Tesis sobre el tema "Bretagne dans l'art"

Le jardin en tant qu'art a ete au xixe siecle le lieu de la realisation d'un coloris specifique, ideal, qui peut etre considere comme un objet de connaissance a partir duquel nous pouvons entrevoir la pratique d'une science du coloris. Cette derniere nous a permis de mettre en evidence des antagonismes entre les deductions des theories des couleurs et les regles du coloris. L'homogeneite obtenue par la mise en coordonnees des couleurs bute contre les limites des domaines heterogenes definis par les peintres. Cette science du coloris distingue les combinaisons de couleurs (conventions resultant du developpement d'une logique formelle, presupposant une conception reductionniste du reel et une representation statique de la memoire comme stockage referentiel) des schemes du coloris (motifs et climax se referant a une conception integrationniste du reel, a une image dynamique de la memoire comme processus). Considerant que l'art des jardins ne peut pas se reduire a une application, cette science met en evidence les limites des developpements logiques.

La présente thèse étudie la manière dont la lumière est abordée et représentée dans une sélection de peintures du long siècle des Lumières, en relation avec l’épistémologie de l’époque, ainsi que l’appropriation technique et ludique de l’éclairage. Dans un contexte empiriste, l’observation savante du ciel remplaça dans une certaine mesure le ciel théologique. Vaste toile blanche s’offrant au regard, nos peintres de paysage (Towne, Cotman, Gainsborough, Constable, Cox) y puisèrent leur palette et leur schème pictural, le nuage, paradigme empirique, désignation et perturbation de l’espace et de la figuration. Parallèlement, l’avènement de l’éclairage artificiel public et scénique encouragea une peinture prométhéenne (Wright of Derby, Martin, Loutherbourg), gagnée par les ombres des Lumières, qui en fournirent l’inspiration, le dessin et le fond. Turner, quant à lui, s’employa plus frontalement à tenter de figurer l’apparaître lumineux, la manifestation du visuel plus que du visible : comment résoudre l’aporie de la lumière, qui préside au visible, mais ne peut être vue ?
The present work studies the way light is tackled and pictured in a selection of paintings of the Enlightenment period, in relation to the epistemology of the time, together with the technical and theatrical appropriation of lighting. In the empirical context of the Enlightening, scientific observation of the sky somewhat replaced the theological heavens. Our landscape painters (Towne, Cotman, Gainsborough, Constable, Cox) drew their palette from this was blank canvas, as well as their pictorial scheme- the cloud : an empirical trope, both denoting and disturbing space and representation. In parallel, the advent of artificial public and theatrical lighting encouraged a Promothean type of painting (Wright of Derby, Martin, Loutherbourg), one that was encroached on by the shadows of the Enlightening, which provided its inspiration, design, background and substance. As for Turner, he strove to represent light more frontally, and render visuality rather than visibility : how could the aporia of light be solved, in so far as light rules over what can be see, and yet cannot itself be seen ?

De la conquête de Hastings au début de la guerre de Cent Ans, le souverain anglais s'affirme de manière décisive au sein d'un Occident chrétien qui connaît dans le même temps un profond rééquilibrage des pouvoirs. Si les textes permettent de suivre cette affirmation progressive à l'égard de l'Eglise, des grands vassaux et des princes étrangers, l'investigation des images et, dans une certaine mesure, des édifices également n'apparaît pas moins nécessaire. Elle est, en effet, utilisée par les souverains comme une manifestation immédiate et tangible de leur pouvoir, et pour en laisser également une trace persistante. L'analyse des divers supports artistiques qu'offre alors le milieu anglais permet d'envisager aussi les éléments mis en place par les opposants pour contrer cette magnification et le perpétuel réajustement de l'image royale grâce aux données traditionnelles, historiques ou légendaires ; la comparaison avec les procédés du même ordre mis en oeuvre par d'autres puissants princes de l'époque autorise, en outre, une meilleure définition du phénomène anglais. Cette étude vise donc à dégager les éléments privilégiés par les acteurs eux-mêmes dans la mise en place d'une idéologie monarchique et à suivre l'évolution de la notion même de royauté
Starting from the conquest of Hastings up to the start of the Hundred Years' War, the english king asserted his authority in a decisive manner within the christianized West, which at the same time was experiencing a significant upheaval and rebalancing between the various powers. Historical texts enable us to confirm this progression in front of the church, the major vassal powers, including foreign dignities. Netherless, it is important not to underestimate the use of images and edifices which contributed to this process. They were used as an immediate and tangible demonstration of regal power as well as leaving a permanent trace of their presence. The study of documentation from diverse artistic sources dating from english society during this period, notably coming from traditional, historie and legendary data, shows us elements set up by oponents in order to counteract this magnification of the king and thus creating a perpetual readjustement of the royal image ; by comparing similiar behaviour relating to other powerful princes living during the same time period, we are able to gain a clearer definition of the english phenomena. This study aims to distinguish between the methods used by the players in order to embelish their image, thus creating a monarchie ideôlogy, and rather to follow the progressive development of kingship

La @statuaire publique représente un patrimoine artistique considérable longtemps délaissé par l'histoire de l'art. En Bretagne, cent dix-neuf monuments dédiés aux grands hommes sont érigés entre 1685 et 1945. Aux premières commandes royales succèdent des initiatives municipales voire d'origines privées qui dans le choix des artistes et les modes de financement soulignent une pratique de plus en plus démocratique. A la fin du XIXe siècle, la statuomanie inspirée des idéaux égalitaires de la Révolution accompagne la propagande républicaine. En Bretagne, elle connaît une progression plutôt lente jusqu'au second Empire et atteint son âge d'or sous la troisième République malgré quelques réticences légitimistes et religieuses. Les sculpteurs sont tous issus de l'Académie des Beaux-Arts de Paris. Leur production, inspirée par l'œuvre de David d'Angers, demeure longtemps conventionnelle ; mais au début des années 1920, le réveil d'une culture régionaliste donne un second souffle à leur art
The @public statutory represents a large artistic patrimony forsaken for a long time by history of art. In Brittany, on hundred and nineteen monuments have been erected to great men between 1685 and 1945. Initiatives from local councils or private commissions succeed to royal orders. They set up more democratic practices in the choice of the sculptors and the financings. In the end of the ninetenth century, the statue-mania, inspired by the egalitarian ideals of the Revolution, follows republican propaganda. In Brittany, its growth is rather slow til the Second Empire and reaches its golden age during the Third Republic in spite of some legitimist and religious oppositions. All sculptors come from Paris Academy of Art and produce conventional works inspired by David d'Angers. But in the early twenties, the emergence of regional culture give a new inspiration to this sculpture

Plus d'un siècle après la fin de l'époque victorienne, il est possible de poser un regard neuf sur l'iconographie féminine des arts britanniques de cette période en observant les représentations mariales qui y font éclosion. Le retour de la figure de la Vierge Marie en Angleterre est le fruit d'une problématique artistique, morale, sociale et historico-religieuse, que cette thèse s'efforce d’analyser. Elle s'attache à comprendre et à démontrer pourquoi et comment ce pays est passé de la quasi-inexistence, sinon d'une résistance à cette représentation en raison du contexte politico-religieux propre à la Grande-Bretagne, à une acceptation de celle-ci au cours du XIXe, siècle de l’éclectisme et de l’internationalisation. Cette thèse a pour ambition de défendre l'idée d'une Madone anglaise, méconnue mais réelle, en visant à établir le fait du revival marial au sein de la géographie culturelle britannique. Elle examine à ce dessein l'influence de la Royal Academy, de l'Oxford Movement, du Catholic Revival, du Grand Tour, du Romantisme, du Gothic Revival, du mouvement Nazaréen, du mouvement Préraphaélite, de l’Orientalisme, de l’Aestheticism, du Symbolisme. Sont pris en considération les arts les plus divers : peinture, sculpture, architecture, musique, vitrail, gravure, art du livre, poésie, orfèvrerie, littérature, textile ou photographie. Ces représentations hétérodoxes s’entremêlent avec celles de la reine Victoria et celles de la femme anglaise, en offrant un phénomène unique de sacralisation iconographique, à savoir le culte des « Madones laïques » par le biais d’images d'inspiration explicitement mariale ou implicitement sacrée
Well over a century after the end of the Victorian era, one can still attract a new perspective on the iconography of female British art of this period by observing the representations of Marian resurgence. The return of the Virgin Mary figure in England appears to be problematic in many aspects - artistic, moral, social, historic and religious - which this thesis attempts to analyze. This thesis also seeks to understand and demonstrate how and why this country, in light of the fierce resistance of such representation once distinctive of the political and religious view in Britain, has shifted from an almost non-existent stance of such movement into its acceptance in a nineteen century of eclecticism and internationalism. Moreover, this thesis aims on one hand to defend the idea of an unfamiliar but genuine "English Madonna" and on the other hand to further establish the very fact of Marian resurgence in British cultural and geographical milieu. Likewise, this thesis will examine the influence of the Royal Academy of Arts, the Oxford Movement, the Catholic Revival, the Grand Tour, Romanticism, the Gothic Revival, Nazarene and Pre-Raphaelite movement, Orientalism, Aestheticism and Symbolism. Herewith, the following diverse arts are taken into consideration: painting, sculpture, architecture, music, stained glass, engraving, book art, poetry, jewelry, literature, textiles and photography. These unorthodox representations intermingle with those of Queen Victoria and those of the English woman, offering a unique phenomenon of a sacred iconography, namely the worship of "Madonnas secular" through an explicitly Marian or implicitly sacred inspirational image

Entre 1840 et 1870, la fée, longtemps bannie du territoire britannique, s'impose dans bien des domaines, notamment dans le conte et dans la peinture. La plupart des grands romanciers victoriens, comme Charles Dickens, William M. Thackeray, ou encore John Ruskin, publient des contes de fées. Le motif de la renaissance, voire de la naissance paraît commun à de nombreuses œuvres. Cette étude comparative a pour but d'expliquer les modalités de ce retour féerique, plus tardif que dans les autres pays, néanmoins si caractéristique de la culture britannique. Cette thèse vise à mettre en lumière toute l'originalité d'une telle renaissance qui semble marquée par un paradoxe : d'une part, la féerie victorienne évoque avec nostalgie un âge d'or perdu, rural et pré-industriel, et dans le même temps, elle se nourrit des multiples découvertes scientifiques de l'époque, comme la biochimie, la géologie, la médecine, la botanique ou encore l'entomologie. Loin d'être coupée du monde dans lequel elle émerge, la féerie s'en inspire et s'en rapproche plus que jamais, comme si elle était devenue le dernier domaine pouvant encore échapper aux équations scientifiques. Le conte est souvent intimement lié à la peinture; nombreux sont les peintres qui s'inspirent de l'œuvre de Shakespeare. Parallèlement, les contes présentent une véritable dimension picturale. La représentation de la fée oscille entre visibilité et invisibilité, lisibilité et illisibilité, lui permettant de s'adresser à plusieurs types de lecteurs ou de spectateurs, parfois aux frontières de l'érotisme
Between 1840 and 1870, the fairy, long banished from Britain, exerted itself in a number of fields, notably in tales and in paintings. The majority of the great Victorian novelists, such as Charles Dickens, William. M. Thackeray and John Ruskin published fairytales. The motif of the renaissance, that of revival or even birth, appears in numerous works featuring fairy themes. This comparative study aims to explain the modalities of the return of the fairy, which occurred much later than in other countries, but is nonetheless characteristic of British culture. This thesis seeks to bring to light the originality of a renaissance that seems paradoxical. On the one hand, the Victorian fairy nostalgically evoked a lost golden age, both rural and pre-industrial; on the other hand, it was nourished by numerous scientific discoveries of the period, such as in biology, geology, medicine, botany and entomology. Far from being cut-off from the world in which it emerged, the fairy is inspired and has never been closer to it, now providing a final bastion that refuses to yield to the power of scientific equations. Text and image are intimately linked in this field. Numerous artists were inspired by the work of Shakespeare and, similarly, fairy tales exhibit a pictorial dimension. The representation of the fairy oscillates between visibility and invisibility, the legibility and illegibility, enabling it to address several types of readers or viewers, often at the frontier of eroticism

Cette thèse se propose d'étudier divers aspects de la personnification de la mort en Bretagne (l'Ankou). Elle s'intéresse aux figures de la religion celtique et de la littérature arthurienne qui pourraient constituer les ancêtres de ce personnage. Elle montre aussi l'influence qu'a eu le thème du macabre dans l'Occident de la fin du Moyen Age sur la culture lettrée de la Haute Bretagne, zone de contact et d'échanges qui a influé sur les représentations de la Mort bretonne (livres d'Heures, œuvre de Jean Meschinot). La Mort est personnifiée dans les œuvres religieuses : dans les tableaux de mission, sur les statues des monuments cultuels, dans les cantiques. Elle l'est aussi dans la littérature de langue bretonne, dès la période du moyen-breton. Elle l'est encore - et c'est l'objet de l'étude des troisième et quatrième parties - dans le théâtre populaire breton ainsi que dans les contes populaires. Chaque style littéraire a engendré sa propre figure du personnage. La Mort a autant de facettes qu'il y a d'oeuvres dont elle est le sujet
This thesis is a study of different aspects of the personnification of death in Brittany (l'Ankou). It looks into the the characters of the celtic religion and of the Arthurian literature that could represent its ancestors. It also shows the influence that the theme of the gruesome within the Occident during the end of the Middle Age had on written culture in East Brittany, the area of contact and exchange that influenced the representations of death in Brittany. Death gets personnified in religious works : in missionary paintings, on cult statues and in canticles. It is also found within literature in breton language, as early as the time of middle-breton. Futhermore, it is found in breton popular drama, as well as in popular tales (third and fourth parts). Each literature style has cared personality of its own out the character. Death has as many features as there are works that feature it

Le corpus d’autoportraits photographiques allant des années 1970 aux années 2010 permet de constater trois invariants dans la façon dont les artistes se présentent : la mascarade, la nudité, et la textualité. Chacune de ces thématiques interagit avec les questions plus larges d’intime, d’extime et de politique, car mettre en jeu l’image intime de soi dans son art a souvent pour but d’accentuer ses prises de positions sur le monde. Une partie des artistes obscurcissent leur identité et se représentent dans une mascarade totale ou partielle qui interroge la valeur du masque. Le choix du masque, ainsi que l’espace sensible pour le spectateur entre le visage et le masque, révèlent paradoxalement certains aspects de l’identité, comme Cindy Sherman dont l’apparence reste floue malgré des centaines d’autoportraits mais dont les politiques de réécriture subversive des stéréotypes de représentation sont bien connues. Si la mascarade dans l’autoportrait semble mettre à distance la possibilité même de l’intime, l’autoportrait nu donne l’impression d’une révélation absolue de l’intime, qui devient extime du fait de son partage avec le public et des échanges que ce partage permet. Là encore, l’artiste qui dénude son corps est bien dans l’action politique lorsqu’il met à mal des normes et des tabous sociaux, comme l’interdiction de mettre en images et en mots son désir et sa sexualité. Une profondeur nouvelle dans l’extimisation de l’intime est atteinte lorsque le photographe associe des textes à son autoportrait. Pourtant, les artistes évitent la tautologie, écrivant au contraire en regard de leurs autoportraits des textes qui se les révèlent en se permettant toutes les libertés textuelles, allant de l’autobiographie parfois fictionnelle au poème, du journal intime au manifeste politique. Il s’agit de s’interroger sur le paradoxe de l’art intime : pourquoi se risquer à l’aporie de l’art intime qui se détruit en s’accomplissant lorsque l’artiste se représente justement par ce qui lui est le plus douloureux et le plus secret à partager ? Surmonter la douleur de l’art intime est au cœur de la politique d’une telle démarche
The corpus of photographic self-portraits from the 1970s to the 2010s highlights three invariants in the ways artists present themselves : they use masquerade, nudity or add texts to their self-portraits. Each of these themes interacts with the larger issues of intimacy, extimacy, and politics, as using one’s intimate image in one’s art often emphasizes one’s views on the world. Some artists obfuscate their identity and present themselves in a total or partial masquerade that questions the value of the mask. Its choice, as well as the perceptible space between mask and face, paradoxically reveal aspects of the artist’s identity, as does Cindy Sherman whose appearance is eventually blurred by the hundreds of self-portraits, but whose politics of rewriting society’s representational stereotypes is well-known. If the masquerading self-portrait seems to diffuse the very possibility of intimacy, the nude self-portrait give the impression of a total revelation of intimacy, so much so that it become extimacy when it is shared with the public and allows a conversation to take place. Here too, artists who reveal their own bodies are political, because they refuse social norms and taboos such as the interdiction to picture one’s own desire and sexuality. A new depth in the extimisation of intimacy happens when the photographer associates texts to his self-portraits. However, artists are seldom tautological: on the contrary they reveal themselves through texts that make use of every freedom, from autobiography to fiction and poem, from diary to political manifesto. The point is to question the paradox of intimate art: why risk the aporia of intimate art, which destroys itself to happen when the artist shares his pain and his secret? Overcoming the pain of intimate art is at the heart of the politics of such a process

Cette thèse explore les relations qu'ont pu entretenir l'art poétique de Keats, Tennyson et Rossetti avec l'œuvre visuelle du mouvement préraphaélite. La rencontre entre le texte et l'image est particulièrement fructueuse – poèmes mis en tableaux, ekphrasis poétiques, volume illustré issu de la collaboration des artistes, double pratique artistique chez Rossetti. Cette relation forte s'appuie sur une tradition encore très vivace au dix-neuvième siècle anglais, celle de l'ut pictura poesis. Cette comparaison d'Horace invite à placer peinture et poésie en miroir, chaque œuvre se construisant à l'image de l'autre. Or pour le regard qui doit désormais se confronter à deux formes hétéroclites, dotées de leurs propres codes et modalités d'appréhension, le texte/image peut impliquer une certaine gêne. En cela, devenir lecteur/spectateur, déjà, semble l'expérience d'un dessaisissement. Tenter de maintenir l'unicité et l'unité de chaque œuvre, comme garanties de l'originalité artistique, ne se fait de plus qu'au prix de dédoublements et de miroitements qui interdisent la stabilité de l'interprétation. Si l'on accepte ce dessaisissement, l'élan réciproque du poème au tableau paraît parfois tendre vers, voir se suturer en un espace unique, qui permettrait dès lors une saisie globale, un tissage des formes, une façon de penser les deux moitiés comme indissociables l'une de l'autre. La suturation, brèche et potentielle blessure, doit alors s'envisager comme une entité texte/image dynamique, qui renonce à la fixité par l'ébauche, l'inachèvement, pour nous entraîner vers un espace/temps plus complexe, celui du parcours labyrinthique où le texte/image se fait quête
This dissertation on word and image focuses on the relationship connecting Keats, Tennyson, Rossetti's poetry and Pre-Raphaelite art, be it through visual representations of poems, ekphrastic works, illustrated books, or Rossetti's “double works” of art linking poem and painting. This strong link partly results from the persistence in nineteenth-century England of the powerful tradition of ut pictura poesis, a comparison by Horace which has been used to blend poetry and painting, as if they were mirror images of each other. However, since they remain heterogeneous forms of art, each with its own codes and modes of apprehension, we can wonder whether simultaneous perception may entail no uneasiness. Indeed, being a reader/viewer implies, from the very start, abandoning some habits of perception. Even as we try to maintain the uniqueness of each work of art, doublings, mirroring effects debunk stable interpretation. If we admit this form of amazement implied by word and image, there might be a way of considering them as a whole, each aspiring to find completeness by including the other: only then may they become inseparable “halves”. There still exists a potentially painful interstice between the two that the art of inachievement, through sketches or suspension, sublimates, creating a more complex unity, a dynamic process aiming to grasp both poetry and painting, in which the reader/viewer enters the path of labyrinthine a(maze)ment

Au cours de la période victorienne , la vénération collective d'un enfant idéal est ratifiée et exacerbée par les écrivains et les plasticiens britanniques. L'enfant devient d'une part un sujet de représentation récurrent dans la fiction, la poésie et les arts plastiques, d'autre part le destinataire d'une littérature et d'une iconographie pour la jeunesse. Nous avons repéré, à travers un ensemble de documents textuels et iconographiques, les archétypes dominants d'une représentation adulte de l'enfance, que nous avons pris soin de replacer dans leur contexte social et culturel : l'enfant-ange, la victime, le mystique de la nature, le visionnaire. Nous avons également étudié en tant que genre spécifique la littérature de jeunesse, ce qui nous a amenée à constater une évolution de l'image de l'enfant vers davantage d'authenticité.

Le but de cette these est d'etudier les differentes perceptions du paysage pyreneen dans les oeuvres d'ecrivains et d'artistes britanniques du dix-neuvieme siecle. La representation du paysage pyreneen est analysee dans un certain nombre de recits de voyages, de romans et de nouvelles, de poemes, ainsi que dans des tableaux et des gravures. Une premiere partie est consacree a l'influence des references culturelles et des souvenirs britanniques sur la perception du paysage par le voyageur. Une analyse de la decouverte fragmentaire du paysage naturel conduit ensuite a une etude de l'utilisation du monde vegetal et du monde animal dans la representation esthetique des pyrenees. La troisieme partie s'attache a demontrer l'importance de l'observation du monde humain dans la decouverte du paysage. Allant du regard esthetique et historique porte sur l'architecture au regard ethnologique porte sur l'homme, cette partie veut demontrer l'interet des voyageurs britanniques pour la vie locale et leur approfondissement du paysage dans le regard porte sur l'homme. Un dernier chapitre etudie dans cette partie le lien entre le paysage et la langue. Le role du paysage dans sa relation a l'ecriture est aussi analyse et fait l'objet d'une quatrieme partie dans laquelle sont etudies le roman "gothique" ainsi qu'un certain nombre d'autres oeuvres de fiction, d'oeuvres poetiques ou autobiographiques. Dans la derniere partie de cette these, est etudiee la revelation et spirituelle du paysage telle qu'elle est percue par les voyageurs britanniques. Le regard religieux et l'attitude du voyageur devant les montagnes sont analyses dans cette partie ainsi que la quete du montagnard
The aim of this thesis is the study of the pyrenean landscape as seen by british artists pyrenean landscape are analysed in travel books, novels, short stories, poems as well as paintings and engravings. The first part deals with the influence of cultural references on the travellers' perception of the pyrenean landscape. In the second part, the role of the gradual identification of the vegetable and animal worlds and their function in the aesthetic representation of the pyrenees are exposed. The third part is devoted to the discovery of the pyrenean landscape through the observation of the human world. From the aesthetic and historical observation of architecture to the ethnological perception of pyrenean life, those chapters illustrate the role of the human world in the perception of the landscape. And the link between the landscape and language is analysed at the end of this part. In the fourth part of this thesis, the role of the landscape in poetry and fiction, particularly in gothic novels, is analysed. One chapter explains how some of these writers have used the pyrenean landscape in the structure of their works. Finally the last part deals with the spiritual revelation of the pyrenean landscape for those travellers. The traveller's attitude in front of the mountain, the religious perception of the landscape as well as the mountain-climber's quest are analysed in that part

L'effervescence contestataire des années 90 s'accompagne, en France comme dans d'autres pays européens, de la réactivation d'une forme originale de l'engagement politique basée sur l'intervention artistique. La participation d'artistes avec leurs outils propres exacerbe les dimensions esthétiques de la mobilisation et révèle les enjeux contemporains de la démocratisation de l'art ainsi que le rôle de l'environnement urbain dans l'action collective. La recherche interroge ce phénomène dans ses dimensions artistiques, politiques et urbaines et leurs interactions à partir d'un travail de terrain investissant quatre collectifs d'artistes-activistes à Paris et à Londres. L'étude de collectifs hybrides permet de saisir les modes de mobilisation, de participation et d'organisation qui actualisent à la fois les pratiques militantes et artistiques
The protest movements of the 90s comes along, in France as in other European countries, of the reactication of an original form of the political commitment based on the artistic intervention. The participation of artists highlights the aesthetic dimensions of the mobilization and reveals the contemporary stakes in the democratization of the art as well as the role of the urban environment in the collective action. The research interrogates this phenomenom in its artistic, political and urban dimensions and their interactions from an ethnographical work about four groups of activist artists in Paris and in London. The study of hybrid groups allows to understand the modes of mobilization , participation and organization which update the militant and artistic practices

Constatant à la fois l'omniprésence de l'arbre dans la peinture de portrait britannique du dix-huitième siècle, et l'importance de l'arbre dans la culture et la société britanniques en général à la même époque, cette thèse pose la question du lien entre les deux phénomènes. Les portraits avec arbres sont replacés dans leur double contexte : la peinture de portrait et la place de l'arbre dans la société, l'économie, la culture et l'imaginaire. Puis, la thèse examine les diverses manières de représenter l'arbre. Les formules stéréotypées montrent que l'arbre est un élément clé d'une mise en scène culturelle, sociale et économique de l'individu et de la famille. On remarque ensuite que l'arbre est au cœur de plusieurs mythes constitutifs de l'imaginaire britannique. Ceux-ci ont un impact certain sur la peinture de portrait, dans le cadre d'une définition politique des modèles. Enfin, on s'intéresse à l'esthétique de l'arbre, indissociable du contexte scientifique et philosophique de l'époque. L'apparence de l'arbre dans le portrait dépend entièrement de la manière d'envisager l'identité du modèle et la nature profonde de la représentation picturale
Trees often appear in the backgrounds of British portraits from 1709 to 1792. At the same time, they come under unprecedented scrutiny in economic, social, patriotic, political, artistic and scientific discourse. This research explores the specificity of the representation of trees in British portraits of the eighteenth century by establishing a link between the texts and the images of the period. Trees are undeniably considered as key elements in a representational process that aims primarily at staging cultural, social and economic identity by stressing values shared by many members of the 'polite classes'. Moreover, trees are at the heart of several myths that contribute to a new definition of national and political identity and this too impacts on portraits. Ultimately, however, the representation and physical aspect of trees also depend on individual interest in the scientific, philosophical or artistic theories of the time, and on the way the artist or the sitter understands the depiction of identity through art and the very nature of a work of art

Mathurin Méheut débute sa carrière en illustrant des articles pour des revues et acquiert une renommée nationale en exposant en 1913, ses cinq expositions seront toutes remarquées par le grand public. Dans ses oeuvres, il valorise la spontanéité des animaux, la beauté de la flore et surtout les métiers et les traditions de sa province natale, la Bretagne qui constitue son sujet favori. Il peindra aussi les paysans du midi, des landes et des scènes nippones et grecques. Meheut est aussi décorateur. Il a collabore a la manufacture nationale de Sèvres et à la faïencerie Henriot de Quimper; ses faïences représentent le plus souvent des animaux marins et des scènes bretonnes. Meheut a participé à la décoration de plusieurs paquebots. Enfin, son oeuvre est aujourd'hui connue grâce à ses 40 livres illustres sur la mer, la faune et les métiers
Mathurin Méheut begins his career to illustrate articles in magazines and acquires national famous to exhibit in 1913, his five exhibitions will all notice by the general public. In his paintings, he sets off the animal's spontaneity, the beauty of the flora and above all artisans and traditions of his native country, Brittany which is his favourite subject. He paint too countrymen of south and south-west of France, Japan and Greece. Meheut is also decorator. He's collaborated with the national factory of Sevres and Henriot factory of Quimper; his crockerys often picture sea fauna and Brittany life. He's also taken a part in decoration of several steamers lines. At least, his arts works is known by his 40 illustrated books about the sea, the fauna and the craftsmen

Bien que peu connue, la collection Watson-Taylor fut indiscutablement l’une des plus importantes des années 1820 en Angleterre. Elle se distingue par la personnalité particulière de son inventeur qui réunit entre 1803 et 1821 une collection prestigieuse digne des grands ensembles aristocratiques. Cependant, la fortune de George Watson-Taylor reposant sur le marché du sucre de canne aux Antilles, instable et en déclin, il subit un revers de fortune en 1832 l’obligeant à vendre tous ses biens. Il acquit près de trois cent vingt tableaux parmi lesquels de nombreux chefs-d’œuvre aujourd’hui conservés dans les musées du monde entier. La recherche sur cette collection et ce personnage interroge de nombreux aspects de l’histoire de l’art et des collections à cette période charnière, notamment la question de la spéculation, du connoisseurship, du marché de l’art, du rôle du mécénat dans l’affirmation de l’école britannique de peinture dans son pays et à l’international. Elle s’intéresse également au mouvement historiciste de cette époque encore empreinte de la pensée et de l’esthétique romantique, mais aussi aux questions identitaires propres à l’émergence de nouvelles élites. Autant de sujets liés à un contexte très riche mêlant patriotisme, débat sur l’abolition de l’esclavage et réforme de la vie politique. Elle ouvre une nouvelle fenêtre sur le passage d’un collectionnisme d’Ancien Régime hérité du Grand Tour à un collectionnisme victorien davantage tourné vers l’art national et contemporain. Cette thèse a pour but d’analyser une collection célébrée puis oubliée et de déterminer sa place dans l’histoire du goût et des collections en l’Angleterre à la fin de la période Regency
Even if it isn’t well-known nowadays, the Watson-Taylor collection was indisputably one of the most important collections of the 1820s in Great Britain. It distinguished itself by the distinctive personality of its founder who assembled between 1803 and 1821 a collection as prestigious as great aristocratic ones. However, George Watson-Taylor’s wealth resting on the instable and declining West Indian sugar market, he suffered a reversal of fortune in 1832, forcing him to sell all his properties. He acquired nearly three hundred and twenty paintings including many masterpieces now exhibited in museums all over the world. Research on these collection and figure questions many aspects of the history of art and collections at this pivotal period, in particular issues like speculation, connoisseurship, art market, the role of patronage in the recognition of the British school of painting in its own country and internationally. It also treats of the historicist movement, still tinged with Romantic thought and aesthetic in that period, and of the identity issues related to the emergence of new elites. Many topics linked to a very rich context involving patriotism, debate about the abolition of slavery and political reform. It provides new information about the passage between the ways of collecting inherited from the Grand Tour, and the Victorian ones more focused on national and contemporary art. This doctoral thesis aims to analyze a celebrated then forgotten collection and to determine its place in the history of taste and collecting in Great Britain at the end of the Regency era

Jusqu’à la seconde moitié du XVIIIe siècle, les territoires montagneux de Grande-Bretagne sont inconnus pour la majorité de la population. Pourtant, les territoires du Lake District en Angleterre, du Snowdonia au pays du Galles et des Highlands d’Écosse font partie de l’essor de la peinture de paysage en Grande-Bretagne entre les XVIIIe et XIXe siècles. L’observation des artistes portée aux montagnes du nord profite à l’imagination à travers deux notions majeures : la beauté pittoresque et le sublime. En effet, la promenade dans le jardin anglais s’ouvre au Home Tour en terres montagneuses. D’une immensité suscitant la terreur en souvenir du Déluge, la montagne en tant que symbole de l’insularité fait appel au réenchantement grâce au travail des artistes, des poètes et des voyageurs. Les aquarellistes observent les montagnes britanniques et font de ces territoires des ateliers en plein air. Cependant les vues héritées de la topographie poussent à une reconstruction de la composition où les montagnes deviennent de plus en plus présentes dans les arts visuels jusqu’à engendrer un chaos synonyme de l’union romantique. Depuis la fin du XVIIIe siècle, les territoires montagneux de Grande-Bretagne nourrissent le mythe du caractère britannique (Britishness). Les montagnes deviennent ainsi le symbole de l’origine développé en parallèle de la modernité industrielle. La pacification des Highlands à partir de 1747 encourage l’étude des vestiges du passé où les montagnes sont les ruines naturelles. Cette recherche de l’origine incite aussi à partir des années 1820-1830 le développement des identités nationales en Écosse et au pays de Galles au sein de la Grande-Bretagne. Ces identités tentent de mettre fin à l’anglicisation en revendiquant leurs spécificités culturelles et se réapproprient la montagne en tant que symbole national
Until the 18th century, mountainous scenery in Britain was unknown to most of the inhabitants, and it was regarded as wild and gloomy. However, places such as the English Lake District, the Welsh Snowdonia and the Scottish Highlands were instrumental in the development of the art of landscape painting in Britain between the 18th and 19th centuries. Artists’ observation of the northern mountains captured the imagination through two major notions : the picturesque beauty and the sublime. Indeed, walking in English gardens lead to the Home Tour in mountainous lands. From a gloomy natural form following the Flood, the mountain became a symbol of insularity. This called for a re-enchantment through paintings and poetry, and then the mountain was allowed its glory. Watercolourists drew the mountains from Britain and turned them into a studio en plein-air. Thus, topography views led to a new artistic composition, where mountains became more and more painted in visual arts until the creation of a chaos synonymous with Romanticism. In the second half of the 18th century, these mountainous territories took part in the myth of Britishness. They became a symbol of origin, developing along with industrial modernity. The pacification of the Highlands from 1747 encouraged studies on the primitive past, where the northern mountains were natural ruins. In 1820-1830, the quest for origin also implemented the rise of national identities in Scotland and Wales upon British soil. These identities attempted to put an end to Anglicisation by claiming their own cultural specificities and reclaiming the mountain as their national symbol

A travers l’évolution du costume de scène et de sa représentation dans les arts graphiques, la thèse explore les éclairages croisés que jettent l’un sur l’autre le développement du costume de scène historique et la construction d’une pensée et d’une culture historique en Grande-Bretagne, entre 1776 et 1834. L'histoire du costume de scène historique, avant les mises en scène érudites du milieu du XIXème siècle, est généralement évoquée en termes de costumes "Van Dyck" stéréotypés. C'est pourtant dans la deuxième moitié du XVIIIème siècle que se développent l'engouement pour l’étude des antiquités et pour les collections de portraits gravés, l'esthétique du pittoresque et celle du néo-gothique. La période se caractérise également par le succès des romans historiques et le désir général de la part du public d'en savoir plus sur les coutumes – et les costumes – du passé. Cette analyse interdisciplinaire replace le costume de scène dans le contexte plus large de la culture visuelle et historique de la fin du XVIIIème siècle et du début du XIXème. L’étude de documents liés aux théâtres londoniens ainsi que de tableaux, gravures, illustrations, spectacles et expositions a permis de montrer que la représentation du costume de scène historique dans les arts visuels reflète de nouvelles manières de concevoir et de représenter l'histoire, profondément marquées par l'intérêt pour la vie quotidienne des époques passées et l'attention portée à la matérialité du costume. Cette thèse suggère que le costume historique au théâtre et sa représentation dans le portrait d'acteur sous ses nombreuses formes (tableaux, estampes, illustrations…) participèrent au processus plus large de définition de l'art et de l'identité britannique dans la période 1776-1834
This thesis explores the relationships between stage costume and British historical culture in the period 1776-1834. Until the painstakingly researched antiquarian stagings of the mid-nineteenth century, the history of historical stage costume has typically been described in terms of a stereotyped ‘Van Dyck dress’. Yet the period witnessed the expansion of antiquarianism and portrait print collecting, the development of the Picturesque and Neo-Gothic aesthetics, the success of historical novels and a general desire to know more about the habits and costumes of the past. This interdisciplinary analysis situates stage costume within the wider visual and historical culture of the late eighteenth and early nineteenth centuries. Drawing on theatrical material related to the London theatres as well as paintings, engravings, book illustrations, shows and exhibitions, this study argues that the representation of historical stage costume in the visual arts reflects new ways of conceiving and depicting history, in which interest in the everyday life of past periods and a focus on the material and the visual were fundamental. This thesis suggests that ht historical costume in the theatre and its representation in theatrical portraiture played a role in a broader process that sought to define British art and identity

Philippe-Jacques de Loutherbourg, né en 1740 et mort en 1812 à Londres, fut un artiste aux nombreuses facettes et aux multiples passions. Peintre de paysage avant tout, il fut également peintre d'histoire, décorateur de théâtre, l'inventeur d'un spectacle qui préfigure les Dioramas, mais également un homme passionné par l'occultisme, qui abandonnera pour un temps la peinture afin de devenir guérisseur. Formé en France par un artiste italien, Francesco Giuseppe Casanova, il débuta sa carrière à Paris avant de s'installer définitivement à Londres et jouit toute sa vie d'une réputation considérable qui disparaîtra cependant rapidement après sa mort. Malgré diverses tentatives de réhabilitation, Loutherbourg est aujourd'hui oublié. La reconstitution de son œuvre peint comme l'établissement d'une biographie précise nous a permis d'estimer plus justement sa place dans l'histoire de la peinture de la seconde moitié du XVIIIe siècle et du début du XXe siècle. En nous interrogeant sur la réception de son œuvre par ses contemporains, sur sa peinture de paysage, son genre de prédilection, et sur sa façon d'appréhender le marché de l'art de son temps, nous avons essayé de mieux cerner cette figure considérée à son époque comme incontournable
Philippe-Jacques de Loutherbourg, born in 1740, died in London in 1812 was a multi-facetted artist with numerous passions. Above all a landscape painter, he was also a history painter, stage designer, inventor of a show that was a precursor of the Dioramas, but also a man who was passionate about the occult who abandoned painting for a time in order to become a healer. Trained in France by an Italian artist, Francesco Giuseppe Casanova, he began his career in Paris before settling permanently in London and all his life had a considerable reputation which disappeared quickly after his death. Despite several attempts at a rehabilitation, Loutherbourg is today forgotten. The reconstitution of his painted output and the establishment of an accurate biography has allowed the author to asses more fairly his place in the history of painting in the second half of the 18th and early 19th centuries. In considering his contemporaries’ attitude to his work, in particular his favourite genre, landscape painting and his approach to the art market of his time, the author has attempted to understand better this individual who in his time was considered to be essential

Le littoral subit de constants changements : son évolution est induite à la fois par des processus biophysiques – houles, tempêtes, courants marins, agents météorologiques –, et par une anthropisation notoire, particulièrement accentuée au cours des derniers siècles. En France, sur les côtes de la Manche, la variété et la richesse des types de côtes ont suscité l’inspiration de nombreux artistes notamment depuis le milieu du 19e siècle. Musées, archives, collections privées, détiennent de précieux témoignages visuels de l’histoire des lieux. Cette thèse vise à mettre en évidence la valeur informative de l’iconographie artistique des rivages à travers l’observation des évolutions géomorphologiques du littoral. La première partie contextualise la démarche générale en exposant un certain nombre de considérations théoriques essentielles au centre desquelles figurent les enjeux d’une géomorphologie moderne, le statut des images en géographie et une rétrospective de l’histoire des représentations picturales du paysage. La seconde partie explore concrètement le potentiel pressenti de l’exploitation des documents artistiques en tant que source d’information à l’échelle des rivages normano-bretons. A partir d’un corpus représentatif restreint d’œuvres d’art, une méthodologie est développée. Enfin, la troisième et dernière partie des travaux présente une application de la méthodologie élaborée dans un contexte précis. Le territoire considéré est celui de la Rance maritime avec pour principale problématique l’identification et l’évaluation des modifications architecturales et sédimentologiques intervenues au niveau du trait de côte et sur l’estran. Les résultats de cette approche sont diffusés au sein d’une interface numérique visant à être consultée, et à terme alimentée, par un large public
The shoreline is submitted to constant changes : its evolution results from both biophysical processes – swells, storms, ocean currents, meteorological factors –, and significant anthropisation, strongly accentuated during the last centuries. In France, on the coast of the Channel, variety and sumptuousness of types of coasts have aroused the inspiration of numerous artists, especially since the middle of the 19th century. Museums, archives, private collections possess precious records of the story of places. This research aims to reveal the informative value of artistic shoreline iconography to observe geomorphological evolutions of the coast. The first part contextualizes the general approach, setting out some essential theoretical considerations centered on modern geomorphology, the status of images in geography and a retrospective of the history of landscape pictorial representations. The second part concretely explores the foreseen potential of using artistic documents as knowledge sources at the scale of the French coasts of the Channel. From a limited corpus of art works, a methodology is developed. Finally, the third and last part of the work presents an application of the developed methodology in a precise context. The territory considered is the Rance estuary, with, as main issue, the identification and evaluation of architectural and sedimentological modifications that occurred in the coastline and foreshore. Results are released through a dedicated Website, which intends to be consulted, and eventually contributed, by a large public

Le vieillissement de la population entraîne de facto un bouleversement de la prise en charge des personnes âgées. Avec le vieillissement vient la dépendance, se pose alors la question de l’offre et de la demande d’hébergement pour les personnes âgées. Ce travail a pour objectif de faire une estimation de la consommation d’hébergement en y incluant l’origine géographique des usagers d’EHPAD et de l’analyser à l’horizon 2040. La Bretagne, cœur de notre démonstration, est particulièrement touchée par ce phénomène de vieillissement : le déficit d’hébergement y est déjà acté à partir de 2020 et cette tendance devrait s’amplifier au cours des années suivantes. Aussi il paraît primordial de construire des bassins gérontologiques avec des données objectives, permettant aux pouvoirs publics de mieux appréhender la planification gérontologique dans les années à venir
The aging of the population is de facto causing a disruption in the care of the elderly. With aging comes dependence, and the question arises of the supply and demand for accommodation for the elderly. The aim of this work is to make an estimate of accommodation consumption by including the geographic origin of nursing home users and to analyze it by 2040. Brittany, the heart of our demonstration, is particularly affected by this aging phenomenon : the lack ofaccommodation has already been noted there since 2020 and this trend is likely to intensify inthe following years. Therefore it seems essential to build gerontological basins with objectivedata, allowing public authorities to better understand gerontological planning for the years to come