Academic literature on the topic 'Typologie (Psychologie) dans l'art'

Résumé Cet article évoque quelques interprétations divergentes de la typologie des connaissances proposée par des théoriciens cognitivistes. L'auteur examine d'abord les concepts de connaissances déclaratives et procédurales dans les trois domaines où ceux-ci sont se sont développés, soit l'informatique, la psychologie et la pédagogie. Il montre comment on est passé d'une typologie des connais- sances basée sur la forme de représentation en mémoire à une typologie basée sur l'objet de la représentation. Quelques exemples illustrent ensuite la confusion qui semble se développer dans le discours pédagogique à la suite de la non-reconnaissance de cette double base de la typologie. Finalement, l'auteur propose aux formateurs d'enseignants quelques clarifications destinées à dissiper la confusion qui entoure le concept de types de connaissances.

À partir d’un dilemme proposant la levée éventuelle de la confidentialité dans le cas du SIDA, la dynamique interne des focus groups est analysée, notamment à travers des formules de discussion précises (questions/réponses, phrases se complétant) et des conclusions différenciées. La présence d’un «compère spontané» permet de proposer une typologie des focus groups indiquant qu’une psychologie de l’influence sociale est à l’œuvre dans ces groupes, comme dans les groupes réels. Les représentations sociales du SIDA sont articulées à l’idée de contamination éventuelle par la seule sexualité tandis que des éléments restent occultés (notamment la transfusion ou la toxicomanie). L'importance des effets positionnels est ainsi mise en relief puisque les focus groups sont composés de jeunes adultes au début de leur vie sexuelle. Ainsi, la notion de fidélité dans le couple apparaît comme palliatif principal dans la lutte contre le SIDA et annule, en quelque sorte, le dilemme comme la nécessité d’une prise de décision.

Cet article analyse les jeux d’enfants dans Les Rougon-Macquart. Il adopte une typologie qui les classe en trois catégories : les jouets, les jeux symboliques et le bal d’enfants. Au-delà de leur fonction éducative et récréative, les jeux pratiqués par les enfants au sein de cette saga littéraire jouent un rôle complexe dans le développement narratif. Ils contribuent à la construction d’un effet de réel, à la création de moments-clés de l’intrigue, à l’exploration de la psychologie des personnages enfants et de leurs parents, à la relation parent/enfant et bien d’autres encore. En outre, l’auteur utilise les jouets et les jeux d’enfants pour nourrir sa réflexion sur l’influence conjointe de l’hérédité et du milieu sur les destins des personnages, en accord avec les principes du mouvement naturaliste. Cette approche offre un éclairage précieux sur la manière dont Zola exploite les jeux d ’enfants comme des éléments narratifs et symboliques dans sa grande fresque littéraire.

Cet article a pour principal objectif d’explorer la notion de l’identité sous différents angles: ethnographie, sociologie, psychologie, psychanalyse anthropologie, géographie et urbanisme. Le dessein de cet article n’est pas de recenser les aspects de l’identité de manière exhaustive, mais de faire un tour d’horizon des principaux domaines qui ont traité l’identité territoriale et proposer une typologie qui va de l’identité personnelle à l’identité territoriale en passant par l’individuelle et la collective. A la genèse de ce papier des questionnements: Que veut-on dire par l’identité ? Quelle est sa relation avec le territoire et est ce qu’elle peut être un levier d’attractivité territoriale réussie ?, la volonté de développer cette notion a été pimentée par le sentiment d’urgence manifesté par la majorité des territoires dans la quête continue de la valorisation de leur identité souffrante de la “maladie” du siècle: la mondialisation.

El artículo, tiene como propósito analizar la importancia del autoconcepto del infante, para el logro del aprendizaje transformacional, con una perspectiva de reflexión de contenidos teóricos, enfocado en el modelo de estudio del arte, con alguno de los siguientes autores: Morín, Fuguet, Abate, entre otros. A partir de las indicadas reflexiones, se establecieron como conclusiones: existen relaciones importantes entre las teorías de la pedagogía sistémica, psicología cognitiva e interaccionismo simbólico en la adquisición del auto concepto. El mismo, se desarrolla a través de la construcción del conocimiento de sí mismo, permitiendo captar el punto de vista de quienes producen y viven la realidad social y cultural, asumiendo el acceso al conocimiento en lo específicamente humano y su forma de actuar con los demás en donde, el accionar del docente, representa un rol relevante para el desarrollo adecuado de dicho proceso, en la educación del infante. ABSTRACT The article aims to analyze the importance of the infant's self-concept, for the achievement of transformational learning, with a perspective of reflection of theoretical contents, focused on the model of art study, with one of the following authors: Morín, Fuguet, Abate, among others. From the indicated reflections, they were established as conclusions: there are important relationships between the theories of systemic pedagogy, cognitive psychology and symbolic interactionism in the acquisition of the self-concept. It develops through the construction of self-knowledge, allowing to capture the point of view of those who produce and live social and cultural reality, assuming access to knowledge in the specifically human and their way of acting with others. Where, the actions of the teacher, represents a relevant role for the proper development of said process, in the education of the infant. Key words: Transformational learning, Self-concept, Education, infants. RÉSUMÉ L'article vise à analyser l'importance du concept de soi du nourrisson, pour la réalisation d'un apprentissage transformationnel, avec une perspective de réflexion de contenus théoriques, centrée sur le modèle d'étude de l'art, avec l'un des auteurs suivants: Morín, Fuguet, Abate, entre autres. À partir des réflexions indiquées, elles ont été établies comme des conclusions: il existe des relations importantes entre les théories de la pédagogie systémique, la psychologie cognitive et l'interactionnisme symbolique dans l'acquisition du concept de soi. Il se développe à travers la construction de la connaissance de soi, permettant de capter le point de vue de ceux qui produisent et vivent la réalité sociale et culturelle, en supposant l'accès au savoir de manière spécifiquement humaine et leur façon d'agir avec les autres. où, les actions de l'enseignant, représentent un rôle pertinent pour le bon développement dudit processus, dans l'éducation du nourrisson. Mots-clés: transformationnel, concept de soi, éducation, nourrissons.

ResumenEste artículo propone diversos elementos que contribuyen, desde las prácticas artísticas, a la construcción de paz. Partiendo de múltiples investigaciones, analiza el rol de las artes y, más específicamente, el papel de la experiencia musical vital, señalando niveles de investigación, ámbitos, teorías (como las ciencias cognitivas y la psicología del desarrollo), así como retos desde los cuales estas prácticas pueden cumplir un papel fundamental en dicha tarea. De esta forma, se clarifican los distintos aspectos en los que es preciso poner la mirada; con la fenomenología como soporte teórico del concepto de experiencia musical vital, se señalan algunos ámbitos posibles para la investigación, como también los dispositivos propios de las prácticas artísticas que son útiles en la construcción de paz. Con esto se espera aportar en el desarrollo del conocimiento sobre la relación entre arte y paz.Palabras clavesExperiencia musical vital; prácticas artísticas; construcción de paz; experiencia humana ARTE E CONSTRUÇÃO DE PAZ: A EXPERIÊNCIA MUSICAL VITALGloria Patricia Zapata RestrepoResumoEste artigo propõe diversos elementos que contribuiem desde as praticas, à construção de paz. Partindo de Múltiplas investigações, analisa o papel das artes e, más especificamente, a da experiência musical vital, assinalando níveis de investigação, âmbitos, teorias (como as ciências cognitivas e a psicologia do desenvolvimento), assim como propósitos desde os quais estas praticas podem cumprir um papel fundamental em dita tarefa. Desta forma, se clarificam os diferentes aspectos nos que é preciso pôr a mira, com a fenomenologia como suporte teórico do conceito de experiência musical vital, se assinalam alguns âmbitos possíveis para a investigação, como também os dispositivos próprios das práticas artísticas que são úteis na construção de paz. Com isto se espera aportar no desenvolvimento do conhecimento sobre a relação entre arte e paz.Palavras-chaveExperiência musical vital; práticas artísticas; construção de paz; experiência humana. Art and Peacebuilding: The Vital Musical Experience Gloria Patricia Zapata Restrepo AbstractThis article proposes diverse elements that contribute, from the artistic practice, to the construction of peace. Based on multiple researches, it analyzes the role of the arts and, more specifically, the role of vital musical experience, pointing to levels of research, fields, theories (such as the cognitive sciences and developmental psychology) as well as challenges from which These practices can play a key role in this task. In this way, they clarify the different aspects where it is necessary to look. With phenomenology as a theoretical support of the concept of vital musical experience, some possible fields for research are pointed out, as well as the devices of the artistic practices that are useful in the construction of peace. This is expected to contribute to the development of knowledge about the relationship between art and peace.Keywords Vital music experience; artistic practice, peacebuilding; human experienceArte y uinahii pazmanda: sug experiencia Tunai VitalGloria Patricia Zapata RestrepoMaillallachiska:Kai articulok proponekume diversos elementokuna que contribuyen, sug practica artistikunana, uiñachingapa paz kallarispa Achka investigacionkuna, analiza chi rol artekunape y más específicamente, sug papel experiencia tunaikuna vital, señalaska nivelkuna investigación, ámbitos, teorías (chi cienciakuna cognitiva y psicología del desarrollo), chasa retocena chimanda chi practicakuna cumplenkuna sug papel fundamental chi tareape. Chasapek clarifikarenme sugrigcha aspectokuna y ka preciso churangapa kauai, chi fenomenologiak sug soporte teorikocena de experiencia tunaikuna vital, kauachimi sug ambitokuna allikai investigacionpepa, chasallata chi dispositivo propio chi practika artistikakuna y ka ministido uiñachingapa paz. Kaiua suiarikumi aportangapa sug desarrollo resengapa chi realcion entre arte y paz.Rimangapa Ministidukuna:Experiencia tunaikuna vital; practicas artísticas, uiñachii paz; experiencia humanaArt et construction de la paix : l'expérience musique vitale Gloria Patricia Zapata Restrepo Résumé Cet article propose divers éléments qui contribuent, dès les pratiques artistiques, à la construction de la paix. Sur la base de recherches multiples, il analyse le rôle des arts et, plus particulièrement, le rôle de l'expérience musicale vitale, indiquant des niveaux de recherche, des domaines, des théories (comme les sciences cognitives et la psychologie du développement) ainsi que les défis à partir desquels ces pratiques peuvent jouer un rôle clé dans cette tâche. De cette façon, il clarifie les différents aspects à regarder de près. Avec la phénoménologie en tant que support théorique du concept d'expérience musicale vitale, certains domaines possibles de recherche sont soulignés, ainsi que les dispositifs des pratiques artistiques utiles à la construction de la paix. Cela devrait contribuer au développement des connaissances sur la relation entre l'art et la paix.Mots clés Expérience musicale vitale; pratiques artistiques; consolidation de la paix; expérience humaine

"ego, lutte, image" se propose de questionner l'univers de l'art applique defini comme l'ensemble des pratiques ou se trouvent confrontes texte et image ; ensemble dont les produits concrets sont par exemple l'affiche, la couverture de livre, l'illustration de presse. Nous poserons la question, dans l'art applique, de l'image figurative. Quelle est la fonction, la situation culturelle de cette image ? quelle est la nature de ce qui laz lie au texte ? quels sont les mecanismes de son interaction avec le texte ? mais d'abord quels outils conceptuels faut-il se donner pour explorer l'art applique et mettre ainsi en perspective le statut de l'image figurative ?

Cette recherche a pour objet d'etudier a la fois les personnages feminins d'oeuvres de la litterature francaise de 1765 a 1833 et les figures feminines de tableaux d'histoire ou de scenes de genre a la meme epoque, de les confronter, de les mettre en relation, afin de tenter de degager leurs caracteristiques communes et d'esquisser, si possible, la typologie d'une image feminine romantique, de definir sa place et de montrer son importance dans l'imaginaire des artistes et des ecrivains d'alors, ainsi que l'originalite de cette femme revee en regard des epoques qui precedent et qui suivent
The object of this research work is to study feminine characters in french literature and figures in history or genre painting between 1765 and 1833 ; it compares and links them together so that their common specific features are brought out in order to define a romantic woman type, its significance in artists' and writers' imagination of that period, as well as the originality of this dreamed woman if compared to feminine images in previous and following centuries

Il était là, nous ne le voyions plus. . . Cet essai se propose de construire un objet artistique à partir d'un objet de mémoire, un souvenir dont sont deployées les dimensions temporelles et plastiques. La figure principale de ce souvenir est une figure de disparition, portée par un objet ayant disparu de la visibilité : un blockhaus particulier situe sur le bassin d'Arcachon, qui s'est peu à peu enfoncé sous l'eau pendant le temps de l'enfance. Le caractère autobiographique du projet ouvre des questions liées aux temporalités et aux conditions de visibilité en jeu dans le travail d'anamnèse ; ces questions sont posées aussi bien dans l'espace de l'écriture qu'avec l'outil technologique vidéographique. Celui-ci est envisagé par rapport à sa nature même disparaissante, tant au niveau historique et esthétique, que technique. Il opère une dématerialisation du réel mais en suggère néanmoins les virtualités : il est ainsi considéré comme l'outil le plus à même de rendre compte du phénomène de disparition, et des processus propres à la mémoire. Les contours du blockhaus en tuiles romaines disparaissant se dessinent sur le fond du déploiement de sa remémoration, appelant elle-même d'autres souvenirs : une expérience de caméra obscura et l'évènement d'un sauvetage. Ils se dégagent également de rencontres avec des objets artistiques en relation de similitude avec eux. Ainsi émergent peu à peu les traits plastiques du blockhaus, l'inclinaison et la fluidité, l'habitabilité et le devenir entropique, le proche et le lointain, l'effet de surface et l'enfoncement, la profondeur mnésique, l'épuisement de son image. Ces traits prennent forme dans des propositions vidéographiques décrites et commentées dans le texte. L'ensemble de la recherche est construit sur le modèle d'un puzzle dont chaque pièce, en se juxtaposant à d'autres, fait apparaître une image possible d'un objet disparu, d'un réel évanoui. Construction d'un objet artistique par un travail de reconstruction de la mémoire, sous les aspects d'images vidéographiques : trois actions liées par l'identité des processus qui les sous-tendent
It was there, we could not see it any more. . . This work aims at constructing an artistic object with an object of memory as its starting point. A memory whose temporal and plastic dimensions are unfurled. The main figure in this memory is one of disappearance, supported by an object which is no longer visible : a specific bunker located on the bassin d'arcachon, in the south-west of france. This bunker gradually sank under the water during the time of my childhood. The autobiographical aspect of the work raises questions linked to temporalities and to conditions of visibility involved in the process of anamnesis ; these issues are raised within the written work as well as through the videographic tool itself. The very nature of the medium involves disappearance, from the historical, aesthetic, and technical points of view. It causes reality to undergo a process of dematerialization and yet at the same time suggests its virtualities : thus it appears as the most suitable tool to account for the phenomenon of disappearance and the processes that are involved in memory. The outlines of the disappearance of the bunker with roman tiles are drawn against the background of the unfolding of its remembrance, which itself calls upon other memories : an experience of camera obscura and an event : a rescue. These outlines also emerge from meetings with art works that bear with them a relationship of similarity. Thus we see the gradual emergence of the plastic features of the bunker: its tilt and fluidity, its inhabitability and its entropic fate ; the close and the remote, an effect of surface and the sinking, the mnesic depth, the exhaustion of its image. These features are shaped as videographic proposals that are described and commented upon in the text. The research work as a whole is built like a jigsaw, every piece of which, juxtaposed with others, reveals a possible representation of an object that has disappeared and a vanished reality. An artistic object built through a reconstruction of memory, seen as videographic pictures : three practices linked by the similarity of the processes that underlie them

Le but de cette thèse est d’examiner comment les artistes de la Renaissance, dits humanistes, ont proposé des interprétations nouvelles de la vision du monde au moment où les découvertes récentes de la cosmologie ont lieu, et également dans quelle mesure la force suggestive des images va de pair avec les conceptions de l’univers, lequel est d’ailleurs considéré par E. Panofsky, historiquement et logiquement comme la première œuvre d’art et le prototype de toutes. C’est pourquoi il importe de reconstituer, sous l’angle d’un certain prisme spéculatif, les fluctuations de la configuration spatiale dans les peintures de la Renaissance européennes
The aim of this study is to examine how the artists of the Renaissance, known as the humanists, have proposed some news interpretations of the vision of the world when the recent discoveries oh the cosmology have happened, and equally how much the suggestive force of images go hand in hand with the conceptions of the universe, which is moreover considered by E. Panofsky, historically and logically as the primary work of art and the prototype of all. It is therefore important to reconstitute, in terms of a certain speculative prism, the fluctuations of the spatial configuration in artistic picture of the European Renaissance

La thèse intitulée: L'altérité intime et l'installation nomade dans l'art contemporain, interroge les notions d'altérité intime (Marc Augé), de nomadisme, et d'installation par la pratique du dessin, de la peinture, du collage, de la photographie et de l'installation. Née de la double culture orientale et occidentale, la recherche tente d'éprouver l'hypothèse suivante: l'artiste nomade, à travers ses déracinements successifs, d'exil en exil, crée-t-elle une œuvre tournée vers l'autre, échappant ainsi aux interdits sociaux ? Dès lors, elle questionne les tabous de la société omanaise ainsi que sa trace laissée sur les femmes et sur leur éducation. La thèse s'articule autour de trois chapitres: I-L'intime larvée et exhumée, II-La relation intime entre le visage et le masque, III-L'installation des carnets intimes ou la chambre d'attente. La création y prend la forme d'une langue intime nourrie notamment des écrits théoriques de Gaston Bachelard, Jean-Pierre Vernant, Roland Barthes, Maurice Merleau-Ponty et d'Eliane Chiron. L'analyse des œuvres de Lénir de Miranda, Louise Bourgeois, Niki de Saint Phalle, Gillian Wearing, cherche à rendre compte de la place de l'artiste dans le monde contemporain. Face à un habitat qui se déplace, et par le récit de nombreux voyages entre orient et occident, il s'agit de trouver le lieu où tout s'origine. On aboutit à la thèse suivante: Paradoxalement, c'est dans le contournement et la transgression des interdits sociaux que l'artiste puise sa force et son énergie créatrice.

Cette présente thèse met en question l’hybridation des genres dans l’œuvre de Diego Velázquez. La définition du genre telle qu’elle apparaît dans les traités espagnols de l’époque présente de fortes analogies avec celle des autres écoles européennes de l’époque moderne, elle procède de la même logique héritée de la même étymologie antique. Mais le caractère intrinsèque du genre n’empêche pas pour autant de constater certaines ambiguïtés, à savoir que la constance des genres picturaux paraît toujours plus faible que le brouillage de ces derniers. Ce phénomène renvoie aussi au problème de la hiérarchie des genres et de leurs déplacements, voire leurs transgressions. Les discours à propos du genre et de leurs distinctions hiérarchisées depuis l’Antiquité ont commencé par une antinomie entre la tragédie et la comédie. Dès lors, on peut considérer la dichotomie générale comme à l’origine de la distinction hiérarchisée du genre pour la littérature, le théâtre ou la peinture de notre époque ciblée. Dans les œuvres de Diego Velázquez, nombreux sont les exemples où l’on observe simultanément les éléments de plusieurs genres dans une œuvre. Notre étude s’articulera autour des typologies de mélanges sur la base de trois genres phénoménaux en Espagne moderne qui apparaissent dans l’œuvre du peintre espagnol. L’antinomie que l’on décèle au début de sa carrière, entre « bodegones » et certaines scènes religieuses, se manifeste dans Le Christ dans la maison de Marthe et Marie ou La Cène d’Emmaüs. Ensuite, certaines œuvres doivent s’envisager sous le prisme de la peinture mythologique décrivant les dieux antiques comme de « faux dieux » qui se mélangent ou s’incarnent avec des figures vulgaires : Bacchus, La forge de Vulcain, Vénus à son miroir, Le repos de Mars, ou même Vue du jardin de la Villa Médicis. Enfin, d’autres œuvres s’inscrivent dans le portrait de groupe royal : Les Fileuses et Les Ménines. En fin de compte, le trésor de la rhétorique antique par rapport à la notion de « satura » nous fournit les pistes méthodologiques permettant d’articuler notre propos, à savoir l’hybridation des genres associée à la manifestation de Velázquez. Finalement, lorsque l’on examine ses typologies de l’hybridation des genres, il ressort que celle-ci renvoie à des problématiques qui n’ont été que relativement peu développées des genres picturaux à l’époque moderne
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Le dévoilement esthétique de l'Inde des années 2000 a un double écho; historique, dans une tradition érotique disparue, et social dans une « révolution sexuelle» qui serait en marche. Le Kâma sûtra, le Tantra, la sculpture médiévale, le Yoga, la loi, la santé, le cinéma, les médias et les arts actuels inspirent une étude de la morale et de l'imaginaire érotique indiens qui révèle le puritanisme de la jeune nation. Avec le changement libéral, la morale puritaine est simultanément attaquée par les audaces médiatiques et les transgressions artistiques. Cette simultanéité révèle les paradoxes du dévoilement: la nudité et le sexe servent l'art dans son entreprise de libération du corps, du sexe et des femmes, en même temps qu'ils servent le plan de communication du modèle marchand. L'art des sociétés occidentales a imposé sa différence avec une stratégie de l'extrême consistant à dévoiler toujours plus. Chez les artistes indiens, la surenchère transgressive et l'idéal de transparence s'arrêtent (encore) aux portes de l'érotisme.

L'esprit nouveau d'Apollinaire met l'accent sur l'effet de surprise, de choc et d'inattendu qu'a provoqué la naissance des tendances nouvelles fondées essentiellement sur la notion de déplacement. Également, l'humour d’Alfred Jarry (théâtre), Pierre Reverdy (poésie), Braque (collage) et l'esprit de Lautréamont inspirent directement les surréalistes qui représentent la rupture de tous les systèmes conventionnels. Leur point commun réside dans leur désir de parvenir à la libération de l'imagination, l'idée centrale des surréalistes. S'appuyant sur ces tendances, Breton invente le surréalisme, reliant déplacement et automatisme qui intègrent dans la réalité le monde caché découvert par Freud, celui de l'inconscient : les surréalistes élargissent la réalité au monde du rêve. C'est ce qu'on appellera la nouvelle réalité ou surréalité, conduisant à la liberté totale, expression de la satisfaction du désir qui valorise le déplacement. Ici, nous trouvons le point commun entre le surréalisme et la performance qui vise également à révéler un monde caché, inconscient, refoulé. Cette méthode induit une rupture et permet une richesse menant à la pluridisciplinarité. A travers l'union de la peinture, de la musique et de la danse, le surréalisme inaugure l'interaction entre genres différents. Ce premier mode de déplacement permet une recherche de nouvelles sensations. De ce point de vue, nous choisissons de Chirico, Magritte et Cornell comme les représentants du déplacement chez les surréalistes, Cage aux États-Unis et Klein en Europe pour les artistes de la performance, avant de nous arrêter sur une artiste contemporaine.

De l'emballage il est difficile de parler rigoureusement. C'est un concept dans un état de devenir et n'est jamais accompli, il est saisi dans l'entrecroisement de niveaux différents. Comme épaisseur, feuilletage, interpénétration des couches, interférence des strates, il se situe au terme d'un parcours fait d'emboitements successifs. Au-delà de la disparité des productions, l'emballage étale une logique interne fondée sur le principe de retournement qui permet de rebrousser chemin et de confronter des concepts contradictoires. C'est une analyse d'un rapport surface-profondeur, où peuvent se jouer toutes les ambivalences des relations inversées, entre invagination/évagination, dedans/dehors, contenant/contenu, éphémère/durable, présent/passé, féminin/masculin, mort/naissance, vide/plein, remède/poison, etc. Une esthétique de la superficialité qui nécessite un regard qui sillonne, taillé et entamé comme pour extraire une substance. Il s'agit d'une exploration complexe du visible, d'un voyage dans l'intimité d'une surface. Installé dans un milieu naturel, l'emballage questionne les habitudes de vision. Il s'insère dans son environnement selon une relation de contenance par adhérence. Son interprétation dépend essentiellement de son lieu d'implantation qui constitue à chaque fois son véritable contenu. En apparence, tout cela relève sans aucun doute d'une stratégie typiquement moderne. Mais au fond, c'est un art qui marche à contre sens de son destin perceptuel, il procède par exhumation archéologique. Une profondeur mythique affleure la réalité du visible, révélant des signes à interpréter et des secrets à explorer.

Le Groupe µ et "le système de formes plastiques” -à propos d’une évaluation- L’objectif de cet article est de fournir quelques exemples et de proposer certains éclaircissements qui peuvent contribuer à la compréhension de la théorie du signe plastique conçu par le Groupe μ. Plus précisément, l’article porte sur les éléments de la théorie en question qui constituent une analyse du système de la forme tant qu’elle est distincte du système de la couleur et du système de la texture. Dans l’espoir de faire connaître quelques-uns des fondations et des implications de ce système de forme plastique, principalement aux lecteurs anglo-saxons, l’article tente également de clarifier sa place au sein de la théorie générale du signe visuel articulé par Groupe μ dans son Traité du signe visuel (1992). La première section de l’article traite de la notion esthétique générale de forme et de sa relation avec d'une part la notion de forme/formation visuelle et de l'autre la notion de forme sémiotique telle qu’elle a été développée par Hjelsmlev. On prend note du risque que les visées d’une sémiotique plastique puissent être indûment confondues avec celles du formalisme dans l'esthétique. Selon l’avis de l’auteur, les études de sémiotique visuelle ne sauraient bénéficier de ce genre de confusion, mais devraient plutôt tenter de maintenir sa distance par rapport aux conjectures et luttes de pouvoir dans le(s) monde(s) de l'art. La deuxième section explique la distinction faite par le Groupe μ entre le signe iconique et le signe plastique, conçus comme des couches séparées du signe visuel. Selon le Groupe μ, le signe iconique forme une structure triadique contenant le signifiant, le type et le référent. Il y a des similarités entre cette conception et le triangle d’Ogden & Richards. Or, la notion du Type a des implications plus vastes que la conception d’Ogden & Richards, selon lesquels il existe une image très générale qui met en relation symbole/signifier et référent – le type est ici le résultat de modélisations et de catégorisations, et il est valable aussi bien pour le signe iconique que pour le signe plastique. Par définition, le signe plastique manque de référent : la relation entre un motif et ses variations dépend donc uniquement du rapport Signifier/Type. Sur la base de cette relation Signifier/Type, les signes plastiques apparaissent, selon le Groupe µ, aux trois niveaux de la sémiose, sur le niveau purement plastique, sur le niveau extravisuel (ou symbolique), et dans une interaction avec le signe iconique sur le niveau iconico-plastique. La troisième section de l’article explique le système de forme plastique telle qu’elle est conçue par le Groupe μ. Le système est constitué par trois « formemes » (ou catégories), à savoir position, dimension et l'orientation. Il est conçu en termes de figures apparaissant dans un plan restreint. Comme les relations fondamentales dans le plan sont celles entre le centre - la marge, le haut - le bas et la gauche - la droite, le système de positions alternatives (par exemple marginal, au-dessus et au centre) est isomorphe au système d'autres orientations (par exemple vers l'intérieur, d'en haut vers le centre). Le système d'autres dimensions/tailles, par contraste, est défini par le biais de la fonction de la taille de la figure en relation à la taille du plan de l’image et le point focal. Ces valeurs plastiques de position, de dimension et d’orientation sont les signifiants du système. Ils sont liés à leurs signifiés de la manière suivante : la position à l’attraction, la dimension à la domination, l'orientation à l'équilibre. Cette corrélation est validée par les auteurs au moyen d’une démonstration visuelle. Dans la quatrième et dernière section de l’article, des observations sont faites au sujet des répercussions plus vastes ainsi que des applications du système. Conformément à la visée du propre Groupe µ à surmonter les limitations qui résultent de la spécialisation de disciplines telles que la psychologie de la perception, l'auteur soutient que des systèmes théoriques comme celui du système plastique peut fournir un cadre interdisciplinaire qui facilite l’évaluation à la fois des données scientifiques et des discours philosophiques généraux concernant le monde visuel. En ce qui concerne des applications plus proches, l'auteur estime que les théories du sens visuel et de la rhétorique du Groupe μ, si elles étaient plus largement connues, contribueraient considérablement à la compréhension de l'importance du sens plastique dans la communication visuelle et au développement des méthodes pédagogiques pour la description et l’interprétation de l'image.