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Dissertations / Theses on the topic 'XX Century Art'
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Statulevičiūtė-Kaučikienė, Rūta. "Iconography of Lithuanian architecture in the second part of the XIX century – in the first part of the XX century: art documentary aspect." Doctoral thesis, Lithuanian Academic Libraries Network (LABT), 2009. http://vddb.library.lt/obj/LT-eLABa-0001:E.02~2008~D_20090316_093122-52107.
Full textAbstract:
Architecture iconography is one of the most important sources of the architecture history. It shows changing of the towns and buildings, opens cities panoramas still unchanged by urbanization and presents no longer existing constructions. What percent of truth and what percent of artist imagination is in these townscapes and portraits of the buildings? In the text it is attempted to answer these questions by analyzing Lithuania architecture views of the second part of the XIXth century- the first part of the XXth century.
Evolution of veduta in West Europe and Lithuania is presented in the first part of the dissertation. The most important creators of veduta and the essential bonds of the European townscapes and Lithuanian art are excluded. The birth of veduta and its popularity in Lithuania are reviewed. It is attempted to search for ideological and historical basement of this creation also.
Comprehensive formal, comparative and semantic analysis of the documental and imaginative iconography ere given. It is trying to establish the documentary value, correspondence to real architectural view, of the views by requesting these instruments. Field investigation, old photography, and written sources were used for analysis. Imaginative architecture views are treating like retrospective searches of ideal city (and are linked with ideal landscape) or like artistic reconstruction suggestions. The possibilities and probabilities of these retrospective views are valuating, analogues... [to full text]Architektūros ikonografija – vienas svarbiausių architektūros istorijos šaltinių, atskleidžiantis miestų ir atskirų pastatų kaitą, atveriantis urbanizacijos dar nepakeistas miestų panoramas ir pristatantis nebeegzistuojančius statinius. Kiek grafikos ir tapybos technikomis sukurtuose architektūriniuose peizažuose ir pastatų „portretuose“ tiesos ir kiek pačių kūrėjų išmonės? Ar išties piešti ir tapyti atvaizdai gali būti patikimi istorijos šaltiniai? Į šiuos klausimus ir stengiamasi atsakyti analizuojant XIX a. II p.-XX a. I p. Lietuvos architektūros vaizdus. Pirmuosiuose disertacijos skyriuose chronologiškai pateikiama vedutos raida Vakarų Europoje ir Lietuvoje, išskiriami svarbiausi kūrėjai ir esminiai architektūrinio peizažo saitai su mūsų šalies daile; apžvelgiamas vedutos atsiradimas ir išpopuliarėjimas Lietuvoje, ieškoma ideologinių ir istorinių tokios kūrybos atramų. Darbe pateikiamos išsamios dokumentiškų ir imaginacinių ikonografinių vaizdų formaliosios, lyginamosios ir semantinės analizės. Pasitelkus šiuos įrankius stengiamasi nustatyti grafikos ir tapybos darbuose užfiksuotų vaizdų dokumentiškumą – detalumą ir atitikimą realiam architektūros vaizdui. Analizei naudojamas tyrimai natūroje, senosios fotografijos ir rašytiniai šaltiniai. Į imaginacines rekonstrukcijas žvelgiama kaip į retrospektyvines idealiojo miesto paieškas (siejama su idiliniu peizažu) ir meninius rekonstrukcinius pasiūlymus. Abiem atvejais vertinama atkurto/sukurto vaizdo galimumas, ieškoma... [toliau žr. visą tekstą]
2
Andriolo, Arley. "Traços primitivos: histórias do outro lado da arte no século XX." Universidade de São Paulo, 2004. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/47/47134/tde-10092018-145914/.
Full textAbstract:
Este estudo objetiva narrar uma história de obras produzidas por membros das classes populares, reconhecidas por meio de sua individualidade e inventividade, enfocando sua produção e sua recepção no Brasil, entre 1880 e 1990. A abordagem estética e histórica orientada pela fenomenologia foi realizada segundo o método micro-histórico, conduzido pela idéia de \"primitivo\". Os fragmentos das biografias e as imagens evocadas foram cruzados com os discursos de seus intérpretes que formularam designações como: \"arte primitiva\", \"arte psicopatológica\", \"arte bruta\", \"outsider art\", \"arte virgem\" e \"arte incomum\". No horizonte histórico da cultura brasileira abriram-se duas vias principais de interpretação: uma derivada do cientificismo do discurso psiquiátrico e outra do romantismo do discurso acerca da cultura popular. Não obstante a contribuição da noção francesa de Art Brut para questionar essas duas vias, a complexidade da produção artística brasileira solicita uma análise particular que revele o \"primitivo\" em suas ambigüidadesThis study aims to narrate a history of art works produced by members of popular classes, recognized by its individuality and inventivety, focusing in the production and reception in Brazil between 1880 and 1990. The aesthetic and historic approaches was oriented by phenomenology followed the micro-historic method, guided by the idea of \"primitive\". The fragments of the biographies and evoked images were crossed with the discourse of its interpreters, that proposed designations as such: \"primitive art\", \"psychopathological art\", \"art brut\", \"outsider art\", \"uncommon art\" and \"virginal art\". In the historical context of the Brazilian culture two principal ways of interpretation were opened: one of them is derivated from the scientificism of the psychiatric discourse and the other from the romantic discourse about the popular culture. Nevertheless the contribution of the french notion of Art Brut to question these ways, the complexity of the Brazilian artistic production impose a particular analyses that reveals the \"primitive\" in its ambiguity
3
Mussoi, Aniely Cristina 1988. "Desmaterialização e Artes do Vazio no século XX : uma análise semiótica /." São Paulo, 2019. http://hdl.handle.net/11449/182503.
Full textAbstract:
Orientador(a): Omar KhouriBanca: Elaine da Graca de Paula Caramella
Banca: Jose Leonardo do Nascimento
Resumo: Partindo da desmaterialização observada nas artes do século XX por Lucy Lippard, isto é, da perda de interesse dos artistas na evolução física do trabalho de arte, assumo como objeto de estudos um subgrupo de tal fenômeno, distinto por visar à desmaterialização completa como o próprio objeto artístico. Tais propostas, aqui denominadas "Artes do Vazio", desafiam nossa compreensão e dificultam sua caracterização por não resultarem em materialidade física na sua exibição. Neste trabalho, ofereço uma interpretação semiótica e uma resposta aos seus desafios. No primeiro capítulo, abordarei seu contexto de desenvolvimento e sua diversidade através do século XX, ao qual acompanha, simultaneamente, o desenvolvimento de algumas hipóteses interpretativas. Estas, por sua vez, serão analisadas em seus alcances e limites no segundo capítulo. Já o terceiro visa a uma interpretação dos dilemas que as artes do vazio apresentam por contrariarem alguns pressupostos comuns a toda obra de arte, o que as coloca sob o risco de um relativismo em sua interpretação. Para tal, será apresentada a teoria semiótica de Charles S. Peirce, que, articulada à sua fenomenologia e ao seu realismo, mostrar-se-á frutífera na construção de um argumento que oferece uma resposta a tais dilemas. Neste ponto, serão esclarecidos os papeis tomados por alguns elementos necessários à cadeia semiótica de uma obra do vazio, e.g., os elementos contextuais de apresentação artística e o impacto de uma quebra de expectativa na... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Abstract: Starting from Lucy Lippard's observation of the dematerialization of arts in the twentieth century, that is, of the artists' loss of interest in the physical evolution of the artwork, I take as an object of study a subclass of such phenomenon, distinguished by taking the complete dematerialization as the artistic object itself. These artistic proposals, here labeled as "Emptiness Arts", challenge our comprehension and characterization as they are not materially constituted in their exhibition. In this work, I offer a semiotic interpretation and an answer to these challenges. In the chapter 1, I'll restate its historical development and diversity throughout the twentieth century, and simultaneously offer some interpretative hypothesis. These will be properly discussed and analyzed, in their strengths and weakness, in the chapter 2. Then, chapter 3 will offer a separate interpretation for the dilemmas that emptiness arts offer to our comprehension, as they tend to deny some basic suppositions about the art phenomena, one that could put their interpretations into relativistic risk. For such, the semiotic theory of Charles S. Peirce will be presented. This theory, together with his phenomenology and realistic approach, will show itself fruitful in putting together an answer to such dilemmas. In this point, the roles that some constitutive elements play in a semiotic chain involving an emptiness art will be clarified, e.g., the contextual elements of an artistic show and the... (Complete abstract click electronic access below)
Mestre
4
Scheibe, Marit 1976. "Thinking being an artist : a lousa como objeto artístico na obra de Joseph Beuys /." São Paulo, 2017. http://hdl.handle.net/11449/153968.
Full textAbstract:
Orientador(a): José Paiani SpaniolBanca: Sérgio Romagnolo
Banca: Marco Garaude Giannotti
Resumo: Esta dissertação enfoca a Lousa como objeto artístico na obra de Joseph Beuys, procurando uma aproximação com o observador, captando seu interesse na direção dos caminhos sensíveis propostos pelos rabiscos. Pretende conduzir a sensibilidade do espectador para expandir a vivência de valores humanistas. Como suporte, revela-nos o empenho do artista por uma arte viva. A pesquisa se oferece como um fio condutor a quem se interessa pela ampliação do conceito de arte, e, ao mesmo tempo, se propõe a evidenciar, através do mergulho em alguns símbolos, as direções e paisagens do pensamento do artista
Abstract: The present study focuses on the Blackboard as an artistic object in the work of Joseph Beuys and aimes an aproximation with the observer. It wants to capture the interest of the spectator for the sensible paths proposed by the scribbles. It intends to drive the sensitivity of the spectator in order to expand the experience of humanistic values. As a support, the blackboard reveals the artist's commitment to a living art, to life. The research offers itself as a guiding thread to those who are interested in the expansion of the concept of art. At the same time, it aims to evidence, through an immersion in some symbols, the directions and landscapes of the artist's thought
Mestre
5
Silva, Maria do Carmo Couto da. "Rodolfo Bernardelli, escultor moderno = análise da produção artítica e de sua atuação entre a Monarquia e a República." [s.n.], 2011. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/280542.
Full textAbstract:
Orientador: Luciano MigliaccioTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-17T13:16:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_MariadoCarmoCoutoda_D.pdf: 88905634 bytes, checksum: 83b1638fc2dd25fabb53042dce9158cb (MD5) Previous issue date: 2011
Resumo: Nossa tese de doutorado tem por objetivo contribuir para 0 conhecimento acerca da historia da arte brasileira do final do século XIX e começo do XX, por meio da analise de obras e dos momentos que marcaram a trajetória do escultor Rodolfo Bernardelli (1852-1931). O jovem aluno da Academia Imperial de Belas Artes começa a ganhar destaque no cenário das artes nacionais a partir da sua participação nas Exposições Gerais de Belas Artes, na década de 1870. Apos um período de estudo na Europa, o artista retornou ao Brasil em 1885 e por seus trabalhos realizados no exterior, foi denominado pela critica como artista moderno, recebendo as principais encomendas monumentais da época. Bernardelli foi o principal escultor da primeira década republicana no Brasil e Primeira Republica e atuou como diretor da Escola Nacional de Belas Artes - ENBA, por cerca de 25 anos.
Abstract: Our aim in this thesis is to contribute to the knowledge of the history of Brazilian Art between the end of the 19th century and the beginning of the 20th century through the study of the works and the life moments of the sculptor Rodolfo Bernardelli (1852-1931). The young pupil of the Imperial Academy of Fine Arts begun to gain attention from the national art realm after his participations, along the 187 O's, at General Fine Arts Exhibitions. In 1885, after a period of studies in Europe, the artist returned to Brazil and was then acclaimed as a modern artist by the critics because of the pieces produced abroad. He then received the main monumental commissions of the period. Bernardelli was the main sculptor of Brazil during the first decade of the Republic and was the director of the National School of Fine Arts - ENBA, during almost 25 years.
Doutorado
Historia da Arte
Doutor em História
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D'Alessandro, Eliana Angélica Péres. "Visualidade e história em Guernica /." São Paulo, 2006. http://hdl.handle.net/11449/100274.
Full textAbstract:
Orientador: Claudete RibeiroResumo: Este trabalho tem como princípio básico estudar alguns aspectos da visualidade da obra Guernica, de Picasso, indicando uma relação de significados que vão compor a gramática do pensamento visual deste artista , descrita numa análise de alguns dos esboços para a confecção do mural, utilizando como base científica os estudos gestálticos de Arnheim. Ainda estão incluídas nesta abordagem algumas breves considerações sobre a atualidade da obra através da presença de sua imagem nos meios multimidiáticos nos últimos dois anos. Apesar de ter a visualidade da própria obra como foco central, os aspectos ligados a vida pessoal do artista e os acontecimentos históricos pelos quais passava a Europa na ocasião da pintura do mural serão abordados, por serem, em minha opinião, de suma importância, nos levando a ampliar a compreensão do universo simbólico e dos sentimentos que Picasso poderia estar vivenciando naquela época, contribuindo no entendimento por exemplo, dos possíveis motivos da documentação da obra em nove fotografias que foi feita por Dora Maar, sua amante na ocasião. Deste modo, esta dissertação oferece aos interessados na obra Guernica uma nova reflexão acerca de sua imagem e aos interessados na vida de Picasso uma visão da ligação entre sua vida e esta que foi uma das mais simbólicas do conjunto de sua obra.
Abstract: Este trabajo tiene como principio básico estudiar algunos aspectos de la visualidad de la obra Guernica, de Picasso, indicando una relación de significados que van a componer la gramática del pensamiento visual de este artista, descrita en un análisis de algunos de los bocetos para la confección del mural, utilizando como base científica los estudios gestálticos de Arnheim. Están incluidas también en este abordaje algunas breves consideraciones sobre la actualidad de la obra a través de la presencia de su imagen en los medios multimediáticos en los últimos años. A pesar de tener la visualidad de la propia obra como foco central, los aspectos conectados a la vida personal del artista y los acontecimientos históricos por los cuáles pasaba Europa en la ocasión de la pintura del mural serán abordados , por ser, en mi opinión, de suma importancia, llevándonos a ampliar la comprensión del universo simbólico y de los sentimientos que Picasso podría estar vivenciando en aquella época, contribuyendo en la comprensión por ejemplo, de los posibles motivos de la documentación de la obra en nueve fotografías realizada por Dora Maar, su amante en el momento. De este modo, esta disertación ofrece a los interesados en la obra Guernica una nueva reflexión acerca de su imagen y a los interesados en la vida de Picasso una visión de la conexión entre su vida y la que fue una de las más simbólicas del conjunto de su obra.
Mestre
7
Abuhab, Flávio Antonio 1957. "A arte não esquece a arte : aproximação : apropriação e citação em arte /." São Paulo, 2013. http://hdl.handle.net/11449/86973.
Full textAbstract:
Orientador: José Paiani SpaniolBanca: Agnus Valente
Banca: Marcos Rizolli
Resumo: Este texto é um relato sobre duas experiências realizadas durante minha permanência no Programa de Pós Graduacão do Instituto de Artes da Universida de Estadual Paulista, onde pude desenvolver dois trabalhos práticos e relacionados com disciplina ministrada por meu orientador: Práticas Contemporâneas da Instalação e Site Specific. No primeiro, um projeto de Site Specific tendo como referência as paisagens litorâneas do pintor Benedicto Calixto. Já no outro trabalho, uma Instalação apresentada na Galeria do Instituto de Artes e que homenageia o artista plástico Nelson Leirner. Ambos são resultado de minha pesquisa sobre apropriação, citação e autoria na arte, e estabelecendo conexões poéticas com a História da Arte.
Abstract: This paper is a report on two experiments performed during my stay in the graduate program of the Art Institute of São Paulo State University, where I developed two projects and related subject taught by my mentor: Contemporary Practices Installation and Site Specific. In the first, a draft site specific with reference to the landscapes coastal painter Benedicto Calixto. In the other work, an installation presented at the Institute of Arts Gallery and honors the artist Leirner. Both are the result of my research on ownership, citation and authorship in art, poetry and establishing connection with History of Art.
Mestre
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Andrade, Eliana Lobo de [UNESP]. "VT Preparado: AC/JC : a videoarte de Walter Silveira." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2015. http://hdl.handle.net/11449/127986.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2015-10-06T13:02:40Z (GMT). No. of bitstreams: 0
Previous issue date: 2015-07-14. Added 1 bitstream(s) on 2015-10-06T13:19:36Z : No. of bitstreams: 1
000849668.pdf: 1903609 bytes, checksum: 8231313fb4e85e981f996294e5732c1e (MD5)A proposta deste trabalho se centra na pesquisa das influências da poesia concreta na videoarte, especialmente no video VT Preparado:AC/JC, de autoria de Walter Silveira e Pedro Vieira. Não se trata, aqui, do vídeo como emissão televisiva ou em suas características técnicas, mas como possibilidade de expressão utilizada pelo artista. Como dois movimentos de vanguarda, a poesia concreta e a videoarte, estão presentes como fundamentos na obra citada, foco desta dissertação.
The proposal of this work is centered in research on the influences of concrete poetry upon video art, particularly in the VT Preparado: AC/JC video, by Walter Silveira and Pedro Vieira. The point here is neither the video as television emission, nor its technical features, but its possibilities of expression chosen by the artist. Concrete poetry and video art, both cutting edge movements are present as fundamentals of the above mentioned work, in which this dissertation is focused.
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Andrade, Eliana Lobo de 1950. "VT Preparado : AC/JC : a videoarte de Walter Silveira /." São Paulo, 2015. http://hdl.handle.net/11449/127986.
Full textAbstract:
Acompanha DVD com o video VT Preparado:AC/JC, de autoria de Walter Silveira e Pedro VieiraOrientador: Omar Khouri
Banca: José Leonardo do Nascimento
Banca: Neiva Pitta Kadota
Resumo: A proposta deste trabalho se centra na pesquisa das influências da poesia concreta na videoarte, especialmente no video "VT Preparado:AC/JC", de autoria de Walter Silveira e Pedro Vieira. Não se trata, aqui, do vídeo como emissão televisiva ou em suas características técnicas, mas como possibilidade de expressão utilizada pelo artista. Como dois movimentos de vanguarda, a poesia concreta e a videoarte, estão presentes como fundamentos na obra citada, foco desta dissertação.
Abstract: The proposal of this work is centered in research on the influences of concrete poetry upon video art, particularly in the "VT Preparado: AC/JC" video, by Walter Silveira and Pedro Vieira. The point here is neither the video as television emission, nor its technical features, but its possibilities of expression chosen by the artist. Concrete poetry and video art, both cutting edge movements are present as fundamentals of the above mentioned work, in which this dissertation is focused.
Mestre
10
Alves, Fabiola Cristina 1986. "Indivisibilidades entre natureza, homem e expressão artística : a reflexão estética de Merleau-Ponty /." São Paulo, 2013. http://hdl.handle.net/11449/86891.
Full textAbstract:
Orientador: José Leonardo do NascimentoBanca: Cauê Alves
Banca: Sérgio Mauro Romagnolo
Resumo: Esta dissertação investiga a noção de arte moderna presente na reflexão estética do filósofo Maurice Merleau-Ponty, partindo da hipótese de que tal noção está inclusa na meditação sobre as indivisibilidades entre a relação homem, natureza e expressão artística. Apresenta a concepção de arte e arte moderna concomitantemente à trajetória e ao discurso filosófico de Merleau-Ponty. Discorre sobre a tese do filósofo acerca do retorno ao mundo percebido, as indivisibilidades, o corpo vidente e visível, o sensível, a carne do mundo, a pintura, o Ser bruto, a Natureza, logos e a expressão. A partir desses temas, foram desenvolvidas leituras sobre os seguintes textos para dimensionar essa noção de arte moderna: "A dúvida de Cézanne", "A expressão e o desenho infantil", "A linguagem indireta", "A linguagem indireta e as vozes do silêncio" e "O olho e o espírito". Para compreender o pensamento de Merleau- Ponty aproximamos suas ideias a várias teorias da história e da filosofia da arte, a partir dos temas: o espírito moderno, as correspondências, a representação e a expressão. Por fim, destaca os principais valores e ideias que compõem a noção de arte moderna em Merleau- Ponty.
Abstract: This work investigates the notion of modern art in this aesthetic reflection of philosopher Maurice Merleau-Ponty, on the hypothesis that such a notion is included in the meditation about the indivisibilities on the relationship between man, nature and artistic expression. It presents the concept of art and modern art concomitantly to the trajectory and the philosophical discourse of Merleau-Ponty. This work also discuss the thesis of the philosopher about returning to the perceived world, the indivisibilities, the visible and invisible body, the sensitive, flesh of world, the painting, the Being, the Nature, the logos and the expression. On the themes, the following texts were studied to investigate the author's notion of modern art: "Cézanne's Doubt", "Expression and the child's drawing", "The indirect language", "The indirect language and the voices of silence" "Eye and mind". To comprehend Merleu-Ponty's ideas, his thought was related with various History and Art Philosophy theories, under the following themes: the modern mind, correspondence, representation and expression. At last, this work emphasizes the core values and ideas that make up the notion of modern art of Merleau-Ponty.
Mestre
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Guadanucci, João Paulo Leite. "Entre texto e obra - Ronaldo Brito e Waltercio Caldas (1973-1983)." Universidade de São Paulo, 2007. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27131/tde-22072009-181931/.
Full textAbstract:
Os objetos da dissertação Entre texto e obra - Ronaldo Brito e Waltercio Caldas (1973-1983) são as trajetórias do crítico de arte Ronaldo Brito e do artista Waltercio Caldas durante a década de 1970 e início da década seguinte, as intersecções entre ambas e uma parte da dinâmica da arte contemporânea brasileira do período que sofreu os impactos dessas trajetórias. Esta dissertação propôs investigar as principais linhas de força que perpassaram a arte brasileira entre 1973 e 1983, e em que medida estes vetores marcaram os desdobramentos do meio artístico brasileiro a partir de então, tendo como referências os textos de Ronaldo Brito e a obra de Waltercio Caldas. Foi possível identificar alguns aspectos que marcaram as trajetórias pesquisadas e conseqüentemente, parte do panorama da arte brasileira do período, como as relações dialéticas estabelecidas com a experiência da arte moderna, as mudanças ocorridas paralelamente ao estabelecimento de um novo contexto internacional e o fortalecimento de preocupações ligadas ao papel do mercado de arte no meio artístico.Between writings and art work . Ronaldo Brito and Waltercio Caldas (1973-1983) dissertation objects are the trajectory of Ronaldo Brito, art reviewer, and the artist Waltercio Caldas in the 70´s and beginning of the 80´s, the intersection between them and a part of the discussion about Brazilian contemporary art of the time that suffered the impact of these trajectories. The proposal of this text was investigate the main power lines that crossed over Brazilian art between 1973 and 1983 and, in what measure these vectors remarked the evolution of Brazilian art environment since then, using as references Ronaldo Brito texts and Waltercio Caldas works of art. It was possible to verify some aspects that remarked the studied trajectories and, consequently, a part of Brazilian art scene of the time as the dialectic relations settled with the modern art experience, the changes that occurred in parallel to the establishment of a new international context and the strengthen of concerns tied to the role of the art market in artistic environment.
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Lebednykaitė, Miglė. "Šventadienės prijuostės Lietuvos kultūroje. XIX a. – XX a. pirmoji pusė." Doctoral thesis, Lithuanian Academic Libraries Network (LABT), 2013. http://vddb.laba.lt/obj/LT-eLABa-0001:E.02~2013~D_20130627_103017-08749.
Full textAbstract:
Disertacijos tyrimo objektas – šventadienė prijuostė, tradicinio liaudies kostiumo dalis, kuri pristatoma ne tik kaip drabužis, bet kaip sąlyginai savarankiškas daugiaplanis kultūros objektas, tapęs etninių tradicijų ir tautinės savimonės raiškos simboliu. Tyrimo laikotarpis – XIX a.–XX a. pirmoji pusė. Tai pirmasis mokslinis darbas, nuosekliai atskleidžiantis procesą, kaip prijuostė, prarasdama savo pirminę paskirtį, XX a. pirmojoje pusėje įgavo naują prasmę ir tapo tautiškumo simboliu, reprezentantu ne tik Lietuvoje, bet ir užsienyje. Darbe analizuojami iki šiol sistemingai netyrinėti XIX a.–XX a. pirmosios pusės šventadienių prijuosčių (taip pat prijuostėlių) rinkiniai Lietuvos ir kitų šalių (Baltarusijos, Lenkijos, Prancūzijos) muziejuose. Tyrimo metu užsienio šalių muziejuose surastos ir identifikuotos lietuvių šventadienės prijuostės yra vertingas ne vien šių muziejų, bet ir visoje Lietuvoje turimų šios rūšies liaudies tekstilės dirbinių fondo papildymas. Atsiranda galimybė įvertinti šventadienės prijuostės meninės raiškos formas, atlikimo technikų ir medžiagų ypatumus, kurių visumą kaip svarbų šaltinį galima pritaikyti tradicinių liaudies drabužių rekonstravimo darbų praktikai ir tautinio kostiumo studijoms. Atliktas tyrimas aktualizuoja prijuostės sociokultūrinės raiškos aspektus, leidžia giliau pažinti jų meninės formos bruožus, gali pasitarnauti kaip svarbi medžiaga lyginamosioms lietuvių liaudies meno studijoms, tolimesniems Lietuvos kultūros tyrinėjimams.This doctoral dissertation analyses a part of the traditional folk costume – festive apron – which is presented not only as a garment, but also as a relatively independent and multidimensional cultural object, and a symbol of ethnic traditions and expressions of national identity. The research covers the period from the 19th century through the early 20th century. It is the first research systematically revealing the process of the apron losing its originally intended use and being given a new meaning in the first half of the 20th century, concurrently becoming a symbol and representative of national identity not only in Lithuania but also in foreign countries. The thesis analyses collections of festive aprons (including votive aprons) of the 19th century and the first half of the 20th century available in Lithuanian and foreign museums that have not been previously analysed on a systematic basis. Lithuanian festive aprons identified in foreign museums during the research are valuable supplementation not only to the holdings of these museums, but also to the fund of folk textiles of this type available in Lithuania. This provides an opportunity to assess the forms of artistic expression, the peculiarities of weaving techniques of, and the fabrics used for, festive aprons which, in their entirety, can be used as an important source for reconstructing traditional folk clothing and for studies of the national costume. The research actualises the aspects of socio-cultural... [to full text]
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Goldman, Noémie. "Un Monde pour les XX: Octave Maus et le groupe des XX :analyse d'un cercle artistique dans une perspective sociale, économique et politique." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2012. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209691.
Full textAbstract:
Notre thèse se concentre sur la question des mécanismes de restructuration du système du monde de l’art à Bruxelles à la fin du XIXe siècle. Nous cherchons à démontrer comment une nouvelle scène artistique construite autour du cercle des XX à Bruxelles, dont l’épanouissement sera pris en charge par l’animateur d’art Octave Maus, produit un art qui est influencé par les enjeux sociaux et politiques portés par un milieu défini de manière sociale, culturelle et générationnelle.Nous avons ainsi voulu replacer le groupe des XX dans son contexte économique, politique et social. La diversification des approches et des sources était donc un aspect essentiel de nos recherches. Plusieurs voies d’approche ont été empruntées, telles que l’histoire culturelle, la sociologie de l’art, l’histoire du marché de l’art, l’analyse politique ainsi que l’étude de la visual culture.
Dans un premier temps, nous analysons l’émergence de la nouvelle scène artistique construite autour du groupe des XX. Nous débutons par une analyse plus monographique du parcours de Maus afin de définir les qualités essentielles de l’animateur d’art qu’il incarne, ainsi que son rôle dans la reconfiguration du milieu culturel. Ensuite, notre étude se concentre sur la mobilisation d’un public autour des salons et la mise en place d’un nouveau marché de l’art aux XX.
Dans un second temps, notre étude se penche sur les œuvres créées par les XX et sélectionnées par le public d’amateurs fidèles au groupe. Nous éclairons cette production artistique en y décelant les influences des questionnements et des prises de position sociales et politiques du public des XX, défini précédemment. L’analyse iconographique et stylistique des œuvres s’accompagne d’un travail sur ce milieu culturel, et particulièrement sur ses positions face aux débats sociaux de l’époque. Cette étude aboutit, d’une part, à une description approfondie du public des XX, et, d’autre part, à une meilleure compréhension de l’originalité de la production esthétique des artistes du groupe. /
This PhD thesis concentrates on the mechanisms by which the artistic world in Brussels was reorganized at the end of the 19th century. The research focuses on the places, institutions, publics, art markets and aesthetic developments that characterized the new artistic scene constructed around the “Salon des XX”. The purpose of this study is to demonstrate that this artistic circle, led by Octave Maus, produced an art influenced by social, political and economic issues. Another aim has been to analyze the public that defended the artists by studying its social, cultural and generational nature.
This thesis, which is divided into two parts, for the first time explores the circle of the XX in its economic, political and social environment. The diversification of sources and scientific methods was therefore an essential aspect of the research. Different methods were applied such as, for example, the cultural history, the sociology of art, the history of the art market, political sciences and the visual culture.
The first part of this study is about the emergence of a new artistic scene founded around the “Groupe des XX”. The first objective was to investigate the personal and professional path followed by Octave Maus, the manager of the XX, who played a major role in the evolution of the cultural world. Subsequently the research focuses on the mobilization of a particular public and the creation of a new art market around the XX’s exhibitions.
The second part of this thesis considers the works of art created by the artists of the “Groupe des XX” and chosen by the public for private collections. New light is shed on this artistic production by the study of the social and political position of the XX’s public, considered as a social group. Hence the iconographic and stylistic analysis of the works goes together with a study of the XX’s milieu, and in particular with its political action. The present thesis, and the method that aims to study the works in parallel with the public’s social nature, lead to a better understanding of the cultural milieu and, at the same time, of the originality of the XX’s artistic creation.
Doctorat en Histoire, art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Tvardovskas, Luana Saturnino 1983. "Dramatização dos corpos : arte contemporânea de mulheres no Brasil e na Argentina." [s.n.], 2013. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/280015.
Full textAbstract:
Orientador: Luzia Margareth RagoTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-22T21:58:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tvardovskas_LuanaSaturnino_D.pdf: 48560551 bytes, checksum: 319fe4c4f559ca8407db46edd5d574eb (MD5) Previous issue date: 2013
Resumo: Esta tese aborda a poética visual de artistas brasileiras e argentinas, cujas obras de arte empreendem um discurso critico a violência material e simbólica de gênero, por meio de imagens do corpo. São focalizadas, a partir de uma perspectiva feminista, as artistas contemporâneas brasileiras Ana Miguel, Rosana Paulino e Cristina Salgado, e também as argentinas Silvia Gai, Claudia Contreras e Nicola Costantino que se utiliza de transfigurações, dramatizações e manipulações sobre imagens corporais como manobras transgressivas e de resistência. O trabalho será norteado teórica e metodologicamente pelos estudos feministas e pelo "pensamento da diferença", sobretudo por Michel Foucault e Gilles Deleuze
Abstract: This research approaches the visual poetics of Brazilian and Argentinian artists whose artworks undertake a critical discourse of violence of gender (material and symbolic) through images of the body. From a feminist perspective, we focus on the Brazilian contemporary artists Ana Miguel, Rosana Paulino and Cristina Salgado and also the Argentinian Silvia Gai, Claudia Contreras and Nicola Costantino. Their work deals with transfigurations, dramatizations and manipulations on body's images as transgressive maneuvers of resistance. The methodology of this work will be guided by the Feminist studies and by the Difference theory, especially by Michel Foucault and Gilles Deleuze
Doutorado
Historia Cultural
Doutora em História
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Lespes, Marlène. "De l'orientalisme à l'art colonial : les peintres français au Maroc pendant le Protectorat (1912-1956)." Thesis, Toulouse 2, 2017. http://www.theses.fr/2017TOU20098/document.
Full textAbstract:
À travers l’étude des peintres français partis au Maroc pendant le Protectorat, cette thèse examine la structuration et le développement de l’art colonial, courant qui succède à l’orientalisme au tournant des XIXe et XXe siècles. Loin d’être un phénomène isolé, le séjour dans ce pays pendant la période coloniale concerne des centaines d’artistes. Ces voyages sont encouragés et parfois même financés par des sociétés artistiques métropolitaines et par les gouvernements coloniaux. À Paris, des Salons et des expositions, comme les Expositions coloniales ou universelles, réservent des espaces spécifiques aux œuvres sur les colonies. Plusieurs artistes, critiques et conservateurs tentent par ailleurs de montrer de quelle manière l’art colonial est utile pour la propagande colonialiste. Après avoir retracé l’expérience marocaine des peintres français, il s’agira de présenter les principales institutions artistiques et culturelles occidentales dans le Protectorat. L’art colonial reprend certains thèmes orientalistes, mais leur apporte davantage de sobriété, de pondération et de vraisemblance. L’iconographie coloniale marocaine se distingue de celles des autres colonies par le nombre important d’œuvres consacrées aux cavaliers, aux Berbères et aux monuments historiques. Cette spécificité est due en partie à la politique culturelle menée par Lyautey, au développement de l’ethnographie marocaine et aux objectifs assignés à l’art colonial. Cette analyse est complétée par un dictionnaire des artistes du corpusThrough the study of French painters gone to Morocco during the Protectorate, this thesis reviews the structures and the emergence of Colonial art, which followed Orientalism at the turn of the century. Far from being an isolated phenomenon, hundreds of artists stayed in this country during the colonial period. The journey is motivated and even sometimes founded by artistic metropolitan societies and by colonial governments. In Paris, Salons and exhibitions such as World's Fairs and Colonial exhibitions dedicate specific areas to works on the colonies. Many artists, critics or curators also attempt to demonstrate how Colonial art can be useful to colonial propaganda. After outlining the French painters’ Moroccan experience, the main artistic and cultural occidental institutions during the Protectorate will be presented. Colonial art continues to represent some Orientalist themes but integrate them with more restraint, moderation and realism. Moroccan colonial iconography can be distinguished from the other colonies by the amount of work dedicated to horse riders, to Berbers and to historical monuments. This particularity is partly due to the cultural policy pursued by Lyautey, to the development of Moroccan ethnography and to the specific goals targeted for Colonial art. This analysis is followed by a dictionary of the artists corpus
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Bortulucce, Vanessa Beatriz. "Do simbolismo ao futurismo : o desenho na obra de Umberto Boccioni." [s.n.], 2005. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/279877.
Full textAbstract:
Orientador: Nelson Alfredo AguilarTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-05T04:29:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bortulucce_VanessaBeatriz_D.pdf: 47004914 bytes, checksum: 4a958d3a9a2ade153124b4a6e962c118 (MD5) Previous issue date: 2005
Resumo: A proposta desta tese é realizar uma compreensão das obras do período futurista de Umberto Boccioni (1882-1916) a partir de um estudo da trajetória estética de seus desenhos, identificando as diversas influências sofridas pelo artista. Procuraremos estudar os diversos momentos do desenho e da obra gráfica do artista, reconhecendo as influências que nortearam seus estudos sobre a concepção da forma plástica, permitindo uma compreensão mais apurada da poética de Boccioni. A presença da Antigüidade clássica, do Renascimento italiano, do Art Nouveau, do Expressionismo e do Simbolismo nos desenhos de Boccioni nos permitirá identificar a amplitude de sua estética, bem como reconhecer, na fase futurista do artista, o amadurecimento de muitos conceitos e idéias que surgiram em seus desenhos, como a preocupação com a linha, o espaço, a luz, o ambiente, e principalmente, o estudo e a apreensão do movimento humano
Abstract: The main objective of this thesis is to built a comprehension upon the futurist works of Umberto Boccioni (1882-1916) starting from a study of his aesthetical trajectory impressed on his drawings. We want to identify the several influences captured by the artist, studying specific moments of these works, recongnizing then the influences that conducted his studies about the conception of the plastic form. This study intends to establish the basis for a more acurate perception of Boccioni¿s aesthetic. The presence of classic Antiquity, Italian Renascence, Art Nouveau, Expressionism and Simbolism in Boccioni¿s drawings will permit the identification of their complexity and amplitude, as well to recognize, in his futurist phase, the maturing of many concepts and ideas that were born in these drawings, for example, the theories about line, space, light, environment, and mainly, the study and representation of the human movement
Doutorado
Politica, Memoria e Cidade
Doutor em História Social
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Versari, Maria Elena. "Futurismo 1916-1922: identità, incomprensioni, strategie : i rapporti internazionali e l’evoluzione dell’identità del Futurismo negli anni Venti." Doctoral thesis, Scuola Normale Superiore, 2006. http://hdl.handle.net/11384/85755.
Full text
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Mol, Elias Perigolo 1980. "Amilcar de Castro : confronto com a matéria." [s.n.], 2012. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/279114.
Full textAbstract:
Orientador: Nelson Alfredo AguilarDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-20T11:12:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Mol_EliasPerigolo_M.pdf: 45699349 bytes, checksum: 0aa0676c63c1f2a73f7b7c3e9192234d (MD5) Previous issue date: 2012
Resumo: Este estudo analisa a obra do artista mineiro Amilcar de Castro (1920-2002) e busca as relações existentes entre as suas diferentes produções: o desenho, a pintura, a gravura, sua atuação à frente da reforma gráfica no Jornal do Brasil e o restante de sua produção escultórica
Abstract: This study examines the work of artist Amilcar de Castro (1920-2002). It investigates the relationships between his various activities: drawing, painting, printmaking, his role leading the redesign of Jornal do Brasil as well as his sculpture production
Mestrado
Historia da Arte
Mestre em História
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Ferreira, Iris Maria Negrini. "A ampliação de limites na obra de Carlos Vergara." Universidade Federal do Espírito Santo, 2012. http://repositorio.ufes.br/handle/10/5658.
Full textAbstract:
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Iris Maria Negrini Ferreira.pdf: 3614523 bytes, checksum: e13584ed49c204d3d0134fcf8b7f1a66 (MD5)
Previous issue date: 2012-10-01Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This Master s degree dissertation had as its object on the work ok carlo Vergara, with a focus on work done in 1960s: Happening G4, Berço Esplêndido, Brinquedo (Ojetos-módulos), Empilhamentos, in addition to works of the 1990s and 2000s, such Capela do Morumbi, Farmácia Baldia and Feira de Adivinhações. From these works, was discussed how the artist turned his production beyond the pictorial medium at different times in his career, who presided over the thrust axis of its operations in the Brazilian avant-garde, from the pure visual experience by the public, or even constituted by his participation. There was thus a reflection on the character expanded in the artist s work since the beginning of his career, in the 1960s to the present of his creative process. It was intended, therefore, to reflect on the changes that triggered the expansion of boundaries
Esta dissertação de mestrado teve como objeto de investigação a obra de Carlos Vergara, com enfoque em trabalhos realizados na década de 1960: Happening G4, Berço Esplêndido, Brinquedo (Objetos-Módulos), Empilhamentos; além de trabalhos dos anos 1990 e 2000, tais como Capela do Morumbi, Farmácia Baldia e Feira de Adivinhações. A partir dessas obras, foi discutido como o artista direcionou sua produção para além do meio pictórico em diferentes momentos da sua trajetória, sobre o impulso que presidiu suas operações no eixo do vanguardismo brasileiro, passando da experiência visual pura ao experimental e às proposições comportamentais que engendraram uma arte com o intuito de ser vivenciada pelo público, ou mesmo constituída pela participação dele. Fez-se, assim, a reflexão sobre o caráter expandido na obra do artista desde o início da sua trajetória, na década de 1960 à atualidade de seu processo criativo. Pretendeu-se, assim, refletir sobre as transformações que desencadeava a ampliação de limites
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Gonçalves, Adriana Honorato [UNESP]. "Questões preliminares sobre aspectos do vazio na arte contemporânea." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2012. http://hdl.handle.net/11449/86947.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0
Previous issue date: 2012-06-04Bitstream added on 2014-06-13T19:48:48Z : No. of bitstreams: 1
goncalves_ah_me_ia.pdf: 2790115 bytes, checksum: 0be06ec243541cba1a84b36daa789405 (MD5)Universidade Estadual Paulista (UNESP)
A pesquisa parte da observação de certos vazios percebidos na arte contemporânea e em minha própria produção, para uma investigação sobre alguns aspectos conceituais e estéticos do vazio relacionado às noções de existência e falta. O objetivo é entender porque alguns artistas contemporâneos parecem ter predileção pelo vazio e suas manifestações. Desta forma, o estudo apresenta uma reflexão sobre as mudanças ocorridas no período moderno relacionadas à queda da soberania religiosa, a ruptura da arte com as tradições e questões contemporâneas como narcisismo, indiferença e liberdade. Depois realiza-se um estudo sobre a falta comum a todos e as noções de recalque, sublimação e subjetividade na arte, aproximando o estudo da relação entre arte e psicanálise
The beginning‟s point of this research was the perception of the often emptiness' representation in contemporary art and in my own production. From this, the next point was to investigate some conceptual and aesthetic aspects related with the notions of void, existence, freedom, indifference and lack. The research's purpose is to understand the reason for this kind of predilection in contemporary art. The study began through a short analysis of some artists and their works, where the empty takes place as privileged part of their poetic. After that, the second step was a reflection about the impacts and modifications in the modern time caused by: the religious' decrease, secession between art and traditions, contemporaries' questions such as individualism, indifference and freedom. Finally, the research traces a parallel between the common understanding of absence and psychoanalitical notions like repression, sublimation and subjectivity in art
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Cardoso, Renata Gomes. "A pintura de Anita Malfatti nos periodos iniciais de sua trajetoria : proposta de revisão a partir da analise de obras." [s.n.], 2007. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/279121.
Full textAbstract:
Orientador: Nelson Alfredo AguilarDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-07T23:44:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cardoso_RenataGomes_M.pdf: 9115223 bytes, checksum: 27434bf124a604ae31768f96a9421932 (MD5) Previous issue date: 2007
Resumo: Este trabalho analisa algumas pinturas dos períodos iniciais da trajetória de Anita Malfatti. Para tal propósito, toma-se como base a análise formal, procurado adicionar a essa reflexão uma revisão das fontes sobre a artista e sobre a arte moderna internacional, das quais são levantadas algumas questões fundamentais, que marcaram o debate sobre a sua obra no início do século XX e as consecutivas abordagens sobre a artista ao longo da história da arte brasileira
Abstract: This work analyses some paintings of the early periods of Anita Malfatti¿s career. For this aim, it based on the formal analyses, but includes in this reflection a review of the sources about the artist and international modern art, detaching from it some relevant questions, that marked the debate about her work in the beginning of 20th century and the consecutive approaches of the artist throughout the history of Brazilian art
Mestrado
Historia da Arte
Mestre em História
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Villares, Mónica Ferrer 1982. "Arte fotografica e liberdade de expressão = um dialogo entre Brasil e Cuba (1960-1990)." [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/281783.
Full textAbstract:
Orientador: Claudia Valladão de MattosDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-15T14:24:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Villares_MonicaFerrer_M.pdf: 4737397 bytes, checksum: eb971cf5e2273525e932fb659df9af9e (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: ¿Arte fotográfica e liberdade de expressão: um diálogo entre o Brasil e Cuba ¿ aborda o desenvolvimento da fotografia latino-americana na segunda metade do século XX, a partir de um estudo comparativo e da análise de obras de fotógrafos cubanos e brasileiros, atuantes durante o período 1960-1990. O texto se divide em três grandes partes, correspondentes, cada uma delas, a um decênio, tomando como ponto de partida os gêneros de destaque em cada etapa e as relações destas produções com o contexto histórico e sócio-político em que se desenvolvem. No primeiro capítulo, a partir do conceito de 'fotojornalismo' são analisadas as obras dos artistas cubanos Alberto Díaz Gutiérrez (Korda) e Raúl Corrales, conjuntamente com as dos criadores brasileiros Antônio Luiz Benck Vargas e Evandro Teixeira. No segundo capítulo, tomando como base o conceito de 'fotografia antropológica¿ são submetidas à análise as obras dos artistas brasileiros Walter Firmo, Assis Hoffmann e Claudia Andujar, assim como a produção da fotógrafa cubana María Eugenia Haya (Marucha). Por fim, o terceiro e último capítulo da dissertação parte do desenvolvimento de poéticas de autor por parte dos artistas da câmera na década de 80, e a partir de diversos critérios se aproxima de forma crítica à obra dos fotógrafos cubanos Rogélio López Marín (Gory), Ramón Martínez Grandal e Mario García Joya (Mayito), assim como do artista brasileiro Clóvis Loureiro Junior.
Abstract: ¿Photographic art and freedom of expression: a dialogue between Brazil and Cuba ¿ discusses the development of Latin American photography in the second half of the twentieth century, from a comparative study and the analysis of works of Brazilian and Cuban photographers, working in the period of 1960-1990. The text is divided into three major parts, corresponding, each of them, to a decade, taking as a starting point the notable genres featured at every stage, and the relationship of these productions with the historical and socio-political context in which they develop. In the first chapter, from the concept of 'photojournalism' the works of the Cuban artists Alberto Díaz Gutiérrez (Korda) and Raul Corrales, together with the Brazilian creators Luiz Antônio Vargas Benck and Evandro Teixeira are analyzed. In the second chapter, building on the concept of 'anthropological photography' the works of the Brazilian artists Walter Firmo, Assis Hoffmann and Claudia Andujar, as well as the production of the Cuban photographer Maria Eugenia Haya (Marucha) are put under analysis. Finally, the third and final chapter of the dissertation is based on the development of author poetics by the artists of the camera in the 80's, and using several criteria, we approaches critically to the work of the Cuban photographers Rógelio López Marín (Gory), Ramón Martínez Grandal and Mario García Joya (Mayito), as well as the Brazilian artist Clóvis Loureiro Junior.
Mestrado
Historia da Arte
Mestre em História
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Camporeale, Elisa. "Primitivi in mostra : eventi, studi e percorsi all'inizio del Novecento." Doctoral thesis, Scuola Normale Superiore, 2005. http://hdl.handle.net/11384/85758.
Full text
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D'Ayala, Valva Margherita. "I Precetti ai pittori di Ugo Bernasconi e l’‘aforisma d’artista’ nel primo Novecento." Doctoral thesis, Scuola Normale Superiore, 2006. http://hdl.handle.net/11384/85754.
Full text
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Viana, Julia Monteiro 1986. "Processo criação fronteira arte vida fronteira key zetta e cia." [s.n.], 2014. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285284.
Full textAbstract:
Orientador: Cassiano Sydow QuiliciDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-24T21:26:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Viana_JuliaMonteiro_M.pdf: 1833227 bytes, checksum: 67ce42673b9461d1eddd19181fbe01ae (MD5) Previous issue date: 2014
Resumo: A presente pesquisa desenvolve um questionamento às fronteiras que separam diferentes gêneros artísticos e a arte da vida cotidiana, a partir da experiência com o trabalho da key zetta e cia, companhia de dança contemporânea de São Paulo. O estudo dos processos de criação de algumas obras produzidas pela companhia conduziram a uma problematização mais abrangente dessas temáticas e de suas relações com práticas corporais de culturas "orientais" e artes performativas contemporâneas
Abstract: The present research questions the bounderies that separates different artistic genders and art from daily life, taking as reference the experience with key zetta e cia, contemporary dance company of São Paulo. The study about some of their creative processes has led to an expanded discussion about these themes and its relations with eastern body practices and contemporary performing arts
Mestrado
Artes da Cena
Mestra em Artes da Cena
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Iwamoto, Luciana. "A influência japonesa nas artes e na moda europeia da virada do século XX." Universidade de São Paulo, 2016. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/100/100133/tde-27072016-143945/.
Full textAbstract:
Esta pesquisa tem como objetivo analisar o período compreendido entre a metade do século XIX e o começo do século XX a fim de identificar que aspectos e componentes da estética e valores culturais japoneses teriam sido eventualmente integrados aos movimentos artísticos europeus e ao design de moda. O interesse ocidental pelo Oriente sempre existiu, porém, foi intensificado após a abertura dos portos japoneses em 1854, depois de mais de dois séculos em reclusão. O encontro entre duas culturas tão distintas causou grande entusiasmo na Europa, com diversos autores que defendem que esta aproximação influenciou o rumo das artes, do design e de outros diversos campos, resultando em um movimento estético denominado Japonismo. Desse modo, esta pesquisa de natureza qualitativa, na modalidade histórica, gerada a partir de estudos bibliográficos e estudo de campo em museus e exposições, pretende expor exemplos e tecer reflexões sobre a importância do intercâmbio cultural entre o Japão e a Europa do final do século XIX e início do século XX, mais especificamente nos campos da arte e da modaThe aim of this research is to study the period between mid-19th century and beginning of 20th century to identify which aesthetic and cultural values aspects and components would eventually have been integrated to European fashion design and art movements. The occidental interest towards the orient have always existed, although, it was intensified after the opening of Japanese ports on 1854, after more than two centuries of seclusion. The encounter of such different cultures triggered enthusiasm in Europe, and several authors suggest that this gathering led the way of art, design and many several fields, resulting in an aesthetic movement called Japonism. Therefore, this qualitative research, on history, generated from bibliographical and field study in museums and exhibits, intends to bring into thought the importance of cultural exchange between Japan and Europe on the end of 19th Century and beginning of 20th century, specifically on art and fashion
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Alves, Fabiola Cristina [UNESP]. "Indivisibilidades entre natureza, homem e expressão artística: a reflexão estética de Merleau-Ponty." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2013. http://hdl.handle.net/11449/86891.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0
Previous issue date: 2013-09-26Bitstream added on 2014-06-13T19:27:48Z : No. of bitstreams: 1
alves_fc_me_ia.pdf: 949904 bytes, checksum: 1884eb7f0cf21d91bbf6cff87dd06d2f (MD5)Esta dissertação investiga a noção de arte moderna presente na reflexão estética do filósofo Maurice Merleau-Ponty, partindo da hipótese de que tal noção está inclusa na meditação sobre as indivisibilidades entre a relação homem, natureza e expressão artística. Apresenta a concepção de arte e arte moderna concomitantemente à trajetória e ao discurso filosófico de Merleau-Ponty. Discorre sobre a tese do filósofo acerca do retorno ao mundo percebido, as indivisibilidades, o corpo vidente e visível, o sensível, a carne do mundo, a pintura, o Ser bruto, a Natureza, logos e a expressão. A partir desses temas, foram desenvolvidas leituras sobre os seguintes textos para dimensionar essa noção de arte moderna: “A dúvida de Cézanne”, “A expressão e o desenho infantil”, “A linguagem indireta”, “A linguagem indireta e as vozes do silêncio” e “O olho e o espírito”. Para compreender o pensamento de Merleau- Ponty aproximamos suas ideias a várias teorias da história e da filosofia da arte, a partir dos temas: o espírito moderno, as correspondências, a representação e a expressão. Por fim, destaca os principais valores e ideias que compõem a noção de arte moderna em Merleau- Ponty.
This work investigates the notion of modern art in this aesthetic reflection of philosopher Maurice Merleau-Ponty, on the hypothesis that such a notion is included in the meditation about the indivisibilities on the relationship between man, nature and artistic expression. It presents the concept of art and modern art concomitantly to the trajectory and the philosophical discourse of Merleau-Ponty. This work also discuss the thesis of the philosopher about returning to the perceived world, the indivisibilities, the visible and invisible body, the sensitive, flesh of world, the painting, the Being, the Nature, the logos and the expression. On the themes, the following texts were studied to investigate the author’s notion of modern art: “Cézanne’s Doubt”, “Expression and the child’s drawing”, “The indirect language”, “The indirect language and the voices of silence” “Eye and mind”. To comprehend Merleu-Ponty’s ideas, his thought was related with various History and Art Philosophy theories, under the following themes: the modern mind, correspondence, representation and expression. At last, this work emphasizes the core values and ideas that make up the notion of modern art of Merleau-Ponty.
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Luz, Aline Pires [UNESP]. "A arte psicodélica e sua relação com a arte contemporânea norte-americana e inglesa dos anos 1960: uma dissolução de fronteiras." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2014. http://hdl.handle.net/11449/110343.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2014-11-10T11:09:38Z (GMT). No. of bitstreams: 0
Previous issue date: 2014-06-10Bitstream added on 2014-11-10T11:58:09Z : No. of bitstreams: 1
000794486.pdf: 1064155 bytes, checksum: 0878cc1a04661628e01d96a1c06bc943 (MD5)Tem-se por objetivo situar a produção de arte psicodélica vinculada ao movimento de contracultura da década de 1960, em relação à chamada arte contemporânea, que se iniciava no mesmo período e que pode ser tomada como uma arte que se deu no âmbito mainstream, por circular nas principais galerias, museus e fazer parte da História da Arte. A arte psicodélica era também conhecida como arte underground e, de fato, foi uma das expressões desse outro âmbito. Tal arte se vincula ainda a arte outsider, que também engloba várias expressões da chamada arte visionária. Dentro da arte visionária, há uma linha que se desenvolve desde produções que passam pela arte primitiva, antiga e medieval, até o Romantismo, Simbolismo, Arte Nova, Realismo Fantástico, culminando com o Psicodelismo nos anos 1960. Das expressões da arte contemporânea, a Arte Pop, o Minimalismo, a Land Art, a Op Art e o Happening situam-se entre os movimentos em que se pode encontrar relações. O Minimalismo, por exemplo, presentifica um apelo sensorial das superfícies dos materiais similar ao que é experiementado no estado psicodélico. A estética mínima e limítrofe é um estimulante para a formação de alegorias e ilusões sensoriais. O cinema underground se revelou outra importante área de intersecção entre Psicodelismo e arte contemporânea
Our goal is to find the relationship between psychedelic art, which was a part of the 1960’s counterculture movement, and the so called contemporary art, whose first expressions were coming out at the same time. Contemporary art can be assumed to be a mainstream art because it was found at the main galleries and museums and is a well known movement in the History of Art. Psychedelic art, on the contrary, was also known as a kind of underground expression, and is linked with outsider art, which includes in its scope a variety of works of the so called visionary art. Inside its range of artistic expressions we can find a historical line (and at the same time an a-historic essential spirit), that evolves itself between primitive and ancient art, goes following through medieval art, reaching the Romanticism of the nineteenth century, emerging through Simbolism, Art Nouveau, Fantastic Realism, and giving shape to the Psychedelic Art of the 1960’s. On the expressions of contemporary art, we can say that Pop Art, Minimalism, Land Art, Op Art and Happening are between the artistic movements that we can find relationships with psychedelia. Minimal art shows the sensorial appeal of surfaces which is very similar with the kind of sensorial ecstasy enjoyed under the psychedelic state. The minimal aesthetic is so basic that it can provoke mental associations to fulfill its empty meaning and also provoke sensorial illusions like an infinite color fog, for example. Underground cinema is another area that revealed intersections between psychedelic and contemporary art
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Januario, Elizete Terezinha. "Arte para o corpo : vivenciar, perceber e sentir a arte contemporanea brasileira." [s.n.], 2006. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285017.
Full textAbstract:
Orientador: Marco Antonio Alves do ValleDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-10T22:57:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Januario_ElizeteTerezinha_M.pdf: 4484049 bytes, checksum: a4a509d50976eacd4eb6b58469c20f86 (MD5) Previous issue date: 2006
Resumo: Esta pesquisa teve por finalidade apontar a importância da estimulação sensorial no corpo humano por meio do contato com objetos e instalações que possam proporcionar uma experiência sensível (olhar, tatear, ouvir, degustar e falar). Neste sentido, tais experiências mostram a interação entre a arte e a vida do ser humano em seu dia-a-dia, bem como as relações que seguem entre os objetivos de Lygia Clark e Hélio Oiticica, abordando questões relativas à "exploração do corpo¿, focalizando-o como um instrumento ativador de sua própria percepção, e, posicionando os homens a uma proximidade maior com a Arte a partir das vivências sensoriais. Porém, seus caminhos são divergentes. Lygia Clark parte do interior do sujeito, cria dobras em seus objetos para que ele chegue ao mundo e ao outro à partir de seu inconsciente e de seu Self; Hélio Oiticica já propõe o oposto, chegar ao sujeito à partir do exterior, e ainda, levanta questões sociais e políticas a partir da reunião de objetos e pessoas ligados ao seu meio, determinando uma das vertentes mais arrojadas da arte contemporânea brasileira, sinalizando a principal característica de nossa cultura em que o corpo é suporte e meio da expressão artística brasileira. Este interesse surgiu a partir de conclusões adquiridas nos meios em que acontecem as exposições de Arte contemporânea. Foi então que percebeu-se o quanto as inter-relações e os acontecimentos envolvem o artista ao mundo, e fazem com que ele continue as buscas por novas expressões artísticas, experimentando, transformando, sentindo e ingerindo as diversidades que rodeiam a sociedade, principalmente no meio artístico. Estas relações se dão e são proporcionadas pelos cinco sentidos. A consciência do indivíduo se completa ao interagir com o mundo por meio das manifestação dos cinco sentidos. São eles que nos propiciam esta comunicação com o meio externo. O direcionamento do trabalho é apontar o Artista, e, neste sentido, ele exerce um papel de articulador destas relações quando propõe objetos interativos com seu corpo e com os corpos de outras pessoas. As considerações mencionadas nesta dissertação dizem respeito a este processo de construção interior em direção às pesquisas plásticas, que investigam uma série de materiais e novas interpretações sobre espaço, formas, corpo e mundo. Sendo assim, no corpo desta dissertação estarão descritos o caminhar de Lygia Clark e Hélio Oiticica em direção aos questionamentos sobre o conceito da ¿quebra do plano¿, a ¿queda da moldura¿, bem como as experiências sensoriais exploradas em seus objetos e instalações, fator que possibilita a manifestação de todos os órgãos dos sentidos em nosso corpo. O caminhar em direção a tridimensionalidade em conseqüência da exploração dos sentidos nos trabalhos plásticos mencionados neste trabalho, salientando a forte influência dos trabalhos dos artistas acima referidos. Portanto, não podemos deixar de mencionar a fundamentação teórica pautada nas considerações do pensamento fenomenológico existencial. Finalizando, foi feito um apanhado geral sobre o envolvimento dos cinco sentidos como elementos imprescindíveis para que a sensibilidade não se perca na vida do Ser Humano, e ainda, a relação das investigações sensoriais nos trabalhos de Lygia Clark e Hélio Oiticica. Concluindo, então, esta pesquisa com a certeza de que o Corpo não está distante da Arte em momento algum. Ao Ser Humano é dado a capacidade e sentir, vivenciar e captar o mundo a sua volta, desenvolvendo a vida, o movimento e o instinto de criação e transformação a partir do que lhe é oferecido
Abstract: This research had for purpose to point the importance of the sensorial stimulation in the human body by means of the contact with objects and installations that can provide a sensible experience (to look at, to tatear, to hear, to degustar and to speak). In this direction, such experiences day-by-day show to the interaction between the art and the life of the human being in its, as well as the relations that follow between the objectives of Lygia Clark and Hélio Oiticica, approaching relative questions to the "exploration of the body", focusing it as an activator instrument of its proper perception, and, locating the men to a bigger proximity with the Art from the sensorial experiences. However, its ways are divergent. Lygia Clark has left of the interior of the citizen, creates folds in its objects so that it arrives at the world and the other to leaving of its unconscious one and of its Self; Oiticica helium already considers the opposite, to arrive at the citizen to leaving of the exterior, and still, raises social matters and politics from the meeting of on objects and people to its half one, determining one of the sources boldest of the art Brazilian contemporary, signaling the main characteristic of our culture where the body is support and way of the Brazilian artistic expression. This interest appeared from conclusions acquired in the ways where the expositions of Art happen contemporary. It was then that it was perceived how much the Inter-relations and the events involve the artist to the world, and make with that it continues the searches for new artistic expressions, trying, transforming, feeling and ingesting the diversities that encircle the society, mainly in the artistic way. These relations if give and proportionate for the five are felt. The conscience of the complete individual if when interacting with the world by means of the manifestation of the five felt. They are they who in them propitiate this communication with the external way. The aiming of the work is to point the Artist, and, in this direction, it it exerts a paper of articulador of these relations when it considers interactive objects with its body and the bodies of other people. The considerações mentioned in this dissertação say respect to this process of interior construction in direction to the plastic research, that investigates a series of materials and new interpretations on space, forms, body and world. Being thus, in the body of this dissertação they will be described walking of Lygia Clark and Hélio Oiticica in direction to the questionings on the concept of the "plan in addition", the ¿fall of the frame¿, as well as the sensorial experiences explored in its objects and installations, factor that makes possible the manifestation of all the agencies of the directions in our body. Walking in direction the tridimensionalidade in consequence of the exploration of the directions in the plastic works mentioned in this work, pointing out the strong influence of the works of the artists above related. Therefore, we cannot leave to mention the pautada theoretical recital in the considerações of the existencial fenomenológico thought. Finishing, apanhado on the envolvement of the five was made general felt as elements essential so that sensitivity not if it loses in the life of the Human being, and still, the relation of the sensorial inquiries in the works of Lygia Clark and Hélio Oiticica. Concluding, then, this research with the certainty of that the Body is not distant of the Art at any moment. To the Human being the capacity is given and to feel, to live deeply and to catch the world its return, developing the life, the movement and the instinct of creation and transformation from that it is offered to it
Mestrado
Mestre em Artes
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Luz, Aline Pires 1987. "A arte psicodélica e sua relação com a arte contemporânea norte-americana e inglesa dos anos 1960 : uma dissolução de fronteiras /." São Paulo, 2014. http://hdl.handle.net/11449/110343.
Full textAbstract:
Orientador: Omar KhouriBanca: Sérgio Mauro Romagnolo
Banca: Júlio César Mendonça
Resumo: Tem-se por objetivo situar a produção de arte psicodélica vinculada ao movimento de contracultura da década de 1960, em relação à chamada arte contemporânea, que se iniciava no mesmo período e que pode ser tomada como uma arte que se deu no âmbito mainstream, por circular nas principais galerias, museus e fazer parte da História da Arte. A arte psicodélica era também conhecida como arte underground e, de fato, foi uma das expressões desse outro âmbito. Tal arte se vincula ainda a arte outsider, que também engloba várias expressões da chamada arte visionária. Dentro da arte visionária, há uma linha que se desenvolve desde produções que passam pela arte primitiva, antiga e medieval, até o Romantismo, Simbolismo, Arte Nova, Realismo Fantástico, culminando com o Psicodelismo nos anos 1960. Das expressões da arte contemporânea, a Arte Pop, o Minimalismo, a Land Art, a Op Art e o Happening situam-se entre os movimentos em que se pode encontrar relações. O Minimalismo, por exemplo, presentifica um apelo sensorial das superfícies dos materiais similar ao que é experiementado no estado psicodélico. A estética mínima e limítrofe é um estimulante para a formação de alegorias e ilusões sensoriais. O cinema underground se revelou outra importante área de intersecção entre Psicodelismo e arte contemporânea
Abstract: Our goal is to find the relationship between psychedelic art, which was a part of the 1960's counterculture movement, and the so called contemporary art, whose first expressions were coming out at the same time. Contemporary art can be assumed to be a mainstream art because it was found at the main galleries and museums and is a well known movement in the History of Art. Psychedelic art, on the contrary, was also known as a kind of underground expression, and is linked with outsider art, which includes in its scope a variety of works of the so called visionary art. Inside its range of artistic expressions we can find a historical line (and at the same time an a-historic essential spirit), that evolves itself between primitive and ancient art, goes following through medieval art, reaching the Romanticism of the nineteenth century, emerging through Simbolism, Art Nouveau, Fantastic Realism, and giving shape to the Psychedelic Art of the 1960's. On the expressions of contemporary art, we can say that Pop Art, Minimalism, Land Art, Op Art and Happening are between the artistic movements that we can find relationships with psychedelia. Minimal art shows the sensorial appeal of surfaces which is very similar with the kind of sensorial ecstasy enjoyed under the psychedelic state. The minimal aesthetic is so basic that it can provoke mental associations to fulfill its empty meaning and also provoke sensorial illusions like an infinite color fog, for example. Underground cinema is another area that revealed intersections between psychedelic and contemporary art
Mestre
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Oliveira, Amilton Damas de. "Festas populares paulistas : impressões xilográficas." [s.n.], 2013. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284549.
Full textAbstract:
Orientador: Lúcia Eustáchio Fonseca RibeiroDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-22T09:17:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Oliveira_AmiltonDamasde_M.pdf: 8198814 bytes, checksum: 690cce01c2fdb055e6661374d1277864 (MD5) Previous issue date: 2013
Resumo: Esta pesquisa tem como objetivo desenvolver um estudo e considerações sobre a presença da cor na minha produção, por meio do processo subtrativo, composta por uma série de xilogravuras coloridas, em sua maioria no processo matriz perdida, realizada entre os anos de 2009 e 2011. A temática é construída de narrativas provenientes de vivencias cotidianas rurais e urbanas e, principalmente, com as expressões da cultura popular das festas, folias e folguedos religiosos do Estado de São Paulo. Para efetivar a pesquisa, busco retomar o processo criativo envolvido na elaboração dessas gravuras, bem como rememorar momentos de vida que colaboraram na construção de minha trajetória pessoal e profissional. Como um "contador de estórias", recorro ao desenho e a coleta de falas dos festeiros para apreender, compreender e registrar aspectos da religiosidade popular e sua rica diversidade plástica. Na história da arte geral e brasileira, destaco artistas que apresentam produção significativa na área da gravura, enfatizando a cor na técnica de xilogravura
Abstract: This research aims to develop a study and consideration of the presence of color in my production of woodcuts by the subtractive process. Consisting of a series of colored woodcuts mostly lost in the process matrix, performed between the years 2009 and 2011. The conceptual relationship between printmaking and drawing will be explored and revealed through the very theme of the works (parties of popular Catholicism) and graphics processing. In the case of visual poetics, there will be a gradual process in which, concurrently, the results obtained experimentally subsidize further investigations, and thus successively over this research to achieve the final pointers
Mestrado
Artes Visuais
Mestre em Artes Visuais
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Reus, Morro Jaume. "Evasió i exili interior en l'obra de Joan Miró: 1939-1945." Doctoral thesis, Universitat de les Illes Balears, 2004. http://hdl.handle.net/10803/37403.
Full textAbstract:
L’interès d’aquesta investigació s’ha centrat en dos aspectes complementaris de l’obra de Joan Miró, del període de 1939 a 1945. Un és la producció artística i l’altre és el procés auto reflexiu.
El període de la trajectòria vital i professional objecte d’anàlisi, el de major tensió emocional per a l’artista i la seva família, està marcat per inflexions significatives, però també per continuïtats. Miró fou capaç de superar l’opressió d’un ambient hostil gràcies a una severa auto disciplina en el treball, una recapitulació sobre el propi llenguatge artístic i un inèdit procés d’auto reflexió escrit.
Pel que fa a la producció, hem destacat amb una especial significació dues sèries: Constellations (1940-41) i la Sèrie Barcelona (1941-1944). L’obra realitzada en aquest període és un dels exemples més interessants de com les característiques evasives, de l’absurd o tocades pel seu particular humour grotesc, suposen un contrapès al carregat ambient que l’envoltaEl interés de nuestra investigación se ha centrado en dos aspectos complementarios de la obra de Joan Miró, comprendida entre el período 1939 y 1945. Uno es la producción artística y el otro es el proceso autoreflexivo. El período de la trayectoria vital y profesional objeto de análisis, el de mayor tensión emocional para el artista y su familia, está marcado por inflexiones significativas, pero también por continuidades. Miró fue capaz de superar la opresión de un ambiente hostil gracias a una severa autodisciplina en el trabajo, una recapitulación sobre el propio lenguaje artístico y un inédito proceso de auto reflexión escrito. Por lo que se refiere a la producción, hemos destacado con una especial significación dos series: Constellations (1940-41) y la Sèrie Barcelona (1941-1944). La obra realizada en este período es uno de los ejemplos más interesantes de como las características evasivas, del absurdo o tocadas por su particular humour grotesco, suponen un contrapeso al cargado ambiente que le rodea
The interest of our research is located in two complain aspects of Joan Miró’s work, between 1939 and 1945. One aspect is the artistic production and the other one is the self reflexive process. This vital and professional period is the most emotional tension for the artist and his family, and it is distinguished by important changes but also by continuities. Miró was into the most strict anonymous. He was able to overcome the oppression of a hostile atmosphere because he impose himself a hard auto discipline of work, a recapitulation about his artistic language, and an unpublished process of written reflection. In concerning the artistic production, we have studied two series because its special signification: Constellations (1940-41) and the Sèrie Barcelona (1941-44). The works made in this period of time are one of the most interesting examples of evasive trends, absurd or with a particular and grotesque humour. This attributes were the counter balance to the loaded climate
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Andrade, Rodrigo Vivas. "Os salões municipais de belas artes e emergencia da arte contemporanea em Belo Horizonte : 1960-1969." [s.n.], 2008. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/280775.
Full textAbstract:
Orientador: Nelson Alfredo AguilarTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-12T04:59:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Andrade_RodrigoVivas_D.pdf: 2437271 bytes, checksum: 53789e24f5454b5d4e957822c5307ee5 (MD5) Previous issue date: 2008
Resumo: Encontra-se, nessa tese, o estudo das obras premiadas nos Salões Municipais de Belas Artes (SMBAs) de Belo Horizonte na década de 1960 e a transformação do SMBA em Salão Nacional de Arte Contemporânea (SNAC) em 1969. Para tanto, tornou-se necessário o entendimento das modificações do cenário artístico de Belo Horizonte iniciadas pelos confrontos entre acadêmicos, representados por Aníbal Matos, e os modernos reunidos nas exposições: Zina Aita em 1920, Salão Bar Brasil 1936, Exposição Moderna em 1944. Entende-se como a consolidação da arte moderna a vinda de Alberto da Veiga Guignard para fundar uma Escola de Artes, assim com as medidas modernizadoras de Juscelino Kubstchek, enquanto prefeito da capital mineira. Esse cenário e pinturas desses artistas são estudados na primeira parte da tese. Na década de 1960, os SMBAs abandonam o viés regional e passam a contar com a participação de artistas e críticos fundamentalmente do Rio de Janeiro e São Paulo. Para a compreensão desses acontecimentos, são analisadas as pinturas premiadas, nos Salões Municipais de Belas Artes, responsáveis por constituir o acervo do Museu de Arte da Pampulha. Para finalizar a tese, buscou-se compreender a emergência da arte contemporânea, na capital mineira, através do estudo das manifestações: Vanguarda Brasileira (1966), Objeto e Participação e Do Corpo à Terra (1970) que propunham a destruição do suporte do objeto artístico, da desmaterialização da obra de arte, assim como o questionamento dos SMBAs.
Abstract: This thesis is about the study of masterpieces awarded at the Fine Arts Municipal Salons of Belo Horizonte (SMBAs) in the 1960s and the transformation of the SMBA into The Contemporay Art National Salon (SNAC) of Belo Horizonte in 1969. To make it possible, it was necessary to understand the modifications of the artistic scene of Belo Horizonte considering the relations among the academic experts, represented by Aníbal Matos and the modern ones present in exhibitions such as: Zita Aita 1920, Salão Bar Brasil, 1936, Exposição Moderna 1944. The starting points of the modern art consolidation can be considered when Alberto da Veiga Guignard inaugurated a School of arts and the fact that that Juscelino Kubstchek, the major of Belo Horizonte (the capital of the State of Minas Gerais) had modern politics. That scene and the paintings of the artists are studied in the first part of this thesis. In the 1960s, the SMBAs spread their influence beyond the region and receive participations of artists and critics especially from Rio de Janeiro and São Paulo. To understand these events better, some awarded paintings are analyzed in the SMBA, responsible for keeping the Pampulha Art Musem objects. To conclude the thesis, there was an attempt to understand the emergency of the contemporary arts in the capital of Minas Gerais through the study of some art events such as: Vanguarda Brasileira 1966, Objeto e Participação and Do Corpo à Terra 1970. These events had the aims of destroying the support of the artistic object, the dematerialization of masterpiece and the questioning of the SMBAs.
Doutorado
Historia da Arte
Doutor em História da Arte
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Paocarina, Albuja Fabián. "Camilo Egas, el precursor del indigenismo y concitador de las vanguardias en Ecuador (1889-1962)." Doctoral thesis, Universitat de Girona, 2021. http://hdl.handle.net/10803/672911.
Full textAbstract:
The thesis: "Camilo Egas, the precursor of indigenism and instigator of the
avant-garde in Ecuador (1889-1962)", exposes a comprehensive study of the
painter's author career in two dimensions of analysis: 1) the historical,
geopolitical and sociological context, and 2) the artistic and aesthetic
context, referring to the work and stages of the Ecuadorian modern artist,
considered as a key actor in the development of the country's twentiethcentury
modern trends. Exposed in two great creative periods: the period of
Indigenismo in a varied imprint, and the period of the avant-garde, the isms
and variants that it went through, from social realism to its final abstract
phaseLa tesis: «Camilo Egas, el precursor del indigenismo y concitador de las vanguardias en Ecuador (1889-1962)», expone un estudio integral de la trayectoria autoral del pintor en dos dimensiones de análisis: 1) el contexto histórico, geopolítico y sociológico, y 2) el contexto artístico y estético, referido a la obra y etapas del artista moderno ecuatoriano, considerado como un actor clave en el desarrollo de las tendencias modernas del siglo XX del país. Expuesto en dos grandes períodos creativos: el periodo del Indigenismo en una variada impronta, y el periodo de la vanguardia, los ismos y variantes que atravesó, desde el realismo social hasta su fase final abstracta
Programa de Doctorat en Ciències Humanes, del Patrimoni i de la Cultura
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Gonçalves, Adriana Honorato. "Questões preliminares sobre aspectos do vazio na arte contemporânea /." São Paulo : [s.n.], 2012. http://hdl.handle.net/11449/86947.
Full textAbstract:
Orientador: Sérgio Mauro RomagnoloBanca: Agnaldo Aricê Caldas Farias
Banca: José Leonardo Nascimento
Resumo: A pesquisa parte da observação de certos vazios percebidos na arte contemporânea e em minha própria produção, para uma investigação sobre alguns aspectos conceituais e estéticos do vazio relacionado às noções de existência e falta. O objetivo é entender porque alguns artistas contemporâneos parecem ter predileção pelo vazio e suas manifestações. Desta forma, o estudo apresenta uma reflexão sobre as mudanças ocorridas no período moderno relacionadas à queda da soberania religiosa, a ruptura da arte com as tradições e questões contemporâneas como narcisismo, indiferença e liberdade. Depois realiza-se um estudo sobre a falta comum a todos e as noções de recalque, sublimação e subjetividade na arte, aproximando o estudo da relação entre arte e psicanálise
Abstract: The beginning‟s point of this research was the perception of the often emptiness' representation in contemporary art and in my own production. From this, the next point was to investigate some conceptual and aesthetic aspects related with the notions of void, existence, freedom, indifference and lack. The research's purpose is to understand the reason for this kind of predilection in contemporary art. The study began through a short analysis of some artists and their works, where the empty takes place as privileged part of their poetic. After that, the second step was a reflection about the impacts and modifications in the modern time caused by: the religious' decrease, secession between art and traditions, contemporaries' questions such as individualism, indifference and freedom. Finally, the research traces a parallel between the common understanding of absence and psychoanalitical notions like repression, sublimation and subjectivity in art
Mestre
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Bonet, Pilar 1956. "ADLAN i el Club 49. Tot muda i tot roman." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/672749.
Full textAbstract:
L'any 1932 a Barcelona, en plena eufòria republicana, un grup d'amics crearen l'associació cultural ADLAN (Amics de l'Art Nou). Fins a la guerra civil gestionaran múltiples activitats en l'àmbit de l'art, la literatura, la fotografia, el cinema, la música, la dansa, !'arquitectura i les arts populars. Sempre guiats per un esperit crític, participaran en els debats artístics i lideraran la poètica del surrealisme i la defensa de les arts populars. Construiran una comunitat que unira Barcelona amb París, Madrid í Tenerife. Alguns membres d'aquest grup, liderats per Joan Prats, reprenen l'activitat l'any 1949 amb la creació de l'associació Club 49. De nou, la societat civil que representen gestionarà la cultura més progressista i de novetat per activar, en ple període de govern franquista, l'art abstracte, el jazz, la música contemporània, la poesia escènica, el teatre de la improvisació o la pedagogia de l'art.
Uns i altres protagonitzen una part important de la historia de la cultura catalana contemporània, sempre al costat de les creacions més heterodoxes i amb una vitalitat feta d'entusiasme, amistat i capacitat crítica. Entre ells, Joan Prats, Joan Miró, Ángel Ferrant, Robert Gerhard, Sebastia Gasch, Joaquim Gomis, Eudald Serra, Magí A. Cassanyes, J. V. Foix, Alexandre Cirici Pellicer, Antoní Tapies, Joan Brossa, Josep M. Mestres Quadreny, Miquel Porter, Ricard Gomis, Josep Lluis Sert, Joaquim Homs, i molts d'altres. La tesi doctoral que presentem documenta i contextualitza les activitats que ambdues associacions van portar a terme, analitzant els fets i els debats en els quals participaren. Més enllà deis noms importants que en formaren part, aquesta recerca centra l"atenció en la condició de comunitat intel·lectual d'aquests grups, en la seva visió de l"art coma dispositiu crític i en la voluntat de viure el present com una oportunitat per construir el futur. L'esperit i les activitats d'aquesta societat civil ens permeten rellegir la historia de l'art a Catalunya des d'una perspectiva del segle XXI.In 1932 in Barcelona, during the euphoric republican era, a group of friends created the cultural association ADLAN (Amics de l'Art Nou). Up until the civil war they undertook many activities in the field of the arts, literature, photography, cinema, music, dance, arquitecture and popular arts. Always foliowing their criticar espirit, they participated in artistic debates being leaders of the surrealistic poetry and the defense of the popular arts. They built a community that joined Barcelona with París, Madrid and Tenerife. Part of this group, whose leader was Joan Prats, re-started their activities in 1949, creating the association Club 49. Once again, the civil society that they represented was responsible for generating a most progressive and innovative culture, during the worst years of the Franco government, of abstract art, jazz, contemporany music, escenic poetry, improvised theatre or art education. They were the protagonists of an important part of the contemporany catalan culture, always with the most heterodox creations and with a vitality born of their entusiasm, friendship and crltical capacity. Among them, Joan Prats, Joan Miró, Angel Ferrant, Robert Gerhard, Sebastia Gasch, Joaquim Gomis, Eudald Serra, Magí A. cassanyes, J.V. Foix, Alexandre Cirici Pellicer, Antoni Tapies, Joan Brossa, Josep M. Mestres Quadreny, Miquel Porter, Ricard Gomis, Josep Lluis Sert, Joaquim Homs, and many more. This research documents and contextualises the activíties that both associations conducted , analysing the events and debates in which they participated . Beyond the important names involved, the research focusses on their existence as an intelectual community, on their vislon of art as a critica! channel and on their wish to live the present as an opportunity to built a future. The spirit and the activlties of this civil society allow us to interpret the history of Catalan art from a perspectíve of the XXI century.
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Seraphim, Mirian N. (Miriam Nogueira). "A catalogação das pinturas a óleo de Eliseu d'Angelo Visconti = o estado da questão." [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/280443.
Full textAbstract:
Orientador: Jorge ColiAcompanha no v. 1 1 CD-ROM
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-16T10:33:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Seraphim_MirianN.(MiriamNogueira)_D.pdf: 12638976 bytes, checksum: e9c65ea2af43869cc442737e0ffb85ac (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: O pintor Eliseu d'Angelo Visconti (Salerno, Itália, 1866 - Rio de Janeiro, 1944), apesar de ser precursor do modernismo brasileiro, pioneiro do design no Brasil, e ainda decorador de diversos edifícios importantes do Rio de Janeiro, não tem sua obra conhecida nem valorizada na justa medida, como também grande parte dos artistas brasileiros. A catalogação sistemática da obra de um artista é o procedimento que visa sanar essas faltas e também prevenir e combater a falsificação, que progride na medida em que o mercado de artes plásticas no Brasil é insipiente e o conhecimento do seu objeto é precário. Foi feito, então, um levantamento das pinturas a óleo e de cavalete atribuídas a Visconti, num recorte que exclui toda a sua produção de desenho, pinturas em outras técnicas, projetos para as indústrias artísticas e os grandes painéis decorativos. Para definir o estágio de autenticação de cada pintura e ordená-las cronologicamente, foi realizada uma grande coleta de documentos e críticas publicadas por ocasião das muitas exposições que Visconti participou. Além disso, as características individuais do autor - em termos de cor, fatura, desenho e composição - observadas em suas obras de autoria comprovada, quando estão evidentes em outras pinturas, servem de base para a sua aprovação. Assim, foram destacadas 501 pinturas a óleo, em sua grande maioria comprovadas e aprovadas, num Elenco Cronológico e Iconográfico; acompanhadas de seus dados essenciais e históricos, e de um símbolo de caracterização da obra, que as define em cinco variáveis: autoria, título, imagem, data e coleção. Em separado, são apresentadas mais 115 pinturas, ainda em estudos ou não aprovadas, e acompanhadas dos mesmos elementos. Visconti alcançou uma linguagem plástica pessoal harmonizando elementos de sua formação acadêmica com as tendências do final do século XIX: pré-rafaelismo, impressionismo, simbolismo, artnouveau. Assim, foi inovador e ousado, sem ser contestador ou revoltado
Abstract: The painter Eliseu d'Angelo Visconti (Salerno, Italy, 1866 - Rio de Janeiro, 1944), despite being a precursor of modernism in Brazil, and a pioneer of design in Brazil, and decorator of several important buildings in Rio de Janeiro, his work is neither known nor appreciated in full measure, as happens to most Brazilian artists. The systematic cataloguing of the work of an artist is the procedure that aims to remedy those deficiencies and prevent and combat counterfeiting, which progresses to the extent that the market for visual arts in Brazil is incipient and knowledge of its object is poor. Then it was made a survey of oil paintings attributed to Visconti, a clipping that excludes all of its production design, paintings in other techniques, artistic projects for industries and large decorative panels. To set the stage for authentication of each painting and arrange them chronologically, we performed a large collection of documents and reviews published during the many exhibitions that Visconti participated. In addition, the author's individual characteristics - in terms of color, making, design and composition - seen in his works of authorship verified, once evident in other paintings, are the basis for its approval. Thus, there were 501 outstanding oil paintings, mostly verified and approved, in an Iconographic and Chronological List and, accompanied by their essential data and history; a symbol of characterization of the work, that sets in five variables: author, title, image, date and collection. Separately, more than 115 paintings are displayed, still in studies or non approved and accompanied by the same elements. Visconti reached a personal visual language harmonizing elements of their academic training with the trends of the late nineteenth century: pre-Raphaelitism, impressionism, symbolism, art nouveau. Thus, it was innovative and daring, without being disruptive or revolted
Doutorado
Historia da Arte
Doutor em História
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Lima, Vera Ferreira 1967. "Espaços expositivos contemporâneos." [s.n.], 2015. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285317.
Full textAbstract:
Orientador: Mauricius Martins FarinaDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-27T17:02:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lima_VeraFerreira_M.pdf: 17948557 bytes, checksum: 19c248c3e9867a869c23cd112712c983 (MD5) Previous issue date: 2015
Resumo: Esta dissertação de mestrado busca identificar a configuração ideal dos espaços expositivos contemporâneos, mais especificamente museus, para exibição das criações artísticas realizadas a partir dos anos 1950. Durante o processo investigativo constatou-se a necessidade de, preliminarmente, conceituar esta tipologia arquitetônica para, na sequência, apresentar suas transformações ao longo dos anos, fruto da constante busca por adequar o continente ao conteúdo e a sociedade. Enfatizando que as produções artísticas foram as causadoras das diversas necessidades de alterações espaciais também foi dedicada uma parte da monografia para apresentação do experimentalismo existente no período de reflexão. Cabe ressaltar que as variações nos suportes artísticos criaram novos desafios para os arquitetos no desenvolvimento dos projetos de museus, além da contaminação do seu imaginário com uma gama de infinitas possibilidades criativas. Para a criação destes espaços, por vezes, devem-se ponderar demandas antagônicas tais como: grandes ou pequenas áreas, claridade ou escuridão, silêncio ou ruído, cores ou neutralidade. Com o propósito de melhor entender estas edificações foram analisadas três instituições que apresentam condições específicas para a exibição de arte contemporânea, destacando-se duas distintas exposições em cada para melhor avaliarmos a conformação dos espaços às atuais demandas
Abstract: This dissertation aims to identify the ideal contemporary exhibition space, specifically museums, for showing contemporary art produced since the 1950s. In the research process, we primarily conceptualize this architectural typology and then presented its historical development related to its adequacy to social and artistic alterations. Considering that exhibition spaces must be adequate to show the wide range of artistic creations we also dedicated a chapter to understand and analyze all that happened in arts universe during the period. It¿s necessary to highlight that artistic developments in addition to being a big challenge to architects design are also a huge inspiration, mainly due to presenting infinity new possibilities. To design these spaces sometimes one must deal with antagonist forces like: amplitude or cosines, clarity or darkness, silence or noise, colorful or neutral. In this dissertation three reckon contemporary art institutions were analyzed highlighting two different shows in each one. The objective was to study the space adequacy to the art it contained
Mestrado
Artes Visuais
Mestra em Artes Visuais
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Paolillo, Costanza. "Ferrania. Un’impresa, una rivista : industria fotografica e lavoro culturale dagli albori della società dello spettacolo italiana." Doctoral thesis, Scuola Normale Superiore, 2019. http://hdl.handle.net/11384/85764.
Full text
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Paulitsch, Vivian da Silva. "Impasses no exercicio da feminilidade e da maternidade no triptico La Faiseuse D'Anges do pintor Pedro Weingartner (1853-1929)." [s.n.], 2009. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/280005.
Full textAbstract:
Orientador: Jorge Sidney Coli JuniorTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-12T20:36:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Paulitsch_ViviandaSilva_D.pdf: 19154700 bytes, checksum: 1fc2727325ff96d4ed507b69e374ed84 (MD5) Previous issue date: 2009
Resumo: Esta tese constitui uma pesquisa em história da arte, relativamente ao tríptico intitulado La Faiseuse D'Anges (A fazedora de anjos), de autoria do artista brasileiro e filho de imigrantes alemães, Pedro Weingärtner (1853-1929). É objetivo geral desta tese relacionar, analisar e propor uma leitura crítica acerca dos aspectos picturais, sociais, culturais e historiográficos das representações constantes no tríptico, integrante do acervo da Pinacoteca de São Paulo. O artista percebe a mulher como o centro da sociedade - um pilar - e o lugar capital do casamento em sua vida, como fator de reconhecimento. A injunção desse status quo está nos detalhes dos objetos e da cena de carnaval e dos interiores que Weingärtner propositalmente colocou em sua composição, ao reproduzir essa realidade cotidiana, característica da pintura de gênero do século XIX, em toda a Europa.Entende-se que a simbologia e a sugestão foram sua primeira opção de linguagem. Depois, apoiou-se na obra literária Fausto, de Goethe, que permeia as três partes do tríptico. O título enigmático, relativo às abortadeiras, colocava em pé de igualdade todo tipo de prática que, de alguma forma, tentasse prejudicar a vida de um novo ser em geração. Pedro Weingärtner criou um tríptico sob um clima prejudicial em relação ao nascimento, resolveu sugerir o abandono e o colocou em posição igualitária ao crime de infanticídio.
Abstract: This thesis constitutes a research about Art History, focused on the triptych entitled La Faiseuse D'Anges (Angels maker) by the Brazilian artist and German immigrants' son, Pedro Weingärtner (1853-1929). The general goal of this work is to analyze and propose a critical reading of pictorial, social, cultural and historiographical aspects of the representations contained at the triptych, part of Picture Gallery of São Paulo State collection. The artist perceives the woman as the society center - a pillar - and the main place of marriage in her life as a fact of recognition. The injunction of this status quo is in the objects' details, in the carnival scenes and in the interiors than Weingärtner places on purpose in his composition, reproducing this daily reality, characteristical in 19th century paintings, all over Europe. Symbology and suggestion are understood as his first language option. Afterward, the artist based his work on Faust by Goethe, a literary text that pervades the whole triptych. The enigmatic title, referred to women who practiced abortion, put in the same level all practices that, somehow, attempted to damage the life of a new human being. Pedro Weingärtner created a triptych under a birth damaging approach and suggested the abandonment as well as put it in the same position of infanticide crime.
Doutorado
Historia da Arte
Doutor em História
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Mello, Eduardo Bortolotti de. "O volume na escultura de Sérgio Camargo." [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284916.
Full textAbstract:
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de ArtesMade available in DSpace on 2018-08-17T01:15:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Mello_EduardoBortolottide_M.pdf: 24701423 bytes, checksum: d5a3d14748b8cbbbcbafe292a5148eda (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: Este trabalho tem como objetivo o estudo das articulações do volume que Camargo realizou ao longo de sua obra. Com base em uma afirmação do artista sobre seu próprio trabalho, nós iremos decodificar a linguagem abstrata de Sérgio, revelando as relações volumétricas presentes na obra do artista como por exemplo: equilibrar, tensionar e repousar. Ao longo de toda a sua obra construtiva Sérgio busca uma arte extremamente sensível. Esta característica é a grande contribuição de Sérgio Camargo para a arte brasileira
Abstract: This work has as its aim the study of the volumetric articulations that Camargo developed throughout his oeuvre. Based on an artist statement, we will decode Sérgio's abstract language, revealing the volumetric relations present on the artist's work such as to balance, to tense and to rest, for example. Throughout his whole constructive oeuvre, Sérgio searched for an extremely sensitive art. This aspect is the great contribution from Camargo to brazilian art
Mestrado
Artes Visuais
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Lupino, Letizia. "Bernard Noël, langue et image, en deçà de la représentation." Thesis, Université Paris-Saclay (ComUE), 2018. http://www.theses.fr/2018SACLV085.
Full textAbstract:
Notre thèse envisage le rapport entre critique d’art et expression poétique dans l’œuvre de Bernard Noël. Elle comprend trois parties qui articulent sa prose d’idées artistiques avec son imaginaire et sa lyrique du regard et du corps.Dans un souci de représentativité, notre recherche suit certaines thématiques significatives traversant l’œuvre de Bernard Noël, de la critique d’art à la poésie. Les deux parties liminaires se fondent sur une sélection de critiques d’art. Dans la première, les écrits sur Ramón Alejandro et François Lunven donnent l’occasion de retracer la généalogie de la littérature d’art chez Bernard Noël. Sont ensuite traitées les critiques relatives à Magritte, Matisse et Masson, qui se révèlent fondamentales pour le parcours poétique de l’auteur. Sont enfin envisagées, à travers les textes sur Télémaque, Klasen, Debré et Wou-Ki, la figuration et l’abstraction, ces mouvements aux antipodes l’un de l’autre. La deuxième partie de la thèse fait dialoguer critique d’art et poétique. La progression de l’analyse permet alors de reprendre à nouveaux frais certains acquis de la section précédente. Les critiques consacrées à Moninot, à Fred Deux, à Moreau, à David et à Géricault sont rapportées de façon plus spécifique aux éléments qui constituent la poétique personnelle de l’auteur (représentation du corps, opposition corps-esprit, correspondances entre peinture et écriture). La pratique poétique de Bernard Noël fait l’objet de la troisième partie : il s’agit non seulement d’y déceler les modes d’expression versifiée du regard, notamment dans les poèmes inspirés par des œuvres plastiques (graphiques, picturales ou sculpturales), mais encore d’y relever les principes de collaboration régissant les livres de dialogue avec les artistes contemporains. Ce faisant, le prisme de la poétique de Bernard Noël permet d’interroger la notion de réalisme dans la peinture française, la période surréaliste, l’abstraction d’après-guerre, ou encore le mouvement de la nouvelle figuration.Notre corpus, qui ne se prétend pas exhaustif, est constitué de monographies de peintres significatives, tout autant que de textes issus de catalogues d’expositions. Il comporte des poèmes d’art et des livres à figures, tant il est vrai que la place de la peinture et de la sculpture est centrale dans l’œuvre de Bernard Noël. Son rapport à l’art conditionne, en effet, sa relation existentielle, esthétique, voire politique, à la société comme au mondeOur thesis contemplates the connection between art criticism and poetic expression in the work of Bernard Noël. This thesis is articulated in three parts and it analyses how the prose d'idées artistiques of the poet is melted with his imaginary and his lyrics of eyes and body.Our research is led by a representativeness intent and it follows some significant thematic through the work of Bernard Noël. The two preliminary parts are based on a selection of art criticism. In the first part the writings about Ramon Alejandro and François Luven give us the opportunity to go back to the genealogy in Bernard Noël work. In the same part we examine the critics regarding Magritte, Matisse and Masson which turned out crucial to the author's poetic process. Then we contemplate, through the texts about Télémaque, Klasen, Debré and Wou-Ki, figuration end abstraction as movements one opposite to the other. The second part of the thesis engages art criticism and poetic. The progression of the analysis allows to recall some issues of the previous section.The critics addressed to Moninot, Fred Deux, Moreau, David and Géricault are treated in a more specific way to and mixed with elements which constitute author’s personal poetic (body representation, body and mind opposition, painting-writing connection). Bernard Noël's poetic practice is the subject of the third part: here we try to reveal not only the versified expressions use, especially in the poems inspired by plastic art works (graphics, paintings or sculpture), but also the principles of collaboration which stand above the books of dialogue with the contemporary artists.Through the analysis of the work of Bernard Noël we can examine the concept of realism in the french painting, the surrealist period, the abstraction movement after the war or the new figuration movement.Our corpus, which claims not to be exhaustive, is made by monographs of important painters and by texts of exposition catalogues. It includes art, poems and figure books since it is true that the place of painting and sculpture it’s central in Bernard Noël’s work as his relationship with art which influences his existence, aesthetics, even political view of society and of the world
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Abuhab, Flávio Antonio [UNESP]. "A arte não esquece a arte: aproximação : apropriação e citação em arte." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2013. http://hdl.handle.net/11449/86973.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2013-09-27Bitstream added on 2014-06-13T18:47:59Z : No. of bitstreams: 1
abuhab_fa_me_ia.pdf: 1914301 bytes, checksum: f7dfae9dbfde76d56efa1ddaa5186a82 (MD5)Este texto é um relato sobre duas experiências realizadas durante minha permanência no Programa de Pós Graduacão do Instituto de Artes da Universida de Estadual Paulista, onde pude desenvolver dois trabalhos práticos e relacionados com disciplina ministrada por meu orientador: Práticas Contemporâneas da Instalação e Site Specific. No primeiro, um projeto de Site Specific tendo como referência as paisagens litorâneas do pintor Benedicto Calixto. Já no outro trabalho, uma Instalação apresentada na Galeria do Instituto de Artes e que homenageia o artista plástico Nelson Leirner. Ambos são resultado de minha pesquisa sobre apropriação, citação e autoria na arte, e estabelecendo conexões poéticas com a História da Arte.
This paper is a report on two experiments performed during my stay in the graduate program of the Art Institute of São Paulo State University, where I developed two projects and related subject taught by my mentor: Contemporary Practices Installation and Site Specific. In the first, a draft site specific with reference to the landscapes coastal painter Benedicto Calixto. In the other work, an installation presented at the Institute of Arts Gallery and honors the artist Leirner. Both are the result of my research on ownership, citation and authorship in art, poetry and establishing connection with History of Art.
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Amin, Raquel Carneiro 1982. "O "Mes das Crianças e dos Loucos" : reconstituição da exposição paulista de 1933." [s.n.], 2009. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284088.
Full textAbstract:
Orientador: Lucia Helena ReilyDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-14T10:54:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Amin_RaquelCarneiro_M.pdf: 92300981 bytes, checksum: e4b44687c03058d3351a26568c79047a (MD5) Previous issue date: 2009
Resumo: Desde o século XIX até os nossos dias, houve crescente interesse por parte de psiquiatras, psicólogos e artistas plásticos em justapor a produção artística do louco e da criança. No Brasil o interesse remonta à década de 1920, com os estudos do psiquiatra Osório Cesar, baseados nas produções plásticas de pacientes do Hospital Juqueri e também com Ulisses Pernambucano, que em 1925 funda o Instituto de Psicologia do Recife. O presente estudo intencionou estudar o "Mês das Crianças e dos Loucos" - exposição organizada por Flávio de Carvalho e Osório César acompanhada por uma série de conferências, no ano de 1933, em São Paulo, no Clube dos Artistas Modernos (CAM) - do qual participaram artistas, médicos, intelectuais e educadores num momento de grande efervescência cultural modernista no país. O evento colocou em pauta os pontos comuns entre as produções plásticas da infância e dos doentes mentais. Discutiu prioritariamente o interesse que despontava entre alguns artistas plásticos e psiquiatras pela produção da criança, de um lado, e do louco, de outro, que este evento reuniu sob o mesmo teto. Este estudo se apoiou em metodologia documental para desenhar a estrutura do evento (como foi organizado o mês, quais coleções e obras foram expostas, e de que forma e quem dele participou) e seu impacto cultural. Interessou conhecer os argumentos que justificaram o evento, os princípios norteadores, o design da curadoria, a repercussão em jornais e periódicos do momento envolvidos e correlacionados à exposição. O estudo mostrou que este evento representou um marco em termos do encontro entre as áreas de arte, educação e psicologia e teve desdobramentos culturais significativos na cidade de São Paulo na década de 1930.
Abstract: The "Month of the Children and the Insane": reconstitution of the 1933 Paulista Exhibition From the nineteenth-century to the present day, there has been growing interest on the part of psychiatrists, psychologists and visual artists in bringing together the artistic production by the insane and by children. In Brazil, such interest emerges in the 1920s with publications by the psychiatrist Osório Cesar who studied visual arts productions of psychiatric patients from Hospital Juqueri, as well as Ulisses Pernambucano who founded the Instituto de Psicologia in Recife in 1925. This study aimed to investigate the "Month of the Children and the Insane" - an exhibition and series of conferences organized in 1933 by the artist Flávio de Carvalho and Osório Cesar in São Paulo at the Clube dos Artistas Modernos (CAM) - with the participation of artists, medical doctors, intellectuals and education professionals, at a time of great modernist upheaval in the country. The event illuminated common aspects of productions by children and people with mental illness. The discussion mainly circled around the emerging interest among some visual artists and psychiatrists in artwork by children on the one hand and by the insane on the other, which this event brought together under the same roof. This study used documentary methodology to design the structure of the event (how the month was organized, which collections and works were shown, and how they were presented, and who participated) and its cultural impact, We were interested in understanding the arguments that justified the event, the guiding principles, the curatorial design, the repercussions in current newspapers and in journals that were involved and related to the exhibition. The study showed that this event represented a breakthrough in terms of the coming together of the fields of visual arts, education and psychology, with significant cultural results for the city of São Paulo in the 1930s.
Mestrado
Artes Visuais
Mestre em Artes
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Guideroli, Ilma Carla Zarotti. "Entre mapas, entre espaços = itinerários abertos." [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/283973.
Full textAbstract:
Orientador: Regina Helena Pereira JohasDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-16T14:23:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Guideroli_IlmaCarlaZarotti_M.pdf: 37001017 bytes, checksum: c43b5a3b57dfe1e23b24169201dd8910 (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: A pesquisa Entre Mapas, Entre Espaços: Itinerários Abertos consiste no mapeamento de minha produção plástica no período entre o início de 2008 e o início de 2010. É formada por quatro livros de artista intitulados Lugares Imaginários I, II, III e IV e Espaços Afluentes, composto por dezoito imagens digitais divididas entre as séries Rotas Imaginárias, São Paulo, Intersecções I, Paisagens Mapeadas, UnHorizont e Paisagem Oceânica. Ambos partilham o mesmo campo de investigações, composto de três eixos norteadores que sustentam pensamento e processo criativo. O primeiro destes eixos trata de TranSituAções, conceito que abrange as diferentes maneiras de conceber espaço e lugar, apresentado a partir da reflexão de autores que discutiram este tema. O segundo eixo estrutura a proposição Espaços Empilhados, tratados a partir da definição do virtual segundo Pierre Lévy e do conceito de remix cunhado por Lev Manovich e citado, por sua vez, por autores brasileiros que destrincharam o assunto, como André Lemos e Marcus Bastos. O terceiro e último eixo aborda a questão dos mapas, sendo que a primeira parte compreende uma breve história da cartografia com seu surgimento e características específicas; e a segunda parte consiste na investigação dos mapas deturpados, ou seja, como alguns escritores, artistas e cineastas fizeram uso dos mapas convencionais, tirando deles a função utilitária de localização em relação ao lugar físico. O corpo prático reflexivo aqui apresentado pretende situar meus trabalhos dentro de questionamentos pertinentes ao nosso tempo, e inserir tal pesquisa como resultado de uma investigação que não se encerra, mas continua infinitamente
Abstract: The research Among Maps, Among Spaces: Open Itineraries consists in mapping my artistic practice from the beginning of 2008 until the beginning of 2010. It is composed of four artist's books entitled Imaginary Places I, II, III, and IV, and Affluent Spaces, composed of eighteen digital images divided in the series Imaginary Routes, São Paulo, Intersections I, Mapped Landscapes, UnHorizont, and Oceanic Landscape. Both works share the same investigations, composed of three guiding axes that support thoughts and the creative process. The first axis approaches TranSituActions, a concept that comprises different ways of conceiving space and place, presented from the reflection of authors that investigate this theme. The second axis structures the proposition Heaped Spaces, treated from the definition of virtual according to Pierre Lévy and the concept of remix, coined by Lev Manovich and cited by Brazilian authors that explained the subject, like André Lemos e Marcus Bastos. The last axis approaches the question of maps: the first part comprehends a brief history of cartography with its appearance and specific characteristics and the second one consists of investigating the corrupted maps, that is, how some writers, artists and filmmakers used conventional maps, extracting from them the utilitarian function of localization in relation to a geographic place. The practical-reflexive body presented here intends to place my works inside relevant questions to our time, and introduce such research as a result of an investigation that does not close but continues infinitely
Mestrado
Artes
Mestre em Artes
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CASTAGNA, DONATELLA. "IL TEMA DELLO SCONTRO CULTURALE E DELL'ESILIO NELLA RIPRESA CONTEMPORANEA DELLE MITOGRAFIE DELLA GRECIA CLASSICA: IL CASO DELLE TROIANE." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2008. http://hdl.handle.net/10280/320.
Full textAbstract:
La tesi si concentra sull'analisi interpretativa e sul confronto culturale tra diverse riprese di un dramma antico sulla scena moderna. L'opera classica scelta è Troiane nella versione euripidea, soggetta a una notevole ripresa d'interesse da parte di registi e drammaturghi nel XX e XXI secolo. Si è inteso concentrare l'attenzione sui più significativi spettacoli e drammaturgie contemporanei (quindi apparsi sulle scene mondiali e, in particolare, italiane del secondo dopoguerra) che tematizzino a diversi livelli la questione del disagio, della violenza e delle forme dell'esclusione e dell'esodo dovuti a uno scontro fra culture antagoniste. Volutamente, sono stati studiati spettacoli poco noti alla critica e al grande pubblico. Il metodo di lavoro seguito è stato adattato alle caratteristiche di ogni allestimento e alla particolarità delle fonti. Infine, ho fornito una valutazione critica della riuscita artistica degli spettacoli e ho confrontato le diverse traduzioni impiegate dai registi.The thesis deals with an interpretation and a cultural comparison among many different contemporary plays based on classic drama. In particular, I examined Trojan Women by Euripides, a tragedy that today is often present on the stage. The thesis presents an account on the most important present-day shows and writings from Italy and other countries about loneliness, violence and exile due to fights between different cultures. On purpose, I studied not generally known shows and plays. The study method has been adapted to every show features and to its evidences. Finally, I valued how and if a show succeeded and made a comparison among different translations of Euripides' trojan women.
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CASTAGNA, DONATELLA. "IL TEMA DELLO SCONTRO CULTURALE E DELL'ESILIO NELLA RIPRESA CONTEMPORANEA DELLE MITOGRAFIE DELLA GRECIA CLASSICA: IL CASO DELLE TROIANE." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2008. http://hdl.handle.net/10280/320.
Full textAbstract:
La tesi si concentra sull'analisi interpretativa e sul confronto culturale tra diverse riprese di un dramma antico sulla scena moderna. L'opera classica scelta è Troiane nella versione euripidea, soggetta a una notevole ripresa d'interesse da parte di registi e drammaturghi nel XX e XXI secolo. Si è inteso concentrare l'attenzione sui più significativi spettacoli e drammaturgie contemporanei (quindi apparsi sulle scene mondiali e, in particolare, italiane del secondo dopoguerra) che tematizzino a diversi livelli la questione del disagio, della violenza e delle forme dell'esclusione e dell'esodo dovuti a uno scontro fra culture antagoniste. Volutamente, sono stati studiati spettacoli poco noti alla critica e al grande pubblico. Il metodo di lavoro seguito è stato adattato alle caratteristiche di ogni allestimento e alla particolarità delle fonti. Infine, ho fornito una valutazione critica della riuscita artistica degli spettacoli e ho confrontato le diverse traduzioni impiegate dai registi.The thesis deals with an interpretation and a cultural comparison among many different contemporary plays based on classic drama. In particular, I examined Trojan Women by Euripides, a tragedy that today is often present on the stage. The thesis presents an account on the most important present-day shows and writings from Italy and other countries about loneliness, violence and exile due to fights between different cultures. On purpose, I studied not generally known shows and plays. The study method has been adapted to every show features and to its evidences. Finally, I valued how and if a show succeeded and made a comparison among different translations of Euripides' trojan women.
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Sant'Anna, Patricia. "Coleção Rhodia = arte e design de moda nos anos sessenta no Brasil." [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/280227.
Full textAbstract:
Orientador: Claudia Valladão de MattosTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-15T22:57:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sant'Anna_Patricia_D.pdf: 10833946 bytes, checksum: 5b3a103540f32900cfaeb3ba6e833564 (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: A presente pesquisa tem como objetivo investigar a Coleção Rhodia do Museu de Arte de São Paulo 'Assis Chateaubriand' (MASP). Esta é composta de 79 vestuários que foram produzidos durante a década de sessenta como fruto de uma estratégia de marketing que uniu as manifestações artísticas produzidas àquele tempo com o nascente processo produtivo de moda industrial no Brasil. O estudo centrou-se em três questões principais: (1) compreender o caráter performático das apresentações para as quais estes vestuáriosmoda foram criados; (2) como e quais eram as poéticas tratadas pelos artistas plásticos envolvidos em produção de estampas; e (3) de que maneira e por que estas peças passaram por um processo de musealização em um museu de arte. O estudo almeja avaliar e explicitar as contribuições dessa coleção para a História da Arte e do Design no Brasil, elaborando uma pesquisa que trata de analisar os aspectos plásticos desse vestuário e correlacioná-lo às experiências estéticas de seu período, bem como desenvolver uma breve análise sobre a entrada desses objetos no MASP e as consequências simbólicas para a compreensão de um objeto-vestuário como patrimônio
Abstract: This research aims to investigate the Rhodia Collection Art Museum of Sao Paulo 'Assis Chateaubriand' (MASP). This consists of 79 garments that were produced during the sixties as the result of a marketing strategy that united the art forms produced at that time with the rising production process of fashion industry in Brazil. The study focused on three main issues: (1) understand the performative character of those for whom these garments were created, fashion, (2) how and what were the poetic addressed by artists involved in the production of prints, and ( 3) how and why these parts have undergone a process of cultural units in an art museum. The study aims to assess and explain the contributions of this collection in the history of art and design in Brazil, producing research that is examining aspects of plastic clothing and correlate it the aesthetic experiences of your period and develop a brief analysis on the entry of such objects in the MASP and symbolic consequences for the understanding of an object and clothing and heritage
Doutorado
Historia da Arte
Doutor em História
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Melo, Maria da Assunção Gil Correia de. "António Dacosta e o sentido de pertença na pintura. Motivações, resistências e inovações." Doctoral thesis, Universidade de Évora, 2021. http://hdl.handle.net/10174/30073.
Full textAbstract:
Nesta tese pretende-se fazer uma releitura crítica da obra de António
Dacosta, muito mais ampla, para além da fase surrealista. Para tal, foi
necessário compreender como o lugar, a identidade e o sentido de pertença
podem influenciar a vontade e a expressão do artista. Neste caso mais
específico, como a ilha e a sua cultura própria influenciaram a sua iconografia,
embora sempre com uma intencionalidade universalista. As questões de
memória e identidade poderão ser mais determinantes do que as tendências ou
correntes artísticas em vigor. O desconhecimento que existia sobre a
iconografia das ilhas foi por vezes confundido com o surrealismo. Compete,
assim, fazer uma destrinça.
O contexto histórico e espiritual que está na origem do despertar da
identidade, bem como o papel dos agentes culturais, importa nesta análise. Foi
também relevante perceber como o surrealismo foi apreendido pelos artistas
portugueses, que o prolongaram para além da primeira metade do século XX,
sob a égide da necessidade de uma reforma temática.
António Dacosta, frequentemente associado a duas fases distintas, foi
um pintor, mesmo quando, aparentemente, esteve em silêncio, mesmo quando
se confundiu com um poeta e com um crítico de arte. Na verdade, Dacosta
continuou a pintar. Foi sempre esse o seu desígnio. A vontade de ser dos
Açores, em Lisboa ou em Paris foi tão forte que as suas visões míticas de uma
religiosidade pagã são uma constante. Nesse sentido, analisou-se o que fez, a
relação entre o artista e o lugar de origem, como um produtor de uma imagética
muito própria transposta para a tela: a busca um significado nas paisagens, nos
lugares, nas pessoas e nos seus rituais promovendo um debate interdisciplinar,
entre arte, antropologia e etnografia.
A modernidade, o choque e um modo muito próprio de ser ilhéu, sem
forçar, sem ter pressa, podem tê-lo agrilhoado a uma vontade de fazer nem
sempre consistente. São dinâmicas próprias que estão na origem das
motivações da pintura de Dacosta O ensinamento e a lucidez de nunca se ser velho de mais para
recomeçar são também lições que se tiram desta obra, deste percurso que
importa compreender; ABSTRACT
António Dacosta and the Sense of Belonging in Painting. Motivations,
Resistances and Innovations
This thesis intends to make a critical reinterpretation of António
Dacosta's work, much broader, beyond the surrealist phase. For this, it was
necessary to understand how the place, the identity and the sense of belonging
can influence the artist's will and expression. In this more specific case, how the
island and its own culture influenced its iconography, although always with a
universalist intention. The issues of memory and identity may be more decisive
than current trends or artistic trends. The ignorance that existed about the
iconography of the islands was sometimes confused with surrealism. It is
therefore up to you to make a difference.
The historical and spiritual context that is at the origin of the awakening
of identity, as well as the role of cultural agents, matters in this analysis. It was
also relevant to understand how surrealism was understood by Portuguese
artists, who extended it beyond the first half of the 20th century, under the aegis
of the need for a thematic reform.
António Dacosta, often associated with two distinct phases, was a
painter, even when, apparently, he was silent, even when he mistook himself for
a poet and an art critic. In fact, Dacosta continued to paint. That was always his
purpose. The Azores' desire to be in Lisbon or Paris was so strong that their
mythical views of pagan religiosity are constant. In this sense, we analyzed
what he did, the relationship between the artist and the place of origin, as a
producer of his own imagery transposed to the canvas: the search for meaning
in landscapes, places, people and their rituals promoting an interdisciplinary
debate, between art, anthropology and ethnography.
Modernity, shock and a very unique way of being an islander, without
forcing, without being in a hurry, may have tied you to a desire to do not always
consistent. These are dynamics that are at the origin of the motivations of
Dacosta's painting. The teaching and the lucidity of never being too old to start over are also
lessons that can be learned from this work, from this journey that is important to
understand.
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Lessa, Sandra Urizzi. "O narrador está em quem ouve : o estudo de história de vida no trabalho do ator-performer." [s.n.], 2012. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284535.
Full textAbstract:
Orientador: Cassiano Sydow QuiliciDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-23T08:34:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lessa_SandraUrizzi_M.pdf: 2182508 bytes, checksum: 442a203afdefdccd9404370cdf663249 (MD5) Previous issue date: 2012
Resumo: Esta pesquisa tem por finalidade analisar a produção da experiência por meio da narração, perpassando os temas da ficção e da realidade, as formas de atuação do atornarrador; e alguns dos modos de lidar com o tema dentro do universo da arte contemporânea. Propondo que o narrador também possa estar em que ouve, descrevo alguns experimentos práticos onde pude me colocar na ação de ouvir, experimentando-a como uma intervenção artística. Por fim, penso na possibilidade de uma reinvenção de um narrador que esteja sensível as questões do contemporâneo, enquanto uma perspectiva crítica de seu tempo. Dentro dessa proposta, experimento a possibilidade de estudar um ator-mediador. Os principais pensadores que ancoram esta pesquisa são Walter Benjamin, Jeanne-Marie Gagnebin e Luís Alberto de Abreu. Como referências artísticas, apoio-me em criações do Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais LUME, e no coletivo de arte alemão Rimini Protokoll
Abstract: This research aims to analyze the production experience through the narrative, passing the subjects of fiction and reality, ways of acting of the actor-narrator, and some of the ways to deal with the issue within the realm of contemporary art. Suggesting that the narrator can also be heard that, I describe some practical experiments to put me where I could hear the action, experiencing it as an artistic intervention. Finally, think about the possibility of a reinvention of a narrator who is sensitive to the contemporary issues, while a critical perspective of their time. Within this proposed experiment to study the possibility of an actor-mediator. The leading thinkers of this research are that anchor Walter Benjamin, Jeanne-Marie Gagnebin and Luis Alberto de Abreu. As artistic references, support me in creations of the Interdisciplinary Research LUME Theatre, and the german art collective Rimini Protokoll
Mestrado
Teatro, Dança e Performance
Mestra em Artes da Cena