Dissertations / Theses on the topic 'Vaudevilles (spectacles et divertissements)'
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Teichner, Noah. "Le “canned” vaudeville et la mise en conserve médiatique aux États-Unis, du phonographe au film sonore : étude média-archéologique des courts métrages Vitaphone au format son-sur-disque (1926-1930)." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2021. http://www.theses.fr/2021PA080071.
Abstract:
L’expression historique “canned” vaudeville désigne la « mise en conserve » du vaudeville américain (un spectacle de variétés dépendant de numéros diversifiés) par des moyens filmiques ou phonographiques. En croisant l’analyse des discours et l’analyse technique et formelle, cette thèse propose une archéologie de la mise en conserve médiatique à partir du vaudeville filmique et du vaudeville phonographique. Les courts métrages Vitaphone de la Warner Bros. au format son-sur-disque occupent une place centrale dans l’articulation de cette problématique sur une période allant des débuts de la phonographie et de l’institutionnalisation du vaudeville à la fin du 19ème siècle jusqu’à la généralisation de la technologie électro-acoustique dans le cinéma et les médias sonores dans la seconde moitié des années 1920. Suite à l’investigation du vaudeville sous le double angle de média de masse et de médium sensible, la place négligée du terme “canned” dans l’histoire des médias est revisitée à partir du cas de la phonographie acoustique et des discours corporatifs sur la “canned” music et le “canned” vaudeville. Il est ensuite question du contexte intermédiatique du vaudeville filmique à la généralisation du parlant et de la production, distribution et réception des courts métrages Vitaphone. Une analyse des possibilités matérielles du procédé son-sur-disque et de la mise en œuvre de son dispositif multi-caméra permet de mener une étude approfondie des stratégies d’adresse et de diégétisation dans les courts métrages restaurés de 1926-1930 et de les mettre en perspective pour la première fois avec des pratiques du vaudeville phonographique remontant au tournant du 20ème siècleThis dissertation reads the discourses, practices, and materialities of filmic and phonographic vaudeville through the broader history of “canned” media. Warner Bros.’ short films produced with the sound-on-disc Vitaphone process play a central role in this study which covers a period ranging from the beginnings of the phonograph industry and the institutionalization of vaudeville in the late 19th century to the introduction of electroacoustic technology in film and sound media during the second half of the 1920s. After studying vaudeville’s infrastructure as a mass media institution and its aesthetic capacities as a medium, the neglected role of the term “canned” in media history is reconsidered through practices of early phonography and trade press discourses on “canned” music and “canned” vaudeville. This leads to a contextualization of filmic vaudeville within the media landscape of the 1920s—the decline of big-time vaudeville and the rise of stage presentations in movie theatres—and an analysis of Vitaphone shorts’ production, distribution, and reception. The material possibilities afforded by the Vitaphone sound-on-disc technology and multi-camera set-up are then outlined and examined in relation to debates regarding sound and image scale. These technical considerations lay the groundwork for an in-depth investigation of approaches to address and diegetisation in the restored Vitaphone shorts from 1926-1930. The films’ means of addressing the spectator and of representing both the audience and the space of performance are put in perspective through examples of phonographic vaudeville dating back to the turn of the 20th century
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ABOU, GHAZALA ABBAS ISMAIL. "Spectacles et divertissements a la cour de france. 1661-1680." Paris 3, 1986. http://www.theses.fr/1986PA030114.
Abstract:
Ce travail traite des spectacles et des divertissements a la cour depuis l'avenement de louis xiv au pouvoir en 1661, jusqu'a la fondation de la comedie francaise en 1680. Nous designons par theatre de cour, les comedies, ballets, bals, mascarades, courses de bagues et de tetes, carrousels et feux d'artifice. La these comprend quatre parties. La premiere traite de l'origine de ce theatre en france ainsi que de quelques fetes seigneuriales. Par sa conception, la fete de vaux-le-vicomte est le point de depart d'un veritable theatre de cour. La seconde partie est consacree aux trois grandes fetes qui eurent lieu a versailles en 1664, 1668 et 1674. Pour chacune d'elles, ont ete etudies la circonstance, l'organisation et le deroulement. La fete est devenue pour le souverain un instrument de regne et de propagande aussi bien a l'interieur qu'a l'exterieur de son royaume. Sous le titre repertoire joue a la cour, la troisieme partie de cette etude met en relief l'emulation entre les troupes qui se disputaient le privilege de divertir la cour dans les differents chateaux du royaume. La rentabilite des sejours a la cour ne se traduisait pas par une augmentation des ressources des comediens, mais leur participation aux divertissements du roi contribuait souvent a leur succes a la ville. La quatrieme partie souligne l'utilisation des mythes dans les spectacles de la cour. Le carnaval est l'occasion de ballets et de mascarades ou le roi incarne des personnages de la mythologie. Le ballet des muses est une creation collective qui illustre la mobilisation de tous les artistes pour glorifier le regne de louis xiv. L'adaptation du mythe de bellerophon montre l'interet porte au merveilleux. L'image qui nous reste du roi-soleil est celle d'un roi jeune et triomphant que les artistes contribuerent a immortaliser a travers les personnages dans les divertissements brillants de sa jeunesseThe present work deals with theater and entertainment at the french court from the accession of louis xiv in 1661 up to the founding of the "comedie francaise" in 1680. The term "theatre" will include comedy, ballet, opera, mascarades, cavalcades and fireworks. The thesis consists of four parts. The first deals with the origins of such theater in france, vaux-le-vicomte being the point of departure. The second is devoted to the versailles festivities of 1664, 1668 and 1674, the circonstances in which they took place and how they were organised and carried out. Inside and outside his kingdom, the feast became the sovereign's instrument of propaganda. The third part entitled "repertoire joue a la cour" brings out the rivalry between troupsfighting for the privilege of entertaining the court in the different castles of the kingdom. Such stays at court did not result in an increase in income, but by taking part in the king's entertainment the actors often enjoyed greater success in town. The fourth part underlignes the use of myths and fiction in court thea ter. The carnaval is the occasion for ballets and mascarades in which the king embodies mythological characters. The "ballet des muses" is a collective work illustrating how all the artists gathered to glorify the reign of louis xiv. Public interes in the spectacular is show by the adaptation of "bellerophon" to theatre and opera. Our image of louis xiv is that of a young and triumphant king immortalised by artists through mythological characters portrayed in brilliant theatrical performances during his youth
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Abou-Ghazala, Abbas. "Spectacles et divertissements à la Cour de France, 1661-1680." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37594434f.
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Bernstein, Frank. "Ludi publici : Untersuchungen zur Entstehung und Entwicklung der öffentlichen Spiele im republikanischen Rom /." Stuttgart : F. Steiner, 1998. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37093789f.
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Berlan, Bajard Anne. "Les spectacles aquatiques romains." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040211.
Abstract:
Les textes anciens témoignent de la présentation à Rome, dans le cadre de jeux publics, de divers spectacles utilisant l'eau comme élément de décor ou de mise en scène, dans des installations urbaines réalisées à cet effet ces spectacles se diffusèrent dans certaines provinces de l'empire. Il s'agit de spectacles de combat naval, les naumachies, de uenationes présentant des animaux nilotiques ou marins, et de mimes ou de ballets aquatiques. Nous les avons étudiés de leur première à leur dernière mention par les sources antiques, et dans toutes les régions du monde romain. Les textes permettent un expose relativement détaillé des principes très spécifiques qui régissaient chacun de ces spectacles, et de la manière dont ils virent s'insérer dans le système des jeux romains. L'étude des édifices qui les accueillirent répond à certaines questions laissées en suspens par les textes. Une fois menée à bien cette première démarche essentiellement descriptive pour chacun des spectacles, la pertinence de leur étude conjointe restait encore en partie à établir. Mais ces mises en scène partagent une origine spécifiquement romaine, plus ou moins étroitement liée selon le cas à la propagande des imperatores de la fin de la république, puis à la mystique impériale en formation, exaltant la maitrise bienfaisante de l'élément liquide par l'empereur-dieu. Leur diffusion dans les provinces apparait également comme une manifestation d'attachement à la romanité, sous les formes que les traditions locales amenaient a privilégier. Enfin, ces spectacles témoignent d'un imaginaire de l'eau certes en partie modelé par le monde grec classique et hellénistique, mais qui relève en définitive d'appropriations bien romaines de ces modèles. Entre exploitation idéologique et esthétique communes, c'est donc essentiellement dans la valeur symbolique de ces usages spectaculaires de l'élément liquide qu'a été cherchée l'unité des phénomènes étudiés.
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Rüegger, de Rüschlikon Emmanuèle. "Le spectacle total à la Renaissance : genèse et premier apogée du ballet de cour /." Zurich : Zentralstelle der Studentenschaft, 1995. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37520550j.
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Leppin, Hartmut. "Histrionen : Untersuchungen zur sozialen Stellung von Bühnenkünstlern im Westen des Römischen Reiches zur Zeit der Republik und des Principats /." Bonn : Dr. R. Habelt, 1992. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb366583737.
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Hugoniot, Christophe. "Les spectacles de l'Afrique romaine : une culture officielle municipale sous l'Empire romain." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040220.
Abstract:
Ce travail traite de la place des spectacles dans la vie municipale de l’Afrique sous l'empire romain. Les sources principales en sont les vestiges archéologiques des édifices, les inscriptions, les textes juridiques et littéraires, mais aussi les mosaïques et les reliefs. L'ensemble est axe sur trois problèmes : la romanisation culturelle de l’Afrique du nord antique, sa continuité au IVe siècle et les conflits que son succès provoqua avec le christianisme. Les résultats de cette recherche montrent la réussite d'une culture publique de la vie municipale, dont la diffusion en Afrique fut étroitement liée à celle de la citoyenneté romaine. La crise du IIIe siècle n'en affecta pas les mécanismes : aucun obstacle, financier, moral ou religieux, ne put en entraver le fonctionnement dans l'empire chrétien au IVe siècle, et de nombreux documents soulèvent le problème de sa survie dans le royaume vandale, mais aussi les autres royaumes barbaresThis study addresses the subject of public life in roman North Africa. The principal sources are archeological remains, especially historical inscriptions, public records, literary works, as well as mosaics and reliefs. A few problems are here dealt with: the Romanization of North Africa culture and its continuation into late antiquity and also the conflict with Christianity that resulted from this wave of acculturalization. This study illustrates the successful diffusion of roman culture in North Africa, though this adaptation was directly related to the diffusion of roman citizenship. The crisis which rocked Rome during the 3rd century did not have a great effect upon this established system of funding and presenting such public spectacles, which remained throughout the christianized empire and there is even evidence which suggests that such festivals continued in those provinces overrun by the invading barbarians, such as the vandals in North Africa
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Bourdel, Hélène. "L'art du marionnettiste : imagination et création." Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA081121.
Abstract:
Cette etude est centree sur la manipulation des marionnettes. Evitant les dimensions historique, ethnologique, psychologique, pedagogique et semiologique, elle se penche sur le fonctionnement artistique global de la marionnette et du spectacle de marionnettes, et s'interroge a fond sur la pratique de cet art, en s'appuyant sur un corpus de spectacles divers. Elle est amenee a redefinir la plupart des termes employes - marionnettiste, manipulation, etc. -generalement flous et ambigus. L'analyse montre que le marionnettiste occupe trois fonctions intriquees: createur de l'objet, manipulateur de la marionnette et concepteur du spectacle. Mais c'est la manipulation de la marionnette qui occupe le centre du processus et alimente et conditionne simultanement creation et conception du spectacle. Apres une etude des points forts de la creation plastique, la manipulation est plus precisement etudiee: tous les rapports possibles du manipulateur a la marionnette, le rapport corporel qui domine, les techniques analysees une a une dans leur unite et leurs differences, la construction par la de la simulation de vie. La reception par le spectateur est ensuite abordee avec les perceptions generale et particuliere que le spectateur a: perception de l'espace, du son, de la couleur, etc. , autant que de la marionnette manipulee elle-meme, perception globale du spectacle. Ainsi sont mises en evidence la complexe rencontre des imaginaires et des perceptions propres du spectateur et du marionnettiste; la formation d'un univers propre du spectacle, caracterise par la transformation et la discontinuite, qui le font profondement theatralThis essay focuses on the handling of puppets. Backed up by a corpus of various types of shows, it studies the global artistical functioning of both puppets and the puppet theatre and thoroughly questions the practice of this art, however avoiding historical, ethnological, psychological, educational and semiotic dimensions. Most of the terms used (such as "puppeteer", "handling". . . ), which are generally vague and ambiguous, are thus redefined. It turns out that the puppeteer is invested with three mingled functions : creating the object, handling the puppet and conceiving the show. But it is the handling which occupies the heart of the process and simultaneously sustains and conditions the conceiving and the creation of the show. After an analysis based on the heights of plastic creation, the handling of puppets is more precisely examined : the different relationships which may exist between a puppet-master and his puppet, the prevailing bodily relation, the study of the cohesion and the differences between the various techniques he may resort to, and the ensuing building up of life simulation. The reception by the audience is then tackled and the common and specific perception of the members of the audience taken into account : perception of space, sound, colour. . . As well as of the puppet itself -a global perception of the show. Thus, the complex meeting of the audience's and the puppeteer's peculiar imagination and perception are brought to the fore : the forming of a world proper to shows, characterized by discontinuity and transformations which give it a deep theatrical dimension
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Desplantes, Thierry. "Le droit des spectacles publics." Lyon 3, 1994. http://www.theses.fr/1994LYO33002.
Abstract:
Etude de la legislation applicable aux spectacles publics tant au point de vue des differentes branches du droit commun qu'au regard des dispositions specifiques de l'ordonnance du 13 octobre 1945A study on the legislation applicable to public performances, both from the viewpoint of the various branches of common law, and taking account of the specific provisions of the order of 13 octobre 1945
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Nieden, Gesa zur. "Vom grand spectacle zur great season : das Pariser Théâtre du Châtelet als Raum musikalischer Produktion und Rezeption (1862-1914)." Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0104.
Abstract:
Dans la période 1862 à 1914 le Théâtre du Châtelet accueillait trois genres musicaux différents : le grand spectacle, les concerts symphoniques des Concerts Colonne et le théâtre musical d’avant-garde (Salomé de Richard Strauss, Ballets Russes de Serge de Diaghilev). Par rapport à la variété musicale et à la composition sociale du public diversifiée de ces trois genres, la production musicale du théâtre du Châtelet est représentative pour la vie musicale parisienne autour de 1900. L’étude du Théâtre du Châtelet comme espace de production et de réception musicales se base sur l’approche de la sociologie de l’architecture. A son aide nous étudierons les influences de l’haussmannisation sur la pratique théâtrale et musicale. En outre, nous définirons un modèle de réception pour chaque genre afin d’étudier le rapprochement entre les genres « populaires » et « savants » au début du 20e siècle. Cette dernière étude éclaircira les bases culturelles de l’éclectisme en musique des années 1920In the period from 1862 to 1914 the Parisian Théâtre du Châtelet hosted the three different musical genres grand spectacle, symphonic concert (Concerts Colonne) and musical theatre of the avant-garde (Salome of Richard Strauss, Ballets Russes). This range of genres is musically and socially representative of the musical life of Paris. The study of this theatre as a room of musical production and reception in the period from 1862 to 1914 analyses the establishment and the institutionalisation of these different genres in the Théâtre du Châtelet and defines a reception model for each of them. Methodologically our study is based on the approach of sociology of architecture and the spatial concept of the theatre historian Mercedes Viale-Ferrero. A comparison of the three different types of musical production in that époque sheds light on the eclecticism of the 1920s when Paris advanced to be the European capital of the arts
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Spina, Olivier. "Glorieuses cérémonies et honnêtes divertissements. Les Londoniens et les spectacles à Londres sous les Tudor (1525-1603)." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040185.
Abstract:
Au XVIe siècle, Londres est soumis à plusieurs mouvements de grande ampleur. La croissance démographique de la ville, fondée sur des flux migratoires de personnes jeunes et parfois pauvres, est sans précédent, de même que le développement économique de la ville. À cela s’ajoute le passage à la réforme, initié par les souverains Tudor à partir des années 1525-1530. Dans un tel contexte, on doit s’interroger sur deux mouvements parallèles qui affectent alors Londres : le nombre et la qualité des cérémonies publiques (entrées royales, spectacles civiques pour l’élection du Lord maire) ne cesse de croître alors que se développe une abondante et inédite offre en spectacles payants (théâtre, combats d’animaux, escrime…). Si un certain nombre de travaux se sont interrogés sur les connexions possibles entre les mutations que connait Londres et la prise d’importance des spectacles publics, peu d’études ont été consacrées à la comparaison des deux types de spectacles d’un point de vue politique, économique, social et culturel.Une telle comparaison révèle l’importance des spectacles dans la fabrique d’une société londonienne animée de grandes mutations. Tout d’abord, les cérémonies sont l’occasion pour les magistrats de Londres d’élaborer un discours théorique sur un gouvernement idéal au service du « bien commun » du corps civique. Mais les magistrats entendent le réaliser pratiquement, en optant pour un mode d’organisation et de financement qui fait participer toutes les institutions et un maximum de Londoniens à un même idéal civique. Ensuite, les spectacles payants, qui se plient à des contraintes économiques, politiques et religieuses, contribuent également à la fabrique sociale du Londres Tudor. La monarchie et les différentes institutions londoniennes considèrent que la fréquentation des spectacles comme un « honnête divertissement », qui contribue au maintien de la paix sociale dans Londres. Une étude précise des acteurs dans ces différents spectacles montre que ce sont les mêmes « spécialistes » du spectacle qui participent aux cérémonies et donnent des représentations payantes dans Londres.Toutefois, dans le dernier tiers du XVIe siècle, ce modus vivendi se fissure. Alors que la situation financière de Londres se dégrade, les cérémonies deviennent un objet de discorde entre institutions et au sein des institutions civiques. Parallèlement, les spectacles publics échappent en partie au contrôle du pouvoir, révélant le manque de coopération entre les différents acteurs institutionnels. La municipalité semble dès lors considérer les spectacles plus comme un danger pour l’ordre public que comme un moyen de l’assurerSixteenth-century London underwent three important transformations. First, a dramatic demographic expansion was due to the arrival of thousands of young migrants, often poor, who settled every year in the city. Second, under the Tudor dynasty, London became the economic center of England, and the number of prosperous Londoners soared. Finally, Henry VIII initiated a process of religious reformation.From 1533, a growing number of expensive ceremonies (royal entries and civic spectacles) were organized by London authorities. In the same way, public representations of drama, bear baiting or fencers prizes are more and more numerous. This thesis would like to investigate the link between the economic, political and religious transformations and the development of a market-economy of spectacles in London.The study of the people involved in the organization of the ceremonies reveals that they are the same than those that give public representations in London and private spectacles at the royal court.Comparing ceremonies and public recreations demonstrates that, from Henri VIII to Elizabeth I, spectacles played a major role in the social integration of migrants in the urban society. On one hand, ceremonies were the occasion for London magistrates to elaborate new civic rhetoric and ideology in which the common wealth was the core value. For civic magistrates and corporations officers, the common wealth was not simply a set of discourses, it had to be achieved through the organization and the funding of the ceremonies. On the other hand, public spectacles which were constrained by economic, religious and political imperatives, contributed to the same civic integration. The Privy Council and the London institutions considered public spectacles as a form of “honest recreation” that should be encouraged. The existence of such cheap spectacles was thought to be useful to maintain the public order in an ever growing metropolis. In the 1580-1590’s, the modus vivendi surrounding spectacles was broken. The dire economic and financial situation of the city created some tensions regarding funding of ceremonies in the London institutions among the members, and between the monarchy and the City. The public spectacles became also a problem, because livery companies and parish vestries refused to collaborate with the civic magistrates. For the City fathers, the public spectacles were becoming a menace more a menace that an asset in the effort to enforce social order
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Spina, Olivier. "Glorieuses cérémonies et honnêtes divertissements. Les Londoniens et les spectacles à Londres sous les Tudor (1525-1603)." Electronic Thesis or Diss., Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040185.
Abstract:
Au XVIe siècle, Londres est soumis à plusieurs mouvements de grande ampleur. La croissance démographique de la ville, fondée sur des flux migratoires de personnes jeunes et parfois pauvres, est sans précédent, de même que le développement économique de la ville. À cela s’ajoute le passage à la réforme, initié par les souverains Tudor à partir des années 1525-1530. Dans un tel contexte, on doit s’interroger sur deux mouvements parallèles qui affectent alors Londres : le nombre et la qualité des cérémonies publiques (entrées royales, spectacles civiques pour l’élection du Lord maire) ne cesse de croître alors que se développe une abondante et inédite offre en spectacles payants (théâtre, combats d’animaux, escrime…). Si un certain nombre de travaux se sont interrogés sur les connexions possibles entre les mutations que connait Londres et la prise d’importance des spectacles publics, peu d’études ont été consacrées à la comparaison des deux types de spectacles d’un point de vue politique, économique, social et culturel.Une telle comparaison révèle l’importance des spectacles dans la fabrique d’une société londonienne animée de grandes mutations. Tout d’abord, les cérémonies sont l’occasion pour les magistrats de Londres d’élaborer un discours théorique sur un gouvernement idéal au service du « bien commun » du corps civique. Mais les magistrats entendent le réaliser pratiquement, en optant pour un mode d’organisation et de financement qui fait participer toutes les institutions et un maximum de Londoniens à un même idéal civique. Ensuite, les spectacles payants, qui se plient à des contraintes économiques, politiques et religieuses, contribuent également à la fabrique sociale du Londres Tudor. La monarchie et les différentes institutions londoniennes considèrent que la fréquentation des spectacles comme un « honnête divertissement », qui contribue au maintien de la paix sociale dans Londres. Une étude précise des acteurs dans ces différents spectacles montre que ce sont les mêmes « spécialistes » du spectacle qui participent aux cérémonies et donnent des représentations payantes dans Londres.Toutefois, dans le dernier tiers du XVIe siècle, ce modus vivendi se fissure. Alors que la situation financière de Londres se dégrade, les cérémonies deviennent un objet de discorde entre institutions et au sein des institutions civiques. Parallèlement, les spectacles publics échappent en partie au contrôle du pouvoir, révélant le manque de coopération entre les différents acteurs institutionnels. La municipalité semble dès lors considérer les spectacles plus comme un danger pour l’ordre public que comme un moyen de l’assurerSixteenth-century London underwent three important transformations. First, a dramatic demographic expansion was due to the arrival of thousands of young migrants, often poor, who settled every year in the city. Second, under the Tudor dynasty, London became the economic center of England, and the number of prosperous Londoners soared. Finally, Henry VIII initiated a process of religious reformation.From 1533, a growing number of expensive ceremonies (royal entries and civic spectacles) were organized by London authorities. In the same way, public representations of drama, bear baiting or fencers prizes are more and more numerous. This thesis would like to investigate the link between the economic, political and religious transformations and the development of a market-economy of spectacles in London.The study of the people involved in the organization of the ceremonies reveals that they are the same than those that give public representations in London and private spectacles at the royal court.Comparing ceremonies and public recreations demonstrates that, from Henri VIII to Elizabeth I, spectacles played a major role in the social integration of migrants in the urban society. On one hand, ceremonies were the occasion for London magistrates to elaborate new civic rhetoric and ideology in which the common wealth was the core value. For civic magistrates and corporations officers, the common wealth was not simply a set of discourses, it had to be achieved through the organization and the funding of the ceremonies. On the other hand, public spectacles which were constrained by economic, religious and political imperatives, contributed to the same civic integration. The Privy Council and the London institutions considered public spectacles as a form of “honest recreation” that should be encouraged. The existence of such cheap spectacles was thought to be useful to maintain the public order in an ever growing metropolis. In the 1580-1590’s, the modus vivendi surrounding spectacles was broken. The dire economic and financial situation of the city created some tensions regarding funding of ceremonies in the London institutions among the members, and between the monarchy and the City. The public spectacles became also a problem, because livery companies and parish vestries refused to collaborate with the civic magistrates. For the City fathers, the public spectacles were becoming a menace more a menace that an asset in the effort to enforce social order
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Gagnon, Marc. "Les bénéfices des programmes de conditionnement physique et récréatifs pour les employés /." Thèse, Chicoutimi : Université du Québec à Chicoutimi, 1992. http://theses.uqac.ca.
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Vrillon, Valérie. "Le divertissement à Paris sous la Restauration : 1815-1830 /." Versailles (43 bd de la République, 78000) : V. Vrillon, 1995. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb36685321w.
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Kolfin, Elmer. "Een geselschap jonge luyden : productie, functie en betekenis van Noord-Nederlandse voorstellingen van vrolijke gezelschappen 1610-1645 /." [S.l. : s.n], 2002. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb40157604d.
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Dioudonnat, Edwige. "Kathak et flamenco : contextes, figures et formes de deux traditions chorégraphiques." Nice, 2001. http://www.theses.fr/2001NICE2004.
Abstract:
Les danses traditionnelles kathak et flamenco sont souvent rapprochées. Par l'analyse croisée de leurs contextes et techniques, cette étude met en évidence leurs spécifités, similitudes et divergences. Dans la première partie sont donc abordés les aspects étymologique, historique, géograpique, culturel et social tandis que la seconde porte essentiellement sur les modes de transmission, l'usage du corps, les costumes, les figures chorégraphiques et les ornementations visuelles (formes géométriques) et sonores (frappes de pieds, notions rythmiques de tâl et compas) sous une forme spectaculaire et signifiante.
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Diaz, Frédéric. "Coproduction de la sécurité : un nouveau mode de contrôle et de régulation sociale : la gestion des risques dans les espaces privés lors de manifestations sportives et culturelles." Versailles-St Quentin en Yvelines, 2003. http://www.theses.fr/2003VERS018S.
Abstract:
L'organisation de grands rassemblements de populations autour de spectacles festifs se développe un peu partout en France. Ces espaces apparaissent autant comme des lieux de convivialité que de conflits où l'effet de masse peut entraîner (marginalement), notamment des confrontations violentes, des vols, des effets négatifs sur l'environnement. Ces risques génèrent différentes formes de contrôle et de régulation sociale. Si nous mettons à part l'autocontrôle, propre à chaque individu, différents acteurs de la sécurité agissent et interagissent sur ces espaces et pendant les manifestations pour répondre aux exigences de sécurité. Le 21 janvier 1995, la loi d'orientation et de programmation relative à la sécurité (LOPS) est venue créer de nouvelles responsabilités et faire de la sécurité un domaine partagé entre les institutions de l'Etat et d'autres opérateurs, et notamment les sociétés de sécurité privée. Ces espaces sont donc les témoins privilégiés d'une nouvelle répartition des pouvoirs entre l'Etat et les organisations privées en matière de sécurité, de secours et de prévention. A partir du moment où l'Etat reconnaît, dans le cadre de l'organisation de ces grands rassemblements, avec la LOPS, les actions en matière de sécurité du secteur privé ; qu'il témoigne d'un intérêt pour des formes de partenariats ; il semble pertinent d'ouvrir une réflexion autour du concept de coproduction ou de partage de la sécurité et de se demander si ces nouveaux modes d'actions peuvent répondre aux besoins de sécurité du public et de quelles manières.
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Bertin, Serge. "Le bal : approche anthropologique : l'exemple du Mans (1850-1950)." Brest, 1999. http://www.theses.fr/1999BRES1001.
Abstract:
Inspirée des travaux de Francois Gasnault sur le bal parisien au dix neuvième siècle, l'étude analyse les liens qui unissent les manceaux à la danse. Du même coup, elle se place dans la ligne tracée par Jean Michel Guilcher qui voit dans la danse un révélateur social. Elle se présente comme un essai d'approche anthropologique de la danse en milieu urbain provincial : le bal, c'est une entité économique qui doit, avant tout, sa viabilité aux acteurs qui l'animent : musiciens et surtout tenanciers. C'est aussi un lieu de sociabilité qui s'inscrit dans divers cadres emboîtés : la salle, l'environnement immédiat, le quartier, la ville. Intégré dans l'espace, le bal se définit aussi par rapport au temps, qui détermine les occasions de la danse : temps réguliers, temps forts, temps exceptionnels. . . Le bal est surtout un irremplacable lieu de rencontre : mélange des corps, découverte des coeurs unis en de communes sensations. L'union entre la danse et les manceaux fut fructueuse, si l'on en juge par le nombre impressionnant des salles qui ont fonctionné au mans : plus d'une centaine entre 1850 et 1950 ! Elles affichent une grande diversité, depuis le simple bal public de quartier jusqu'au dancing, du bal champêtre à la salle de réunion aménagée pour la circonstance. Seules, quelques traces subsistent aujourd'hui, qui représentent, pour de nombreux manceaux, des repères importants dans la structuration de leur espace familierInspired by Francois Gasnault's works on the Parisian dance in the 19th century, this study analyses links between Le Mans' inhabitants and dance. Consequently, it's in line with Jean Michel Guilcher who thinks dance is revealing of society. It tries to be an anthropological essay on dance in an urban provincial background. Dance is an economic entity which mainly owes its reality to those who make it live : musicians and first of all managers. It is also a social place which fits in different involved scopes : hall, background, neighbourhood, and town. Integrated into space, dance is also related to time which determines its moments of action : regular ones, important or special occasions. . . Mostly, a dance hall is a matchless meeting place : bodies and souls mixed bound together by same feelings. This correlation between dance and le mans' inhabitants was fruitful, when we consider the great number of dance halls which were opened in the town : more than a hundred from 1850 to 1950 ! They show an important variety, from a popular dance hall to a more commercial one, from open air dance to a meeting place occasionally fixed. To day remains are rare, and they represent important marks in the familiar background of a great number of inhabitants
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Ginestet, Pierre. "Les organisations de la jeunesse dans l'occident romain." Aix-Marseille 1, 1988. http://www.theses.fr/1988AIX10038.
Abstract:
Des organisations primitives de la jeunesse romaine a seule subsiste la juventus. Armee de rome a l'origine, elle est devenue apres la reforme de servius tullius un organisme paramilitaire puis premilitaire. En conquerant l'occident, rome trouva des organisations semblables sur son chemin, mais qui, du fait de la conquete, s'endormirent faute d'activite, sauf les plus recemment conquises. Elles ne disparurent cependant pas et connurent une grande activite sous l'empire. Les juventutes continuent a exister mais, lorsqu'elles ont decline, des associations non officielles se sont crees. Les collegia juvenum, bien que peu nombreux, et seulement italiens, sont les plus connues. Les juventutes de province se subdivisent en collegia juventutis. Leur activite principale est la celebration de cultes religieux en italie et la participation a la defense de l'empire dans les provinces. L'organisation de jeux n'est qu'une activite tres limitee de certaines associations italiennes. Elles ne jouent nullement le role d'une ecole de cadres. Leur role politique est nul sauf soulevements. L'empire chretien causera leur mort. Elles disparaitront sous theodose, a la scission de l'empireFrom the early organisations of the roman youth, only the "juventutes" survived. It was originally the army of rome, and, after the reform of servius tullius, turned into a paramilitary organism, and then, a premilitary one; when conquering the occident, the romans found similar organisations along their way. By lack of activity, most of them became dormant, except for the latest conquested ones. However, they did not disappear, and showed great activity during the empire. The "juventutes" still existed, but when they declined, non official associations appeared. The "collegia juvenum", although few in number, and only italian, are the most well known. The provincial "juventutes" subdivided themselves into "collegia juventutis". Their main activity is the celebration of religious cults in italy and the participation to the defense of the empire in the provinces. The games organisation is only a very limited activity done by some italian associations. They don't fill the office of staff schools at all. They have no political role, except in case of revolts. The christianisation of the empire lead them to death. They disappeared under theodose, at the split of the empire
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Michelsson, Elisabeth. "Appropriating King Arthur : the Arthurian legend in English drama and entertainments 1485-1625 /." Uppsala (Suède) : AUU, 1999. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb38972859t.
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Willot, Eléonore. "Pour une approche esthétique du light-show : du théâtre électrique, hallucinatoire et subversif, envisagé selon l'essence de l'expérience psychédélique." Strasbourg, 2010. http://www.theses.fr/2010STRA1054.
Abstract:
A chaque époque, son Mythe. Celui des sixties a arboré un nouveau visage, il s’est baptisé « la révolution psychédélique ». En purifiant les Portes de la Perception, les esthètes existentiels propulsés par l’ivresse et l’eudémonisme, ont allumé le mythe du Light-Show. Celui-ci n’est ni une simple histoire de drogues, ni de contre-culture. Par son esthétique totale : ses conditions d’émergence, son efficience processuelle et son expérience se devaient également d’être totales. Il ne s’agit plus de créer des Mythes, mais bien de renouer avec le Mythe de l’Essence Création en exaltant la force participative du spectateur dans une correspondance avec l’infini. Il s’agit d’une alternative artistique à l’expérience du LSD conçue sous le mode opératoire d’un spectacle total, impliquant dans son esthétique, tous les paradoxes d’une réflexion basée sur des dichotomies : de la possibilité d’une participation et d’une forme de création au sein de cet art transcendantal, à la réelle valeur d’une théâtralité se voulant d’être purificatrice, au sein de ces « théâtres psychédéliques ». L’espace d’une nuit, d’un voyage cosmique, la génération de l’acide lysergique participe à ces célébrations psychédéliques hybridant concert rock, diapositives liquides, projections filmiques, stroboscopiques, lumières colorées, imprégnant alors l’atmosphère et les participants de vibrations métaphysiques. Entre spectacle synesthésique, théâtre électrique et rituel incantatoire, le Light-Show nous plonge dans le mesmérisme extatique d’un art total. La fin du rêve fantasmé s’arrête là où s’ouvrent les portes des temples des Light-Shows psychédéliques de San FranciscoFor each time, there is a Myth, and the Myth of the sixties wore a new face: it has been called the «psychedelic revolution». By purifying the Doors of Perception, existential aesthetes powered by drunkenness and the eudemonism of a whole acid-generation, lit the myth of the Light Show up. The Light Show is neither a matter of drug, nor a simple counterculture tale. Through its total aesthetics: its emergent conditions, its efficient process and experience must be considered in a total way too. It doesn’t consist in making myths anymore, but to reconnect with the Myth of Creation by exalting the participatory matter, in an aesthetics which reconciles the audience with the Essence of Being and the Essence of Things: a bridge towards the infinite. It is based on the artistic alternative process from regular LSD trip, elaborated around a total show modus operandi, with all its aesthetic contradictions based on dichotomies: the nature of participation and creation in transcendental art, as well as the place and value of theatricality in such a “pure” and cathartic show also known as «psychedelic theaters”. Thus, for a night, for a cosmic journey, the lysergic generation participates to these psychedelic celebrations blending rock concert, liquid slides, films, strobe and colored lights that imprint the atmosphere and the audience with metaphysical vibrations. Synesthesic show, electric theatre and ritual incantation: the Light-Show wraps us into an ecstatic mesmerism of its total art. The oniric phantasm ends when the gates of San Francisco’s psychedelic temples of light-shows open
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Hsieh, Chenwei. "Processus de création d'un système d'images interactives pour le spectacle vivant : proposition d'une méthode de développement rapide et mise en oeuvre d'une structure d'un système d'interactivité multi-niveaux et multi-sources." Paris 8, 2013. http://octaviana.fr/document/170326594#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Abstract:
Dans cette thèse, qui se compose de trois parties principales, je présente l'analyse de mon processus de réalisation d'un système d'images interactives pour le spectacle vivant, plus spécifiquement pour un spectacle improvisé, musical, chorégraphique et réalisé collectivement par plusieurs artistes : le performeur, le compositeur et le créateur d'images interactives. La première partie a pour objet la recherche artistique à travers mon regard porté sur les œuvres d'images numériques d'autres artistes travaillant dans le spectacle vivant. La deuxième partie concerne la recherche technique, principalement relative aux outils de la captation ; elle suit le développement de mes créations successives qui ont enrichi ma propre expérience de création avec des techniques interactives. Enfin, dans la troisième partie, une structure de réalisation d'un système interactif sur multiples niveaux et avec plusieurs sources est présentée. Ce système propose une méthode de création de mapping complexe qui est s'appuie sur les développements des différents projets que j'ai réalisés avec deux logiciels de création d'applications 3D temps réel (d'abord avec Virtools, puis avec Unity). Il comporte une structure du système avec de multiples niveaux ; la partie d'entrée des différentes captations est indépendante et réutilisable ; les éléments virtuels générés par script (formes, effets spéciaux) sont bien modélisés esthétiquement et réagissent aux multiples sources d'entrées. Cette méthode qui me permet de réaliser rapidement un projet artistique, tout en pouvant lui donner une certaine complexité, devrait pouvoir être reprise par d'autresIn this thesis, I try to present my process to create an interactive system in a live performance, specifically the dance and musical improvisation made collectively with several artists: performers, composers and creators of the interactive image. The first part is the artistic research about related artists’ works in their live performances. The technical research is the subject of the second part. It consists of my experience about the technology, hardware and software in the development of interactive creations, especially the sensor system of sound and movement. In the end, I propose a structure of system with the multiple-levels and interactive sources. It is a full process to create diversified mapping interactive system. The main goal of the process is to create a faster and more intuitive interactive program. It includes a structure of multiple- level scenes controls, the reusable and independent sensors systems by using the OSC protocol, and the creative function module in platform Unity with multiple input controls
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Bonneau, Guy. "L'expérience du divertissement, ou, À la limite de la vraisemblance : le motif de ma volonté artistique /." Thèse, Chicoutimi : Université du Québec à Chicoutimi, 1995. http://theses.uqac.ca.
Abstract:
Mémoire (M.A.)--Université du Québec à Chicoutimi, 1995.Résumé disponible sur Internet. Accompagné d'une vidéocassette, sous la cote +N-16038. Le titre de la vidéocassette varie. Guy Bonneau et Martine Fortin ont utilisé le même film dans la rédaction de leur communication. CaQCU CaQCU CaQCU CaQCU Document électronique également accessible en format PDF. CaQCU
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Fortin, Martine. "L'expérience du divertissement, ou, Mise en abyme : autoportrait d'un personnage /." Thèse, Chicoutimi : Universite du Quebec à Chicoutimi, 1995. http://theses.uqac.ca.
Abstract:
Mémoire (M.A.)--Université du Québec à Chicoutimi, 1995.Accompagné d'une vidéocassette, sous la cote +N-16038. Le titre de la vidéocassette varie. Martine Fortin et Guy Bonneau ont utilisé le même film dans la rédaction de leur communication. CaQCU CaQCU CaQCU Document électronique également accessible en format PDF. CaQCU
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Bouley, Elisabeth. "Les jeux et la romanisation des provinces balkaniques et danubiennes du 2ème s. Av. JC au 3ème ap. JC." Besançon, 1998. http://www.theses.fr/1998BESA1003.
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Bouquillion, Philippe. "Spectacle vivant et télévision : analyse socio-économique comparée du spectacle vivant et de la télévision en France pendant les années quatre-vingt." Grenoble 3, 1993. http://www.theses.fr/1993GRE39009.
Abstract:
L'obtention de financement est liee de facon croissante a l'audience realisee ou au niveau de notoriete. Pour atteindre ces objectifs, le spectacle vivant et la television ont developpe trois logiques d'adaptation : le recours a la communication se developpe, les contenus sont rationalises et la diffusion est favorisee au detriment de la production. Ces trois tendances entrainent une hausse des couts. Cette hausse des couts est particulierement grave pour le spectacle vivant car sa demande est decroissante et parce que les emissions de spectacle diffusees par la television sont rares et peu remuneratrices. Par ailleurs, la television exerce des effets structurants sur le spectacle qio concourent a la hausse des coutsAt the end of the 80', fund rising depends on the audience and the notoriety in order to reach that objective : advertising is developing, the content is standardized and the diffusion system is favoured. These tendances have increased the costs rise. This problem is particulary important for the performing arts because the consumption is decreasing and because the tv channels are not intrested in broadcasting art programs
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Ricci, Evelyne. "Le théâtre à Malaga sous la Seconde République (1931-1936) : plaisirs et idéologies sur scène." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030123.
Abstract:
Cette étude sur la vie théâtrale à Malaga entre 1931 et 1936 se situe dans la perspective de l'histoire culturelle. Elle se propose d'étudier les possibles répercussions de la Seconde République sur les spectacles de cette ville provinciale. Au croisement des sphères culturelles, artistiques, sociales, économiques et politiques, le théâtre permet une approche transversale des tensions et débats qui définissent ce processus historique. Plus que tout autre art, il se prête à̧ une interrogation sur les enjeux et manifestations, en même temps qu'il en dévoile les soubassements, les contradictions, les mutations. Cette étude permet de reconsidérer les liens culturels qui se tissent, à cette époque, entre la nation espagnole et ses régions, entre Madrid et la province, mais aussi entre l'Andalousie et le reste de l'Espagne. .This study of the theatrical life in Malaga between 1931 and 1936 belongs to cultural history. It intends to study the possible consequences of the Second Republic on the different shows in this provincial city. Situated at the junction of the cultural, artistic, social, economic and political spheres, theatre allows a transversal approach of the tensions and debates which define this historical process. More than any other art, it is ideal for a questioning about its stakes and its expressions, revealing at the same time its bases, contradictions and transformations. This study allows to reconsider the cultural links created at that time between the Spanich nation and its regions, between Madrid and the provinces, but also between Andalusia and the rest of Spain. .
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Bruckert, Thomas. "Le théâtre à l'épreuve de sa haine. Une adversité féconde ?" Thesis, Lyon, 2020. http://www.theses.fr/2020LYSEN046.
Abstract:
La haine du théâtre et des spectacles, quoique discontinue dans l’histoire autant que polymorphe dans ses manifestations, n’a pourtant pas cessé, depuis Platon au moins, de s’exprimer de façon chronique. Traditionnellement, jusqu’au XVIIIe siècle, elle a surtout été le fait de la philosophie et de la théologie. Le départ de ce travail de doctorat s’explique par trois raisons. Premièrement, la conviction que la haine du théâtre forme un corpus plus fécond qu’il n’y paraît au premier abord pour commenter le théâtre. Deuxièmement, l’hypothèse que la haine du théâtre traditionnelle a, à plusieurs niveaux, fourni au théâtre moderne des outils pour se constituer en se construisant « contre ». Troisièmement, le relatif désintérêt de la recherche académique en études théâtrales françaises vis-à-vis de cette tradition théâtrophobe – alors même que plusieurs autres disciplines se sont volontiers et parfois brillamment saisi du sujet. On comprend peut-être alors mieux le pari porté par le titre : la tradition antithéâtrale n’ignore rien du théâtre, elle se montre au contraire très attentive et très lucide quant à ses capacités de bouleversement – peut-être même plus que les arguments de défense et de légitimation. La thèse s’articule en deux grands moments. Il s’agit d’abord de repérer et classer les grands types de grief adressés au théâtre : un d’ordre économique (le théâtre est du côté du trop), un d’ordre dynamique (il agit trop vite et trop fort), deux d’ordre ontologique (il fait régner l’impureté d’une part, l’instabilité de l’autre), enfin un d’ordre génétique (il corrompt une nature supposée première). Il s’agit ensuite de se ressaisir de plusieurs des conclusions tirées en première partie pour, en seconde, mettre le théâtre à l’épreuve de sa haine en trois domaines. Le premier politique : que nous apprend la haine du théâtre sur sa liaison (problématique et souvent fantasmée) avec la cité ? Le second sensible : que nous apprend-elle sur ce qu’il provoque (réellement et non théoriquement) chez ses spectateurs ? Le troisième esthétique : que nous apprend-elle sur le statut et les effets des images théâtrales ?Il s’agit donc, d’abord d’étudier la haine du théâtre dans une perspective d’écoute plutôt que de rejet, ensuite de l’utiliser dans une perspective résolument critique – de soumettre avec elle le théâtre à la questionHatred towards drama and performances and shows, though historically irregular and polymorphic in its illustrations, has not ceased, at least since Plato, to express itself chronically. Traditionally, up to the 18th century, it has mostly been the doing of theology and philosophy.Three reasons motivated this work. First, the belief that antitheatricality forms a much more fertile corpus than it seems at first. Second, the assumption that traditional antitheatricality has, on many levels, provided modern drama tools to establish itself whilst building itself “against”. Third, the relative lack of interest in French performance studies towards traditional antitheatricality – even though other fields have willingly addressed the issue.Thus, one may better understand what the title of this work implies: antitheatricality does not neglect theatre; on the contrary, it proves itself very watchful and well aware of its abilities to disrupt and shake – maybe more than the arguments used to defend and justify the theatre.This PhD work consists of two big parts. The first part identifies and classifies five big sorts of accusations aimed at the theatre: one of the economic kind (the theatre is too much), one of the dynamic kind (it is too fast and too effective), two of ontological kind (it promotes impurity in every sense, and it promotes instability), and finally one of the genetic kind in a metaphorical way (it corrupts the alleged “nature” of things). The second part aims to reemploy antitheatricality to question three domains. The first is political: what does antitheatricality teach us about the theatre’s (problematic and often idealized) relation with society? The second is emotional and sensorial: what are his effects (really and not theoretically) on the audience? The third is aesthetical: what does it teach us about the status and the effects of theatrical images?The work aims thus to study antitheatricality whilst listening to it instead of dismissing it, and to use its arguments in a critical/analytical way – to subject theatre to questioning
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Vernet, Thomas. ""Que leurs plaisirs ne finissent jamais" : spectacles de cour, divertissements et mécénat musical du Grand Siècle aux Lumières : l'exemple des princes de Bourbon-Conti." Paris, EPHE, 2010. http://www.theses.fr/2010EPHE4036.
Abstract:
Depuis les premières années du XXe siècle, l’intérêt porté par l’aristocratie française à la vie musicale n’a cessé de retenir l’attention des historiens de la musique. Mais l’historiographie en la matière repose essentiellement sur des recherches autour d’une personnalité ou enserre��es entre des bornes chronologiques étroites. Notre projet fut autre, puisqu’il consistait à porter un regard d’ensemble sur plus de deux siècles de l’histoire familiale des princes de Conti, et à interroger leurs goûts et leurs pratiques artistiques. Nous avons tenté de mettre en lumière, à partir des sources littéraires, musicales et picturales qui ont fourni la matière de cette vaste synthèse, l’intérêt constant de ces princes malcontents pour les œuvres d’art plastiques mais aussi pour la danse, le théâtre et la musique ; des disciplines artistiques qui étaient susceptibles de répondre à l’impératif de magnificence imposé par leur rang, à asseoir leur légitimité mais aussi à satisfaire leurs passions et leur curiosité. Inspiré du modèle monarchique, le patronage des Conti participe au mouvement d’émancipation progressif des élites de Versailles vers Paris et permet de nuancer la dichotomie traditionnellement admise entre ces deux pôles de création. Au-delà de ce cadre familial, c’est donc l’évolution du mécénat musical de la haute aristocratie aux XVIIe et XVIIIe siècles qu’il a été permis d’approcher. Gageons que cette étude qui verra naître puis disparaître un patrimoine artistique familial, puisse contribuer à une meilleure définition des « climats de sensibilités » et permette de mieux saisir la place occupée par la musique et les arts dans la culture des élites à l’époque moderneSince the early twentieth century, the interest of the French aristocracy in the musical life has ceased to hold the attention of music historians. But the historiography on the subject based mainly on research around a personality or clamped between chronological boundaries close. Our project was different because it was to be a comprehensive look at more than two centuries of family history of the princes of Conti, and question their taste and artistic practices. We have tried to highlight, from literary sources, musical and pictorial material that provided this broad summary, the continued interest of these princes malcontents for visual art but also for dance, theater and music, the arts, which were likely to meet the requirement imposed by their magnificence row to establish their legitimacy, but also to satisfy their passion and curiosity. Inspired by the monarchical model, the patronage of Conti participated in the movement for emancipation of progressive elites from Versailles to Paris and helps to qualify the traditionally assumed dichotomy between these two poles of creation. Beyond the family environment is thus the evolution of musical patronage of the aristocracy in the seventeenth and eighteenth centuries it has been allowed to approach. Let us hope that this study will arise and disappear artistic heritage family can contribute to a better definition of "climate sensitivity" and would better understand the place occupied by music and the arts in the elite culture in the modern era
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Weigel, Philippe. "Les spectacles dans les récits de voyage de langue française de la deuxième moitié du XIXe siècle." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040269.
Abstract:
Les écrivains-voyageurs et les voyageurs-qui-écrivent de langue française partent en voyage dans la deuxièmes moitié du XIXe siècle, mais les motivations premières et secondaires ainsi que leur culture artistique sont dissemblables. Lors des étapes dans les capitales étrangères voire les villages parfois inconnus, le voyageur assiste, pour différentes raisons, à des spectacles de tous genres : ballet, opéra, théâtre, marionnettes, théâtre d'ombres, danses populaires, masquées et rituelles. . . Sans oublier les théâtres en tournée. Dans une dialectique de voir, écrire et dessiner, les voyageurs regardent et commentent les spectacles en Europe, dans le bassin méditerranéen, en Afrique, en Océanie, en Asie et en Amérique. Les spectacles de l'ailleurs sont abordés de diverses façons : en Europe, le regard est plutôt artistique et esthétique souvent en référence au romantisme ; plus loin, la mise en scène voluptueuse et violente du corps s'impose. La rupture intervient surtout en Afrique et en Océanie où le regard ethnologique et dominateur prime. L'œil du voyageur tente de relier les spectacles vus en Asie et en Amérique à l’Europe qui devient ainsi l'ophtalmos du monde. Le spectacle permet un voyage dans la fiction et dans les mentalités d'une époque. En fin de compte, face à la nouveauté exotique, les regards des deux catégories de voyageurs ne sont pas si éloignés que cela : ils se rejoignent pour questionner le regard occidental et prendre en compte le regard de l'autre sur les spectacles autochtonesFrench speaking "writers who travel" and "travellers who write" travelling in the second half of the 19th century, reveal both a different artistic culture and primary and secondary motivations. During a halt in the foreign capitals and even in remote villages, the traveller may, for various reasons, witness different performing arts for instance a ballet, an opera, the theatre, a puppet and shadow show, folk, masked and ritual dances. . . Without forgetting the theatre tours. Combining sight, written and drawing dialectics, the travellers observe and comment upon performances in Europe, along the Mediterranean coast, in Africa, in the South Sea Islands, in Asia and the Americas. The performances from "elsewhere" are approached in several ways: in Europe the traveller tends to focus the artistic and aesthetic aspect often influenced by the romantic arts; further afield the body performance is perceived as being voluptuous and violent. The abrupt change occurs particularly in Africa and the South Sea Islands where the ethnological view prevails. The traveller endeavors to link the performances seen in Asia and America with Europe which becomes the ophtalmos of the world. The performance art offers both a journey in fiction and in the mentality of the epoch. All things considered, confronted with this exotic novelty, the views of both categories of travellers converge here to interrogate the western views and take into consideration the view of the "other" as regards the native performances
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Fauvinet-Ranson, Valérie. "Les cités d'Italie dans le premier tiers du VIe siècle : patrimoine monumental romain et spectacles d'après les Variae de Cassiodore." Paris 10, 2000. http://www.theses.fr/2000PA100164.
Abstract:
Cette these porte sur le devenir des cites d'italie dans les decennies qui suivent la fin officielle de l'empire romain d'occident (476). Notre principale source sur le sujet et l'epoque etant constituee par les variae de cassiodore, l'etude est centree sur elle. La periode consideree (493-537) correspond a la duree du royaume ostrogothique d'italie, de la victoire de theodoric sur son predecesseur odoacre jusqu'a la guerre de reconquete ordonnee par justinien qui marque une forte rupture. Le contexte est celui de l'appropriation du pouvoir par des peuples barbares dans differents royaumes qui prennent la suite de l'empire romain et du passage de l'antiquite au moyen age. Ce travail a pour but de faire le point sur deux aspects majeurs et proprement romains des cites, leur cadre monumental public (i) et les spectacles qui y etaient donnes traditionnellement (ii). Il rassemble sur ce sujet une documentation diversifiee, dont notamment la traduction et le commentaire d'environ 60 textes latins des variae, oeuvre dont il n'existe ni traduction integrale ni commentaire systematique. I. Il s'agit d'abord de determiner la nature du patrimoine urbain et d'evaluer son etat au sortir du ves. , en italie, puis a rome qui conserve un statut special. On peut alors replacer la politique edilitaire gothique, examinee sous tous ses aspects, dans une perspective plus large que celle qui est generalement adoptee. Ii. Les grands genres de spectacles publics romains (theatre, cirque, amphitheatre. . . ) sont encore tres presents dans les sources du vie s. Ces mentions correspondent-elles a la realite? trouve-t-on encore de tels spectacles dans toutes les cites ou sont-ils reserves a rome? leur organisation et leur public ont-t-ils evolue? peut-on etablir un parallele avec ceux de constantinople? comment, au vie s. , concilie-ton le christianisme avec ces representations qu'il a toujours condamnees? quelle est l'attitude des rois goths face a cette tradition romaine?
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Protat, Jacques. "Le cabaret new-yorkais : prolégomènes à l'analyse d'un genre spectaculaire." Dijon, 2004. http://www.theses.fr/2004DIJOL010.
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Iconomopoulou, Christina. "Le spectacle populaire, les mouvements cubisme-futurisme et leur alliance esthétique dans le ballet Parade." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040061.
Abstract:
Le ballet Parade, présenté pour la première fois en 1917, fut le résultat de la collaboration créative entre Jean Cocteau, Erik Satie, Pablo Picasso et Léonide Massine. A travers une analyse menée en profondeur, l'auteur instaure des correspondances éloquentes entre l'esthétique de plusieurs distractions populaires en vogue durant les années '10 à Paris, et l'élaboration du livret, du rideau et des costumes, de la musique et de la chorégraphie du spectacle, sans pour autant délaisser les aspects de parade -tels que le décor et les costumes-constructions des managers, le grimage d'un des protagonistes du ballet et le bruitisme de la musique- qui semblent être directement influencés par les principes du cubisme et du futurisme. Par la suite, l'auteur repère les processus esthétiques grâce auxquels s'effectue dans le ballet, l'alliance du spectacle populaire et des mouvements cubisme-futurisme. L'étude sur le ballet parade s'achève sur la mise en évidence de sa valeur moderniste, son importance pour l'évolution de la troupe dans laquelle il est né, et son apport dans la carrière ultérieure de ses demiurges.
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Dusseaux, Damien. "Événementialisation des politiques culturelles locales et politisation de la culture : le cas de Lille 2004, capitale européenne de la culture." Thesis, Lille 1, 2020. http://www.theses.fr/2020LIL1A009.
Abstract:
Cette thèse propose une analyse sociohistorique de l’événement Lille 2004, capitale européenne de la culture, de sa genèse locale dans les années 1980-1990 jusqu’à ses répercussions contemporaines sur la politique culturelle lilloise et sur certains professionnels qui concourent à sa production. Elle montre que, par-delà les retombées territoriales et économiques, qui sont inlassablement revendiquées à défaut d’être précisément documentées, ces grands événements s’accompagnent de transformations plutôt localisées du côté de la production des politiques publiques de la culture, invitant à aller voir leurs conditions de fabrication et les processus de politisation attenants. Cette recherche repose notamment sur une analyse documentaire menée à partir d’un corpus varié (au premier chef des archives municipales et nationales intégralement inédites), la conduite d’entretiens avec différentes catégories d’acteurs investis dans l’organisation de Lille 2004 et/ou dans l’élaboration de la politique culturelle lilloise, ainsi que des observations directes au cours des événements d’une édition triennale de Lille 3000, puis au sein du pôle culturel de la ville de Lille. A rebours du récit performatif valorisant l’idée d’un « tournant » pour l’action publique locale et le développement territorial, la thèse montre d’abord que l’événement procède de mobilisations antérieures d’acteurs locaux et s’inscrit dans le prolongement d’actions culturelles initiées sous la mandature de Pierre Mauroy. La seconde partie de la thèse montre que, loin de se limiter à une « affaire territoriale » résultant du seul investissement d’élus, représentants patronaux, ou programmateurs culturels, lesquels sont particulièrement enclins à mettre en scène leur capacité d’initiative, l’opération Lille 2004 est rendue possible par et négociée avec l’Etat. Enfin, il s’agit d’appréhender dans la troisième partie certains « effets », généralement passés sous silence, de cette réorientation de la politique culturelle post Lille 2004. Nous examinons à cette fin la restructuration de la direction générale de la culture de la ville de Lille et les reconfigurations professionnelles qui l’accompagnent, l’occasion de montrer combien la culture devient l’objet d’une politisation accrue. L’activité des agents du pôle culturel municipal est ainsi marquée par une « double dépendance » à l’égard de ces élus et des professionnels de la culture de l’association Lille 3000, ce que donne à voir la confrontation des ethos professionnelsThis thesis proposes a sociohistorical analysis of the event Lille 2004, European Capital of Culture, of its local genesis in the 1980s-1990s until its contemporary repercussions on Lille’s cultural policy and on certain professionals involved in its production. It shows that, in addition to the territorial and economic benefits, which are tirelessly claimed if not precisely documented, these major events are accompanied by transformations rather localized on the side of the production of cultural public policies, inviting to go to see their conditions of manufacture and the accompanying processes of politicization. This research is based in particular on a documentary analysis conducted from a varied corpus (first of all, on municipal and national archives entirely unpublished), conducting interviews with different categories of actors involved in the organisation of Lille 2004 and/or in the elaboration of Lille cultural policy, as well as direct observations during the events and openings of a triennial edition of Lille 3000, then in the cultural office of Lille city. In contrast to the performative narrative highlighting the idea of a “turning point” for local public action and territorial development, the thesis first shows that the event proceeds from previous mobilizations of local actors and is part of the extension of cultural actions initiated under the mandate of Pierre Mauroy. The second part of the thesis shows that, far from being limited to a « territorial affair » resulting solely from the investment of elected officials, management representatives, or cultural programmers, who are particularly inclined to stage their capacity for initiative, Lille 2004 is made possible by and negotiated with the State. Finally, it is necessary to comprehend in the third part some « effects », generally ignored, of this reorientation of the cultural policy post Lille 2004. We thus examine the restructuring of the Directorate-General for Culture of Lille city and the pertaining professional reconfigurations, an opportunity to show how much culture is becoming the object of increased politicization. The activity of the agents of the municipal cultural pole is thus marked by a « double dependence » with regard to these elected officials and the professionals of culture of the association Lille 3000, which suggests the confrontation of professional ethos
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Richard, Jean-Baptiste. "Spectacle, spectatoriel, spectateur : l’acte de voir et l’expérience du regard créateur." Thesis, Valenciennes, Université Polytechnique Hauts-de-France, 2019. http://www.theses.fr/2019UPHF0014.
Abstract:
Cette thèse traite de l’activité spectatrice, la nomme spection et étudie cette puissance d’agir spécifique aux spectateurs. Cela implique de repenser la réception, qui a historiquement été chargée de dire l’activité spectatrice, et de redéfinir ce qu’est cette réception et le spectatoriel qui en résulte, mais aussi ce qu’est un spectacle, une représentation et plus encore ce que c’est que d’être spectateur à la lumière de cette autonomisation de la spection. Il sera montré en quoi l’acte de voir joue dans cette spection et l’expérience du regard créateur, pendant et au-delà du spectacle. Les grands axes de la recherche se situent dans l’interstice spatial entre un spectacle et un spectateur, et dans l’interstice temporel entre un spectacle et son après. La thèse questionne, en prenant appui sur des écrits d’Henri Gouhier, de Jacques Rancière, de Bernard Dort, d’Anne Ubersfeld, et des créations scéniques contemporaines une expérience beaucoup plus complexe et qui dépasse ce voir, et s’intéresse au spectatoriel, à la relation théâtrale mise en place par les dispositifs du voir mais aussi à l’instantanéité de l’acte de voirThis thesis aims to name the spectating (which has no name in french) and provide a method based on that ability to analyze performance. This implies to rethink the way French researchers has thought for a long time that this ability was reception, and redefine what reception is and what the spectator’s experience is, but also what is a performance, and moreover what is it to spectate and what is it be a spectator in light of this atomization the very act of spectating. It will be shown in what ways a spectator either spectate or create by his creative look upon a theatrical performance, during or after that performance. The major points that has been situated in the space between a theatrical performance and a spectator, and in the time between a theatrical performance and the afterwards. This thesis will look at a much more complicated viewer experience than just looking, based on works of Henri Gouhier, Jacques Rancière, Bernard Dort, Anne Ubersfeld, and contemporary live performances, and will look at the viewer’s experience, at the theatrical relationship established by means of seeing and also at the instantaneous act of seeing
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Robineau, Stéphane. "L'expérience de l'impossible : de l'art de la magie à la magie de l'existence : Phénoménologie existentielle de l'expérience artistique magique." Compiègne, 2007. http://www.theses.fr/2007COMP1681.
Abstract:
Au-delà des conceptions réductrices sur la magie de spectacle, cette thèse soutient l'idée selon laquelle la magie est une dimension de notre expérience, de notre être-au-monde. Notre recherche vise à expliciter, de manière existentielle et phénoménologique, le sens de l'expérience artistique magique en tant qu'expérience de l'impossible. Elle s'appuie sur une méthode expérientielle fondée sur un constant dialogue entre concept et expérience. L'artiste magicien est un sculpteur de phénomène et un tisserand de l'étoffe du visible. Il offre une épreuve de l'apparaître en son effectivité jaillissante. L'expérience artistique magique s'accomplit dans la tension entre la représentation objectivante et la présence sensible. La magie, en tant que faire-être créateur, est en même temps le sens de l'art et le sens de l'existence. L'expérience de l'impossible nous fait découvrir la magie de l'existence qui est l'éveil d'un monde qui s'ouvre en nous et nous ouvre à nous-mêmesBeyond reductionist preconceptions about magic as a spectacle, this thesis defends the idea that magic is a dimension of our experience, of our being-in-the-world. Our study aims at defining the meaning of the artistic experience of magic, existentially and phenomenologically, as an experience of the impossible. It uses a method based on lived experience, involving a constant dialogue between concept and practice. The artist magician is a sculptor of phenomena and a craftsman of the visible. He offers a feeling for the way things appear at the very moment they actually spring forth into existence and an experience achieved in the tension between objectivising representation versus presence as it is felt. Magic, which involves the creative bringing forth of a world of experience, is both the meaning of art and the meaning of existence. Experiencing the impossible reveals the magic of existence which is the awakening of a world which opens up within us, and which opens us to ourselves
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Triolaire, Cyril. "Fêtes officielles, théâtres et spectacles de curiosités dans le 11ème arrondissement théâtral impérial pendant le Consulat et l'Empire." Clermont-Ferrand 2, 2008. http://www.theses.fr/2008CLF20009.
Abstract:
Cette enquête propose d'étudier les fêtes officielles, les théâtres et les spectacles de curiosités dans le onzième arrondissement théatral impérial durant le Consulat et l'Empire. Grand amateur de tragédies, assumant les héritages de la Révolution et renouant ouvertement avec les cérémoniaux monarchiques, le premier consul bientôt empereur use d'un art immodéré de la propagande. Fêtes officielles et spectacles sont abondamment sollicités pour mettre en scène le pouvoir, gouverner et surveiller les esprits. Au coeur de l'Empire, cette étude s'intéresse au développement du culte impérial dans les espaces de vie de la majorité des français et aux voies festive et théâtrale qu'il emprunte entre l'an VIII et 1815. Elle tente de saisir les effets de la loi de février 1806 sur l'affermissement de la dévotion napoléonienne et ceux des décrets de juin 1806 et avril 1807 sur la vie théâtrale dans les départements. Cette enquête interroge sur les rapports politiques entre la province et Paris, soulignant les résistances marquées dans l'application du calendrier des fêtes ou le respect de la censure théâtrale. Elle dessine donc une géographie de la diffusion de la culture officielle, mise en relation avec les contraintes économiques et budgétaires, avec les traditions et les opinions locales. Elle reconstruit une sociologie des acteurs principaux des divertissements, étudie les espaces aménagés, rend compte des répertoires et des discours, s'intéresse aux formes de diffusion de la vulgate officielle et essaie d'apprécier leur réception. Ce travail tente ainsi de renouveler l'histoire culturelle du politique et des pratiques culturelles sous le Consulat et l'EmpireThis study aims analyzing the official festivals, the theatres and the "spectacle de curiosités" in the eleventh theatrical and imperial district uring the Consulate and the First Empire. He was a tragedy lover who took on the legacy of the Revolution and yet who openly revived the monarchic ceremonials, the First Consul resorted immoderately to propaganda. Official festivities and shows were abundantly used so as to stage power, to control and watch people's minds. Inthe heart of the Empire, this study focuses on the way the imperial worship was developed thanks to the festivals, the theatres and the companies between the year VIII and 1815. About strengthening the devotion for Napoleon and those of the decrees voted in June 1806 and April 1807 about the theatrical life in the departments. This work studies the political relations between Paris and the provinces, highlighting people's obvious reluctance to respect the calendar of the festivals or the theatrical censorship. It shows how the official culture was spread connected to the economical and financial constraints and the local traditions and opinions. Is presents e new sociology of the main actors in the festivities. It studies the planned places, the repertoires and the speeches. And it shows how the official messages were transmitted and how they were received by the people : their approval or their objection as well as the dramatic criticisms. This study thus tries to present a new cultural history of the politics and of its cultural practices at the time of the Consulate and of the First Empire
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Migayrou, Agathe. "Des femmes sur le devant de la scène : modalités, contextes et enjeux de l’exhibition des femmes dans les spectacles à Rome et dans l’Occident romain, de César aux Sévères." Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H030/document.
Abstract:
Analyser les spectacles romains du théâtre, de l'amphithéâtre et du cirque dans une démarche d'histoire sociale permet de les appréhender comme un élément structurant de la culture et de la société romaine et comme un espace-temps de la vie publique à travers lequel il est possible d'observer de manière privilégiée cette société, les différents groupes qui la composent et les relations qui se nouent entre eux. Ces performances spectaculaires avaient lieu dans le cadre de grandes célébrations publiques (les ludi et les munera) et occupaient une place ambiguë dans la société romaine. Malgré leur succès croissant et leur rôle majeur dans la vie publique, elles étaient moralement dénigrées. Strictement séparées de la sphère civique, elles étaient par conséquent accessibles aux femmes. Celles-ci pouvaient non seulement y assister mais également s'y produire, ce qui leur conférait une visibilité exceptionnelle dans l'espace public. Les pratiques d'exhibition dans les spectacles, attestées aussi bien par les sources littéraires qu'épigraphiques, sont révélatrices des contradictions de la société romaine : malgré leur discrédit, elles fournissaient aux individus, en fonction de leur statut, une source de revenus non négligeable et un outil médiatique majeur. L'exhibition des femmes dans les spectacles romains donne ainsi un aperçu de leur place dans cette société. Dans la continuité des études sur les femmes et le genre, il ne s'agit pas de déconnecter l'histoire des femmes de celle des hommes et du reste de la société, mais d'étudier des pratiques sociales mixtes en précisant la place qu'y occupaient les femmes et la signification de leur intégration à ces pratiquesAnalyzing the Roman performances of theatre, amphitheatre and circus in a social history approach makes it possible to understand them as a structuring element of Roman culture and society and as a time-space of public life through which it is possible to observe in a privileged way this society, the different groups that compose it and the relations that are formed between them. These spectacular performances took place within the framework of large public celebrations (the ludi and munera) and occupied an ambiguous place in Roman society. Despite their growing success and major role in public life, they were morally denigrated. They were therefore accessible to women because strictly separated from the civic sphere. Women could not only attend but also perform, giving them exceptional visibility in the public space. The practices of exhibition in perfonnances, attested by both literary and epigraphic sources, reveal the contradictions of Roman society: despite their discredit, they provided individuals, according to their status, with a significant source of income and a major media tool. The exhibition of women in Roman shows gives a glimpse of their place in this society. In the continuity of studies on women and gender, it is not a question of disconnecting women's history from that of men and the rest of society, but of studying mixed social practices by specifying the place that women occupied in them and the significance of their integration into these practices
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Nadot, Sébastien. "Joutes, emprises et pas d'armes en Castille, Bourgogne et France, 1428-1470." Paris, EHESS, 2009. http://books.openedition.org/pur/134319.
Abstract:
Les historiens du sport considèrent qu'il n'y a pas de filiation directe entre les pratiques physiques médiévales et le sport moderne, apparu au 19ème siècle sur des bases antiques. Les pas d'armes (exercices de joute consistant à défendre un pas ou passage contre quiconque relève le défi) et les emprises d'armes (combats courtois que va livrer un chevalier en terres étrangères) sont deux formes de combats de la fin du Moyen Âge, particulièrement nobles, prestigieuses et théâtralisées. Emprises et pas d'armes peuvent se définir comme des« pratiques physiques» ludiques. La dépense physique, la gestion de l'effort, la prise de risque, les accidents corporels, l'esprit compétitif, les tricheries et le chauvinisme y sont présents dans un cadre réglementé. Emprises et pas d'armes sont également des spectacles. Une organisation minutieuse permet à un public nombreux d'assister aux combats. La mise en scène d'une œuvre, d'un thème ou d'un héros littéraire dans des décors somptueux et un cadre courtois fait écho à une culture chevaleresque européenne. Emprises et pas d'armes ont aussi des finalités financières et politiques. L'efficacité de ces rassemblements pour contrôler la violence n'est pas démontrée, pas plus qu'une réelle « civilisation des mœurs» au moyen des joutes. Toutefois, lieux de rencontres et d'intense activité diplomatique, ils permettent aux organisateurs et aux participants de gagner de l'argent ou d'asseoir leur prestige politique. Une comparaison systématique de ces joutes élaborées et des sports contemporains permet donc de conclure que les emprises et pas d'armes constituent un véritable sport qui allie exercice physique et amour du jeuSport historians consider that there is no direct link between sport practiced in medieval times and modern sport that appeared in the 1 9th century on ancient sport practices. The pas d'armes Goust exercises whereby the jouster defends his passage against whoever meets the challenge) and the emprises d'armes (courteous fights that a knight will carry out in foreign lands) are two forms of battles which were at the end of the Middle Ages, particularly noble, prestigious and theatralized. Pas and emprises can be defined as «physical playful practices ". The physical energy exercised, the effort control, the risk-taking, the bodily accidents, the competitive spirit, the tricking and nationalism are present in a controlled framework. Pas and emprises are also performances. By having a meticulous organization more people can attend the fights. The stage setting of the fights based on literary works and a luxurious framework revives the era of the European knightly culture Pas and emprises have a150 served financial and politic al purposes. The efficiency of these gatherings to check the violence is not demonstrated, not more than a real “civilization of customs” by means of jousting. However, these gatherings acted as meeting places where intensive diplomatic activity could be carried out and allowed both the organizers and the participants to make some money or to reinforce their political prestige. A systematic comparison of these elaborated jousts with contemporary sports thus allows one to conclude that the pas d'armes and emprises d'armes constituted a real sport which allies both physical exercise and love of the game
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Ouazzani, Yacine. "Comparaisons des expériences de consommation vécues dans les sphères réelle et virtuelle à travers la valeur perçue : le cas de la consommation de spectacles d'opéra." Thesis, Université de Lorraine, 2020. http://www.theses.fr/2020LORR0217.
Abstract:
Cette recherche étudie et compare la valeur perçue de l’expérience de consommation de l’opéra en salle et en streaming. Grâce à l’essor des technologies numériques, le consommateur peut en effet désormais consommer un même produit à travers un canal physique ou virtuel. La question de la concurrence et de la complémentarité du online avec les structures physiques est devenue clé pour les entreprises et la compréhension du lien entre expériences physique et virtuelle un enjeu de recherche majeur, d’autant que des situations exceptionnelles telles que la période de confinement causée par la pandémie COVID-19 ont montré l'importance pour les spectateurs de pouvoir regarder des opéras en streaming. On peut également se demander, d’un point de vue théorique, si le cadre utilisé pour appréhender l’expérience de consommation dans le domaine réel est transposable au domaine virtuel, compte-tenu des bouleversements auxquels l’expérience a été confrontée à la suite de la révolution numérique. Nous avons adopté une démarche qualitative exploratoire, suivie d’une étude quantitative afin de répondre à ces interrogations. Les résultats obtenus indiquent une relative convergence entre les deux valeurs perçues, mais interrogent quant au public concerné par le nouveau mode de diffusion constitué par le streaming. Notre recherche confirme par ailleurs que la valeur perçue est un antécédent de la valeur globale perçue et des intentions comportementales, dans la sphère réelle comme dans la sphère virtuelle. Cependant, seules certaines dimensions de la valeur perçue influent sur la valeur globale perçue et/ou sur les intentions comportementales ; elles diffèrent selon le mode de consommation concerné. Nos résultats confirment enfin que la valeur globale perçue est un antécédent des intentions comportementales dans les deux universThis exploratory investigates and compares the perceived value of the opera consumption experience in theatres and in streaming. The rise of digital technologies now makes it possible for customers to consume the same product through a physical or a virtual channel. The question of competition and of the complementarity of online channels with physical structures has become a key issue for companies and understanding the link between physical and virtual experiences has become a major research issue, all the more that exceptional situations such as the lockdown period caused by the COVID-19 pandemic have shown how important it is for spectators to be able to watch streamed operas. From a theoretical point of view, one may also wonder whether the framework used to apprehend the consumption experience in the real domain is applicable to the virtual domain, given the upheavals that the experience has undergone as a result of the digital revolution. We took an exploratory qualitative approach, followed by a quantitative study to answer these questions. The results obtained indicate a relative convergence between the two perceived values but raise questions about the nature of the audience concerned by streaming. Our research also confirms that perceived value is an antecedent of overall perceived value and behavioral intentions, in both the real and virtual spheres. However, only certain dimensions of the perceived value influence the overall perceived value and/or the behavioral intentions; they differ according to the mode of consumption concerned. Finally, our results confirm that overall perceived value is an antecedent of behavioural intentions in both universes
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Labit-Tlili, Hélène. "Les venationes et le sous-sol des amphithéâtres en Afrique romaine. Étude fonctionnelle et restitution des aménagements liés aux spectacles (Ier siècle av. J-C.-IVe siècle)." Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2023. https://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=https://theses-intra.sorbonne-universite.fr/2023SORUL145.pdf.
Abstract:
Cette étude porte sur les structures souterraines des amphithéâtres dans les provinces de l’Afrique du Nord sur une période allant du Ier siècle av. J.-C au IVe siècle. Les recherches se sont tout d’abord concentrées sur les sources littéraires et iconographiques qui rapportent des moments du spectacle, puis sur la constitution d’un corpus architectural exhaustif centré sur l’Afrique. Le sujet de notre recherche repose toutefois sur une réalité décrite qui ne trouve pas forcément de témoignages matériels sur le terrain. Il concerne, en outre, l’aménagement des sous-sols dans les amphithéâtres et l’ensemble des techniques et des processus qui permettaient de ménager des effets de surprise sur le spectateur. Nous revenons dans un premier temps sur la contextualisation du sujet, l’historiographie de la recherche et proposons une synthèse chronologique sur l’évolution des spectacles et des sous-sols. Nous avons ensuite constitué un corpus des amphithéâtres d’Afrique du Nord dotés d’un sous-sol. Il relève, en outre, de l’analyse architecturale de neuf amphithéâtres africains, dont les observations ont servi de fondement à une réflexion sur la conception et l’organisation des différentes composantes du sous-sol sur le plan technique, à une étude des éléments périssables et à la proposition d’une typologie adaptée des modes d’organisation. L’analyse se clôt par trois synthèses qui visent à répondre à des questionnements d’ordre architectural, spatial et social, parmi lesquels la nécessité du sous-sol au fonctionnement du spectacle, la multifonctionnalité des espaces, le déplacement des cages et des équipes, et la préparation des spectacles et les effets sur la fouleThis study focuses on the underground of amphitheaters in the Roman North Africa provinces from the 1st century BCE to the 4th century CE. The research initially concentrated on literary and iconographic sources that describe moments of spectacle, and then on the compilation of a comprehensive architectural corpus centered on Africa. However, the subject of our research is based on a described reality that may not necessarily have tangible evidence in the field. It pertains to the arrangement of underground spaces in amphitheaters and the various techniques and processes employed to create surprise effects for the spectators. Firstly, we revisit the contextualization of the subject the historiography of the research and provide a chronological synthesis of the evolution of spectacles and underground spaces. Subsequently, we assembled a corpus of North African amphitheaters equipped with underground facilities. Furthermore, we conducted an architectural analysis of nine African amphitheaters, with the observations forming the basis for a reflection on the technical design and organization of different underground components, an examination of perishable elements, and the proposal of a suitable typology for organizational modes. The analysis concludes with three syntheses aimed at addressing architectural, spatial, and social questions, including the necessity of underground spaces for the functioning of the spectacle, the multifunctionality of spaces, the movement of cages and teams, and the preparation of performances and their effects on the audience
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Werquin, Thomas. "Impact de l'infrastructure culturelle sur le développement économique local : élaboration d'une méthode ex-post et application à Lille2004 capitale européenne de la culture." Lille 1, 2006. https://pepite-depot.univ-lille.fr/LIBRE/Th_Num/2006/50374-2006-Werquin.pdf.
Abstract:
La thèse a pour objectif d'élaborer une méthode d'évaluation de l'impact de l'infrastructure culturelle sur le développement économique local, et d'appliquer cette méthode à Lille2004 Capitale Européenne de la Culture. La thèse a proposé l'évaluation de quatre éléments : (l) l'impact des dépenses de l'infrastructure culturelle; (2) les effets en terme de rayonnement pour le territoire; (3) les conséquences pour l'attractivité du territoire ; et enfin (4) les effets des dépenses des visiteurs de l'infrastructure culturelle pour le commerce local. En élaborant une méthode et en l'appliquant à Lille2004, cette thèse montre d'abord qu'il est possible de mesurer l'impact économique de l'infrastructure culturelle sur le développement économique local à l'aide d'une série d'indicateurs. Ces derniers ont été construits en dialogue avec l'analyse préalable de l'effet multiplicateur et des effets externes, des mécanismes de la construction de l'image et de la notoriété et de la formation des choix de localisation des agents économiques. La thèse montre ensuite qu'un impact économique positif de l'infrastructure culturelle n'est pas si évident. En effet l'évaluation de Lille2004 aboutit à des résultats mitigés. D'abord, l'impact médiatique de Lille2004 est limité et les effets en terme de rayonnement apparaissent faibles. Ceci n'a cependant pas empêché l'événement d'être un succès touristique incontestable se traduisant par une hausse sensible de l'activité du secteur des cafés-hôtels et restaurants situés sur la commune de Lille, sans pour autant générer une création significative d'emplois.
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Verlinden, Elodie. "Danse et spectacle vivant: réflexion critique sur la construction des savoirs." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2010. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/210146.
Abstract:
La thèse aura pour objectif premier de relire les discours scientifiques sur la danse à travers quelques démarches considérées comme illustratives d’une discipline. Ce parcours a pour vocation seconde d’interroger les modes de construction de l’objet danse au sein des études en arts du spectacle vivant. Comment les sciences ont-elles pensé la danse ?Fallait-il penser la danse ?A travers quels questionnements peut-on appréhender la performance dansée sans englober un paradigme plus vaste ?Toutes problématiques qui conduisent non seulement à saisir de manière critique les regards sur la danse mais à élaborer un modèle propre qui pose à la fois la question de l’identité et des processus énonciatifs de la danse au sein du paradigme des « arts du spectacle vivant ».Doctorat en Information et communication
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Soler, Matthieu. "Les dieux de l'amphithéâtre : étude sur la relation entre religion et spectacle de l'Occident romain du IIe s. av.J.-C. au Ve s. ap. J.-C." Thesis, Toulouse 2, 2012. http://www.theses.fr/2012TOU20119.
Abstract:
Le monde de l’amphithéâtre, entre l’apparition, au IIIe s. av. J.-C., des ludi qu’il abrite à partir de la fin du IIe s. av. J.-C., et l’abandon de ce type d’édifice en tant que monument de spectacle dans lecourant du Ve s. ap. J.-C., a longtemps été perçu par l’historiographie soit comme l’excroissance monstrueuse d’une civilisation brillante, soit comme l’exemple même de la cruauté d’une société autocratique et esclavagiste. Cette image de l’arène s’appuyait en particulier sur les rites se déroulant dans les édifices dédiés aux munera décrits par les écrivains chrétiens à partir de Tertullien au IIe s. ap. J.-C. Plus tard, pour livrer une étude dépassionnée de la gladiature, Georges Ville a postulé une "laïcisation" précoce de l’institution et rejeté ainsi les textes des polémistes chrétiens dans le domaine du pur discours. La reprise attentive de l’ensemble de la documentation, tant littéraire qu’épigraphique ou iconographique permet de nuancer ces constats. Si la religion est au cœur des jeux, c’est avant tout parce que ceux-ci, non seulement, sont parfaitement intégrés à la société romaine et provinciale, mais aussi et surtout car ils sont un des lieux par excellence où est montrée l’image idéalisée de Rome, sa structure sociale, culturelle et donc religieuse. Les dieux de l’amphithéâtre sont donc avant tout les dieux de la cité, garants de sa pérennité et de son équilibre. Ils sont adorés dans les amphithéâtres par des actes publics et privés, par l’ensemble de la communauté, des groupes sociaux, ou encore des individus de toute origine. La société se soude dans ce contexte où les spectateurs forment une communauté émotionnelle, prélude à la communauté cultuelle et sociale. Les acteurs des jeux eux-mêmes ont des préférences pour des dieux censés les protéger : Diane, Hercule, Némésis, Fortune, Mars, Minerve, Vénus, Mercure, et sont acteurs des rites de la cité. Cela ne fait pas d’elles les seules divinités des arènes et tout citoyen peut également se tourner vers elles dans les sacella des amphithéâtres, généralement ouverts à tousThe amphitheater was used as a spectacle edifice between the end of the IInd century BC, hosting the ludi that appeared during the IIIrd century BC, and the Vth century AC. It was long perceived by historiographers either as the monstrous appendix of an enlightened civilization or as an example of an autocratic and slavering society. This image of the arena was derived from the rituals taking place in the edifices dedicated to munera and described by Christian writers starting with Tertullien in the IInd century AC. Georges Ville later conducting a dispassionate study of the Gladiatura, postulated an early non-religious nature of the institution and rejected the texts written by the Christian polemists as pure discourse. The careful study of the whole literary, epigraphic and iconographic documentation allows to nuance those statements. Religion is seen as the central core of the games not only because they are perfectly integrated to the Roman and provincial society but also because they are the best place to show an idealized image of Rome with its social, cultural and de facto religious structure. The gods worshiped in the amphitheater are first and foremost those of the city that guarantee its perenniality and stability. Inside the amphitheater they receive public and private adoration from the part of the whole community, of social groups and of individuals. The audience thus becomes united creating an emotional community that will later turn into a cultural and social community. The actors of the games give preference to certain gods expected to protected them -Diana, Hercules, Nemesis, Fortuna, Mars, Minerva, Venus and Mercury- and thus become actors in the city’s rites. Other gods and goddesses can also be worshiped in the sacella of the amphitheater that are generally open to all citizens
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Beuré, Fanny. "Let's face the Music and Dance : la comédie musicale hollywoodienne classique au prisme de l'entertainment." Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCC062.
Abstract:
Cette thèse propose d'étudier la comédie musicale hollywoodienne classique à travers la notion anglo-saxonne d'entertainment. Combinant l'étude thématique du genre à des analyses détaillées d'extraits, elle porte un intérêt particulier aux numéros musicaux. Après avoir exploré différentes approches scientifiques de l'entertainment, nous comparons plusieurs genres cinématographiques d'entertainment pour dévoiler des principes communs ; par l'analyse de discours de spectateurs, nous précisons l'entertainment trouvé dans les comédies musicales. Une étude des représentations du musical hollywoodien montre comment les thèmes et les valeurs abordées redoublent d'efficacité par leur traduction en musique et en danse. L'entertainment apparaît, enfin, comme un processus performatif qui fonctionne en matrice et reconfigure les représentations issues des matrices socioculturelles fondamentales. L'agencement du spectacle conformément aux principes de l'entertainment façonne un monde organisé selon certaines normes sociales et genrées. Si la comédie musicale semble un terrain favorable à l'exercice d'un regard dominant (masculin, blanc et hétérosexuel), cette primauté du spectacle crée des possibilités de réceptions alternatives. Certains interprètes emblématiques participent aux principes de l'entertainment, tout en apparaissant en rupture avec ses normes coercitives par leur manière de chanter ou de danser. A travers des études de cas nous montrons comment ces figures recomposent de façon variable les stéréotypes genrés. Le concept d'accordance, défini comme la capacité du couple vedette à produire l'entertainment, permet de repenser les relations se jouant dans le chant et la danseIn this research, I investigate the notion of entertainment to understand how Hollywood musicals provide a specific pleasure and prescribe distinctive values. I use feminist, gay and queer theories in order to develop an alternative to historical and aesthetic approaches to the Hollywood musical that characterize French research. I focus on musical numbers: the translation mechanisms in song and dance they imply have remained largely under-investigated. I first outline the fundamental principles of entertainment by discussing scientific approaches and looking into film genres. I also characterize the specificity of entertainment in musicals by analyzing audience reactions. I then demonstrate through representation analyses how themes and prescribed values gain intensity in musicals because they are enacted using music and dance. Finally I indicate how musicals influence entertainment itself. I show how entertainment runs as a performative matrix, reconfiguring representations based on fundamental socio-cultural matrices. Performances organize the world following certain social and gendered norms. If musicals are fertile ground to enact a dominant gaze (male, white, heterosexual), they also create opportunities for alternative ones because they put show above narrative. Some iconic performers entertain their audience through unique singing or dancing techniques, thereby subverting norms. I detail how such performers reshuffle gender stereotypes using case studies. Finally I analyze how relationships develop through song and dance using the concept of accordance, i. E. Star couples' ability to entertain
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Efrat, Tomer. "L' objet naturalisé et la nature objectivée : curiosités urbaines et collections d'histoire naturelle en France (1830-1930)." Paris, EHESS, 2002. http://www.theses.fr/2002EHES0049.
Abstract:
Cette thèse a pour objet l'étude des expositions d'histoire naturelle et de leur devenir en France au cours du XIXe siècle. Dans un cadre temporel qui s'étend du début du XIXe siècle au commencement du XXe, nous montrons la mise en place d'une disposition de plus en plus spectaculaire des objets naturels. Le dense milieu visuel caractérisant l'environnement urbain de cette époque, introduit au sein des musées et des collections d'histoire naturelle de nouvelles normes et modalités de présentation. De surcroît, dans la deuxième moitié du XIXe siècle, les expositions universelles, événements internationaux combinant divertissement, science et mercantilisme, constituent un lieu idéal pour exercer et véhiculer de nouvelles techniques de mise en scène des thèmes scientifiques. Le responsable principal de ces montages de pièces d'histoire naturelle est le préparateur, dont le métier consiste à transformer les spécimens en objets d'exhibition. A cette fin, il associe les sciences aux arts et joue ainsi un important rôle d'agent médiateur entre le milieu scientifique et le public. En outre, du fait de l'orientation des sciences naturelles vers des pratiques expérimentales et des formes de représentations plus conceptuelles, le préparateur est conduit à se tourner davantage vers des activités plus populaires dans la société, notamment le montage de pièces ornementales, et la création de cabinets de cire et de dioramas. Par conséquent, à la veille du XXe siècle, les musées d'histoire naturelle deviennent de véritables lieux de spectacles et de loisirs dans le paysage urbainThe subject of this thesis is the study of natural history exhibitions and their development in France during the 19th century. In a time frame extending from the beginning of the 19th century to the commencement of the 20th century, we shall show the increasingly spectacular way in which natural objects were displayed. The dense visual milieu characteristic of the urban environment of the period introduced new norms and methods of display into museums and natural history collections. Furthermore, in the second half of the 19th century, the universal expositions, international events combining entertainment, science and mercantilism, provided an ideal space to exercise and emit new techniques for displaying scientific themes. The main author of these displays of natural history pieces is the scientific auxiliary, whose profession consists of transforming the specimens into objects for exhibition. In order to do this, he associates the sciences to the arts, thus playing an important role as a mediator between the scientific milieu and the public. Moreover, given the orientation of natural sciences towards experimental practice and more conceptual forms of representation, the scientific auxiliary is increasingly oriented towards the popular activities of society, such as the preparation of ornamental articles and the creation of wax cabinets and dioramas. As a result, on the eve of the 20th century, natural history museums actually became sites for show and amusement in the urban landscape
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Souliotis, Nikolaos. "Des quartiers à la mode : enquête sociologique sur les mutations des marchés du divertissement et de l'art à Athènes (années 1990)." Paris, EHESS, 2005. http://www.theses.fr/2005EHES0051.
Abstract:
Dans les années 90, de nouveaux quartiers deviennent "à la mode" à Athènes, attirant bars, tavernes, théâtres et galeries. Cette évolution, communément perçue comme une "requalification" urbaine et une mutation dans les "styles de vie" des citadins, est ici rapportée au fonctionnement des marchés culturels. La démarche adoptée permet de restituer les différents milieux des producteurs culturels, leur interpénétration et leurs convergences avec la politique urbaine, qui sont au principe de la transformation des quartiers et de la construction de l'offre des marchés. Trois entrées ont été choisies : une typologie des entrepreneurs à partir de leurs trajectoires ("amateurs", professionnels de l'économie culturelle en mobilité, entrepreneurs établis) : l'analyse de la concentration spatiale des entreprises en termes de "districts industriels"; et l'étude des interactions des marchés avec les médias et l'Etat (transfert de catégories culturelles, réglementations institutionnelles)During the 1990s new areas have become "in fashion" in Athens, attracting bars, taverns, theatres and galleries. This study explores the relation of this transformation - perceived by common sense as a process of "upgrade" of these areas and as a change in urban "lifestyle" - with the cultural markets. The approach adopted permits to expose the different milieus of cultural producers, their interpenetration and their meeting with the urban politics, which are the conditions of the change of the areas as well as of the construction of the cultural market supply. The main axes of this study are : a typology of entrepreneurs based on theirs careers (reconverted consumers, professionals of the cultural economy changing speciality, established entrepreneurs); the analysis of the spatial concentration of enterprises as "industrial districts"; and the examination of the interaction between markets, medias and State (transfer of cultural categories, institutional regulations)
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Charlot, Vincent. "Les spectacles sportifs professionnels et leurs public : l'exemple de la "configuration" paloise : L'élan béarnais Pau-Orthez (Basket-ball masculin, la section paloise Rugby (Rugby à XV) et le Tarbes Gespe Bigorre (Basket-ball féminin)." Toulouse 3, 2006. http://www.theses.fr/2006TOU30108.
Abstract:
L’espace géographique regroupant les villes de Pau (France – Dpt 64) et Tarbes (France – Dpt 65), distantes d’une trentaine de kilomètres, abrite trois clubs sportifs professionnels évoluant au plus haut niveau de pratique : l’Elan Béarnais Pau-Orthez (basket-ball masculin), la Section Paloise (rugby à XV) et le Tarbes Gespe Bigorre (basket-ball féminin). Les trajectoires historiques des deux disciplines et la place qu’elles occupent dans les espaces des sports régionaux, nationaux et internationaux construisent des rapports fondamentalement différent à l’égard du processus d’internationalisation et de professionnalisation du spectacle sportif. L’analyse comparative des publics mais également du mode de fonctionnement interne de ces trois clubs permet d’appréhender la dynamique locale ou régionale en matière de spectacles sportifs professionnelsThree top level professional sports teams are to be found in Pau (France) and Tarbes (France), cities only separated from thirty kilometers: the Elan Béarnais (male basketball), the Tarbes Gespe Bigorre (female basketball) and the Section Paloise (15-a-side rugby). Their respective historical paths and the place they occupy in all regional, national and international sports have led to the building of totally different relationships with the process of internationalizing and professionalizing spectator sport. Through both a comparison of the fans and the internal working of each club, one can apprehend the consequences of the globalization of spectator sport on local and regional dynamics
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Lapointe, Marie-Claude. "Étude communicationnelle des pratiques culturelles au Québec : analyses des enquêtes ministérielles (1979-2009) : facteurs et prédicteurs, générations et cycles de vie, et découpages territoriaux." Doctoral thesis, Université Laval, 2016. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26915.
Abstract:
Cette thèse porte sur les pratiques culturelles des Québécois et des Québécoises et, plus spécifiquement dans un premier temps, sur les facteurs qui les influencent. Elle traite ensuite des comparaisons entre les individus selon les générations et les cycles de vie. Finalement, elle porte sur les découpages territoriaux régionaux sur le plan des pratiques culturelles et sur les questions liées au territoire. Tous les résultats sont tirés des enquêtes sur les pratiques culturelles au Québec menées à tous les cinq ans depuis 1979 par les ministères en charge de la culture. Les deux principaux référents théoriques sont la théorie de la légitimité de Bourdieu et la figure de l’omnivore de Peterson. Dans la première partie, cette thèse a cherché à savoir si les usages d’Internet sont associés à une ouverture culturelle ou à un confinement. Les résultats montrent que l’âge, la scolarité et les usages culturels que l’on fait d’Internet sont des prédicteurs importants des visites des lieux culturels et des sorties au spectacle. Les modèles qui incluent les usages d’Internet et des variables sociodémographiques sont plus performants que ceux ne considérant que ces dernières. Dans la deuxième partie, les quasi-cohortes à l’étude ont été comparées afin de voir si leurs comportements culturels diffèrent selon les cycles de vie et si leur parcours culturel a varié dans le temps. Finalement, la diversification des pratiques des quasi-cohortes a été étudiée afin d’estimer si elles deviennent plus omnivores avec le temps et d’une quasi-cohorte à l’autre. Le modèle explicatif créé affiche des différences dans le parcours culturel selon les cycles de vie, de même qu’au fil du temps. Il met également en lumière des différences d’une génération à l’autre, de même que des différences entre les générations lorsqu’elles traversent un même cycle de vie. À la différence de ceux de Peterson (2004), les résultats ne permettent pas de conclure que les quasi-cohortes plus âgées sont plus omnivores qu’avant ni que les jeunes sont plus omnivores que leurs aînés. La troisième partie de ce travail avait un objectif comparatif : il s’agissait de voir si les régions administratives du Québec, lorsqu’elles sont étudiées sous l’angle des pratiques culturelles, se regroupent conformément à la typologie des espaces culturels régionaux développée par Harvey et Fortin (1995) sur la base de l’offre culturelle. Les résultats montrent que les regroupements ne sont pas toujours conformes à la typologie et que les pratiques sont très hétérogènes, ce qui permet difficilement d’établir une constance dans les regroupements. Aussi semble-t-il indiqué de fonder la comparaison des territoires sur la prise en compte de l’objet (p. ex. offre ou pratique culturelle), de l’échelle territoriale (p. ex. bibliothèque municipale ou musée national) et de la nature du produit ou de la pratique (p. ex. mobile ou immobile). En conclusion, la pertinence d’élargir l’horizon des pratiques culturelles mesurées dans les enquêtes et d’y inclure des phénomènes transcendants, comme les valeurs, les contraintes et la motivation a été remise en question. À titre d’exemple, l’étude de la motivation pourrait permettre de préciser la figure de l’omnivore au Québec. Il est également apparu pertinent de poursuivre la réflexion en étudiant la manière dont les pratiques culturelles sont consommées afin de voir si, et comment, le cas échéant, s’opère la distinction.This thesis focuses on the cultural practices of the Québécois, more specifically, to begin with, on its influencing factors. It then looks at comparisons between individuals based on generations and life history. To conclude, it examines territorial and regional division in terms of cultural practices and issues related to territory. All the findings come from surveys on cultural practices in Quebec conducted every five years since 1979 by departments of cultural affairs. The two main theoretical references are Bourdieu's theory of legitimacy and Peterson's omnivore thesis. In the opening section, the thesis explores whether Internet use is connected to cultural openness or isolation. The findings demonstrate that age, education and the use of the Internet for cultural purposes are strong predictors of visits to cultural venues and outings to shows. The models that include Internet use and sociodemographic variables are more efficient than those focusing solely on the latter. In the second part, the study's quasi-cohorts were compared to see if their cultural behaviours changed according to life history and whether their cultural path varied over time. In conclusion, the diversification of the quasi-cohorts' practices was examined to estimate whether or not they became more omnivorous with time and from one quasi-cohort to another. The explanatory model displays the differences in cultural paths based on life history, and over time. It also brings to light the differences from one generation to another, as well as the differences between generations sharing the same life history. These results, unlike Peterson's (2004), do not conclusively show that older quasi-cohorts are more omnivorous than before nor that young people are more omnivorous than their elders. The objective of the third section of this work was to see whether Quebec's administrative regions, when studied from the angle of cultural practices, are divided according to the classification of regional cultural spaces developed by Harvey and Fortin (1995) based on cultural offering. The findings show that groupings do not always fall within the classification and that practices are very heterogeneous, which makes establishing consistency within the groupings difficult. Therefore, when comparing the territories, it seems appropriate to account for the object (e.g., cultural offering or practice), the territorial scale (e.g., municipal library or national museum) and the nature of the product or practice (e.g., mobile or stationary). In conclusion, the relevance of expanding the cultural practices measured in the survey and including overriding phenomena such as values, constraints and motivation was called into question. For example, a study of motivation could clarify the omnivore pattern in Quebec. It also seems relevant to continue the reflection by studying how cultural practices are consumed, in order to see if, and how, the distinction is made.