Tesis sobre el tema "Art publique"
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Meyer, Céline Régimbeau Gérard. "L'art en bibliothèque publique". [S.l.] : [s.n.], 2009. http://www.enssib.fr/bibliotheque-numerique/document-2073.
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Couret, Magali. "La production de l'œuvre publique d'art contemporain". Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010256/document.
Texto completoResumen
L'art contemporain se veut transgressif, c'est un art fugitif dont on garde trace dans ses souvenirs, grâce à des photographies et des protocoles conservés dans les archives des institutions et prêts à être «réactivés». Située à la frontière de plusieurs domaines de création et confrontée à une forte dématérialisation, l'œuvre d'art contemporain déroute le juriste. Aujourd'hui, elle ne résulte plus du travail d'un artiste agissant seul dans son atelier, mais d'équipes réunissant les talents de multiples professions qui fragmentent sa réalisation en plusieurs phases. De fait, la scénographie ou le procédé artistique l'emportent souvent sur l'œuvre elle-même. Ce procédé prend le nom de «production» d'art. C'est pourquoi l'art contemporain constitue un objet d'étude complexe en droit, lequel s'attache encore trop à la forme de l'œuvre plutôt qu'à ses modes de création. La production artistique contemporaine est un domaine où les usages et les coutumes naissent au gré de pratiques efficientes, et prennent petit à petit le pas sur le droit. Dès lors, un fossé se creuse entre les professionnels de l 'art contemporain et le droit, ce qui a tendance à induire la coexistence de pratiques divergentes et d'interprétations diverses des coutumes établies, ainsi que le chevauchement de la coutume et de la législation, sans que des directives d'application de l'une ou l'autre ne soient adoptées. La question à laquelle nous tentons donc de répondre dans cette thèse est celle de savoir comment réduire cet écart entre la pratique des professionnels de la création contemporaine et le droit afin d'apporter sécurité juridique à la production artistique, et plus particulièrement au sein de la commande publiqueContemporary art transgress, it is a fugitive art, which we remember thanks to our memories, to photographs and protocols owned by institutions, ready to be revived. The contemporary work of art is dematerialized and located in-between many fields of creation. That is why legal experts have troubles understanding it. Nowadays, a sole artist does not make the work of art anymore. Although, it is the result of the work of a team, gathering multiples professionals, who divide the creation of the work of art up in many phases. That phenomenon is called « production of art». Thus, contemporary art is a complex subject for the law, which is still focused on the form and materials constituting the work of art, instead of being focused on the ways it is produced. The artistic production is regulated by customs, which tend progressively to take advantage on the law. In fact, this creates divergent practices and interpretations of the rules. Plus, the law and the customs sometimes tend to overlap, and no one knows which one should be applied. The question we try to answer in this thesis is how is it possible to reduce the gap between the professional practices and the law, in pursuing the goal to bring legal security in the artistic production, and most specifically, in the field of public call for artists
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Kaveh, Samira. "Le droit d'exposition publique". Thesis, Montpellier, 2016. http://www.theses.fr/2016MONTD004.
Texto completoResumen
Le droit d’exposition comme la prérogative patrimoniale du droit d’auteur est l’objet de notre étude. L’exposition publique de l’œuvre est assimilée à un mode d’exploitation au sens du droit d’auteur, c’est une comme une utilité reconnue, réservée à l’auteur. Pourtant l’exercice de ce droit se caractérise par une confusion dans les pratiques contractuelles. L’objet d’art et l’œuvre de l’esprit se confondent. La primauté du droit de la propriété matérielle joue un rôle important dans la reconnaissance du droit d’exposition à une œuvre de l’esprit. Pourtant celle-ci s’incarne dans une matière afin d’être perceptible au sens. L’exposition publique de l’œuvre est le mode de communication d’une œuvre de l’esprit au sens du droit de représentationThe right of public exhibition right like a copyright law for the artistic works is objective of our research. Public exhibition can be assimilated to a traditional mode of exploitation of artworks. This mode of exploitation of artworks can be recognised by the copyrights and reserved by artiste. But the exhibition right has been confused in the contract practice. The artistic work see like an objetct. The copyright can not be recognised for the artworks because of the material object. But the works of artistes like artistic work and they artistic expression are communicated to the public in exhibition. This is an exploitation of artistic work in the public exhibition
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Genet-Delacroix, Marie-Claude. "Art et État sous la IIIe République : 1870-1940". Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010558.
Texto completoResumen
L'étude intègre l'analyse historique et sociologique des caractères objectifs et symboliques des relations entre l'Etat, l'art et les artistes et leur interprétation dans une anthropologie culturelle du système libéral tel qu'il s'est épanoui sous la troisième république, et ce à deux niveaux : 1/ une analyse socio-institutionnelle du système des beaux-arts dans ses différents champs : a) structure et évolution de l'administration et de la direction des beaux-arts; b) historique, œuvre et prosopographie du Conseil supérieur des Beaux-arts (et des commissions techniques de l'administration des B. A. ); c) budget des B. A. ; d) institutionnalisation de l'enseignement artistique et de l'histoire de l'art à tous les niveaux de l'enseignement; e) prosopographie des professionnels de la gestion et de la connaissance de l'art; f) structure, croissance, mutation du marché de l'art et ses effets sur le travail artistique, les revenus des artistes, sur leur professionnalisation et sur leur condition sociale. 2/ Une analyse du discours sur l'art qui médiatise les rapports du créateur à son œuvre et à l'art, comme ceux des professionnels de l'art (critiques, professeurs, gestionnaires, marchands, hommes politiques) et ce dans ses différentes formes et fonctions : a) l'écriture sur l'art et ses diverses formes d'expression rhétoriques concernant la perception et la représentation du travail artistique et de la réalité; b) le discours sur l'art et l'artiste dans l'histoire et la société selon ses modalitésThis thesis is devoted to the historical and sociological study of the objective and symbolical characters of the relations between state, art and the artists. Their interpretation in the general frame of the cultural anthropology of the liberal system is attempted at two different levels : - a socio-institutional analysis of the beaux-arts system in its different components (administrative structure; the "conseil superieur des beaux-arts", its work and history (with a prosopographical survey of its 344 members : 120 artists, 98 civil servants and art critics, 126 politicians); finances : budget of the beaux-arts; educational system and its artistic reforms; artistic market). - an analysis of the discourse on art in its different forms and functions (writings on art, artistic criticism, biography and autobiography), as well as of oppositions involved in the writer's work, between the professional art reviewers and historians and the artists -the professionals of artistic creation
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Ozga, Kasia. "La sculpture publique aujourd'hui entre objet et évènement : expérimenter le temps - activer l'espace". Paris 8, 2013. http://octaviana.fr/document/178617598#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Texto completoResumen
L’objectif de cette étude est d’analyser comment les projets d’art public renouvellent la question fondamentale, tant philosophique que politique, de la fonction de l’art. À la fois accessible et critique, la sculpture publique donne une dimension sociale à l’expérience phénoménologique du corps et matérialise la sphère publique en un espace réel d’échange social. Nos 55 cas d’étude concernent des sculptures contemporaines, créées surtout après 1980 en Occident. Les œuvres sont apparues en même temps que les discours critiques sur l’art public favorisant l’art dialogique immatériel. Elles expriment une relation entre l’espace accessible au grand public, le corps humain et le temps tel qu’il est appréhendé par l’homme et inscrit dans une continuité historique. Ces liens sont traités dans trois parties qui explorent la manière dont chaque œuvre remet en question notre identité individuelle, révèle la nature processuel des relations qui évoluent au fil du temps et incite le spectateur à re-construire le public. L’art public contemporain accueille le conflit et remet en cause le consensus rationnel et fondamental, visé par des modèles de la sphère publique discursive et l’hégémonie dominante, en soutenant une démarche qui se veut une étape de travail. Alors qu’on peut établir une distinction entre les artistes critiques défendant des espaces agonistes et ceux qui tendent à créer du consensus, nous maintenons que la sculpture publique, qui a un intérêt social et qui soutient le renouvellement politique, se trouve toujours en équilibre entre ces deux positions. Auparavant, l’œuvre était créée pour un public existant ; aujourd'hui, elle est la création de son propre publicThis study aims to analyze how public art projects beg the question, both philosophical and political, of the function of a work of art. At once accessible and critical, public sculpture gives a social dimension to the phenomenological experience of the body and enables the public sphere to materializes into a real space of social interaction. Our 55 case studies cover contemporary sculpture created in the Western world, primarily after 1980. These works appeared at the same time as the critical discourse on public art began promoting intangible forms of social practice. The sculptures link together public space, the human body and time structured by human history. These links are discussed in three sections that explore how each artwork challenges individual identities, reveals social relationships to be processes that evolve over time, and encourages the viewer to become publicly engaged in social change. Contemporary public art welcomes conflict and undermines both the rational consensus endorsed by models of the discursive public sphere and the dominant hegemony, supporting an approach intent on creating temporary spaces for exchange and dialogue. While we can distinguish between critical public artists that defend agonistic spaces and those who aim to create consensus, we maintain that public sculpture, which at once exists the public interest and supports political renewal, must oscillate between these two positions. In the past, public art was created for an existing audience. Today it must form its own public
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Aguilar, Yves. "Les catégories esthétiques de l'Etat : un art de fonctionnaires : le 1 % [pour cent]". Paris 1, 1988. http://www.theses.fr/1988PA010254.
Texto completoResumen
Il s'agit ici de la description de l'engrenage du droit et de l'art mis par le pouvoir à son service. Après un constat rapidement chronologique, les fondements sont recherches avant que les ressorts théoriques et pratiques du mécanisme soient exposés. Une série de cas est ensuite analysée qui montre que, la plupart du temps, l'esthétique est d'état. Cette démonstration est renforcée par la reconstitution de carrières d'artistes d'état en relation constante avec des fonctionnaires de l'art. Cette dialectique de l'état et de l'art repose sur un substrat juridique qui est examiné au travers de la fonction, dont une des limites est financière. Il ressort, en définitive, que si la dignité ne meurt pas, l'art non plus car il en est partie intégranteThis study deals with the description of the interplay of law and art put in motion by the power which is available to it. After a quick chronological survey, the basis are researched before the exposure of the practical and theoretical forces of the mechanism. Then the analysis of a series of case studies shows that most of the time, art stems from the state. This demonstration is reinforced by the recreation of the careers of artists of the state in constant touch with civil servants of art. This dialectic of the state and art is based upon a legal substratum which is examined through the function one of the limits of which is financial. The eventual outcome is that if "dignitas non moritur", nor does art for it is an integral part of it
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Ahamed, Youssouf Hassani Mzé Hamadi. "Théâtre à l'hôpital et politique de santé publique : approches de sciences auxiliaires du droit". Thesis, Normandie, 2020. http://www.theses.fr/2020NORMLH14.
Texto completoResumen
En France, la médecine d’une manière générale est envahie par la culture et les établissements de santé sont transformés en lieux de théâtre et d’arts. Les professionnels de santé se trouvent dans l’obligation de travailler avec des artistes non seulement pour améliorer la politique de santé mais aussi pour faire évoluer l’état de santé du patient.En particulier, le théâtre a souvent puisé ses sources dans le domaine de la santé et de la médecine pour divulguer ses informations et la santé à son tour n’a jamais cessé de faire appel au théâtre comme éventuels soutiens de communication. Le théâtre facilite la communication directe des malades et des usagers de l’hôpital avec le personnel médical et il constitue un échelon de grande importance pour l’éducation sanitaire du malade ainsi que de son entourage. La capacité d’informer, d’éduquer et de communiquer est un atout du théâtre qu’il partage avec toutes les disciplines. Mais la médecine s’approprie ce système avec la collaboration des professionnels du théâtre. Avec un grand intérêt, ce travail a étudié la question de l’intégration du théâtre dans le domaine sanitaire d’une part, et, la question de la propriété des œuvres artistiques et scientifiques opposant les artistes, les professionnels de santé et les patients, d’autre part.Ainsi, il s’est interrogé sur la définition de ces œuvres artistiques issues des travaux des patients qui souffrent de troubles psychologiques dans des ateliers de théâtre à l’hôpital. Le professionnel médical, le comédien thérapeute et le patient, chacun d’entre eux, demande ou réclame la propriété de ces œuvres. Cette thèse a démontré que les obstacles sont nombreux et considérables, du fait notamment de l’implication des différents professionnels et des statuts juridiques non-identiques.Cette étude montre que des ergothérapeutes, des psychiatres, des infirmiers et d’autres professionnels de santé utilisent en permanence, d’une manière ou d’une autre, le théâtre comme moyen thérapeutique en psychiatrie, en ergothérapie et dans d’autres processus de traitements. C’est pourquoi cette politique d’intégration de la culture au sein des établissements de santé a poussé cette recherche à étudier la place et le statut de l’artiste à l’hôpital ainsi qu’à chercher à comprendre en quoi le théâtre pratiqué par le professionnel de santé seul ou en collaboration avec l’artiste, est un moyen thérapeutique.La Convention de 1999 signée par le Ministère de la culture et le Ministère de la santé donne à l’artiste la possibilité d’introduire la culture à l’hôpital mais ne précise ni son statut professionnel à l’hôpital ni ses responsabilités en cas de dommages. Ce travail a essayé, à travers cette convention et son champ d’intervention, de donner un statut à l’artiste thérapeutique exerçant à l’hôpital.Cette thèse montre, du début à la fin, que le théâtre participe au processus de prise en charge du patient non seulement pendant son hospitalisation mais aussi après sa sortie de l’hôpital. Il favorise sa réintégration ou sa réinsertion sociale et aide les proches du patient à comprendre leur malade.Cette analyse permet de comprendre que la pratique du théâtre dramatique à l’hôpital mérite une attention particulière et une réglementation spécifiqueIn France, medicine is generally invaded by cultural activities and health centers are converted into theater and arts sites. Healthcare professionals find themselves forced to work with artists not only for the event of improving healthcare policy but as well to change the patient's state of health.In this particular case, the theater has often drawn its sources from the fields of health and medicine to disclose its information, and medical health, however, has never ceased to appeal to the theater as a way of communication. The theater provides directly a better communication of patients and hospital users with healthcare personnel and is a very important step in the improvement of the health state of the patient and those around him. The ability of the theatre to inform, educate and communicate is an asset that all disciplines can share. But medicine is appropriating itself this system with the assistance of theater professionals (artists).With big interest, this work has put in value a question on how the theater can be a part of healthcare in one hand, and in the other hand, the question of the ownership of artistic and scientific works the put apart artists, healthcare professionals and patients.This work has as well questioned on the definition of these artistic works resulting from the performance of patients in the hospital’s theater workshops who suffer from psychological disorders. The medical professional, the actor therapist and the patient, each of them, request or claim ownership of these works. This work has demonstrated numerous and significant obstacles, due to, particularly, the involvement of different professionals and different legal platforms.This work shows that occupational therapists, psychiatrists, nurses and other health professionals continuously use theater in one way or another, a therapeutic way in psychiatry, occupational therapy and other health treatments processes. This is why this policy of integrating culture within health centers has prompted this research work to study the place and status of the artist in the hospital as well as to seek and understand how the theater as practiced by health professional alone or in collaboration with the artist, can be a therapeutic means.The 1999 Convention signed by the Ministry of Culture and the Ministry of Health provide to the artist the possibility of introducing cultural (artistic) activities to the hospital but does neither specify the professional status of the artist in the hospital nor his responsibilities in the event of damage. This work has tried, through this convention and its scope, to give a status to the therapeutic artist performing in the hospital.This work shows, from the beginning to the end, that the art of theater participates in the patient care process not only during hospitalization period but also after discharge from hospital. It promotes social reintegration and helps the patient's relatives to understand their patient.This analysis makes clear the understanding, that the practice of dramatic theater in hospitals deserves special attention and specific regulation
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Four, Pierre Alain. "Intervention publique et art contemporain : la création des Fonds régionaux d'art contemporain, : leur insertion dans le monde de l'art et leurs politiques d'acquisitions". Paris, Institut d'études politiques, 1995. http://www.theses.fr/1995IEPP0014.
Texto completoResumen
Inscrite dans le champ de l'analyse des politiques publiques, la thèse aborde aussi des questions relatives à la sociologie de l'art, et dans sa dernière partie à l'histoire de l'art. Dans la première partie, sont abordés les questions de la formation de la politique et de la prise de décision. Y sont mise en évidences les origines des 22 FRAC, structures financées par les régions et par l'état en vue d'acheter et de diffuser des oeuvres d'art contemporain. Les FRAC apparaissent comme l'expression de deux courants dominants au moment de leur mise en place. D'une part la nécessité de répondre aux attentes des militants de la démocratisation de l'art qui souhaitent une plus large diffusion de l'art contemporain et d'autre part opérer une modernisation de l'intervention publique afin de prendre en compte l'évolution des productions plastiques. Dans la deuxième partie, ce sont les modalités de ce changement qui sont mises en avant. Très vite les FRAC se détachent des objectifs assignés par leur tutelle politique. En effet, plutôt que de se conformer aux objectifs politiques, ils adoptent et adaptent les règles en vigueur dans le monde de l'art. Ceci s'explique par l'absence de légitimité de l'intervention publique en matière culturelle et plus encore s'agissant de l'art contemporain. La troisième partie est consacrée à l'analyse de l'activité des FRAC et plus particulièrement de leurs acquisitions. Reprenant les débats qui portent sur l'officialisation de l'art par l'intervention publique, il est mis à jour une bataille pour la définition de l'art. La thèse énumère les différentes conceptions de l'art pour voir en quels termes les achats publics reflètent ces différentes conceptions de l'art. On constate que les FRAC pris dans leur ensemble représentent bien les différentes définitions de l'art, ce qui ne permet pas de conclure à une reconstruction pour l'intervention publique de critères esthétiquesDealing with public policies, in relation with FRACs (fonds régionaux d'art contemporain). This PhD concerns as well art sociology and art history. The first part analyses how the policy was built and how the decision to apply it was taken. The origins of the FRACs, funded by the state and regional autorities, in order to support contemporary art through exhibitions and purchases, are widely studied. These roots appear to express a compromise between the partisans of a relaunch of art democratization through a larger diffusion, and those of a modernisation of the public intervention in order to better take into account the latest evolutions of contemporary art history. Soon after their foundation. FRACs encountered some profund changements, which the second part of this study describes in details. Many managers of theses institutions chose to follow the professionnal rules of the world art instead of following the initial political goals. This was mainly due to a lack of legitimacy of public intervention in this sensitive field. The third and last part closely examine art purchasing, one of the most specific activities of the FRACs. A "battle" for the definition of art (what is art and what is not) goes with debates about officialization of art and aesthetic criteria through public intervention and massive purchase. Nonetheless, it appears that this intervention remains pluralistic : the works chosen by the FRACs reflect a wide range of "definitions" of art which does not enable to conclude that these institutions contribute to rebuilt academic aesthetic criteria
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Cervera, Raphaël. "Figures de l'oubli : images artistiques et fabrique de la mémoire publique, du quinzième siècle à nos jours". Thesis, Bordeaux 3, 2015. http://www.theses.fr/2015BOR30043/document.
Texto completoResumen
Notre époque connaît-elle véritablement une surenchère mémorielle ? L'idée d'une perte nous serait en tout cas devenue presque insupportable. En sciences humaines, de nombreux travaux ont été consacrés à la mémoire (Halbwachs, Le Goff, Yates…). Ces vingt dernières années pourtant, l'oubli a préoccupé les artistes (Pascal Convert ou Anne et Patrick Poirier), et les intellectuels (Augé, Todorov, Ricoeur). À la Renaissance déjà, le peintre et biographe Giorgio Vasari prétendait lutter contre cette « seconde mort » que serait l'oubli. En partant de la notion renaissante de renommée, de ses liens avec l'histoire, nous aimerions faire la généalogie de cet oubli « négateur », empêcheur d'une juste mémoire, à partir de plusieurs images, de plusieurs figures de l'oubli. En effet, il convient d'une part d'analyser des « formes de l'oubli », et d'autre part d'examiner la façon dont les artistes ont pu donner une « figure » à l'oubli. C'est donc un travail sur l'image de la mémoire publique que nous proposons (à condition que nous regroupions sous ce même terme images matérielles et images produites par le discours). Comment l'oubli peut-il être perçu tour à tour comme un lieu, un personnage, un processus? Quels sont ses liens avec l'entreprise historiographique? Pour répondre à de telles questions, il est nécessaire d'examiner les intrications entre histoire et mémoire, historiens et œuvres d'art, artistes et discours légitimant la pratique de ces derniers. Selon notre thèse, la mémoire publique, loin de connaître un excès, serait entrée au contraire dans un important, et croissant, déficitDoes our time truly know a memorial bidding? The idea of a loss would become almost unbearable to us. Many humanities studies have been devoted to memory (Halbwachs, Le Goff, Yates ...). For the last twenty years, however, oblivion has preoccupied artists (Pascal Convert or Anne and Patrick Poirier) and intellectuals (Augé, Todorov, Ricoeur). During the Renaissance already, the artist and biographer Giorgio Vasari claimed to fight against this "second death" that oblivion would represent. Starting from the re-emerging notion of glory,, from its links with history, we intend to draw a genealogy of this "contrarian" oblivion which prevents a just memory, using several images, several figures of oblivion. Indeed, we should firstly analyze "forms of oblivion", and then examine how artists have given a "figure" to oblivion. It is then a study on the image of public memory that we offer (provided that we include in the same term material images and pictures of the speech). How does oblivion can be perceived in turn as a place, a character, a process? What is its connection with the historiographical undertaking? In order to answer such questions, we need to examine the intricacies between history and memory, historians and works of art, artists and speeches that legitimize their practice. According to our work, public memory, far from knowing an excess, has known a large deficit instead
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Delerins, Richard. "Le goût des saveurs : art culinaire et philosophie à l'âge classique". Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010667.
Texto completoResumen
A l'âge classique (XVIe - XVIIIe siècles) cuisine et philosophie ont entretenu des liens étroits; les cuisiniers ont emprunté aux philosophes leurs idées sur la nature et sur la « nature humaine»; les philosophes se sont interrogés sur l'alimentation et sur l'art culinaire. Que signifie lire et interpréter les recettes de cuisine anciennes : du Mesnagier de Paris (1393) à L'Art de la cuisine française au XIX siècle d'Antonin Carême (1832) ; la classification et le statut des aliments; les relations entre médecine, pharmacopée et alimentation; la diététique; les relations entre l'âme et le corps; la physiologie de la nutrition; les relations entre alchimie et cuisine; qu'est-ce qu'un aliment ?; la structure et la dynamique de l'« espace alimentaire» ; les principes de cuisson des aliments; La Varenne et l'invention de la cuisine française au milieu du XVIIe siècle; la réforme de la matière et des savoirs alimentaires; les représentations et les modèles du goût et des saveurs; les savoirs des grands chefs du siècle des Lumières : L. S. R, Massialot, Marin, Menon ; l'architecture du système culinaire français; la cuisine et son statut parmi les arts: peut-on parler d'une esthétique culinaire? Le goût et les saveurs ont-ils une histoire?
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Sidorova, Elena. "US public diplomacy through the prism of Andy Warhol’s Pop Art". Thesis, Paris, Institut d'études politiques, 2019. http://www.theses.fr/2019IEPP0043.
Texto completoResumen
Notre thèse étudie l’interaction entre la diplomatie publique américaine et le Pop Art d’Andy Warhol. Elle révèle que la diplomatie publique américaine peut prendre trois formes (les formes « hiérarchique », « hybride » et « horizontale ») et que chaque forme de la diplomatie publique américaine suit ses propres principes de la promotion internationale de l’œuvre d’Andy Warhol. Lorsque la diplomatie américaine prend la forme « hiérarchique », le Pop Art d’Andy Warhol est promu au niveau international par le biais de la participation nationale des États-Unis aux expositions universelles et à la Biennale de Venise ainsi que des expositions itinérantes de l’Agence d'information des États-Unis. Lorsque la diplomatie américaine prend la forme « hybride », le Pop Art d’Andy Warhol est promu au niveau international par le biais du programme international du Musée de l’art moderne de New York et du programme « Art aux Ambassades ». Lorsque la diplomatie publique américaine prend la forme « horizontale », le Pop Art d’Andy Warhol est promu au niveau international par le biais des expositions organisées par des marchands d’art et des conservateurs d’art américains et européens qui travaillent indépendamment du gouvernement des États-UnisThe current thesis studies the interplay between U.S. public diplomacy and Andy Warhol’s Pop Art. It argues that U.S. public diplomacy is embedded into three forms (the ‘hierarchical’, ‘hybrid’, and ‘horizontal’ ones) and that each form of U.S. public diplomacy follows its own, individual ‘principles’ of the international promotion of Warhol’s work. When U.S. public diplomacy takes the ‘hierarchical’ form, Andy Warhol’s Pop Art gets promoted internationally through the U.S. national participation in World’s Fairs and the Venice Biennale, and USIA’s travelling shows. When U.S. public diplomacy takes the ‘hybrid’ form, Andy Warhol’s Pop Art gets promoted internationally through MoMA’s international program of circulating exhibitions and the Art in Embassies Program. When U.S. public diplomacy takes the ‘horizontal’ form, Andy Warhol’s Pop Art gets promoted internationally through the gallery shows and museum exhibitions organized by U.S. and European art dealers and art curators who work independently from the U.S. government
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Thiéry, Sébastien. "La commande publique contemporaine ou l'échéance de la politique monumentale : l'institution de l'État au miroir des "anti-monuments" installés dans l'espace public en France (1983-2002)". Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010261.
Texto completoResumen
Notre travail vise à aborder une politique nouvellement impossible, celle consistant en la mise en scène d'un ordre monumental où se manifeste l'autorité de l'institution commanditaire. Dispositif administratif sectoriel au service de la création satisfaisant à l'impératif d'autonomie du geste de l'artiste à l'égard du pouvoir politique, la "relance" de la commande publique aura conduit à la réalisation d'oeuvres antinomiques de la notion de monument séparé et pérenne, c'est-à-dire sacré. Le non-lieu de la commande publique s'analyse alors comme l'échéance d'un modèle anthropologique, c'est-à-dire de la politique monumentale entendue comme mise en scène d'un ordre politique. De fait, loin de fonder un espace de représentation dont il serait le gardien, l'État ne vise désormais qu'à prouver son aptitude à la modernité. Ainsi, organisant sa propre disparition de l'espace monumental, l'État s'efface en tant qu'institution pour ne demeurer qu'en tant qu'appareil communicant.
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Ornano, Stanislas d'. "Art contemporain et régulation politique dans les années 80 : étude cognitive comparée (Allemagne/France)". Grenoble 2, 2002. http://www.theses.fr/2002GRE21004.
Texto completoResumen
Dans les années 80, l'art contemporain qui exprime souvent un relativisme des valeurs dans un geste créateur subjectiviste, connaît une montée en puissance sans précédent en tant que bien symbolique convoité dont le sens est réapproprié par des politiques de l'art. La comparaison franco-allemande du sens de ces oeuvres et du rapport qu'elles entretiennent avec la contemporanéité s'inscrit principalement ici dans la cadre conceptuel historique et anthropologique développé par Georg Simmel autour de la notion de tragédie de la culture. Trois types de résultats sont envisagés. L'analyse argumentative montre une crise des commentaires plus qu'une crise de l'art contemporain. La comparaison des oeuvres traduit un besoin de "lisibilité" lié à une relativisation de l'universalisme à la française et un besoin de "visibilité" après l'absence d'images de la société post-holocauste. Les politiques de l'art ont joué un rôle plus important en France qu'en Allemagne dans la régulation politique.
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Dubois, Vincent. "La culture comme catégorie d'intervention publique : génèses et mises en forme d'une politique". Lyon 2, 1994. http://www.theses.fr/1994LYO22005.
Texto completoResumen
Les problèmes de définition forment un enjeu central et une spécificité des politiques culturelles françaises. La comparaison historique des années 1880 1914 et 1960 1990 montre que ces problèmes résultent des luttes pour la production des représentations légitimes de l'espace social et pour la monopolisation de l'universel. Ces luttes opposent les agents de l'Etat à ceux du champ culturel à chaque étape de l'institutionnalisation de ces politiques. La catégorie "politiques culturelles", constamment référée à l'espace social, ne se stabilise alors que dans un flou structurelDefinition problems are a main issue and a specificity of french cultural policies. Historical comparison (1880-1914 and 1960-1990) shows that these problems result from the conflicts for the production of legitimate representations of the social space and for the monopolisation of the universal. These conflicts bring together the agents of the state and those of the cultural field at each stage of these policies institutionnalization "cultural policies" category, constantly referred to the social space, then only becomes stable in a structural blur
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Tseng, Jii-Rong. "Un art national se dissout-il dans la mondialisation de l'art ? : comment l'art à Taïwan et dans la diaspora taïwanaise depuis 1987 est parti de son nationalisme pour en arriver à sa position cosmopolite". Thesis, Paris 10, 2009. http://www.theses.fr/2009PA100191/document.
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Réfugié à Taïwan en 1949, l’autoritaire Guomindang, JIANG Jei-shi, possédait des trésors artistiques de la Cité Interdite de Pékin comme appui de son hérédité légitime et orthodoxe de la culture traditionnelle chinoise et du régime politique - la République de Chine - à Taïwan. Cependant, le développement de l’art taïwanais avait pour but de forger la conscience nationaliste et l’identité culturelle. La subjectivité culturelle des Taïwanais n’a pas développé depuis la colonisation espagnole du 17ème siècle. 1987 - la levée de la loi martiale - a poussé cet art à entrer dans sa transition : sa mission historique du porteur propagandiste politique, nationaliste et identitaire culturel s’est dénuait. Dès lors, l’art taïwanais s’accélérait synchroniquement avec l’art mondial. Le miracle économique et la défaite diplomatique des années 70 ont incité le premier élan de la subjectivité culturelle taïwanaise : le mouvement nativiste. Quant au deuxième élan, le mouvement de « Taïwanisation » des années 80, est la mise en preuve de « l’art comme enjeu politique » du Parti Indépendantiste. Dès les années 90, l’Etat promeut activement son art en Occident. La mondialisation incite - l’exode de cerveaux de l’art taïwanais vers la Chine, en Occident, la venue d’immigrants d’Asie sud-est dans l’île, les voyages fréquents de jeunes créateurs à l’étranger – le marché de l’art national se déclinait. L’essor de l’art chinois en Occident poussait cet art porteur nationaliste à envisager son dilemme : un art défende son identité nationale culturelle ou un art au goût commercial fait part de l’art chinois. Les artistes émigrants d’outre-mer s’embarrassent entre le mythe nostalgique de « old diaspora » et la flexibilité identitaire nationale de « new diaspora ». Membre essentiel de la « Cultural China », l’issue de l’art taïwanais dans le monde chinois reste non seulement une question essentielle pour la Chine, mais aussi celle du mondeTaking refuge in Taiwan in 1949, the authoritarian Kuomintang, JIANG Jei-shi, owned art treasures of the Forbidden City in Beijing to support its legitimate and orthodox inheritance of traditional Chinese culture and political system - the Republic of China - to Taiwan. However, the development of Taiwanese art was to forge national consciousness and cultural identity. The subjectivity of Taiwanese culture has not developed since the Spanish colonization of the 17th century. 1987 - the lifting of martial law - has pushed the art into his transition: its historic mission of enabling political propaganda, nationalism and cultural identity was stripping. Therefore, the Taiwanese art accelerated synchronously with the art world. The economic miracle and diplomatic defeat for 70 years led the first wave of Taiwanese cultural subjectivity: the nativist movement. The second impulse, the movement of "Taiwanisation" 80 years, is putting in evidence of "art as a political issue" of the Independence Party. By the 90s, the state actively promotes his art in the West. Globalization encourages - the brain drain of art from Taiwan to China in the West, the arrival of immigrants from Southeast Asia in the island, the frequent travel of young designers abroad - the market of national art was declined. The development of Chinese art in the West pushed nationalist carrying this art to consider his dilemma: an art to defend its national identity or cultural taste commercial art expressed in Chinese art. Artists emigrants overseas entangled between the nostalgic myth of 'old diaspora and the flexibility of national identity "new diaspora". Key member of the "Cultural China" after Taiwanese art in the Chinese world is not only a critical issue for China, but also that of the world
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Wang, Hongfeng. "Être artiste à Shanghai au début du XXI' siècle, entre institutions publiques et marché". Paris 7, 2014. http://www.theses.fr/2014PA070073.
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Depuis les deux derniers plans quinquennaux, le gouvernement chinois met au premier rang de ses priorités le développement des zones rurales. La stratégie suivie repose largement sur l'industrialisation et l'urbanisation, ce qui d'une part ne tient pas compte des thypicités de l'espace rural et d'autre part entre en contradiction avec les objectifs de protection de l'environnement et de stabilité sociale. Le développement rural est envisagé comme la diffusion du développement urbain. Dans cette thèse sont recherchés les moyens de réaliser des projets de développement socialement durable en Chine rurale. Partant du principe que les techniques et systèmes économiques durables existent déjà, le problème central est de trouver les moyens de les appliquer dans le contexte chinois. Le deuxième objectif est de déterminer quel acteur est à même de mettre en place un modèle de développement durable, et comment il peut légitimer ses actions auprès des acteurs actuels locaux que sont les gouvernements et les entrepreneurs. La thèse relate une recherche-action. Dans le cadre d'un village du Hebei, ont été lancés des projets de réhabilitation du patrimoine (tourisme, gîtes, produits du terroir). Le patrimoine est placé au centre du développement du village. Ces initiatives offrent l'occasion d'étudier la réaction de la population et du gouvernement local. Cette première série d'actions prépare l'étape suivante, une intervention à l'échelle d'un territoire de cinq villages. Cette proposition est analysée au regard d'autres modèles de développement alternatif, telles que celui formulé par le Nouveau mouvement de reconstruction rurale. Ces projets restent pour la plupart limités en termes d'échelleThe development of the art market in China has drastically changed the Chinese art world for 30 years. This market is supervised, controlled and monitored by the govemment which also vigorously takes part in its expansion. First, this thesis disçusses the analysis of public and private mechanisms which allow artists to practice their professions. All these mechanisms are presented in a historical perspective. The main research field of this thesis is the city of Shanghai. It shows that these public and private mechanisms, far away from opposing each other, interpenetrate each other. Second, this thesis talks about artistic careers: from training programs in schools and at universities to part-time or full¬time pursuit of the artistic profession on the local, national or international stage. This survey is based on questionnaires and interviews with artists and students who are very involved in visual arts. Thus, this thesis is both a contribution to the literature on changes in the fast 30 years and to the one on artistic careers
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Bastoen, Julien. "L’Art contre l’État ? : la trajectoire architecturale du Musée du Luxembourg dans la construction de l’illégitimité de l’action artistique publique, 1848-1920". Thesis, Paris Est, 2015. http://www.theses.fr/2015PEST1075/document.
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Interrogeant les rapports entre l'État et le champ artistique en France entre 1848 et 1920, ce travail de recherche en histoire de l'architecture repose sur le postulat que la trajectoire architecturale du Musée du Luxembourg fut l'un des lieux privilégiés de la construction d'une représentation négative de l'intervention de l'État dans les affaires artistiques. Ce musée, dont les collections sont aujourd'hui atomisées dans différentes institutions parisiennes et provinciales, devint, en 1818, le premier musée d'art contemporain, par la volonté du roi Louis XVIII. Dès l'origine, il fut considéré comme la pépinière du Louvre. Cette relation de symbiose entre les deux institutions, basée sur le principe des vases communicants, servit de référence à l'émergence de nouveaux paradigmes muséaux en Europe et en Amérique du Nord, jusqu'au premier tiers du XXe siècle. La principale mission du Musée du Luxembourg était d'affirmer la supériorité de l'art français face à celui des autres puissances européennes. Si sa représentativité artistique fut pour le moins partielle, son exemplarité architecturale, elle, demeura un idéal jamais atteint. L'analyse de fonds d'archives, de revues de presse et de documents parlementaires, permet de vérifier l'hypothèse de la construction progressive d'un antagonisme, grâce à la mobilisation de différentes catégories d'acteurs appartenant ou non au champ artistique. Cette mobilisation s'effectue collectivement par le biais des journaux, au sein des sociétés artistiques, des sociétés de mécènes, de groupements de citoyens et de fédérations de commerçants, sous la forme de discours, de pétitions, d'enquêtes ou de campagnes de presse, ou bien individuellement, à l'initiative des artistes représentés au musée ou de journalistes influents. Toutefois, la remise en question la plus décisive du rôle de l'État provient des utilisateurs du musée eux-mêmes, souvent impuissants face à la pesanteur des rouages bureaucratiques, à la maigreur des budgets alloués aux musées nationaux, et à l'inadaptation des locaux avec lesquels ils doivent composer. La construction de cette représentation négative se structure autour de moments clés récurrents : vernissage d'un nouvel accrochage des collections, intégration des œuvres d'un legs ou d'une donation, dépôt et discussion d'un rapport sur le budget des Beaux-arts, Expositions universelles, incidents touchant les collections, rumeurs colportées par la presse. Néanmoins, les moments les plus critiques coïncident avec la remise en question de l'existence même du musée, avec la menace de son expulsion, ou avec l'officialisation et la mise en œuvre de projets de relogement, qu'il s'agisse du transfert du musée dans des bâtiments existants, d'extension de ses locaux, ou de leur reconstruction intégrale. Chacun de ces événements contribue à la cristallisation de thèmes et d'enjeux, qui vont polariser l'essentiel des critiques formulées à l'égard de l'action artistique publique. On peut ainsi dégager quatre thèmes récurrents dans les débats : l'absence d'exemplarité architecturale du musée, incompatible avec le rayonnement artistique de la France et de sa capitale ; l'impossibilité de mobiliser les fonds nécessaires à une résolution définitive de la question de l'exemplarité architecturale ; l'impossible consensus sur la question de localisation du musée dans l'hypothèse de son relogement ; le paradoxe entre la construction d'une expertise des conservateurs en matière de programmation architecturale et l'incapacité de l'État à leur donner les moyens de l'appliquer. En aucun cas, cependant, cette critique de l'action (ou de l'inaction) de l'État ne débouche, avant 1920, sur des projets de création de musées concurrents et indépendants ; la mobilisation du champ artistique est tournée vers une forme d'assistance à l'État, dans la résolution de la crise qui touche le Musée du LuxembourgThis dissertation in architectural history argues that the architectural trajectory of the Luxembourg Museum in Paris was one of the main reasons why the French public art policy was considered as unwarranted and illegitimate. The Luxembourg Museum, whose collections are now scattered in various Parisian and provincial institutions, became in 1818 the world's first museum of contemporary art, by the will of King Louis XVIII. From the beginning, its aim was to feed the Louvre with recent and national art. The symbiotic relationship between these two museums, which was based on the principle of communicating vessels, was a paradigm for new museums in Europe and North America, until the first third of the twentieth century. Although the main mission of the Luxembourg Museum was to assert the superiority of French art face to that of other European nations, it was long criticized not only because it did not reflect the diversity of artistic trends, but also because the conditions under which its collections were stored and exhibited were unworthy of Paris' attractiveness and influence. Through the analysis of primary sources, press reviews and parliamentary papers, we wanted to test the hypothesis that the mobilization of different categories of stakeholders within and outside the artistic field led to an increasing distrust of public art policy. Leading artists represented in the museum, influential journalists from daily and art newspapers, art and patrons societies, citizens and merchant associations, promoted mobilization against through speeches, petitions, surveys or media campaigns. Even the museum professionals themselves were powerless against complicated bureaucratic procedures, shoestring budgets for national museums, and unsuitable storage and exhibition spaces, and ended up questioning the role of the French state in art policy. The negative image of the role of the French state was shaped at key moments and recurring events: the re-hanging of the collection, the display of a new gift or bequest, discussions about the annual budget of the ministry of Fine-Arts, World Fairs, preventive conservation matters, and rumors. However, the most critical moments coincided with the questioning of the very existence of the museum, with the threat of its uprooting, or the formalization and implementation of resettlement, extension or reconstruction schemes. Each of these events crystallized themes and issues that polarized most of the criticisms aired at the public art policy. We identified four major topics in this debate: the shameful absence of a purpose-built museum of contemporary art in Paris; the Governement's inability to raise funds to finally resolve the architectural issue; the lack of consensus on the future museum's location issue; the contradiction between the recognition of the curators' skills in architectural design and the inability of their administration to give them the opportunity to apply them. The main paradox is that although the public art policy was more and more considered as inaccurate and illegitimate, most of the artistic field helped the Government to resolve the ‘Luxembourg issue' and build a monument worthy of the nation
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Aubouin, Nicolas. "L' institutionnalisation des espaces artistiques déterritorialisés : de la construction de nouveaux mondes de l'art à la transformation des modes d'action publique". Paris 10, 2009. http://www.theses.fr/2009PA100123.
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Cette thèse s’intéresse au processus d’institutionnalisation de pratiques artistiques qui naissent en rupture avec les normes et les cadres des mondes de l’art (Becker, 1982) établis, comme les arts de la rue et les nouveaux territoires de l’art. L’analyse du phénomène s’appuie sur une étude approfondie de différents cas au sein de l’administration publique et de multiples lieux de production et de diffusion artistique. Ce travail de terrain nous a permis de mettre en évidence les spécificités des activités et des modes d’organisation de ce que l’on a appelé les espaces artistiques déterritorialisés, les collectifs d’artistes, les festivals et les lieux de fabrication des arts de la rue, les squats et les friches artistiques. Nous avons cherché à analyser les dynamiques de structuration interne et externe des organisations autour de différents dispositifs de gestion (Moisdon, 1997), qui conduisent à transformer progressivement ces espaces, mais aussi à établir des formes de coopération avec les services de l’Etat et ainsi les amener sur les sentiers de l’institutionnalisation (Di Maggio et Powell, 1991). Nous avons donc défendu l’idée que celle-ci était un processus de co-construction des organisations artistiques et de la gouvernance publique, caractérisé par l’émergence de cadres de gestion renouvelés tant dans la gestion interne des projets et dans les relations entre les structures, que du point de vue des modalités d’intervention publique. Cette thèse permet ainsi de jeter un nouveau regard sur les modalités de construction de nouvelles pratiques artistiques et de ses formes d’organisation, et sur le rôle de l’environnement institutionnel dans ce processusThis PhD thesis studies institutionnalization (Di Maggio et Powell, 1991) of new areas of artistic creation and distribution, outside the more conventional outlets – named disdeterritorialised areas – such as the “new territories of art” (artistic practices on former industrial or commercial wasteland, in derelict housing, etc. . . ), and street arts, raises the question of both the frontiers and approaches to public action. Indeed the transversality of these projects and the role that local authorities play in their development as well as the reconfiguration of operating formats, require the public administration to reorganise its actions through the creation of more transversal intervention mechanisms, the development of cooperation ventures between public actors and the commitment of new comptencies and expertises. Finally, this process demonstrate a co-building of new management tools (Moisdon, 1997) and public management. This thesis put forward a new representation of Art Worlds (Becker, 1982) and role of State
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Correa-Calleja, Elka Margarita. "Nationalisme et modernisme à travers l'oeuvre de Mahmud Mukhtar (1891-1934)". Thesis, Aix-Marseille, 2014. http://www.theses.fr/2014AIXM3118.
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Cette recherche porte sur la vie et l’œuvre de Mahmûd Mukhtâr, gloire de l’art égyptien, dont le travail prit naissance à une époque où les débats autour de l’identité nationale constituaient un enjeu crucial pour la construction de la nation moderne. En Égypte, l’idée de mettre en place un art figuratif se développa parallèlement au déploiement du pharaonisme - un courant historiciste proche du nationalisme territorial, dans lequel l’idée centrale était que la géographie était le facteur déterminant de l’histoire de l’Égypte. Dans l’historiographie de l’art égyptien, l’on a d’abord considéré l’art figuratif arabe comme en « décalage chronologique ». Si cette idée s’étendit aussi fortement, c’est parce qu’au début du XXe siècle, la modernité trouve l’une de ses expressions les plus importantes dans l’art des « avant-gardes » européennes. Mais, en réalité, au lendemain de la Grande Guerre, il émerge un mouvement de réaction favorable au retour à l’ordre classique. On qualifia dès lors de « modernistes », les œuvres d’art qui se trouvaient à mi-chemin entre ces deux tendances : le retour à l’ordre et les « avant-gardes ». C’est précisément dans ce contexte que se situe l’œuvre de Mukhtâr. De ce fait, l’objectif principal de cette thèse sera de replacer la production artistique de Mukhtâr dans les débats de son temps et de la comparer avec celle de ses collèges européens, pour remettre en question l’idée selon laquelle, l’art égyptien de l’entre-deux-guerres aurait eu un certain « retard » sur l’art européenThis thesis is about the life and works of Mahmûd Mukhtâr, glory of Egyptian art, at a time where the debates around national identity are crucial for the construction of the modern nation. In Egypt, the idea of creating figurative art was linked to the development of Pharaonism – a historicist trend close to territorial nationalism, in which the central idea was that geography was the determining factor in Egyptian history.Egyptian historiography, starts considering that Arab figurative art was in “delay” compared with that of Europe. The reason for the development of this idea was that at the beginning of the XXth Century, modernity found one of its most important expressions in European “avant-gardes”.But, in reality, after the Great War, a reactionary movement emerged. This trend favored the return to classical order, which was an art closer to Academism and figuration. We qualify as modernists, those works of art that are between these two tendencies: the return to classical order and the “avant-gardes”. It is precisely in this context where we can place Mukhtâr’s work. In this sense, the main objective of this dissertation is to compare Mukhtâr’s artistic production, with that of his European colleagues, in order to reconsider the idea of “delay” of Egyptian art created during the interwar period
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Khennouf, Nora. "Le sacré dans l'art contemporain en France dans la seconde moitié du XXème siècle". Lyon 3, 2009. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/in/theses/2009_in_khennouf_n.pdf.
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Un nombre significatif d'œuvres d'art contemporain ; peintures, vitraux, architecture sont qualifié d'art sacré. Qu'est-ce que le sacré ? Comment sa présence peut-elle être identifiée et quelle est sa fonction ? L'art contemporain en France dans la seconde moitié du XXème siècle doit être considéré dans la perspective de l'Histoire politique et religieuse du continent européen. Par les symboles du patrimoine religieux judéo-chrétiens, les artistes expriment leurs sentiments sur le monde dans lequel ils évoluent. Dénonçant la souffrance, les injustices, l'artiste s'engage comme citoyen du monde en défendant des valeurs humaines universelles. Cette autonomie artistique est accompagnée par la politique de commandes publiques développée dans les années 80 par l'Etat en direction des monuments historiques. Continuant les premières actions dans les années 50 des Pères Couturier et Régamey, les pouvoirs publics en partenariat avec les institutions religieuses permettent à l'artiste de créer des œuvres esthétiques et spirituelles. Espace, matière, forme et couleur donnent naissance à des vitraux ; création transcendantale offerte à un public en quête de sens. L'invisible, l'indicible émergent par une alchimie dépassant l'artisan. Le Corbusier, Mario Botta, l'un à l'église Saint-Pierre à Firminy (Loire), le second à Evry, bâtissent en élevant l'espace cultuel à un lieu spirituel et culturel. Artistes, conservateurs, philosophes, hommes d'églises, enseignants…ont enrichi mes recherches et constituent les sources de ma réflexion. Leurs conceptions ont conforté ma conviction qu'un art sacré reposant sur la sensibilité et l'engagement des artistes s'impose à notre monde contemporainA significant number of works of contemporary art; paintings, stained-glass windows, architecture are called holy art. What is holiness? How can it be identified and what is its function? Contemporary art in France, during the second half of the 20th century, must be considered from the viewpoint of the political and religious history on the European continent. By using Judeo-Christian symbols of the religious inheritance artists express their feelings about the world in which they live. Informing against all sorts of suffering and injustice the artist gets involved as a citizen of the world standing up for universal human values. That artistic autonomy goes together with a policy of public orders developed in the 80s by the government concerning listed buildings. Extending the first actions of Fathers Couturier and Régamey in the 50s, the Central government in partnership with religious institutions allows the artist to create esthetic and spiritual works of art. Space, matter, shape and colour give birth to stained-glass windows: transcendental creation offered to people in search for meaning. What you cannot see or cannot say comes up through alchemy surpassing the craftman. Le Corbusier, Mario Botta, the former in Saint-Pierre's church in Firminy in La Loire department, the latter in Evry construct and raise places of worship up to places of spirituality and culture. Artists, curators, philosophers, churchmen, teachers have enriched my research and account for the sources of my study. Their work strengthens my belief that a sacred art relying on the artist's sensibility and commitment imposes itself on the world today
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Toussaint, Jacques Heinrich. "Le citoyen et la commande : l’art public dans l’espace public en France et Allemagne (1973-2008)". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2021. http://www.theses.fr/2021PA080123.
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Cette thèse se penche sur la commande d’art public dans l’espace public entre 1973 et 2008 en France métropolitaine et en Allemagne. Sans perdre de vue les œuvres d’art elles-mêmes dans toute leur diversité, il s’agit d’examiner les politiques institutionnelles de ces deux régimes démocratiques, en particulier la commande publique en France et, outre-Rhin, les programmes municipaux de Kunst im öffentlichen Raum des villes-États de Brême et de Hambourg. Ces dynamiques répondent à des climats politiques et culturels fort différents, mais selon une idée commune (quoique parfois vague) : la démocratisation de l’accès à la culture. Cette attention au(x) public(s) nous engage à questionner l’importance variable donnée aux citoyens selon le contexte historique et politique, en étudiant notamment leur rôle dans les processus décisionnels, les enjeux liés à la médiation, et l’inclusion d’œuvres participatives ou collaboratives.Ainsi, nous menons une comparaison raisonnée de ces perspectives nationales, prenant comme point de départ l’historique de leur développement, en nous appuyant sur un large corpus de littérature critique et théorique, d’archives institutionnelles, et d’entretiens. Ce travail de synthèse, étayé et illustré par le commentaire de réalisations artistiques variées, nous permet de dégager différences et similitudes avec finesse. Nous adoptons enfin une perspective transnationale propice à l’esquisse d’une typologie de la prise en compte du citoyen dans l’art public dans l’espace publicThis thesis examines the commissioning of public art in public spaces between 1973 and 2008 in metropolitan France and Germany. Without losing sight of the artworks in all their diversity, our aim is to examine the institutional policies of these two democratic regimes, in particular the commande publique in France and, on the other side of the Rhine, the municipal programmes of Kunst im öffentlichen Raum of the city-states of Bremen and Hamburg. The dynamics we analyse respond to very different political and cultural contexts, but they are deployed in relation to a common (though sometimes vague) idea: the democratisation of access to culture. The public and the publics are taken into account, a concern which leads us to question the varying importance given to citizens, relatively to historical and political contexts. We especially address their role in the decision-making processes, in the issues related to mediation, and in the inclusion of participative or collaborative works.Consequently, we conduct a careful comparison of both national perspectives, using their inception as an historical starting point, and drawing from a large body of critical and theoretical literature, institutional archives, and interviews. Such a synthesis, supported and illustrated by informed commentaries of various artistic achievements, allows us to pinpoint crucial and subtle differences and similarities. Finally, we take on a transnational outlook to outline a typology of the involvement of citizens in the commissioning of public art in public spaces
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Allouard, Béatrice. "Vers un nouveau modèle d'administration culturelle publique en France : d'un "Etat providence" vers un "Etat expert"". Aix-Marseille 1, 1999. http://www.theses.fr/1999AIX10052.
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Quel role jouent les collectivites publiques en matiere de culture, en france, aujourd'hui ? le projet politique principal serait, depuis le premier ministere des affaires culturelles en 1959, l'egalite d'acces a la culture ou democratisation. Cependant, notre hypothese de depart pose qu'il existe aujourd'hui un changement de modele de gouvernement culturel : alors que l'institution culturelle publique reposait jusqu'ici sur le modele d'un etat-providence centralise, ce modele serait peu a peu remplace par un << etat-expert >> decentralise. Ce changement de modele politique s'explique par un changement de valeurs culturelles : - l'etat-providence, caracteristique des annees 60, concoit la culture au sens classique des beauxarts qui encourage les valeurs de l'art et de l'esprit. Le secteur culturel est administre par une institution centralisee et selon des regles opposees au secteur prive : c'est a dire que celui-ci doit etre une alternative au marche, guide uniquement par le profit et la croissance economique. - depuis la fin des annees 80, en periode de restrictions budgetaires notamment, le secteur culturel ne serait plus autant oppose aux regles economiques de gestion. Une rationalite gestionnaire apparaitrait qui fait intervenir les notions de croissance et d'efficacite dans le langage des politiques culturelles publiques : les budgets culturels doivent etre mieux geres pour eviter les gaspillages et les activites culturelles se concoivent comme une solution possible face aux problemes sociaux. Le secteur culturel devenant de plus en plus un enjeu economique et social, le champ politique aurait recours a un discours << expert >> pour aider les administrateurs dans leurs decisions. C'est en analysant ces << experts culturels >> et leurs methodes que nous avons voulu montrer le sens des politiques culturelles publiques aujourd'hui. Quelles valeurs et quelles normes culturelles sont vehiculees par cet << etat-expert >> - qui se caracterise par un processus de decentralisation des financements, des equipements et des competences de l'etat vers les collectivites locales ?
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Ventura, Christelle. "La fondation du Musée du Quai Branly : matériaux pour une anthropologie politique et culturelle d'une institution". Paris, EHESS, 2006. http://www.theses.fr/2006EHES0283.
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Héritier du projet de Jacques Chirac et de Jacques Kerchache de réserver une place pour les "Arts premiers" au musée du louvre, le musée du quai Branly, en reprenant les objets sur lesquels l'anthropologie s'est fondée et définie, devait annoncer une nouvelle ère des musées d'ethnographie à Paris. Une anthropologie politique et culturelle des onze année qui furent nécessaires à son élaboration et à sa construction renseigne sur les fondements et les ambitions de ce musée dans la lignée des Grands Travaux présidentiels. Une analyse muséographique et épistémologique de la nouvelle et des anciennes institutions éclaire le regard porté sur les arts et les sociétés non-occidentales et la place réservée à l'anthropologie dans le musée du quai BranlyBeing the direct heir of Jacques Chirac and Jacques Kerchache's project to reserve a separate space for the exhibition of "Arts premiers", in the Louvre, the Musée du quai Branly", embracing the objects on which anthropology was founded and difined, was set to announce a new area of ethnographical museums in Paris. The cultural and political anthropology of the eleven years that were necessary for its elaboration and construction explains the origines and the ambitions of this museum in the tradition of the presidential Grands Travaux. The museographical and epistemological analysis of thid new institution, as well as of older ones, illustrates the perception of non-western arts and societies and the space set aside for anthropology in the musée du quai Branly
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Cârneci, Magda. "Discours du pouvoir, discours de l'image : l'art roumain pendant le régime communisme". Paris, EHESS, 1997. http://www.theses.fr/1997EHES0018.
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En analysant l'art roumain entre 1945 et 1989, cette these fournit d'abord un premier parcours historique complet de la vie et de la production d'art mises en parallele avec le parcurs socio-politique de l'epoque communiste en roumanie. De ce point de vue, elle decrit trois periodes culturelles differentes. D'abord, la periode du debut du communisme (1945 1964), ou la "revolution culturelle" s'accompagne du regne indivisible du realisme socialiste. Ensuite, la periode de la normalisation culturelle (1965-1974), ou l'adoucissement de la censure et le debut de la politique nationale s'accompagnent d'un renouement avec la tradition artistique locale et d'une ouverture vers l'art occidental moderne. Enfin, la periode de declin du regime communiste (1974-1989), epoque de la dictature de ceausescu et de son "nationalisme socialiste", ou des phenomenes de culture alternative apparaissent, lies a une ideologie artistique experimentaliste et a de premiers signes de mentalite postmoderne. A cote de la recuperation historique, la these fournit egalement quelques concepts methodologiques specifiques. Ainsi, le concept d'art totalitaire est utilise pour la premiere periode, mais ses limites d'application pour les periodes suivantes sont aussi mis en lumiere. La notion de double culture et le binome tensione art engage - autonomie esthetique sont utilise pour l'analyse de la deuxieme periode. Le conflit entre l'art officiel, appartenant a la culture kitsch d'etat, et l'art alternatif, appartenant a une culture parallele, non-oficielle mais toleree par les autorites - est considere commedefinitoire pour la derniere periode. Les conclusions de la these proposent une comprehension plus nuancee de la specificite culturelle des pays central-est europeens dans le contexte du regne communiste mais aussi de leurs propres traditions culturelles. Selon l'auteur, l'art des derniers 50 ans de ces pays devrait etre envisage non seulement par rapport au binome communisme sovietique-communisme national mais egalement par rapport au binome modernisme international-modernisme local, puisque, finalement, l'art de ces pays rejoint progressivement, apres 1965, le cours general de l'art moderne en europe.
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Cormery, Lise. "L'Art en France de 1959 à 2000. Etat, Marché, Politique, Société et Communication. : socio-politique. Action et communication poplitique des beaux-arts. Sociologie. Artistes, commisaires-priseurs, marchands, experts, critiques des impressionnistes à l'an 2000. Communication. De la tradition aux nouvelles technologies et Internet". Paris 7, 2002. http://www.theses.fr/2002PA070021.
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Tome I Politique. La France a perdu son aura "de Terre des Arts". Pourquoi ? Est-elle pays de création, de destruction ou d'accueil des Beaux-Arts ? L'Etat régalien récupère, sauve ou détruit l'art ? Depuis la création du Ministère de la Culture par de Gaulle et Malraux en 1959 jusqu'à l'an 2000, tous les Présidents de la Ve République ont imposé aux artistes, des ministres de la culture. Est-ce un avantage ou une dictature socio-politique ? Quel est le profil socio-politique et culturel des présidents et de leurs favoris ? Sont-ils des "Homo Politicus" héros ou des hérauts, des créateurs de mythes ? Privilégient-ils la communication ou l'action ? Les français et les acteurs de l'art seraient-ils victimes d'une société civile schizophrène ou bénéficiaires d'un système équilibré ? L'aliénation idéologique et de facto des dictatures multiples : Etat omnipotent, Déesse Raison, prolétariat, centralisation, technocratie, chasse aux indépendants laminent-ils la démocratie ?. .Why did France lose its past aura as the number one nation devoted to fine arts ? Is she now welcoming, creating or destructing them ? Does our regalian governance save, take advantage or destroy art ? Since the creation of the Ministry of Culture by Malraux and De Gaulle in 1959 all governments have nominated a minister of Culture. In 2000, is such an institution for the better or some kind of a dictatorship ? What are the cultural and sociopolitical profiles of our Présidents and the ministers they have chosen ? Are they political heroes or plain media specialists ? Do they act or do they communicate ? Are the people devoted to fine arts trapped into a schizophrenic society or do they benefit with a well-balanced political system ? Are certain ideological alienations and de facto tyrannies like dictatorships of proletariat, technodemocracy, centralization by civil servants and officials, as well as the cult of the Goddess of Reason, Satism, and the with-hunt of free-minded people annihilating democracy as well as apolitical and independant "free ARTists" ?. .
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Personné, Laurence. "L'enseignement du dessin dans l'école primaire et secondaire publique de la Troisième République (1870-1914) : contribution à l'invention d'un nouveau citoyen". Lille 2, 1998. http://www.theses.fr/1998LIL20014.
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L'enseignement du dessin apparait comme une nouvelle discipline scolaire a la fin du xixeme siecle, lorsqu'il est integre de maniere obligatoire dans les etablissements d'enseignement primaire et secondaire publics. En mettant en evidence les processus et les contenus de l'impregnation de cette matiere par les ideologies dominantes de l'epoque, la sociologie historique de cette discipline scolaire demontre qu'elle constitue une instance de socialisation republicaine. Dans une premier temps, l'analyse des definitions du dessin et de son enseignement emanant des autorites intellectuelles et politiques met a jour leur volonte de transformer l'acte d'art individuel en une discipline scolaire. Cette determination s'exprime dans les programmes officiels qui assignent precisement et formellement a l'enseignement du dessin un objet, un objectif et une pedagogie. Dans un second temps, l'etude de l'institutionnalisation du dessin met en evidence le decalage entre les volontes politiques theorisees dans les textes des lois et la pratique reelle des cours de dessin. Au tournant du siecle, la prise de conscience de cet ecart suscite une reflexion nouvelle sur la formation des professeurs specialisees ainsi que l'evolution des programmes. En dernier lieu, la permeabilite de la discipline scolaire dessin aux theories "scientifiques" et aux grands debats sociaux et politiques du moment interroge sur l'instrumentalisation de cette matiere. Au dela de l'apprentissage artistique, l'enseignement du dessin diffuse et impose, de maniere plus ou moins volontaire, la conception republicaine de la patrie et de la citoyenneteThe teaching of drawing appeared as a new branch of education at the end of the xixth century, when it was legally integrated into all primary and secondary lay schools. Displaying procedures and contents of the impregnation of this school subject by ideologies of this period, historical sociology of the special system for teaching of drawing proves that this branch helped the young to learn how to become "good" citizens. Firstly, definitions of drawing and its teaching showed the will of the intellectual and political authorities to change the individual artistic act into a real school subject. This resolution was included in programs, which imposed an object, an aim, and a special teaching method in the teaching of drawing. Secondly, the appearence of the teaching of drawing into the educational system showed the difference between the political intention theorized in the legal texts and the real practice of drawing lessons. At the beginning of the xxth century, this difference came home to authorities and instigated a new consideration about the education of teachers and the evolution of the programs. Finally, permeability of teaching of drawing to scientific theories and important social and political debates allowed it to spread republican theories of mother country and citizenship
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Soukup, Sara. "La normalisation de l'art et ses limites : le cas de l'estampe originale en Tchécoslovaquie de 1948 à 1989". Lyon 2, 2006. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2006/soukup_s.
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La politique artistique du régime totalitaire, en Tchécoslovaquie de 1948 à 1989, mit en oeuvre une normalisation de la vie artistique. Elle dirigea la création artistique, définissant l'étendue des possibles et contrôlant la production, avec une rigueur variable suivant les périodes. Ce contexte de contraintes peut être défini historiquement à partir des discours politiques ou des sources publiées au sujet de l'actualité de la scène d'exposition. Un écart apparaît entre la planification et l'application effective des directives et révèle un rapport de pouvoirs entre la ligne imposée et des déviances et résistances. Entre clandestinité et semi-légalité, exista une communauté artistique marginale et sans cohésion, formée de destins individuels. L'estampe fut pour les artistes marginaux un médium d'expression capable de contourner les limitations d'accès au public, ouvrant sur une sensibilité existentielle, introvertie et introspective et offrant une vaste étendue de possibilités créatives originales. Cette voie permit à des artistes très différents, tels que Jirí Balcar, Vladimír Boudník, Jozef Jankovic, Oldrich Kulhánek, Eduard Ovcacek, Bohuslav Reynek et Adriena Šimotová, de retrouver une forme de liberté, dépassant leur sentiment d'isolement, et d'affirmer et de porter jusqu'à la reconnaissance leurs normes esthétiques et morales. Le réalisme, le conditionnement, l'ironie et la compassion sont parmi les thèmes fondamentaux de l'art de ces artistesThe artistic policy of the totalitarian regime in Czechoslovakia from 1948 to 1989 brougt about a normalization of artistic life. It supervised artistic creation, defining the extent of possibilities and controlling production with more or less severity according to the period. This context of constraint can be historically defined from political speeches or sources published about the topicality of the exhibition-scene. A discrepancy emerges between the planning and the actual implementation of instructions, and reveals a power-struggle between the imposed line of conduct on the one hand, and deviancy and resistance on the other. Between clandestinity and semi-legality existed a marginal uncoordinated artistic community composed of individual destinies. For marginal artists the print was a means of expression capable of getting round the limitations of access to the public, opening onto an introspective, introverted and existentiel sensitivity, and offering a vast range of original creative possibilies. This directions allowed very different artists such as Jirí Balcar, Vladimír Boudník, Jozef Jankovic, Oldrich Kulhánek, Eduard Ovcácek, Bohuslav Reynek and Adriena Šimotová to discover a form of liberty going beyond their feeling of isolation, and to affirm and bring to recognition their moral and aesthetic norms. Realism, conditioning, irony and compassion are to be found amongst the fundamental themes of these artists' expression
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Bauerfeind, Bettina. "Le contexte en question : les expositions de projets d’art public et leur influence sur la création artistique contemporaine". Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040158.
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Les expositions de projets d’art public, nouvelle forme de commande artistique née dans les années 1970, changent de manière significative les paramètres de la création artistique contemporaine dans la ville. Associant une présentation dans l’espace public à la création in situ, elles incitent les artistes à réaliser leurs œuvres en vue d’un événement citadin et en fonction d’éléments spécifiques du contexte d’exposition urbain (comme la topographie du lieu, son histoire, son architecture...). Si l’impulsion première que ces manifestations délivrent aux artistes est primordiale pour la création de tout projet d’art public, elles laissent une marque plus précise dans les attaches individuelles qui relient ces œuvres à leurs sites urbains. Retraçant l’évolution du concept d’exposition de ses origines jusqu’en 2007, se dessinent successivement trois générations principales dont la césure correspond, au niveau de leur contenu artistique, à des élargissements substantiels du vocabulaire formel des participants. Une distinction entre formes abstraite, urbaine et relationnelle nous permet d’évaluer des retombées importantes de la commande artistique sur les œuvres en saisissant les différents degrés de leur intégration contextuelle, laquelle atteint son apogée dans des projets qui se construisent autour de ready-mades assistés ou simples trouvés sur place.Nouveaux types de monuments, éphémères pour la plupart, ces derniers constituent un art public sans précédents historiques dont nous mesurons, à travers l’exemple de douze études de cas, le rapport à la démarche artistique individuelleIn the 1970s site-specificity revolutionizes the framework for artists working in the arena of public art. A new exhibition format, entirely based on new commissions, extends institutional activity way into the heart of the city space. By challenging artists to create new works that engage their particular urban surroundings (for example, the topographical, historical or architectural aspects of a site), these exhibitions of mostly temporary public art projects give a crucial new impulse to contemporary artistic creation in the city.This dissertation examines the effects this new form of commission exerts on the artists’ works by analyzing the ties that bind the projects to their installation sites. Following the evolution of public art project exhibitions from their inception to 2007, we distinguish between three main trends. Not only do they present major organizational differences, but their artistic content is characterized by a successive and substantial expansion of the participants’ formal vocabulary. A distinction between an abstract, an urban and a relational form enables us to evaluate the different degrees of contextual integration of extrinsic elements into the works of art and to locate the impact these commissions have on projects created with urban ready-mades found on the site. New types of monuments, mostly ephemeral, constitute a public art without historic precedents and of which we measure, at the example of twelve case studies, the relation to individual artistic methods
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Amidon, Catherine S. "La politique artistique française des années trente : étude des expositions en France et à l'étranger". Paris 1, 1992. http://www.theses.fr/1992PA010663.
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"La politique artistique française des années trente : étude des expositions en France et à l'étranger" est une analyse de la peinture dans le contexte de l'exposition, les commentaires critiques et les idéologies politiques de ceux qui ont planifie des manifestations culturelles entre-les-deux-guerres. La création d'un système en France et la diffusion des valeurs qu'il embrassait développe en même temps que certains analogues à l'étranger. Les systèmes nationaux - dirigés par des fonctionnaires - alimentent le système international. En France, les œuvres et les expositions sont employées comme des outils à faire face à la crise l'image de stabilité artistique contraste à l'agitation sociale des manifestations dans les rues den 1934 et à la prise des chantiers de l'exposition universelle en 1937. La France, l’Italie, et l’Allemagne sont les pays principaux de cette étude, bien que les États-Unis et l’Angleterre soient essentiels pour considérer les problèmes spécifiques aux expositions internationales espérant avoir une influence mondiale et dirigiste sur la politique internationale. Remettant en question les choix, cette étude des expositions aux années trente permet de comprendre des aspects de la France d'entre-les-deux-guerres qui sont autrement insaisissables"French art and politics in the thirties : a study of french and foreign exhibitions" is an analysis of : paintings in the context of exhibitions, the political ideologies of those who planned these cultural events, and the commentaries of them by critics the wars. The evolution of a system of exhibitions in France, and the diffusion of the values it embraced, developed at the same time as analogous institutions in other countries. The national systems controled in France by non-elected civil servants - provided politically charged input into the international system. In France the works and the exhibitions were used as tools to deal with the social crisis and depression. The image of artistic stability constrasts with the social agitation of protests in the streets in 1934 and the take-overs at the building site of the exposition universelle in Paris in 1937. France, Italy and Germany are the principal countries in this study, although the United States and England are also essential to the understanding of the problems specific to international exhibitions with a directive influence on world politics. This study of exhibitions in the thirties permits the consideration of different and otherwise undefinable aspects of french culture between the wars essential to understanding its' art and politics
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Perrot, Xavier. "De la restitution internationale des biens culturels aux XIXe et XXe siècles : vers une autonomie juridique". Limoges, 2005. https://hal.archives-ouvertes.fr/tel-01536066.
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La masse hétérogène des biens culturels (monuments, objets d'art, objets ethnologiques, scientifiques ou d'intérêt religieux) est régulièrement menacée par des enjeux économiques et politiques qui priment sur leur contenu symbolique et identitaire. Certains d'entre eux peuvent être ainsi séparés d'un contexte d'origine signifiant, spatial et intellectuel. La question complexe de l'aire culturelle d'origine à laquelle ce genre de biens est historiquement et esthétiquement rattaché, invite à élaborer un statut juridique spécial pour ceux d'entre eux suffisamment important, dont la situation incite à déroger aux règles mises en place par le droit positif qui interdisent retour et reconstitution. De tels objets sont en effet, à la fois confondus dans un droit des biens englobant qui nie leur spécificité et dépendant d'un droit international qui, malgré les efforts mis en place pour réguler le trafic illicite et encourager la restitution, ne parvient pas à intégrer l'intérêt culturellement spécifique de ces derniers. Se nouent alors en la matière le rôle joué par la mémoire, l'Histoire, l'espace, mais également le temps et les impératifs du droit positif. La constatation de la lente émergence d'une spécificité juridique des biens culturels en deux siècles de mutation du droit de la restitution, trouverait ainsi à s'enrichir au contact de constructions et de concepts juridiques anciens, dont la permanence historique et la valeur paradigmatique autoriseraient l'utilisation. Les biens culturels isolés, dont les règles de droit positif figent le destin, pourraient ainsi regagner leur espace culturel d'origine à la faveur d'un droit vivant réactualisant son propre passéThe cultural objects (monuments, arts works, scientific, religious or ethnologic objects) are regularly menaced by economics or politics stakes. Even, some of them could be separated from their context of origin. The question of the context of origin, and the problems of the return, invite to create a special legal status to some of these objects enough important to derogate to the statute law. Indeed, the property or the prescriptions, often prohibit cultural returns. The statute law can't integrate the symbolic contents of the cultural objects. By analogy, the ancient's legal concepts, as the natural classical law or the Roman law, could improve the modern law. By the way, the cultural objects which are separated and isolated could return to their context of origin
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Nascimento, Fialho Ana Letícia do. "L'insertion international de l'art brésilien : une analyse de la présence et de la visibilité de l'art brésilien dans les institutions et dans le marché". Paris, EHESS, 2006. http://www.theses.fr/2006EHES0053.
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Le processus de mondialisation est en train de changer les frontières du monde de l'art contemporain international. Depuis les années 1980, la présence de l'art des pays non-centraux sur la scène artistique internationale est devenue de plus en plus importante. Toutefois, dans quelles mesures et sous quelles conditions les institutions et le marché sont-ils plus ouverts à la création artistique brésilienne ? Ce travail se propose de répondre à cette question et d'évaluer la présence et la visibilité de l'art brésilien dans le monde de l'art international aujourd'hui. L'analyse est organisée en trois parties : la première partie présente une réflexion sur les transformations des discours et des pratiques survenues dans le monde de l'art au Brésil et dans le monde de l'art international, au sens d'une internationalisation et d'une diversification croissantes. Les parties deux et trois présentes les résultats de la recherche empirique sur l'insertion de l'art brésilien dans le mode de l'art international. La deuxième partie porte sur l'analyse de l'insertion institutionnelle - la présence et la visibilité de l'art brésilen dans les collections et les expositions internationales. La troisième partie étudie l'insertion sur le marché - la présence et la performance des artistes brésiliens dans les ventes aux enchères, dans les galeries et les foires internationales. Les résulats de notre recherche montrent que le Brésil participe beaucoup plus au monde de l'art qu'auparavant. Malgré cela, sa place et sa visibilité restent marginales par rapport aux pays leaders en termes d'art contemporainGlobalization represents at the same time a chanllenge and an opportunity for less developed contries in many sectors, the art among others. In Brazil, to participate in the "international" art scene is presently a major goal for agents and institutions belonging to the national contemporary art world. But, in fact, what is the place of Brazilian visual art production in the international art markert and institutions ? What are the conditions and the advantages of acess to international recognition, in symbolic and economic terms ? Those are some of the questions we raise in this thesis, presented in three parts. In the first part we challenge the idea of the "new map of the arts", wich the globalization process would had made suposelly more diverse and democratic. Our work argus that art work from "peripheral" zones access to more central art scenes according a market logic : the need to renew the offer of cultural goods. What is presented as the "democratization" of the internationl art word is in fact the answer to the demand of new goods by different "markets" : institutional, academic, commercial. The second and the third parts of this work present the results of a large empirical research about the international insertion of Brazialian art in the international institutions and in the market, confirming the general hypothesis developed in the first part
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Savoy, Bénédicte. "Les spoliations de biens culturels opérées par la France en Allemagne autour de 1800". Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081924.
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@Entre 1794 et 1811, les gouvernements successifs de la France ont soumis les Etats d'Europe à plusieurs campagnes de saisies d'"oeuvres d'art et de sciences". Légitimée par une doctrine selon laquelle les oeuvres d'art, fruit du génie de la liberté, doivent retourner au pays de la liberté (c'est-à-dire la France), cette politique d'appropriation a suscité d'importants flux d'objets culturels (tableaux, sculptures, manuscrits, incunables précieux etc. ) entre les pays lésés et la France. Réunis dans leur grande majorité à Paris, entre musée du Louvre et Bibliothèque nationale, la plupart de ces objets ont été restitués à leurs propriétaires légitimes après la chûte de l'Empire (1814/15). Le présent volume s'est donné pour objectif d'éclairer les modalités et les effets des saisies pratiquées par la France dans le domaine allemand. . .
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Goursaud, Bastien. "Du spoken word à la parole publique : inscrire la performance dans la poésie britannique contemporaine". Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL132.
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Depuis les années 1980, la poésie britannique contemporaine se caractérise par l’émergence de voix minoritaires et la diversité des formes et des pratiques. Cette expansion de la carte poétique est souvent lue à l’aune de ce que Sean O’Brien a décrit comme une dérégulation, en référence aux changements politiques et sociaux qui ont affecté la société britannique depuis le thatchérisme. Cette thèse se propose d’examiner un facteur essentiel de ce phénomène, à savoir la centralité accrue d’une conception du poème comme parole publique. En s’appuyant sur un corpus de poètes présentant des voix minoritaires ou invisibilisées, à mi-chemin entre la poésie spoken word et d’autres pratiques de performance, elle souligne que le pluralisme poétique est le fruit d’une pluralisation du poème même. Le texte poétique se transforme sur d’autres médiums et d’autres formes artistiques (musiques populaires, cinéma, peinture), permettant un décentrement et une remise en question de toute forme de centralité. Le poème hors du livre devient un geste à la fois esthétique et politique. La figure publique du poète que construisent les œuvres est un jeu de masques qui tente de défaire les assignations, entre fiction et parole lyrique. Le poème comme parole publique problématise le rapport du corps au texte en performance, mais aussi la matérialité du poème sur la page. Ce faisant, il interroge donc nos modes de réception de la poésie contemporaine. De même, le rapport structurel de cette poésie à la présence d’une communauté durant la performance suppose d’envisager des figures du commun et de la parole collective malgré la multiplication, voire l’éclatement, du poème sur une pluralité de médiumsSince the 1980s, contemporary British poetry has been characterized by the emergence of minority voices and a diversity of forms and practices. That expansion of the poetic map is often read through what Sean O’Brien called a deregulation, in reference to the social and political changes which have influenced British society since Thatcherism. This thesis looks at a central aspect of that phenomenon: the development of a conception of the poem as public utterance. By focusing on a range of poets representing minority backgrounds or unheard voices and working across spoken word poetry and other types of performance poetry, it demonstrates that poetic diversity is the result of a pluralization of the poem itself. Poems are transformed by other mediums and by exchanges with other art forms (popular music, cinema, painting) which in turn questions hierarchies and dominant poetic forms. Poetry off the page becomes both an aesthetic and political experiment. The poet’s public figure constructed by the poems is an elusive mask which oscillates between fiction and lyrical poetry. The poem as public utterance interrogates the relationship of the body to the text in performance, as well as the materiality of the poem on the page. In so doing, it also questions the way contemporary poetry is received and discussed. Similarly, in spite of the multiplication or atomization of the poem on several mediums, the structural relationship of this type of poetry with the presence of a community in performance creates representations of the community and collective utterance
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Prevel-Montagne, Corinne. "La représentation des grands hommes dans la sculpture publique commémorative en Bretagne : 1685-1945 : les pratiques, les sculptures et les oeuvres". Rennes 2, 2003. http://www.theses.fr/2003REN20009.
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La @statuaire publique représente un patrimoine artistique considérable longtemps délaissé par l'histoire de l'art. En Bretagne, cent dix-neuf monuments dédiés aux grands hommes sont érigés entre 1685 et 1945. Aux premières commandes royales succèdent des initiatives municipales voire d'origines privées qui dans le choix des artistes et les modes de financement soulignent une pratique de plus en plus démocratique. A la fin du XIXe siècle, la statuomanie inspirée des idéaux égalitaires de la Révolution accompagne la propagande républicaine. En Bretagne, elle connaît une progression plutôt lente jusqu'au second Empire et atteint son âge d'or sous la troisième République malgré quelques réticences légitimistes et religieuses. Les sculpteurs sont tous issus de l'Académie des Beaux-Arts de Paris. Leur production, inspirée par l'œuvre de David d'Angers, demeure longtemps conventionnelle ; mais au début des années 1920, le réveil d'une culture régionaliste donne un second souffle à leur artThe @public statutory represents a large artistic patrimony forsaken for a long time by history of art. In Brittany, on hundred and nineteen monuments have been erected to great men between 1685 and 1945. Initiatives from local councils or private commissions succeed to royal orders. They set up more democratic practices in the choice of the sculptors and the financings. In the end of the ninetenth century, the statue-mania, inspired by the egalitarian ideals of the Revolution, follows republican propaganda. In Brittany, its growth is rather slow til the Second Empire and reaches its golden age during the Third Republic in spite of some legitimist and religious oppositions. All sculptors come from Paris Academy of Art and produce conventional works inspired by David d'Angers. But in the early twenties, the emergence of regional culture give a new inspiration to this sculpture
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Viraben, Hadrien. "Le savant et le profane : documenter l'impressionnisme en France, 1900-1939". Thesis, Normandie, 2018. http://www.theses.fr/2018NORMR095.
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En 1946, la parution à New York de l’Histoire de l’impressionnisme de John Rewald consacra l’aura d’une historiographie scientifique du mouvement, cautionnée par un investissement documentaire. Cette qualité l’opposait à un monde profane, dominé par une tradition orale et en particulier la réputation de certains témoignages. Un examen attentif ne saurait pourtant donner raison au postulat d’une nature exclusivement savante du document. Une documentation impressionniste se constitua en effet, dès le début du XXe siècle, par l’intermédiaire de producteurs hétéroclites, artistes, témoins, héritiers, critiques, journalistes, aussi bien qu’historiens professionnels, conservateurs et universitaires. Elle peut ainsi être envisagée autant comme le fruit d’une quête de la vérité factuelle que comme l’appropriation d’un objet d’étude populaire, à travers ses empreintes écrites et visuelles. L’appareillage des lectures de l’impressionnisme réunit de la sorte : les autographes ; les memorabilia, meubles ou immeubles chargés du souvenir des peintres ; les technologies photographique et cinématographique. Ces documents participaient en outre d’une culture visuelle plus vaste, incluant les monuments et les plaques commémoratives dans l’espace public, ou encore les motifs transformés par l’acte pictural en points de vue remarquables. L’étude historique et critique de l’écriture de l’histoire impressionniste comme (dé)monstration documentaire permet de revenir sur les circonstances sociales et visuelles de sa mise en œuvre, sur les enjeux de carrière auxquels elle participa, et sur les missions qui lui furent assignées au sein de différents discours sur l’art, savants et profanesIn 1946 the publication of John Rewald’s History of Impressionism in New York consecrated the aura of the movement’s scientific historiography, supported by documentary investment. This quality confronted laymen’s narratives, which oral tradition and some witness’s accounts’ reputations dominated. Yet, a close consideration could not agree with the assumption of an exclusive scholarly nature of the document. Since the beginning of the 20th century, varied producers, such as artists, witnesses, heirs, critics, journalists, as well as professional historians, museum curators and academics formed an impressionist documentation. It thus can be interpreted as a quest for factual truth, as much as an appropriation of a research object through its written and visual marks. The equipment of impressionist readings hence gathered are: autographs; memorabilia, movable and physical assets as souvenirs of artists; photographic and cinematographic technologies. Moreover, these documents fit into a broader visual culture which included monuments and commemorative plaques of the public sphere, or motives transformed by pictorial acts into remarkable viewpoints. A historical and critical study of such a writing of history as documentary (de)monstration allows here to look back to its execution’s social and visual contexts, the career issues in which it participated, the goals that had been assigned to it within both scholars’ and laymen’s art discourses
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Alary, Luc. "De l'art vivant à l'art moderne : genèse du Musée national d'Art moderne". Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010526.
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Cette thèse étudie la formation du Musée national d'Art moderne depuis la création en 1818 de la galerie royale destinée aux artistes vivants jusqu'à l'ouverture effective du musée national d'art moderne en 1947. L'étude des configurations successives de l'institution fait apparaitre l'émergence progressive d'une conscience muséologique pour l'art moderne, liée aux transformations de l'État républicain, au développement de la réflexion architecturale et muséographique, au perfectionnement des catégories historiques en matière d'art vivant. L'ensemble donne à lire une autre histoire de l'art contemporain, dont la thèse s'efforce de tracer les grandes lignesThis doctoral thesis deals with the process of formation of the "Musée national d'Art moderne" from the creation of the "galerie royale destinée aux artistes vivants" in 1818 until the opening of the "Musée national d'Art moderne" in 1947. The history of the institution, through its successive definitions, brings into light the birth of a museological consciousness for modern art, closely connected with political change, architectural and technical improvements, debates about classifying methods. As a whole, this thesis could be an alternative history of modern art as a part of national patrimony
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Zaretskaïa-Balsente, Ioulia. "De la vérité allégorique à l'érosion du système, une troisième voie : les non-conformistes intégrés et le pouvoir en URSS : 1965-1985". Paris, Institut d'études politiques, 2000. http://www.theses.fr/2000IEPP0003.
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Cette thèse présente une partie de l'intelligentsia artistique soviétique à l'époque brejnévienne. Malgré la censure, ces "non-conformistes intégrés", ni des dissidents, ni des fidèles du pouvoir soviétique, essayaient de faire passer leurs idées déviantes vis-à-vis de l'idéologie en place. Intégrés au système, leurs oeuvres n'en présentaient pas moins la réalité que le pouvoir cherchait à occulter. Cette vérité, présentée sous une forme allégorique est devenue une voie d'expression dans un Etat totalitaire vieillissant. Elle a provoqué une lente érosion de l'idéologie soviétique et donc du système base sur celle-ci. L'intelligentsia artistique a contribué ainsi à l'éveil de la conscience nationale. Le pouvoir ne sachant plus assurer le contrôle idéologique a pris conscience du caractère inéluctable des changements à venir. L'arrivée de Mikhail Gorbatchev au pouvoir s'est donc préparée dès l'époque brejnévienne.
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Sinnassamy, Christophe Théry Jean-François. "Finances publiques de la défense : objectifs budgétaires et gestion publique des politiques d'armement /". Paris ; Budapest ; Torino : l'Harmattan, 2004. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39215283f.
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Yu, Min. "Art sous contrainte : artistes, peinture et politique en République populaire de Chine (1949-1966)". Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0145.
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De la fondation de la République populaire de Chine (1949) à la veille de la Révolution culturelle (1966), les artistes furent soumis à un dogme : l'art doit être au service du peuple. Cet impératif, qui fut sans cesse répété, entraîna deux assujettissements. Celui des artistes dont le statut changea radicalement : devenus travailleurs artistiques, ils furent contraints de se plier aux flux et reflux des mouvements de masse et des campagnes politiques. Celui de la création dont la mission fut de cautionner et de célébrer le nouveau régime, et d'éduquer le peuple. Cette recherche tente de déterminer comment la politique artistique du Parti Communiste Chinois, en contraignant les artistes à être « rouges » avant d'être « experts », a bouleversé et mis en concurrence trois sortes de peintures : la peinture à l'huile, la peinture chinoise (guohua), la peinture du nouvel an (nianhua). Au centre de ces bouleversements, se pose la question du choix du réalisme, et plus particulièrement du réalisme socialiste soviétique, comme unique réponse aux attentes politiques : ce choix a-t-il privilégié la lisibilité de la peinture au détriment de ses qualités visuelles ? A-t-il engendré des modèles et des codes plastiques spécifiques pour illustrer la nouvelle politique ainsi que la transformation du paysage, la représentation du peuple ou la célébration du culte de Mao Zedong ? Ou encore cette instrumentalisation de la peinture a-t-elle rencontré des résistances ou des modes de contournement qui ont permis de préserver une part d'autonomie des peintres ?From the foundation of the People's Republic of China (1949) to the eve of the Cultural Revolution (1966), artists were subjected to a dogma : art must serve the people. This imperative, which was constantly repeated, cause two subjections. For the artists, their status changed radically. To become artistic workers, they were obliged to submit to the ebb and flow of mass movements and political campaigns. For the artistic creation, the mission was to support and celebrate the new regime, and to educate the people. This research attempts to examine how the artistic policy of the Chinese Communist Party, by forcing the artists to be "red" before being "experts", disrupts and put the three kinds of paintings in competition : oil painting, Chinese painting (guohua) and New Year painting (nianhua). At the center of these disruptions, the question of the choice of realism is posed, especially the Soviet socialist realism, which was a unique response to the political expectations. Has this choice prioritized the legibility of painting to the detriment of its pictorial qualities ? Has it engendered specific visual models and codes to illustrate the new policy and the transformation of landscape, the representation of the people, or the celebration of the cult of Mao Zedong ? Or has this instrumentalization of painting met with the resistance or a way of escape, which has preserved some of the autonomy of painters ?
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Pringuet, Virginie. "Vers un atlas de l'art dans l'espace public : la modélisation d'un musée réticulaire". Thesis, Rennes 2, 2017. http://www.theses.fr/2017REN20006/document.
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Art dans l’espace public, art public, art à ciel ouvert, art in situ, Land art ou encore musée sans murs, autant de termes polysémiques qui désignent un champ artistique souvent au coeur des polémiques mais finalement peu documenté. Cette thèse en esthétique s’inscrivant dans le mouvement des humanités numériques est consacrée à la problématique de l’inventaire, de la cartographie et de la visualisation des oeuvres d’art dans l’espace public. Le projet de recherche est constitué de deux volets : une plateforme numérique - le site Wiki et l’application mobile Atlasmuseum - et la thèse. L’examen de plusieurs initiatives, nationales et internationales, de cartographie d’oeuvres d’art public, de projets pionniers d’inventaires numériques et de collections institutionnelles sur le Web s’est opéré à partir d’une question centrale : comment concevoir une instance muséale pour des oeuvres situées précisément en dehors du périmètre du musée ? Et de manière corollaire : comment modéliser un « musée réticulaire » dans le contexte de l’ouverture, de l’interopérabilité des données culturelles et du Web sémantique ? Partant du constat de l’hétérogénéité et de l’incommensurabilité constitutive du corpus d’oeuvres ainsi qu’à travers la lecture rapprochée et distanciée d’une sélection d’oeuvres d’art public contemporain (issues notamment du « 1% artistique » et de la commande publique entre 1951 et 2016), la thèse est construite autour de la conception d’une instance muséale reliant à travers leurs notices plusieurs centaines d’oeuvres, d’artistes et des lieux. La plateforme Atlasmuseum est un dispositif à la fois curatorial, muséologique et muséographique qui regroupe selon un mode contributif curators, conservateurs, amateurs d’art, artistes, informaticiens, historiens de l’art, documentalistes, enseignants et étudiants ; elle repose sur le logiciel Mediawiki enrichi de l’extension SemanticMediawiki. A l’intersection de la cartographie, de la muséologie critique et de l’anthropologie de l’art, la thèse est structurée en quatre parties. La première est consacrée à la carte comme médiation entre les oeuvres et les lieux. La carte y est examinée selon différents points de vue afin d’esquisser les grandes lignes d’un outil d’inventaire potentiel pour les oeuvres d’art public. La deuxième partie de la thèse consiste à prolonger les premières hypothèses en opérant un double changement d’échelle, de la carte à l’atlas et symétriquement de l’inventaire au musée. Suit la partie « centrale » de la thèse, qui constitue une version « papier » de la plateforme Atlasmuseum dans ses deux formats (Web et mobile) et dans ses quatre dimensions (exploration, contribution, recherche et sémantisation). Dans la quatrième partie est proposée une lecture « à distance » des données récoltées et des hypothèses explorées dans les parties précédentes, notamment à travers la constitution d’un corpus d’oeuvres restreint. L’hypothèse explorée dans cette partie est celle de la visualisation ontologique des notices d’oeuvres à travers une modélisation et une spatialisation spécifique des données et des métadonnées (selon le modèle CIDOC CRM ). Il s’agit ainsi au fil de la thèse d’opérer plusieurs glissements de terrain successifs et rétroactifs, de la théorie à la pratique, du curating artistique vers la curation de données, de la carte vers l’inventaire, de l’atlas vers le musée, du diagramme vers le réseauPublic art, site specific, in situ art, Land art or museum without walls, various polysemic terms are used to designate the field of art in public space, much commentated but finally little documented. This thesis in Aesthetics and Digital humanities aims to account to the modeling process of a “reticular museum” for public art. The research project consists of two parts: a digital platform - the Atlasmuseum wiki site and mobile application - The application and the thesis itself. A review of several, national and international initiatives of public art maps, pioneering projects of digital inventories and online institutional collections has been conducted from a central question: how to design a museum structure for artworks located precisely outside the museum traditional perimeter? And consequently: how to model a contributory inventory tool in the context of cultural linked open data and the Semantic Web? Taking account of the immeasurable and heterogeneous corpus of public artworks, and through close and distant readings of a selection of contemporary public artworks (“1% for art in architecture” and public art commissions in France between 1951 and 2016), the thesis is built around the concept of a “reticular museum” connecting through their records hundreds of art pieces, artists and sites. Dedicated to public art inventory, through specifically designed notices, maps, atlases and visualizations, the Atlasmuseum platform aims to reunite on a contributory basis, curators, artists, computer scientists, art historians, librarians, art lovers, teachers and students. Atlasmuseum is based on the MediaWiki software enriched with the Semantic MediaWiki extension. It is a curatorial as well as a museological and museographical project. At the intersection of critical cartography, critical museology and anthropology of art, the thesis is structured in four parts. The first is devoted to the map as mediation between artworks and their sites. The map is examined from different points of view in order to sketch the outlines of a potential inventory tool for public art. The second part of the thesis aims to extend the initial assumptions by working a double shift of scale, from the map to the atlas and symmetrically from the inventory to the museum. Follows the “central” part of the thesis, which is a “printed” version of the Atlasmuseum platform in both formats (Web and mobile) and its four dimensions (exploration, contribution, research and semantization). In the fourth part, a close and distant reading of a specific collection of artworks (art pieces created for the tramway networks in France) is conducted through data visualizations. The hypothesis is that an ontological data visualization (using the CIDOC CRM model) can offer a new form of perception and apprehension of these artworks within their environment and context. Thus the thesis operates successive and retroactive landslides, from theory to practice, from artistic curating to data curation, from the map to the inventory, from the atlas to the museum and from the diagram to the network
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Giancaspero, Laura. "L'art mural comme stratégie de survie des communautés rurales. Trois études de cas en milieu rural italien". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA158/document.
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Cette thèse s'intéresse aux peintures murales en milieu rural, dans la péninsule italienne. A travers trois études de cas elle propose d'analyser le phénomène muraliste comme l'expression des rapports écologiques des communautés locales avec leur environnement. L'étude de ce phénomène, mené en conjuguant l'approche géohistorique à l'écocriticism américain, révèle que ces peintures murales représentent une riposte aux nombreuses fractures, territoriales, identitaire et écologiques, qui sont intervenues dans ce territoires ruraux à l'époque contemporaine. Tout ces changements ont en effet brisé les rapports séculaires que les communautés locales entretenaient avec leur territoire en menaçant leur existence même. Il s'agit d'un phénomène courant en Italie qui a entrainé l'abandon de nombreux villages ruraux. Dans le cas des trois villages analysés, la population locale a fait recours à l'art murale afin de se réapproprier les lieux et de redéfinir les rapports avec son environnement, ce qu'enfin a garanti la survie des ces petites communautésThis thesis is focused on Italian mural paintings in rural environments. Through three case studies, it analyses artistic phenomenon as an expression of the ecological relationship between the local community and their environment. The study of this phenomenon, conducted by combining the geohistorical approach with American ecocriticism, reveals that these murals represent a response to the many fractures: territorial, identity and ecological, which have occurred in this rural area during contemporary times. All these changes, therefore, broke the centuries-old relationships that local communities maintained with their territory by threatening their own existence. This is a common phenomenon in Italy that has resulted in the abandonment of many rural villages. In the case of the three villages analyzed, the local population employed the mural art in order to reclaim their place and to redefine the relationship with their environment, which finally affirmed the survival of these small communities
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Samson-Legault, Daniel. "La récolte diversifiée de feedbacks pour la détection de problèmes en rédaction journalistique (par l'utilisation d'un banc d'essai)". Thesis, Université Laval, 2007. http://www.theses.ulaval.ca/2007/24265/24265.pdf.
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Orivel, Estelle. "Légitimité de l'intervention de l'Etat dans le domaine des arts : Rationalité des acteurs et optimum social". Dijon, 1997. http://www.theses.fr/1997DIJOE011.
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De façon générale, la légitimité de l'intervention de l'Etat doit être appréciée à partir de sa capacité à rapprocher l'équilibre de marché de l'optimum social. La première ambition de cette thèse est de mettre en évidence la dépendance de l'analyse au regard 1) des hypothèses de rationalité posées sur le comportement des acteurs économiques et politiques et 2) des jugements de valeur implicites dans la définition de l'optimum social retenu. Alors que les hypothèses de rationalité des acteurs économiques définissent l'équilibre de marché, c'est-à-dire le point atteint en ce qui concerne la production et la consommation des arts, le critère d'optimum social retenu définit le point à atteindre. L'écart entre les deux, s'il existe, constitue l'échec du marché. L'existence de défaillances du marché ne saurait cependant suffire à la démonstration de la légitimité de l'intervention de l'Etat. Car le fonctionnement de l'Etat lui aussi peut être sujet à des défaillances. Il s'agit donc d'analyser non pas le fonctionnement idéal de l'Etat, mais son fonctionnement positif, dont la caractérisation, tout comme celle du marché, dépend des hypothèses de rationalité posées sur le comportement des acteurs politiques. Enfin, au-delà de l'accent mis sur la dépendance de l'analyse au regard des hypothèses de rationalité et des jugements de valeur sur l'optimum social, le deuxième apport original de cette thèse se situe dans la réalisation d'une enquête empirique auprès d'un échantillon aléatoire de 987 personnes résidant en France. Les objectifs de cette enquête sont de deux ordres: elle tente 1) de tester les hypothèses posées sur la nature particulière des oeuvres d'art et 2) de déterminer l'excès ou l'insuffisance de l'effort financier de l'Etat dans le domaine des artsThe legitimacy of state intervention must be analysed through its capacity to bring the point of market equilibrium nearer from that of social optimum. The first ambition of this thesis is to focus on the dependency of the analysis on 1) rationality hypotheses concerning economic and political agents'behavior and 2) value judgements hidden behind criteria of social optimum. While rationality hypotheses of economic agents lead to the determination of market equilibrium, that is to the point reached concerning the consumption and production of arts, criteria of social optimum define the point to be reached. The gap between the two constitutes the failure of the market. The existence of market failures does not suffice however to demonstrate the legitimacy of state intervention. Indeed, the functionning of the state can, it too, be the subject of other kinds of failures. One must thus analyse, rather than the ideal functionning of the state, its actual functionning, whose characterisation depends, just like that of the market, on rationality hypotheses concerning the behavior of political agents. Finally, apart from the focus placed on the dependence of the analysis on rationality hypotheses and criteria of social optimum, a second original innovation consists in the implementation of a survey on a random sample of 987 french individuals. Its objectives are of two kinds: first of all, test some of the hypotheses concerning the characterisation of works of arts; second of all, establish the excess or insufficiency of the financial effort made by the state concerning the arts
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Halas, Katarzyna. "De "l'état de guerre" à la nouvelle démocratie : cheminement de l'art indépendant en Pologne : de 1981 à la fin des années 1990". Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010606.
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Le sujet de cette thèse est l'étude de l'expression artistique dite « indépendante» en Pologne durant les deux dernières décennies du XXe siècle. Ces années ont pour caractéristique commune une exacerbation des rapports entre l'art et la politique dans un système communiste rendu plus répressif à la suite de l'instauration de l'état de guerre en décembre 1981, puis, juste après sa chute en 1989, dans une société en pleine mutation. La culture y est étudiée sous l'angle d'un contre-pouvoir. Les années quatre-vingts sont marquées par une forte résistance de la société au pouvoir, à laquelle la majorité des artistes participe activement, en boycottant les institutions officielles et se tournant vers l'Eglise, qui offre un refuge à cet art engage. Apres la chute du communisme, les cibles des critiques des artistes changent : ils remettent en question à la fois des mythes et valeurs typiquement polonais et le nouveau système capitaliste.
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Damon, François. "Les artistes vietnamiens contemporains. Traditions et singularités de 1980 à nos jours". Thesis, Pau, 2014. http://www.theses.fr/2014PAUU1002.
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À partir d'une libéralisation de l'économie instaurée en 1986 par le Doi Moi, ce qui signifie «changer pour faire du neuf », les artistes vietnamiens ont entrepris de rénover, sous l'angle de la contemporanéité, l'expression artistique traditionnelle selon des techniques nouvelles, empruntées à l'art occidental. Profondément attachés à la culture vietnamienne et à l'artisanat traditionnel, ils ont cependant créé des œuvres témoignant à la fois de leurs héritages et de leur ouverture à l’art contemporain international, pour les présenter au Vietnam et en divers lieux du monde. Ils ont alors instauré une relation dialectique entre l’histoire et le présent, pour aborder, en affirmant leur singularité, des thématiques concernant la société, la tradition et la politique. Ainsi, à travers leur questionnement «ouvert », dans le sens qu'Umberto Eco a donné à ce terme, les artistes vietnamiens s’inscrivent aujourd’hui pleinement dans l’art actuel, ses multiples pratiques (y compris la vidéo et les installations) et ses diverses théorisationsFrom a large opening of economy introduced in 1986 by the Doi Moi, which mans « change to the new », Vietnamese artists made a reform of the traditional artistic expression in term contemporary, with new technicals borrowed from Western Art. Deeply attached to the Vietnamese culture and to traditional crafts, they created works recalling their heritage and the opening to international contemporary art, to show in Vietnam and in various places of the world. They introduced a dialectical relationship between history and the present, to discuss, stating their singular nature, themes on society, tradition and politics.Through their question “open” in the meaning that Umberto Eco has given to this term, Vietnamese artists are now fully part of contemporary art, with the multiple practices (including video and installations) and the various theories
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Branchut, Véronique. "Motivations et enjeux des expositions temporaires des musées des beaux-arts en France". Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010510.
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A la faveur de trente ans de modernisation des musées d'art en France, les expositions temporaires constituent désormais I'une de leurs principales activités. A ce titre, elles participent à la fonction didactique de ces musées, contribuant au «plaisir» et à «I'éducation» du public. Pour autant, de nombreux exemples d'expositions attestent du fait que cette fonction didactique n'est qu'imparfaitement assumée. La motivation de ce travail de recherche tient à ce constat. Alors que Ie public s'inscrit au coeur du projet museal, comment expliquer que certaines expositions I'ignorent à ce point ? Sur la base d'exemples d'expositions temporaires présentées dans des musées des Beaux-arts français, iI s'agit de reconsidérer la fonction didactique des expositions en la confrontant à leurs autres objectifs qui, moins exprimés, voire tus, seront explicites. Ce travail aboutit alors à la proposition de six familles d'objectifs, correspondant à autant de dimensions constitutives de I'exposition.
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Sandl, Marcus. "Ökonomie des Raumes : der kameralwissenschaftliche Entwurf der Staatswirtschaft im 18. Jahrhundert /". Köln : Böhlau, 1999. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb38841678h.
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Dirabi, Mhammed. "Les Dépenses publiques de santé au Maroc leur rôle dans le développement du système de santé publique /". Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37604569p.
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Le, Pas de Sécheval Anne. "La politique artistique de Louis XIII". Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040180.
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La politique artistique de Louis XIII n'a jusqu'à présent fait l'objet d'aucune étude,même partielle. Cette thèse vise donc à combler cette lacune de l'historiographie par un double travail de synthèse des connaissances actuelles et de recherche originale dans les archives parisiennes. Elle dégage les grandes structures du mécénat de Louis XIII : comportement du roi à l'égard des arts,influence du cardinal de Richelieu,organisation complexe des services des bâtiments,ensemble du personnel artistique travaillant pour le roi. Elle s'intéresse surtout à l'action de Louis XIII dans les nombreux champs d'action du mécénat royal : modifications architecturales et décorations des châteaux de la Couronne,protection accordée aux édifices religieux,contribution à l'urbanisme de la capitale,encouragement apporté aux métiers d'art. L'étude synthétique et les documents d'archives,parfois inédits,ont permis de montrer l'originalité,mais aussi l'importance décisive,de la politique artistique de Louis XIII dans la tradition du mécénat royal français,et de lui rendre ainsi sa place à côté des brillantes réalisations d'Henri IV et surtout de Louis XIV.
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Decroix, Arnaud. "Question fiscale et réforme financière en France, 1749-1789 : logique de la transparence et recherche de la confiance publique /". Aix-en-Provence : PUAM, Presses universitaires d'Aix-Marseille, 2006. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb401962920.
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Texte remanié de: Thèse de doctorat--Droit--Aix-Marseille 3, 2004. Titre de soutenance : Repenser la question fiscale en France, 1749-1789 : logique de la transparence et recherche de la confiance publique.Bibliogr. p. 571-623. Index.