Dissertations / Theses on the topic 'Théâtre (théâtre dansé)'
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Caemerbèke, Pascale. "La Chair du théâtre : les normes corporelles de l'acteur de théâtre et de théâtre-dansé 1970 à 2012." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030044.
Abstract:
Cette thèse est née d’un questionnement sur le corps de l’acteur en scène au regard des normes, insufflé par le séminaire de Jean-Jacques Courtine sur «L’histoire du corps anormal». Cette focalisation sur le corps en scène réactive ma passion pour un théâtre où les acteurs, désignés comme singuliers, ne sortent pas des grandes écoles de théâtre ou de danse. Ces spectacles, de plus en plus visibles, présentent le corps dans sa réalité et non plus son idéalité. Ces corps charnels ont un impact sur les spectateurs. Que dit ce théâtre des corps sur le corps aujourd’hui ? A quel besoin répond-il ? La partie I, en cherchant à nommer ces acteurs et ces spectacles, interroge des notions (normal/anormal/hors-normes, ordinaire/extra-ordinaire, handicap/handicapé, art/art-Thérapie, professionnel/amateur, …) et des normes corporelles en vigueur aujourd’hui, normes de l’acteur et de sa représentation. La partie II analyse des documents hétérogènes afin de cerner le ressenti de spectateurs face aux spectacles de l’Oiseau-Mouche (au fil de son histoire), de troupes et de metteurs en scène qui mettent leur corps en jeuThis dissertation originates in a questioning of the body of the stage actor in relation to social norms, inspired by Jean-Jacques Courtine’s seminar on «the history of the abnormal body». This focus on the body on stage has revived my passion for a kind of theatre in which actors, perceived as singular, have not been trained in the main theatre or dance academies. These shows more and more conspicuously display the body as real rather than ideal. These bodies in flesh and blood have a powerful impact on spectators. What does this body theatre have to say on the current state of the body? What kind of need does it meet?The first part of this work tries to give these actors and these plays a name by questioning some of the categories (normal/abnormal/out of norms; ordinary/extra-ordinary; disability/disabled; art/art-therapy; professional/amateur, …), as well as the bodily norms of the actor and his/her representation in force to day. The second part analyses heterogeneous documents in order to grasp the perception of spectators when attending the Oiseau Mouche various plays (in the course of the company’s history), as well as those of companies’ and stage directors’ works in which the body is deeply involved
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Margnac, Geraldine. "Devī : figure(s) du féminin dans la poétique du Bharata-nāṭyam contemporain : étude de pièces de répertoire au Tamil Nadu de 2000 à 2020." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2022. http://www.theses.fr/2022PA080045.
Abstract:
Cette thèse de doctorat est consacrée à « Devī : figure(s) du féminin dans la poétique du Bharata-nāṭyam contemporain ». Les artistes de Bharata-nāṭyam (un art de la scène majeur en Inde) s’intéressent de plus en plus à des figures féminines comme les nāyikā (héroïnes) et Devī (terme générique regroupant les divinités féminines). Sujettes à de multiples controverses en tant que figures du féminin, elles n’avaient pas encore été étudiées sur la scène du Bharata-nāṭyam. La richesse de pièces mettant en scène des déesses douces comme Lakṣmī, Sarasvatī ou Pārvatī, des déesses puissantes comme Durgā ou Kālī ou encore l’androgyne divin, Ardhanārīśvara, n’interroge-t-elle pas les principes esthétiques de la scène ? Une approche contemporaine des pièces de répertoires de 2000 à 2020 au Tamil Nadu permettra d’en étudier le processus de création. Puisqu’elles entraînent différents points de vue, ces figures semblent pertinentes pour l’étude esthétique d’un art vivant, nourrissant sa vivacité et le processus de réactualisation du sens à l’œuvre. La pluralité des hypothèses interprétatives ne reflète-t-elle pas la fonction poétique du Bharata-nāṭyam ? Ce style donne à entendre un texte de deux façons : par le chant et par le jeu de l’artiste qui l’interprète à travers l’expression gestuelle et émotionnelle. La partition, les ornements, le corps et l’expression des émotions contribuent à provoquer une « saveur », une « émotion esthétique » ou rasa en sanskrit. Notre problématique interrogera dans quelles mesures les formes et représentations de Devī participent au processus d’élaboration du rasa dans la poétique du Bharata-nāṭyam contemporainThis PhD thesis is devoted to "Devī: figure(s) of the feminine in the poetics of contemporary Bharata-nāṭyam". The artists of Bharata-nāṭyam (a major art form in India) are increasingly interested in female figures such as nāyikā (heroines) and Devī (a generic term for female deities). Subject to multiple controversies as figures of the feminine, they had not yet been studied on the bharata-nāṭyam stage. Does not the richness of plays featuring gentle goddesses like Lakṣmī, Sarasvatī or Pārvatī, powerful goddesses like Durgā or Kālī or the divine androgynous, Ardhanārīśvara, question the aesthetic principles of the stage? A contemporary approach to repertory plays from 2000 to 2020 in Tamil Nadu will allow to study the process of creation. Since they involve different points of view, these figures seem relevant to the aesthetic study of a living art, its liveliness and the process of updating meaning at work. Does not the plurality of interpretative hypotheses reflect the poetic function of Bharata-nāṭyam ? This style gives a text to be heard in two ways: by singing and by the play of the artist who interprets it through gestural and emotional expression. The score, the ornaments, the body and the expression of emotions contribute to provoke a "flavor", an "aesthetic emotion" or rasa in Sanskrit. Our problematics will question to what extent the forms and representations of Devī participate in the process of elaborating the rasa in the poetics of contemporary Bharata-nāṭyam
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Miljanic, Bojana. "Théâtre pluridisciplinaire de Josef Nadj : histoire, esthétique et institutionnalisation en France." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA072.
Abstract:
Quand nous admirons une œuvre d’art nous ne pensons pas forcément au parcours personnel de l’artiste ni à tous les moyens matériels dont il a eu besoin pour la production de son œuvre. Cependant une création artistique est toujours le résultat de l’association de ces deux éléments : de ce que l’artiste est comme personne et de tous les réseaux de production et de distribution de son travail. A travers l’exemple de Josef Nadj, cette thèse cherche à expliquer un chemin de création artistique. Comment Josef Nadj s’est construit et quel était le contexte historique qui a marqué le pays dans lequel il est né et conditionné son œuvre. Quelle est son esthétique et de quelle manière il organise son processus créatif. Finalement, quelles sont les circonstances de son arrivée en France et de son implantation dans les réseaux culturels français qui soutiennent le financement et la distribution de son œuvre. Son histoire est d’autant plus intéressante qu’elle englobe le parcours d’un artiste immigrant qui a obtenu la reconnaissance professionnelle d’abord dans son pays d’adoption, la FranceWhen we admire an artwork we do not necessarily consider the personal background of the artist and the material means that were required for the production of the artwork. However, every artistic creation is a result of fusion of these two conditions: who the artist is as a person and all the different networks of production and distribution of his work. This thesis is trying to explain, using the example of Josef Nadj’s career, how one’s artistic path can look. What was the historical context of the Josef Nadj’s native country during his life—and even before his birth— and how these circumstances influenced his growing up and later his artistic choices. What do his aesthetics look like and how does he create his pieces. Finally, which circumstances brought him to France and how did he join French cultural networks which later financed and distributed his work. The story of his background and professional career is even more interesting because it sheds light on an artist-immigrant who obtained his professional recognition in his adopted country—France
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Sawitzki, Robinson Sergio. "La mise en scène de la mythologie personnelle du performer : quelques repères pour la construction de la performance autobiographique." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080114/document.
Abstract:
Cette thèse a pour objet d’étude théorique/pratique la performance et le performer. Il s’agit, plus précisément, de l’étude de l’utilisation de la mythologie personnelle du performer dans des processus de recherche, de créations de mises en scène et/ou des performances pour lesquelles le matériau de construction est l’univers personnel du performer. La problématique de ce projet est donc la mise en scène de la mythologie personnelle du performer qui donne son origine à une performance située entre l’autobiographie et l’autofiction. Il est question d’étudier la performance, plus précisément celle dite « autobiographique », en élargissant le champ de recherche à des créateurs qui associent le théâtre et la danse, mais également au champ des arts plastiques.A travers ce croisement des disciplines et le surgissement des nouvelles formes artistiques qui en découlent, l’objectif de ce travail est d’étudier le performer et la performance en tant que « signature » personnelle. Il est question ici de témoigner et de repérer un parcours singulier qui est à l’origine d’un processus artistique pratique/théorique lequel assume des formes esthétiques inévitablement individuelles, tout en dépassant l’affaire privée pour arriver à une notion plus large et collective. La tentative est celle d’assumer les influences et les métissages à travers lesquels nous nous sommes constitués. Elles ont ouvert la possibilité de regarder à l’intérieur de moi-même les chocs qui ont créé des itinéraires pour ensuite les accepter en tant que matériau pour ma propre création artistiqueThis thesis aims to study the theoretical and practical performance of the performer. More specifically the study of “personal mythology” of the performer, from portrayals of creation and performance for which the building material is the personal universe of the performer. The challenge of this project is the staging of the personal mythology of the performer that gives origin to a performance somewhere between autobiography and self-fiction. I propose a study of the performance, specifically the so-called "autobiographical", expanding the search field to other artists who combine theatre and dance as well as in the visual arts field. Through these cross disciplines and the emergence of new artistic forms derived from it, the objective of this work is to study the performer and the performance as a "signature", analysing the creative process using autobiographical material, personal mythology, and the influence of that on my own creative process as a practitioner. Points such as the self, body, identity, signature, name, meeting and collaboration are approached to talk about personal mythology as a set of autobiographical events related to memory, the experiences and the dreams. The autobiographical material will serve as starting point for the construction of a work. The myth can then be the symbolic representation of a past time and a form created according to individual experiences
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Buftéa, Maria Claudia. "Théâtre et vision théâtrale dans l’œuvre de Mircea Eliade." Aix-Marseille 1, 2009. http://www.theses.fr/2009AIX10059.
Abstract:
Dans cette thèse, nous nous proposons de suivre la relation particulière de Mircea Eliade avec le théâtre. Nous analyserons les constantes qui permettent une compréhension adéquate de la vision de l’écrivain roumain sur le théâtre et sur le spectacle. Il s’agit principalement des motifs tels que : le labyrinthe, le camouflage du sacré dans le profane, le voyage initiatique, le mythe, les traditions populaires, etc. Toutes ces constantes facilitent un décryptage et une compréhension profonde des écrits littéraires de Mircea Eliade. Ainsi, l’œuvre littéraire sera mise en relation avec l’œuvre scientifique.
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Letellier, Éloise. "Le théâtre dans la ville : recherches sur l’insertion urbaine des théâtres romains." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3034.
Abstract:
Les théâtres romains, dont on peut observer les vestiges dans de très nombreuses villes tout autour de la Méditerranée, sont des objets familiers et pourtant souvent encore mal connus. Ils n’ont bénéficié que de rares études synthétiques. Inspiré par les recherches menées sur les théâtres et autres édifices de spectacles des époques plus récentes, ce travail porte un regard résolument urbain sur des édifices polyvalents caractéristiques de l’urbanitas : à la fois lieux de spectacles, de vie quotidienne et de cérémonies, lieux de rassemblements civiques et religieux, lieux de mixité sociale. Les innovations architecturales apportées par les Romains à la forme théâtrale inventée par les Grecs leur permettaient en effet de déterminer plus librement la place des théâtres dans leurs villes et de les intégrer à des programmes urbains concertés et signifiants. En confrontant l’analyse des représentations antiques - figurées ou littéraires - des théâtres romains et quelques études de cas archéologiques approfondies, l’objectif était d’explorer et de clarifier l’ensemble des liens qui pouvaient se nouer entre le théâtre et la ville à l’époque romaine, des plus matériels aux plus symboliques. La multiplication des échelles d’approche et l’attention portée à l’insertion dynamique et subjective des théâtres dans les paysages urbains les fait apparaître comme des objets à la fois typiques et singuliers, complexes et immédiatement lisibles et pour finir remarquablement efficaces dans la composition et l’incarnation de l’image des villesThe vestiges of Roman theatres are ubiquitous throughout the Mediterranean Basin; these structures are familiar, yet remain relatively unexplored, with only a few studies considering their general place in Roman life. Inspired by research on the theatres and entertainment buildings of more recent times, this study offers an urbanistic perspective on these multipurpose edifices; characteristic of the urbanitas, these were at the same time buildings for theatrical performances, ritual ceremonies, and daily activities; civic and religious meeting places; centres of social interaction. The innovations the Romans made to the architectural theatrical form invented by the Greeks enabled them to redefine the theatre’s place in the city and to incorporate it purposefully into their plans for urbanization. Combining the analysis of ancient textual and pictoral representations of Roman theatres with archaeological case studies, this thesis explores and clarifies the practical and symbolic relationships between the theatre and the city in Roman times. By broadening the scope of investigation and by exploring the dynamic and affective positioning of the theatre into the Roman urban landscape, this thesis reveals these architectural structures to be simultaneously typical and unique, complex and understandable, and ultimately remarkably effective in establishing and embodying the image of the city
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Arroues, Ben Selma Ophélie. "Yaʿqûb Ṣannûʿ, du théâtre au journalisme : L’écriture théâtrale dans Abû Naẓẓâra." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCF022.
Abstract:
Yaʿqûb Ṣannûʿ(1839-1912), auteur polémique de la Nahḍa, est un des pionniers du théâtre et dujournalisme arabes. La thèse se propose d’analyser, à partir des premières années de son journal AbûNaẓẓâra (1878-1910), la relation entre écriture théâtrale et écriture journalistique, l’une servant de relaisvers la seconde qui s’invente entre le patrimoine littéraire arabe et la presse européenne du XIXème siècle.Ṣannûʿ s’inspire de formes théâtrales arabes anciennes pour créer des pièces « théatro-journalistiques »qui s’emparent de l’actualité. Par ailleurs, dans Abû Naẓẓâra, le dialogue s’affirme comme genre autonomeet mode principal de traitement de l’actualité. Dès lors, on doit considérer que l’ensemble du journal seconstruit sur le modèle du texte théâtral. L’écriture dramatique est mise au service du projetjournalistique : le théâtre participe de la dynamique satirique tandis que le dialogue a une visée didactiqueen direction du lecteur de la presse. Abû Naẓẓâra prétend se faire le porte-parole du peuple égyptien. Lepolitique y est approché à travers le prisme de la métaphore théâtrale et présenté comme une grandecomédie. La pièce de théâtre, conçue pour être lue collectivement et jouée, fait du lecteur un acteur de lascène politiqueYaʿqûb Ṣannûʿ (1839-1912) is a controversial author of the Nahḍa and one of the pioneers of Arabic theatreand journalism. This thesis, based on the first years of Ṣannûʿ's magazine, Abû Naẓẓâra (1878-1910),intends to analyze that interplay between dramatic writing and journalistic writing. The first has a bridgingfunction leading to the second that emerges from the interactions between the Arabic literary heritage andthe 19 th century European press. Ṣannuʿ draws inspiration from the ancient Arabic theatrical forms inorder to write "dramatic journalistic" stage plays that capture the news. Furthermore, in Abû Naẓẓâra, thedialogue becomes an autonomous genre in itself as well as the main news-making means. Therefore, onemust consider that the whole magazine builds up on the model of the play. Dramatic writing serves thejournalistic purpose: theater takes part in the dynamics of satire while the dialogue takes on a didactic rolefor the press readers. Abû Naẓẓâra claims to be the voice of the Egyptians. Politics is perceived throughtheatrical metaphor and depicted as a farce. The play, initially intended to be read and performedcollectively, turns the reader into an actor of the political stage
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Bélanger, Louis. "Le jeune théâtre dans la champ théâtral québécois, évolution idéologique, 1950-1985." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/nq26374.pdf.
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Bélanger, Louis C. "Le Jeune Théâtre dans la champ théâtral québécois évolution idéologique (1950-1985)." Thèse, Université de Sherbrooke, 1997. http://savoirs.usherbrooke.ca/handle/11143/2686.
Abstract:
Cette thèse analyse l'évolution idéologique du phénomène du Jeune Théâtre québécois, de la fondation de l'A.C.T.A. (l'Association canadienne du théâtre amateur), en 1958, à la dissolution de l'A.Q.J.T. (l'Association québécoise du jeune théâtre), en 1985. L'hypothèse retenue est que le Jeune Théâtre, inspiré par l'évolution sociale, politique et culturelle de la société québécoise, a adopté des stratégies de transgressions symboliques au sein de l'institution théâtrale, lesquelles ont favorisé la reconnaissance légitime de discours idéologiques et de savoirs inédits dans le champ théâtral québécois. Au plan théorique, l'analyse s'inspire des travaux de Robert Fossaert, de Jacques Dubois et de Pierre Bourdieu sur le discours social, l'institution littéraire et la notion de champ de production culturelle, respectivement. L'entreprise se veut une synthèse des interventions propres au Jeune Théâtre québécois, et ce, à la lumière de leur impact sur l'ensemble de la pratique théâtrale québécoise.
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Perotto, Gérard. "Théâtre et jeu social : approche ethnométhodologique de la praxis théâtrale dans la marginalité." Bordeaux 3, 1996. http://www.theses.fr/1996BOR30059.
Abstract:
Quelle est la pertinence de la mediation theatrale dans des situations de marginalite? a travers quatre experiences d'insertion utilisant la pratique theatrale comme element mobilisateur et dynamiseur de l'individu, nous mettons en evidence neuf "points de rupture" qui caracterisent un individu en situation de marginalite, et sur lesquels la pratique theatrale, par le biais du jeu d'improvisation, le langage et l'excercice du corps, met en travail l'individu pour le retablir dans la conscience de soi et du progres de soiWhat is the relevance of dramatical mediation within marginal situations? through four integration experiments using drama to mobilise and dynamise the individual, we bring out nine breaking points which characterise an individual in a marginal situation and in which drama, in the form of improvised role-plays, speech and corporal expression enables the individual to work, on re-establishing self-awareness and a notion of personal progress
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Shimada, Kaoru. "Absurdité, théâtralité, fictionnalité: essai sur le texte de théâtre : l'écriture théâtrale d'Albert Camus." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040006.
Abstract:
Comment lire le théâtre d'Albert Camus, comme il le souhaitait, sous l'angle purement esthétique : sans le réduire à la démonstration de la thèse exposée dans ses essais philosophiques ? Dans le contexte actuel de l'esthétique et de la poétique, la question est inséparable d'une autre : qu'est-ce que la théâtralité du théâtre et de son texte ? L'examen du cas de Camus révèle des traits spécifiques au texte théâtral qui semblent converger vers la fictionnalité de ce dernier. Toutefois, la théâtralité n'est pas synonyme de fictionnalité bien que les deux notions soient étroitement liées à l'absurdité : celle-ci, qui se trouve dans le principe fondamental de la communication, sert à la reconnaissance de l'une ou de l'autre. Et dans le cas du théâtre de Camus qui exemplifie l'absurdité plus qu'il ne la représente, l'expérience esthétique du lecteur-spectateur consiste avant tout à saisir la signification de cette distance entre l'intention artistique et l'œuvre qui la réaliseHow can we read the theatre works of Albert Camus, as he wished them to be read, from a purely aesthetic angle, without reducing them to the demonstration of the thesis expressed in his philosophical essays? In the current context of aesthetics and poetics, this question is inseparable from another question: what is the theatricality of theatre and theatrical text? The case of Camus reveals some specific features of the theatrical text that appear to point towards its fictionality. However, theatricality is not synonymous with fictionality, although these notions are both closely connected with absurdity. Absurdity, which is to be found in the fundamental principle of communication, allows us to recognize both theatricality and fictionality. In the case of Camus's theatre, which exemplifies more than it represents absurdity, the aesthetic experience of the reader-spectator consists above all in grasping the full meaning of the distance that separates the artistic intention and the works that realize it
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Simard, Audrey. "LE POTENTIEL THÉÂTRAL DU BUTÔ Métissage danse-théâtre en appui sur les Cycles Repère." Thesis, Université Laval, 2012. http://www.theses.ulaval.ca/2012/29326/29326.pdf.
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Lepage, Danielle. "Le théâtre d'intervention, étude anthropologique de la pratique théâtrale dans les organisations au Québec." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1999. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp01/MQ41944.pdf.
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Mejri, Mahmoud. "La nouvelle thématique dans le théâtre tunisien contemporain : Mutations socio-culturelles et activité théâtrale." Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040070.
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M'Rabet, Moez. "Stanislavski dans le théâtre américain : réception, transmission et évolution d'une approche du jeu théâtral." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030035.
Abstract:
Après la Russie, c’est sans doute aux États-Unis que l’influence de Stanislavski, « père » de l’art du jeu moderne, fut - et reste – prépondérante. Par son intensité, son ampleur, sa longévité, mais aussi par sa capacité à surmonter nombre d’obstacles (politiques, linguistiques, culturels), le rapport de Stanislavski au théâtre américain apparaît indéniablement comme un phénomène étonnant et fascinant. Rares furent, cependant, les études de cette influence tenant compte à la fois de l’héritage russe et de l’impact du Système sur le jeu de l’acteur américain, et s’inscrivant dans une perspective historique, esthétique, voire anthropologique. Cette recherche vise à définir les processus de réception, de transmission et les voies d’assimilation du Système aux États-Unis. Cette aventure a-t-elle amené une préservation et un enrichissement de cet héritage, ou, au contraire, l’a-t-elle marginalisé, déformé, voire trahi ? Il s’agit également de comprendre si cette transmission a servi le théâtre américain et lui a permis d’évoluer, ou l’a desservi, en provoquant une véritable crise esthétique et identitaire responsable de l’« éclatement » du milieu théâtral américain en différentes « confessions », prônant chacune une interprétation du Système, comme tendent à l’affirmer les travaux essentiellement nord-américains effectués, dans ce domaine, jusqu’à nos joursOutside Russia, it goes without saying that Stanislavski's influence in the USA, the father of the art of modern acting, has been the most important of all. Because of its intensity, its impact, its longevity as well as its capacity for overcoming a large number of obstacles ( political, linguistic and cultural), Stanislavski ' relationship to the American theatre certainly appears as an astonishing and fascinating phenomenon. However, there have been few studies about this influence taking into consideration altogether the Russian heritage and the impact of the system on the American actor, in line with the historical, aesthetic and perhaps even the anthropological perspective. This research aims at defining the processes of reception, transmission and the means of assimilation of the system in the USA. Has this adventure brought about the preservation and enrichment of the Russian heritage or, has it, on the contrary, marginalized it, distorted it or, perhaps even betrayed it? We also need to understand whether this transmission has served the American theatre and has allowed it to evolve or has harmed it by causing a true aesthetic and identity crisis which has led to the breaking-up of the American theatrical milieu into a variety of denominations, each one advocating its own interpretation of the system as it appears in the latest works in the field most of which are essentially North-American
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Murillo, Trejo Brígida. "Présence du théâtre français dans le théâtre mexicain, 1928-1960 : le cas des groupes de théâtre expérimentaux "Ulises", "Orientación", et "Proa Grupo" : une rencontre théâtrale entre le Mexique et la France." Perpignan, 2008. http://www.theses.fr/2008PERP0827.
Abstract:
Dans le théâtre mexicain du XX ème siècle, trois groupes de théâtre expérimental, « Ulises » (1928), « Orientación » (1932-1939) et « Proa Grupo » (1942-1960), mettent en scène un nombre considérable d’auteurs français des périodes de l’entre-deux guerres et de l’après-guerre. Ainsi, des auteurs comme : Claude Roger-Marx, Charles Vildrac, Jean Cocteau, Henri-René Lenormand, Jean-Victor Pellerin, Jules Romains, Marcel Achard, Jean Giraudoux, Jean Anouilh, Jean-Paul Sartre, Georges Feydeau, Michel Durafour, Marcel Aymé, Marc Gilbert Sauvajon, Jean Guitton, Jacques Deval, Louis Sapin ou Eugène Ionesco sont traduits et représentés au Mexique par ces trois groupes de théâtre. Cette thèse propose un schéma d’analyse fondé sur les concepts de l’inter-culturalité et de la reconstitution des spectacles pour déterminer quelles sont les conditions qui favorisent la présence du théâtre français dans le théâtre mexicain de cette période (1928-1960). Dans un premiers temps sont repérés les contextes historique et théâtral de la France et du Mexique, les conditions dans lesquelles les groupes théâtraux apparaissent, leurs objectifs, leur répertoire, ainsi que l’accueil de leurs travaux par la presse mexicaine. Suit la sélection d’une pièce dramatique mise en scène pour chaque groupe (Le Temps est un songe, Jean de la lune et Les Mains sales), son analyse dramatique et le déchiffrage des messages de la dramaturgie française. Vient ensuite la comparaison des versions traduites. Sont abordés également, les traits de la mise en scène dans le contexte français : un bilan de la réception des pièces par la presse française précède l’analyse de la création du metteur en scène en France à partir du livret original. Le travail théâtral de « Ulises », « Orientación » et « Proa Grupo » permet de découvrir différents points de confluence entre les deux formes de manifestations théâtrales du Mexique et de la FranceThree groups of experimental theater arise in the Mexican theater of the 20th Century: « Ulises » (1928), « Orientación » (1932-1939) and « Proa Grupo » (1942-1960). These groups put on stage a great number of French authors who belong to the period between the Wars and the post war period. The plays of authors like: Claude Roger-Marx, Charles Vildrac, Jean Cocteau, Henri-René Lenormand, Jean-Victor Pellerin, Jules Romains, Marcel Achard, Jean Giraudoux, Jean Anouilh, Jean-Paul Sartre, Georges Feydeau, Michel Durafour, Marcel Aymé, Marc Gilbert Sauvajon, Jean Guitton, Jacques Deval, Louis Sapin or Eugène Ionesco are translated and put on stage by these three theater groups. The present thesis put forward an analysis scheme based on the concepts of interculturality and the reconstitution of theater plays in order to determine the conditions that foster the presence of the French theater in the Mexican theater from 1928 to 1960. The first part is dedicated to the description of the historical and theatrical contexts in France and Mexico, the context in which these theatrical groups emerge, their objectives, their repertoire, as well as the way the Mexican press receive their work. Secondly, a play staged by each group is chosen: Le Temps est un songe, Jean de la lune and Les Mains sales in order to carry out an analysis of their dramatic qualities and later a comparison of the translated versions. Is also included a description of the staging within the French context and from the original script analyzing the creation of the stage director as staged in the French theater. The theatrical work of « Ulises », « Orientación » and « Proa Grupo » allows us to discover the different points of intersection between the theatrical forms in Mexico and France
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Bernard, Julie. "Les mots et les choses dans l'œuvre théâtrale d'Alberto Savinio : un théâtre de l'entre-deux." Thesis, Normandie, 2021. http://www.theses.fr/2021NORMC004.
Abstract:
Alberto Savinio (1891-1952), alias Andrea de Chirico, frère du célèbre peintre du mouvement métaphysique, est un nomade dans le monde de l'art : tour à tour peintre, musicien, écrivain, dramaturge, scénographe, traducteur mais aussi critique, il expérimente tout, abolit les frontières artistiques et linguistiques et fait du « jeu » son credo. Cet artiste polyédrique fait du théâtre un lieu ludique où toutes ces formes d’expression se retrouvent sur scène.Cette thèse pense son œuvre théâtrale comme un théâtre de l’entre-deux qui dépasse l’idée d’un théâtre total pour atteindre l’infini. Au cœur de cette brèche et par le prisme du langage, le dramaturge interroge le réel, questionne son temps et ouvre les champs des possibles.Le théâtre savinien est en effet le lieu où tout s'exprime : les mots, les morts et même les objets. Dans ce théâtre où « tout est parole », le dramaturge-scénographe exerce un jeu « pervers » sur les mots et les objets. Sa baguette de chef d’orchestre devient plume ou pinceau. Elle transforme le verbe et la matière en des choses visibles, plastiques, sonores ou parlantes et révèle au lecteur-spectateur le mystère et la poésie du monde. Alberto Savinio exhibe ainsi la théâtralité de la parole et comble la faille du discours. Les limites de la parole sont alors annihilées. La parole résonne hors-scène et sur les ondes.Dans ce théâtre trompe-l’œil, l’ennui n’a pas de place. Le lecteur-spectateur est toujours en alerte, jamais tranquille. Sa participation est active. Son intelligence et son esprit civique aussi. Or, l'étude de la réception de son œuvre théâtrale, en France et en Italie, sera l'occasion de s’interroger sur ces manquements de la part du public du vivant de l’auteur. La réhabilitation sera tardive mais sans limites.Cette thèse est un parcours dans l’œuvre théâtrale d’Alberto Savinio. Il s’agit de chercher les entrées et les sorties, de pénétrer au cœur de l’entre-deux, espace clos ou infini, où se cristallise l’activité polymorphe de l’artiste. À travers cette « Aventure colorée », le spectateur savinien explore et questionne l’envers du décorAlberto Savinio (1891-1952), alias Andrea de Chirico, brother of the famous painter of the metaphysical movement, is a wanderer in the world of art : in turn painter, musician, writer, playwright, set designer, translator but also critic, he experiments everything, abolishes the artistic and linguistic boundaries and makes "play" his creed. This versatile artist turns the theatre into a playful place where all these forms of expression can be found on stage.This thesis considers his theatrical work as a theatre of the in-between that goes beyond the idea of a total theatre to reach infinity. At the heart of this breach and through the prism of language, the playwright questions reality, questions his time and opens up the fields of possibilities.Savinian theatre is indeed the place where everything is expressed: words, the dead and even objects. In this theatre where everything is spoken, the playwright and set designer plays a "perverse" game on words and objects. His conductor's baton becomes a pen or a brush. It turns the language and the matter into visible, plastic, sonorous or speaking objects and reveals to the reader-viewer the mystery and poetry of the world. Alberto Savinio thus exposes the theatricality of speech and fills the gap in the discourse. The limits of speech are therefore annihilated.The word resounds off-stage and on air. In this trompe-l'oeil theatre, there is no room for boredom. The reader-viewer is always on guard, never at rest. His participation is active. So are his intelligence and civic mind. Now, studying the reception of his theatrical work, in France and Italy, will be an opportunity to question these failings on the part of the audience during the author's lifetime. He will know a late but limitless rehabilitation.This thesis is a journey through the theatrical work of Alberto Savinio. The entries and exits must be discovered, to delve into the heart of this in-between, closed or endless space, where the artist's polymorphic activity crystallizes. Through this "coloured adventure", the Savinian spectator explores and questions the other side of the scenes
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Yener, Melisa. "L'ambiguïté dans les formes récentes de "théâtres de la parole" : un renouvellement de la dimension politique du théâtre." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030096.
Abstract:
L'objectif ici est de repenser la question du politique et du théâtre, en se situant au-delà de la problématique de l'engagement. à partir d'un corpus contemporain incluant «les barbares sont arrivés» de Stasiuk, «invasion!» de Khemiri, les oeuvres de Vinaver et de Crimp, il s'agit de repenser cette question à travers l'angle de l'ironie, en tant qu'élément central d'une conception élargie de la parodie. Cette dernière prendrait alors pour objet non seulement une œuvre ou un genre, mais aussi, et surtout, la cité, à travers les «façons de parler» et les discours qui circulent dans l'espace public. La parodie sera donc considérée comme un travail sur l'énonciation, une décontextualisation et une recontextualisation de l'énonciation, et c'est dans ce sens que l'ironie sera considérée comme son élément central: l'ironie apparaît avec l'écart qui se pose entre le contexte et l'énonciation, avec des mises en contact incongrues entre des éléments jugés inconciliables. elle pose un point de vue détaché et discordant, met en œuvre une déstabilisation propre au comique, interpelle et provoque un travail de réception, engendré par une perte de l'évidence et une remise en question de ce qui « va de soi ». C'est ce geste qui s'avère subversif: L'ironie et la parodie invitent chacun à aller au-delà de ses représentations, à repenser ses certitudes, minent de l'intérieur l'autorité et la stabilité des discours dominants, sans pour autant énoncer des vérités simplificatrices. Elles investissent cette potentialité théâtrale qui rend possible la distance, donnent lieu à une imitation non soumise, décalée, décentrée de la cité, ce qui induit une présence du politique dans ces dramaturgiesOur purpose is to establish the specificity of recent publications (1990 – 2009) identified as the “theatres of speech”, and based upon a worldwide corpus. These plays shape a new political dimension for theatre through ambiguity, considered as an opening for several interpretations, mutually incompatible. In opposition to the vast majority of political theatre works of the XX century, the authors selected in the present corpus refuse to control the outcome of their work on the reader or audience member, or to orientate his/her interpretation in one direction. Ambiguity, in irony and parody, generally causes two kinds of reception: the naïve one, based upon agreement (approval, belief, or fascination), in a context which makes it discordant, or, on the other side, the critical one. The political dimension of these plays appears in the opportunities given to the reader or audience member to question, all by himself, the kinds of manipulation (such as strategy of speech or narration), their effects, as well as the reception habits which make them efficient. These works can then contribute to reduce the impact of manipulation forms based upon habits of naïve reception; hence reduce the action range of strategies based on a “scheme of domination” (Rancière). However, no certainty exists that such opportunities will be used by the reader or audience member. The new political dimension lies in the fact that its visibility is deliberately connected to the singular encounter between the play and each reader or audience member
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Di, Bella Sarah. "L'expérience théâtrale dans l'oeuvre théorique de Luigi Riccobini : contribution à l'histoire du théâtre au XVIIIe siècle." Paris 10, 2004. http://www.theses.fr/2004PA100159.
Abstract:
Cette étude propose une réflexion sur le rapport entre théorie théâtrale et " expérience " à partir de l'examen de l'œuvre théorique du comédien italien Luigi Riccoboni (Modène 1676 - Paris 1753). Ses écrits d'histoire du théâtre et d'art dramatique révèlent une véritable théorie de l'" expérience ", allant de la " pratique " à l'" expérience vécue ". Emergent alors la théorisation du professionnalisme théâtral et une écriture résolument disciplinaire. Dans le projet de " réformation ", discours disciplinaire et ambitions bourgeoises convergent dans une vision panoptique de l'espace théâtral. Luigi Riccoboni mène son combat théorique, duquel dépend son " salut social ", en reliant systématiquement le discours sur l'art du comédien au langage disciplinaire des pratiques sociales " de l'honneur ", instaurées par la Renaissance italienne et qui, au XVIIIe siècle, allaient de la pensée politique disciplinaire de la surveillance jusqu'aux rituels de la sociabilité maçonnique de son tempsTaking its point of departure in the theoretical writings of Italian actor Luigi Riccoboni (1676-1753) this study proposes a reflection on the relationship between the theory and the experience of theatre. The writings of Riccoboni on the artistic and historical dimensions of theatre reveal a genuine theory of experience, encompassing both the concrete practice and the sedimentated Erlebnis. From this theory emerges the professionalism of theater and a genuine disciplinarian discourse. In this reformatory project, the disciplinarian discourse and the social ambitions of Riccoboni converge in a panoptic vision of the very space of theater. Luigi Riccoboni leads his combat, on which his social success depends, by connecting the discourse on the art of the comedian to the disciplinarian language of the "honorable" social practices which were present in both political thought on disciplinary surveillance as well as in the contemporary social rites of freemasonry
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Coelho, de Souza Ladeira Juliana. "Entre mondes : voyages, récits et entrelacements de pratiques autour du topeng balinais." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080123.
Abstract:
Le témoignage de quelques artistes balinais et non balinais est le point de départ de cette recherche sur les pratiques du topeng balinais, ainsi que les enjeux interculturels qui ont été soulevés à partir de ces expériences. Dans le milieu théâtral, Bali le récit-témoignage d’Antonin Artaud sur le théâtre balinais posera les bases de la création d’une imagerie de Bali et de ses manifestations performatives. À partir des années 1970, de nombreux artistes de théâtre voyagent à Bali pour apprendre in loco ces manifestations artistiques, en particulier le topeng. Inversement, des artistes balinais voyagent à l’étranger et s’établissent dans d’autres pays. Pour les artistes non balinais, le voyage à Bali a provoqué des moments de bouleversement divers. Cette recherche essayera de confronter les apprentissages et les bouleversements des artistes balinais et non balinais pour essayer de comprendre les différents rapports au masque et à l’apprentissage de la danse. Pouvons-nous établir des lignes de transmission de ces pratiques ? Quels rapports ces artistes étrangers ont entretenu avec le topeng, avec Bali et les Balinais eux-mêmes ? Quelle est la perception de certains artistes balinais de ces étrangers ? Les différents aspects de la notion de taksu, couramment traduite par « présence de scène », seront approchés, pour essayer de comprendre les enjeux liés à ses différentes formulations. Finalement, pour moi, le voyage à Bali a signifié une transformation de ma cartographie personnelle, un changement de perspective m’amenant ainsi à repenser ce binôme Orient-Occident, tant présent dans les discussions concernant l’AsiePersonal accounts of certain Balinese and non-Balinese artists are the point of entry of this research conducted on practices of the Balinese topeng art form, as well as the intercultural issues often emerging in such experiences. In the theatrical milieu, Antonin Artaud’s narrative-testimony would found the bases for the creation of a Balinese imaginary and its multiple performative manifestations. Beginning in the 1970s, many theatre artists voyaged to Bali to learn in loco about these different artistic manifestations, specifically topeng. Inversely, certain Balinese artists would voyage abroad, establishing themselves in other countries. For non-Balinese artists, the trip to Bali has prompted different types of upheaval. Such disruptive moments have been described as instances in which otherness is directly perceived. This research addresses the learning processes and the upheavals of Balinese and non-Balinese artists, attempting to understand the different links to the mask and to the teaching and learning of dance. Can we establish the means in which these practices are transmitted? What relations have foreign artists maintained with topeng, with Bali, with the Balinese, themselves? How do certain Balinese artists perceive foreigners? The different aspects of the notion taksu, frequently translated as “stage presence” will be analysed to better comprehend the issues surrounding its diverse formulations. Finally, engaging a personal viewpoint, my own voyage to Bali signified a transformation of my cartography, a change of perspective that permitted rethinking the binary East-West, which is so predominant in discussions concerning Asia
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Valipour, Valeska. "La pratique théâtrale dans l’Allemagne de la seconde moitié du dix-huitième siècle (1760 – 1805)." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030019/document.
Abstract:
L’Allemagne du dix-huitième siècle est composée de plus de 300 petits pays se différenciant en ce qui concerne la politique, la religion et la langue. S’y ajoutent des territoires qui ne sont pas allemands, mais sous influence de la culture germanophone.Cette étude analyse alors un territoire qui s’étend de l’Alsace jusqu’en Russie et des pays scandinaves jusqu’en Suisse. Embourbés dans des guerres territoriales, les souverains ne montrent que peu d’intérêt pour le théâtre, et si oui, uniquement pour l’opéra italien et le théâtre français. Au début du siècle, le théâtre professionnel allemand est surtout influencé par le théâtre anglais et un peu par la comédie italienne.Le statut social des acteurs est très mauvais. C’est surtout la bourgeoisie qui se méfie d’eux. A partir des années 1730, sous influence du théâtre français, le théâtre allemand s’émancipe. Dans la seconde moitié du siècle, il devient le moteur del’embourgeoisement de la société. Les actrices se sont beaucoup investies dans cette évolution, non malgré, mais en raison de leur statut social particulièrement mauvais. Longtemps, seules les gender studies se sont intéressées à cette période de l’histoire théâtrale. Une de leurs théories de base définit l’homme et la femme comme deux groupes sociologiques distincts. Cette théorie a été reprise, sans en questionner lavalidité pour l’histoire théâtrale. C’est le point de départ de cette étude, qui compare les vies de plus de 400 actrices et acteurs de l’époque. De nombreux aspects de la vie privée et professionnelle y sont abordés : famille, carrière, finances, situation juridiqueet fréquentations. Ce mémoire démontre que le milieu théâtral de l’époque peut effectivement être divisé en deux groupes : les comédiens ayant grandi au théâtre et ceux y étant arrivés plus tard. En effet, la distinction générale de l’homme et de la femme ne peut être appliquée au théâtre allemand qu’à partir de la fin du dix-huitième siècleIn the 18th century, Germany was composed of more than 300 small states which differed politically, religiously and linguistically. In addition to these, there were non-German territories which were, however, greatly influenced by German culture. As a result, the notion of “Germany” included a territory from Alsace to Russia and from theScandinavian countries to Switzerland. Their rulers were generally preoccupied with battles over dominance. If they devoted any time to theatre it was most likely Italian opera or French theatre. In the beginning of the century, German professional theatre was mainly influenced by English theatre and Italian theatre. The social position of actors was very poor. The bourgeoisie looked on them with particular suspicion.Starting in the 1730s, under French theatre influence, the German theatre started becoming more independent. In the second half of the century, theatre was the driving force behind the embourgeoisement of society. Driven by the desire to improve their low social status, actresses played a leading role in this revolution. For a long time, only gender studies were interested in this part of theatre history. A prominent gender studies theory suggested that men and women were of two different sociological groups. This theory has been accepted without justifying its concurrence with theatre history. That’s the starting point of this work which compares the lives of more than 400 Germana ctresses and actors of the time. Many facets of private and professional life are analysed: family life, career opportunities, finances, legal status and social life. The dissertation shows that the theatrical milieu was already divided into two groups far into the second half of the century: actors who had grown up in theatre and those who came to it later. In fact, the categorical sociological distinction between men and women in German theatre is only justifiable beginning at the end of the 18th century
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Forbrig, Karsten. "« Il y a derechef : encore une fois : seulement le théâtre » : recycling et covering dans l'oeuvre théâtrale de Werner Schwab." Nantes, 2013. http://www.theses.fr/2013NANT3033.
Abstract:
« Excédent de poids, insignifiant : amorphe », « extermination de peuple ou mon foie n'a pas de sens », « Pornogeographie » ou « La Ravissante Ronde d'après La Ronde du ravissant Monsieur Arthur Schnitzler »- les titres de ses textes de théâtre annoncent bien la couleur. L'image du provocateur cynique, que Werner Schwab s'est fabriqué, a largement contribuée à son succès théâtral pendant les années 1990. L'auteur autrichien est parvenu à réaliser ce qu'il a appelé son « idée perverse du sauvetage de théâtre » grâce à la réutilisation des objets trouvés autant dans la presse quotidienne que dans al « déchetterie merveilleuse » du théâtre existant. A travers un processus de travail basé sur le recycling et le covering de ces matériaux, Schwab a construit sa propre langue hétérogène qui lui sert de défibrillateur pour « la chose la moins drôle qui existe ». A travers cette monographie, nous proposerons une perspective sur les textes de Werner Schwab qui se concentre sur son entreprise de « sauvetage du théâtre », c'est-à-dire le recycling et covering des éléments de théâtre et le discours métathéâtral qui en découle. Nous montrerons comment cette stratégie de recyclage vise à créer ce qu'on pourrait appeler une théâtralité de la subversion qui réanime l'objet de sa critique.
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Dawe, Erin M. "L'Acadie dans le théâtre d'Antonine Maillet." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1999. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp01/MQ57280.pdf.
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Mpakonikóla-Geōrgopoúlou, Chará. "L'absurde dans le théâtre d’Euripide." Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040144.
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Poirson-Dechonne, Marion. "Le théâtre dans le cinéma." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA01A001.
Abstract:
Apres une mise en évidence non chronologique de certains points de l'évolution historique des relations entre théâtre et cinéma (dépendance du cinéma, aspiration à l'autonomie, et enfin, interaction de ces deux arts) cette étude envisage les trois modalités d'apparition du théâtre dans le cinéma : théâtre filmé, théâtre enchâssé, théâtralité. Elle tente d'établir des distinctions génériques en dégageant les caractéristiques de chaque type et son mode de fonctionnement. Trois points essentiels se trouvent ensuite développés : la place, le savoir et la croyance du spectateur. En effet, ces domaines permettent de mesurer ce qui change pour le cinéma car les conséquences de l'intégration du théâtre dans le septième art se révèlent multiples. Loin de constituer une facilité pour le cinéma, la confrontation de ces deux arts suscite un conflit fécond, puisqu'il permet au septième art d'approfondir sa réflexion esthétique, en renouant avec des questions qui se posent depuis l'antiquité, notamment sur les problèmes de vérité et d'illusion, de ressemblance ou de vraisemblance. Elles le conduisent également à réfléchir sur la spécificité de son écriture, alors même qu'il s'attache à conquérir son autonomie, mais aussi à créer de nouveaux dispositifs spectatoriels et de nouvelles formes de relation au spectateurAfter pointing out non chronologically some aspects of the historical relationship between cinema and theatre ( how the cinema had been dependant on it, how it became autonomous and how both arts interacted) this survey will analyze the appearance of drama in cinema under three different aspects: filmed drama, the drama as a quotation in a film and theatricality. It will also try to make clear distinctions enhancing the characteristics of each type and how it works. Three main points will then be developed: the spectator's place, knowledge and belief. Indeed, the investigation of these fields will show how the cinema can be altered by the references to drama. Far from making things easier for the cinema, the confrontation of both arts raises a profitable conflict since it provides an aesthetic reflexion about time-old questions concerning reality and illusion, similarity and verisimilitude, as well as on the specificity of the language, even if the cinema is conquering its autonomy. It also creates new devices and new relationships to the spectator
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Parfondry, Olivier. "Les techniques et le corps dans la transmission de l'art théâtral : ethnographie d'une Ecole de théâtre professionnel : (les classes d'Art Dramatique du Conservatoire Royal de Liège)." Thesis, Metz, 2008. http://www.theses.fr/2008METZ002L/document.
Abstract:
Cette recherche a pour but de montrer et de comprendre comment se transmet l’art théâtral, comment, à l’intérieur des « ateliers », se fabrique un comédien. L’étude de cette « fabrication » passe inévitablement par l’investigation de ses cultures, de ses rites, de ses traditions. Le terrain sur lequel ces investigations se sont menées est celui, très singulier, des classes d’art dramatique du Conservatoire Royal de Liège et leur équipe pédagogique. Les membres de cette équipe, réunis autour d’un projet pédagogique particulier, façonnent cet acteur de théâtre dans une relation d’obligations réciproques qui s’institue symboliquement dans le corps de l’acteur. Cette symbolisation par le corps permets de réduire la tension qu’il y a entre le théâtre et la société qui le conditionne dans son essence comme dans ses formes. Contrairement aux autres formations classiques où le corps s’éloigne dans une simple représentation et est séparé de ce qui lui donne sens, à savoir la société qui le produit, cette formation singulière le met en scène en liaison directe avec ce qui préside à son avènement, à savoir la société des femmes et des hommes qui interprète le monde à l’aide du théâtreThis research aims to demonstrate and understand how to transmit the theatre, how, within the workshops', "makes an actor. The study of the "manufacturing" will inevitably depend on the investigation of its cultures, its rituals, its traditions. The land on which these investigations are conducted is very unusual, classes drama of the Royal Conservatory of Liege and their teaching team. Members of this team, gathered around a particular educational project, shaping this theater actor in a relationship of reciprocal obligations that become established symbolically in the actor's body. This symbolization by the body would reduce tension there between theatre and the society that determines in its essence and in its forms. Unlike other conventional formations where the body away in a mere representation and is separated from giving it meaning, namely, the company says, that the unique training features directly connected with what governs its advent , the society of men and women who interpret the world through the theater
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Malineau, Violaine. "Le théâtre dans l'Antiquité tardive de la Tétrarchie à Justinien : histoire des spectacles et des monuments." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040158.
Abstract:
Les différentes sources (droit, littérature, patristique, épigraphie, archéologie, iconographie) montrent que le théâtre n'avait pas disparu de l'Empire romain entre la Tétrarchie et le règne de Justinien (284-565). Les jeux scéniques (ludi scaenici), les fêtes pai͏̈ennes et dans une moindre mesure les concours dramatiques, survivant sous une forme lai͏̈cisée après l'interdiction des cultes pai͏̈ens, mettaient en scène des spectacles de mime et de pantomime, mais aussi des acrobates, jongleurs, funambules, et parfois des animaux. La comédie et la tragédie, encore étudiées dans les écoles, étaient jouées, récitées ou chantées sous forme d'extraits et faisaient encore partie intégrante de la culture. Peu de théâtres furent construits au Bas-Empire, les monuments plus anciens faisant l'objet de réparations ou de transformations. Les acteurs, intégrés aux factions à la fin du Ve siècle, pouvaient se produire soit dans des spectacles officiels, soit dans un cadre privé. Cette étude dresse le bilan de l'état du théâtre dans l'Antiquité tardive, montrant qu'il était lié à la vie municipale et qu'il n'évolua pas de la même façon dans les différentes régions de l'EmpireThe various sources (Law, Literature, Patristics, Epigraphy, Archaeology, Iconography) emphasize that theatre had not vanished from the Roman Empire between the Tetrarchy and Justinien's reign (284-565). Scenic games (ludi scaenici), pagan feasts and to some extent dramatic competitions surviving in a secularized form after pagan cults prohibition, staged mime and pantomime shows and also acrobats, jongleurs, funambulists and from time to time animals. People could play, recite or sing large extracts of comedies and tragedies, which were also studied in the schools and still a part of culture. Very few theatres were built during the Late Empire, the oldest buildings being repaired or transformed. Actors, integrated into factions at the end of the Vth century, could appear either on public stages or in private circles. This essay draws a precise picture of the state of the theatre in the Late Antiquity, showing that it was linked with the life of the cities and did not evolve in the same way through the different regions of the Empire
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Schmidt, Prisca. "Théâtre-Croisée des langues : théâtre et langue étrangère dans un lycée de banlieue." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081351.
Abstract:
Le propos de cette these est de dissiper les malentendus nes de l'utilisation de l'anglais dans un atelier de theatre lyceen en banlieue sensible, en montrant qu'il s'agit d'une authentique formation theatrale ou la langue etrangere joue le role de medium artistique. Apres une etude historique comparative des specificites francaises et britanniques sur la place du theatre dans l'education et en m'appuyant sur mon experience de cette pratique theatrale originale et sur mes lectures de theoriciens du theatre, je montre comment l'improvisation en langue etrangere stimule le langage extra-linguistique et la langue proferee et comment cette approche qui comprend l'ecriture du texte et integre les diverses cultures des eleves enrichit la dramaturgie et la mise en scene. Ensuite, je demonte le processus d'une creation theatrale depuis la page blanche jusqu'a la representation publique pour faire apparaitre comment, a partir d'improvisations avec des jeunes qui maitrisent mal l'anglais et qui ne connaissent pas le theatre, on peut generer un texte de qualite en langue etrangere et creer une piece, et comment un acte theatral authentique nait dans la rencontre avec un public qui ne va pas au theatre et qui ne comprend pas la langue. La derniere partie aborde l'aspect civique du theatre: la creation collective renforcee par le denominateur commun neutre de l'anglais en menant au depassement de soi et au partage des cultures, met en evidence le lien etroit unissant la formation artistique et humaine, voire citoyenne. En fait, il ressort qu' en faisant vivre a tous un grand moment de theatre au coeur de la banlieue, ces creations en langue etrangere pour tous, fondees sur la parole des jeunes issus de milieux modestes et sur le melting pot culturel, soulevent des questions de fond quant a la nature du theatre et de sa pertinence dans la societe moderneThis ph. D thesis aims to dispel the misconceptions arising from the use of the english language in the practice of theatre with lycee pupils in a deprived suburb of paris by exposing that the foreign language serves as a theatre medium within a comprehensive theatre arts training. After comparing the place of theatre in education since the 1960s in both british and french perspectives and drawing from my personal experience and extensive reading of theatre practitioners, i show how improvising in a foreign language allows the students to express themselves through a wealth of extra-linguistic signs and eventually to develop a powerful physical language. I emphasize how the approach of writing the text from students'improvisations, which incorporate their diverse ethnical languages, enhances the physical and visual theatre form. Secondly, i reveal the stages that led to the creation of a play from an "empty space" to public performance in order to demonstrate that a good quality text and a play can be produced from improvisation in a foreign language with students lacking mastery of that language and having no kowledge of dramatic art ; how a true act of theatre can occur with audiences who have no experience of theatre nor understanding of the language. Lastly, i discuss theatre and citizenship: the collective process of creating a play and the use of the english language as a common and neutral ground encourage the sharing and accepting of the diverse cultures of actors and audiences alike. Thus the students acquire artistic skills but also social awareness. In conclusion, it appears that by offering such an exciting theatre experience to many people in a deprived area, these creations in a language foreign to all, developed from the words and themes proposed by the students, raise fundamental questions about the nature of theatre and its relevance to today's society
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Nam, Suki Hee. "Le thème de Phèdre dans le théâtre." Rouen, 2000. http://www.theses.fr/2000ROUEL343.
Abstract:
Le mythe de l'amour de Phèdre a de tous temps passionné les auteurs qui, dans leurs diverses adaptations, ont continué d'en perpétuer les caractéristiques essentielles. L'objet de notre étude consiste donc à analyser comparativement le thème de Phèdre à travers les données des pièces antiques jusqu'aux oeuvres théâtrales du XVIIIème siècle : d'Euripide à Pellegrin en passant par Sénèque, Garnier, La Pinelière, Gilbert, Bidar, Racine ou Pradon. L'analyse et la comparaison de chacune des pièces ont démontré que les différents auteurs ont fait évoluer la structure dramatique, la mise en scène des personnages, ou les rapports entre les hommes et les dieux. Le travail des auteurs s'apparente à celui d'un peintre qui teinte d'une couleur originale les éléments communs. L'interprétation personnelle, mais non l'imitation du thème traditionnel, leur permet de faire évoluer leur pensée en donnant à leur talent toute sa dimension. Tous les auteurs ont pris la liberté d'interpréter le drame de Phèdre en se référant à la source légendaire ou aux oeuvres de leurs prédécesseurs immédiats ou lointains. En effet, la légende de Phèdre a fourni le substratum des tragédies qui a contribué à nourrir les pensées philosophiques, religieuses et littéraires de chaque auteur. Ils ont tous fait preuve d'originalité et de créativité personnelle. Pourtant, quelle que soit la différence de leur interprétation, l'image de Phèdre reste intemporelle. Cette Phèdre est une passionnée, ravagée par la souffrance, humiliée dans sa solitude, victime d'une jalousie fatale. Phèdre, personnage central du drame nous délivre un message susceptible de pénétrer l'âme de tout un chacun de nous.
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Neimon, Delphine. "Le surnaturel dans le théâtre élisabéthain." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030145.
Abstract:
Ce travail entreprend de démontrer que le surnaturel est un des rouages essentiels du théâtre élisabéthain tel qu'on le conçoit alors. Nous étudierons au préalable la gestation des figures surnaturelles depuis leurs origines religieuses et littéraires jusqu'a leur représentation scénique : synthèses délicates de diverses sources, ces apparitions, toujours spectaculaires, sont systématiquement démantelées par une constante incertitude, fondée sur l'ambivalence de cet univers, les tromperies, les erreurs, la folie qu'il peut occasionner. Equivoque, le surnaturel s'intègre néanmoins dans l'action et l'évolution des personnages. En brouillant la perception de l'espace et du temps, cette intervention met en lumière les agissements des protagonistes, en donnant l'impression de les diriger, ce qui attire l'attention sur la question du choix et de la volonté. Cette force fabuleuse semble générer la métamorphose de certains personnages fascines par cet univers au point de vouloir le pénétrer. Reste à étudier La manière dont certains auteurs se référent au surnaturel pour expliquer et amplifier les mystères de leur art. L'univers surnaturel aime le théâtre et le pratique ; il apparait dans le système d'encadrement des pièces. A l'inverse, le théâtre, construit selon des codes ésotériques, permettrait d'entrer en contact avec l'au-delà. L'acteur confirme cette proximité : statue animée, ombre spectrale, il se dédouble, se transforme tel un dieu ou un diable.
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Hammou, Malika. "Le monde du théâtre chez Aristophane." Toulouse 2, 2002. http://www.theses.fr/2002TOU20063.
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Triau, Christophe. "Dramaturgies du monologue dans le théâtre du XVIIe siècle." Paris 10, 2003. http://www.theses.fr/2003PA100097.
Abstract:
Cette thèse étudie les statuts et les utilisations dramaturgiques du monologue dans le théâtre français du XVIIe siècle, de 1616 à 1677. Elle analyse d'abord son évolution numérique, sa place dans les discours théoriques et ses spécificités scéniques (performance, métadramaticité). Elle l'aborde à travers les oeuvres de Racan, Viau, Corneille (de Mélite à Rodogune), Molière et Racine (et, incidemment, Mainfray, Mairet, Rotrou). Il y apparaît comme un élément problématique de la mimèsis dramatique, point d'ancrage du jeu sur les points de vue internes et leurs contradictions : dans la succession du défilé pastoral, par l'établissement de commentaires singuliers sur la fiction comique, ou au sein de la perspective tragique qu'il complexifie ; et comme le lieu privilégié d'exposition de la persona, et donc de l'adhésion du spectateur à celle-ci, qu'il l'impose par l'affirmation tautologique et hyperbolique, ou, avec la scission particulier/public, puisse jouer à la rendre labileThis study is about the status and the dramaturgical uses of the monologue in French seventeenth century theatre, from 1616 to 1677. It first analyses its numerical evolution, how theory talks about it, and its specificities on the stage (performance, metadramaticity). It studies it through the works of Racan, Viau, Corneille (from Mélite to Rodogune), Molière and Racine (and, sometimes : Mainfray, Mairet, Rotrou). The monologue appears as a problematical element of the dramatic mimesis, a base of the game on the internal points of view and their contradictions : in the pastoral defile, by constructing singular commentaries of the comic fiction, or inside the tragic perspective it makes more complex ; it also appears as a privileged way of the exposition of the persona, and, so, of the relation the audience can build with her, wether it “imposes” her in a tautological and hyperbolic way or, in these times of split between public and particulier, it plays with making her uncertain
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Leroy, Christine. "Chair et affects en danse-théâtre." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010569.
Abstract:
Comment l'émotion se transmet-elle du corps d'un interprète de danse-théâtre à celui du spectateur? Ce dernier fait l'épreuve, dans l'intimité de son vécu corporel, de motions pulsionnelles, comme si l'émotion de l'acteur se transmettait de corps-vécu a corps-vécu. Ce phénomène de contagion affective psycho-physique prend le nom d'empathie kinesthésique charnelle. Il s'agit ici de traverser les déclinaisons phénoménologiques, psychanalytiques et esthétiques du concept de « chair », dans le but de cerner comment une épreuve charnelle commune est possible, conditionnée à la fois par la séparation corporelle et le mouvement intentionnel vers autrui. L'une de nos hypothèses principales consiste à voir dans l'espace scénique un lieu transitionnel entre images inconscientes de corps où s'opère une fusion affective ex motu. Accordant une place centrale à la dynamique émotionnelle, la danse-théâtre pousse l'empathie kinesthésique à son paroxysme, mettant en scène avec une violence souvent crue ce qui meut l'humain. Bien plus, elle fait de la scène le lieu de l'inconscient collectif, où le corps de l'interprète interpelle sans cesse le spectateur sur les limites de sa propre épreuve charnelle, au travers d'hybridations et de métamorphoses récurrentes. Des lors, déplaçant les frontières du corps mu, la danse-théâtre appelle à une remise en question des catégories usuelles de genre, amenant la question de la sexuation de la chair: en ancrant la possibilité d'une empathie dans la chair du sujet spectateur, elle se fait le révélateur de l'origine matricielle de tout affect et propose un voir du monde sur un mode sinon gynocentré, du moins « mammaïque».
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Huertas, Juana. "Relations entre musique et scène dans une esthétique du théâtre lyrique : le théâtre mental." Paris 8, 2013. http://octaviana.fr/document/182435849#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Abstract:
Depuis toujours et davantage aujourd’hui, les relations entre la musique et la scène au théâtre lyrique posent des difficultés à la représentation de l’œuvre dans la mesure où l’enjeu crucial n’est autre que le sens. Afin de nous entendre sur la valeur de l’esthétique du théâtre mental comme solution aux problèmes d’interprétation, nous élaborerons une définition du théâtre lyrique en nous appuyant fortement sur la réflexion d’Adorno exposée dans Relations entre musique et peinture, mais également sur celle de Ricœur, Deleuze, Ehrenzweig et d’autres. La deuxième partie est consacrée à l’esthétique générale des réalisations de Wieland Wagner, Heiner Müller et Danièle Huillet et Jean-Marie Straub suivie de l’analyse des relations entre le texte musico-dramatique et la mise en scène de nos trois objets d’étude dans des exemples distincts. Issus de domaines différents, nous verrons comment et pourquoi leurs réalisations scéniques rejoignent notre définition du théâtre lyrique présentée initialement, puis nous montrerons en quoi ces trois esthétiques partagent le même sort : le théâtre mentalSince always and more today, the relations between the music and the scene with the opera house raise difficulties with the representation of work insofar as the crucial issue is not other than the direction. In order to hear us on the value of the esthetics of the mental theatre as solution with the problems of interpretation, we will work out a definition of the opera house by strongly supporting us on there flection of Adorno exposed in Relations between music and painting, but also on that of Ricœur, Deleuze, Ehrenzweig and others. The second part is devoted to the general esthetics of the achievements of Wieland Wagner, Heiner Müller and Danièle Huillet and followed Jean-Marie Straub by the analysis of the relations between the musico-dramatic text and the production of our three objects of study in distinct examples. Resulting from different fields, we will see how and why their scenic achievements join our definition of the opera house presented initially, then we will show in what these three esthetics share the same fate: the mental theatre
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Triolaire, Cyril. "Fêtes officielles, théâtres et spectacles de curiosités dans le 11ème arrondissement théâtral impérial pendant le Consulat et l'Empire." Clermont-Ferrand 2, 2008. http://www.theses.fr/2008CLF20009.
Abstract:
Cette enquête propose d'étudier les fêtes officielles, les théâtres et les spectacles de curiosités dans le onzième arrondissement théatral impérial durant le Consulat et l'Empire. Grand amateur de tragédies, assumant les héritages de la Révolution et renouant ouvertement avec les cérémoniaux monarchiques, le premier consul bientôt empereur use d'un art immodéré de la propagande. Fêtes officielles et spectacles sont abondamment sollicités pour mettre en scène le pouvoir, gouverner et surveiller les esprits. Au coeur de l'Empire, cette étude s'intéresse au développement du culte impérial dans les espaces de vie de la majorité des français et aux voies festive et théâtrale qu'il emprunte entre l'an VIII et 1815. Elle tente de saisir les effets de la loi de février 1806 sur l'affermissement de la dévotion napoléonienne et ceux des décrets de juin 1806 et avril 1807 sur la vie théâtrale dans les départements. Cette enquête interroge sur les rapports politiques entre la province et Paris, soulignant les résistances marquées dans l'application du calendrier des fêtes ou le respect de la censure théâtrale. Elle dessine donc une géographie de la diffusion de la culture officielle, mise en relation avec les contraintes économiques et budgétaires, avec les traditions et les opinions locales. Elle reconstruit une sociologie des acteurs principaux des divertissements, étudie les espaces aménagés, rend compte des répertoires et des discours, s'intéresse aux formes de diffusion de la vulgate officielle et essaie d'apprécier leur réception. Ce travail tente ainsi de renouveler l'histoire culturelle du politique et des pratiques culturelles sous le Consulat et l'EmpireThis study aims analyzing the official festivals, the theatres and the "spectacle de curiosités" in the eleventh theatrical and imperial district uring the Consulate and the First Empire. He was a tragedy lover who took on the legacy of the Revolution and yet who openly revived the monarchic ceremonials, the First Consul resorted immoderately to propaganda. Official festivities and shows were abundantly used so as to stage power, to control and watch people's minds. Inthe heart of the Empire, this study focuses on the way the imperial worship was developed thanks to the festivals, the theatres and the companies between the year VIII and 1815. About strengthening the devotion for Napoleon and those of the decrees voted in June 1806 and April 1807 about the theatrical life in the departments. This work studies the political relations between Paris and the provinces, highlighting people's obvious reluctance to respect the calendar of the festivals or the theatrical censorship. It shows how the official culture was spread connected to the economical and financial constraints and the local traditions and opinions. Is presents e new sociology of the main actors in the festivities. It studies the planned places, the repertoires and the speeches. And it shows how the official messages were transmitted and how they were received by the people : their approval or their objection as well as the dramatic criticisms. This study thus tries to present a new cultural history of the politics and of its cultural practices at the time of the Consulate and of the First Empire
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Her, Mi-Hei. "Coffret double(s)-je(ux) : image-livre-théâtre." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010567.
Abstract:
Ce titre ne se fonde pas seulement sur un double-je(ux) mais sur un quadruple je(ux) doubles : Je et «Elle», Moi et Cube, Fiction et Realite, Image et Ecriture. Une caractéristique du coffret offre d'être soigneusement ferme : il contient un secret de la vie ou un souvenir, c'est un espace a soi seul réservé. Il représente dans ma création ce moi intime où je joue un double personnage : «Je» et «Elle». Le «Je» est sujet et objet de mon travail, et en même temps le je est jeu dans une recréation complexe qui s'exprime par la triade «lmage-Livre-Theâtre». «Elle» est la troisième personne, la partie de ma vie qui se crée un rôle de fiction pour ensuite me quitter et vivre sa propre histoire. Ainsi, le «Je» renvoie a une créature qui n'est ni «Elle», ni «MiHei HER». Ces deux personnages semblent se séparer, à la fois fictifs et réels dans I'image et le texte. L'utilisation de la transparence joue avec I'image du miroir à laquelle les spectateurs participent dans un espace-theâtre. Ce jeu de reflets liés à mon environnement est à la fois acteur et createur, et, simultanement, il devient acteur d'une scène qu'il produit lui-meme, participant à un mouvement de théâtralisation du reel. Entre le vrai et le faux, le dit et le non-dit, le montré et le caché, le lecteur qui peut être aussi spectateur est happé dans un gouffre attirant mais dont les limites restent indiscemables. Séduit par cette mise en scène du « moi », il est pris entre les feux du reel et ceux de l'illusion. A chacune de mes réalisations je dispose une petite boîte a côté de mes travaux, elle contient un livre, comme une conclusion ou une bibliographie ; en l'ouvrant, ce coffret donne ainsi l'impression qu'un secret intime est rangé a l'interieur. De la sorte chacun de mes travaux me reflète et fait eclore un petit LIVRE qui restera comme Image-Journal ou Image-Livre de ma biographie.
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Pell, Patricia Mary. "La répétition dans le théâtre d'Arrabal." Thesis, University of Ottawa (Canada), 1987. http://hdl.handle.net/10393/5080.
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Desorchers, Nadine. "Le récit dans le théâtre contemporain." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2001. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/NQ66141.pdf.
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Igouazi, Tatem Nathalie. "L'esprit dans le théâtre de Marivaux." Thesis, Reims, 2016. http://www.theses.fr/2016REIML011/document.
Abstract:
Le dialogue marivaudien est plaisant parce qu'il est vif, brillant, plein de finesse, spirituel ; tous les personnages participent d'ailleurs à cette fête verbale, ce qu'on a souvent reproché au dramaturge. Ses contemporains condamnaient effectivement son affectation, sa subtilité exagérée, sa vaine métaphysique : il faisait montre de trop d'esprit et on l'accusait même de corrompre la langue française. Qu'est-ce donc que l'esprit marivaudien ? Un vernis brillant sans autre but que de susciter l'admiration et l'amusement ? Un ingrédient clinquant qui ne serait que poudre aux yeux ? Le résultat d'une forme d'abus de langage ? Ou bien doit-il être pris au sérieux et étudié de près pour en comprendre les enjeux et les significations ?La première partie s'attache à définir la notion d'esprit en s'appuyant sur différents textes d'auteurs et de dictionnaires ainsi que sur les écrits de Marivaux lui-même. La notion de trait d'esprit est alors privilégiée pour appréhender les comédies du dramaturge. La deuxième partie étudie le fonctionnement de l'esprit dans ces œuvres théâtrales en mettant au jour une typologie du trait d'esprit et en montrant son caractère fragmentaire et spectaculaire. La dernière partie cherche à mettre en lumière les fonctions de l'esprit chez Marivaux dans les domaines du sentiment, de la morale et de la dramaturgieMarivaux's dialogue is pleasant because it's lively, brilliant, subtil, witty ; besides, all the characteres take part in this verbal festival, and the dramatist was often blamed for that. Indeed, his contemporaries criticize his preciosity, his exaggerated subtlety, his affected style : he was too witty, he was even accused of corrupting language. How could we define Marivaux's wit ? As a sparkling writing which is just about good enough for entertaining and tries to dazzle the audience ? Is it the result of a misuse of language ? Or have we to study it seriously to understand its meanings and its stakes ?In the first part, we try to define the notion of wit through different authors, dictionaries and Marivaux's written works. Then we choose the notion of witticism to analyse these comedies. In the second part, we study how wit functions : we give a typology and we show that it's both fragmentary and spectacular. The last part is devoted to explaining how wit influences the sentimental and moral sphere and the dramatic action
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Dubos, Anne. "Quelle voix pour le théâtre ? : fabrication des corps et des identités : pour une étude du mouvement dans les théâtres contemporains au Kérala (Inde du Sud)." Paris, EHESS, 2013. http://www.theses.fr/2013EHES0521.
Abstract:
La complexité de la construction de l'objet "théâtre contemporain au Kerala" relève du fait que d'une troupe à l'autre, les metteurs en scène font usage des éléments traditionnels ou conteporains selon des modalités différentes. D'où ma question initiale: quelle voix pour quel théâtre? qui parle à travers quel corps? Alors que nombreux sont désormais les festivals ou événements qui réunissent praticiens ou amateurs de théâtre, dont la pratique s'assume aujourd'hui comme contemporaine, c'est toute la tension entre la pratique des arts traditionnels et celle des arts contemporains qui s'exprime à travers la politique culturelle locale (Tarabout, 1997). A travers le discours des spécialistes, assiste-t-on à une entreprise de légitimation culturelle ou à l'émergence d'une genre artistique nouveau? Car une fois les notions de "tradition" et d' "authenticité" posées en relation dialectique à celles de "modernité" et de "globalisation", les revendications des praticiens du théâtre contemporain peuvent, soit relever d'une quête de nouvelles valeurs ou référence culturelle, soit s'inscrire en droite ligne d'un discours identitaire. Sur la base de trois monographies comparatives, à partir du travail de trois groupes, j'ai cherché à entrer dans le coeur du problème de la transmission des traditions gestuelles à travers les différentes traditions dramartugiques du Kérala. Apercevoir les nouvelles pratiques théâtrales comme des "arts de faire" décrits par le travail de Certeau, me permet d'entrevoir les arts de la scène comme une mise en pratique de l'art narratif, où la construction de soi se fait par un discours, qui n'est pas essentiellement verbal mais se constitues également par des signes matériels (techniques du corps; scénographie, musique. . . )Performing arts are an integral part of Malayalee culture and malayalee identity. Nearly all of the existing study is focused on classical and folk forms, such as Kathakali and Theyyam, however there is a serious gap in our understanding of contemporary theater in Kerala. Contemporary theater can be thought as a kind of "hybrid cultural product", existing between traditional and modern forms; it refers both to the Natyashastra, as well as the modern contributions of figures such as Grotowski and Stanislavski. This research aims to trace new theatrical practices and scenographic techniques that have developed from the interplay of local "native" theater and contemporary performance aesthetics. To get an overview of contemporary malayalee productions, the fieldwork examined several theatre groups, by way of participatory observation, including: Lokadharmi in Cochin, Sopanam and Abhinaya in Trivandrum, and the Thrissur School of Drama. The differences in the motivations of these groups (regarding issues such as caste, class and gender) illustrate new paradigms that are at the core of local discourse on culture. Is there an invention of tradition? In this vein, we examine the dynamism of local cultural production and consumption. Since the way one moves can inscribe one's identity, we have to examine the elaboration of a body language. The body will be questioned, first, as the simple body of the performer. The extensive video and photographic work, while serving to document the production of the theatre groups, also became the source of some participatory experimentation. For example, the video projects allowed the performers to experiment with their own image and, in turn, integrate these creations into the scenographic design. The reflexive use of image taking made for a unique exchange of ideas between observer and performer
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Gouarné, Esther. "Théâtre performantiel : immersion et distance dans le théâtre néerlandophone (Flandre et Pays-Bas, 2004-2014)." Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100080.
Abstract:
L'imbrication de la théâtralité et des paradigmes issus du performance art est inscrite au coeur du théâtrepostdramatique, défini par Hans-Thies Lehmann, et elle fut également placée au coeur de ce qui fut nommé la« vague flamande » des années 1980. C'est de ce mécanisme que rend compte le terme de théâtreperformantiel, choisi par contraste avec le performatif austinien. En assimilant l'idéal des avant-gardeshistoriques d'une fusion art-vie, fondée sur l'action réelle en temps réel, la théâtralité se trouve à la foisdébordée et révélée dans son essence, comme un processus en cours, qui prévoit la réception d'un regardactif et complice et se donne à vivre comme un événement. La théâtralité performantielle, fondée sur lemontage et le recyclage, oscille entre deux pôles : celui de l'immersion, du choc voire du rêve d'un art total,d'une part, et celui de la mise à distance méta-théâtrale et auto-référentielle, d'autre part. Au centre de cettetension, l'image scénique oppose une résistance au flux des visibilités du monde. C'est ce que révèle uneimmersion au coeur des processus créatifs de trois troupes fondées au début des années 2000 : AbattoirFermé, le Warme Winkel et Wunderbaum. La participation observante éclaire en profondeur les enjeuxesthétiques et idéologiques de cette rencontre entre théâtre et performance. Elle révèle aussi la validité etl'actualité d'une interrogation sur les idéaux de l'avant-garde, dans le contexte d'une crise et d'undurcissement politique et économique auxquels sont confrontés ces artistes, après une période de prospéritéet d'institutionnalisation des pratiques expérimentalesIn postdramatic theatre, as theorized by Hans-Thies Lehmann, theatricality, processuality andperformance art have merged. This overlapping was precisely at the heart of the so-called Flemish Wave, inthe 1980s. That generation drew links between the avant-garde's ideals and methods, and today's youngartists. The blurring of art and life overflows theatrical stages and frames, but thereby reveals the veryessence of theatricality : what is showed on those contemporary stages is the emergence of a process, animage in construction, a work-still-in-progress...This is what coins down the expression « théâtreperformantiel » (« performantial theatre » versus performativity). Frictions between representation, illusionand performativity provoke a constant oscillation between meta-theatrical distance, self-referentiality, shockand sensationnal immersion. It even flirts with the dream of total art. These works also rely on an activespectator's gaze. In the midst of these contradictions, stage images oppose a resistance to the visual flows ofthis world. These movements are explored through a field analysis and a close-up on the creative processesof three Flemish and Dutch groups created around 2000 : Abattoir Fermé, the Warme Winkel andWunderbaum. Participative observation offers deeper insight into the aesthetic and ideological issues at stakeat the heart of this encounter between theatre and performance. It also reveals the currency and the validity ofquestioning the avant-garde's ideals given the context of an economic crisis and political tightening
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Vilhena, Deolinda Catarina França de. "Les modes de production au Théâtre du Soleil à l'aune de la production théâtrale française depuis 1968 : une exception dans l'exception culturelle ?" Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030033.
Abstract:
Cette étude traite de la place occupée par la production dans l’évolution du Théâtre du Soleil dans le cadre de la production théâtrale française depuis 1968, où le théâtre n’échappe pas aux lois du marché, où l’éthique et l’artistique se diluent dans l’économique. Cette thèse met en lumière la volonté de faire du théâtre autrement à travers une analyse des éléments fondateurs de cette recherche : le choix de travailler en troupe, l’acquisition d’un lieu et la conquête d’un public. L’hypothèse retenue est que, si le Théâtre du Soleil connaît une réussite éclatante auprès du public depuis plus de 40 ans, s’il parvient à survivre en dépit d’obstacles, notamment financiers, liés à l’activité théâtrale, c’est parce qu’il a compris comment articuler des processus de production a priori antagoniques aux confins des logiques privée et publique, et invente en permanence un nouveau mode de faire du théâtre dans ses dimensions juridique, économique, sociale, organisationnelle et artistiqueThis study is about the role of production in the evolution of Théâtre du Soleil within the production system of the French stage since 1968 : theatre cannot evade the laws of the market; ethics and art are subject to economics. This study sheds light on this Company’s will to act differently, by analyzing the basic points of their quest : choosing to work as a troupe, having a home of their own, conquering an audience. Théâtre du Soleil has been tremendously successful with their audience for forty years, and they have managed to survive in spite of obstacles connected with theatrical practice, particularly financial ones. We presume that they have succeeded because they have known how to combine production processes in principle opposed at the border of private and public logics, and because they have been continuously imagining a new way of practising theatre from legal, economic, social, organisational and artistic points of view
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Megneng, Mba-Zue Geneviève. "La société dans le théâtre d’Afrique centrale : les cas du Cameroun, du Congo et du Gabon. Pour une sémiotique de l’énonciation théâtrale." Cergy-Pontoise, 2008. http://biblioweb.u-cergy.fr/theses/08CERG0373.pdf.
Abstract:
Ce travail s’articule sur quatre parties essentielles, qui, au-delà d’un besoin légitime, de revisiter l’histoire et la thématique de la littérature africaine à travers son théâtre, se penchent aussi sur la problématique de l’écriture, de l’analyse des contenus, et surtout sur les questions liées au destin de ce théâtre. En effet, après avoir rappelé le contexte d’éclosion du théâtre moderne d’Afrique Centrale, nous avons recherché et mis en lumière les multiples réseaux de signification relatifs à l’expressivité et à la spécificité de ce théâtreThis study’s based on four main parts, and concerns with a legitimate and necessary wish to reinterpret the history and thematic of African literature, through its theatre. This study also concerns with the problematic of poetical analysis of contents, and over all, its destiny. After the summary of the birth of the modern theatre of Central Africa we have tried to shed new light on a lot of situations of signification what are determining for this theatre
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Cole-King, Helen. "L'espace sonore dans l'oeuvre de Peter Brook." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030097.
Abstract:
Cette étude propose un examen approfondi du rôle joué par le son dans l’ensemble de la démarche artistique du metteur en scène. Bien qu’il n’occupe qu’une place effective d’accompagnement dans la plupart des spectacles et projets brookiens, le son participe de manière conséquente à la genèse et la construction de ceux-ci. La voix de l’acteur constitue un moyen privilégié d’accès aux sources de l’émotion et à la signification profonde d’un texte de théâtre. L’accompagnement musical seconde l’activité théâtrale en tant que générateur et réflecteur des énergies sur scène, exprimant la dimension indicible et invisible de la fable représentée. L’étude de figures sonores telles que la voix source, l’écho et la vibration fondamentale attestent de la recherche minutieuse d’un accord, voire d’un équilibre vibratoire, recherche qui est au cœur de la créativité et du projet brookiensThis study sets out to examine in depth the part played by sound in the stage director’s global artistic approach. Although its actual role in preparation work and in performance is only to provide an accompaniment, sound contributes in no small way to the birth and development of the latter. Voice is the chosen means by which the actor is able to uncover the springs of emotion and the deepest meanings of a dramatic text. The musical accompaniment supports the performance as a generator and a reflector of the energies on stage, expressing whatever is ineffable and invisible in the story being performed. The study of such figures of sound as the voice of the origins, the echo and the fundamental vibration testify to a painstaking search for a harmony, or a vibratory balance, search which lies at the heart of Peter Brook’s work and creativity
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Bayouli, Tahar. "L'image de l'orient dans le théâtre élisabéthain." Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100033.
Abstract:
Dans cette thèse, l'image de l'orient dans le théâtre élisabéthain est étudiée premièrement en relation avec son arrière-plan historique. Le commerce avec les pays orientaux et la guerre contre le turc sont relevés comme les facteurs qui ont contribué le plus à la construction de l'image de l'orient et son expression sur la scène. La vision de l'orient comme domaine de la passion, la violence et la sensualité et comme terre de merveilles et de richesses prodigieuses se voit à travers les différentes évocations de l'orient. L'étrangeté et l'exotisme sont les caractéristiques qui marquent les mœurs orientales dépeintes par les dramaturges. Les images d'un oriental violent, sensuel et foncièrement méchant ont leur expression en particulier dans les drames concentres sur le thème de la confrontation avec le turc ou à travers les figures des scélérats orientaux comme Eléazar (Lust's Dominion : Th. Dekker) et Mulleasses (the Turke : J. Mason). Dans Mustapha (G. Greville), cette image de l'oriental est moins stéréotypée car elle prend une certaine profondeur psychologique et thématique dans la tragédie. L'évaluation des images dans la troisième partie révèle la valeur et l'importance de tamburlaine (Ch. Marlowe) au sein de cette tradition d'orientalisme du drame élisabéthain, et d'autre part la distinction d’Antony and Cléopâtre de ShakespeareIn this thesis, the image of the eastern world in the Elizabethan theatre is first studied in relation with its historical background. Trade with the eastern countries and the war against the Turk are pointed out as the factors which most contributed in shaping the Elizabethan image of the eastern world and its expression on the stage. The vision of the east as the realm of passion, violence and sensuality and as a land of marvels and stupendous wealth can be seen through the different evocations of the eastern world. Strangeness and exoticism are the characteristics which mark the oriental life and customs portrayed by the dramatists. The images of a violent, sensual and thoroughly wicked oriental have their expression particularly in the plays centered on the theme of the confrontation with the Turk or through the figures of the oriental villains such as alcazar (lust's dominion: Th. Dekker) and mulleasses (the Turke: J. Mason ). In Mustapha (Greville, the image of the oriental is less stereotyped because it takes its psychological and thematic depth in the tragedy. The evaluation of the images in the third part shows the value and the importance of Marlowe’s Tamburlaine in the tradition of orientalism in the Elizabethan drama and the distinction of Shakespeare’s Antony and Cleopatra
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Sarfatti-Ehrenfreund, Yaël Catherine. "Representations et imaginaires : l'étranger dans le théâtre des lumieres." Paris 10, 1997. http://www.theses.fr/1997PA100109.
Abstract:
Ce travail se propose de porter un regard analytique sur la production theatrale francaise du xviiie siecle, pour decouvrir et comprendre la facon dont y sont representes les etrangers a cette culture, rationaliste mais chretienne, europeenne mais centralisatrice. L'analyse de ces images implique une enquete sur les imaginaires et les sensibilites de l'epoque se donnant a voir sur la scene theatrale qui assume autant les fonctions d'un lieu de divertissement que celles d'une "tribune ideologique". L'interet porte a autrui genere inquietudes et peurs autant qu'il stimule la curiosite et le desir. Pour apprehender une notion aussi relative que celle d'etranger, une taxinomie composee de cinq categories a ete etablie a partir d'une quarantaine de pieces. Partant du lointain "bon" sauvage (chap i), porteur de fantasmes de violence et de bestialite, ce parcours rassemble fiers barbares, infideles genereux (chap ii) et juifs cosmopolites (chap iii). Pres de nom et proches de nous, les anglais (chap iii) partagent eux, en contrepartie, la respectabilite et l'intelligibilite de notre propre identite culturelle. Le dernier chapitre (chap iv), concu comme une synthese, analyse les modalites des rencontres entre tous ces etrangers, qui se rassemblent autour de la representation du francaisThis survey aims at casting an analytical look at the french theatrical production of the 18th century, in order to determine and understand the way playwrights have portrayed those people not involved in that culture which ap, pears both rationalistic and christian, both european and centralizing. The analysis of this imagery involves some investigation into the imagi, nations and the sensibilities of the times, likely to be observed on a stage playing the parts of both a place of entertainment and an "ideological forum". As much as it spurs curiosity and desire, the interest taken in others generates worries and fears. To comprehend such a relative notion as the one of the foreigner, a five-item taxonomy has been set up, from forty plays or so. Starting from the "good" savage of remote times (chapter i), who embo, dies fantasies of violence and bestiality, this survey brings together proud barba, rians, generous infidels (chapter ii), and cosmopolitan jews (chapter iii). Nearer to us in space and mind, englishmen, on the other hand, share the respectability and intelligibility of "our" cultural identity (chapter iii). The last chapter (chapter iv), to be seen as a synthesis, examines the ways all those foreigners meet, and gather round the representation of the frenchman
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Mendiague, Marie-Pilar. "Le pessimisme dans le théâtre de Giraudoux." Bordeaux 3, 1985. http://www.theses.fr/1985BOR30022.
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Nancey, Quentin de Gromard Marie-Gabrielle. "Un théâtre dionysiaque. Nietzsche dans le théâtre français du XXe siècle, d'Antonin Artaud à Jean Vauthier." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA195.
Abstract:
Un grand nombre de dramaturges français aussi différents qu’André Gide, Antonin Artaud,Albert Camus, Jean-Paul Sartre, Henry de Montherlant et Jean Vauthier se sont emparés de la pensée de Nietzsche pour la représenter sur scène. Si des études ont été menées sur les liens entre la pensée de Nietzsche et les écrivains français, aucune n’a abordé de manière synthétique la présence de la pensée de Nietzsche dans le théâtre français du XXème siècle et notamment dans l’élaboration même du texte théâtral. Pourtant, cette pensée tragique qui part du Dionysos de La Naissance de la tragédie jusqu’à Ecce homo, ne cesse d’entretenir des liens consubstantiels avec le genre même du théâtre. La conception esthétique du dionysiaque présente des affinités avec l’art dramatique et semble prédisposée à se retrouver transposée et incarnée sur une scène de théâtre. La réflexion de Nietzsche sur la physiologie de l’art a pu entraîner un renouvellement de l’écriture des pratiques et écritures dramaturgiques traditionnelles au profit d’un théâtre vivant, incarné, usant de toutes les ressources dela scène. Paradoxalement, le théâtre métaphysique d’inspiration nietzschéenne va de pair avec une affirmation du corps et des passions. Á l’opposé d’un théâtre d’idées ou à thèse, certaines des oeuvres étudiées montrent que le théâtre métaphysique nietzschéen est avant tout un théâtre du corps, à la recherche d’une fusion entre l’art et la vie, le spectacle et le réel, au rebours de la conception mimétique aristotélicienneMany different french playwrights such as André Gide, Antonin Artaud, Albert Camus, Jean-Paul Sartre, Henry de Montherlant and Jean Vauthier took up Nietzsche's thoughts to impicture it onstage. If studies were made on the links between Nietzsche's thought process and french writer, noneadress the question of Nietzsche's thought in the XXth century french theatre synthetically. None theless, this tragic thought starting in «La Naissance de la tragedie» 's Dionysos and ending with «Eccehomo» keeps maintaining consubstantial links with the theatre genre. Dionisyan esthetical conceptionshows affinities with dramatic art and seems predisposed to be transposed and embodied on stage.Nietzsche's thought on art's physiology has caused a renewal of traditionnal writing for theatre for thebenefit of a living theatre, incarnated, using all the stage's ressources. Paradoxically, this nietzschean metaphysical theatre goes with assertion of body and passions. In contrast with « theatre of ideas »,some of the studied works show that Nietzsche's metaphysical theatre is above all an embodied theatre, seeking a fusion between art and life, show and reality, against Aristote’s Poetics
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Labeille, Veronique. "« Un soir, ils allèrent au théâtre... » Scènes de théâtre dans les romans France-Québec, 1871-1949." Thesis, Lyon 2, 2011. http://www.theses.fr/2011LYO20060/document.
Abstract:
La scène de théâtre, élément encore inexploré et pourtant clef dans de nombreux romans, questionne les liens entre l’œuvre et le médium enchâssé. À l’aide d’un corpus de romans français et canadiens-français, parus entre 1871 et 1949, cette étude repère les traits récurrents de la scène de théâtre, quels que soient l’époque, l’esthétique ou le lieu d’écriture du romancier. Topos privilégié pour le texte qui opère par ce biais un « retour sur lui-même », les questions de la réflexivité et de la spécularité éclairent ce que peut le théâtre dans le texte. À partir d’une lecture sociocritique, articulant l’art et le social, notre étude de la scène de théâtre couvre à la fois la dimension propre à l’art dramatique et celle inhérente au théâtre envisagé comme outil de classification sociale. Le costume, le corps des artistes, les lumières, ainsi que les espaces théâtraux, les types de public et la mondanité à l’œuvre dans la salle sont, entre autres, autant de facettes que notre analyse met au jour. Le prisme de la scène de théâtre ainsi révélé transcende l’intériorité de l’art et l’extériorité du social par le truchement du corps. Entre ce qu’André Belleau nomme le « code » et la « parole », la scène de théâtre incarne les deux aspects, elle les lie étroitement et les dépasse grâce aux corps tout à la fois érotisés et socialisésThe theater scene, key element of several novels yet unexplored, questions the bounds between the medium and the œuvre within. Supported by a corpus made of French and French Canadian novels published between 1871 and 1949, this work argues the recurrent specificities of the theater scene, whatever the time, the aesthetics or the place from which the novelist writes. Becoming a privileged topos for the text that operates « a return on itself », the questions of reflexivity and specularity enlighten what theater can do to the text. From a sociocritic reading articulating social and art matters, our study on the theater scene covers not only the dramatic art’s aspect but also the theater aspect thought as a social classification tool. The costume, the body of the artist, the lights, but also the theatrical spaces, the category of public and the society life happening in the theater hall are, if anything else, some facets our work would like to point out. The prism of the theater scene once revealed goes beyond the interiority of art and the exteriority of the social behavior through and thanks to the body. Between what André Belleau calls the « code » and the « parole (speech)», the theater scene embodies both aspects, links them both tight and goes past them thanks to the bodies that are both eroticized and socialized
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Przychodze´n, Janusz. "Le théâtre québécois dans tous ses discours." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp02/NQ44559.pdf.