Dissertations / Theses on the topic 'Théâtre et société – Taïwan'
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Huang, Shu Ping. "La fabrique mémorielle et identitaire dans le théâtre contemporain taïwanais : exemple du Théâtre Golden Bough (Jin Zhi Yan She)." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080040.
Abstract:
Grotowski a influencé fortement, grâce au Théâtre U, les créations du Petit Théâtre taïwanais. Les recherches de Grotowski autour des techniques de la source, pour les artistes du Petit Théâtre taïwanais, revêt un caractère propre à leur culture populaire et les aident à s’identifier comme une communauté spécifique. Hérité du Théâtre U, le Théâtre Golden Bough ne s’exclut pas de la tendance à la recherche d’une nouvelle langue physique sur la base de techniques traditionnelles, mais progressivement, il s’est orienté vers un type de comédie musicale populaire. Le Théâtre Golden Bough met en scène de façon burlesque des stéréotypes de films et de séries télévisées du genre mélodrame. Le bricolage d’extraits de médias d’aujourd’hui avec des éléments d’hier construit une passerelle reliant les spectateurs contemporains à une « belle époque » empreinte de nostalgie des années 1960.Cette thèse décrypte la situation des Taïwanais souvent tiraillés entre des conflits identitaires. L’étude du Théâtre Golden Bough montre comment les artistes du théâtre ont représenté les différences culturelles, les tensions sociales, dans leurs mises en scène et le jeu des acteurs. Elle permet de mettre en exergue les logiques qui orientent l’évolution de la construction et l’affirmation d’une « identité taïwanaise »Since the abolition of the martial law in 1987, the Taïwanese have been trying to create a new cultural identity by defining Taïwan as a nation and as an ethnic group. The quest results from the long-term colonization of Taïwan by Japan and KMT. In this atmosphere, young university students created small-sized avant-garde theatres, the so-called Little Theatre, as a means to express their discontent and their resistance to the authoritarian government.Through the workshops and the project of “tracking back” of the U-Theatre of Taïwan, Grotowski, a western theater master, has greatly influenced the acting style of the Little Theatre. Grotowski’s works of “techniques of source” inspired the Taïwanese performers to find their own traditional physical techniques. Inherited from the U-Theatre and the practices of Grotowski, Golden Bough Theatre initially searches for a new sacred and abstract physical language based on traditional techniques. However, the effort gradually evolved into the creation of a type of comedy, where the stereotypes of movie and television series were performed in a burlesque way. By means of mixing the elements of modern and old days, Golden Bough Theatre has constructed a bridge bringing contemporary spectators back to a nostalgic “golden age” in 1960s. Golden Bough Theater is now considered as an authentic Taïwanese theatre. This thesis discusses the Little Theatre, whose plays often reflect taïwanese political situation and ethnic conflicts. The artists of the Little Theatre act out the cultural and social tensions. The study of Theatre Golden Bough allows us to understand the evolution of Taïwanese cultural identity from an artistic perspective
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Fofié, Jacques Raymond. "Individu et société dans le théâtre camerounais." Bordeaux 3, 1989. http://www.theses.fr/1989BOR30048.
Abstract:
Trois grands groupes sociaux parfois antagonistes se distinguant par leur pouvoir financier apparaissent dans le theatre camerounais : le groupe des individus les plus aises, le groupe des individus moyennement aises et le groupe populaire pauvre. Ce theatre presente un certain nombre d'institutions caracterisees par leur recurrence dans les oeuvres : l'administration, la justice, la loi, l'education, le mariage, la politique. De l'etude de ces groupes et de ces institutions on decouvre qu'on a affaire a une societe dualiste, c'est-a-dire a la fois traditionnelle et moderne, mais qui tend vers une societe-synthese. Face a une telle societe les individus reagissent differemment : les uns tels que le boy, l'enfant naturel et la femme apparaissent comme des victimes resignees ou luttant pour une meilleure integration sociale, les autres tournent le dos a leur societe, tendent vers l'occident, font du snobisme social, deviennent des fossoyeurs de leur societe. D'autres encore deviennent des individus deviants, deviants destructifs ou deviants constructifs. Il y a donc conflit entre l'individu et la societe. L'image que donne les oeuvres dramatiques est celle d'une societe atteinte dans son ame et qui a besoin de refection. Cette refection passera necessairement par la redynamisation de certaines valeurs telles que l'amour, la generosite, une justice veritable, la democratie, la liberte, la solidarite. Le theatre camerounais d'abord concu comme ethique, didactique, socio-politique avant de l'etre comme esthetique, et qui est en soi une valeur, s'attelle a cette tache par tous les moyens. Il est un message d'humanisThree important social groups often antagonistic and distinguishable by their financial power appear in cameroonian theatre: the upper, the middle and the lower groups. This theatre shows a certain number of institutions characterized by their frequent recurrence in the plays: public administration, justice, law, education, marriage and politics. From the study of these social groups and institutions one discovers that the society is dualist, i. E. Both traditional and modern. Its target is a synthesis. In the face of such a society individuals react in various ways. Some like the houseboy, the natural child and the woman appear as resigned victims or victims fighting for a best social integration. Others turn their back to the society, admire the west, become social snobs or grave-diggers of their society. Some become positive or negative deviants. Therefore there is a conflict between the individual and society. Finally, the image of the society drawn from the plays is that of a society whose bases have been destroyed and that needs to be rebuilt. This will be done through redynamisation of values like love, generosity, true justice, democracy, freedom, solidarity. One notices that in its conception cameroonian theatre lays more emphasis on ethics than on aesthetics. For cameroonians it is a value. It tries to rebuild the society by all means. As a whole it is a message of humanism
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Menet-Genty, Janine. "Théâtre et société en Italie (1860-1915) : un nouveau répertoire et de nouvelles structures théâtrales pour une société en mutation." Nancy 2, 1986. http://www.theses.fr/1986NAN21023.
Abstract:
Le théâtre italien de la fin du XIXe et du début du XXe siècle est peu connu et négligé par la critique. Pourtant, après la réalisation de l'unité politique de l'Italie, il veut contribuer au renouveau national. Par l'utilisation de la langue italienne, il s'oppose aux dialectes ; par une approche originale des problèmes sociaux contemporains, il veut se démarquer de l'influence alors prépondérante du théâtre français ou scandinave. Des centaines de pièces nouvelles sont écrites chaque année par des dramaturges professionnels ou amateurs, et créées par des dizaines de troupes itinérantes qui parcourent l'ensemble du territoire italien et font des tournées à l'étranger. Les principaux acteurs, selon la tradition, dirigent leur propre troupe. Cette période voit des tentatives de changements : des théâtres stables sont créés ; les auteurs, les acteurs et les directeurs de troupe s'organisent pour défendre leurs intérêts respectifs ; la presse spécialisée se développe et accentue l'impact du théâtre sur un public nombreux et passionné. Les sujets traités par les auteurs correspondent aux préoccupations de la classe bourgeoise en ascension rapide : la famille et l'argent sont des thèmes présents dans toutes les intrigues. Certaines pièces à thèse mettent en scène des problèmes de société tels que le duel ou le suicide ; d'autres illustrent les nouvelles lois, indiquent les difficultés que soulève leur application ou suggèrent des modifications qui apparaissent souhaitables à propos du mariage, de la séparation, du divorce, de l'héritage, etc. Toutes s'appuient sur une morale traditionnelle stricte, sans concessions. Notre travail relève de la littérature et aussi de la sociologie du théâtre : par l'étude des textes des pièces, des échanges épistolaires entre les auteurs et les acteurs et des archives des compagnies, nous montrons l'importance de ce théâtre qui donne une image souvent fidèle de l'Italie nouvelle, mais aussi révèle les phantasmes d'une société en mutationThe Italian theater of the late 19th c. And early 20th c. Is little known and neglected by critics, though it contributed to the national revival once political unity was achieved in Italy. Turning away from dialects it chooses the national Italian language ; through its original approach to contemporary social issues it takes an independent stand against the overwhelming influence of French and Scandinavian drama. Hundreds of new plays are written each year by professional or amateur playrights. The plays are produced by dozens of itinerant troups, travelling all over the Italian territory, and even going on tours abroad. Leading actors according to tradition direct their own troup. This period is also a time of experiments : "permanent" theaters are created ; playrights, actors and company directors organize themselves in the defence of their respective interests ; a specialized press develops and increases the theater's impact on a large and enthusiastic audience. Authors deal with subjects that reflect the concerns of a rapidly rising bourgeoisie. Such themes as family and money are part of all plots. Some problem plays stage familiar concerns on the contemporary social scene, like duels and suicide. Others illustrate the new laws, underline the difficulties implied by their enforcement and suggest necessary reforms in the fields of marriage, separation, divorce, heritage, etc. All plays rely on traditional moral standards. The present work pertains to both literature and the sociology of theater. As we study the texts of the plays, the letters exchanged by authors and actors as well as the archives of the theater companies we draw attention to a literary genre which often provides an accurate image of the new Italy while revealing the obsessions of a rapidly transforming society
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Okoh, Julie Omoifo. "Théâtre et société : Femi Osofisan et S.A. Zinsou : étude comparée." Bordeaux 3, 1992. http://www.theses.fr/1992BOR30042.
Abstract:
Entre le theatre et la societe existent des rapports dialectiques. Et notre but dans ce travail consiste a faire un rapprochement synthetique des oeuvres de deux dramaturges africains contemporains : femi osofisan, nigerian et s. A. Zinsou, togalais. Rapprochement qui permet de deceler des analogies ou des dissemblances dans leur vision du monde a travers leur theatre. Deux visions principales semblent caracteriser leurs oeuvres : pessimisme et optimisme. Le pessimisme ressort de l' evolution des faits sociaux et de la peinture des moeurs contemporaines. D'ou une satire de moeurs et mentalite. En revanche, l'optimisme s'affiche dans leur vision de l'avenir. Face a l' etat d anomie qui domine actuellement leur societe, ils lancent un appel a leurs compatriotes afin qu' ils conjuguent leurs efforts pour la reconstruction du pays. Tandis qie osofisan propose a son public une nouvelle societe de modele socialiste, fondee sur le recours a la raison, a l' esprit scientifique et a la philosophe du travail, excluant les croyances traditionnelles, zinsou preconise le retour aux sources et la rehabilitation de la culture traditionnelle togolaiseBetween theatre and society eexist a dialectic relationship. The theatre gets its material from the society and sends back messages to the society. Our present aim is to make a comparative study of the image of the society in the plays of two african contemporary playwrights : femi osofisan, nigerian and s. A. Zinsou, togolese. Comparison that will enable us to point out the analogy and the dissimilarity in their visions and aldo in the way they try and use theatre to solve some current social issues. Their plays seem mainly caracterised by two antithetical visions : pessimim and optimism. Their evocation of social reality and their picture of contemporary norms ans conventions is couched in pesssimistic tones. On the other hand, optimism appears in their projection towards the future. They appeal to their compatriots to rally together to build their nation. Osofisan proposes a socialist system. Zinsou recommends the re-establishment of a traditional social set up
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Sajaloli, Cécile. "Le Théâtre-Italien et la société parisienne (1838-1879)." Paris 1, 1988. http://www.theses.fr/1988PA010524.
Abstract:
Monographie du théâtre-italien de Paris, théâtre lyrique voué aux représentations d'opéras italiens dans leur langue d'origine. Ce théâtre de 1838 à 1876 reste un théâtre d'état. L'étude des relations des différents directeurs avec l'administration gouvernementale et l'évolution du cahier des charges mettent en évidence les tendances politiques du temps. Entreprise périlleuse en 1838, ce théâtre, après deux périodes fastes (1843-1848, 1855-1865) disparait en 1879 pour n'avoir pu lutter contre la transformation du monde extérieur et notamment contre la montée des cachets des grands chanteurs et le pillage de son répertoire autorise par la loi du 6 janvier 1864. L'histoire de ce théâtre fait ressortir, à travers l'étude du répertoire, les goûts d'une fraction de la société parisienne ; met en évidence les luttes des créateurs artistiques et du monde du spectacle au sujet du droit des indigents, de la liberté industrielle des théâtres, de la reconnaissance de la propriété artistique et littéraire.
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Belemgoabga, Paul Richard. "Individu et Société dans le théâtre de Harley Granville Barker." Montpellier 3, 1988. http://www.theses.fr/1988MON30026.
Abstract:
La periode victorienne laisse aux edouardiens un heritage dont la remise en question s'impose a tous ceux qui recherchent une solidarite sociale. Harley granville barker, philosophe et humaniste, s'interesse aux nouveaux devoirs de l'individu. Il developpe un theatre realiste et intellectuel, vehicule d'idees par excellence. Il adhere a la fabian society ou il retrouve son ami personnel g. B. Shaw. Il ne croit pas a la lutte des classes mais a la necessite morale d'une reorganisation sociale. Il concoit l'education comme une liberation qui permet des chances egales d'epanouissement a tout individu. Les meilleurs elements ainsi formes pourront garantir l'avenement d'une societe plus solidaire et plus humaineThe edwardians inherited from the victorians a heritage whose calling into question became imperative to all those who strived for social solidarity. Harley granville barker, a philosopher and humanist, interested himself in the new duties set to every individual. He developed a realistic and intellectual theatre, a paramount medium of ideas. He was member of the fabian society where he met with his close friend g. B. Shaw. He didn't believe in class struggle but in the moral neccesity of a social organisation. He viewed education as a way to liberation which provides equal opportunies to every individual to improve himself. Thus the best trained people in society could ensure the advent of a society showing more solidarity and more humanity
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Suréda, François. "Théâtre et société à Valencia au XVIIIe siècle (1705-1779)." Perpignan, 1987. http://books.openedition.org/pupvd/33344.
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Chabot, Véronique. "Le théâtre de l'extrême contemporain dans la société : Obsolescence et légitimité." Paris 3, 1995. http://www.theses.fr/1995PA030106.
Abstract:
Au crepuscule du xxe siecle, a l'ere technologique de l'interconnexion, de la mediatisation et de l'internationalisation, quels sont la place et le role du theatre dans la societe ? sur bien des aspects, le theatre apparait comme un art du passe qui ne repond pas aux exigences de l'homme d'aujourd'hui et son public est tres minoritaire. Mais, ne suivant pas les caracteristiques generales de l'evolution de la societe, il peut presenter une alternative aux valeurs qu'elle nous impose et trouver sa legitimite. La recherche porte sur le theatre des dix dernieres annees et s'appuie sur une connaissance directe de spectacles appartenant au champ esthetique que l'on peut qualifier, apres georges banu, d'extreme contemporain. Il s'agit d'artistes qui, comme jan fabre, reza abdoh ou francois-michel pesenti, ont cherche a remettre en cause et a renouveler les codes du theatre. La societe est etudiee a partir des analyses des philosophes contemporazins, notamment jean baudrillard, felix guattari et gilles lipovetsky. A l'ere de la production "machinique" de subjectivite et de la societe du spectacle, le theatre propose une experimentation de la perception et une decouverte de l'extreme subjectif. Contre la predominance de l'image, il oppose l'experience emotionnelle de la reception. Par son existence meme, il constitue un espace de resistance au nivellement de l'imaginaire social. Dans une societe qui a perdu ses racines et son centre, on redecouvre la fonction mythologique du theatre. Cet art est l'endroit de l'insatisfaction, de l'insoumission, de la critique et de la vigilance. Au niveau politique, l'engagement contemporain est loin de l'engagement bruyant des annees soixante et soixante-dix. Le theatre engage ne sort plus du champ artistique. Il ne charche plus a prendre la place du politique mais a reveiller les consciences et a attiser le desir d'etre au monde dans le respect de l'alteriteAt the twilight of the xxth century, in an era of technological interconnectioins, mediatisation and internationalisation, what are the place and the role of theatre in society ? on many levels, theatre appears as an art belonging to the past, not fitting man's current requirements. Its public is a tiny minority. But, as theatre doesn't adopt society's evolutionary characteristics, it can propose alternatives to the values society imposes on us. Here it finds its legitimacy. This research is about theatre over the last ten years and is based on first hand knowledge of performances belonging to the aesthetic field that georges banu calls "extremely contemporary". It concerns artists like jan fabre, reza abdoh or francois-michel pesenti, who have tried to question and to renew theatre's codes of conduct. A study of society is made through the analyses of contemporary philosophers, especially jean baudrillard, felix guattari and gilles lipovetsky. At a time of machine-like production of subjectivity and in the era of the "spectacle society", theatre experiments with the perception and offers the chance to discover the extreme subjectiveness. To the predominance of the image, it opposes the emotional experience of reception. Its own existence leaves room for resistance to a levelling out of social imagination. In a society that has lost its roots and its centre, one can discover anew the mythological function of theatre. This art is a place for dissatisfaction, insubordination, criticism and vigilance. On a political level, today's commitment is very far from the tumultuous commitment of the sixties and the seventies. Nowadays, commited art doesn't wander from the artistic field. It doesn't aim to change places with politics but aims to awake counsciousness and a desire to be in a world where "otherness" is respected
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Rava, Farideh. "La société britannique de 1956 à 1987 et les dramaturges politiques contemporains." Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040053.
Abstract:
Certains aspects de la société britannique contemporaine sont reflétés dans son théâtre. Les dramaturges de toutes convictions politiques ont étudié, dans et à travers leurs pièces, les maux et les malaises sociaux de leurs pays. Le point de départ pour certains d'entre eux commence par les révolutions du dix-septième siècle, mais pour les autres il passe par les évènements du vingtième siècle, y compris les guerres coloniales et les deux guerres mondiales qui ont laissé de multiples marques sur la société britannique. Les dramaturges expriment leurs idées politiques, par l'intermédiaire de leurs personnages, puisées dans l'histoire de la gauche mondiale ou dans celle de la Grande-Bretagne. Aussi les dramaturges britanniques ont-ils procédé à la comparaison du socialisme réel et du socialisme à l'anglaise. Le portrait physique et moral des pays dit démocraties populaires, et celui des partis communiste et travailliste n'échappent pas non plus aux regards vigilants des dramaturgesBritish society is mostly reflected in the political plays. The playwrights, from different political attitudes, analyze the social problems of their country. The starting point for some of them is the seventeenth century revolutions whereas for most of the playwrights the colonial wars and the two world wars, with their impacts on the society constitute the beginning of a new era. The characters of the political plays, who express the political view of the playwrights, emerge from the history of the left in Britain and in the world. The political playwrights compare the "really existing socialism" with the "British road to socialism"
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Wang, Wan-Ju. "Regards croisés sur l'espace théâtral à travers l'opéra de Pékin contemporain de Taïwan : le Roi Lear et Orlando." Thesis, Paris 10, 2016. http://www.theses.fr/2016PA100014.
Abstract:
Cette étude se propose d’examiner les questions que soulève l'opéra de Pékin contemporain de Taïwan à travers deux exemples : Le Roi Lear mis en scène par Wu Hsing-Kuo et Orlando mis en scène par Robert Wilson. Ces deux spectacles en solo sont fondés sur des textes occidentaux traduits en chinois. Pour mettre en scène ces textes traduits, Wu Hsing-Kuo et Robert Wilson ont eu recours aux conventions et au jeu de l’acteur de l’opéra de Pékin. En dépit d’éléments similaires, les textes scéniques tissés par ces deux metteurs en scène diffèrent profondément. Dans le but de trouver une manière appropriée de décrire et d’analyser ce genre de spectacles métis qui sortent de leur cadre traditionnel, tout en gardant en même temps certains traits spécifiques, nous avons commencé par creuser les conceptions qui sous-tendent la forme de l’opéra chinois. Ensuite, nous avons approfondi les questions liées à la pratique ainsi que ses rapports avec les conceptions esthétiques chinoises. Dans la dernière partie de cette étude, nous nous appuyons essentiellement sur les conceptions développées dans les deux premières parties de cette thèse plutôt que sur les discussions sur la nature du théâtre interculturel pour les chercheurs occidentaux auxquelles se sont déjà référés beaucoup de chercheurs taïwanais. À travers l’analyse des deux spectacles, nous proposons une voie différente pour discuter des représentations « interculturelles », tels que les spectacles de l’opéra de Pékin contemporain de Taïwan, qui échappent aux règles et aux conventions bien établies et qui ne peuvent être jugés selon les standards habituelsThis thesis aims to examine the questions suggested by two contemporary Peking opera productions in Taiwan: “King Lear” directed by Wu Hsing-Kuo and “Orlando” by Robert Wilson. These two adaptations are both based on Western masterpieces and each of them is performed by one trained Peking opera actor. Despite the similarities that appear in the works of the Taiwanese and the American director, the results of their experimentations on the stage differ considerably between each other. In order to find appropriate way to describe and analyze this kind of performances based on the fusion of traditional as well as foreign elements, we started by researching the conceptions which associate deeply with the form of Chinese opera. Then, we delved further into the relations between the practice of Chinese opera and the Chinese aesthetics concepts. Finally, we analyzed the two examples, not through the discussions related to “intercultural theater” developed by occidental researchers and commonly referred to Taiwanese researchers, but through the conceptions that we have developed in the last two chapters of this thesis. Through this study, we expect to propose a different way to approach the theatrical productions that broke the routine and cannot be analyzed by the standard rules
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Champrenault, Julie. "Cultures et empire, une société théâtrale en situation coloniale ? : Algérie 1946-1962." Thesis, Paris, Institut d'études politiques, 2015. http://www.theses.fr/2015IEPP0046.
Abstract:
Cette thèse porte sur la vie théâtrale en Algérie entre 1946 et 1962 et répond à la problématique suivante : Quelle société théâtrale s’est déployée en Algérie dans un contexte marqué par le délitement progressif de l’emprise coloniale française et dans quelle mesure a-t-elle été façonnée par les enjeux politiques et identitaires qui caractérisaient les circulations transméditerranéennes des lendemains de la Seconde Guerre mondiale à l’indépendance algérienne ? À la libération, la vie culturelle française entre dans une phase de renouveau. Le mouvement de décentralisation mené par Jeanne Laurent, sous-directrice des spectacles et de la musique au ministère de l'Éducation nationale, est lancé pour répondre à des objectifs de popularisation et de démocratisation du théâtre. L'outre-mer français et plus particulièrement l'Algérie sont cependant tenus à l'écart de ces réformes. Entre 1946 et 1962, l'Algérie passe brutalement du statut de colonie-refuge, hôte de la souveraineté française sous l'occupation, à celui de territoire impérial séditieux. La vie culturelle et les évènements politiques et militaires s'imbriquent sur ce territoire qui subit les contradictions de son statut hybride d'espace à la fois national et colonial. Cette thèse se situe donc au croisement de trois histoires, politique, coloniale et culturelle et s'organise autour de trois axes de recherche : une description du paysage théâtral de l’Algérie coloniale, une interrogation sur l’existence d’une politique culturelle pour le territoire algérien et enfin une analyse de la politisation du théâtre en Algérie dans les dernières années de la domination coloniale françaiseThis Ph.D dissertation about the theatrical life in Algeria between 1946 and 1962 aims at answering the following questions: what sort of theatrical community managed to develop in Algeria in the context of the gradual disintegration of France’s colonial power? To what extent was it shaped by the political issues and national identity stakes which characterised cross-Mediterranean flows in the aftermath of World War II until Algeria’s independence? After the Liberation, France’s cultural life started renewing. A project of decentralisation was launched to democratise drama and bring it to the general public, led by deputy director of Performing Arts and Music at the Ministry of Education Jeanne Laurent. However France’s overseas territories, and more specifically Algeria, were kept aside of this set of reforms. Between 1946 and 1962, Algeria moved from the status of a colony of refuge – which hosted the French sovereignty during the Occupation – to that of an insurrectionary imperial territory. Cultural life and political and military events were interwoven in this territory which was subjected to the contradictions inherent to its hybrid position as both a national and a colonial space. Therefore this dissertation lies at the heart of three facets of history – political, colonial and cultural history. It is thus organised around three axes of research, aiming at depicting colonial Algeria’s theatrical scene, questioning the existence of a cultural policy dedicated to the Algerian territory, and analysing the politicisation of drama in Algeria in the final years of France’s colonial domination
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Barrière, Mireille. "La société canadienne-française et le théâtre lyrique à Montréal entre 1840 et 1913." Doctoral thesis, Université Laval, 1990. http://hdl.handle.net/20.500.11794/17631.
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Lee, Yi-Chien. "L'interaction entre la nature et la société : les méandres des rivières et des zùn 圳 dans le canton rural de Chishang à Taïwan." Thesis, Paris, EHESS, 2020. http://www.theses.fr/2020EHES0141.
Abstract:
Depuis quelques années, il y a de plus en plus d’artistes qui choisissent Chishang en tant que lieu de leur performance. Ce lieu est devenu un site touristique très fameux, où l’on sinue le long des zùn pour contempler le paysage, cherchant à connaître son histoire, à rencontrer les habitants, à déguster les cuisines préparées à partir de riz, à se reposer sur la terrasse du temple de Tǔdì Gōng. Le riz est la production agricole principale, grâce à la construction des zùn et à l’irrigation, qui ont permis la naissance, la continuité, à partir de XVIIIème siècle, de la riziculture. Avec la diversité des ethnies venues de différents horizons, la transformation du paysage nous montre le rapport à la terre des habitants de Chishang. Plus on humanise la terre, plus on « tue le paysage (shā fēngjĭng殺風景) », faisant que l’on ne se sent plus chez soi. Ce dépaysement a poussé les habitant à cultiver leurs particularités, processus qui a fait naître un milieu original, et qui se poursuit indéfinimentIn recent years, there are more and more artists who choose Chishang (池上) as the place of their performance. This place has become a very famous tourist site where, along the zùn 圳 (irrigation canals), people contemplate its landscape, eager to know its history, meet its inhabitants, taste the food prepared from rice, stay a while on the terrace of the temple of Tǔdì Gōng (土地公). Rice, the main agricultural production, necessitated the construction of zùn for irrigation, which allowed rice cultivation from the 18th century till now. Ethnic groups from different origins, through their work with this land, have transformed the landscape, showing us the relationship with the land of the habitants of Chishang. The more we humanize the land, the more we « kill the landscape (shā fēngjĭng 殺風景) », making people feel no longer at home. This process pushed the inhabitants to look for local peculiarities, thus giving birth to an original milieu (specific environment). And, this process goes on indefinitely
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Villers, Sandrine. "L'image de la société américaine dans le théâtre de Tennessee Williams." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1995PA040016.
Abstract:
Dans ses pièces, Tennessee Williams est connu pour la complexité psychologique de ses personnages et la richesse esthétique déployée tant dans les décors et les sons que dans les lumières et les symboles. Taxé à tort de dramaturge régional parce qu'il situe la majeure partie de ses pièces dans le sud des États-Unis, il est le peintre d'une société à part entière. Sudiste, américaine ou universelle, cette société prend les traits de l'oppresseur et les hommes qui y vivent ne s'y reconnaissent pas. La seule alternative possible des anti-héros williamsiens est de fuir et d'aimer leur prochainTennessee Williams is mostly known for the psychological complexity of his characters and for the aesthetic richness of his plays (sets, sounds, lights, symbols). Mistakenly considered as a regional playwright because he situated most of his plays in the south of the United States, he is the painter of a specific society. Either southern, or American, or universal, this society, which has neither god, nor justice, is described as an oppressor in which men do not recognize themselves. The only alternative for the williamsian anti-hero, is to escape and to love
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Uhiara, Rafaella. "Le métathéâtre contemporain : la quête paradoxale d’une société perdue." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA011.
Abstract:
Cette thèse s’intéresse à un mode de réflexivité spécifique qui se dessine chez certains artistes contemporains comme Jérôme Bel, Philippe Quesne, Grand Magasin, entre autres. L’interrogation sur le théâtre – sa nature, son fonctionnement, sa nécessité et sa pertinence au sein de la société –, s’accompagne d’un souci de rapprochement avec le public, observable dans la forme des spectacles : effort de clarté, explicitation des règles du jeu, réserves par rapport au savoir-faire théâtral, mélange de références cultivées et de références populaires. Pourquoi ces productions subventionnées, jouissant de prestige et de reconnaissance au sein des institutions publiques, prennent-elles comme objet le dispositif théâtral lui-même ? Et pourquoi le font-elles de cette manière ? Le métathéâtre du début du XXe siècle, qui présentait des thèmes et structures similaires, réagissait au risque d’obsolescence de la scène, de sa faillite économique et plus encore de la perte de sa validité au sein du monde industrialisé. Notre hypothèse est que le métathéâtre contemporain repose sur un rapport ambivalent avec la représentation théâtrale : entre fascination pour son fonctionnement en tant que structure et scepticisme à l’égard de sa puissance référentielle, d’où résulte un jeu pour le jeu qui ne peut pas se permettre de se prendre au sérieux. D’autres ambiguïtés concernent le rapport au patrimoine culturel occidental, le rapport à l’altérité (sociale, esthétique) et l’inscription dans le système institutionnel. Autant de traits que l’on retrouve hors du monde artistique. Parce qu’il nous donne à voir les représentations mentales qu’ont aujourd’hui du théâtre des artistes qui occupent un rôle important dans le paysage théâtral, le métathéâtre nous est apparu comme une forme privilégiée pour cette observationThis dissertation addresses a specific mode of reflexivity that appears in the work of certain contemporary artists, such as Jérôme Bel, Philippe Quesne and Grand Magasin. The examination of the theatre — its nature, its function, its necessity and its pertinence within society — is accompanied by a particular concern for getting closer to the audience. This is observable in the form of these artists’ performances, expressed in how the performances give attention to clarity, explain the rules of the game, relate hesitations concerning theatrical savoir-faire, and mix learned and popular references. Why do these subsidised productions, largely praised and recognized within public institutions, take the theatrical apparatus itself as their subject? And what is behind their choice of approaches? The metatheatre of the beginning of the 20th century, which presented similar themes and structures, responded to the risks of the obsolescence of the stage, of its economic collapse, and of its loss of legitimacy within the industrialised world. My hypothesis is that the contemporary metatheatre of the 21st century is based on an ambivalent relation to theatrical performance: between fascination for its functioning as a structure and scepticism with regard to its referential power. This results in a play made for its own sake which refuses to allow itself to be taken seriously. Other ambiguities concern the relation to Western cultural heritage, the relation to otherness (social, aesthetic) and the forms of integration within institutional systems -- traits found just as easily outside the artistic world. Because it reveals how artists occupying an important role in the theatrical landscape view theatre itself, this study considers metatheatre a privileged form of observation
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Ruimi, Jennifer. "Étude d’une forme dramatique oubliée. La parade de société au XVIIIe siècle." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030119.
Abstract:
Divertissement mondain ayant rencontré un vif succès au cours du XVIIIe siècle, la parade de société est une forme dramatique que l’histoire littéraire a longtemps considérée comme mineure et par là même sans intérêt. Inspirées des spectacles forains et populaires, mais reprises et jouées dans les meilleures compagnies parisiennes, ces pièces graveleuses, grossières, ordurières pour reprendre l’expression consacrée, n’intéressent aux XIXe et XXe siècles que quelques érudits amateurs d’anecdotes grivoises. Les jugements d’ordre moral et esthétique sur la parade sont sévères, se multiplient jusqu’au XXIe siècle et contribuent à reléguer cette forme dans l’oubli. Seules les études portant sur des parades écrites par des auteurs reconnus comme Beaumarchais ou Potocki donnent à ces spectacles quelque légitimité critique. Le champ d’études est donc encore largement inexploré et la présente thèse se propose entre autres de retracer l’histoire de cette forme, en étudiant les conditions d’émergence, les manifestations et la réception de la parade au XVIIIe siècle. Mais au-delà de cette dimension documentaire, nous voudrions montrer dans cette étude, notamment par une analyse méthodique de la dramaturgie de ces pièces, à quel point celles-ci, comme le théâtre de société dans lequel elles s’inscrivent, sont le lieu d’expériences dramatiques, d’une approche parodique des savoirs et d’une remise en question du théâtre officielWhile widely popular as a form of entertainment among eighteenth-century aristocratic circles, the dramatic genre known as ‘parade de société’ has long been regarded by literary historians as a minor one, and therefore unworthy of scholarly attention. Parades find their origins in the shows that took place in fairs and markets in Paris, yet they were later taken up by the best salons of the town. In the nineteenth and twentieth centuries, few were interested in these ribald plays except for a handful of scholars delving into bawdy double entendre and sexual innuendoes. Up until the twenty-first century, the parade has been condemned on moral as well as aesthetic grounds and has gradually fallen into oblivion. Only the parades written by well-known authors such as Beaumarchais and Potocki have been carefully studied and have been granted some critical legitimacy. This field of research has therefore been left largely unexplored. My aim in this dissertation is to trace the history of the parade and examine the emergence, development and reception of the genre in the eighteenth century. Going beyond mere description, I want to scrutinize the dramatic devices at work in these plays to show how, similarly to the ‘théâtre de société’ to which they belong, parades make possible a number of dramatic experiments, how they approach all forms of knowledge in a parodic way, and call into question the codes of established drama
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Sanchez, Joana. "Un imaginaire du lien : famille et société dans le théâtre indépendant argentin (1975-2015)." Thesis, Strasbourg, 2019. https://publication-theses.unistra.fr/restreint/theses_doctorat/2019/Sanchez_Joana_2019_ED520.pdf.
Abstract:
À partir d’une approche transdisciplinaire croisant la sociologie, l’anthropologie, l’histoire et la philosophie, il s’agit d’abord de penser comment la famille, lieu quotidien d’un maillage dialectique entre le même et l’autre, peut être le support privilégié d’un « imaginaire du lien ». C’est au regard de cette hypothèse, et depuis une perspective sociocritique, que la thèse questionne les croisements entre le lien familial (exposé sur la scène), le lien social (qui s’y projette, par la médiation de l’imaginaire) et le lien théâtral (qui structure les dramaturgies et définit une théâtralité spécifique), durant deux périodes particulièrement complexes d’un point de vue socio-politique : la dernière dictature militaire puis la post-dictature. À la croisée des études théâtrales et des sciences sociales, cette recherche explore les enjeux politiques et sociaux du sujet, tout en plaçant l’analyse dramaturgique du corpus au premier plan de la démonstrationFrom a transdisciplinary approach at the crossroads of sociology, anthropology, history and philosophy, this research, in a first instance, considers how the family, everyday playground of a dialectic mesh between the same and the other, can be the privileged substrate of an “imaginary of the bond”. In the light of this hypothesis, and through the social criticism, this thesis interrogates the intersections between family bond (exhibited on stage), social bond (projected on it) and theatrical bond (which structures the dramaturgy and defines a specific theatricalness), during two timeframes particularly intricate on a socio-political standpoint: the last military dictatorship and the post-dictatorship. On the crossroads of theatrical studies and social sciences, this research explores political and social issues while bringing to the forefront the dramaturgical analysis of the corpus
¿Por qué el teatro, y en particular en Argentina, parece tan obsesionado con el tema de la familia ? Rechazando la retórica de la «familia disfuncional», esta tesis analiza las ficciones familiares en su relación con lo social. Desde una perspectiva pluridisciplinar (con herramientas de sociología, antropología, historia y filosofía), se trata primero de pensar cómo la familia, espacio cotidiano de una dialéctica entre lo mismo y lo otro, puede ser el soporte de un «imaginario del vínculo». A partir de esta hipótesis, y con las herramientas de la teatrología y la sociocrítica, la tesis interroga los cruces entre vínculo familiar, vínculo social y vínculo teatral (el que estructura la dramaturgia y la teatralidad), durante dos períodos complejos a nivel sociopolítico: la última dictadura militar y la posdictadura. Respecto al teatro producido durante la dictadura, se matiza la idea de una intención sistemáticamente metafórica (al asumir que un teatro concebido como mero código sería un vínculo teatral profundamente vertical que no corresponde con gran parte de las obras), y se analizan «manchas temáticas» recurrentes, que plasman en las ficciones familiares un «vínculo tiránico», a la par de la política de terror de la Junta militar.En la posdictadura, se sigue profundizando una dinámica de fragmentación social, que también se puede vislumbrar en la producción teatral. Mientras que las condiciones de producción del teatro independiente (en espacios cada vez más íntimos) favorecen la multiplicación de dramas familiares, las nuevas dramaturgias, a pesar de reivindicar su autonomía, también están atravesadas por el contexto social e histórico (mediante motivos temáticos recurrentes y formas dramáticas fragmentadas). Entre los estudios teatrales y las ciencias sociales, este trabajo de investigación explora la dimensión política y social del tema familiar, con el análisis dramatúrgico del corpus en el primer plano de la reflexión
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Cardot, Nathalie. "Art théâtral et/ou théâtralisation de la société : vers une sociologie de la formation théâtrale du comédien décentralisé." Besançon, 2002. http://www.theses.fr/2002BESA1030.
Abstract:
Ce travail traite de la formation du comédien de théâtre en région et ce, par l'approche d'une formation universitaire le Deust à Besançon en association avec le centre dramatique national. En accord avec la sociologie de Jean Duvignaud nous considérons le théâtre comme un art source d'informations sur l'état de la société et en perpétuelle interaction avec celle-ci. C'est pourquoi, nous avons effectué un historique relatant les rôles et fonctions du comédien. De l'acteur grec au contestataire du XXème siècle, chaque époque modèle un statut à cet artiste atypique. Guidé aussi par différentes conceptions de mise en scène, il devra adapter son comportement scénique à ces divers facteurs. Artiste, terme problématique en référence aux thématiques du don et de la vocation qui plus est singulier puisque son oeuvre est reproductible et éphémère, il devra justifier d'une technicité de jeu apprise pour accéder au rang des professions. Les entretiens, méthode d'enquête utilisée, ont montré que la constitution de réseaux de connaissances semble première et le rôle du CDN comme garant de la formation, vital. L'apprenti comédien doit s'engager dans un chemin réglementé où les diverses voies suivies : succession des formations, reconnaissance de celles-ci commandent l'espérance d'une intégration plus ou moins réussie telle que l'intermittence.
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Chehilita, Émilie. "La critique de la « société du Spectacle » à l’essai sur les scènes théâtrales de Berlin, Londres et Paris dans les années 2000 : spectacle dans le spectacle, la société spectaculaire et marchande au prisme du spectacle vivant." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100076.
Abstract:
Cette thèse envisage la critique de la « société du Spectacle » (concept forgé dans l’essai éponyme de Guy Debord) telle qu’elle procède dans des œuvres du théâtre expérimental et sur les scènes de la performance au cours des années 2000 à Berlin, Londres et Paris. Les pièces étudiées recyclent des références empruntées aux médias de masse, souvent assimilés à des machines à aliéner le public. Le corpus regroupe aussi bien des auteurs et des metteurs en scène que des collectifs : Martin Crimp, David Ayala, Joël Jouanneau, Falk Richter, René Pollesch, Tom Kühnel, Katie Mitchell, le Collectif MxM (Cyril Teste), Forced Entertainment (Tim Etchells), Gob Squad et Superamas. L’approche pluridisciplinaire traite à la fois des composants dramaturgiques et des considérants sociologiques de la représentation. D’une part, ce travail étudie la structuration des réseaux dans lesquels les artistes se rencontrent ou coopèrent. D’autre part, nous examinons tant l’organisation des différents éléments scéniques, parmi lesquels les caméras et les écrans tiennent une place importante, que la corporéité des interprètes ainsi que les modes de réception des spectateurs, entre autres par la mise en place d’une enquête. En trans-contextualisant leurs sources, les artistes instaurent des écarts et creusent de la distance à travers divers procédés : l’incorporation littérale, la citation, la parodie et le pastiche, mais aussi l’ironie et le ton cool fun. La dimension critique de ces œuvres ne s’exerce pas de manière frontale et n’est souvent pas même revendiquée. Loin de la rejeter en bloc, les auteurs et interprètes affectionnent certains objets de la culture des médias de masse. Pour mettre en branle leur fonction critique, ils se situent au cœur même de la « société du Spectacle » et de l’esprit du temps. Ainsi cette critique s’est déplacée de l’extérieur à l’intérieur du champ. Leur démarche mêlant le sérieux au ludique dénote une volonté de ne pas se désolidariser des spectateurs face auxquels ils veulent s’inscrire sur un pied d’égalité pour rendre le dialogue et parfois l’interaction possiblesThis thesis tackles the critic of the “Society of the Spectacle” (concept brought by the Guy Debord’s eponymous essay) performed in experimental theater works and the performance scenes during the 2000s in Berlin, London and Paris. The studied theater pieces borrow cultural references to the mass media, often considered as machines to alienate the public. The corpus includes authors as well as stage directors and collectives: Martin Crimp, David Alaya, Joël Jouanneau, Falk Richter, René Pollesch, Tom Khünel, Katie Mitchell, the Collective MxM (Cyril Teste), Forced Entertainment (Tim Etchells), Gob Squad and Superamas.The multidisciplinary approach deals with both the dramaturgy aspects and the sociological patterns of representation. One the one hand, this work studies the network structure in which the artists meet each others and collaborate. On the other hand, we investigate the various stage elements, among which cameras and screens take an major part, as well as the actors’ corporeality as well as the spectators’ ways of perception, among others, by the mean of a survey. By trans-contextualizing their sources, the artists create a gap and increase the distance with them using several techniques: literal incorporation, quotation, parody and pastiche, but also irony and cool fun tone.The critical dimension of these works is not straight forward, and often not even claimed. Far from rejecting it as a whole, the authors and actors are fond of the mass media culture’s objects. In order to set in motion their critical function, they place themselves at the heart of the “Society of the Spectacle” and the Zeitgeist. Thus, such a critic has moved from an external point of view to an internal one. Their approach, mixing seriousness and fun, indicates a will not to separate themselves from the spectators to whom they want to set on equal footing in order to make the dialogue and sometimes the interaction possible
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Huapaya, Cesar Augusto Amaro. "L'utilisation des matrices rituelles afro-amérindiennes dans le processus créatif du théâtre expérimental capixaba (Vitoria, Espirito santo, Brésil)." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082120.
Abstract:
Cette thèse porte sur le processus de création caractéristique du groupe de Théâtre Expérimental Capixaba (Vitória, Espírito Santo, Brésil), en analysant ses techniques du corps et ses relations avec les candomblés et la société brésilienne. Depuis vingt-cinq ans celui-ci assure un travail de recherche et de résistance contre la dictature (politique et économique) dans le pays. Elle rend compte de son passage d'un engagement politique militant sous-tendu par une esthétique théâtrale d'inspiration européenne au temps de la dictature militaire à un militantisme social, culturel et économique, sous-tendu par une esthétique théâtrale inspirée des pratiques des candomblés afro-amérindiens. Au Brésil les multiples formes de pratiques performatives (candomblé, congo et carnaval) constituent des expériences de vie individuelle et une action politique, corporelle et performative dans le quotidien du performer. La manifestation individuelle contribue pour une part déterminante à la fabrication et à la construction de la réalité. L'axé est la fontaine et la force vitale (réinventée) de tout processus créatif du groupe avec sa théorie du Performer Iaô. Le Performer Iaô suit le principe même du candomblé et des rituels, à savoir qu'il développe toutes les possibilités du performer, tant sur le plan esthétique que comme expérience personnelle. De même que dans le candomblé, le performer cherche à intervenir sur sa propre réalité en développant ses caractéristiques personnelles, le Performer Iaô va agir sur sa réalité, la modifiant et agissant corporellement sur son temps présent. Les pratiques performatives et corporelles du groupe de Théâtre Expérimental Capixaba avec la société brésilienne sont de réinvention, une construction imaginaire, sociale, politique et individuelle d'une génération qui a cherché à construire dans la crise " économique ", " politique " et " existentielle " du Brésil une forme d'art performatif d'intervention. Comme réponse à cette crise, ils interfèrent dans la réalité et l'existence quotidienne de l'individu et dans l'espace-temps performatif (l'intimité, le privé, le public)This thesis deals with the process of creation, which characterizes the group of experimental theatre called Capixaba (Vitoria, Espirito Santo, Brazil). This work analyses its body technics and its links with the different kinds of candomblé and with the Brazilian society. The group has been doing research and has been engaging in resistance against the political, economical dictatorship in Brazil for 25 years. The thesis points out the group's evolution from a militant political commitment characterized by a theatrical aesthetic in the European style during the militarian dictatorship to a social, cultural and economical militancy defined by a theatrical aesthetic inspired by Afro-Amerindian candomblé's practices. In Brazil, the various kinds of performative practices (candomblé, congo and carnaval) represent both some experiences of individual life and some political, bodily and performative action in the performer's day life. The individual exhibition (or work) mainly contributes to the making and construction of reality. The axé is the source and the vital strength of any creative process of the group through its theory called Performer laô. The Performer laô's principles are similar to those of candomblé and rituals, insofar as it develops every performer's ability both on aesthetic and inner experience level. Exactly like in the candomblé, in which the performer aims at changing its own reality by developing its personal abilities, the Performer laô changes its reality and present time through body performances. In Brazilian society, the performative and body practices of Capixada experimental theatre's group constitute a re-creation and an imaginary, social, political and individual construction of a generation which aims at creating a form of "active" performing art in "economical", "political" and "exsitential" crisis. To react against the crisis, they interfere in reality, individual daily life and performative space-time (intimacy, private and public life)
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Jotham, Justine. "Le spectacle et le spectaculaire chez les frères Goncourt : représentation de la société et création de soi." Thesis, Paris 10, 2015. http://www.theses.fr/2015PA100161/document.
Abstract:
Paris, sous le Second Empire, est capitale du spectacle. Cette vision est à la fois un mythe et l’image d’un lieu réel de relations sociales travaillées par des codes relevant du théâtral. C’est dans ce contexte qu’Edmond et Jules de Goncourt évoluent. Le spectacle et le spectaculaire, qui les fascinent sous toutes leurs formes, sont deux notions qui permettent de rendre compte de leur œuvre et de leur statut d’hommes de lettres. Ces termes témoignent de leurs sources d’inspiration et de leur style, imprégnés du drame et de la peinture, mais aussi de leur posture d’artistes, parmi les écrivains, les artistes, la bohème, le milieu de la presse de leur époque. Dans leurs œuvres, les deux frères s’adonnent à une représentation de leur temps, qui dévoile un jeu du paraître. Leur quête stylistique, qualifiée d’écriture artiste, dans son affranchissement des codes et sa volonté de transgresser les frontières des genres, affirme leur posture d’élection, révélatrice de leurs velléités aristocratiques et de leurs goûts artistiques. Leur position est celle de deux modernes poursuivant la réflexion engagée par Balzac et Baudelaire, mais deux modernes contrariés. Leur œil-artiste, enrichi par les peintres et dramaturges avec qui ils entrent en discussion ou qui leur servent de modèles, opère avec sagacité. Ils offrent une création spectaculaire et spéculaire. Ce miroir tendu à la société, inspiré par les techniques picturales, les genres et registres comme la pantomime, la parodie, la comédie et la satire, renvoie en des vues diffractées l’image de leurs contemporains et celle de leur existence exemplaire, qu’ils mettent en scène artistiquementParis, under the Second Empire, was the world capital of spectacle. This image, as much as it is a myth, also depicts the reality of social relationships that were akin to the rules of drama.This is the milieu Edmond & Jules de Goncourt live in. The spectacle and spectacular of all kinds fascinate them and account for their work, and also their place as writers in society. These two words tell us about their inspiration and style, which are infused by drama and painting, as well as their artistic position among literary sociability, artists, bohemians, and the press of the middle of the nineteenth Century. In their books, the Goncourt brothers give a representation of this time by revealing the codes of make-believe. Their stylistic aspiration, deemed “écriture artiste”, which goes across the rules and borders of literary genres, claims their position of superiority to show their aristocratic aspirations and their artistic tastes. Their position is that of modern men, thinking about modernity as Balzac and Baudelaire did earlier, but in some ways, their position also seems to be an anti-modern one. Their artistic observation, or oeil-artiste, enriched by painters and playwrights, who they converse with or whom they emulate, is shrewd. Their production is both spectacular and specular. This mirror, which they are presenting society with, is inspired by painting techniques, literary genres and tones, like dramatic pantomime, parody, comedy and satire. It shows kaleodoscopic views of their contemporaries and of their own life, scripted and staged like a work of art
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Goursolas, Marie-Hélène. "« La société des idolâtres ». L’idolâtrie dans la polémique contre le théâtre en France et en Angleterre, XVIe-XVIIe siècles." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL108.
Abstract:
Cette thèse rend compte du sens et de la portée de l’idolâtrie dans la polémique contre la scène au XVIe et au XVIIe siècles en France et en Angleterre. Parce que les condamnations des premiers Pères de l’Église visaient des spectacles étroitement liés au culte païen, l’argument de l’idolâtrie est discuté dans les débats sur le statut de ces autorités dans la controverse moderne. Il questionne l’évolution de la Comédie et la possibilité de sa « conversion » au christianisme. L’idolâtrie soutient aussi l’assimilation du théâtre à une « Église du diable », car elle a été comprise comme un dévoiement du culte divin à son profit. Elle fait écho aux controverses religieuses du temps : l’amalgame puritain ou calviniste entre théâtre et papisme, tout comme la condamnation augustinienne des passions, trouvent dans l’idée d’idolâtrie un motif rhétorique signifiant. Articulant l’analyse de discours et l’histoire des idées, cette étude suit les ramifications d’un grief qui combine la disqualification platonicienne de l’illusion et la condamnation biblique de la vanité. Elle illustre la propension de la polémique à réorienter les arguments qu’elle semble répéter. L’examen de pièces qui mettent en scène l’idolâtrie (amoureuse ou religieuse) montre aussi l’intérêt dramaturgique de ce thème, par lequel le théâtre répond parfois aux attaques qui lui sont faitesThis thesis considers the meaning and scope of idolatry in the french and english polemics against the stage in the 16th and 17th centuries. Because the condemnations of the early Church Fathers were aimed at spectacles closely related to pagan worship, the argument of idolatry is discussed in debates on the status of these authorities in the modern controversy. It questions the evolution of the stage and the possibility of its "conversion" to Christianity. Idolatry also supports the assimilation of the theatre to a "devil's church", as it has been understood as a deviation of divine worship to its benefit. It echoes the religious controversies of the time: the Puritan or Calvinist association of theatre and papism, as well as the Augustinian condemnation of passions, find in the idea of idolatry a significant rhetorical motif. Articulating discourse analysis and the history of ideas, this study follows the ramifications of a grievance that combines the Platonic disqualification of illusion with the Biblical condemnation of vanity. It illustrates the propensity of polemics to redirect arguments that it seems to repeat. An examination of plays that stage idolatry (whether amorous or religious) also shows the dramatic interest of this theme, whereby theatre can face the attacks launched toward it
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Wibowo, Agung. "LUDRUK : Théâtre et société à Java Est (Indonésie). Étude d’un genre ancien dans ses usages contemporains." Electronic Thesis or Diss., La Rochelle, 2023. http://www.theses.fr/2023LAROF001.
Abstract:
En prise constante sur l’actualité de la vie villageoise, des instances administratives régionales, des discours politiques et militants qui s’affrontent sur les médias nationaux, le ludruk, théâtre populaire de Java Est, démontre une capacité générique à corriger, réviser, rénover sans cesse ses contenus ludiques comme si sa survie en dépendait. De telles initiatives, potentiellement transgressives des discours dominants, ont depuis l’indépendance du pays, et auparavant durant l’occupation néerlandaise puis japonaise, convaincu les autorités des champs politiques et religieux d’imposer une surveillance étroite des artistes et organisateurs de spectacles. L’armée indonésienne, notamment pendant la période de l’Orde Baru de Suharto, a pris le contrôle de la plupart des troupes circulant à Java Est. À l’heure de la Reformasi, ce fut au ministère de l’Éducation et de la Culture d’engager un vaste programme de standardisation d’un théâtre trop protéiforme dans ses inspirations, ses trouvailles scéniques et ses scénarios sommaires livrés à l’improvisation des acteurs. Mais le ludruk dispose de manière latente d’une possibilité dissidente, celle des incartades de l’humour et de la dérision qui le définisse intrinsèquement. Le ludruk, dont l’inventivité faite de bric et de broc conserve le cadre épuré du théâtre de cour, aligne toujours les figures fondamentales de la « chanteuse-danseuse transgenre » (tandhak) et du « clown à la langue déliée » (badut), tous deux porteurs des dissonances entre les idéaux sociaux et politiques et les réalités de la vie ordinaireConstantly in touch with the current events of village life, regional administrative bodies, political and militant discourses that clash on the national media, ludruk, a popular theater of East Java, demonstrates a generic capacity in correcting, revising, and renewing its playful content as if its survival depended on it. Such initiatives, potentially transgressive of the dominant discourses, have since the country’s independence, and before that during the Dutch and then Japanese occupation, convinced the authorities in the political and religious fields to impose close surveillance of artists and show organizers. The Indonesian army, especially during the period of Suharto’s Orde Baru, took control of most of the troupes circulating in East Java. At the time of the Reformasi, it was the Ministry of Education and Culture, to engage a vast program of standardization of a theater too protean in its inspirations, its scenic finds and its sketchy scenarios left to the improvisation of actors. But the ludruk has in a latent way a dissident possibility, that of the breakthrough of humor and derision which defines it intrinsically. The ludruk, whose inventiveness made of bits and pieces preserves the purified framework of the court theater, always aligns the fundamental figures of the “transgender singer-dancer” (tandhak) and of the “clown with a sharp tongue” (badut), both carriers of the dissonance between social and political ideals and the realities of ordinary life
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Michel, Carole. "La dramaturgie d'Egon Wolff : itinéraire dramatique pour une unité entre individu et société." Besançon, 2002. http://www.theses.fr/2002BESA1018.
Abstract:
Cette thèse présente et analyse la dramaturgie de l'auteur chilien Egon Wolff. Après avoir posé les fondements méthodologiques de l'étude, l'ensemble de la production d'Egon Wolff est envisagée, puis sept oeuvres analysées de façon détaillée afin de mettre en relief l'unité dramatique wolfienne longtemps décriée par la critique.
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Delaunay, Léonor. "Le théâtre en révolte : étude des expériences théâtrales prolétariennes et révolutionnaires (textes, représentations, discours) en France de 1919 à 1935." Caen, 2009. http://www.theses.fr/2009CAEN1555.
Abstract:
A l'émergence de la figure de l'ouvrier sur la scène sociale et politique française au 19ème siècle correspond l'émergence d'une parole ouvrière sur la scène théâtrale. Les lendemains de la première guerre mondiale vont voir se développer dans le sillage de la révolution et du parti communiste, un certain nombre d'expériences, de tentatives, de faire participer le théâtre à la constitution d'une conscience ouvrière militante, un théâtre en révolte. Nous aborderons, à travers cette recherche, la question prolétarienne au théâtre dans l'entre-deux-guerres, dans une optique volontairement plurielle : analyse du sens que recouvre l'usage des différentes terminologies – théâtre ouvrier, théâtre prolétarien, théâtre prolétarien révolutionnaire, théâtre d’agit-prop – étude des liens que les artistes ont tissés avec les organisations ouvrières syndicales et communistes et des implications esthétiques et formelles qu'investissent ces artistes et les militants dans la représentation du monde prolétaire et de la révolution. Enfin notre recherche implique une prise en compte consubstantielle des pratiques théâtrales. Où les pièces se sont-elles jouées ? Dans quel cadre ? Pour quel public ? Quelles traces éventuelles de ces expériences ? A ce titre, l'archive occupe une place essentielle dans ce travail, permettant non seulement de retrouver la trace de ces pratiques, mais également d'interroger les récits mythiques qui grèvent usuellement l'histoire des théâtres révolutionnaires
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Delgado, Sonia. "La vision de la société nigériane dans les romans de Chinua Achebe et le théâtre de Wole Soyinka." Paris 4, 1990. http://www.theses.fr/1991PA040237.
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Vennemann, Aline. "Architectures et architectures de la mémoire : le théâtre d'Elfriede Jelinek et de Peter Wagner (1991-2011)." Phd thesis, Université Rennes 2, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00936723.
Abstract:
Le théâtre d'Elfriede Jelinek et de Peter Wagner s'inscrit dans la (re/con)quête d'une identité mise à mal par les traumatismes successifs de l'histoire austro-allemande ainsi que par les relations contradictoires qu'entretient le peuple germanique avec son passé fasciste. A la montée des commémorations officielles depuis le début des années 1990, qui va de pair avec la disparition des derniers témoins de la Shoah, les textes, tout comme les mises en scènes et performances vocales qu'ils suscitent, opposent un théâtre des lieux et des milieux de la mémoire. L'analyse des stratégiestextuelles et scéniques, sous l'angle des formes, structures et des enjeux de la mémoire et du souvenir, met au jour une esthétique théâtrale particulière de ce que l'on peut appeler un art du " remembrement".
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Megneng, Mba-Zue Geneviève. "La société dans le théâtre d’Afrique centrale : les cas du Cameroun, du Congo et du Gabon. Pour une sémiotique de l’énonciation théâtrale." Cergy-Pontoise, 2008. http://biblioweb.u-cergy.fr/theses/08CERG0373.pdf.
Abstract:
Ce travail s’articule sur quatre parties essentielles, qui, au-delà d’un besoin légitime, de revisiter l’histoire et la thématique de la littérature africaine à travers son théâtre, se penchent aussi sur la problématique de l’écriture, de l’analyse des contenus, et surtout sur les questions liées au destin de ce théâtre. En effet, après avoir rappelé le contexte d’éclosion du théâtre moderne d’Afrique Centrale, nous avons recherché et mis en lumière les multiples réseaux de signification relatifs à l’expressivité et à la spécificité de ce théâtreThis study’s based on four main parts, and concerns with a legitimate and necessary wish to reinterpret the history and thematic of African literature, through its theatre. This study also concerns with the problematic of poetical analysis of contents, and over all, its destiny. After the summary of the birth of the modern theatre of Central Africa we have tried to shed new light on a lot of situations of signification what are determining for this theatre
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Lumière, Emilie. "Clio en question. Le théâtre métahistorique en Espagne (1980-2010)." Phd thesis, Université Toulouse le Mirail - Toulouse II, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01057492.
Abstract:
Dans le contexte de la postmodernité, la question de l'écriture de l'histoire est devenue essentielle. " Tournant épistémologique " chez les historiens, " fiction métahistorique " chez les écrivains : cela semble témoigner d'une " conscience métahistorique " qui touche aujourd'hui les sociétés occidentales dans leur ensemble, invitant à penser l'histoire comme un palimpseste d'interprétations subjectives et contradictoires. L'Espagne, traversée par de récents conflits mémoriels, n'est pas en reste. Tout en cherchant à identifier les modalités et les enjeux de cette tendance métahistorique, cette thèse s'interroge sur la place du théâtre espagnol contemporain à l'intérieur de ce phénomène. Après avoir retracé les évolutions des notions " métahistoire " et " fiction métahistorique ", ce travail s'ouvre sur un premier chapitre proposant une ébauche de l'histoire de la métahistoire en Occident, étendue à l'historiographie, à l'art et au champ sociétal - limitée pour ce dernier à l'époque contemporaine. Si le phénomène métahistorique est loin d'être nouveau, la conscience métahistorique qui lui donne une force et une cohérence inédites semble se cristalliser dans le dernier tiers du XXe siècle. L'Espagne possède ses spécificités, liées notamment à l'héritage de la guerre civile et du franquisme. Ce chapitre s'achève sur un volet théorique où sont précisés des outils d'analyse pour la fiction métahistorique et une typologie (fiction métahistorique métafictionnelle ; fiction métahistorique historiographique), tout en envisageant quelques particularités du genre dramatique. L'examen, dans un second chapitre, d'une dizaine de pièces espagnoles écrites ces trente dernières années ‒ El retablo de Eldorado, Naufragios de Álvar Núñez, Lope de Aguirre, traidor et El sudario de tiza de J. Sanchis Sinisterra, ¡¡¡Tierraaaa... a... laaaa... vistaaa...!!! de M. Martínez Mediero, Yo tengo un tío en América d'A. Boadella, Retrato de gran almirante con perros de L. Riaza, Yo, maldita india... et El arquitecto y el relojero de J. López Mozo, El jardín quemado et La tortuga de Darwin de J. Mayorga, et Homenaje a los Malditos d'E. Calonge ‒ montre que le dispositif métahistorique se manifeste dans des dramaturgies variées. Ce corpus présente néanmoins une réelle unité : en écho à la préoccupation historiographique et sociétale actuelle pour l'écriture de l'histoire, il s'offre comme une manifestation artistique originale de la conscience métahistorique contemporaine, dans les particularités de l'aire espagnole. Ces textes semblent refléter par ailleurs l'affirmation progressive de la fiction métahistorique qui s'affranchit peu à peu de la fiction historique et de la métafiction. À l'heure où Clio est ramenée sur la scène des hommes, déconstruite et démythifiée, ces dramaturges n'en font pas moins acte de mémoire et offrent des espaces d'expression aux mémoires en souffrance. Résolument postmoderne, la fiction métahistorique contemporaine ne verse pas dans le nihilisme : elle démantèle les discours historiques pour mieux les comprendre ; elle les déconstruit pour proposer d'autres évocations du passé.
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Viviescas, Víctor. "Représentation de l'individu dans le théâtre colombien moderne 1950-2000." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030009.
Abstract:
Parcourant la deuxième moitié du XXe siècle, cette thèse poursuit une recherche sur l'écriture dramatique colombienne moderne autour du concept de " représentation de l'individu ". Nous avons mené une enquête simultanée sur trois aspects de l'écriture contemporaine : la crise de la forme dramatique, la crise de la représentation et la crise de l'individu. Cette triple crise crée le contexte dans lequel surgit et se développe la dramaturgie dont nous parlons. La dramaturgie colombienne moderne prend sa source dans la crise du drame, et elle aboutit, à la fin du XXème siècle, à l'expérimentation d'une écriture postdramatique et postreprésentationnelle dans le contexte créé par la présence simultanée des trois concepts alternatifs suivants : l'hybridation de la forme dramatique et l'expérimentation du fragment comme forme ; le dépassement et la mise en crise de la représentation expérimentée comme simulacre ; et l'éclatement de l'individu et de sa représentation au moyen du personnage théâtral expérimenté comme personnage éclatéThis thesis carries out an investigation on the modern Colombian writing during the second part of the XX century, around the concept known as "the individual's representation. " Primarily we had investigated three aspects of the contemporary writing context, which are the crisis of drama, the crisis of the representation and the crisis of the individual. This triple crisis creates the context in which the dramaturgy we are about to study is borned and developed. The colombian modern theatre takes its source from the drama crisis and arrives at the end of the XX century, to the experimentation of the postdramatic and post representation writing in the context created by the simultaneous presence of three alternative concepts which are: the hybridization in the dramatic way and the experimentation of the fragment like form; the overflow and the setting in crisis of the representation that is experienced as simulation ; and the individual's explosion and its representation of broken fragments through the theatrical character
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Diot, Marie-Renée. "La femme dans le roman et théâtre allemands du dix-huitième siècle : 1725-1784." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040117.
Abstract:
A une époque ou le statut juridique et religieux de la femme fait d'elle une inférieure et une éternelle mineure, ou des châtiments sévères menacent celles qui ne respectent pas les règles de la morale sexuelle ou se rendent coupables d'infanticide, où l'état déplorable de l'éducation féminine est soulignée par maints observateurs et en particulier par les revues moralisantes, il est permis de se demander si la littérature, en l'occurrence le théâtre et le roman, a apporté une contribution décisive à l'analyse de cette situation et à l'élaboration de revendications, de plaidoyers en faveur des femmes, de projets de réformes allant dans le sens d'une plus grande égalité. Une étude de l'image de la femme -telle qu'elle est proposée par le théâtre et le roman- qui analyse la représentation physique, morale, intellectuelle des héroïnes, leur place dans les relations familiales, amicales, amoureuses et sociales et qui ne néglige pas les différences, les nuances liées à la diversité des genres, à l'évolution du goût, permet de voir se dessiner un modèle féminin qui ne remet pas en cause l'ordre établi. L'analyse des points sur lesquels pourrait se porter la volonté de réforme : éducation, choix matrimonial, condition des femmes coupablesIn an age when the legal and religious status of woman ranks her an inferior and an eternal minor, when harsh punishments threaten those who flout the rules of sexual morality or commit infanticide, when the lamentable state of education for women is underlined by a host of observers and in particular by the moral weeklies, it is legitimate to wonder whether literature, in this case theatre and the novel, has made any decisive contribution to the analysis of the situation and to the formulation of demands, of pleas on behalf of women, of reform projects aiming to secure greater equality. A study of the image of woman, such as she appears in theatre and the novel, which analyses the physical, moral, intellectual representation of the heroines, their place in the system of social and family relationships, friendship and love, and which also takes into account the differences and shifts of emphasis determined by the diversity of these genres and the evolution of taste, reveals an emerging pattern of womanhood that in no way challenges the established order
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Crétien, Aude. "Temps et métamorphoses dans l'œuvre dramatique d'Arthur Schnitzler, Paul Claudel et Marguerite Duras." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01068552.
Abstract:
Le temps est à la fois une donnée objective, extérieure à l'homme, et une émanation de sa perception subjective. Dans son rapport au temps, l'homme est donc sans cesse pris dans une dialectique entre temps réel, qu'il subit, et temps imaginaire, qu'il crée. Le théâtre, œuvre d'imagination vouée à s'inscrire dans le temps réel de la représentation, est un terrain privilégié de l'observation de cette dialectique. Celle-ci se trouve d'autant plus aiguisée dans le cas d'une œuvre dramatique qui met au premier plan la psyché des personnages, et notamment leur perception subjective du temps. Or, cette question semble au cœur de l'oeuvre dramatique d'Arthur Schnitzler, Paul Claudel et Marguerite Duras. Leurs personnages manifestent de manière significative un désir d'échapper à l'irréversibilité de l'écoulement du temps, et la dramaturgie laisse voir une volonté de jouer avec lui, de se libérer de sa linéarité. L'idée que nous chercherons à défendre dans cette thèse est que le traitement du temps, dans les pièces de ces trois auteurs, est sous-tendu par le désir d'échapper à son écoulement. Sept parties composeront ce parcours. Nous partirons de la représentation linéaire pour étudier ensuite comment le temps, passé par le filtre de l'expérience subjective, se métamorphose en des formes nouvelles : " accordéon " du temps, temps répété, temps éternisé, temps recommencé, avant de nous demander si, pour ces auteurs, l'affranchissement ultime vis-à-vis de l'écoulement irréversible du temps ne se situerait pas dans la représentation théâtrale elle-même.
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Zhang, Florence. "traduire le théâtre : application de la théorie interprétative à la traduction en chinois d'œuvres dramatiques françaises." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2006. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00669138.
Abstract:
Cette thèse a pour but d'apporter quelques éclaircissements sur la traduction des œuvres dramatiques. A travers l'étude de la spécificité des textes dramatiques, et l'analyse des théories de la traduction, en nous basant sur un corpus de traductions chinoises de deux pièces de théâtre françaises, nous essayons de montrer les problématiques de la traduction théâtrale. Nous avons conclu que l'objectif de la traduction théâtrale est de rendre le jeu de scène de l'original. Pour cela, des connaissances théâtrales et une bonne méthode de traduction sont indispensables au traducteur. Cette étude rappelle les principes de La Théorie interprétative de la traduction, et propose son application dans le processus de la traduction théâtrale.
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Simard, Mélissa. "Théâtre, culture et société haïtienne : une exploration interartistique et interculturelle de "La mort de soi dans sa longue robe de Mariée" de Guy Régis Jr." Thesis, Université Laval, 2012. http://www.theses.ulaval.ca/2012/29411/29411.pdf.
Abstract:
Le présent essai propose un retour sur un processus de recherche-création entourant la mise en scène du texte La mort de soi dans sa longue robe de Mariée, de l'auteur haïtien exilé à Paris, Guy Régis Jr. La représentation théâtrale eut lieu en avril 2011, au LANTISS de l'Université Laval. Elle a réuni une équipe de création composée de comédiens et musiciens, amateurs et professionnels, d'origines brésilienne, centrafricaine, haïtienne et québécoise. La recherche entourant la réalisation de ce projet a été guidée par un besoin de réflexion sur un élément déterminant de la culture haïtienne, la mythologie vaudou comme inspiration du texte dramatique de La mort de soi dans sa longue robe de Mariée. L’analyse de la création est donc basée sur certaines études culturelles entourant le théâtre populaire haïtien, le théâtre rituel et le théâtre anthropologique. Dans un second temps, l'essai couvre la diffusion de la culture populaire et l'affirmation de l'identité (imaginaire collectif/ histoire) comme conditions essentielles de résistance contre le néo-colonialisme mondial et la globalisation culturelle. Finalement, l'essai se penche sur le métissage et la créolisation comme systèmes de communication interculturelle au théâtre.
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Faramond, Julie de. "Travail théâtral, 1970-1979 : une décennie passée en revue." Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100159.
Abstract:
Ce travail a pour objet l'étude de la revue Travail théâtral. La revue se présente comme un ensemble d'articles, d'entretiens, de documents et de quelques pièces inédites, ensemble qui reflète l'évolution des pratiques théâtrale. Elle rassemble des réflexions sur la ou les politiques théâtrales, des témoignages de parcours artistiques en France et à l'étranger et des analyses critiques de spectacles. Porteuse, à son origine, de " l'esprit de Mai ", elle s'intéresse à la tradition marxiste anti-stalinienne, représente un brechtisme non-orthodoxe, c'est-à-dire autre que celui que prônent les héritiers de la décentralisation. Elle se place du côté du " jeune théâtre " et défend ses revendications face à l'institution et sa volonté de donner au théâtre un contenu politique et d'y intéresser le " non-public ". Elle fait entendre des voix singulières : celle d'artistes, d'auteurs et d'intellectuels de son temps. Toujours, elle sait reconnaître et faire connaître les avant-gardesThis work deals with the journal "Travail théâtral". The journal appears as a body of articles, interviews, documents and some unpublished plays, a body that reflects the development of theater practices. It gathers thoughts on theater policy, testimonies of artistic paths in France and abroad, and critical analyses of shows. Originally bearing the "spirit of May", it is concerned with anti-Stalinian Marxist tradition, represents a non-orthodox Brechtism, that is a Brechtism differing from the one advocated by the heirs of decentralization. The journal takes sides with "Young Theater", and supports its daims in front of institutions as well as its strain to give theater a political content and to get the "nonpublic" involved. It makes us hear genuine voices: those of artists, authors and intellectuals of its time. It is always successful at recognizing and making known avant-gardes
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Jo, Hyo Suk. "Armand Salacrou et son univers théâtral." Rouen, 1993. http://www.theses.fr/1993ROUEL180.
Abstract:
Cette thèse sur la vie et l'œuvre d'Armand Salacrou (1899-1989), auteur dramatique français du vingtième siècle, s'est développée en trois parties, dans la première partie, nous avons situé le dramaturge sur la scène française en considérant ses idées d'origine, ses carrières professionnelles et ses observations sur le théâtre. Dans la deuxième partie, nous avons dévoilé la conception de son univers théâtral dans une optique métaphysique. Les principaux thèmes sont Dieu, l'amour, la mort et les idées sociales caractéristiques telles que la liberté, la solidarité et l'injustice. Dans la dernière partie, nous avons analysé sa technique dramatique à travers ses "personnages" particuliers et sa virtuosité étourdissante pour se jouer du "temps" et du "lieu"This thesis about the life and the work of Armand Salacrou (1899-1989). A french dramatist of the txwentieth century, is developed in three parts. In the first part, the playwright's role in the french dramatic scene is considered, through examining his original ideas, his professional career and his observations about the theater. Innthe second part, the special character of his theatrical universe is explored, with special attention to the metaphysical dimensions of his work. The principal themes examined are his views of god, of love and of death, also his characteristic social ideas, such as liberty, solidarity and injustice. In the final part, his dramatic technique is analyzed through his particular "persons" and also his wonderful virtuosity in treating "time" and "place"
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Bense, Ferreira Alves Celia. "Travail théâtral : travail, implication et culture au Théâtre des Bouffes du Nord." Phd thesis, Université Paris VIII Vincennes-Saint Denis, 2005. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00845963.
Abstract:
Ethnographie du Théâtre des Bouffes du Nord (1975-2005) construite autour des six différents groupes professionnels participant à son fonctionnement: les cadres, le personnel de ligne arrière, les acteurs, le personnel de renfort, le personnel de première ligne et le public. Recherche menée par observation directe, entretiens et mise en perspective historique. À partir de son architecture, de son implantation, de sa politique d'exploitation, des conventions utilisées et de sa place dans la tradition théâtrale française, l'esthétique du lieu est dégagée. Chaque groupe professionnel est ensuite défini en regard de son rôle dans l'organisation et analysé au travers des données sociodémographiques, des carrières et de la mobilité des individus qui le composent. La description des tâches et l'analyse de la division du travail met l'accent sur les modalités de répartition des tâches, l'émergence et la résolution des conflits ainsi que la culture du lieu. L'appréhension des ressorts de l'implication met au jour les schèmes du " jeu " et des " enjeux secondaires " ainsi que la centralité de la notion de valorisation de statut dans le maintien au sein de l'organisation.
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Nascimento, da Luz Rosenildes. "Scène sociale_Le cri artistique : le théâtre d'intervention comme médiateur de changement communautaire et développement de connaissances émancipatrices." Master's thesis, Université Laval, 2016. http://hdl.handle.net/20.500.11794/27215.
Abstract:
Ma recherche porte sur l'adaptation auprès d'un groupe de jeunes adultes québécois d'une méthode de théâtre d'intervention réalisée et développée au Brésil. Il s'agit d'une recherche-action qui vise à valoriser le processus d'acquisition de savoirs qui, à son tour, pourra contribuer à l'émancipation des participants et promouvoir les valeurs d'humanité, de respect de la vie, de dignité et de partage de racines communes mises en valeur par l'art. Elle traite des conditions nécessaires à la pratique artistique réalisée par la communauté et appuyée par l'intégration des théories pédagogiques de Paulo Freire et d'Augusto Boal. Les résultats des expériences menées au Brésil avec le groupe de théâtre FACES (faire de l'art avec l'esthétique sociale) sont significatifs et leur impact a contribué au rayonnement de la communauté Nordeste de Amaralina de la ville de Salvador-Bahia. Est venu alors le désir de reprendre cette expérience et d'adapter la méthode de théâtre d'intervention brésilienne, mais cette fois-ci, pour une communauté de Québec. Quatre semaines ont été consacrées à la création d'un spectacle par les jeunes qui a été présenté aux amis et aux familles des participants. Durant cette expérience, les jeunes ou cochercheurs ont fait l'apprentissage du théâtre et de la création collective, et l'acquisition de connaissances personnelles et sociales. Les données provenant de cette expérience de théâtre d'intervention ont été non seulement recueillies dans un journal de bord tenu par l'animatrice chercheure tout au long du processus, mais aussi sur la base de deux entrevues individuelles effectuées au début et à la fin du projet. Les résultats ont été analysés et interprétés afin de répondre aux questions de recherche qui concernent autant l'adaptation de la méthode de théâtre d'intervention et l'acquisition de connaissances personnelles et collectives que l'émancipation de la chercheure et des cochercheurs.
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Guillou, Lauriane. "Le public du Festival d'Avignon : des expériences vécues au temps remémoré : une approche communicationnelle de la mémoire individuelle et collective." Thesis, Avignon, 2020. http://www.theses.fr/2020AVIG1205.
Abstract:
Pourquoi un festival de 73 ans réunit-il encore un public autour d’une même idée : faire un théâtre populaire qui soit de son temps ? Si le public du Festival d’Avignon évolue au fil des générations, le sens de la pratique reste identique : la découverte et la rencontre, la prise de risque et le débat. Au gré des éditions, des directions et des programmations, l’institutionnalisation du festival a généré des fondamentaux et des valeurs autour desquels un public se rassemble. « Faire le Festival » fait appel à la posture du public participant qui accepte un certain engagement dans son rôle de spectateur. Sans connaître Jean Vilar, le T.N.P. ou Le Mahabharata de Peter Brook, en faisant le Festival, le public vit une expérience et fait sienne celle d’une communauté spectatorielle. « Le ciel, la nuit, la pierre glorieuse »... et après ? Cette thèse en sciences de l’information et de la communication étudie des régimes d’historicité au Festival d’Avignon, soit le rapport au passé dans le présent, à travers des pratiques, des discours, des médiations…Pour cela, une enquête a été conduite entre 2015 et 2019, avec près de 7 390 questionnaires en ligne et 50 entretiens. Le numérique constitue ici une entrée privilégiée pour appréhender la manière dont les dynamiques et les pratiques liées à la mémoire, la nôtre et celle d’autrui, viennent enrichir une expérience, celle du festival, de même qu’une carrière de spectateur. L’étude du terrain numérique montre que la participation du public du Festival d’Avignon en ligne se caractérise par un intérêt pour les contenus audiovisuels relatifs aux œuvres et aux artistes. Cette enquête rend compte de la façon dont la relation au temps de l’expérience, au passé de l’institution, aux archives et aux traces de nos festivals se répondent et témoignent in fine d’un potentiel de démocratisation culturelle de cette mémoire individuelle et collectiveWhy does 73 years old festival still gather an audience around the same idea: producing a popular theatre (théâtre populaire) of his time? Yet the Avignon Festival’s audience evolves over generations, the core idea of this practice remains identical: discovering and encountering, artistic risktaking and debate. Throughout successive editions, boards and programs, the festival’s institutionalization led to basics and values around which an audience congregates. Doing the Festival (faire le Festival) calls on the participatory audience posture admitting a certain engagement in the role of spectator. The audience lives its own experience and appropriates the spectatoriel community’s. “The sky, the night and the glorious stone”… and then? This thesis in Information and Communication Sciences is a study of historicity regimes (régimes d’historicité) that is to say the relation to the past in the present time, through practices, discourses, mediations… To this end, between 2015 and 2019, a field inquiry was led. We collected more than 7 390 questionnaires and 50 interviews. Digital is a preferred entrance for an understanding of memory related dynamics and practices, our and other’s, and how it can enrich an experience, the festival one, as well as our general cultural experience as a spectator. The field study shows that the audience’s online involvement is characterized by an interest for audiovisual contents related to artists and plays. This inquiry reports how the relation to the experience, to the institution’s past, to archives and tracks of our festivals respond to each other and eventually testify of a cultural democratization’s potential of this individual and collective memory
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Astier, Aude. "Observatoire, conservatoire, laboratoire : l’institution théâtrale publique en France et en Italie à l’heure du néo-libéralisme et du postmodernisme : le TNS durant l'exercice de Stéphane Braunschweig, le TNP sous la direction de Christian Schiaretti et le Piccolo Teatro dirigé par Luca Ronconi et Sergio Escobar (1999-2014)." Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100127.
Abstract:
Issue d’une volonté démocratique d’émancipation du citoyen et d’élaboration d’une société nouvelle, l’institution théâtrale publique, en France comme en Italie, apparaît à nouveau, depuis le tournant des années 2000, comme en proie à une triple crise (politique, structurelle et artistique) qui permet d’interroger les rapports politiques et symboliques qui se jouent entre l’art et la société à l’intérieur d’un cadre institutionnel aiguillé par une mission de service public. À travers les exemples du Théâtre National de Strasbourg, du Théâtre National Populaire et du Piccolo Teatro de Milan, il s’agit donc d’envisager l’institution théâtrale publique dans l’ensemble de ses acteurs et de ses composantes (esthétiques, politiques, économiques, symboliques, architecturales et sociales) via le prisme des processus et stratégies de justification de leurs directeurs respectifs afin de déterminer et d’interpréter l’évolution des institutions et la transformation des fonctions qu’elles revendiquent et mettent en œuvre. En distinguant les différentes stratégies élaborées par les directeurs, se dessinent les postures adoptées par les artistes et les pouvoirs publics vis-à-vis de la société néo-libérale et des enjeux institutionnels, postures qui s’articulent et répondent à une contamination de la sphère culturelle par la sphère économique. Elles révèlent une scission, accentuée par le rôle donné au spectateur, entre les institutions qui cherchent à compenser cette contamination par la recherche d’interactions et d’expérimentations avec la société et celles qui la déplorent et y répondent par une mise à distance du réel et une concentration sur leur conception de l’art théâtralStemmed from a democratic will of emancipation of the citizen and of working out of a new society, the public Theater, in France as well as in Italy, seems again to be a prey to a triple crisis (political, structural and artistic), since the turning point of 2000. This allows to question the political and symbolic connections which are at stake between art and society within institutional limits led by a public service mission. Through the examples of the “Théâtre National de Strasbourg” (TNS), Villeurbanne’s “Théâtre National Populaire” (TNP) and Milano’s “Piccolo Teatro”, the point is to consider the public Theater with the whole of its participants and constituents (esthetic, political, economic, symbolic, architectural and social) via the prism of their respective managers’ process and strategies of justification, in order to determine and explain the evolution of the institutions and the transformation of the duties they assume and implement. By distinguishing between the various strategies elaborated by the managers, we can give shape to the positions, held by the artists and the authorities towards the neo-liberal society and the institutional issues. These positions are linked and answer a contamination of the cultural sphere by the economic sphere. They reveal a division, increased by the role given to the audience, between the institutions, which try to compensate this contamination by ways of interactions and experimentations with the society, and those, which deplore this situation and answer it by standing aloof from reality and focusing on their conception of dramatic art
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Littardi, Oriane. "« Qui est là ? » ˸ enquête sur l’identification et l’identité des personnages anonymes dans le théâtre de William Shakespeare." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA005/document.
Abstract:
Dans les pièces de William Shakespeare, les personnages sont souvent désignés par un nom commun, qui peut indiquer leur statut social (« Le Gentilhomme »), leur métier (« Le Jardinier »), leur origine géographique (« L’Égyptien ») ou encore leurs liens relationnels (« Le Père »). Ces désignations anonymes, c’est-à-dire qui n’attribuent pas de nom propre aux personnages, montrent que Shakespeare favorise une inscription de ces rôles dans une société hiérarchisée et étendue, à l’image du public qui assiste aux spectacles, lui-même composé d’un large spectre social. L’étude de leur identité formelle, à partir de tous les signes identificatoires qui permettent la fabrique des personnages — didascalies, costumes, accessoires, corps et parole —, confirme une conception des personnages anonymes ancrée dans l’identité sociale, au détriment de leur identité personnelle. La généricité du personnage anonyme lui permet alors le plus souvent de se mettre au service des héros nommés ou du groupe social auquel il appartient, suivant le principe de self-effacement, « effacement de soi », pour reprendre les termes de Molly Mahood et de Florence Yoon. Toutefois, le mouvement poétique de Shakespeare le conduit parfois à développer ces rôles qui semblent au premier abord mineurs, en travaillant une tension entre fonctionnalisation et individualisation. Leur rapport à l’altérité leur confère alors une identité interactive, socialement et théâtralement, qui façonne leur raison d’être sur la scène de théâtre. D’un anonymat générique, les personnages peuvent alors s’élever vers la sphère de l’universalitéIn William Shakespeare’s plays, characters are often called by common nouns, which can indicate social status (“Gentleman”), occupation (“Gardener”), geographic origin (“Egyptian”) or relationship (“Father”). This anonymous way of naming, which does not assign personal names to the characters, shows that Shakespeare stresses these parts’ affiliation to a ranked and extensive society, mirroring the audience attending the performance, which itself forms a large social spectrum. The study of their identification, based on all the signs which shape the characters — speech headings, costume, props, body, speech —, reasserts a conception of anonymous characters which highlights their social identity to the detriment of their personal identity. Thus, the genericity of the anonymous characters mainly allow them to support named heroes or their social group, according to the self-effacement principle, as Molly Mahood and Florence Yoon define it. However, Shakespeare’s poetical process leads him to develop parts, that may seem minor at first, by working the tension between their function and their individuality. Their relation to otherness gives them an interactive identity, socially and theatrically, which shapes their raison d’être. From generical anonymity, characters can thus rise up to the realm of universality
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Glas, Marjorie. "De l'animateur au créateur, du profane au sacré : socio-histoire du théâtre public français 1945-1990." Paris, EHESS, 2016. https://hal.science/tel-01519838.
Abstract:
L'intervention étatique en matière théâtrale est fondée historiquement sur le rôle social que joue après-guerre un théâtre dit « populaire ». Dans un contexte de transformations esthétiques et d'institutionnalisation croissante, la fonction sociale du théâtre sera objectivée dans la catégorie d'un théâtre public différencié de son homologue marchand. A travers l'analyse de la trajectoire des signataires de la déclaration de Villeurbanne en 1968, réputée avoir instauré le pouvoir aux créateurs au sein du champ théâtral, cette thèse interroge le rôle social du théâtre dans une perspective socio-historique. Les modalités de l'engagement du champ théâtral auprès du monde social sont analysées à travers différentes pratiques et discours révélateurs du rapport entretenu au monde social : la relation aux publics, les prises de position des artistes dans le débat public comme la constitution d'un répertoire spécifique sont autant d'éléments significatifs. Corrélée au processus plus général de professionnalisation qui traverse le champ, l'analyse de l'évolution de ces pratiques met en exergue la progressive transformation de la fonction sociale du théâtre entre 1945 et la période la plus récente. Celle-ci est notamment visible à travers la constitution de deux figures centrales du champ théâtral, le metteur en scène et le programmateur, au détriment de l'animateur culturel. Le recentrement des activités sur les problématiques artistiques contribue à une distinction croissante des activités d'innovation esthétique et de mise en rapport de l'oeuvre avec le public. Le caractère politique du théâtre est progressivement réinvesti dans la perspective d'un art intrinsèquement émancipateurState intervention in theatrical matters is historically based on the social role played by the "popular theatre" after the second world war. In a context of aesthetic transformations and growing institutionalization, the social function of theatre is objectified in the category of a "public theatre" which is differentiated from the merchant one. Through the analysis of the trajectory of the signers of the Declaration of Villeurbanne in 1968, deemed to have introduced the power to creators in the theatrical field, this thesis questions the social role of theater in a socio-historical perspective. The terms of the engagement with the theatrical field in the social world are analyzed through differnte practices revealing the relation of theatre with the society: the widening of the audience and the coming of new viewers, the constitution of a specific directory, and artists' positions in the public debate are all significant. Correlated to the process of professionalization and institutionalization which crosses the field, the analysis of the evolution of these practices emphasizes the progressive demonetization of the social function of the theater between 1945 and the most recent period. This is especially visible through the establishment of two central figures in the theatrical field, the director and the "programmateur", to the detriment of the cultural leader (the "animateur"). The refocusing of activities on artistic issues contributes to a growing distinction between aesthetic innovation and activities devoted to the relation with the audience. This opposition is objectified by the authorities and contributes to a disqualification of the audience in the process of consecration. The political issue, which originally founded the public theater category, is gradually reinvested in the perspective of an intrinsically emancipatory art
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Perzo, Laurianne. "Critiquer et enchanter le monde par le théâtre pour la jeunesse : exigences éthiques et esthétiques du répertoire dramatique contemporain." Thesis, Artois, 2018. http://www.theses.fr/2018ARTO0002.
Abstract:
Le théâtre pour la jeunesse en France s’est depuis la fin du vingtième siècle constitué en un répertoire fécond qui explore le rapport au monde de ses jeunes lecteurs-spectateurs dans une perspective éthique et esthétique. Sous forme d’une constellation de textes, ce répertoire témoigne d’une richesse thématique et d’une inventivité stylistique qui participent du renouvellement des écritures dramatiques dans leur ensemble et qui interpellent quant au geste de transmission d’un auteur adulte qui écrit pour un jeune destinataire. Nous pensons dans ce cas que l’adresse à l’enfant conditionne le rapport de l’auteur à son œuvre et influence sa démarche artistique. La littérature dramatique pour la jeunesse affiche ainsi une double contrainte. En effet, les auteurs semblent soucieux de ne pas heurter le jeune destinataire dans sa sensibilité tandis qu’ils lui transmettent une réalité sombre dans la perspective de conscientiser et d’éveiller la jeunesse face à la société contemporaine, et de lui suggérer d’agir sur le réel. L’auteur engage alors sa responsabilité d’écrivain et ses textes deviennent des lectures possibles du monde. Sa démarche consiste à confronter le jeune destinataire à de grandes questions aux enjeux sociaux affichés d’une part, tout en faisant l’éloge de l’enfance comme un temps consacré, d’autre part. De multiples détours sont alors utilisés pour permettre d’énoncer une réalité certes quelquefois cruelle mais néanmoins avérée. Les auteurs de notre corpus, œuvrant en direction de la jeunesse, ont fait de l’enfance un sujet moral, social et politique en dénonçant, depuis la focale de l’enfance et par le truchement de personnages dramatiques d’enfants, les travers du monde contemporain. Ainsi, lorsque l’enfant paraît, c’est souvent pour livrer le constat d’une société défaillante où la nature de l’humain est revisitée et questionnée, sans pour autant réduire toute possibilité d’envisager l’avenir. Les auteurs font de l’enfance un réceptacle qui peut rendre compte d’une vision du monde, et ce sont précisément l’enfant et l’enfance qui constituent le premier détour d’un théâtre qui souhaite aborder le réel dans ses perspectives les plus tragiques, mais de manière optimiste. En effet, même lorsque le matériau que les écrivains travaillent est redoutable, le théâtre pour la jeunesse est à la fois beau et lisible, il raconte des choses importantes du présent, et l’une de ses fonctions premières est bien celle d’apporter du plaisir. En présentant notamment des « esthétiques de la résilience » avec des personnages d’enfants qui témoignent d’une grande ferveur pour la vie malgré les tragédies qui se jouent, le théâtre pour la jeunesse exhibe sa capacité à la fois à métaphoriser la violence – à convertir le réel par besoin et par choix – et à enchanter la vie des jeunes protagonistes ; et peut-être par extension celle des lecteurs potentiels de ce théâtre qui se situe à la frontière des âges, lu à la fois par les adultes et les enfants qui semblent chacun trouver les réponses aux questions qu’ils se posent. C’est aussi parce que l’enfance habite ces écritures que l’enfant n’est finalement pas le seul destinataire de ces œuvres. Il s’agit pour les auteurs d’écrire l’enfance et d’écrire à partir de l’enfance, en tant que valeur aussi intime qu’universelle, donnant au théâtre pour la jeunesse une portée transgénérationnelle. Cette thèse propose en somme d’analyser les dispositifs d’écriture à l’œuvre dans le théâtre pour la jeunesse, d’appréhender en quoi ces écritures sont de puissants révélateurs de l’état du monde et comment elles permettent de donner une voix à ce qui ne peut s’exprimer – l’infans –, révélant ainsi certaines situations d’oppression et d’injustice, tout en dessinant une poétique de l’enfance lorsque l’infantia se fait figure de créationFrench theatre for young people has an increasing repertoire which explore children’s relationship with the world in an ethic and aesthetic context. This repertoire is a grouping of text which use a lot of different themes and which renew theatre in general. It also questions the message transmission from the author to the young addressee. Then, we think that addressing children may determine the writer artistic work. The double bind is very large with dramatic literature for young people. Indeed, it seems so important for authors not to hurt in a manner the addressee who is child-sensitive while plays they write deal with hard reality. And this in order to raise children awareness towards society and to suggest them to act in the world. The author engages his responsibility and his texts offer rich readings of the world. On one hand he faces the youth audience with broad society issues while on the other hand he wants to assert the sanctity of childhood. Several detour are used to enable them to read the world in its tragic aspects. Playwrights use childhood as a moral, social and political subject to condemn the problems of the modern world with children characters. When the child is present as a character it is often to criticize the society and to question human nature. However, plays are optimistic. It is precisely the specificity of childhood that uses the first detour to expose an unfortunate reality. Childhood is also use as a possibility to offer a worldview. Even if the authors present some dreadful situations, their creations are nice and understandable. It talks about important things of our present and one of its main purpose is to bring enjoyment. In introducing « aesthetics of resiliency » with children characters who are clinging to life and survive in spite of hard situations, young people theatre show its capacity to transform violence and enchant people’s lives : characters’ lives and even maybe readers’ lives. It is a crossover theatre because readers are simultaneously old or young and everyone seems to find some answer inside this literature. Indeed, childhood is a writing process therefore these texts might concern everyone. Childhood would be a personal and an universal value. Young people theater is therefore intergenerational. In short, the aim of this thesis was to examine the theatrical writing for young people and to examine the relation of the artists with the reality. This writing reveal the reality of the world and give a voice to what cannot be expressed itself – infans – revealing those oppression or injustice situations. A poetic of childhood spread though this theatre
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Tremblay, Alexandra. "Nous irons mourir par un soir de spectacle ; : suivi de Étude de la personnalité anomique." Thesis, Université Laval, 2006. http://www.theses.ulaval.ca/2006/23926/23926.pdf.
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Djoumbé, Thoueïbat. "Un autre aspect de la francophonie, la littérature comorienne : société, histoire, culture et création." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030039.
Abstract:
Cette thèse interroge les origines, les interférences et la production de la littérature comorienne d’expression française. Au confluent entre critique littéraire, historiographie anthropologique des sources et analyse des thématiques dans la création, elle questionne aussi la notion de réception dans un contexte éditorial minimaliste et où langue d’écriture et langue vernaculaire s’interfèrent. En près de 30 ans, les quelques 160 ouvrages publiés de 1985 à nos jours, laissent percer des débuts lents et difficiles. Une réalité qui sera contredite à la fin des années 90 où des maisons d’éditions, même éphémères, naissent avec pour mot d’ordre, promouvoir la littérature comorienne. Va alors s’amorcer une dynamique nouvelle inscrite par le nombre et la variété des genres édités, la multiplicité des thématiques abordées et par l’orientation des revendications littéraires d’ordre esthétique en écho à des revendications identitaires. Parallèlement, transparaît une forme de tâtonnement textuel qui laisse apparaître une dualité narrative sous-tendue dans l’organisation fictionnelle et narratologique des œuvres et mettant en place un type de personnage-pensée à l’origine d’une hybridité textuelle. Par conséquent, cette thèse procède à une forme de bilan de ces trente années d’écriture suivant deux axes d’analyse. Un axe chronologique qui fait coïncider des éléments liés à l’histoire du peuplement avec l’établissement d’une écriture pour les îles afin d’appréhender le contexte originel de production ; un axe analytique et herméneutique recoupant faits historiques et sociaux en rapport avec les objets ou motifs de production et révélant la source des interrogations des écrivains comoriens francophonesThis thesis questions the origins, interferences and the production of French-speaking Comorian literature. At the junction of literary criticism, anthropologic historiography of the source documents and thematic analysis within the creation, it also investigates the notion of reception in a minimalist editorial context where the written and the vernacular languages interfere with each other. For the past 30 years, the 160 publications that have been published, since 1985 to date, have shown slow and difficult beginnings. A trend that would be reversed from the late 1990s, where many publishing houses have emerged, even if it was quite briefly for some of them, with a shared goal: to promote Comorian literature. A new trend will then begin as proven by the number and variety of genres being published, the diversity of the themes discussed, and the direction of the literary assertions of an aesthetic angle in response to identity assertions. At the same time, a form of textual hesitation transpired, shedding a light on a narrative duality, from a narratologic and fictional organisation of the publications, highlighting a type of character-thought creating a form of literal hybridity. Therefore, As a consequence, this thesis proceeds a kind of statement from thirty years of writing according to two axis of analysis. A chronological axis matches elements which are linked to the peopling History with the establishment of a writing for the islands in order to grasp the original context of production; an analytic and hermeneutic axis matching historical and social facts related to subjects or sources of production and revealing the sources of French-speaking Comorian writers’ questionings
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Turcot, Laurent. "De la définition du lieu théâtral populaire : spectacles de boulevard et police dans la seconde moitié du XVIIIe siècle à Paris." Master's thesis, Université Laval, 2002. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28596.
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Carrique-Mouette, Noémi. "Héros homicides : les figures d'assassins sur les scènes parisiennes à l'époque romantique (1825-1848)." Thesis, Normandie, 2020. http://www.theses.fr/2020NORMR071.
Abstract:
Les années qui suivent la Révolution française sont agitées par une dynamique sociale contestataire, par de grandes incertitudes politiques et traversées par de nombreux mouvements littéraires. Les nombreux changements politiques de la période induisent une incertitude concernant les normes et les lois. Quelles sont les différentes postures adoptées par les scènes romantiques françaises face à la norme, la loi et la morale, elles-mêmes mouvantes durant cette période de variations politiques et juridiques ? Ces rapports peuvent être pensés en analysant la représentation d’une figure très présente sur la scène, dans les journaux et dans la littérature du siècle : le meurtrier. Après la Révolution, qui a bouleversé les codes, les régimes successifs tentent d’en établir de nouveaux, mais la période est aussi à la médiatisation de la délinquance et de la criminalité : même s’il n’y a pas, quantitativement, plus de criminels que sous l’Ancien Régime, ils sont davantage « mis en scène ». En même temps que l’on s’intéresse aux faits divers et aux grandes affaires de crime fleurissent sur les scènes de l’époque romantique de nombreuses figures héroïsées de personnages homicides, incarnés avec ferveur par des comédiens vedettes et reçus avec frissons par le public bigarré des théâtres parisiens. Jouer le meurtre sur les scènes parisiennes du premier XIXe siècle constitue souvent un clou spectaculaire des représentations, tous genres confondus. Mais la performance des acteurs permet de s’éloigner d’une figure de traître caricaturale et univoque, grâce à une réforme du jeu. Mettre l’assassinat en scène revient alors à représenter une forme de geste héroïque nouveau, paradoxal et critique. Cette thèse se penche sur les enjeux esthétiques qui concernent le lien fondamental entre la littérature et la violence, mais aussi sur les modifications dramaturgiques propres au premier XIXe siècle, en forme de sécession artistique, ainsi que sur les enjeux sociaux et ontologiques de la représentation comme de la réception théâtrale des héros homicidesThe years which followed the French Revolution were troubled by anti-establishment social dynamics, major political uncertainties, and were marked by numerous literary movements. The many political changes of the period resulted in concern for norm and law. Which were the different positions that the major actors of the Romantic stage adopted regarding norm, law, morals – unsteady concepts in this period of political and judicial fluctuation? These connections may be discussed, analyzing the representation of a recurrent character on stage, in newspapers and in the literature of the century: the murderer. After the Revolution, which unsettled codes, successive regimes attempted to introduce new ones, but the period also gave in to media coverage of crime and criminality: even if they were not more numerous in this new age than in the Ancien Régime, murderers were increasingly “staged.” Simultaneously with a growing public interest in trivial events and major crime cases, many heroic figures of homicidal characters appeared on the stages of the Romantic period. These characters were fervently played by star actors and sent shivers to the motley audience of Parisian theaters. Impersonating murder on the Parisian stages in the early nineteenth century made up a spectacular climax of performances. Yet, thanks to an acting reform, actors allowed themselves to distance their performance from the caricatured univocal figure of the traitor. Staging murder amounted to representing a heroic gesture of a new kind, however paradoxical and critical. This dissertation looks into the esthetic concerns on the fundamental link between literature and violence, into the specific dramaturgic evolutions of the early nineteenth century as a form of artistic secession, and into the social and ontological concerns of the representation, as well as of the reception, of homicidal heroes
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Lanselle, Rainier. "Langue et subjectivité." Habilitation à diriger des recherches, Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00959413.
Abstract:
Ce document de synthèse pour une demande d'Habilitation à diriger des recherches en études chinoises est présenté à partir de mon activité actuelle d'enseignant-‐‑chercheur : * maître de conférences à l'Université Paris-‐‑Diderot (Paris 7), UFR LCAO, Unité de formation et de recherche Langues et civilisations de l'Asie orientale ; * membre de l'équipe de recherche UMR 8155-‐‑CRCAO, Centre de recherches sur les civilisations de l'Asie orientale. Mon activité de recherche porte sur l'étude d'œuvres de la littérature chinoise classique d'imagination (roman, conte, théâtre) des périodes Yuan à Qing (XIIIe - XVIIIe s.), et s'intéresse plus particulièrement aux formes d'expression de la subjectivité telles que portées dans ces œuvres. Mon approche est pluridisciplinaire, faisant usage des apports théoriques de la psychanalyse, domaine dans lequel j'ai reçu une formation. Elle implique également des travaux autour de la question de la présence de la psychanalyse dans la Chine contemporaine. Elle aborde des aspects de la subjectivité à travers des problématiques impliquant des questions de langue, de discours, de traduction. La traduction proprement dite d'œuvres littéraires fait également partie de mes domaines d'activité.
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Ngo, Bilong Ate Elise Flore. "Etude de l'action dans la dramaturgie de Montherlant." Phd thesis, Université Paris-Est, 2010. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00647136.
Abstract:
Henry de Montherlant a développé tout au long de sa vie une œuvre théâtrale importante et variée. La problématique de l'action fournit une piste pour pénétrer dans son univers dramaturgique. Selon les critiques contemporains, les pièces de Montherlant manquent d'action. Le dramaturge a renoncé aux coups de théâtre et rebondissements extérieurs pour créer une action dont la seule machinerie consiste à décrire les mouvements intérieurs de l'âme humaine. Cet idéal est inspiré d'une conception classique du théâtre où la simplicité de l'action conduit à l'analyse psychologique. Le but de ce travail est d'identifier l'action et d'analyser son fonctionnement. La première partie, s'appuyant sur la théorisation antique de la dramaturgie, aborde l'action comme intrigue. La partie suivante montre comment l'action extérieure, superposée au mouvement, est supplantée par la parole : l'action est alors considérée comme acte. Cette partie complète l'étude de l'action avec trois approches : l'approche pragmatique et l'approche communicationnelle d'une part, qui permettent d'analyser le phénomène de la parole comme acte, et l'analyse actantielle d'autre part qui appréhende la psychologie du personnage que la dramaturgie classique et néo-classique appelle le caractère, et montre comment l'auteur construit l'intrigue. La dernière partie est consacrée au temps et à l 'espace comme éléments constitutifs de l'action dramatique.
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Rodriguez, Alain. "Theatralite et romanesque dans l'oeuvre d'a. R. Lesage." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040098.
Abstract:
Romancier et dramaturge prolixe, lesage est un observateur avise et amuse des belleslettres. L'observation des milieux litteraires s'inspire de cette double experience, l'intention satirique est toutefois plus nettement marquee dans le temoignage sur le theatre. Mais l'experience du dramaturge aupres de la comedie-francaise et plus encore du theatre de la foire est au service du romancier. En situant l'action principale du diable boiteux dans un madrid nocturne livre aux yeux du diable et de l'ecolier, lesage remplace le traditionnel narrateur par un voyeur. De frontal, dans le theatre a l'italienne, le regard devient alors surplombant. Il renouvelle, ainsi, de maniere significative la narration concue sur le modele d'une saynete. Le dramaturge s'efface devant le moraliste. Le theatre se charge alors de sens metaphoriques, il permet la denonciation d'une societe sensible seulement aux apparences. Le travestissement du corps, l'appropriation de la nourriture et les falsifications patronymiques participent a ce mensonge generalise. Le theme varie selon les appartenances sociales. Le vetement, sous son double aspect de transgression, deguisement ou vol, aide a la transformation des apparences et facilite ainsi l'usurpation des roles. Etape probatoire dans la formation de l'individu, il prepare a la maitrise des comportements sociaux. Lesage romancier a exploite un ensemble de procedes romanesques empruntes pour l'essentiel a la tradition picaresque. Deux possibilites s'ouvrent a lui pour varier le materiau romanesque que limite necessairement le recit autobiographique : d'une part, diversifier la nature des episodes vecus par le heros roturier autour d'une ascension sociale, d'autre part, changer de heros, grace a l'enchassement d'histoires secondaires. En raison meme de son succes, l'oeuvre romanesque de lesage a donne naissance a de nombreuses editions illustrees de son vivant. A defaut d'etre de grands artistes, les illustrateurs sont de bons et humbles executants, parfois anonymes, soucieux de rendre constamment compte, avec precision et clarte, du texte dont ils sont les simples servantsAs a prolific novelist and playwright, lesage is a well-informed and amused observer of the belles lettres. His observation of the literary society draws on this double experience, with a satirical purpose far more distinct in his writings on the theatre. His experience as a dramatic writer at the comedie francaise and above all at the theatre de la foire is however of great use to the novelist. By setting the main plot of le diable boiteux in a nocturnal madrid seen through the eyes of the devil and the scholar, lesage substitutes a voyeur for the traditional narrator, which means that the angle of vision is no longer that of the normal confrontation to be found in the italian theatre, but a view from above. Thus lesage gives new life, significantly, to the narrative process, now conceived on the pattern of a playlet. The playwright hides behind the moralist. His theatre conveys metaphorical meanings and makes it possible to expose a society for which only appearances matter. Disguise, misappropriation of food and false names partake of this widespread delusion. The theme varies according to social background. Clothes , whether they are disguise or theft, help transform appearances and thus make it easy to usurp roles. Being a probationary stage in the development of an individual, they help him master social behaviour. As a novelist lesage used a range of techniques which he borrowed, to a large extent, from the picaresque tradition. In order to introduce some variety in the limited fictional material provided by autobiographical narratives, he used two devices : on the one hand, he diversified the nature of the episodes the lower-class hero goes through as he climbs the social ladder; on the other hand, he introduced new heroes thanks to embedded stories. Because of its very success, lesage's work of fiction has given rise to numerous illustrated editions published in his lifetime. Though they are definitely not great artists, the illustrators are skilful and humble craftsmen, sometimes anonymous, who are constantly eager to give a clear and accurate account of the text of which they are only the servants