Academic literature on the topic 'Théâtre (genre littéraire) grec – Mise en scène moderne'

Au tournant du XXe et du XXIe siècles, la tragédie grecque devient un champ fertile pour de nouvelles pratiques théâtrales et suscite également l'intérêt des traducteurs; les représentations témoignent d'une vraie modernité et d'une hétérogénéité de composantes scéniques, telles que le décor, le jeu de l'acteur et le chœur. Cette étude propose premièrement une réflexion sur la mise en scène du texte. Deuxièmement, elle présente des mises en scène attestant une volonté de revenir aux origines du langage théâtral et troisièmement, cette analyse met à jour des modes de représentation qui se caractérisent par la transposition de la tragédie grecque dans d'autres cultures. Pour finir, nous dessinons les contours d'un type de mises en scène qui, explorant les multiples possibilités offertes par les arts plastiques, reflètent principalement la vision personnelle du metteur en scène
At the turn of the 20th and 21st centuries, Ancient Greek tragedy becomes a field for a wide range of new stage practices, thus showing a true modernity. The elements of representation such as set, actor's performance, and chorus offer a particular heterogeneity. This revival of tragedy provokes as well an increasing interest among translators. This thesis first focuses on how the text is being staged nowadays. The work then provides an analysis of a number of performances which testify a will to go back to the origins of theatrical language. Thirdly, it offers a critical analysis of cross-cultural interactions at work in the representation of tragedy. And finally, this study describes how certain representations favouring the use of visual arts highlight mainly the personal artistic vision of the director

La thèse présente la vie et l'œuvre d'un couple esthète, le poète néogrec, Anghélos Sikelianos (1884-1951) et son épouse américaine Eva Palmer(1874- 1952), deux figures d'avant-garde de la résurrection de l'antiquité en Grèce moderne. Leur conception de la grécité se croise avec un mouvement d'idées et d'action politique qui valorise les aspects œcuméniques, voire a-nationaux, de l'histoire grecque dans sa longue durée. L'action du couple Sikélianos se situe dans le site archéologique de Delphes, découverte majeure de l'école française de la fin du dix-neuvième siècle. Influences par le mouvement du théâtre de plein air et celui des arts et métiers ils ont organisés en 1927 et 1930 les fêtes delphiques ou avaient lieu, toutes sortes de manifestations culturelles, représentations théâtrales, jeux athlétiques, concerts, exposition d'artisanat. Les différentes périodes de la culture grecque -antique, byzantine, populaire contemporaine- y étaient réunies. Malgré leur retentissement spectaculaire, les fêtes n'ont pas réussi à devenir une institution permanente. Le projet d'organiser un centre spirituel à Delphes a mis dans en grand embarras les hommes politiques qui s'intéressaient seulement à l'utilité touristique de l'effort delphique. Eva découragée, est partie aux États-Unis pour suivre une carrière de metteur en scène. L'influence des fêtes aboutit à l'inauguration du festival d'Epidaure quelques années après leur mort, qui reste dorénavant l'institution par excellence fondée pour la renaissance du drame antique en Grèce
This thesis presents the life and works of an aesthetic couple, the modern greek poet Angelos Sikelianos (1884-1951) and his american wife Eva Palmer (1874- 1952), two avant-garde figures of the revival of antiquity in modern Greece. Sikelianos conception of hellenism values the universal aspects of the greek history in the long run. The ground of the activities of the Sikelianos couple is situated in the archeological site of delphi, a major discovery of the french school in the end of the 19th century. Influenced by the open-air theater mouvement and the arts and crafts they have organised in 1927 and 1930 the delphic festivals, cultural manifestations with theater plays, athletic games, concerts, arts and crafts exposition of different periods of the greec culture - antiquity, byzatium, folk modern. Inspite their great effect in an international public the festivals did not suceed in becoming a permanent institution. The project of organising a spiritual center in delphi caused the embarrassement of the politicians who were only interested in the touristic aspect of the delphic work. Eva left dissapointed to continue her artistic work in the united states. The influence of the delphic festivals can be seen in the inauguration of the festival of epidaurus some years after their death, the major institution for the revival of modern drama in modern Greece

La lamentation poétique dans le contexte d'une tragédie antique a impliqué la recherche scientifique de différentes manières. Dans le cadre de cette thèse, les aspects qui promeuvent la dimension politique de la lamentation seront étudiés : c'est-à-dire les lamentations théâtrales de la Grèce antique et la manière dont la dimension politique qui y est souvent contenue influence par le théâtre la réalité politique du Ve siècle. À travers une analyse de vocabulaire et une analyse structurelle des lamentations choisies, on tentera de montrer comment le deuil, un outil rituel, peut critiquer les plus importants comportements historiques, politiques et sociaux de son époque. Ainsi, en analysant le développement des lamentations politiques dans les tragédies d'Eschyle, de Sophocle et d'Euripide, nous allons tout d'abord nous familiariser avec un aspect très important du deuil, encore inexploré, et en même temps montrer, sous un angle différent, la relation entre la tragédie et la politique à l'époque classique. La deuxième partie de la thèse concerne la reprise de la tragédie antique en Grèce du XXe et XXIe siècle . Avec l'étude des traductions et des performances novatrices pour l'époque, nous clarifierons le rôle de l'élément lamentable dans les événements qui ont choqué le XXe et XXIe siècle et dans la création de nouveaux mouvements et idées théâtraux
The poetic lamentation of a tragedy provides the science with different kinds of research. As part of this thesis, the aspects that promote the political dimension of lamentation will be studied; that is, the theatrical lamentations of ancient Greece and the way the political dimension, that is often contained, influence the political reality of the 5th century through the theatrical plays. Through the vocabulary and the structural analysis of a certain choice of lamentations we will try to show how grieve, a ritual tool can caracterize the most essential historical, political and social aspects. Thus, by analyzing the development of political lamentations in the tragedies of Eschyle, Sophocles and Euripides, we will become familiar with a very important aspect of grieve, still unexplored, and at the same time, from a different point of view, with the relation between tragedy and politics during the classical era. The second part of the thesis is about the reception of the ancient greek tragedy in Greece during the XXth and XXIst century. The study of modern translations and pioneer theatrical plays shed the light on the role of the lamentation's element in the events that shocked the XXth and XXIst century and on the development of new theatrical mouvements and ideas

À partir des mises en scène de L’Orestie d’Eschyle, d’Œdipe roi de Sophocle et des Bacchantes d’Euripide diffusées dans les institutions nationales en Allemagne, en France et au Royaume-Uni entre 1973 et 2010, la thèse procède à une archéologie du commun, en explorant, d’une part, le concept de commun, et en particulier ses enjeux politiques, à travers une analyse des mises en scène contemporaines du chœur tragique et en étudiant, d’autre part, ces mises en scène à travers l’expression du commun. Ce travail propose donc de mettre au jour la construction et la circulation du discours sur le commun dans et entre ces trois pays. L’analyse des spectacles, d’abord, expose les éléments qui font ou entendent faire du chœur une incarnation du commun et met en perspective ces choix avec la réception de la tragédie grecque. Le discours sur le commun qui se construit ainsi au théâtre est ensuite confronté aux discours philosophiques et anthropologiques du moment mais aussi aux événements économiques, politiques et sociaux afin de faire apparaître les échos, les analogies, les ruptures et les discontinuités. Ainsi, entre 1973 et 1980, la mise en scène du chœur des Bacchantes a donné du commun une représentation utopiste où la communauté est fondée par le rituel. Dès 1980, à partir des Orestie de Peter Stein et Peter Hall qui tiennent lieu de modèles, le chœur devient un collectif où ce que les individus ont en commun est précisément leur singularité. Dans la continuité, jusqu’en 1999, les mises en scène d’Œdipe roi racontent la naissance de l’individu moderne à laquelle le chœur sert de cadre archaïque. Enfin, et malgré les tentatives dans des mises en scène de L’Orestie, au tournant du millénaire, pour refonder la communauté à partir d’une mémoire commune, les tragédies grecques montées dans les années 2000 présentent un désespoir de communautés – au double sens objectif et subjectif de l’expression. Cette archéologie du commun, qui reflète la globalisation à l’œuvre, est donc en creux une archéologie de l’individu
Analysing productions of Aeschylus’ The Oresteia, Sophocles’ Oedipus the King and Euripides’ The Bacchai in national theatres in France, Germany and the United-Kingdom between 1973 and 2010, this thesis proposes an archaeology of the common (in the sense of « what we have in common ») both exploring the political implications of the concept – thrown into sharp relief by the various ways ancient choruses were staged – and studying the productions themselves through the type of community that they make manifest. This work intends to highlight the construction and the circulation of contemporary discourses about the common within, and between, these three countries. Performance analyses first focus on the elements that make, or intend to make, the chorus into an incarnation of the common and put these choices into perspective through the reception of Greek tragedy. The discourse about the common thus built in theatres, is then confronted with philosophical and anthropological discourses, as well as with economic, political and sociological events in order to call attention to echoes, analogies, disruptions and discontinuities. Thus, between 1973 and 1980, performances of choruses in The Bacchai were built upon rituals, putting forward a utopian conception of the common. From 1980 onward, as Peter Stein’s and Peter Hall’s Oresteia became established models, the chorus morphed into a collective in which individuals had their singularity in common. Following this, until 1999, the performances of Oedipus the King hailed the birth of the modern individual, for whom the chorus acts as archaic backdrop. Lastly, and despite attempts in performances of The Oresteia at the turn of the millennium to rebuild a community out of common memory, Greek tragedies staged in the 2000s show the despair of, and about, communities. This archaeology of the common, reflecting the globalisation of European societies, is therefore indirectly an archaeology of the individual

En se fondant méthodologiquement sur des concepts empruntés à la littérature comparée, à l'analyse littéraire et à l'analyse dramaturgique, montre d'une part l'évolution de la réception du monde classique dans la France du premier XXe siècle, et d'autre part comment le mouvement des idées et l'esthétique des arts du spectacle s'expriment sur scène dans les "adaptations" grecques, et notamment à travers le vocabulaire non verbal. Le corpus comprend les grandes adaptations du théâtre grec par Claudel, Cocteau, Gide, Giraudoux, Anouilh, Sartre, mais aussi des pièces de moindre envergure, dont la liste se trouve en annexe, à côté d'un catalogue photographique. Quatre parties à la fois chronologiques et thématiques forment le corps de la thèse : elles présentent les différentes composantes de l'image de la Grèce, telles qu'elles ont influencé le monde du théâtre, l'apport de la réflexion dramaturgique claudelienne. La manière dont le cartel met en scène des mythes grecs, et enfin la désacralisation des dieux et l'émergence de menaces nouvelles avec la seconde guerre mondiale. Dans le monde grec du théâtre français, le rapport à l'antiquité devient progressivement un rapport d'assimilation. L'adaptation ne rompt pas seulement avec le passe fondateur : tournée vers le présent, elle s'interroge même sur la théâtralité. La mise en scène, en véhiculant les modes et les idées du jour, en se référant à l'actualité, a contribué, quelquefois bien plus que le texte, à l'actualisation du mythe dans la littérature française du XXe siècle.

Il s’agit de l’emploi de la technologie numérique dans la mise en scène de la tragédie grecque antique, en d’autres termes, de la réception de la tragédie grecque au sein du théâtre digital. En tant que performance digitale la tragédie grecque semble fonctionner comme un kaléidoscope du temps ; tout à la fois comme une lentille ou un miroir écrasé, où se développent un jeu, un « aller-retour » entre les identités et les qualités : spectateur / citoyen, politique / religieux, espace-temps du mythe / temps actuel, présence / absence. Grâce à l’emploi de la technologie et d’équivalents digitaux, les artistes reconceptualisent une série de notions de la tragédie telles que la communauté, la cité, l’hybris, le masque, le conflit, le tragique, et ils proposent des expériences sensorielles équivalentes au spectateur contemporain : les médias numériques deviennent un équivalent de la parole. Oikos, le palais royal, lieu devant lequel et au sein duquel se déroulent la plupart des événements et conflits, est remplacé par l’écran palimpseste ; on est dans l’image dans laquelle on vit désormais, c’est au sein de l’écran que l’on produit l’Histoire. La convention du masque conduit à l’expérimentation avec des technologies sonores. La fonction politique de la tragédie grecque et la création de l’effet de communauté, se produisent désormais par le biais de la technologie numérique. Les spectateurs forment des communautés éphémères lors de leurs réunions dans l’environnement technologique, la fragmentation rhizomatique de la scène « cache » la communauté, pour la transformer en une communauté virtuelle. Enfin, c’est le tragique qui se développe sur scène en tant qu’idée et phénomène performatif
The thesis focuses on the use of digital technology in the staging of Greek Tragedy that is, the reception of Greek tragedy in the digital theatre. Greek tragedy, when digitally staged, seems to function as a kaleidoscope of our times; sometimes a lens and at others a shattered mirror, where a game, a "toing and froing" between identities and qualities exists: spectator/citizen, political/religious, time-space of myth/actual current time, presence/absence. With the use of technology and of digital equivalents, artists re-conceptualize a series of key notions such as the community, the city, the hubris, the mask, the conflict, the tragic and create equivalent effects for the contemporary spectator: Digital media becomes the equivalent of discourse. The “oikos”, the royal palace, in front of and within which most events and conflicts occur, is replaced by the screen-palimpsest: it is within the image that we live, we clash, we make history. The mask convention leads to experimentation with sound technologies. The much-discussed political function of tragedy in the context of democratic Athens and the building of a sense of community is now realised through digital technology. Spectators form ephemeral communities in their meeting within the technological environment, the rhizomatic fragmentation of the theatre stage, "hides" the community to transform it into a virtual community. In the end, it is the tragic that is being developed as an idea and a performative phenomenon
Στο επίκεντρο βρίσκεται η χρήση της ψηφιακής τεχνολογίας στη σκηνοθεσία της αρχαίας ελληνικής τραγωδίας, δηλαδή η πρόσληψη της αρχαίας ελληνικής τραγωδίας στο ψηφιακό θέατρο. H αρχαία ελληνική τραγωδία ως ψηφιακή παράσταση, μοιάζει να λειτουργεί ως καλειδοσκόπιο του καιρού∙ άλλοτε ως φακός και κάποιες φορές ως θρυμματισμένος καθρέπτης, όπου ένα παιχνίδι, ένα «πήγαινε-έλα» αναπτύσσεται ανάμεσα στις ταυτότητες και τις ποιότητες : θεατής/πολίτης, πολιτικό/θρησκευτικό, ο χωροχρόνος του μύθου/ο πραγματικός τρέχων χρόνος, παρουσία/απουσία. Με τη χρήση της τεχνολογίας και των ψηφιακών ισοδυνάμων, οι καλλιτέχνες επανοηματοδοτούν στο παρόν μια σειρά κομβικών εννοιών για την τραγωδία, όπως η κοινότητα, η πόλις, η ύβρις, η μάσκα, η σύγκρουση, το τραγικό και δημιουργούν ισοδύναμες αισθήσεις και εντυπώσεις στον σύγχρονο θεατή: Τα ψηφιακά μέσα γίνονται ισοδύναμο του λόγου. Ο οίκος, το βασιλικό ανάκτορο μπροστά και εντός του οποίου συντελούνται τα περισσότερα γεγονότα και οι συγκρούσεις, αντικαθίσταται από την οθόνη παλίμψηστο: μέσα στην εικόνα ζούμε, συγκρουόμαστε, παράγουμε ιστορία. Η σύμβαση της μάσκας οδηγεί στον πειραματισμό με τις τεχνολογίες του ήχου. Η πολυσυζητημένη πολιτική λειτουργία της τραγωδίας στο πλαίσιο της δημοκρατικής Αθήνας και η δημιουργία του αισθήματος κοινότητας δημιουργείται πλέον μέσα από την ψηφιακή τεχνολογία. Oι θεατές σχηματίζουν εφήμερες κοινότητες στη συνάντησή τους μέσα στο τεχνολογικό περιβάλλον, η ριζωματική θραυσματοποίηση της θεατρικής σκηνής, «κρύβει» την κοινότητα, για να τη μετατρέψει σε εικονική κοινότητα. Τέλος, είναι το τραγικό που αναπτύσσεται ως ιδέα και ως επιτελεστικό φαινόμενο

L’étude du corps offre un angle d’approche privilégié pour appréhender les représentations théâtrales comiques de l’époque classique à Athènes et en Grande Grèce. Seule une analyse croisée des sources textuelles et iconographiques permet de faire toute la lumière sur la manière dont le corps comique était mis en scène, perçu et imaginé. Les conclusions de la thèse reposent en particulier sur la confrontation des comédies grecques du Ve et du IVe siècle av. J.-C. et de la céramique italiote à sujet comique, entre lesquelles elle établit un lien étroit. Le premier chapitre est consacré à la présentation des corpus et à leur mise en relation. Le deuxième décrit les aspects matériels du costume comique. Les troisième et quatrième portent sur la sémiologie du costume : sont d’abord étudiés les codes propres au genre, puis les éléments qui concourent à la caractérisation sociale et morale du personnage. Le cinquième et dernier chapitre traite de la fonction dramatique du geste comique
Analysis of the body provides an effective means of capturing comic performances in classical Athens and Magna Graecia. Textual and iconographic sources ought to be considered together to shed light upon the staging of the comic body as it was perceived and imagined. In particular, the conclusions of this work are based upon the comparison of Greek comedies from the 5th and 4th centuries B.C. and South-Italian vase-paintings of comic subjects. The first chapter presents the two corpuses and the questions raised by their comparison. Chapter two describes the material characteristics of the comic costume. The third and fourth chapters focus on the semiotics of the costume ; the signs of the genre are treated first, followed by a discussion of the social and moral characterization of the personages. The final chapter pertains to the dramatic function of the comic gesture

Depuis plus d'un siècle, la Grèce antique ne cesse d'éblouir philosophes et hommes de lettre en Occident. La tragédie occupe une place éminente dans cet émerveillement venu de l'Athènes du Ve siècle avant Jésus-Christ. C'est pour matérialiser cette fascination que ce théâtre a donné lieu à des interprétations de tout genre : philosophique, humaniste, politique et morale... Il s'agit de lectures idéologiques dont la tragédie en général et Sophocle en particulier a fait l'objet. Dans cette perspective, il importait d'effectuer un panorama des lectures de cette tragédie devenue un mythe contemporain. L'oeuvre de Sophocle a servi d'illustration à la visée idéologique d'un théâtre qui s'intégrait à l'origine dans le cadre des manifestations culturelles en l'honneur de Dionysos à Athènes. Y avait-il lieu d'universaliser et d'immortaliser ces interprétations, fruits de l'imaginaire occidental ? Fallait-il continuer la réincarnation des personnages de Sophocle qui aurait avec son Antigone et son OEdipe-roi réussi à élaborer des modèles inimitables de la tragédie et de l'existence de l'homme ? C'est pour questionner cette vision de Sophocle qu'il semble nécessaire d'exploiter les éléments esthétiques (chant, musique) de cette tragédie qui offrent de nouvelles pistes de réflexion en porte-à-faux avec la lecture idéologique observée dans la critique contemporaine.