Bibliografías temáticas / Artistes de la danse

Índice

  1. Artículos de revistas
  2. Tesis
  3. Libros
  4. Capítulos de libros
  5. Actas de conferencias
  6. Informes

Literatura académica sobre el tema "Artistes de la danse"

Autor: Grafiati
Publicado: 13 de abril de 2024

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Artículos de revistas sobre el tema "Artistes de la danse"

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Frigon, Sylvie. "La danse en prison, une échappée belle hors des murs ?" Criminologie 43, n.º 2 (4 de abril de 2011): 179–97. http://dx.doi.org/10.7202/1001774ar.

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Resumen
Dans cet article, nous examinons l’expérience de la danse en prison en prenant comme cas de figure l’expérience singulière de la compagnie de danse contemporaine parisienne Point Virgule afin de mieux cerner les enjeux de cet art charnel aussi bien pour les personnes incarcérées que pour les artistes. Pour ce faire, nos interrogations sont : quelle est la place de la danse en milieu carcéral dans différents pays ? Qu’est-ce que la danse contemporaine ? Quels sont les enjeux pour les femmes incarcérées et pour les artistes ? Et, finalement, est-ce que la danse en prison peut permettre de renouveler ou de transformer notre regard criminologique ?
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Bourassa, André-Gilles. "Entrée des artistes". Pratiques & travaux, n.º 35 (6 de mayo de 2010): 177–203. http://dx.doi.org/10.7202/041565ar.

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Resumen
« Entrée des artistes » porte sur la venue des premiers professionnels de théâtre. Après la Révolution américaine, des comédiens d’origine britannique et française quittèrent le Congrès pour la Couronne. Leurs efforts furent appuyés par les troupes de tournée du Boston Theatre. La plupart d’entre eux rentrèrent aux États-Unis avant la Guerre de 1812, mais ils furent relayés plus tard par des cirques-théâtres. Certains de ces professionnels contribuèrent à l’intégration d’auteurs et d’artistes locaux et à véhiculer — notamment l’acteur, journaliste et imprimeur William Moore — des valeurs post-colonisales. Ils ont fondé des écoles de danse, de musique et de théâtre.
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Guilbert, Laure, Céline Gauthier y Angela Conquet. "Danser dans un stade. Les chorégraphes aux Jeux de Berlin (1936)". Cahiers de danse N° 1, n.º 2 (20 de octubre de 2023): 10–19. http://dx.doi.org/10.3917/cdd.001a.0010.

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Historienne de la danse, Laure Guilbert explore le pouvoir ambigu des célébrations chorégraphiques durant les Jeux Olympiques de 1936. Dans l’espace vertigineux des stades, les artistes ont composé des danses chorales qui rassemblent des milliers de participants. Si ces œuvres cristallisent les techniques rythmiques et l’idéal esthétique de l’Ausdrucktanz, elles font aussi implacablement écho à la doctrine corporelle du régime fasciste.
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Teatro & Dança, REPERTÓRIO:. "Prise en compte des enjeux esthétiques et de santé en danse contemporaine professionnelle: paroles de chorégraphes, interprètes et répétieurs [Sylvie Fortin]". REPERTÓRIO, n.º 13 (16 de noviembre de 2012): 55. http://dx.doi.org/10.9771/r.v0i13.4014.

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Dans cet article, j’aborde comment la santé est négociée selon plusieurs aspects de la pratique professionnelle de la danse. Alors que plusieurs chorégraphes, en sous-texte de leurs oeuvres, dénoncent des injustices humaines, nous pourrions escompter une considération de la santé et du bien-être des artistes qui donnent corps à ce regard sur le monde. Nos résultats d’entrevues auprès d’une quarantaine de chorégraphes, répétiteurs et interprètes professionnels s’apparentent toutefois à ceux d’autres études en regard de la passion et de la vocation souvent évoquées pour expliquer les atteintes corporelles auxquelles consentent les artistes. Ces derniers sont même parfois fort résistants à de nouvelles façons de penser et de vivre leur art. De nos entrevues est clairement apparu un discours dominant axé sur la préséance de l’oeuvre et le dépassement des limites corporelles. Si la danse contemporaine est née en réaction au codes du ballet, elle continue à perpétuer une culture du silence face aux souffrances physiques et à la détresse psychologique des interprètes.
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Agid, Roméo y Sally Gardner. "Quand la danse interprète les gestes (des) sportifs". Cahiers de danse N° 1, n.º 2 (20 de octubre de 2023): 20–25. http://dx.doi.org/10.3917/cdd.001a.0020.

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D’entrée de jeu, les gestes sportifs et dansés partagent un même lexique et de nombreuses similitudes kinésiques. Pourtant, les artistes puisent régulièrement leur inspiration dans les corps athlétiques pour enrichir leurs œuvres de figures inédites. Du duel au duo, du maillot de sport au costume de scène, Roméo Agid propose quelques pistes pour articuler autrement les performances physiques et chorégraphiques.
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Lapacherie, Jean-Gérard. "Artiste ou artisan ?" Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 7, n.º 1 (2003): 41–57. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2003.1266.

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Dans les années 1920, le linguiste Ferdinand Brunot établit, dans son Histoire de la Langue Française, tome VI, Première partie, 2, l’histoire des deux mots artiste et artisan qui, du XVIe au XVIIIe siècle, ont été employés l’un pour l’autre. Il explique cette concurrence par la variété des significations du nom art et les tentatives faites pour les distinguer par la création au XVIIe siècle d’Académies (de peinture, de danse, de sculpture, d’architecture) où étaient enseignés des arts que l’on a nommés beaux-arts afin de ne plus les confondre avec des métiers moins prestigieux (horlogers, marbriers, etc.). On peut objecter à cette hypothèse que la confusion entre artiste et artisan a perduré jusqu’à la fin du XVIIIe s et qu’il nous arrive d’hésiter aujourd’hui encore quand nous devons qualifier des typographes, des relieurs, des céramistes, des potiers, des joailliers, des tapissiers : artistes ou artisans ? À mon sens, la véritable rupture se produit au XIXe siècle, quand le mot art se charge de nouvelles significations qui ne sont plus liées au “faire” et que, sous l’influence du mot allemand Kunst, il prend le sens de “savoir” ou “mode de révélation des secrets du monde” (fonction que la poésie a longtemps assumée). Dès lors, le statut de l’art et le rôle que les artistes s’attribuent non seulement font évoluer le sens des mots, mais expliquent aussi des évolutions étonnantes dans l’art aux XIXe et XXe siècles.
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Delavaud-Roux, Marie-Hélène. "La Grèce antique connaissait déjà la Break Dance!" Dramaturgias, n.º 7 (4 de julio de 2018): 529–40. http://dx.doi.org/10.26512/dramaturgias.v0i7.9536.

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Si la Break Dance, l'une des nombreuses disciplines du hip hop, est née au début des années 1970, dans le milieu urbain et défavorisé new-yorkais du quartier du Bronx, la Grèce antique connaissait déjà un amateur d'une discipline acrobatique que nous pourrions aujourd'hui qualifier de Break Dance. Ce per- sonnage, nommé Hippocleidès, se produisit dans les années 572-570 av. J.-C.1 à l'occasion d'une réunion organisée par le tyran de Sicyone pour remercier tous les aristocrates qui avaient prétendu à la main de sa fille et choisir son gen- dre. Hippocleidès fit scandale par sa danse, jugée très inconvenante et qui lui fit manquer le mariage escompté. Cette anecdote, rapportée par le célèbre his- torien Hérodote au milieu du Ve siècle av. J.-C., révèle la modernité de la Grèce antique en matière de pratiques orchestiques mais la comparaison ne peut pas être soutenue au-delà d'un certain point et ce pour plusieurs raisons. Hippocleidès, à la différence des premiers artistes de Break Dance, n'émerge pas d'un milieu défavorisé. Il est issu de la noblesse. Son exhibition est une improvisation mais ce n'est pas une danse de rue ou même une danse spécifiquement urbaine. Elle ne reflète en rien une pression sociale. Replaçons cette brillante chorégraphie dans son contexte pour mieux la comprendre. On rappellera qu'elle s'effectue dans le cadre de la préparation d'un mariage fastueux, avec un enjeu politique considérable, puis nous verrons qu'elle devient un prétexte pour écarter Hippocleidès car ce prétendant est incompatible avec la politique matrimoniale du tyran de Sicyone comme l'ont montré les travaux d'A. Duplouy.
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Toninato, Ida. "La danse et la musique : réflexions créatives de quelques artistes montréalais·es". Circuit: Musiques contemporaines 33, n.º 2 (2023): 87. http://dx.doi.org/10.7202/1107699ar.

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Gordon, Rae Beth. "Les rythmes contagieux d’une danse noire : le cake-walk". rythmer, n.º 16 (11 de abril de 2011): 57–81. http://dx.doi.org/10.7202/1001956ar.

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Cette étude propose une anthropologie du geste d’une danse noire américaine, le cake-walk. En retraçant la façon dont le cake-walk a été transformé par des artistes français, cette analyse souligne la spécificité française des perceptions de cette danse qui est vite devenue un phénomène de société. On remarque la convergence entre deux champs scientifiques, vulgarisés et largement répandus dans la presse : la psycho-pathologie et la théorie de l’évolution. Le discours autour du mouvement hystérico-épileptique et celui autour de la régression darwinienne sont superposés dans presque tous les commentaires sur les rythmes entraînants et les gestes du cake-walk, créant des inquiétudes sur la contagion et la dégénérescence.
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Mougeolle, Marie. "Le collectif comme mode d’intervention : Perturbations de La 2e Porte à Gauche". L’Annuaire théâtral, n.º 60 (15 de agosto de 2018): 75–89. http://dx.doi.org/10.7202/1050922ar.

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La 2e Porte à Gauche invite, en 2016-2017, des artistes issus de la danse et des arts visuels à réfléchir ensemble autour de la question « Qu’est-ce que la danse peut produire (d’autre)? » L2PAG interroge alors la forme de l’oeuvre en regard du médium qui la crée, tout en interrogeant la problématique du collectif comme forme, méthode de travail et mode d’incubation d’idées ou de transgressions. Cet article tente de penser les dynamiques de création interdisciplinaires à travers le prisme de la création collective : comment faire oeuvre autrement, et à plusieurs? Comment fonder des lieuxmétis (Nouss, Plaidoyer pour un monde métis, 2005), territoires de création où identités et appartenances collaborent à faire oeuvre?
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Más fuentes

Tesis sobre el tema "Artistes de la danse"

1

Ricci, Charlotte. "Des humains et des arts : artistes jugés « hors-normes » sur les scènes contemporaines". Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080070.

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Resumen
La pratique des artistes dits en « situation de handicap » est le plus souvent analysée par le champ de la sociologie à travers les implications sociales et environnementales qui se jouent ou les effets de la création sur les artistes concernés. Par cette recherche, nous avons souhaité favoriser une approche esthétique, en lien avec les arts du spectacle, particulièrement sur les scènes de théâtre et de danse contemporaines. Nous avons ainsi appuyé notre étude sur l’examen de travaux artistiques et d’expériences, dans ce domaine, de praticiens jugés « hors-normes », en lien avec les contextes culturels et les usages sociaux dans lesquels ils sont impliqués. Ces analyses nous ont permis de réaliser que l’étude du handicap renvoie à des domaines pluriels qui génèrent des discours, notamment autour des notions de « différence(s) » et de « hors-normes ». La mise en exergue du travail des praticiens a permis, d’une part, d’aborder la dimension esthétique de leur travail et, d’autre part, a donné lieu à la découverte de nouvelles dimensions de ce qui a trait à la différence. L’objectif premier étant de déterminer le contexte dans lequel les artistes jugés « hors-normes » évoluent afin de se focaliser sur l’apport esthétique des particularités qui les définissent sur les différentes scènes étudiées
The practice of the so-called "disabled" artists is most often analyzed by the field of sociology through the social and environmental implications that are being played or the effects of creation on the artists concerned. Through this research, we wanted to promote an aesthetic approach, in connection with the performing arts, especially on contemporary theater and dance stages. We thus supported our study of the review of artistic works and experiences in this field of practitioners deemed "non-standard" in relation to the cultural contexts and social uses in which they are involved. These analyzes have enabled us to realize that the study of disability refers to pluralistic domains that generate discourse, especially around the notions of "difference (s)" and "non-standard". The emphasis on the work of the practitioners made it possible, on the one hand, to approach the aesthetic dimension of their work and, on the other hand, gave rise to the discovery of new dimensions of what relates to difference. The first objective is to determine the context in which artists considered "non-standard" evolve in order to focus on the aesthetic contribution of the peculiarities that define them on the different scenes studied
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Cordeiro, Volmir. "Où le marginal danse : retours sur six pièces chorégraphiques". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2018. http://www.theses.fr/2018PA080102.

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Resumen
Cette thèse procède d’un travail réflexif en lien constant avec une création chorégraphique. Elle est la parole d’un artiste-chercheur qui ne pense pas sans œuvre ni sans les œuvres d’autres artistes. Toutes explorent la thématique des figures marginales dans le champ chorégraphique, et permettent de construire une poétique singulière adossée sur les esthétiques esquissées par certaines des œuvres des chorégraphes brésiliens Luiz de Abreu, Marcelo Evelin, Núcleo do Dirceu et Micheline Torres. En partant de Ciel, premier solo que je signe en tant que chorégraphe en 2012, et en m’orientant vers un réseau poétique des œuvres avec lesquelles une certaine proximité thématique me semble féconde, j’enquête sur ce qui fabrique la sensation de reconnaître un marginal qui danse. Les récits que j’en fais sont construits à partir de mes propres expériences de spectateur et consolidés par mon parcours d’artiste chorégraphique. La traversée critique, analytique, fictionnelle des œuvres constitue des trajectoires sensibles dont l’objectif est de faire la connaissance des modes d’être chorégraphiques des figures marginales. Cette étude analyse comment, au sein même de chaque œuvre, se construisent les regards et les récits participant à l’émergence des affects précaires mis en mouvement par des propos chorégraphiques. Elle examine ces propos à partir des rapports imaginés avec des altérités, et véhiculés par des éléments artistiques tels que le visage, l’adresse, la place accordée au spectateur, la construction du regard et ses modes de partage. Où le marginal danse est une tentative de réflexion pour envisager quand danser le marginal devient une manière de faire danser l’invisibilité du pouvoir en même temps que de rendre visible la puissance d’un décalage
This dissertation proceeds from a reflexive work in constant connection with a choreographic creation. It’s the speech of an artist-researcher who does not think without his own work or without the works of other artists. All of them explore the theme of marginal figures in the choreographic field, and allow to build a singular poetic based on the aesthetics sketched by some of the works of Brazilian choreographers Luiz de Abreu, Marcelo Evelin, Dirceu Nucleo and Micheline Torres. Starting from Ciel, the first solo choreographed under my signature in 2012, and moving towards a poetic network of pieces with which I feel there is a certain thematic proximity, I investigate what constitutes the sensation of recognizing a marginal who dances. The stories I create are based on my own experiences as a spectator and are consolidated by my career as a choreographic artist. The critical, analytical and fictional crossover of the works constitutes sensitive trajectories that help to comprehend the choreographic modes of being of the marginal figures. The works in question here draw innovative policies in the landscapes of the visible. This study analyzes how, within each work, the gazes and narratives are constructed, contributing to the emergence of precarious affections set in motion by choreographic remarks. These remarks are examined from reports imagined with otherness, and conveyed by artistic elements such as the face, the addressing, the place given to the spectator, the construction of the gaze and its modes of sharing. Where the marginal dances is a reflection that considers the fact that dancing the marginal implies in dancing the invisibility of a power and the strength of a change
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Marquié, Hélène. "Métaphores surréalistes dans des imaginaires féminins : quêtes, seuils et suspensions : souffles du surréel au travers d'espaces picturaux et chorégraphiques : parcours dans les oeuvres de Leonora Carrington, Leonor Fini, Dorothea Tanning, Martha Graham, Doris Humphrey et Carolyn Carlson". Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081713.

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Le propos est de mettre en lumiere au travers des univers de trois femmes peintres proches du surrealisme leonora carrington, leonor fini, dorothea tanning -, et de trois choregraphes et danseuses contemporaines martha graham, doris humphrey, carolyn carlson -, des correlations en terme de processus et de dynamismes createurs, ainsi que de contenus. De relever des projets et des trajets paralleles ou convergents, dans la facon dont l'imaginaire se constitue et se realise. De reperer, dans la mise en oeuvre de principes similaires, les expressions differentes resultant de la specificite de chaque art, pictural ou choregraphique. Ces processus sont rapportes au surrealisme, non pas en tant que mouvement historique, mais en tant qu'esthetique et ethique, pensee dialectique qui refuse de separer le reel de l'imaginaire, la poetique de la politique. Deux perspectives servent a eclairer le champ etudie et a faire surgir des questionnements. Celle de la danse, qui definit une attitude esthetique et critique a partir du champ choregraphique, en termes de mouvements et de processus. Une perspective feministe qui tient compte de la specificite de l'experience creatrice des femmes au sein decadres referentiels et contextuels dont les structures appartiennent a un systeme qui organise des rapports de domination des hommes sur les femmes. Le surrealisme offre ici un champ specifique et paradoxal ou ces structures revetent une forme particuliere, les rapports restant fondamentalement inchanges. Il s'agit donc de questionner certains referents, et de voir de quelle facon ils sont mis enjeu, ou de-joues par les femmes artistes.
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Rousselot, Maëlle. "De la transe dans les ballets du XIXe siècle à aujourd’hui : pour un décentrement des regards". Electronic Thesis or Diss., Bourgogne Franche-Comté, 2023. http://www.theses.fr/2023UBFCC037.

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Cette recherche formule l’hypothèse qu’il puisse y avoir des présences de transe au sein des représentations et des perceptions des ballets du XIXe siècle à aujourd’hui. De là, surgissent de nombreuses questions : comment la transe serait-elle représentée et perçue dans ces œuvres ? Qu’est-ce que ces représentations de transe ou au contraire son invisibilité dans ces ballets, disent de nous, Occidentaux ? Comment définir la transe, ce phénomène insaisissable et état aux multiples facettes ? Notre opération méthodologique consiste alors, non pas tant à définir la transe, que de dégager des dimensions et des traits transiques, soit des aspects récurrents relevés au sein d’un corpus ouvert de phénomènes de transes diversement repérés comme tels au fil de l’histoire occidentale du XVIe siècle à aujourd’hui. À la suite, cela nous permet de relever les traits et dimensions transiques au sein des ballets du XIXe à aujourd’hui, cela à travers des analyses d’œuvres et de discours à partir de sources diverses (livrets, textes, images, dessins, lithographies, tableaux, photographies, vidéos) et d’entretiens avec des danseurs. Ainsi, nous pouvons à la fois aborder le phénomène de transe dans toute sa complexité et décentrer nos regards sur les ballets. Nous découvrons un XIXe siècle foisonnant d’aspects transiques, alors que, de la fin du XXe siècle jusqu’à aujourd’hui, les éléments recouvrant et effaçant ces aspects semblent nombreux. Or, le fait de montrer ou au contraire d’effacer ces caractéristiques est porteur de discours sur ces danses, mais aussi de son public. Ce décentrement des regards permet également de possibles relectures « transiques » de ces ballets à l’heure contemporaine
This research formulates the hypothesis that there may be presence of trance in the representations and perceptions of ballets from the nineteenth century to the present day. This raises a number of questions: how is trance represented and perceived in these works? What do these representations of trance, or on the contrary its invisibility in these ballets, say about us as Westerners? How can we define trance, this elusive phenomenon and multifaceted state? Our methodological operation, then, consists not so much in defining trance, as in identifying, dimensions and features, i.e., recurring aspects found within an open corpus of trance phenomena variously identified as such throughout Western history from the sixteenth century to the present day. This then allows us to identify the transic features and dimensions of ballets from the nineteenth century to the present day, through analyses of works and discourses based on various sources such as librettos, texts, images, drawings, lithographs, paintings, photographs, videos and on interviews with dancers. In this way, we can both approach the phenomenon of trance in all its complexity and shift the way we look at ballets. We discover a nineteenth century teeming with trance aspects, whereas from the end of the twentieth century to the present day, there seems to be many elements that obscure and erase these aspects. The fact of showing or, on the contrary, erasing these characteristics conveys information about these dances, but also about their audience. This decentred perspectives also allows possible “transic” reinterpretation of these ballets in a contemporary context
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Hill, Colin. "Leonard Cohen's lives in art, the story of the artist in his novels, poems, and songs". Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp01/MQ29547.pdf.

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Cameron, Ross Douglas. "Our ideal of an artist, Tom Thomson, the ideal of manhood and the creation of a national icon, 1917-1947". Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1998. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp05/mq31184.pdf.

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Strazzacappa, Hernandez Marcia. "Fondements et enseignement des techniques corporelles des artistes de la scène dans l é́tat de Sao Paulo (Brésil) au XXe siècle". Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081674.

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Resumen
La presente recherche sur "les fondements et l'enseignement des techniques corporelles des artistes de la scene dans l'etat de sao paulo, bresil, au xxeme siecle" analyse la genese et l'appropriation de techniques corporelles codifiees utilisees dans la formation pratique des artistes de la scene. Certaines expressions utilisees dans le texte comme : "l'artiste de la scene", "l'education somatique", "reformateurs", "pratiquants" et "praticiens" ont trouves leurs respectives definitions dans l' introduction du texte. Divise en trois parties, la these presente d'abord la realite de l'enseignement general au bresil et, plus specifiquement, de la formation artistique. Nous avons examine, dans la deuxieme partie, les conditions de la naissance de deux courants complementaires : l'un ne du contact avec des reformateurs etrangers et l'autre genere par des theoriciens locaux. Les biographies des reformateurs du mouvement comme dalcroze, laban, alexander, feldenkrais, entre autre, ont ete soigneusement etudiees. Parmi les reformateurs locaux, la these analyse le travail de quatre bresiliens, dont les recherches ont ete tres importantes dans la formation des artistes dans l'etat de sao paulo : maria duschenes, klauss vianna, luis otavio burnier et jose antonio lima. La troisieme partie fait une analyse comparative entre les techniques abordees, a partir des notions fondamentales de chaque technique pour ensuite discuter le travail en salle, c'est-a-dire le travail pratique des techniques elles-memes, ou nous avons pu observer les digressions et les malentendus actuels.
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Voinea, Marius-Liviu Leuwers Daniel. "Dissemblances de l'état de paria dans l'œuvre romanesque de Dominique Fernandez". Tours : SCD de l'université de Tours, 2008. http://theses.abes.fr/2008TOUR2005.

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Jaccard-Beugnet, Annick. "Nouvelles images, nouveaux artistes ? : L'utilisation de l'informatique dans la création graphique et ses conséquences sur les artistes". Besançon, 2001. http://www.theses.fr/2001BESA1003.

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Resumen
Art, informatique : deux univers différents, voire opposés, dans notre société. Il existe pourtant un art informatique, lieu de rencontre entre ces deux mondes. Nous avons tenté de mesurer les conséquences de cette rencontre en ce qui concerne les artistes, et ces conséquences sont multiples et complexes. En effet, le monde de l'art informatique n'est pas seulement constitué d'un domaine intermédiaire nouvellement créé, mais également des deux mondes d'origine. L'univers des possibles s'en trouve donc très élargi, et les artistes y puisent des modes de formation, des possibilités de rémunération, des modes de relation et de représentation qu'ils peuvent combiner entre eux pour se construire ainsi des trajectoires de vie très individualisées.
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Bsaibes, Darine. "Artistes et Artisanes : Points de vue croisés entre art féministe et arts populaires du Proche-Orient". Thesis, Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080058.

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Resumen
L’histoire de l'art reflète la situation mondiale des rapports de force entre cultures et civilisations. La broderie et le tissage du Proche-Orient sont des activités artistiques incarnant un génie populaire transmis généralement entre femmes. Au-delà des chiffres, celles-ci forment une communauté et véhiculent des valeurs auxquelles la société moderne souhaite de plus en plus adhérer : rapport humain, qualité du savoir-faire, production personnalisée et éco-durable. Par le biais de points de vue croisés entre arts populaires proche-orientaux et les prises de conscience féministes en art, nait un vaste répertoire servant l’émergence de liens entre féminisme et postcolonialisme. L’histoire féministe de l’art, ainsi que les réflexions autour des productions artistiques non occidentales, avec le renouveau de l’histoire sociale de l’art à travers les Visual Culture Studies, nous obligent à nous interroger sur le fossé qui a séparé ces deux grandes catégories et à mieux conceptualiser l’inversion fonctionnelle entre artisanat et Beaux-Arts. La complexité du débat tourne autour des problématiques spécifiques aux arts locaux antéislamiques et l’hégémonie culturelle qui domine les sociétés non occidentales. Ces sociétés dont les intellectuels et les artistes sont eux-mêmes en position de subordination face au « mode dominant », où les œuvres d’arts contemporaines créées localement restent incomprises pour le commun du peuple. Cependant, la particularité de l’art populaire proche-oriental réside dans le fait d’endosser différents statuts concomitants : objets faits main, objets utilitaires, objets sollicitant une perception esthétique et éco-durable, puis objets du patrimoine culturel. Le fait de puiser dans des éléments du passé, les arts populaires ne sont plus assimilés à une conduite répréhensible et réactionnaire, mais à un moyen d'échapper au statut d'auteur et à une propriété intellectuelle qui entacheraient l’avant-garde
The history of art reflects the dynamic forces at play between cultures and civilizations. Embroidery and weaving in the Near East are artistic skills passed down from and learned by generations of women. Today, in their countless numbers, these women are part of a community whose values are increasingly relevant to modern society: human relations, quality of expertise, bespoke products and sustainability. When looking at Near Eastern folk art and at the same time considering feminist art consciousness, a wide range of links between feminism and post-colonialism emerge. The feminist history of art and thoughts surrounding non-Western artistic productions, coupled with the Visual Culture Studies which places a great emphasis on the social history of art, compels us to examine the schism that has separated these two important categories. As a result, we are better able to conceptualize the functional inversion between art as a "production" and Fine Art. The complexity of this debate stems from problems specific to local pre-Islamic arts and the cultural hegemony that dominates non-Western societies. Societies of which the intellectuals and artists themselves stick to the « dominant way », where contemporary artworks locally-created remain inaccessible to the average lay person. The peculiarity of Near East folk art lies in the fact that it endorses different concomitant statutes: handmade production, utilitarian objects, objects requesting aesthetic perception, sustainability and objects of cultural heritage. The very act of borrowing elements from the past means that popular arts are no longer treated as wrong and reactionary, but rather as a way to escape from the authorship and intellectual property that permeate the avant-garde
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Más fuentes

Libros sobre el tema "Artistes de la danse"

1

Beigbeder, Frédéric, writer of preface y Biles Adam translator, eds. Danse. Paris: Flammarion, 2019.

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2

Olivier, Abel, Leydier Richard y Bertrand Anne, eds. Henri Foucault: Danse avec moi = dance with me. Paris: La Différence, 2008.

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3

Margerie, Laure de. La " Danse" de Carpeaux: Catalogue. Paris: Ministère de la culture, de la communication, des grands travaux et du bicentenaire, 1989.

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4

Pompidou, Centre Georges, ed. Danser sa vie: Art et danse de 1900 à nos jours. Paris: Éditions du Centre Pompidou, 2011.

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5

Uncommon eloquence: A biography of Angna Enters : writer, dance-mime, artist. Denver, Colo: Arden Press, 1986.

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6

Buisson, Céline, Stéphanie Hoffmann y Svitlana Kovalova. L'oeil du vivant: Recherche et création, danse et photographie. Saint-Denis: Presses universitaires de Vincennes, 2013.

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7

Vallvé i Ribera, Joan, pres., ed. Els artistes i la sardana: La sardana, una dansa per al món. Barcelona: Fundació Universal de la Sardana, 1993.

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Duca, Daniela y Virág Major-Kremer. Transylvania retouched: A matter of landscape and representation. București: [Institutul Cultural Român?], 2020.

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9

AUTHOR; MAUDE SOUTHWELL WAHLM LICIA CLIFTON-JAMES. J.B. MURRAY AND THE SCRIPTS AND SPIRIT FORMS OF AFRICA: Making the connections. [S.l.]: CAMBRIDGE SCHOLARS PUBLIS, 2022.

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10

Marianne, Barcilon, ed. La fée Baguette: Danse, danse, danse! Champigny-sur-Marne: Lito, 2010.

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Más fuentes

Capítulos de libros sobre el tema "Artistes de la danse"

1

de Wasseige, François-Emmanuel. "Châtelains et musiciens, mécènes et artistes : observations d’un partenariat en Angleterre (1550-1650)". En Lire, danser et chanter au château. La culture châtelaine, XIII-XVIIe siècles, 25–46. Turnhout: Brepols Publishers, 2017. http://dx.doi.org/10.1484/m.stmh-eb.5.110785.

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2

Risner, Doug. "Hybrid Lives of Teaching Artistry: A Survey of Teaching Artists in Dance". En Dancing Mind, Minding Dance, 106–24. London: Routledge, 2023. http://dx.doi.org/10.4324/9781003343950-15.

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3

Gubler, Simone. "Danse macabre". En Moral Challenges in a Pandemic Age, 130–48. New York: Routledge, 2023. http://dx.doi.org/10.4324/9781003310129-10.

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4

"Antiquaries and artistes". En The Ancient English Morris Dance, 207–19. Archaeopress Publishing Ltd, 2023. http://dx.doi.org/10.2307/jj.285027.18.

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5

Franko, Mark. "Serge Lifar and the Question of Collaboration with the German Authorities under the Occupation of Paris (1940–1949)". En The Fascist Turn in the Dance of Serge Lifar, 180–240. Oxford University Press, 2020. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780197503324.003.0006.

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Resumen
This chapter examines the political and artistic activities of dancer and choreographer Serge Lifar at the Paris Opera during and immediately after the Occupation of Paris. Although Lifar was condemned as a collaborator in a postwar trial he was rehabilitated after a brief exile and returned to work at the Opera until his retirement in 1958. The question of collaborationism has arisen again in light of performances by the Paris Opera and other dance companies of his ballets. Using archival materials usually ignored by dance scholars, the article examines Lifar’s political activities, his political convictions, and his political ambitions. His theory of ballet as set forth in La Danse: Les grands courants de la danse académique (1938) and two of his successful ballets of this period—Joan de Zarissa (1942) and Suite en blanc (1943)—are discussed in light of his politics. The chapter concludes with an analysis of corporeal fascism from a theoretical perspective including discussion of Carl Schmitt, Georges Bataille, Louis Marin, and Claude Lefort.
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6

Desdoigts Carrier, Anne y Pauline Blisson Simon. "La crèche, les artistes et les parents". En Avec les familles dans les crèches !, 49. ERES, 2016. http://dx.doi.org/10.3917/eres.rayn.2016.01.0049.

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7

Kalantzis, Alexia. "Les enjeux de la traduction dans les périodiques artistiques et littéraires fin-de-siècle". En Écrivains et artistes en revue, 107–24. Rosenberg & Sellier, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.res.9299.

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8

Camus, Diane. "Les artistes-habitants dans les territoires ruraux". En Cultures et ruralités, 82–89. Éditions de l'Attribut, 2019. http://dx.doi.org/10.3917/attri.colle.2019.01.0082.

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9

Meldolesi, Tommaso. "Deux contributions françaises dans les pages de “L’Ordine Nuovo”, en 1919: Henri Barbusse et Romain Rolland". En Écrivains et artistes en revue, 75–88. Rosenberg & Sellier, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.res.9274.

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10

Dessy, Clément. "Le monde des revues et le cosmopolitisme littéraire: échos de “La Revue blanche” dans “Il Marzocco”". En Écrivains et artistes en revue, 21–38. Rosenberg & Sellier, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.res.9244.

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Actas de conferencias sobre el tema "Artistes de la danse"

1

Marcq, Édith. "Les représentations du Chat botté par des artistes de l’entre-deux-guerres". En Le Chat botté dans ses expansions hypertextuelles. Fabula, 2022. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.7705.

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2

Talpa, Svetlana. "Stage folk dance versus character dance". En Simpozion Național de Studii Culturale, dedicat Zilelor Europene ale Patrimoniului. Ediția III. Institute of Cultural Heritage, Republic of Moldova, 2022. http://dx.doi.org/10.52603/sc21.09.

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Resumen
In the article, the author’s main objective is to argue the need to study and capitalize on folk stage dance and character dance by comparatively assigning their methodological and aspectual features. For this purpose, the analytical method of approaching the problem is used, as well as the pedagogical aspect. Performing folk dance and character dance exploits the capacity of the mind of both a professional dancer (ballet artists) and of an amateur dancer, by educating the body in order to be aware of each movement performed. From a methodological point of view, the stage folk dance and the character dance are analogous, and from the aspectual point of view they are varied, differing depending on the performers/artists/dancers, the place of manifestation and the specific music. These forms of dance are analyzed by specific artistic means, and finally they are reproduced in choreographic works (choreographic suites) or in ballet performances.
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3

Bayard, Pierre, Frédérique Toudoire-Surlapierre y Augustin Voegele. "« Les écrivains et les artistes ont une sorte de capacité sismographique ». Entretien avec Pierre Bayard autour de son dernier ouvrage, Le Titanic fera naufrage (Paris, Minuit, 2016)". En L’art, machine à voyager dans le temps. Fabula, 2017. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.4843.

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4

BELLEAU, Sylvie. "The Otherness through Le rêve d’Urmila (Urmila’s Dream), an Interdisciplinary and Intercultural Research Creation Doctoral Project through Natyashastra". En The International Conference of Doctoral Schools “George Enescu” National University of Arts Iaşi, Romania. Artes Publishing House UNAGE Iasi, 2023. http://dx.doi.org/10.35218/icds-2023-0016.

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Resumen
This communication will present how research creation based doctoral project can be an opportunity to explore the Otherness and other disciplines, to open to new realms of research as well as to question the artist’s posture in his journey between the culture of origin and the culture of the discipline in which he trains. As an apprentice, I studied kathakali in South India in my early twenties and it influenced all my theatre practice. The dance-theatre of Kerala has been part of my creative tools since the beginning of my creative life as a professional stage artist. My doctoral research was a way to question the footprint of the kathakali training in a creation project, to deepen my knowledge of Indian theatre and to explore the connections between kathakali, Natyasastra, the classical Indian treaty of dramaturgy, and my doctoral creation, Le rêve d’Urmila, which has been presented in September 2018 at Université Laval, in Quebec City. As part of my doctoral research on cultural hybridity, I had to train a group of western artists to dance and play with the codes of Indian dance to reach the level of cultural and disciplinary competence needed to produce the doctoral creation. I will thus present the specificities of the training process and expose the ways in which we explored various elements of the kathakali performance: the four abhinaya, rhythmic and musical elements, etc.
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5

Curchi, Veronica. "Artistic communication: theoretical aspects". En Conferința științifică internațională "Învăţământul artistic – dimensiuni culturale". Academy of Music, Theatre and Fine Arts, Republic of Moldova, 2022. http://dx.doi.org/10.55383/iadc2022.36.

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Resumen
Artistic communication is the way of expression through art and has its origins in ancient times, with the first artistic manifestations of the human being. Paleolithic art tells us about everyday human life, beliefs and the level of awareness of the world. The communicative function of art has been preserved until now. Music, fine arts, dance, theatrical events, poetry convey different emotions that we perceive depending on our personality. Artistic communication is further researched after the appearance of the scientific interest in the phenomenon of communication in general. Scholars from different fields have presented their views on this topic and described artistic communication through the relationship between creator-work, artistic message-audience and artist-receiver.
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6

Liu, Jingxian. "Research on the Artistic Conception Creation of National Dance Works". En 2021 4th International Conference on Arts, Linguistics, Literature and Humanities. Francis Academic Press, 2021. http://dx.doi.org/10.25236/icallh.2021.002.

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Resumen
Artistic conception is an important part of Chinese classical art creation, which is the highest realm in the process of artistic pursuit, and also the highest requirement of dance art creation. Especially in the new era, art presents a trend of diversified development, and the creation of artistic conception in national dance works has become an important embodiment of its own artistic attainments. This paper mainly analyzes the related content of national dance artistic conception, and studies the artistic conception creation of national dance works, hoping to provide some reference for the creation of national dance works in China.
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7

De Filippo, Allegra, Luca Giuliani, Eleonora Mancini, Andrea Borghesi, Paola Mello y Michela Milano. "Towards Symbiotic Creativity: A Methodological Approach to Compare Human and AI Robotic Dance Creations". En Thirty-Second International Joint Conference on Artificial Intelligence {IJCAI-23}. California: International Joint Conferences on Artificial Intelligence Organization, 2023. http://dx.doi.org/10.24963/ijcai.2023/644.

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Resumen
Artificial Intelligence (AI) has gradually attracted attention in the field of artistic creation, resulting in a debate on the evaluation of AI artistic outputs. However, there is a lack of common criteria for objective artistic evaluation both of human and AI creations. This is a frequent issue in the field of dance, where different performance metrics focus either on evaluating human or computational skills separately. This work proposes a methodological approach for the artistic evaluation of both AI and human artistic creations in the field of robotic dance. First, we define a series of common initial constraints to create robotic dance choreographies in a balanced initial setting, in collaboration with a group of human dancers and choreographer. Then, we compare both creation processes through a human audience evaluation. Finally, we investigate which choreography aspects (e.g., the music genre) have the largest impact on the evaluation, and we provide useful guidelines and future research directions for the analysis of interconnections between AI and human dance creation.
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8

STUERMER, MICHAEL. "DANSE MACABRE: TERRORISM AND WESTERN MEDIA". En The Cultural Planetary Emergency: Focus on Terrorism. WORLD SCIENTIFIC, 2004. http://dx.doi.org/10.1142/9789812702388_0018.

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9

Ju, Fangyuan, Xinyi Zhou, Ying Zhou, Xinyi Jiang y Sitong Li. "Research on Knowledge Graph Based on Artistes’ Works". En 2021 6th International Conference on Computational Intelligence and Applications (ICCIA). IEEE, 2021. http://dx.doi.org/10.1109/iccia52886.2021.00050.

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10

Marbach, Jean-Marie. "L'oiseau qui danse [best in show award]". En SA '18: SIGGRAPH Asia 2018. New York, NY, USA: ACM, 2018. http://dx.doi.org/10.1145/3278625.3278630.

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Informes sobre el tema "Artistes de la danse"

1

Bellwood-Howard, Imogen, Peter Taylor, Aminata Niang, Kaderi Bukari, Eric Kioko, Peter Wangai, Lansine Sountoura, Bronson Eran’Ogwa y Mohammed Yamusah. Les arts dans le dialogue et la communication sur l’environnement en Afrique de l’Ouest et de l’Est. Institute of Development Studies, agosto de 2023. http://dx.doi.org/10.19088/ids.2023.037.

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Resumen
Les premières publications sur la délibération environnementale partaient du principe que les pairs débattaient rationnellement des preuves pour parvenir à des conclusions logiques. Cependant, des travaux plus récents présentent les activités artistiques comme un moyen de reconnaître les dimensions émotionnelles comme essentielles aux processus délibératifs. Simultanément, la littérature sur l'art participatif, l'art communautaire, l'activisme culturel et l'éducation artistique, regroupés sous le terme « arts pour le changement », montre comment les activités artistiques peuvent transmettre des messages au public et provoquer des changements. Notre étude a exploré le rôle des arts dans les délibérations à travers une série d'ateliers au Sénégal, au Mali, en Mauritanie, au Ghana et au Kenya. Des acteurs politiques, des activistes communautaires, des chercheurs et des artistes ont collaboré à la création d'oeuvres d'art.
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2

Villella, Edward. Dance: From Folk to Classical. Inter-American Development Bank, agosto de 1994. http://dx.doi.org/10.18235/0007912.

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3

Rousseau, Henri-Paul. De Gutenberg à ChatGPT: Le défi de l'université numérique. CIRANO, enero de 2023. http://dx.doi.org/10.54932/lrku8746.

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Resumen
Le but de ce texte est de mieux cerner l’ampleur du défi que pose le monde numérique au milieu universitaire et de proposer quelques idées pouvant alimenter la réflexion des universitaires dans cette démarche d’adaptation au monde numérique. L’impact de la révolution numérique sur le monde de l’éducation universitaire peut se résumer à ceci : dans un monde numérique, les connaissances sont accessibles à tous et, somme toute à très faibles coûts alors que le niveau et les types de compétences requises pour évoluer dans un monde numérique sont plus complexes. L’université a perdu son quasi-monopole dans la transmission des connaissances et elle n’a pas encore établi pleinement son rôle, pourtant indispensable, dans l’acquisition des nouvelles compétences. L’université est également menacée dans sa capacité historique d’attirer, de retenir et de promouvoir les artisans du monde de demain qui sont de plus en plus actifs dans les écosystèmes animés et même souvent contrôlés par les grands gagnants industriels de la révolution numérique. Une réflexion et une discussion s’imposent. Le monde numérique étant un monde de données, d’information et de savoir, ce monde ne peut être que le monde naturel de la communauté des professeurs, des maîtres, des chercheurs et des étudiants. La numérisation de l’éducation est une chance unique pour le rendre plus accessible au plus grand nombre.
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Rousseau, Henri-Paul. Gutenberg, L’université et le défi numérique. CIRANO, diciembre de 2022. http://dx.doi.org/10.54932/wodt6646.

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Resumen
Introduction u cours des deux derniers millénaires, il y a eu plusieurs façons de conserver, transmettre et même créer la connaissance ; la tradition orale, l’écrit manuscrit, l’écrit imprimé et l’écrit numérisé. La tradition orale et le manuscrit ont dominé pendant plus de 1400 ans, et ce, jusqu’à l’apparition du livre imprimé en 1451, résultant de l’invention mécanique de Gutenberg. Il faudra attendre un peu plus de 550 ans, avant que l’invention du support électronique déloge à son tour le livre imprimé, prenant une ampleur sans précédent grâce à la révolution numérique contemporaine, résultat du maillage des technologies de l’informatique, de la robotique et de la science des données. Les premières universités qui sont nées en Occident, au Moyen Âge, ont développé cette tradition orale de la connaissance tout en multipliant l’usage du manuscrit créant ainsi de véritables communautés de maîtres et d’étudiants ; la venue de l’imprimerie permettra la multiplication des universités où l’oral et l’écrit continueront de jouer un rôle déterminant dans la création et la transmission des connaissances même si le « support » a évolué du manuscrit à l’imprimé puis vers le numérique. Au cours de toutes ces années, le modèle de l’université s’est raffiné et perfectionné sur une trajectoire somme toute assez linéaire en élargissant son rôle dans l’éducation à celui-ci de la recherche et de l’innovation, en multipliant les disciplines offertes et les clientèles desservies. L’université de chaque ville universitaire est devenue une institution florissante et indispensable à son rayonnement international, à un point tel que l’on mesure souvent sa contribution par la taille de sa clientèle étudiante, l’empreinte de ses campus, la grandeur de ses bibliothèques spécialisées ; c’est toutefois la renommée de ses chercheurs qui consacre la réputation de chaque université au cours de cette longue trajectoire pendant laquelle a pu s’établir la liberté universitaire. « Les libertés universitaires empruntèrent beaucoup aux libertés ecclésiastiques » : Étudiants et maîtres, qu'ils furent, ou non, hommes d'Église, furent assimilés à des clercs relevant de la seule justice ecclésiastique, réputée plus équitable. Mais ils échappèrent aussi largement à la justice ecclésiastique locale, n'étant justiciables que devant leur propre institution les professeurs et le recteur, chef élu de l’université - ou devant le pape ou ses délégués. Les libertés académiques marquèrent donc l’émergence d'un droit propre, qui ménageait aux maîtres et aux étudiants une place à part dans la société. Ce droit était le même, à travers l'Occident, pour tous ceux qui appartenaient à ces institutions supranationales que furent, par essence, les premières universités. À la fin du Moyen Âge, l'affirmation des États nationaux obligea les libertés académiques à s'inscrire dans ce nouveau cadre politique, comme de simples pratiques dérogatoires au droit commun et toujours sujettes à révision. Vestige vénérable de l’antique indépendance et privilège octroyé par le prince, elles eurent donc désormais un statut ambigu » . La révolution numérique viendra fragiliser ce statut. En effet, la révolution numérique vient bouleverser cette longue trajectoire linéaire de l’université en lui enlevant son quasi monopole dans la conservation et le partage du savoir parce qu’elle rend plus facile et somme toute, moins coûteux l’accès à l’information, au savoir et aux données. Le numérique est révolutionnaire comme l’était l’imprimé et son influence sur l’université, sera tout aussi considérable, car cette révolution impacte radicalement tous les secteurs de l’économie en accélérant la robotisation et la numérisation des processus de création, de fabrication et de distribution des biens et des services. Ces innovations utilisent la radio-identification (RFID) qui permet de mémoriser et de récupérer à distance des données sur les objets et l’Internet des objets qui permet aux objets d’être reliés automatiquement à des réseaux de communications .Ces innovations s’entrecroisent aux technologies de la réalité virtuelle, à celles des algorithmiques intelligentes et de l’intelligence artificielle et viennent littéralement inonder de données les institutions et les organisations qui doivent alors les analyser, les gérer et les protéger. Le monde numérique est né et avec lui, a surgi toute une série de compétences radicalement nouvelles que les étudiants, les enseignants et les chercheurs de nos universités doivent rapidement maîtriser pour évoluer dans ce Nouveau Monde, y travailler et contribuer à la rendre plus humain et plus équitable. En effet, tous les secteurs de l’activité commerciale, économique, culturelle ou sociale exigent déjà clairement des connaissances et des compétences numériques et technologiques de tous les participants au marché du travail. Dans cette nouvelle logique industrielle du monde numérique, les gagnants sont déjà bien identifiés. Ce sont les fameux GAFAM (Google, Apple, Facebook, Amazon et Microsoft) suivis de près par les NATU (Netflix, Airbnb, Tesla et Uber) et par les géants chinois du numérique, les BATX (Baidu, Alibaba, Tenant et Xiaomi). Ces géants sont alimentés par les recherches, les innovations et les applications mobiles (APPs) créées par les partenaires de leurs écosystèmes regroupant, sur différents campus d’entreprises, plusieurs des cerveaux qui sont au cœur de cette révolution numérique. L’université voit donc remise en question sa capacité traditionnelle d’attirer, de retenir et de promouvoir les artisans du monde de demain. Son aptitude à former des esprits critiques et à contribuer à la transmission des valeurs universelles est également ébranlée par ce tsunami de changements. Il faut cependant reconnaître que les facultés de médecine, d’ingénierie et de sciences naturelles aux États-Unis qui ont développé des contacts étroits, abondants et suivis avec les hôpitaux, les grandes entreprises et l’administration publique et cela dès la fin du 19e siècle ont été plus en mesure que bien d’autres, de recruter et retenir les gens de talent. Elle ont énormément contribué à faire avancer les connaissances scientifiques et la scolarisation en sciences appliquées ..La concentration inouïe des Prix Nobel scientifiques aux États-Unis est à cet égard très convaincante . La révolution numérique contemporaine survient également au moment même où de grands bouleversements frappent la planète : l’urgence climatique, le vieillissement des populations, la « déglobalisation », les déplacements des populations, les guerres, les pandémies, la crise des inégalités, de l’éthique et des démocraties. Ces bouleversements interpellent les universitaires et c’est pourquoi leur communauté doit adopter une raison d’être et ainsi renouveler leur mission afin des mieux répondre à ces enjeux de la civilisation. Cette communauté doit non seulement se doter d’une vision et des modes de fonctionnement adaptés aux nouvelles réalités liées aux technologies numériques, mais elle doit aussi tenir compte de ces grands bouleversements. Tout ceci l’oblige à s’intégrer à des écosystèmes où les connaissances sont partagées et où de nouvelles compétences doivent être rapidement acquises. Le but de ce texte est de mieux cerner l’ampleur du défi que pose le monde numérique au milieu universitaire et de proposer quelques idées pouvant alimenter la réflexion des universitaires dans cette démarche d’adaptation au monde numérique. Or, ma conviction la plus profonde c’est que la révolution numérique aura des impacts sur nos sociétés et notre civilisation aussi grands que ceux provoqués par la découverte de l’imprimerie et son industrialisation au 15e siècle. C’est pourquoi la première section de ce document est consacrée à un rappel historique de la révolution de l’imprimerie par Gutenberg alors que la deuxième section illustrera comment les caractéristiques de la révolution numérique viennent soutenir cette conviction si profonde. Une troisième section fournira plus de détails sur le défi d’adaptation que le monde numérique pose aux universités alors que la quatrième section évoquera les contours du changement de paradigme que cette adaptation va imposer. La cinquième section servira à illustrer un scénario de rêves qui permettra de mieux illustrer l’ampleur de la gestion du changement qui guette les universitaires. La conclusion permettra de revenir sur quelques concepts et principes clefs pour guider la démarche vers l’action. L’université ne peut plus « être en haut et seule », elle doit être « au centre et avec » des écosystèmes de partenariats multiples, dans un modèle hybride physique/virtuel. C’est ainsi qu’elle pourra conserver son leadership historique de vigie du savoir et des connaissances d’un monde complexe, continuer d’établir l’authenticité des faits et imposer la nécessaire rigueur de la science et de l’objectivité.
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