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Dissertations / Theses on the topic 'Typologie (Psychologie) dans l'art'
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Nikolić, Mila. "L'inconscient, psychanalyse et psychologie de l'art (le rôle de l'inconscient dans les théories de la psychologie contemporaine)." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010570.
Full text
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Dupuis, Pascal. "Ego, lutte, image." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010639.
Full textAbstract:
"ego, lutte, image" se propose de questionner l'univers de l'art applique defini comme l'ensemble des pratiques ou se trouvent confrontes texte et image ; ensemble dont les produits concrets sont par exemple l'affiche, la couverture de livre, l'illustration de presse. Nous poserons la question, dans l'art applique, de l'image figurative. Quelle est la fonction, la situation culturelle de cette image ? quelle est la nature de ce qui laz lie au texte ? quels sont les mecanismes de son interaction avec le texte ? mais d'abord quels outils conceptuels faut-il se donner pour explorer l'art applique et mettre ainsi en perspective le statut de l'image figurative ?
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Violin-Savalle, Maryse. "Images croisées de la femme romantique à travers la littérature et la peinture, en France, de 1765 à 1833 : esquisse, genèse et développement d'une typologie imaginaire." Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1997PA030065.
Full textAbstract:
Cette recherche a pour objet d'etudier a la fois les personnages feminins d'oeuvres de la litterature francaise de 1765 a 1833 et les figures feminines de tableaux d'histoire ou de scenes de genre a la meme epoque, de les confronter, de les mettre en relation, afin de tenter de degager leurs caracteristiques communes et d'esquisser, si possible, la typologie d'une image feminine romantique, de definir sa place et de montrer son importance dans l'imaginaire des artistes et des ecrivains d'alors, ainsi que l'originalite de cette femme revee en regard des epoques qui precedent et qui suiventThe object of this research work is to study feminine characters in french literature and figures in history or genre painting between 1765 and 1833 ; it compares and links them together so that their common specific features are brought out in order to define a romantic woman type, its significance in artists' and writers' imagination of that period, as well as the originality of this dreamed woman if compared to feminine images in previous and following centuries
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Parfait, Françoise. "Le vidéographique, espace de la disparition : le blockhaus en tuiles romaines." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010656.
Full textAbstract:
Il était là, nous ne le voyions plus. . . Cet essai se propose de construire un objet artistique à partir d'un objet de mémoire, un souvenir dont sont deployées les dimensions temporelles et plastiques. La figure principale de ce souvenir est une figure de disparition, portée par un objet ayant disparu de la visibilité : un blockhaus particulier situe sur le bassin d'Arcachon, qui s'est peu à peu enfoncé sous l'eau pendant le temps de l'enfance. Le caractère autobiographique du projet ouvre des questions liées aux temporalités et aux conditions de visibilité en jeu dans le travail d'anamnèse ; ces questions sont posées aussi bien dans l'espace de l'écriture qu'avec l'outil technologique vidéographique. Celui-ci est envisagé par rapport à sa nature même disparaissante, tant au niveau historique et esthétique, que technique. Il opère une dématerialisation du réel mais en suggère néanmoins les virtualités : il est ainsi considéré comme l'outil le plus à même de rendre compte du phénomène de disparition, et des processus propres à la mémoire. Les contours du blockhaus en tuiles romaines disparaissant se dessinent sur le fond du déploiement de sa remémoration, appelant elle-même d'autres souvenirs : une expérience de caméra obscura et l'évènement d'un sauvetage. Ils se dégagent également de rencontres avec des objets artistiques en relation de similitude avec eux. Ainsi émergent peu à peu les traits plastiques du blockhaus, l'inclinaison et la fluidité, l'habitabilité et le devenir entropique, le proche et le lointain, l'effet de surface et l'enfoncement, la profondeur mnésique, l'épuisement de son image. Ces traits prennent forme dans des propositions vidéographiques décrites et commentées dans le texte. L'ensemble de la recherche est construit sur le modèle d'un puzzle dont chaque pièce, en se juxtaposant à d'autres, fait apparaître une image possible d'un objet disparu, d'un réel évanoui. Construction d'un objet artistique par un travail de reconstruction de la mémoire, sous les aspects d'images vidéographiques : trois actions liées par l'identité des processus qui les sous-tendentIt was there, we could not see it any more. . . This work aims at constructing an artistic object with an object of memory as its starting point. A memory whose temporal and plastic dimensions are unfurled. The main figure in this memory is one of disappearance, supported by an object which is no longer visible : a specific bunker located on the bassin d'arcachon, in the south-west of france. This bunker gradually sank under the water during the time of my childhood. The autobiographical aspect of the work raises questions linked to temporalities and to conditions of visibility involved in the process of anamnesis ; these issues are raised within the written work as well as through the videographic tool itself. The very nature of the medium involves disappearance, from the historical, aesthetic, and technical points of view. It causes reality to undergo a process of dematerialization and yet at the same time suggests its virtualities : thus it appears as the most suitable tool to account for the phenomenon of disappearance and the processes that are involved in memory. The outlines of the disappearance of the bunker with roman tiles are drawn against the background of the unfolding of its remembrance, which itself calls upon other memories : an experience of camera obscura and an event : a rescue. These outlines also emerge from meetings with art works that bear with them a relationship of similarity. Thus we see the gradual emergence of the plastic features of the bunker: its tilt and fluidity, its inhabitability and its entropic fate ; the close and the remote, an effect of surface and the sinking, the mnesic depth, the exhaustion of its image. These features are shaped as videographic proposals that are described and commented upon in the text. The research work as a whole is built like a jigsaw, every piece of which, juxtaposed with others, reveals a possible representation of an object that has disappeared and a vanished reality. An artistic object built through a reconstruction of memory, seen as videographic pictures : three practices linked by the similarity of the processes that underlie them
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Lee, Jiyeon. "Typologie et analytique des espaces dans la peinture européenne de la Renaissance." Thesis, Strasbourg, 2014. http://www.theses.fr/2014STRAG003/document.
Full textAbstract:
Le but de cette thèse est d’examiner comment les artistes de la Renaissance, dits humanistes, ont proposé des interprétations nouvelles de la vision du monde au moment où les découvertes récentes de la cosmologie ont lieu, et également dans quelle mesure la force suggestive des images va de pair avec les conceptions de l’univers, lequel est d’ailleurs considéré par E. Panofsky, historiquement et logiquement comme la première œuvre d’art et le prototype de toutes. C’est pourquoi il importe de reconstituer, sous l’angle d’un certain prisme spéculatif, les fluctuations de la configuration spatiale dans les peintures de la Renaissance européennesThe aim of this study is to examine how the artists of the Renaissance, known as the humanists, have proposed some news interpretations of the vision of the world when the recent discoveries oh the cosmology have happened, and equally how much the suggestive force of images go hand in hand with the conceptions of the universe, which is moreover considered by E. Panofsky, historically and logically as the primary work of art and the prototype of all. It is therefore important to reconstitute, in terms of a certain speculative prism, the fluctuations of the spatial configuration in artistic picture of the European Renaissance
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Baiti, Mona al. "L'altérité intime et l'installation nomade dans l'art contemporain." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010670.
Full textAbstract:
La thèse intitulée: L'altérité intime et l'installation nomade dans l'art contemporain, interroge les notions d'altérité intime (Marc Augé), de nomadisme, et d'installation par la pratique du dessin, de la peinture, du collage, de la photographie et de l'installation. Née de la double culture orientale et occidentale, la recherche tente d'éprouver l'hypothèse suivante: l'artiste nomade, à travers ses déracinements successifs, d'exil en exil, crée-t-elle une œuvre tournée vers l'autre, échappant ainsi aux interdits sociaux ? Dès lors, elle questionne les tabous de la société omanaise ainsi que sa trace laissée sur les femmes et sur leur éducation. La thèse s'articule autour de trois chapitres: I-L'intime larvée et exhumée, II-La relation intime entre le visage et le masque, III-L'installation des carnets intimes ou la chambre d'attente. La création y prend la forme d'une langue intime nourrie notamment des écrits théoriques de Gaston Bachelard, Jean-Pierre Vernant, Roland Barthes, Maurice Merleau-Ponty et d'Eliane Chiron. L'analyse des œuvres de Lénir de Miranda, Louise Bourgeois, Niki de Saint Phalle, Gillian Wearing, cherche à rendre compte de la place de l'artiste dans le monde contemporain. Face à un habitat qui se déplace, et par le récit de nombreux voyages entre orient et occident, il s'agit de trouver le lieu où tout s'origine. On aboutit à la thèse suivante: Paradoxalement, c'est dans le contournement et la transgression des interdits sociaux que l'artiste puise sa force et son énergie créatrice.
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Wang, Juei-Ting. "L'hybridation des genres dans l'oeuvre de Diego Velázquez : un regard croisé sur la typologie des mélanges dans la peinture espagnole à l'époque moderne." Thesis, Paris 1, 2020. http://www.theses.fr/2020PA01H001.
Full textAbstract:
Cette présente thèse met en question l’hybridation des genres dans l’œuvre de Diego Velázquez. La définition du genre telle qu’elle apparaît dans les traités espagnols de l’époque présente de fortes analogies avec celle des autres écoles européennes de l’époque moderne, elle procède de la même logique héritée de la même étymologie antique. Mais le caractère intrinsèque du genre n’empêche pas pour autant de constater certaines ambiguïtés, à savoir que la constance des genres picturaux paraît toujours plus faible que le brouillage de ces derniers. Ce phénomène renvoie aussi au problème de la hiérarchie des genres et de leurs déplacements, voire leurs transgressions. Les discours à propos du genre et de leurs distinctions hiérarchisées depuis l’Antiquité ont commencé par une antinomie entre la tragédie et la comédie. Dès lors, on peut considérer la dichotomie générale comme à l’origine de la distinction hiérarchisée du genre pour la littérature, le théâtre ou la peinture de notre époque ciblée. Dans les œuvres de Diego Velázquez, nombreux sont les exemples où l’on observe simultanément les éléments de plusieurs genres dans une œuvre. Notre étude s’articulera autour des typologies de mélanges sur la base de trois genres phénoménaux en Espagne moderne qui apparaissent dans l’œuvre du peintre espagnol. L’antinomie que l’on décèle au début de sa carrière, entre « bodegones » et certaines scènes religieuses, se manifeste dans Le Christ dans la maison de Marthe et Marie ou La Cène d’Emmaüs. Ensuite, certaines œuvres doivent s’envisager sous le prisme de la peinture mythologique décrivant les dieux antiques comme de « faux dieux » qui se mélangent ou s’incarnent avec des figures vulgaires : Bacchus, La forge de Vulcain, Vénus à son miroir, Le repos de Mars, ou même Vue du jardin de la Villa Médicis. Enfin, d’autres œuvres s’inscrivent dans le portrait de groupe royal : Les Fileuses et Les Ménines. En fin de compte, le trésor de la rhétorique antique par rapport à la notion de « satura » nous fournit les pistes méthodologiques permettant d’articuler notre propos, à savoir l’hybridation des genres associée à la manifestation de Velázquez. Finalement, lorsque l’on examine ses typologies de l’hybridation des genres, il ressort que celle-ci renvoie à des problématiques qui n’ont été que relativement peu développées des genres picturaux à l’époque moderneNo English summary available
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Baldo, Mary. "Le nu et l'érotisme dans l'art indien : approche esthétique d'un dévoilement." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010545.
Full textAbstract:
Le dévoilement esthétique de l'Inde des années 2000 a un double écho; historique, dans une tradition érotique disparue, et social dans une « révolution sexuelle» qui serait en marche. Le Kâma sûtra, le Tantra, la sculpture médiévale, le Yoga, la loi, la santé, le cinéma, les médias et les arts actuels inspirent une étude de la morale et de l'imaginaire érotique indiens qui révèle le puritanisme de la jeune nation. Avec le changement libéral, la morale puritaine est simultanément attaquée par les audaces médiatiques et les transgressions artistiques. Cette simultanéité révèle les paradoxes du dévoilement: la nudité et le sexe servent l'art dans son entreprise de libération du corps, du sexe et des femmes, en même temps qu'ils servent le plan de communication du modèle marchand. L'art des sociétés occidentales a imposé sa différence avec une stratégie de l'extrême consistant à dévoiler toujours plus. Chez les artistes indiens, la surenchère transgressive et l'idéal de transparence s'arrêtent (encore) aux portes de l'érotisme.
9
Kim, Souhyeun. "La notion de déplacement dans le surréalisme et dans la performance." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010616.
Full textAbstract:
L'esprit nouveau d'Apollinaire met l'accent sur l'effet de surprise, de choc et d'inattendu qu'a provoqué la naissance des tendances nouvelles fondées essentiellement sur la notion de déplacement. Également, l'humour d’Alfred Jarry (théâtre), Pierre Reverdy (poésie), Braque (collage) et l'esprit de Lautréamont inspirent directement les surréalistes qui représentent la rupture de tous les systèmes conventionnels. Leur point commun réside dans leur désir de parvenir à la libération de l'imagination, l'idée centrale des surréalistes. S'appuyant sur ces tendances, Breton invente le surréalisme, reliant déplacement et automatisme qui intègrent dans la réalité le monde caché découvert par Freud, celui de l'inconscient : les surréalistes élargissent la réalité au monde du rêve. C'est ce qu'on appellera la nouvelle réalité ou surréalité, conduisant à la liberté totale, expression de la satisfaction du désir qui valorise le déplacement. Ici, nous trouvons le point commun entre le surréalisme et la performance qui vise également à révéler un monde caché, inconscient, refoulé. Cette méthode induit une rupture et permet une richesse menant à la pluridisciplinarité. A travers l'union de la peinture, de la musique et de la danse, le surréalisme inaugure l'interaction entre genres différents. Ce premier mode de déplacement permet une recherche de nouvelles sensations. De ce point de vue, nous choisissons de Chirico, Magritte et Cornell comme les représentants du déplacement chez les surréalistes, Cage aux États-Unis et Klein en Europe pour les artistes de la performance, avant de nous arrêter sur une artiste contemporaine.
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Chouba, Skhiri Faten. "L'art comme emballage : oscillation entre invagination et évagination." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010653.
Full textAbstract:
De l'emballage il est difficile de parler rigoureusement. C'est un concept dans un état de devenir et n'est jamais accompli, il est saisi dans l'entrecroisement de niveaux différents. Comme épaisseur, feuilletage, interpénétration des couches, interférence des strates, il se situe au terme d'un parcours fait d'emboitements successifs. Au-delà de la disparité des productions, l'emballage étale une logique interne fondée sur le principe de retournement qui permet de rebrousser chemin et de confronter des concepts contradictoires. C'est une analyse d'un rapport surface-profondeur, où peuvent se jouer toutes les ambivalences des relations inversées, entre invagination/évagination, dedans/dehors, contenant/contenu, éphémère/durable, présent/passé, féminin/masculin, mort/naissance, vide/plein, remède/poison, etc. Une esthétique de la superficialité qui nécessite un regard qui sillonne, taillé et entamé comme pour extraire une substance. Il s'agit d'une exploration complexe du visible, d'un voyage dans l'intimité d'une surface. Installé dans un milieu naturel, l'emballage questionne les habitudes de vision. Il s'insère dans son environnement selon une relation de contenance par adhérence. Son interprétation dépend essentiellement de son lieu d'implantation qui constitue à chaque fois son véritable contenu. En apparence, tout cela relève sans aucun doute d'une stratégie typiquement moderne. Mais au fond, c'est un art qui marche à contre sens de son destin perceptuel, il procède par exhumation archéologique. Une profondeur mythique affleure la réalité du visible, révélant des signes à interpréter et des secrets à explorer.
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Hong, Sunmi. "L' ombre de la Mère : un enjeu essentiel de la création de l'image dans la peinture." Aix-Marseille 1, 2010. http://www.theses.fr/2010AIX10111.
Full textAbstract:
A partir de la vision du psychanalyste qui recherche toute origine dans l'enfance et la famille qui sont un endroit de l'expérience inconsciente et traumatique de l'objet du premier amour pour la mère et la sœur étant irremplaçable, la démarche de cette étude qui regroupe les éléments du désir des peintres cherche par la théorie de la psychanalyse, à éclairer le processus de la séance de psychanalyse sur le divan, pour connaître la raison, le phénomène et le résultat de la création. Nous sommes attirés par la coexistence de la fragilité et de la sensation de force, émanant des tableaux de Henri De Toulouse-Lautrec et d'Edvard Munch. A travers cela, nous recherchons les images des intimités cachées des peintres des problématiques inconscientes qui les traversaient. Ils sont tous les deux porteurs de certains drames familiaux et intimes. Bien sûr leurs œuvres sont traversées de l'esprit de leur temps, mais l'objet perdu, expérience commune à tout humain, est au centre de la création. Chez Toulouse-Lautrec, les hommes sont le contraire des femmes dans l’œuvre, ils sont arrogants à l'instar du père : analyse-t-il l'injustice du rapport entre l'homme – le maître – et son objet ? A tel point qu'il s'identifie plus aux femmes qu'aux hommes. Pour Toulouse-Lautrec, cette identification le pousse vers une nouvelle créativité. Quant à Edvard Munch, il peignit les effets des rencontres qui ont jalonné sa vie. Le détail fut chronologique, à la manière d'une journal intime. La mort fut le thème de prédilection de l’œuvre, le peintre ayant vécu avec ses morts. C'est aussi l'angoisse ressentie face à la perte de l'objet amour. Pour lui, l'art était un champ de rencontre avec l'objet perdu. Nous apprenons que les deux peintres tentent de figurer leur objet de désir qui est aussi bien de façon réelle, l'objet perdu. Pour eux, l'art était « une manière de confession thérapeutique ». L'art est donc une auto thérapie, ou du moins une tentative de se défaire de l'angoisse. Pour autant la sublimation est en échec, dans le sens où l'art est un fil qui lie ces deux peintres à leur objet, sans effectuer une séparation, il comporte une sorte d'érotisation de l'absence.
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Melo, Saint-Cyr Bravo Viviana. "Architecture et psychanalyse : l'art de bâtir dans la théorie lacanienne de la sublimation." Paris 8, 2009. http://octaviana.fr/document/163838364#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Full textAbstract:
Dans le champ de la psychanalyse, le concept de sublimation pose problème. Notre recherche se sert de l’architecture afin de saisir la formule lacanienne la plus élaborée de ce concept : la sublimation « élève un objet à la dignité de la Chose ». La question que cette définition pose est celle de la possibilité d’un rapprochement symbolique du réel au moyen de l’imaginaire. Die Sublimierung reste, pour S. Freud, une énigme. J. Lacan la transforme en paradoxe. Notre étude examine et rend compte de ce paradoxe. L’hypothèse de départ est qu’il existe deux temps logiques de la sublimation : un temps zéro, que nous rapportons à la création ex-nihilo du Vide, et le temps un, l’élévation d’un objet à la dignité de la Chose, que nous rapportons à l’illusion de l’espace. Tout en passant par l’apologue du vase, les ready-mades de Duchamp, la poésie de l’amour courtois, les anamorphoses, l’Annonciation italienne, le dessin de l’Arche d’Hugues de Saint-Victor, les images miraculeuses, l’architecture d’Eupalinos, l’architecture théorisée aussi bien par Vitruve que par les architectes de la Renaissance italienne et l’architecture gothique, notre étude aspire à contribuer au champ de l’art appliqué à la psychanalyse. Le texte est divisé en quatre parties dont les deux premières portent sur l’aspect proprement théorique des trois éléments de la formule lacanienne de la sublimation, l’élévation, un objet, la Chose, et les deux dernières sur les arts que nous lui appliquons, la peinture et l’architecture. Nous tentons de démontrer que cette dernière nous aide à dégager et à problématiser la logique de la sublimation : l’ART-chitecture frôle le réel de la Chose tout en nous mettant en rapport avec notre propre vide en tant que sujets du désirIn the field of psychoanalysis, the concept of sublimation acts as a problem. In this thesis, we use architecture to comprehend J. Lacan’s most elaborate definition: sublimation « elevates an objet to the dignity of the Thing ». This definition raises the question of the possibility of a relationship between the real and the symbolic through the imaginary. Die Sublimierung is, for S. Freud, an enigma; J. Lacan changes this into a paradox. In our study, we examine and develop this paradox. The main hypothesis is that there are two logical times of sublimation: the “time zero”, which we link to the creation ex-nihilo of the Void, and the “time one”, which is the elevation of an objet to the dignity of the Thing, that we then link to the illusion of space. Our research strives to contribute to the field of art as applied to psychoanalysis in the following ways: the apologue of the vase, the ready-mades of Duchamp, the poetry of courtly love, the anamorphoses, the Italien Annonciation, the drawing of the « Ark » of Hugues de Saint-Victor, miraculous images, Eupalino’s architecture, the Vitruvian theory of architecture and the architects of the Renaissance and gothic architecture. This thesis is divided into four parts, of which the first two ones concentrate on the theoretical aspect of the three elements of the Lacanian formula of sublimation, and of which the last two ones concentrate on the arts applied to this formula: painting and architecture. We attempt to prove that the latter helps us to extract and analyse the logic of sublimation: ART-chitecture meets the real of the Thing and at the same time it make us have a relationship with our own Void as subjects of desire
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Franceschi, Élisabeth de. "Pulsion de mort et sublimation : la création littéraire et artistique." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040085.
Full textAbstract:
Ce travail etudie l'incidence de la pulsion de mort sur la sublimation, et plus particulierement son role dans l'acte createur et dans l'esthetique, dans la creation du beau. Les domaines d'exploration : la litterature, la musique, les arts plastiques. La methode d'analyse : la psychanalyse. Une premiere partie plus specifiquement theorique s'interesse au concept de pulsion de mort, et a son rapport avec la sublimation (symbolisee par le personnage d'osiris) et la creation (incarnee par orphee). Puis on examine la "passion" subie par le sujet createur au cours de son acte propre : mise a mort du moi, absence a soi, metamorphose du sujet, mort et transfiguration du createur ; un chapitre est alors consacre a la psychose et a la source de la creativite. La disparition, le desir de rien, peuvent apparaitre comme la "fin" de l'oeuvre et du createur. Enfin l'on s'attache a la "passion" que le createur inflige a l'objet (l'objet princeps dont la modification ou la metamorphose produit l'objet cree, l'oeuvre), et a ses consequences, les differentes "releves" (aufhebung) possibles apres le "meurtre" ou la corrosion inevitable subis par l'objet : resurrection, incarnation fictive, transfiguration ou enfin aphanisis de l'objet dans le rien ou dans l'abstraction. Les exemples choisis vont de l'antiquite (la bible, platon, euripide, le mythe d'helene) a aujourd7hui (pierre jean jouve, les peintres abstraits) en passant par montaigne, mozart, kafka, clarice lispectorThe aim of this research is to study the impact of death instinct on sublimation, particularly its influence on the act of artistic creation ; the fields of exploration are literature, music, plastic arts ; the method of investigation is psychoanalytical. The first part is focalized on the concept of death instinct in psychoanalytical theory, referring to sublimation (symbolized by osiris) and creation (symbolized by orpheus) ; then the "passion" suffered by the subject (the creator) during his proper act is examined : death or absence of the ego, metamorphosis, transfiguration of the creator ; one chapter in devoted to psychosis and the root of sublimation. The vanishing, the desire of nothing, can be considered as the end (termination or aim) of the creation and of the creator. Finally occurs the study of the passion inflicted by the creator to the object (the original object, the modification or the metamorphosis of products the created object - the work of art) and of its consequences : the various kinds of relief (aufhebung) after the "murder" or the normal corrosion of the object - resurrection, fictitious incarnation, transfiguration and vanishing in the nothing or in the abstraction. The example were chosen as well in ancient times (the bible, plato, the myth of helen) as in nowadays (pierre jean jouve, abstract painters)
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Raimondo, Alexia. "La représentation des prophètes dans le Midi de la France (1000-1250)." Toulouse 2, 2008. http://www.theses.fr/2008TOU20086.
Full textAbstract:
L'étude de la représentation des prophètes dans le Midi de la France entre l'an mil et 1250 répond à la nécessité de mener une recherche inédite. Les travaux réalisés jusqu'ici n'ont uniquement concerné la période paléochrétienne ou l'art gothique septentrional et les figurations des prophètes dans l'expression si créative de l'art roman méridional n'ont jamais suscité de réel intérêt. L'analyse iconographique est construite en trois temps. Elle se concentre tout d'abord sur l'étude des images antérieures à l'an mil, afin de saisir les origines des représentations des prophètes et les raisons de leurs figurations. Mais aussi afin d'évaluer si les images romanes sont la traduction de schémas existants ou répondent à une volonté d'innovation et de création. Puis l'analyse est menée à travers la considération des prophètes dans les écrits exégétiques et les réflexions du milieu intellectuel et clérical qui a souvent influencé l'iconographie. De même il a fallu considérer les manifestations du théâtre religieux qui a pu offrir parfois la mise en scène de défilés de prophètes, les ordines prophetarum. Enfin, les images du corpus sont étudiées dans une perspective purement formelle, mais également à travers l'analyse des différents programmes iconographiques qui les entourent, permettant ainsi de dégager les multiples symboliques dont ces représentations peuvent se chargerThe prophets representation in South of France between 1000 and 1250 has never been studied before. The previous works on this matter have solely concerned the first Christian Art period or Northern Gothic Art. Despite the creative art of the romanesque art in South of France prophets images have barely drawn interest. The iconographic analysis is made of three parts. It firstly focuses on the study of images prior to one thousand, in order to establish the origins and the reasons of these prophets representations. It is also necessary to evaluate if these romanesque pictures are the translation of existing schemes, or the consequence of a creative desire. Then the analysis focuses on exegetics writings and thoughts of clerical and intellectual circles which have often influenced iconography. Furthermore it was necessary to analyse representation of the religious theatre which sometimes contains prophets processions, ordines prophetarum. Finally, corpus images are studied from a formal standpoint and also through the analysis of different iconographic programs that surround the prophets representations, allowing to express multiple symbols that are contained in these pictures
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Toma, Yann. "En cas d'oubli, prière d'en faire part : plasticité et mémoire collective." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010655.
Full textAbstract:
Le travail de recherche développé dans cette thèse articule une réflexion théorique autour d'une création artistique personnelle qui met en jeu l'oeuvre et le spectateur au sein d'un même espace. Il s'interroge sur les rapports qui peuvent s'établir entre l'acte artistique et l'événement de sa réception chez l'Autre. Une ancienne structure de production d'électricité, l'usine Ouest-Lumière, est ici l'objet d'un investissement théorique et artistique. Elle est le lieu où se joue la rencontre entre la notion de plasticité et celle de mémoire collective. L'évolution de son statut juridique et social, passage d'une entité détruite à la réactivation d'une compagnie, permet de déployer une réflexion transversale à finalités utopiques et de s'intéresser, dans une optique de recherche-création, à des domaines comme l'économie, l 'histoire, les sciences, etc. La recherche passe par trois phases: la phase de résurgence rappelle l' origine de l'Usine, son exposition forcée à la lumière post-moderne et le contexte économique et socio- politique dans lequel elle est appelée à refaire surface. Elle dresse un portrait succinct des usines utopiques, rappelle l'individu au devoir de mémoire et vise la notion de mémoire collective. Elle souligne la nécessité actuelle d'un engagement artistique au coeur de la société; la phase de réactivation nourrit une stratégie de reconquête d'une identité oubliée (acquisition symbolique d'un nom, création d'un nouveau conseil d'administration, reconstitution d'un patrimoine architectural). Une administration fictive s'instaure et applique implacablement sa tâche bureaucratique tout en favorisant les échanges avec d'autres administrations; la phase de faire-part rend compte des inepties de notre société. Elle prend à témoin des périodes délicates mais révélatrices. Face à une falsification du réel, elle s'emploie à modifier ses termes et à les transformer en processus d'identification de l'individu. Cette thèse pose la question de savoir en quoi, aujourd'hui, l'action du plasticien peut " rafraîchir " la mémoire du plus grand nombre et jouer le rôle d'un service public dans l'espace social. En cas d'oubli, prière d'en/aire part cherche à interpréter, du point de vue de la plasticité, les enjeux artistiques, politiques ou éthiques que pose le monde d'aujourd'hui et ceux que posera sans doute le monde de demain.
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Achour-Benallegue, Amel. "La relation d'agentivité avec les icones faciales sous la lumière des mécanismes de l'émotion incarnée : une approche de psychologie expérimentale au service d'une anthropologie de l'art." Thesis, Paris, EHESS, 2020. http://www.theses.fr/2020EHES0186.
Full textAbstract:
Cette thèse porte sur la relation avec les représentations de visage dans l'art (ex. portraits, bustes, masques,etc.), dénommées, ici, "les icones faciales". Cette relation est examinée à la lumière de l'émotion incarnée. L'hypothèse est que les icones faciales déclencheraient un mimétisme facial et une contagion émotionnelle de la même manière que les expressions faciales humaines. Cette thèse inscrit la problématique dans la théorie de l'agentivité de l'art d'Alfred Gell, suggérant que le mimétisme facial et la contagion émotionnelle sont des moyens cognitifs qui participeraient à l'abduction de l'agentivité des icones faciales. L'approche est interdisciplinaire, elle propose une hypothèse dans un cadre anthropologique, ensuite l'aborde suivant une méthodologie des sciences cognitives. Des études expérimentales (questionnaire, EMG, SAM) sont menées pour tester des parties de l'hypothèseThis thesis deals with the relationship with facial representations in art (e.g. portraits, busts, masks, etc.), referred to, here, as "facial icons". This relationship is examined in the light of embodied emotion. The hypothesis is that facial icons might trigger facial mimicry and emotional contagion in the same way as human facial expressions. This thesis places the issue within Alfred Gell's theory of art agency, suggesting that facial mimicry and emotional contagion are cognitive means that might participate in the abduction of the agency of facial icons. The approach is interdisciplinary, it proposes a hypothesis in an anthropological framework, then approaches it according to a methodology of cognitive sciences. Experimental studies (questionnaire, EMG, SAM) are conducted to test parts of the hypothesis
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Chenault, Marceau. "Etats de conscience du corps dans l'art traditionnel chinois du Qi Gong : approche de psychologie Phénomélogique." Orléans, 2008. http://www.theses.fr/2008ORLE2082.
Full textAbstract:
Cette étude a pour objet la transcription et l'analyse de l'expérience subjectivede pratiquants de Qi Gong, technique du corps de tradition chinoise. Son ancrage épistémologique se définit aux frontières de l'anthropologie et de la psychologie. Cette approche, enrichie d'une confrontation avec les apports théoriques de la neurophysiologie, se concentre sur le phénomènes subjectifs de conscience chez les pratiquants. Il s'agit de produire une description compréhensive du corps tel qu'il est vécu individuellement au sein de la culture traditionnelle Qi Gong. L'approche méthodologique propre à la psychologie phénoménologique permet d'analyser la perception des pratiquants lors d'états vécus dans des institutions de pratique. Les données ont été recueillies en France sur plusieurs années à partir d'un questionnaire distribué nationalement, de trois entretiens collectifs, de vingt entretiens individuels et d'observations participantes ethnographiques. L'étude aboutit à la définition de structures perceptives des états de conscience du corps : une structure temporelle, une structure extensive et une structure intensive. Ainsi, cette recherche contribue à enrichir des concepts susceptibles d'entretenir un dialogue fructueux enre connaissances scientifiques modernes et savoirs traditionnels chinois.
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Garnier, Violette. "La mémoire retrouvée : les peintres allemands nés pendant la Seconde Guerre mondiale à la recherche de leur identité." Paris 1, 1995. http://www.theses.fr/1995PA010544.
Full textAbstract:
De l'après-guerre aux années 70 : le travail sur le passé récent dans la peinture allemande; des premières tentatives (Grundig, Lachnit, Strempel. . . ) aux œuvres de jeunes peintres de la RFA (Baselitz, Lupertz, Kiefer. . . ) qui tentent, par un travail de deuil, de retrouver une identité artistique. En 1945, la création picturale renaissante cherche, au milieu des ruines spirituelles et matérielles, à constituer une mémoire. Mais l'instauration de la guerre froide, la nécessité de créer de nouveaux repères identitaires suscitent d'après débats sur le rôle de l'art et mènent, avec la création des 2 états, à la disparition d'un art de caractère allemand, la RFA se range du côté des valeurs occidentales et voit le triomphe de l'abstraction. Comment alors - dans la société "oublieuse" des années 60, dans un pays qui a "une méfiance insondable à l'égard d'images parlant de lui-même" - être un peintre "allemand" sinon par une descente dans l'histoire taboue du troisième reich. Un retour certes choquant, mais éprouvé comme nécessaire pour assumer le passéFrom the post-years until the 1670's: the work on the recent past in german painting; from tentative beginnings (Grundig, Lachnit, and Strempel. . . ) to the works of young G. F. R. Painters (Baselitz, Lupertz, and Kiefer. . . ) who attempted, through a work informed with sorrow, to find a new artistic identity. In 1945, a newborn pictorial creation tried, amidst the ruins of the spiritual and material worlds, to build up a memory. However the beginning of the cold war together with the need to create new landmarks of identity gave rise to bitter debate on the role of art and led, with the setting up of two separate states, to the disapperance of a single, characteristically germain, art. The G. F. R. Took the side of western values and witnessed the trimpl of abstraction. How then - in the "forgetful" society of the 60's, in a country having "an unfathomable distrust of images showing itself" - to be a "german painter" if not by descending into the taboos of the history of the third reich? This was doubtless a return held to be shocking, but felt to be necessary so that the past might be assumed
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Eléouet, Cécile. "La grille comme intersigne : recouvrement des corps et d'une parole perdue à partir de pratiques picturales éphémères." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010579.
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Visuelle, auditive, lisible, visible, voire invisible, la reminiscence, tel un dispositif plastico-sonore, s'avère être une invitation à un voyage d'eau et de sel - parcouru au fil du bleu outre-mer/mere - afin de recouvrer, en saupoudrant quelques poussières d'ombre, la parole perdue emportée par ahes. Elle se transforme ainsi, depuis l'infra vers le supra en passant par la marge, en un circuit (espace tropologique) psychanalytique empruntant alors les voies de la chimie, de l'alchimie, de la socio-ethnologie, de la poésie et, tel un intersigne, s'expose en un dépôt de corps aux confins d'un saule/sol natal (penn-ar-bed) dans le dessein de re-créer inlassablement, par le biais du lien, "l'instant-lieu" unissant dès lors l'en deça à l'au-delà. Du déluge au baptême, le bleu est une affaire de partance et de revenance. Ainsi, les larmes, paisiblement, s'écoulent-elles en toute humilité. Miscible recouvrance. . . D'un ailleurs, d'un message oublié sur une carte et dont le décryptage pourrait être simultanément révélé et dissimulé par une grille, à l'instar d'une mémoire individuelle et/ou collective. C'est qu'entre le songe et le mensonge, l'oeuvre, au fil de la légende contée, s'installe puis trépasse. Alors, du bout de l'errance, dans l'attente d'une parole, nous prenons l'ombre pour le corps et comblons le vide laissé par l'abandon, telle une nostalgie, quelque part en bordure d'un "vague à l'ame" indécis. Mais le bleu toujours revient. . . Entre séparation et agrégation, quelques empreintes, finalement, surgiront de la terre au rythme des voix de ceux qui marchent devant et la frontière bleue sera ainsi franchieAudio-visual, legible, visible, even invisible, the reminiscence, as a plasticosonorous composition, is after all an invitation to a "seas/tears" voyage through ultra-marine (blue) waters to recover the lost word - taken away by ahes - by sprinkling some shadowy dust. So, this composition, from the infra towards the supra - after a passage in the margin -, becomes a psychoanalytical tour using chemistry, alchemy, socio-ethnology and poetry. As an intersign, the reminiscence spreads its deposits of bodies on the borders of one's native soil (penn-ar-bed) in order to re-create, through the link, the "instant-place" uniting the inner and outer worlds. From deluge to the baptism, the blue is a matter of leaving and returning. Tears, peacefully, humbly run down. Miscible recovery. . . Of an another world, a forsaken message on a map, both revealed and hidden through a gate, like an individual and/or collective memory. Between the delusion and the illusion, the reminiscence lays itself down then passes away. From the end of the our wandering attitude, we try to fill the void that the loneliness, as a nostalgia, has left somewhere on the edge of an undecided vague melancholy. But always the blue returns. . . Between separation and agregation, some prints, finally, will spring suddenly from the earth punctuated by our forefathers' voices. And so the blue frontier will be crossed over
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Bazin, Pierre. "Travail de la forme et formations de l'inconscient dans les psychothérapies et dans la création artistique : recherches sur la thérapie des psychoses." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100109.
Full textAbstract:
A la suite de Freud, l'auteur admet que l'inconscient ne nous est connaissable que dans un matériau transforme par une opération psychique. Le résultat de cette transformation consiste en une inscription dans un système sémiotique donne : gestuel, iconique, linguistique, ou autre. L'étude des textes majeurs de Freud montre qu'il serait souhaitable de nommer "transversion" et non pas "traduction" le processus de transposition intersémiotique qu'on peut déceler dans le travail du rêve et dans celui de la création artistique. Partant d'une analogie supposée et montrée ici sur des exemples esthétiques entre le processus thérapeutique et la création en art, cette recherche vise à établir que ce procès de transversion dont le sujet constate les effets en raison de leur projection sur un écran, modifie, par rétroaction sur les contenus de pensée, l'inconscient qui était le matériau de base. Cette analyse du processus de penser, menée auprès d'enfants et d'adultes psychotiques (plus particulièrement deux jeunes femmes schizophrènes), permet de comprendre pourquoi le travail psychanalytique a un effet thérapeutique. L'analyse des transformations de contenu est naturellement conduite dans le cadre de l'interaction thérapeutique qui est modificatrice par l'interprétation (transversion linguistique). Cette perlaboration avec le thérapeute vient en contre-point de la translaboration spontanée : en reverbalisant le contenu inconscient refoule ou forclos, le schizophrène en vient à freiner sa pensée diffluente pour instaurer un langage de récit ou les "constructions à deux" en analyse jouent un rôle majeurFollowing Freud, the author acknowledges that the unconscious is cognizable to us only in a material transformation brought about by a psychic process. The result of this transformation consists of a record ("niederschrift") in a given semiotic system gestural, iconic, linguistic, or other. Study of Freud’s major texts shows that the process of intersemiotic transposition, which can be detected in dream-work and in pictorial creation, may be more aptly called "tranversion" than "translation". Starting with a supposed analogy, demonstrated here through esthetic examples between therapeutic process and artistic creation, this research aims to establish that the development of transversion, the outcomes of which are recognized by the subject on a projection screen, modifies the unconscious, which was the original material base, by retronction on the contents of thought. This analysis of the thinking process, undertaken with psychotic children and adults (more particularly, two young female schizophrenics), enables us to understand why psychoanalytical work has a therapeutic effect. The analysis of transformations of content is naturally undertaken within the framework of therapeutic interaction, in which interpretation (linguistic transversion) is the modifying factor. This working out with the therapist counterbalances the spontaneous working through : by changing the way the repressed or repudiated (verworfen) unconscious content is formulated, schizophrenic subjects tend to curb divergent thought in order to establish a narrative language in which "constructions in pairs" in analysis play a major part
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Pillaudin, Marine. "L'enfance dans l'art : espace transitionnel, transfiguration et transfert dans le dessin, la photographie et la vidéo." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010511.
Full textAbstract:
S'appuyant sur une pratique personnelle du dessin, du collage et de la photographie, cette thèse de poïétique explore le thème de l'enfance dans l'art. Conçue comme un " work in progress", elle part d'une recherche sur l'intimité du dessin afin de construire un regard singulier sur : l'exposition de photographies et de vidéographies témoignant de traumas d'enfants. Elle vérifie l'hypothèse selon laquelle l'artiste puise dans sa propre enfance et dans celle des autres afin de conquérir des territoires de créations ignorés, là où prend corps l'altérité intime. La première partie analyse notamment les œuvres de Louise Bourgeois, Mike Kelley et Rosemarie Trockel, pour comprendre comment leurs processus créateurs réactivent l'espace transitionnel et ses phénomènes en nous immergeant dans des souvenirs d'enfances perdus. Dans une deuxième partie, c'est la transfiguration et l'altération radicale des visages d'enfants photographiés par Diane Arbus, Lewis Hine, Sebastiâo Salgado, ou filmés par Gillian Wearing qui sont interrogées. La réflexion se poursuit autour d'enjeux esthétiques et politiques liés à l'utilisation de ces images par des artistes tels que Mathieu Pemot et Catherine Poncin. Enfin, la troisième partie est centrée sur l'œuvre de Gerhard Richter traitant du transfert en tant que processus permettant d'actualiser, par la répétition, les événements passés qui le hantent. Le faire-œuvre qui en témoigne fait corps, devenant ainsi capable de figer ces blessures. Notre thèse, c'est que l'expérience d'un« absorbement » total dans ces œuvres nous incluant et nous excluant simultanément permet à l'artiste et au regardeur de reconnaître l'histoire des autres en luiRelying on personal experience in drawing, collage and photography, this thesis on poiesis explores the subject of childhood in Art. Designed as a work in progress, it stems from the intimacy of drawing and aims at constructing a singular outlook from the display of photography and films depicting childhood trauma. It verifies the hypothesis stating that the artist peers into his own childhood and that of others in order to conquer creative fields hitherto ignored, at the threshold of the intimate other. The first section scrutinizes the works of Louis Bourgeois, Mike Kelley and Rosemarie Trockel striving to understand how their creative processes reactivate transitional space -and its associated phenomena- by immersing us in distant recollections of childhood. The second section questions the transfiguration and the dramatic alteration of children's faces filmed and photographed by Diane Arbus, Lewis Hine, Sebastiâo Salgado and Gillian Wearing. The thesis then pursues on to evaluate the aesthetic and political stakes bound to the use of these images by artists, the likes of Mathieu Pemot and Catherine Poncin. Ultimately, the third part is centred on the work of Gerhard Richter dealing with transfer as a means of resurfacing -through reiteration- past events that haunt him. The resulting product thus making it possible to set these wounds in stone. Mythesis is that the experience of total absorption/immersion in these works -simultaneously including and excluding us- makes it possible for the artist and the observer to acknowled e the narratives of ethers within themselves
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Rivière-Adonon, Aurélie. "L' iconographie des "Grands Yeux" dans la céramique attique de la période archaïque." Montpellier 3, 2008. http://www.theses.fr/2008MON30077.
Full textAbstract:
Entre 540 et 490 avant J. -C. , deux ‘Grands Yeux’ autour d’un nez, un personnage ou un objet apparaissent sur 2225 vases attiques. Leur sens a fait l’objet de nombreuses hypothèses : la prophylaxie, en se basant sur la coupe comme support le ‘vase-masque’, le ‘vase-visage’ ou miroir, jusqu’à ce que la prise en compte de leur diversité finisse par leur conférer une fonction purement ornementale. Pourtant, en considérant les valeurs de l’œil en Grèce ancienne et particulièrement son caractère actif, puis le fait que près d’un tiers des vases à yeux soient des kyathoi, des skyphoi, des mastoïds, des amphores, des cratères, des hydries, des oenochoés et des lécythes, les différentes thèses sont largement émoussées. D’abord, les jeux de contraste et de colorisation du motif l’insèrent parfaitement dans le climat expérimental des ateliers du Céramique de cette époque. Par ailleurs, les yeux se sont révélés être de véritables opérateurs, capables de structurer l’espace du vase, mais aussi de produire un effet particulier. Ils introduisent, valorisent, dissimulent ou révèlent. Principalement peints sur des vases liés à la consommation de vin du Symposion, ils accompagnent le buveur dans son cheminement vers l’ivresse et le poussent à expérimenter une émotion, qui peut-être conçue comme une liquéfaction ou un envol. Ainsi, avec les figures du satyre, de la ménade, de Dionysos et de Gorgô, les yeux préparent le buveur à la découverte de l’Autre en lui, à une transformation éphémère. Placés entre l’identité et l’altérité, le motif des yeux est symptomatique du bouleversement identitaire qui précède la naissance de la démocratie à AthènesBetween 540 and 490 B. -C. , two ‘Wide-Eyes’ around a nose, a figure or an object appear on 2225 attic vases. The search of their meanings gave us several theories: drunkenness prevention, established on cup as support the ‘mask-vase’, ‘the ‘face-vase’ or mirror, until theirs diversity just implicate an ornamental purely function. Though, as considering eye’s importance in ancient Greece and particularly his active nature, then the fact that approximately one third of the eyes-vases are kyathoi, skyphoi, mastoids, amphorae, craters, hydrias, oenochoes, and lekythoi, various thesis are largely blunt. First, contrasts and colourisations games of pattern insert perfectly in experimental background Keramic’s workshop during this period. Elsewhere, the eyes are revealed real operators, they are able to structure vase’s space, but also to product a particular impression. They insert, promote, hide or reveal. Mainly painted on vases connected with wine consumption during the Symposion, they escort drinker in his progression toward inebriation and lead him to experiment an emotion, is seen as liquefaction or a flight. Therefore, with the satyr figures, or maenad's, Dionysos's and Gorgô's, the eyes prepare the drinker to discover the Other in him, to feel ephemeral transformation. Located between identity and otherness, the eyes pattern is symptomatic of identity’s upheaval which precede the birth of Athens's democracy
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Go, Nicolas. "L'art comme pratique de la joie (l'exemple de la musique classique de l'Inde du nord)." Paris 10, 2001. http://www.theses.fr/2001PA100050.
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Tous nous connaissons la joie, mais nuancée par la conscience de notre finitude. L'idée d'une joie parfaite, dont Spinoza nous dit qu'elle est sagesse, apparaît le plus souvent suspecte. La seule sagesse que l'on accorde d'ordinaire, c'est la lucidité. Le sens, privilège de l'homme, est aussi paradoxalement son préjudice. Qui oserait en effet sans arrogance prétendre au bonheur? On peut bien s'arranger avec "les joies de l'existence", mais ce qui en revanche paraît plus problématique, c'est la possibilité singulière de la joie tant y fait obstacle l'existence de la violence et du mal. Pourtant, pensée comme affect et non plus simplement comme affection, elle se révèle fondatrice en ce qu'elle n'exige aucune cause extérieure, présence dans son rapport d'immédiateté à l'instant vécu, passage de la douleur à la sagesse, et puissance de conversion et d'action ; cette puissance s'offre à l'exercice d'une praxis, affirmatrice et créatrice, ayant comme terrain l'ensemble du réel, et la joie elle-même pour l'objet. Parce que la joie, recel énigmatique de la conscience, est irréductible au concept, elle impose d'examiner l'expérience : l'interrogation porte sur l'art, la demeure propre de l'affect, pour tenter de dégager sa relation privilégiée au sacré, au silence et au corps. En peinture nous avertit Merleau-Ponty, la pensée se fait geste. En musique, elle se fait résonance. Pratiquer le geste, pratiquer la résonance, telle pourrait être la tâche de l'artiste. Pratiquer la joie dans le geste, dans la résonance, ou dans leur contemplation, celle du sage? Un détour heuristique par la philosophie esthétique et la musique savante de l'Inde du nord renforce la signification de la joie et de sa pratique : comprise sous la catégorie de la "béatitude", érigée en substantialité même de l'expérience esthétique, elle paraît alors se concevoir comme un sens possible pour l'artEveryone experiences joy, yet still conscious of being finit. The idea of perfect joy, referred to as wisdom by Spinoza, is commonly regarded as dubious. The only wisdom that we usually indulge in is lucidity. Paradoxically, meaning, man's privilege, is also his prejudice. For, who could dare to lay claim to happiness if not with arrogance ? One can surely make do with «the Joys of Existenc », but what seems more problematic is the singular possibility of joy, thowrted as it is by the prevalence of violence and evil. However, if considered as affect rather than as mere affection, it can turn into a founding force, in that it requires no external cause, a presence in its immediate link to the instant lived, a passage from suffering to wisdom and a force of conversion and action ; such force fits in with a practice of a praxis, assertive and creative, whose field of application is the entire reality and whose object is joy itself. An enigmatic affect of conscience, joy can't be reduce to any concept and requires thus the examination of experience : the question deals with art, the very shelter of affect, in order to try and point out its particular relationship to the sacred, the silence and the body. According to Merleau-Ponty, in painting, thought becomes gesture. In music, it becomes resonance. Practising gesture, practising resonance, such could be the artist's task. Practising joy in gesture, in resonance or in their contemplation, could this be the wise's ? A heuristic detour through aesthetic philosophy and Classical Music from Northern India highlights the meaning of joy and of its exercise : falling into the category of bliss, raised to the very substantiality of aesthetic experience, it can be regarded then as a possible meaning for art
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Huang, Hai-Ming. "La temporalité dans les peintures de Francis Bacon." Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA081064.
Full textAbstract:
L'oeuvre de bacon se realise surtout en series ou sequences, qui peuvent se developper a travers des tableaux isoles ou des triptyques. De facon generale, dans l'oeuvre de bacon, chaque unite de la serie ou de la sequence est une unite relativement autonome, voire isolee, organisee selon un schema non-homogene et concentrique tres varie-la serie ou la sequence etant en effet une succession ou une juxtaposition de differentes structures non-homogenes et concentrique. L'objectif de notre these est justement d'analyser la temporalite a l'interieur de la structure non-homogene et concentrique ainsi que la temporalite qui relie les differentes structures nonhomogenes et concentriques representees dans l'oeuvre de francis bacon. Nous tenons a situer notre recherche de la temporalite entre trois lignes complementaires : l'une, la ligne phenomenologique et existentialiste qui donne une grande importance au corps vecu, et insiste sur un "ici maintenant" ephemere, irremplacable, bref, une ligne qui nous ramene a la temporalite dite authentique; l'autre, la ligne psychanalytique qui tend a expliquer tout surtout par le rapport fruste enfant-mere, bref, une ligne qui nous ramene a l'intemporlite. Il existe aussi une troisieme ligne qui est une temporalite impersonnelle composee des images, ou des memoies collectives. Cette troisieme ligne relativise la subjectivite trop forte de premiere ligne, brise le cercle ferme du temps fige dans l'inconscient, et bien situe notre problematique dans notre societe post-moderne ou de mass-media. Sur cette troisieme ligne la notion des "machines desirantes" de deleuze nous donne une tres grande ouverture. La temporalite manifestee dans l'oeuvre de bacon peut justement nous faire entrevoir une possibilite de situer a ce carrefour.
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Widder, Pierre. "Perte de la visualite au seuil des annees soixante ?!" Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010555.
Full textAbstract:
L'intitulé de la thèse est un constat et une hypothèse. Il cerne les conditions historiques de l'émergence de l'art minimal, il suggère l'idée, relative aux pratiques contemporaines d'appropriation du "visuel constitué", que la visualité, comme objectif justifiant la qualité d'art, est désormais périmée. Nous proposons deux voies complémentaires d'investigation axées l'une sur l'analyse des oeuvres existantes, l'autre sur l'analyse des possibilités théorico-critiques de leur existence. La première voie consiste à vérifier, puisque l'impératif méthodologique de Frank Stella dans ses "black paintings" : "respecter l'intégrité du matériau" est l'impératif auquel Carl Andre reconnait devoir soumettre sa pratique sculpturale, l'applicabilité en sculpture des principes de déduction, d'appui et d'adhérence régissant l'agir pictural de Stella. La vérification est effective lorsque au terme des étapes du développement de la sculpture d'Andre (le passage de la sculpture comme forme à la sculpture comme structure puis comme lieu) l'horizontalité se substitue à la verticalité comme critère de sculpturalité. La seconde voie, alimentée par notre prise en compte de la distinction radicale entre "faire" et "ne pas faire" comme énoncé programmatique de Stella, se déploie en deux temps. D'abord, elle consiste à démontrer le caractère erroné d'une analyse (krauss) des "black paintings" négligeant de penser ensemble volonté chez l'artiste de rendre public le sens de l'oeuvre (ou de dépersonnaliser l'oeuvre) et souci du "continuer à faire". Ensuite, elle consiste, en s'appuyant sur les textes critiques relevant de la théorie moderniste d'ancrage progressif des pratiques de l'art, chacune dans son aire de compétence, à qualifier le récit qui enchaine, pour décrire les étapes de l'essentialisme, les concepts d'où comprendre la prétention de mise en évidence de l'acte simple comme programme. Ce récit n'est ni représentationnaliste ni abstractionnaliste. Il est de-répresentationnaliste en ce sens que chaque épisode stylistique révèle un aspect insoupconné de la dépendance du "pictural" aux stratégies de représentation.
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Louvel, Romain. "La provocation expérimentale : étude consacrée à la provocation expérimentale dans l'art et à son usage dans une pratique artistique." Phd thesis, Université Rennes 2, 2010. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00552030.
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La provocation expérimentale est ce geste qui consiste à introduire un élément perturbateur dans les rouages d'un système pour en révéler la structure, l'organisation et leurs déterminants. Nous partons de l'hypothèse selon laquelle cette technique s'applique aussi à la pratique artistique. Or, cette hypothèse mérite d'être examinée au regard de l'histoire de l'art et de notre « pratique sociale artistique ». Dans cette perspective, la provocation expérimentale est considérée comme un phénomène intrinsèque de la nature révolutionnaire de l'art. Dans un premier temps, nous découvrons la provocation expérimentale en tant que technique sociologique. Les risques de perturber l'espace social, encourus par le sociologue, accompagnent favorablement la présence dérangeante de l'artiste dans la société. Ils accentuent la portée critique des oeuvres, laquelle est soutenue par le problème que pose le statut objectif du représentant (l'oeuvre) en face de ce qui est représenté (la nature et ses sujets). L'intérêt théorique de la provocation expérimentale instigatrice de diversion réside dans la question du projet social de l'art. Ensuite, nous considérons les signes de la provocation expérimentale dans l'histoire de l'art à partir de la fin du XIXe siècle. Par quels moyens diversifiés les artistes développent-ils des méthodes, des stratagèmes, des engagements esthétiques, sociaux et politiques ? Il ne résulte cependant pas de cet éclairage qu'il existe un courant de l'art rattachée explicitement à la pratique de la provocation expérimentale. L'usage coutumier que les artistes font de la pratique du scandale n'apparaît pas non plus comme un signe pertinent. Finalement, nous pensons que les mécanismes de la provocation expérimentale sont présents dans la nature de l'oeuvre d'art et son rapport au monde. Après cela, nous définissons le phénomène de la rupture des routines du quotidien comme mécanisme clef de la provocation expérimentale. Quelle signification impliquent les effets et les enjeux d'une intervention de l'art de cette nature au sein de la société ? Cette question offre la possibilité de réfléchir sur un projet artistique concret engagé dans le processus social. Pour finir, notre description théorique de la provocation expérimentale converge vers l'analyse de projets artistiques récents qui ont permis de formaliser cette thèse. En effet, ces projets sont à notre initiative et tiennent lieu de point de départ empirique. En utilisant le concept de la provocation expérimentale pour saisir le sens de nos expériences artistiques, nous dévoilons des indicateurs concrets d'une esthétique inscrite dans le projet plus large de l'éducation populaire
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El-Aboudi, Ahmed. "Typologie des arganeraies inframéditerranéennes et écophysiologie de l'arganier (Argania spinosa (L. ) Skeels) dans le Sous (Maroc)." Grenoble 1, 1990. http://www.theses.fr/1990GRE10085.
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La premiere partie presente la carte de la vegetation spontanee de la commune des ait-baha (sous, maroc). Douze communautes vegetales, appartenant essentiellement a l'etage inframediterraneen, sont decrites sur les plans floristique, climatique et edaphique. Sur une distance de 235,5 km (correspondant aux quatorze transect etudies) le nombre d'arbres entre 1952 et 1986 n'a pas varie. La deuxieme partie etudie les grandeurs physiologiques foliaires relatives a l'eau (conductance stomatique, transpiration, potentiel hydrique du sol, l'eclairement, la temperature et l'humidite de l'air). Des series de mesures completes ont ete faites, du lever au coucher du soleil, durant plusieurs journees en debut et en cours de saison seche. En outre, l'evolution saisonniere du potentiel de base et du potentiel minimum a ete suivie de mai 1988 a aout 1989. La signification adaptive de ces proprietes ecophysiologiques de l'arganier est discutee
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Vieillard-Baron, Elsa. "La jungle entre nature et culture : un imaginaire socio-spatial de l'antimonde." Paris 7, 2011. http://www.theses.fr/2011PA070029.
Full textAbstract:
Cette thèse vise à requalifier la notion de jungle, peu appréciée des géographes, alors qu'elle suscite l'engouement du grand public. L'enjeu est de montrer que la jungle ne doit pas être appréhendée seulement comme une formation végétale floue, mais qu'elle est plutôt la représentation occidentale d'un paysage de l'Ailleurs ou plus largement un antimonde sauvage et naturalisé. S'appuyant sur un corpus de représentations artistiques - picturales, cinématographiques, littéraires -, sur des questionnaires et des entretiens, cette thèse propose de reconstruire une approche géographique de la jungle. 1. Dans le registre biogéographique, la jungle se présente comme un milieu naturel tropical difficile à cerner, tant en Inde, d'où le terme est originaire, que dans l'ensemble des Tropiques. 2. Sous couvert de naturalité, elle est en fait une représentation culturelle occidentale de l'Ailleurs tropical, initiée au tournant du 19e au 20e siècle, par le biais de la colonisation britannique en Inde. 3. Représentation fabriquée en Occident, la jungle s'apparente à un paysage tropical fantasmé, décor fantaisiste qui sert de support à l'expression de fantasmes inavouables en Occident. 4. Reflet inversé et primitif de l'Occident, la jungle atteint le rang d'autre monde géomythique et rejoue les origines sauvages du monde. 5. Le mythe de jungle induit des effets de réel et fait de la forêt tropicale humide un territoire sous influence, dont la gestion est marquée par une ingérence occidentale de dimension postcoloniale. 6. Enfin tes jungles de l'Occident, souvent urbaines, rendent sensible l'assimilation de la jungle à un antimonde, quelles que soient son échelle et sa localisationThe aim of this thesis is to reconsider the concept that the word jungle gives rise to, a concept that has been criticised by geographers, while, at the same time, it has aroused the attention of the public at large. The aim is to show that the jungle should not be approached solely as an ill-defined natural entity, but that it should be seen more as the Western idea of an otherworldly landscape. This thesis will be drawing on a large collection of artistic representations - pictures, films or books - and on the answers given to a number of questionnaires. It will build a geographical approach to the jungle. 1. Looking at it from a biogeographical angle, the jungle appears to be a natural tropical environment, the borders of which are not easy to specify, be it in India, or more generally under the tropics. 2. Under cover of a reference to something natural, it is in fact a Western cultural idea of a tropical otherworld that emerged at the end of the 20th century on the back of the British colonisation of India. 3. As an idea that sprang in the West, the jungle can be seen as an illusory tropical landscape,that is more imaginary than real and that expresses feelings that would be deemed shameful in the West. 4. As a reversed and primitive reflection of the West, the jungle reaches the rank of another geomythic worid and plays the part of the wild origins of the world. 5. The jungle myth induces some real effects and makes the rainforest an area subject to influence - its environmental management featuring Western postcolonial interference with a dimension. 6. Finally, the urban jungles of the West give credence to the jungle as a counter-world, whatever its scale and location
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Zeitz, Anne. "(Contre-)observations : les relations d'observation et de surveillance dans l'art contemporain, la littérature et le cinéma." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080051.
Full textAbstract:
Jamais les enjeux de la surveillance dans la société n’ont été autant mis en avant dans les discours politiques et la presse internationale que depuis les divulgations d’Edward Snowden sur les programmes de surveillance américains, durant l’été 2013. Plus d’une dizaine d’années auparavant, l’exposition CTRL [SPACE] au ZKM de Karlsruhe avait montré comment, depuis longtemps, les mécanismes de la surveillance, des médias de masse et la convergence de leurs fonctionnements se reflétaient dans l’art contemporain. Peter Weibel pointait dès les années 60, dans ses installations et ses écrits, les comportements contradictoires qui se développent dans une société de surveillance. De la société de surveillance à la société de contrôle, la société spectaculaire, puis post-Spectaculaire, jusqu’à l’actuelle société de sousveillance, c’est-À-Dire de la cybersurveillance et de la dataveillance, l’influence de ces mécanismes a toujours fait controverse. Alors qu’une approche artistique s’attache avant tout à la manipulation, voire à l’effacement de l’individu et de sa réalité, une autre approche se concentre sur les possibilités de créativité et d’inventivité qui se présentent à l’individu au sein d’une société caractérisée par la surveillance et les médias de masse. La présente recherche se situe dans la tension qui émerge entre ces deux positions. Le point de départ est le terme observer, qui renvoie à la fois à un acte perceptuel et à un acte d’adaptation. En même temps, tout acte d’observation s’insère nécessairement dans une « relation » d’observation. Et il faut envisager la réversibilité potentielle de la relation. En effet, l’art contemporain révèle des tactiques de contre-Surveillance et de contre-Observation, cette dernière étant révélatrice de la façon dont nous vivons les changements socio-Politiques – notamment depuis le 11 septembre 2001. Une théorie et une pratique de la (contre-)observation sont nécessaires afin d’analyser l’esthétique qui apparaît ainsiHe matter of surveillance has never been as present in political discourse and the international press as much as since the divulgence of the American surveillance programs by Edward Snowden in the summer of 2013. Nonetheless, more then 10 years earlier, the exhibition CTRL [SPACE] at the ZKM in Karlsruhe had widely shown how the mechanisms of surveillance and mass media and the convergence of their functioning had, for a long time, been reflected in contemporary art. Since the 1960s, Peter Weibel had already pointed to the contradictory modes of behaviour that develop in a society of surveillance in his installations and writings. From the society of surveillance to the society of control, the spectacular society, and then post-Spectacular society, to the current society of “sousveillance”, that is of cyber-Surveillance and dataveillance, the influence of these mechanisms has always been discussed with controversy. While one artistic approach focuses mainly on the manipulation, or even disappearance of the individual and their reality, another approach concentrates on the possibilities of creativity and inventiveness that present themselves to the individual in a society characterized by surveillance and mass media.The present doctoral thesis situates itself in the tension that emerges between these two positions. The point of departure is the term to observe that signifies a perceptual act as well as an act of adaptation. At the same time, every act of observation necessarily takes part in an observational “relationship”. Therefore, the potential reversibility of the relationship has to be taken into account. Effectively, contemporary art reveals tactics of counter-Surveillance and counter-Observation. The latter give insight into the way we deal with socio-Political changes – especially since the 11th of September 2001. A theory and a practice of (counter-)observation are necessary to analyze the aesthetics that have appeared in this regard
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Duclos, Jessica. "Les archives du corps." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30240/30240.pdf.
Full textAbstract:
Le présent mémoire fait état de ma recherche-création qui se veut une prospection sur la connaissance de soi, comprendre comment les expériences transforment différents aspects de la réalité humaine tels notre corps, notre intimité, notre personnalité et nos émotions. Mon travail s’esquisse autour de la présence de l’autre, de ses affects, et joue sur les possibilités visuelles pour mettre en relief les ambiguïtés interrelationnelles. Mettre en exergue la notion de subjectivation par l’intermédiaire de dispositifs immersifs interactifs est le fil conducteur de ma démarche, cette notion qui fait de nous des êtres créés par les éléments extérieurs qu’il côtoie, qui fait de vous et moi, le même.
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Petropoulos, Lefteris. "Esthétique et clinique du corps : à propos des modifications corporelles dans l'art contemporain." Paris 7, 2010. http://www.theses.fr/2010PA070081.
Full textAbstract:
Ce travail traite l'esthétique contemporaine dans ses liens avec la clinique du corps. Se situant dans un terrain psychanalytique (de Freud à Lacan), enrichi par la pensée deleuzienne et par la phénoménologie, nous interrogeons l'émergence spectaculaire du corps dans l'art contemporain. Entre autres, on aborde l'atteinte au corps chez les Actionnistes viennois, les performances et les opérations esthétiques d'Orlan, le corps cybernétique de Cronenberg. Nous considérons l'utilisation du corps de l'artiste ainsi que les diverses figures du corps dans l'art contemporain autant comme des symptômes que comme des tentatives du sujet d'habiter son corps à l'intérieur des dispositifs et des modes de subjectivation spécifiques à la culture occidentale contemporaine. Notre stratégie consiste à mettre en vis-à-vis les dispositifs culturels et technologiques qui normalisent le corps et les expressions de l'art contemporain qui questionnent, révèlent et transgressent le statut du corps pour le sujet. On observe alors une tendance de retour à la matérialité de l'œuvre d'art et du corps ainsi qu'un effet d'emboîtement entre le corps, ses idéaux et ses interfaces. Il y a un aspect politique et identitaire majeur du genre de la performance qui peut résumer sa démarche à un geste dévoilant les effets de la normalisation sociale dans le corps. Il en va de même pour les figures monstrueuses quand elles ne sont pas exclues ou domestiquées par les normes. La pensée sur l'œuvre d'art peut nous aider à cerner le corps contemporain et les pratiques de sa modification qui participent à la construction identitaire et subjectiveThis study concerns aesthetics and its connection with clinical reflections on the body in contemporary western culture. Situated in a psychoanalytic perspective (from Freud to Lacan), enriched by deleuzian thought and phenomenology, we interrogate the spectacular emergence of the body in contemporary art. Among many artists, we concentrate in the attack of the body in Viennese actionism, the performances and aesthetic operations of Orlan, the cybernetic body in the cinema of Cronenberg. We consider the utilisation of the artist's body and the diverse figures of the body in contemporary art simultaneously as symptoms and attempts of the subject to "inhabit" his body inside the cultural apparatuses and modes of subjectivation specific to contemporary western culture. Our strategy consists in juxtaposing the cultural and technological apparatuses that normalise the body, with the expression of contemporary art that question, reveal and transgress the status of the body for the subject. Thus, we observe a tendency to return to the materiality of the artwork, and of the body, and, in the same time, an interlocking between body, ideals and interfaces. There is a major political and identity aspect of the genre of performance that can resume its approach in a gesture that reveals the effects of social normalisation in the body. The same goes for monstrous figures when they are not excluded or domesticated by cultural norms. Thinking on the artwork can help us delimitate the contemporary body and its modification practices that participate in the construction of the identity and of the subject
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Delage, de Luget Marion. "Du monstre dans l’œuvre intermédiale de David Lynch : ou comment les arts peuvent déborder le cadre formel de l’identité." Paris 8, 2012. http://www.theses.fr/2012PA083543.
Full textAbstract:
L’Œuvre de Lynch, intermédiale, déconstruit les canons. Elle dit ce monstre dont l’organisation formelle ne respecte pas l’économie symbolique : celui qui s’émancipe du mythe de l’archétype, sur lequel reposent les constructions identitaires. Quels mécanismes produisent le genre, l’archétype (Aristote), et conséquemment l’exception ? Quels appareils sont élaborés pour générer ces représentations itératives (J. -L. Déotte) ? Un modèle édicte toujours corrections et disqualifications (Derrida) ; en contre, Lynch propose une utilisation irrévérente des notions d’anomalie, de défaut. Des partitions arbitraires distinguent le tabou du sacré (M. Douglas). Interrogeons ces limites, qui attestent d’une totalité en en garantissant l’homogénéité : le cadre – structure prédicative –, pour dénoncer son caractère fabriqué. Critiquons la complétude que suppose le Beau : Lynch y oppose une dislocation des corps, générant cet ensemble, non plus unité insécable et exclusive, mais réseau d’enchaînements. Et envisageons des stratégies déjouant la reproduction du même. Contre l’invariant de la summetria, la négentropie (R. Caillois). Contre ces hiérarchies distinguant bonnes et mauvaises formes, les solutions critiques du bas matérialisme (G. Bataille), de la performativité (J. Butler), de l’informe (Y. -A. Bois, R. Krauss). Lynch moque ce standard qui conduit à la perte de toute identité, insistant : viabilité et reproductibilité ne sont pas indissociablement couplées. Ceci pour une définition du monstre en art, fécond, métastable, en progrès (Lyotard) : une opération proposant une re-signification des normes établies – la bonne forme de l’individu, de l’œuvre, et l’idéal des pratiquesThe intermedial Work of Lynch deconstructs canons: it says this monster, formal organization which does not respect the symbolic economy, the one who becomes emancipated of this myth of the archetype, on which identical constructions are based. Which mechanisms produce the genre, the archetype (Aristotle), and consistently the exception? Which devices are elaborated to generate these iterative representations (J. -L. Déotte)? A model always promulgates corrections and disqualifications ( Derrida); against it, Lynch proposes an irreverent use of the notions of anomaly and defect. Arbitrary partitions distinguish the taboo and the sacred (M. Douglas). Let us question these limits which attest to a totality by protecting its homogeneity: the frame, predicative structure, to denounce its artificiality. Let us criticize the comprehensiveness that Beauty supposes: Lynch put dislocation of bodies forward against it, generating this set, not an indivisible and exclusive unity, but network of linkings. And let us envisage strategies thwarting the reproduction of the same. Against the invariant of the summetria, the négentropie (R. Caillois). Against these hierarchies distinguishing good and bad forms, the critical solutions of bas matérialisme (G. Bataille), performativity (J. Butler), informe (Y. -A. Bois, R. Krauss). Lynch parodies this standard which leads to the loss of identity, insisting: viability and reproducibility are not indossociably coupled. This for a definition of the monster in art, fertile, métastable, in progress ( Lyotard): an operation proposing a re-meaning of the established standards - the good shape of the individual, of the work, and the ideal of the practices
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Kim, Mee-Young. "Pour une pratique personnelle de la "subtilité" dans les arts plastiques : les "écritures" de la discrétion, de la division, et le plaisir de la discrimination fine." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010637.
Full textAbstract:
Cette thèse, à partir d'une pratique plastique (mes travaux faits entre 1988 et 1993 sous le titre une pratique de la "subtilité") tente d'élucider l'énigme de la motivation et le processus de la création ; il s'agit de la poïétique d'un art subtil. Ce qui est figure dans mes travaux plastiques (expression formelle de la politesse, jeu sur le sentiment timide, réticent etc. En tant que comportement discret) est le sujet dont parle ma peinture. Dans une telle incarnation du sujet, il ne s'agit nullement de vouloir enseigner quelque chose de particulier, culturel ou moral, mais il s'agit de vivre l'esthétique de la discrétion, la subtilité et son plaisir. La subtilité a ici affaire avec le corps, non l'esprit. Comme un besoin ou un certain appel du corps, comme le désir non violent, mais discret, délicat, une pratique de la subtilité serait une demande de mon corps. La subtilité consisterait chez moi à pouvoir analyser et saisir des nuances infimes. Le procédé de la fabrication (le principe de la fragmentation, de la pluralisation et de la pulvérisation) donne part lui-même un travail délicat tout en permettant le gout de la division et la saisie des nuances minuscules par les gestes de la main, par ses mouvements subtils. Par une telle pratique, la subtilité peut se définir comme la puissance de la division et le pouvoir de plaisir : le plaisir de la discrimination fine. Ma pratique de la subtilité n'est pas sans parente avec l'art de vivre. Pratiquer la subtilité est vivre ainsi en faisant déboucher l'art sur un art de vivre. Un art fait de gestes subtils d'une cuisinière par exemple, est en fait comme une vie quotidienne transformée. Cette thèse donne son terme : que vivre, jouer, créer soient interchangeablesThis thesis (based on plastic works i made between 1988 and 1993) tries to elucidate the enigma of motivation and the process of creation : it deals with the poietique of "subtlety" in plastic arts. My painting relates what appears in my works : formal expression of "politeness", representation of reticent feelings such as discreet behaviour. In such an incarnation of the theme, the question does'nt intend to teach anything in particular, be it cultural or moral, but to live the aesthetics of discretion, subtlety and one's own pleasure. Like a need or any urge of the body, like a non violent but discreet and delicate desire, the practice of subtlety is a profound need of my body. For me, subtlety is the ability to analyze and grasp tiny nuances. The making process (the principle of gragmentation, pluralisation and pulverization) brings a delicate work by the taste of division and grasp of tiny nuances with subtle hand gestures. With such a practice, the subtlety can be defined as the power of division and the intensity of pleasure : the pleasure of subtle discrimination. My personal view of "subtlety" concerns the art of living. An art made of subtle gestures resembling those of a chef, is in fact like a daily life transformed
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Zeitz, Anne. "(Contre-)observations : les relations d'observation et de surveillance dans l'art contemporain, la littérature et le cinéma." Thesis, Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080051.
Full textAbstract:
Jamais les enjeux de la surveillance dans la société n’ont été autant mis en avant dans les discours politiques et la presse internationale que depuis les divulgations d’Edward Snowden sur les programmes de surveillance américains, durant l’été 2013. Plus d’une dizaine d’années auparavant, l’exposition CTRL [SPACE] au ZKM de Karlsruhe avait montré comment, depuis longtemps, les mécanismes de la surveillance, des médias de masse et la convergence de leurs fonctionnements se reflétaient dans l’art contemporain. Peter Weibel pointait dès les années 60, dans ses installations et ses écrits, les comportements contradictoires qui se développent dans une société de surveillance. De la société de surveillance à la société de contrôle, la société spectaculaire, puis post-Spectaculaire, jusqu’à l’actuelle société de sousveillance, c’est-À-Dire de la cybersurveillance et de la dataveillance, l’influence de ces mécanismes a toujours fait controverse. Alors qu’une approche artistique s’attache avant tout à la manipulation, voire à l’effacement de l’individu et de sa réalité, une autre approche se concentre sur les possibilités de créativité et d’inventivité qui se présentent à l’individu au sein d’une société caractérisée par la surveillance et les médias de masse. La présente recherche se situe dans la tension qui émerge entre ces deux positions. Le point de départ est le terme observer, qui renvoie à la fois à un acte perceptuel et à un acte d’adaptation. En même temps, tout acte d’observation s’insère nécessairement dans une « relation » d’observation. Et il faut envisager la réversibilité potentielle de la relation. En effet, l’art contemporain révèle des tactiques de contre-Surveillance et de contre-Observation, cette dernière étant révélatrice de la façon dont nous vivons les changements socio-Politiques – notamment depuis le 11 septembre 2001. Une théorie et une pratique de la (contre-)observation sont nécessaires afin d’analyser l’esthétique qui apparaît ainsiHe matter of surveillance has never been as present in political discourse and the international press as much as since the divulgence of the American surveillance programs by Edward Snowden in the summer of 2013. Nonetheless, more then 10 years earlier, the exhibition CTRL [SPACE] at the ZKM in Karlsruhe had widely shown how the mechanisms of surveillance and mass media and the convergence of their functioning had, for a long time, been reflected in contemporary art. Since the 1960s, Peter Weibel had already pointed to the contradictory modes of behaviour that develop in a society of surveillance in his installations and writings. From the society of surveillance to the society of control, the spectacular society, and then post-Spectacular society, to the current society of “sousveillance”, that is of cyber-Surveillance and dataveillance, the influence of these mechanisms has always been discussed with controversy. While one artistic approach focuses mainly on the manipulation, or even disappearance of the individual and their reality, another approach concentrates on the possibilities of creativity and inventiveness that present themselves to the individual in a society characterized by surveillance and mass media.The present doctoral thesis situates itself in the tension that emerges between these two positions. The point of departure is the term to observe that signifies a perceptual act as well as an act of adaptation. At the same time, every act of observation necessarily takes part in an observational “relationship”. Therefore, the potential reversibility of the relationship has to be taken into account. Effectively, contemporary art reveals tactics of counter-Surveillance and counter-Observation. The latter give insight into the way we deal with socio-Political changes – especially since the 11th of September 2001. A theory and a practice of (counter-)observation are necessary to analyze the aesthetics that have appeared in this regard
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Letourneur-Latty, Laurence. "Les processus de la création artistique chez Chagall et Wagner : recherche sur le rôle de l'angoisse dans la création." Paris 5, 1995. http://www.theses.fr/1995PA05H006.
Full textAbstract:
La comparaison entre les associations observées dans l'autobiographie de Marc Chagall et les représentations figuratives trouvées dans ses tableaux pose la question du rôle de l'angoisse dans le processus créateur. L'analyse de contenu de l'autobiographie de Richard Wagner, mise en parallèle avec la thématique de ses œuvres lyriques, tragédies et livrets d'opéra, met en évidence que ce rôle est central. Si la pression de l'angoisse déclenche le processus, sa nécessaire maitrise est obtenue par la symbolisation de ses composantes, et par un transfert d'énergie pulsionnelle de l7 angoisses à la création. L'angoisse enfin alimente la création de ses propres matériaux, qui sont en l'occurrence chez Wagner des matériaux d'origine œdipienne. La création constitue ainsi pour le créateur sa thérapie et son salutThe associations abserved in Chagall's autobiography in comparison with the figurative representations scattered in the paintings lead to the question of the role of anguish in the creative porcess. The content analysis of Wagner's autobiography in comparison with the thematic of his lyric works, tragedies and librettos, shows clearly that this role is paramount. If the pressure of anguish triggers the process, its necessary control is achieved with the symbolisation of its parts, and through a transfer of impulsive energy from anguish to creation. At last, anguish feeds the creation of its own materials, which are with Wagner of oedipian extraction. For the creator, creation is then his therapy and his salvation
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Délécraz, Cyril. "La paramétrisation du geste dans les formes musicales scéniques : L'exemple du théâtre musical contemporain : état de l'art, historiographie, analyse." Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2019. http://www.theses.fr/2019AZUR2015/document.
Full textAbstract:
Au cours du XXe siècle, le geste est progressivement devenu un paramètre de composition musicale dans les répertoires de tradition savante occidentale. Les avant-gardes (Dada, futurisme, Bauhaus, expressionnisme, etc.) sont à l’origine du concept de performance tandis que le bruitisme élargit le domaine des sons esthétiquement audibles. Rejetant le grand opéra romantique et tous ses attributs (technique de chant lyrique, suprématie du texte dramatique sur la musique, fosse d’orchestre, illusion de la réalité, opulence orchestrale, entractes, etc.) les compositeurs ressentent le besoin de s’exprimer autrement, tandis que la capacité de renouvellement du système tonal s’étiole. Ils définissent de nouvelles formes musicales scéniques dans un cadre dicté par la performance et selon une nouvelle conscience de l’écoute issue de nombreuses expérimentations réalisées en studio. C’est au lendemain de la seconde guerre, c’est-à-dire lors de l’avènement de la musique concrète, que la voix s’impose non plus seulement comme le vecteur de la parole mais également comme un générateur de sons, que l’espace scénique se vide de l’interprète et que, en retour, certains compositeurs (Mauricio Kagel, Dieter Schnebel, Luciano Berio, John Cage, pour ne citer qu’eux) proposent des pièces hybrides où la musique côtoie la diction d’un récitant, la pantomime ou l’action théâtrale sans que l’une des composantes ne prenne constamment le dessus sur les autres. Selon une approche empirique du corps médiatisé par le truchement de la captation vidéo (sur un corpus s’étalant de 1960 à 2016), il est possible de mettre en lumière des contrepoints d’informations provenant de plusieurs éléments des performances enregistrées (musique, gestes, déplacements, lumière, etc.), qui construisent en fin de compte une réalité signifiante pour l’auditeur-spectateur. En analysant directement les oeuvres performées, il apparait que le geste est en effet un élément structurel de caractère spectaculaire qui participe à la création de formes discursives et, par-là, il constitue un élément indispensable de la réception. En se focalisant sur la paramétrisation du geste, le présent travail apporte un premier élément de réponse à la question suivante : comment la performance musicale, dans son aspect vivant, intègre le geste et comment celui-ci influe-t-il la forme ? Il espère ainsi ouvrir la voie à une musicologie du théâtre musical contemporainOver the course of the 20th century, gesture gradually became a parameter of musical composition in the repertoires of the Western classical tradition. The avant-garde (Dada, futurism, Bauhaus, expressionism, etc.) is at the origin of performance concept while noise music broadens the field of aesthetically audible sounds. Rejecting the romantic opera and all its attributes (lyrical singing technique, supremacy of the dramatic text over music, orchestra pit, the illusion of the reality, orchestral opulence, intermissions, etc.), composers feel the need to express themselves differently, while the capacity for renewal of the tonal system wanes. They define new scenic musical forms in a framework dictated by performance and in accordance with a new awareness of listening resulting from numerous experiments carried out in the musical studios. After World War II, with the advent of concrete music, the voice became not only the vector of speech but also a generator of sound, the scenic space was rid of the performer and, in return, some composers (Mauricio Kagel, Dieter Schnebel, Luciano Berio, John Cage, to name but a few) offered hybrid pieces where music is combined with the diction of a narrator, pantomime or theatrical action, without one component constantly getting the upper hand. According to an empirical approach to the body mediated through video recording (based on a corpus stretching from 1960 to 2016), it is possible to highlight counterpoints of information from several elements of the recorded performances (music, gestures, movements, light, etc.), which ultimately construct a meaningful reality for the listener-spectator. By directly analysing the performative works, it appears that the gesture is indeed a structural element of a spectacular nature that participates in the creation of discursive forms and, consequently constituting an indispensable element of reception. By focusing on the parameterisation of the gesture, this work provides a first element of answer to the following question: how does musical performance, in its living aspect, integrate the gesture and how does it influence the form? In this way, it hopes to pave the way for a musicology of contemporary music theatre
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Gallant, Isabelle. "Le langage graphique des émotions : identification d'émotions exprimées par le dessin." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2001. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/MQ60721.pdf.
Full text
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Michal, Madeleine. "Métamorphoses et mutations littéraires ou artistiques : Pygmalion et au-delà." Paris 7, 2011. http://www.theses.fr/2011PA070072.
Full textAbstract:
Puisé aux sources de textes divers, issus de l'antiquité à nos jours, principalement la littérature, nous étudions dans différentes expressions : création, métamorphose, sublimation de personnages emblématiques, avec ou sans l'intervention du syndrome de Pygmalion. Interférence de l'amour, de la folie et des fantasmes naturels ou hallucinogènes, à la lisière du fantastique, sosies, transpositions et subterfuges, conduisent tant au succès qu'à l'échec. L'émergence de personnages créés, modifiés, ressuscites, animés ou réanimés illustrent le désir permanent de créer, de générer, qui nous motive. Pygmalion en est le porte drapeau, mais nous allons bien au delà de son mythe. En filigrane demeure la notion tant de sublimation que d'animation. Nombreux sont les échecs, en opposition aux quelques succès, plus ou moins spectaculaires. Les fictions sont étayées par les récit biographiques romancés mais réels. Aucun des héros n'échappe à une forme de mutation, intellectuelle, psychique, physique ; désirée ou subie, dirigée ou personnelle et parfois la conjugaison des deux. L'entreprise n'est jamais innocente, et parfois au seul bénéfice du Pygmalion démiurge ou narcissiqueDrawing on various text sources, mainly literary, from antiquity until the present day, we have studied different ways of expression: creation, metamorphosis and sublimation of emblematic characters, with or without the Pygmalion syndrome. The interference of love, madness and natural or hallucinogenic specters, on the edge of the fantastic, with doubles, transpositions and subterfuges lead these characters to success as well as to failure. The emergence of created, modified, resuscitated, lively or revived characters illustrates the desire that motivates us. Pygmalion is the standard-bearer, but we go far beyond his myth. Sublimation and liveliness remains in the background. There are innumerable setbacks, in contrast with the few successes that are more or less spectacular. These novels are based on real-life, though somewhat romanticized biographies. None of the heroes escapes intellectual, psychic, physical mutation, whether desired or suffered, either directed or personal and sometimes the combination of the two. Never is the endeavour innocent; sometimes it is to the exclusive benefit of the godlike or narcissistic Pygmalion
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Dalmazzo, Amélie. "Charismes, identités, fanatismes. Le charisme médiatique et les fans de Michael Jackson. L'idéal et le monstre : Les représentations d'une figure charismatique dans les espaces conjoints de l'industrie culturelle et des médias. Typologie des publics fans face à ces représentations." Paris 2, 2009. http://www.theses.fr/2009PA020025.
Full textAbstract:
Cette thèse interroge le charisme, tel qu'il est construit par les médias et les industries culturelles, et tel qu'il encourage la croyance et l'identification des publics ("charisme médiatique"). Par le biais d'une approche pluridisciplinaire(sémiologie, psychanalyse, analyse de discours, psychologie sociale), elle s'intéresse aux relations entre les charismes, les identités et les fanatismes: comment les figures charismatiques parviennent-elles à susciter l'identification des publics, à les séduire et à les fidéliser? Qu'est-ce que la fascination, et comment peut elle être provoquée? A quelles problématiques identitaires répondent les fans lorsqu'ils élisent ces figures? Cette thèse démontre qu'il existe, dans les images et récits qui façonnent une figure médiatique, des paradigmes encourageant l'attribution d'un charisme par les publics. Ces paradigmes permettent l'élaboration, par les individus et les communautés, de significations inconscientes, faisant écho à leurs besoins identitaires et à leurs désirs narcissiques. Cette recherche révèle et recense ces paradigmes en s'appuyant sur l'analyse sémio-psychanalytique du charisme médiatique de Michael Jackson (analyses de clips vidéos, étude de sa mythologie). Puis, l'analyse de représentations amateurs façonnant la "monstruosité médiatique" de la star, permet d'établir quelques similitudes sémio-psychanalytiques entre le charisme et la monstruosité. Enfin, en s'intéressant aux fonctions identitaires de la musique, en dressant une typologie des publics fans, et en analysant le discours de quelques fans de Michael Jackson, cette thèse envisage les motivations et stratégies identitaires des fans.
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Ben, Arab Raoudha. "Moi, l'autre et L'autre-moi, le dédoublement en images." Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010696.
Full textAbstract:
Cinq thèmes vont servir de support aux exposés. « Le projet autobiographique», « pratique du genre », «La vie « filtrée»» suivra « L'invention de Soi» et pour finir « Ecriture et fiction ». Mes travaux d'études artistiques et intellectuelles ont été pressentis afin de libérer ma mémoire et pouvoir revisiter cette dernière il n'importe quels moments. De la sorte, cette mémoire mise en défaut. Par moment pour des raisons thérapeutiques, s'est trouvé stimulée par mes recherches. En revisitant les travaux que j'ai réalisés, je me suis rendu compte du peu de souvenance de certains faits alors que d'autres sont apparus complètement différents. Réalité proposée ou mensonge avéré lors des photomontages sont dans ma croyance d'une réalité plus réelle que la mienne. L’individualisme sort vainqueur d'un épisode de contradictions générales dans une société en proie à des connivences communautaristes ou des volontés fédératrices. Ma démonstration a apporté la signification que la société est univoque et que l'individu est unique. De ce point de vue, ma sensation d'appartenir à un modèle sociétal disparaît et mon travail fait le sens inverse en m'intégrant dans mon quotidien au mouvement de la société. J'ai conscience que les étapes actuelles peuvent m'être étrangères, que mes préoccupations peuvent m'être tout à fait lointaines, revenant avec l'aide de mes travaux à la perception de mes images construites : l'individuel et le global Ce qui m'intéresse au plus près ressemble plus aux dialogues entre les cultures et aux actions humaines immédiatement comprises. Ces deux éléments comportementaux, apparemment barbares comme deux matières à l'alliance impossible (fer et argile), rendent la situation des consciences contemporaines hétérogènes. Il me faut montrer, exemplifier par mes instincts de photographe que les éléments du quotidien, hétérogènes eux aussi et présents autour de moi, sont la nourriture de mon langage artistiqueFive themes will be used to support presentations. "The autobiographical project," "practice of gender", "Life" filtered "" will be followed by "The Invention of Self' and finally writing and fiction. My work artistic and intellectual studies were contacted to release my memory and be able to revisit it in any time. In this way, the memory at fault, at times for therapeutic reasons, has been stimulated by my research. By revisiting the work I have done, I realized how little recollection of facts or other appeared completely different. Proposed or actually lie in the photomontages are proved in mv belief a reality more real than mine. Individualism emerged victorious from an episode of general contradictions in a society plagued by collusion or communitarian federative intentions. My demonstration brought meaning that the company is unique and that the individual is unique. From this point of view, my sense of belonging to a social model disappears and my work is the opposite of me in my daily life including the movement of society. I am aware that I may be the current steps abroad, that my concerns I may be quite distant, returning with the help of my work to my perception of images constructed : the individual and the global, the I'm interested in closer, more like the dialogue between cultures and human actions immediately understood. Both behavioral elements, as two seemingly barbaric materials alliance impossible (iron and clay), make the situation of contemporary consciousness heterogeneous. I must show my instincts exemplify by photographer items daily, heterogeneous also present around me arc the food of my artistic language
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Schwitzer-Borgiallo, Hélène. "Le théâtre au service du développement dans l'Afrique du Sud post-apartheid : l'art de l'engagement (2004-2014)." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3073.
Full textAbstract:
Depuis la fin de l’apartheid, l’Afrique du Sud est entrée dans un vaste processus de reconstruction nationale. Les artistes de théâtre, qui s’étaient pour beaucoup impliqués dans la lutte contre le régime, ont ainsi dû redéfinir leur place au sein du pays. Cette thèse se concentre sur la période de 2004 à 2014 et étudie en particulier l’idéologie et les pratiques de troupes de théâtre professionnelles ayant choisi de mettre leur art au service du développement. Dans une dynamique prescriptive, ces dernières s’attaquent en priorité aux problématiques menaçant de façon immédiate l’équilibre vital de la société sud-africaine, prônant un changement attitudinal et comportemental auprès des publics visés. Constatant les difficultés de l’Afrique du Sud à gérer sa diversité et à effacer les multiples clivages issus de son histoire, les artistes s’emparent également de la question identitaire. Ainsi, les comédiens relaient les diverses perspectives sur le sujet et proposent à leur public de trouver un équilibre entre la reconnaissance des particularismes identitaires et la construction d’une nation fédérée autour de valeurs communes. Enfin, cette pratique artistique a pour vocation de transformer la réalité, constituant ainsi un défi pour tous ceux qui s’y impliquent. En modifiant le statut du spectateur, qui devient participant, les comédiens explorent la dimension performatrice de l’art théâtral. De plus, les artistes eux-mêmes sont confrontés à une exigence de cohérence, qu’il s’agisse de respecter effectivement leur mission en tant que troupe engagée pour le développement, ou d’incarner, au niveau professionnel comme privé, les valeurs qu’ils prônent sur scèneSince the end of apartheid, South Africa has entered into a vast process of national reconstruction, mobilising diverse constituent parts of its society. Theatre artists, many of whom were involved in the fight against the regime, have had to redefine their role within their country. This thesis focuses on the period of time between 2004 and 2014, and studies in particular the ideology and practices of professional theatre companies that chose to devote their art to the service of development. Following a prescriptive approach, these companies put a priority on tackling issues that represent an immediate threat to the vital balance of South African society, advocating an attitudinal and behavioural change in the target audiences. Observing the difficulties South Africa faces in managing its diversity and overcoming the numerous divisions that are by-products of its history, the artists also take on the question of identity. In this way, the actors present diverse perspectives on the subject and leave it to their audience to find the balance between recognising particular identities and adopting common values to build a truly united nation. Finally, such a theatre aims at transforming reality, therefore challenging the audience and the artists alike. Through modifying the status of the spectator, who becomes a participant, the actors explore the performative dimension of theatrical art. In addition, the artists themselves are confronted with a requirement for coherence, whether this involves respecting their purpose as a company committed to development, or incarnating, in both a professional and private sense, the values which they advocate on stage
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Jeung, Sookhee. "Création et bonheur : Gaston Chaissac, un itinéraire artistique." Paris 8, 2008. http://www.theses.fr/2008PA082991.
Full textAbstract:
Cette recherche, "Création et bonheur : Gaston Chaissac, un itinéraire artistique", vise à découvrir le bonheur à travers la maladresse et la dissonance profondément marquantes dans l'œuvre de Chaissac. À partir de la rencontre entre l'art et le non art, entre la réalité et l'irréalité, le rôle de l'art chez Chaissac s'interroge. Dans la composition du pêle-mêle, l'ordre est suggéré. Tout en restant en marge de la société, son cœur s'adresse à elle. Ainsi son travail nous obligeant à réfléchir à nos habitudes, il nous délivre un message d'amour. A travers la transmigration d'objets dont la vie nous semble arrivée à leur fin, il nous propose une autre version de la vie et du bonheur. La création est envisagée comme un temps de convalescence, avant même d'être une création. L'art comme force vitale, emmène l'homme vers la vie. Cette vie, en remémorant l'amour et le passé, se consacre au présent et à l'avenir. Grâce à l'art, la vie de Gaston Chaissac bascule de l'autre côté de la rive et il retrouve le goût de la vie mais finalement grâce à son art, c'est nous qui retrouvons notre âme d'enfant enfouieThis research, "Creation and happiness: Gaston Chaissac, an artistic itinerary", aims at discovering happiness through the clumsiness and the dissonance which strikes profoundly the work of Chaissac. From the encounter between the art and the non-art, between reality and unreality, the role of Chaissac's art questions itself. In the composition of pell-mell, the order is suggested. While staying on the fringe of society, its heart addresses her. Thus pushing us to think about our habits, its work gives a message of love. Through the transmigration of objects whose lives seem to have come to their end, he suggests another version of life and happiness. Creation is considered as a time of convalescence before being a creation. Art as the vital force leads man to life. This life, recalling love and past, dedicates itself to the present and the future. Thanks to art, the life of Gaston Chaissac topples over on the other side of the river and he finds the taste of life. And finally, thanks to his art, we find the soul of the child hidden in us
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Tezkan, Ayse Melis. "De l'intime au politique à l'identité à travers l'art vidéo en France, en Turquie et au Brésil." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030056.
Full textAbstract:
Cette thèse traite de la définition et des prolongements politiques de l’identité, questionnés à travers la manifestation de l’intime dans l’art vidéo des années 1970 à nos jours. L’intime est pensé aussi bien en tant qu’effacement des frontières entre le privé et le public qu’en tant que nature de la relation entre la vidéo et ses spectateurs. Le champ de recherche est géographiquement limité à la France, au Brésil et à la Turquie, de par la particularité de leurs rapports respectifs à l’identité culturelle et nationale : la jeune identité turque née des cendres de l’empire ottoman, entre Occident et Orient ; l’identité brésilienne, fondée sur l’hybridité ; l’identité française à l’épreuve de l’immigration. La première partie, structurée par une approche géographique et chronologique,expose les grands traits de l’histoire de l’art vidéo sur ces trois territoires et certains événements sociaux et/ou politiques marquant les choix esthétiques : les coups d’Etat au Brésil et en Turquie, l’avènement de la modernité turque, le mouvement anthropophagique brésilien, le reflet du mouvement féministe dans l’art français. Les thèmes majeurs qui y sont évoqués, comme le nomadisme, la relation entre le centre et la périphérie, le cinéma comme lieu d’invention des identités, dirigent les deux parties suivantes qui s’articulent autour des déplacements psychiques, géographiques et disciplinaires. Par le biais de l’analyse d’oeuvres vidéographiques de douze artistes - Nil Yalter, Regina Vater, Dias & Riedweg, Kutluğ Ataman, Fikret Atay, Şener Özmen,Thierry Kuntzel, Rebecca Digne, Brice Dellsperger, Wagner Morales, Pierrick Sorin etRafael França – on construit une réflexion sur la détermination de l’identité et la nature politique de l’intimeThis thesis discusses the definition and the political extensions of identity, whichit questions through the expression of the intimate in video art from the 70s till today.The intimate is considered not only as the fading of borders between the private and the public but also as the nature of the relationship between the video and its viewers.The field of this research is geographically limited to France, Brazil and Turkey,because of the particular relation of each of these countries to the notion of cultural and national identity: the young Turkish identity, born from the ashes of the Ottoman Empire, standing between the West and the East; the Brazilian identity, established upon hybridity; the French identity, put to the test of immigration.The first part, which is structured by a geographical and chronological approach,exposes the important traits of video art’s history on these three territories as well assome social and/or political events which have left marks on the aesthetical preferences:the Coups d'état in Brazil and Turkey, the advent of Turkish modernity, the cannibalistic Brazilian movement, the reflections of the feminist movement in Frenchart. The major themes mentioned in the first part, like nomadism, the center-peripheryrelations and the cinema as a space to invent identities, guide the following two partsbased on psychic, geographical and disciplinary displacements. Through the analysis ofthe videographical pieces of twelve artists - Nil Yalter, Regina Vater, Dias & Riedweg,Kutlug Ataman, Fikret Atay, Sener Özmen, Thierry Kuntzel, Rebecca Digne, BriceDellsperger, Wagner Morales, Pierrick Sorin and Rafael França – a thinking on the determination of the identity and the political nature of the intimate is built
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Kim, Seonja. ""L'image fantôme" chez Hervé Guibert." Paris 12, 2004. https://athena.u-pec.fr/primo-explore/search?query=any,exact,990003948580204611&vid=upec.
Full textAbstract:
Nous avons étudié le concept de " l'image fantôme " dans les oeuvres littéraires et photographiques d'Hervé Guibert, journaliste, écrivain et photographe français (1959-1991). Notre objectif a été de montrer que l'image fantôme, qui est. Selon l'auteur, une représentation mentale et littéraire, apparaît aussi dans ses photographies. Nous avons décrit l'image fantôme comme un support de mémoire, rendant visible une photographie pourtant non réalisée. L'image fantôme se situe par conséquent entre deux systèmes de représentations parallèles, le littéraire et le photographique. C'est ce qui nous a conduite à 1'exploration de l'oeuvre photographique de Guibert où nous avons observé le dédoublement narcissique de l'auteur en le reliant à l'image du fantôme. Pour comprendre ces oeuvres, où Guibert semble réussir à représenter l'invisible, nous les avons interprétées ici sous la catégorie du sublime métaphysique. A la recherche d'un au-delà, Guibert semble se transformer lui-même en une image fantômeWe studied the concept of the "ghost image" in literary and photographic works of Hervé Guibert, a French journalist, writer and photographer (1955-1991). Our objective was to show that the ghost image, which is, according to the writer, a mental et literary representation, appears also in his photographies. We descrihed the ghost image as a backup of memory, making visible a photography however flot realized. The ghost image is situated in consequence hctween two systems of parallel representations, the literay and the photographic. It is what led us to the exploration of Guibert's photographie works where we observed the auhor's narcissistic split personality linking it to the image of the ghost. For the best comprehension of these works, where Guibert seems to succeed in representing the invisible, we interpreted them here under the category of the metaphysical sublime. In pursuit of a hereafter, Guibert seems to be transformed into a ghost image
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Quine, Dany. "L'analyse phénoménologique et structurale de l'art sacré et la fonction sociale du mysticisme." Doctoral thesis, Université Laval, 1991. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33515.
Full textAbstract:
Cette thèse vise à préciser les fonctions sociales du mysticisme par 1’analyse d’oeuvres d’art sacré. Par le biais de la méthode d’analyse phénoménologique et structurale adaptée à la représentation plastique du divin, sont identifiés les facteurs de régulation sociale actualisés au sein du comportement mystique et visualisés à travers l’art sacré. Les résultats obtenus témoignent d’un lien entre la représentation plastique du divin et la nature de 1’équilibre social inhérent au contexte de production en plus d’étayer 1’hypothèse selon laquelle la pensée religieuse adulte est fonctionnellement analogue à la pensée symbolique enfantine.Montréal Trigonix inc. 2018
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Turcot, Karine. "LE FRAGMENT ANIMAL, VIE ET MORT. Ou La quête identitaire et le fragment animal." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27102/27102.pdf.
Full text
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Petetin, Anne. "Relations climat-sol-végétation dans le Trièves-Beaumont, zone de transition des Alpes occidentales ; application : typologie forestière et productivité du sapin." Grenoble 1, 1993. http://www.theses.fr/1993GRE10086.
Full textAbstract:
Cette etude des relations climat-sol-vegetation a pour objectif de preciser les potentialites et la plasticite ecologique du sapin (abies alba, mill. ) dans une region de transition des alpes occidentales, le trieves-beaumont. Le sapin s'etend en effet vers les basses altitudes, suite a la recolonisation forestiere, sans que le sylviculteur soit certain de l'adequation des conditions ecologiques, en regard des exigences en humidite de cette espece. La position biogeographique de la region a d'abord du etre precisee, puis l'examen des differentes formations forestieres a permis de reveler la structuration ecologique de la vegetation et de preciser les limites stationnelles du sapin, avant la confirmation des resultats en termes fonctionnels, par l'etude de la productivite. Principal resultat, l'aspect meridional de la region se traduit directement dans la hierarchie des variables ecologiques, par l'influence des expositions et la preponderance du facteur hydrique, qui dictent la repartition des ecosystemes et la productivite des peuplements forestiers
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Redaud, Louis. "Les forêts montagnardes de chênes dans le fonctionnement des systèmes agraires du Centre Népal : évolutions régressives et équilibres, essai de typologie." Grenoble 1, 1987. http://www.theses.fr/1987GRE10078.
Full textAbstract:
Les regions des hautes collines du centre nepal presentent encore, a partir de 2500 m, de vastes zones boisees; mais sous l'effet des prelevements (bois de feu et de construction, fourrage. . . ) la foret climacique a quercus semecarpifolia de l'etage montagnard fait place a des formations degradees. Dix-huit stations forestieres, situees au sud du dhaulagiri, entre 2300 et 2900 m, ont ete analysees par la methode du transpect lineaire. Les caracteristiques des peuplements (structures specifiques et spatiales, regeneration) permettent de distinguer deux types
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Marin, Alexandrina-Carmen. "Le jeu, l'apprentissage et la religion : trois modèles sublimatoires dans le passage de l’enfance à l’adolescence à travers un groupe clinique villageois roumain et l’oeuvre littéraire de Ion Creangă." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCD091.
Full textAbstract:
À partir d'une clinique groupale de soin par des médiations artistiques et corporelles auprès d'adolescents suivis dans une école publique villageoise roumaine, nous avons choisi d'aborder les problématiques liées aux trois modèles sublimatoires suivants : le jeu, la religion, l'apprentissage. La recherche clinique est complétée par l'étude de ces trois influences sur la création et la vie d'un écrivain classique roumaine : Ion Creanga. L'étude clinique des membres groupales surpris en plein passage pubertaire met en évidence l'existence des perturbations psychiques liées à des traumas et à des dysfonctionnements familiaux dès leur enfance, perturbations renforcées par le processus pubertaire lui-même. L'effet d'ensemble de la rencontre de ces trois catégories de médiums - le groupe, le clinicien et les différents supports utilisés pour la médiation - se perçoit dans les études de cas sélectionnés. La difficulté de la séparation de l'enfance se cristallise à la fois dans la démarche clinique et entre les lignes des Souvenirs d'enfance, l'œuvre de Ion Creanga. Le fondement du faux-self est progressivement déstabilisé par les médiations et le jeu et les adolescents comme Melania, Catalina, Mihaela, Tudor, Rare et Dorina s'autorisent à s'exprimer plus librement, spontanément. L'hypothèse centrale de la thèse est que la médiation permet que l'ensemble des changements biopsychologiques impliqués par la puberté se produise sans la violence propre aux confrontations et aux ruptures directes, mais plutôt par une transition lente, douceFrom a clinical practice with artistic mediations in a group of adolescents followed in a Romanian public school, we have chosen to address the problematics related to three sublimation : playing, religion, learning. Clinical research is completed by the study regarding the influence of these sublimation patterns in the literary works and biography of the classic Romanian writer, Ion Creangă. The clinical study highlights the existence of a disrupted psyche in relation to the traumas and family dysfunctions during the childhood of the subjects, disturbances that are enhanced by the puberty process itself. The various forms of mediation allow revealing archaic issues which are replayed during puberty. A glimpse at the overall effect of the interaction with the group, the clinician and the different categories of mediation - can be observed in the selected case studies.The difficulties of separation from childhood become clear both in clinical practice and in Memories from Childhood, the literary work of Ion Creanga. The foundation of the fa Ise-self is progressively destabilized through mediation and playing, and adolescents like Melania, Catalina, Mihaela, Tudor, Rare and Dorina express themselves more and more freely and spontaneous. The central hypothesis is that the mediation allows the ensemble of bio-psychological changes at puberty to happen without the typical violence of direct confrontations, but rather through a smooth transition
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Couderc, Christophe. "Le systeme des personnages de la "comedia" espagnole (1594-1630) : contribution a l'etude d'une dramaturgie." Paris 10, 1997. http://www.theses.fr/1997PA100148.
Full textAbstract:
La premiere partie de cette etude est descriptive. A partir du phenomene de l'histoire du theatre francais qui prend son inspiration directe en espagne, au xviie siecle, il est propose une tentative de classification du corpus etudie, compose par des comedies adaptees de comedias, et par ces comedias elles- memes. Puis on decrit les lignes directrices des transformations qui affectent les personnages, et l'eclairage qu'elles apportent sur la dramaturgie espagnole. La seconde partie est constituee d'analyses systematiques de comedias espagnoles appartenant au sous-genre de la comedie d'intrigue, definie precedemment. La reference au theatre francais se reduit alors a des allusions ponctuelles aux variations significatives apportees par les francais a leurs modeles. Ces comedias, qui presentent des modulations d'un certain nombre de proprietes formelles du systeme des personnages, donnent lieu a une analyse plus detaillee, a partir des notions de role et de situation. On presente ainsi trois groupes : les illustrations d'une epure des relations entre les personnages; le redoublement complet de ce premier modele, par le developpement d'identites fictives; des jeux portant plus specifiquement sur le statut socio-dramatique des protagonistes. Cette lecture fonctionnaliste donne lieu, dans la troisieme partie, a un bilan critique, pour degager, d'une part, des archetypes, pour les roles principaux des personnages feminins et masculins; d'autre part, pour revenir sur la notion de sequence et ses implications; enfin, a partir de la reconsideration de la notion de heros, dans le cadre d'une etude des modes de structurations de l'action, pour avancer une hypothese sur l'evolution des formesThe first part of this study is a descriptive one, that tries to propose a classification of the texts, and examine examples of recurrent changes realized by french dramatists that adapted the spanish golden age comedy on the french stage of the xviith century. The second part present some modulations of the relationships between the characters of the spanish comedia : the simple formula of these relationships, the more complex constructions, and the significative variations of the socio-dramatic status. In the third part, an assessment is made of this functionnalistic analysis of the spanish comedy : it is possible to define a few archetypical figures for male and female characters, and to explain their relationships thanks to the notion of sequence. The study concludes with a hypothesis of historical and formal evolution