fase preparatória do método ADI/TIP possuem características relaxantes e contribuem para diminuição de sensações correspondentes a uma valência negativa e excitabilidade alta, favorecendo à promoção do estado de relaxamento necessário à eficácia deste método terapêutico.

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Castelló Gómara, Rosa Elia. "Levante en la obra sinfónica del maestro Óscar Esplá". Pangeas. Revista Interdisciplinar de Ecocrítica, n.º 2 (18 de diciembre de 2020): 61. http://dx.doi.org/10.14198/pangeas2020.2.05.

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El compositor alicantino Oscar Esplá (1886- 1976) ocupa junto a Falla, Julio Gómez y Conrado del Campo un lugar preeminente en la historia de la música española del siglo XX, y no sólo por su extenso catálogo de partituras y escritos sobre música, sino también por haber participado activamente en el proceso de regeneración musical (que venía gestándose desde fines del siglo XIX gracias a los trabajos de Barbieri y Pedrell) llevada a cabo por toda una generación de compositores concienciados de la imperiosa necesidad de situar la música española al nivel europeo; para ello el primer paso debía ser concienciar a los compositores de la necesidad de cuidar su formación intelectual y cultural preocupándose no sólo de la técnica compositiva sino profundizando en cuestiones estéticas y musicológicas, para abordar el hecho musical desde todos sus ámbitos dado que es la única forma de obtener una idea completa, global y real de la obra de arte musical. Sus obras, siempre revestidas de un deseo de perfección y especialmente la Sinfonía Aitana, son el legado de un compositor con conciencia mediterránea. Esplá no es un nacionalista en el sentido estricto de la palabra ya que su honda sensibilidad mediterránea aflora de forma espontánea en unas obras que no suelen utilizar citas folklóricas textuales. Con un estilo personalísimo, al igual que lo hiciera Turina o Falla con lo andaluz, la música de Esplá se convierte en la voz de la región levantina, en el sonido de las tierras bañadas por el Mediterráneo, con toda su luz y sensibilidad.

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Maslovsky, Yu N. "3D composite particles". Functional materials 22, n.º 1 (20 de abril de 2015): 69–78. http://dx.doi.org/10.15407/fm22.01.069.

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Capdepón Verdú, Paulino. "Música de tecla en la España del siglo XVIII: Domenico Scarlatti y el padre Antonio Soler". Cuadernos de Estudios del Siglo XVIII, n.º 21 (5 de octubre de 2017): 7–34. http://dx.doi.org/10.17811/cesxviii.21.2011.7-34.

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Resumen

El presente artículo se centra en la música española del siglo XVIII,que vive una de las etapas más brillantes de su historia. A ello contribuyó sin duda el esplendor logrado por la música de teclado, que alcanzó un extraordinario grado de desarrollo desde la llegada a España del compositor napolitano Domenico Scarlatti (1685-1757), maestro de clave de la reina de España Bárbara de Braganza. Scarlatti ejerció una influencia decisiva en la implantación del género sonata monotemática en un solo tiempo y en la introducción del estilo galante. Precisamente fue uno de los alumnos predilectos de Scarlatti, el padre Antonio Soler (1729-1783), el continuador de la obra scarlattiana en el ámbito de la sonata de tecla. Maestro de clave del infante don Gabriel y maestro de capillaorganistadel monasterio real de El Escorial, su proximidad a la corte permitió almonje catalán conocer las principales novedades musicales propiciadas por la estancia en España de compositores italianos como el propio Scarlatti o Boccherini. Sin embargo, Soler supo evolucionar y otorgar su propio estilo a su producción para teclado: en la última etapa de su producción artística incorporó varios movimientos a sus sonatas, lo que sitúa al compositor español en la órbita de Haydn y Mozart. En este artículo, después de una introducción sobre la música española del siglo XVIII en general y de la música de teclado en particular, se estudian las trayectorias vitales de ambos compositores, así como sus respectivas aportacionesal ámbito de la sonata de tecla, que constituyen una de las cimas artísticas de la música española del siglo XVIII.PALABRAS CLAVE: Siglo XVIII. Tecla. Estilo galante. Sonata. Scarlatti. Soler. Corte de Madrid. Monasterio de El Escorial.

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Peñaranda Franco, Juan Pablo y José Alejandro Navarro Claro. "Análisis de la obra musical seleccionada de cuatro compositores Ocañeros". Revista Ingenio 13, n.º 1 (15 de junio de 2017): 139–46. http://dx.doi.org/10.22463/2011642x.2142.

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El presente artículo presenta el análisis realizado a las obras musicales seleccionadas de los compositores ocañeros homenajeados en el catálogo musical “Ocaña: legado de música, letras y pasiones”, el cual fue producto de la ejecución del proyecto “Compilación, análisis, clasificación y estudio de la obra musical de 4 compositores de Ocaña y la provincia; y elaboración de su catálogo musical”, con el objeto de rescatar la identidad musical y evitar la pérdida de la memoria cultural y musical de la región en peligro de desaparecer. El proyecto investigativo es de tipo cualitativo y el objeto de estudio fue la obra musical de los autores Rafael Contreras Navarro, Carlos Julio Melo Paredes, Carmen Noel Paba y Carlos Guillermo Lemus Sepúlveda. Como resultado del mismo, se realizó un análisis musical de las 2 obras de cada compositor que fueron seleccionadas, arregladas y producidas musicalmente en diferentes formatos instrumentales para el disco del catálogo. De este análisis se evidencia que en cada uno de ellos se siguen en términos generales los criterios de composición de la época reflejado en las métricas, los ritmos, los tonos, etc.

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Mion, Luciana y Reinaldo Pacheco. "Filhos da Música". LICERE - Revista do Programa de Pós-graduação Interdisciplinar em Estudos do Lazer 19, n.º 1 (1 de marzo de 2016): 144–76. http://dx.doi.org/10.35699/1981-3171.2016.1198.

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A produção e consumo musicais são compreendidos como resultantes de aspectos histórico-sociais e sobre os quais pesam fatores de aptidão e facilidade cognitiva tanto na criação quanto na fruição. Também são reflexo de questões interiores e da identidade do compositor, constituído e constituinte do meio social. A música é uma expressão cultural submetida às forças de mercado e sua dinâmica é de categorização vaga que vai do entretenimento à arte. O artigo aborda o processo do consumo à criação, influenciado pelos hábitos de consumo musical no tempo livre e seus fatores sociais bem como as forças dinâmicas de mercado e de propensão musical. Para tanto, foram apresentados dados de entrevistas com alguns músicos - compositores, quer sejam profissionais ou amadores, pois detecta-se nas entrevistas que a relação entre o trabalho e o tempo livre se mescla para esse público. Como resultado, vimos que o fenômeno da pós-modernidade permeia tal processo e que não há fórmulas para a produção, apenas a verificação de algumas determinantes que se mesclam e são interpretadas e reinterpretadas pelo receptor ativo (compositor), resultando na variação artística.

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Ribeiro, Felipe De Almeida y Charles K. Neimog. "Impasses no uso de estruturas microtonais na composição eletroacústica". OPUS 26, n.º 3 (28 de enero de 2021): 1. http://dx.doi.org/10.20504/opus2020c2615.

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Resumen

Neste texto, investigamos como estruturas microtonais foram organizadas por compositores em obras eletroacústicas. Mais que uma análise musical, nos interessa explorar os problemas composicionais emergentes quando nos deparamos com os conceitos e terminologias de classificação de alturas (microtonalidade, temperamento, timbre etc.). Exploramos, portanto, como é e como foi aplicado o parâmetro da altura dentro de obras do repertório, mais especificamente suas qualidades e potenciais dentro da temática da microtonalidade. Para isso, baseamos nossas análises nos estudos de Franck Jedrzejewski, Peter Manning, Curtis Roads, Harry Partch, entre outros. Como resultado, buscamos incentivar a discussão e produção artística acerca do tema, destacando o ofício do compositor em ambientes com suporte tecnológico digital.

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Ruíz Méndez, José Leonardo. "Breve reseña del pasillo colombiano y aporte compositivo". Paideia Surcolombiana, n.º 13 (1 de diciembre de 2008): 35. http://dx.doi.org/10.25054/01240307.1064.

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Resumen

El presente artículo es una reseña histórica del ritmo Pasillo. Ritmo folclórico colombiano de importante significado para la historia musical del país. En un primer momento se mencionan las fuentes históricas que ayudan a esclarecer su procedencia y nacimiento en tierra colombiana, aquí también se señalan las dos formas de pasillo existentes (lento y fiestero), luego se hace mención a los instrumentos que han permitido su difusión y a los compositores que en el ámbito nacional y regional han realizado sus obras con este ritmo. Por último, se presenta el análisis estructural y la partitura del Pasillo "Ana Beatriz", cuyo compositor es el autor de este texto.

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Silva, Haires Ribeiro da. "UM TEMA - VÁRIAS VOZES". Revista Moinhos, n.º 4 (13 de mayo de 2014): 161. http://dx.doi.org/10.30681/moinhos.v0i4.2511.

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Resumen

Esta monografia apresenta reflexões a respeito do cotidiano urbano, a partir da leitura de “Cotidiano” do compositor e cantor Chico Buarque, de “Todo o carnaval tem seu fim” da banda Los Hermanos, “Rotina” de Roberto Carlos e “Você não entende nada” de Caetano Veloso, na tentativa de identificar e compreender elementos das cenas urbanas que aparecem e se articulam como cenário, tema e inspiração para as letras dos quatro compositores, tecendo entre as mesmas um paralelo, para mostrar que as canções podem falar de um mesmo tema e, no entanto, se distanciarem ou se aproximarem da poesia, que pode ou não enriquecer os textos.

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Amorós-Pons, Anna y Nuria Gómez-Otero. "A Música de Hans Erdmann no Filme Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens (Friedrich Murnau, 1922)". Vista, n.º 8 (21 de diciembre de 2021): e021013. http://dx.doi.org/10.21814/vista.3621.

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Este artigo centra-se no estudo da banda sonora musical do compositor Hans Erdmann, feita para o filme alemão Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens (Nosferatu, o Vampiro; 1922) pelo realizador Friedrich Murnau. A metodologia combina a técnica qualitativa do estudo de caso com abordagens recentes na análise musicológica de bandas sonoras de filmes. Esta investigação destaca os elementos estilísticos, recursos estruturais, influências musicais, referências de compositores e orquestração instrumental da partitura. A criação romântica de Erdmann é também influenciada pelo estilo barroco, classicismo e impressionismo. Este artigo constitui um novo contributo na área, uma vez que não foram encontrados estudos musicais ou cinematográficos com o tratamento aqui oferecido.

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Khomenko, E. V., N. I. Grechanyuk y V. Z. Zatovsky. "Modern composite materials for switching and welding equipment. information 1. powdered composite materials". Paton Welding Journal 2015, n.º 10 (28 de octubre de 2015): 36–42. http://dx.doi.org/10.15407/tpwj2015.10.06.

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Goodkin, D. E., R. L. Priore, K. E. Wende, M. Campion, D. N. Bourdette, R. M. Herndon, J. S. Fischer et al. "Comparing the ability of various compositive outcomes to discriminate treatment effects in MS clinical trials". Multiple Sclerosis Journal 4, n.º 6 (diciembre de 1998): 480–86. http://dx.doi.org/10.1177/135245859800400604.

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We compared the ability of the Kurtzke Expanded Disability Status Scale (EDSS) and a composite outcome of non-physician-based measures of time to ambulate 25 feet (TA) and manual dexterity (the Box and Block Test [BBT], and 9-Hole Peg Test [9HPT]) to discriminate treatment effects in the Phase III study of interferon beta-1a. A log-rank comparison of Kaplan-Meier curves by treatment group showed the non-physicianbased composite of BBT, 9HPT, and TA was of comparable sensitivity (P=0.013) in discriminating sustained treatment failure as the EDSS alone (P=0.029). The composite of BBT, 9HPT, TA, and EDSS was more sensitive (P=0.009) in discriminating sustained treatment failure than the EDSS alone. Compositive outcomes of the EDSS and non-physician-based measures of manual dexterity and timed ambulation provide an appealing strategy to reduce the number of patients required to discriminate treatment effects in MS clinical trials.

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Ripke, Juliana. "Villa-Lobos e Tom Jobim". Revista da Tulha 4, n.º 1 (13 de septiembre de 2018): 35–68. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2447-7117.rt.2018.148725.

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Resumen

A influência de Heitor Villa-Lobos (1887-1959) em compositores de música popular brasileira, especialmente Antonio Carlos Jobim (1927-1994), é algo já bastante comentado, tornando-se praticamente um senso-comum. Apesar disso não encontramos, ainda, trabalhos de análise voltados de forma aprofundada para esta comparação entre obras dos dois compositores, além de outros aspectos. Desta forma, abordaremos alguns diferentes aspectos a respeito de possíveis análises sobre a influência de um sobre o outro, e vice-versa. A primeira parte deste artigo pretende discutir, então, a respeito das conexões entre Villa-Lobos e Tom Jobim a partir do conceito de influência, sob dois aspectos diferentes. O primeiro é a partir de reflexões sobre a influência que Tom Jobim sofreu de Villa-Lobos, seja mediante depoimentos feitos pelo próprio Jobim – ou por amigos e colegas músicos que possuíram alguma ligação com o compositor–, seja por meio de estudos analíticos feitos por estudiosos acadêmicos de Villa-Lobos e Tom Jobim. O segundo consiste em comentar de que modo a obra de Villa-Lobos tem sido lida nas últimas décadas como tendo um viés de música popular (com uma influência diacrônica de Jobim sobre Villa-Lobos), mudando a forma de recepção e de apropriação da obra (e mesmo da imagem) de Villa-Lobos. A segunda parte do artigo traz algumas análises comparativas entre trechos de determinadas obras dos dois compositores, empregando ferramentas analíticas como a teoria dos conjuntos e a teoria neoriemanniana.

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Monzón, Noelia Lorenta. "María Rodrigo ante los espejos de la crítica madrileña (1915-1917)". Cuadernos de Música Iberoamericana 34 (17 de septiembre de 2021): 125–46. http://dx.doi.org/10.5209/cmib.73800.

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Resumen

El año 1915 supuso un punto de inflexión en el desarrollo de la cultura musical española debido, entre otras circunstancias, al retorno a España de los compositores que en aquel momento completaban su formación en diferentes países europeos. María Rodrigo (1888-1967) fue una de ellas y, desde entonces, su nombre irrumpió en la prensa musical española. A partir de las fuentes hemerográficas, en este artículo se pretende analizar no solo el discurso de la crítica ante los primeros estrenos de María Rodrigo en Madrid, sino también las estrategias llevadas a cabo por la propia compositora para adentrarse en un mundo dominado por los hombres, no sin antes valorar los antecedentes que la permitieron ocupar esos espacios musicales.

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Tugny, Rosângela Pereira de. "Agência dos objetos sonoros". Per Musi, n.º 31 (junio de 2015): 322–44. http://dx.doi.org/10.1590/permusi2015a3117.

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Resumen

Este texto busca se aproximar do discurso de especialistas ameríndios sobre a origem não autoral de suas músicas, onde a escuta ocupa a função de produção. Busca também compreender as limitações dos artistas ocidentais quando tentam colaborar com as formas de trabalho acústico operantes entre estes coletivos. À luz de reflexões de Bruno Latour e Jacques Rancière em torno de temas relacionados às políticas da estética, às noções de "produção" e às fissuras construídas pelas sociedades modernas entre noções de natureza e cultura, é revisitado o percurso singular do compositor francês Pierre Boulez, como forma de problematizar um encontro da produção artística musical dos círculos de compositores de salas de concerto com as cosmossonologias ameríndias.

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Williams, Katherine y Fausto Borém. ""Duke Ellington está deserdando o jazz?": eruditização da improvisação em Diminuendo and crescendo in blue". Per Musi, n.º 29 (junio de 2014): 07–14. http://dx.doi.org/10.1590/s1517-75992014000100002.

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Desde o início de sua carreira como compositor e líder de orquestra de jazz nos anos de 1920, Duke Ellington tem sido comparado a compositores eruditos europeus como Delius e Debussy. Declarações como a de Constant LAMBERT (1934), de que Duke Ellington estabeleceu "um padrão pelo qual podemos julgar. . .compositores eruditos" se concentraram em procedimentos composicionais complexos de sua obra. Seguindo outra direção, o presente estudo examina a interseção entre os estilos erudito e jazzístico, por meio da análise de seções tipicamente improvisadas de Ellington. O desenvolvimento do solo improvisado de saxofone barítono, materiais improvisatórios no Interlúdio e o papel do piano de Duke Ellington em três gravações - de 1937, 1953 e 1956 (ELLINGTON, 1937, 1953, 1956), - de Diminuendo and crescendo in blue (1937) indicam o estabelecimento de solos fixos no repertório de sua orquestra. O grau de elaboração composicional aí implícito sugere outras implicações. A análise minuciosa das gravações e a verificação de críticas contemporâneas de Ellington e de fontes acadêmicas posteriores (especialmente a de Bruno NETTL, 1974) permitem avaliar as implicações da predeterminação sugerida pelo tratamento que Duke Ellington deu à improvisação neste período.

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Bastos, Celsa y Eduardo Lopes. "PRINCÍPIOS DA IDENTIDADE E DA HARMONIA IDIOMÁTICA DE ANTONIO CARLOS JOBIM". ERAS | European Review of Artistic Studies 11, n.º 3 (30 de septiembre de 2020): 3–28. http://dx.doi.org/10.37334/eras.v11i3.68.

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Este artigo tem como objetivo demonstrar que os processos de cifragem utilizados pelo compositor brasileiro Antonio Carlos Jobim (Tom Jobim) estavam muitas vezes ligados à sonoridade almejada por ele e não apenas à facilitação de leitura para os intérpretes, apontando assim questões de uma identidade pessoal artística. Acreditamos que tal abordagem, no que concerne à harmonia, pode contribuir para futuras investigações, bem como para uma melhor compreensão da obra e do processo criativo desse que foi um dos mais importantes compositores de música popular do século XX. Os exemplos foram extraídos das canções Corcovado (Tom Jobim), Por toda a minha vida (Tom Jobim e Vinicius de Moraes), Por causa de você (Tom Jobim e Dolores Duran), Dindi (Tom Jobim e Aloysio de Oliveira), Brigas nunca mais (Tom Jobim e Vinicius de Moraes), Ela é carioca (Tom Jobim e Vinicius de Moraes) e Caminhos cruzados (Tom Jobim e Newton Mendonça), tendo como referência as publicações Songbook Tom Jobim editado por Chediak, e Cancioneiro Jobim, conceibido por Tom e Paulo Jobim, além dos manuscritos e das gravações originais do compositor. No tocante à análise harmónica, os procedimentos e a metodologia têm como referência a cifragem analítica adotada por Guest.

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Yuan, Quan, Wang Qun, Zhi Xue Qu, Zi Xin Gu y Tong Wu. "Preparation and Electromagnetic Properties of Manganese Zinc Ferrite/Barium Ferrite Composite Materials". Key Engineering Materials 519 (julio de 2012): 215–19. http://dx.doi.org/10.4028/www.scientific.net/kem.519.215.

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Resumen

Abstract: Manganese zinc ferrite/barium ferrite composite materials were prepared with various content of Z type barium ferrite (0, 10, 20 wt%) using solid state reaction method. The effect of the compositon on the microstructure and electromagnetic properties of the composites are investigated by means of X-ray diffraction, scanning electron microscope and impedance analyzer. The X-ray diffraction patterns reveal that W phase of barium ferrite instead of Z phase appears in the composite sintered as well as the spinel phase. Some small hexagonal grains were observed in the SEM images and the proportion increases with increasing content of barium ferrite. The cut-off frequencies of the composite systematically shift towards high frequency from 2.5 MHz to 32.6 MHz which is attributed to the increasing of W phase. The composites show a higher frequency for the maximum of the impedance as well as a higher value of the impedance at certain frequency which may be benefit for the application at GHz frequency range.

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