Dissertations / Theses on the topic 'Shakespeare; Cinema'

This thesis offers a timely reappraisal of authorship in Shakespeare film adaptations. It analyses the films of nine auteur-directors, breaking new ground by using an interdisciplinary framework (drawn from literary, film and cultural studies) to resituate the auteur at the confluence of commerce. and cultural politics. Contesting still-normative paradigms that hold the auteur as either self-detelmining creativity or casualty of industry, I maintain that auteur Shakespeare is a plurally constituted, restlessly changing phenomenon whose every instance is constihlted by and through a unique meshing of material, social and intertextual processes. Chapter One surveys the histories of auteurist and Shakespeare on film criticism, drawing on each to argue for the necessity of an approach attentive to the auteur's roles both inside and outside cinema. Chapter Two demonstrates precisely the need for such a dual focus insofar as it assesses the persistent influence on the reception of Welles's Shakespeare films of a mythologised auteur persona. Chapter Three adopts a Bourdieu-inflected perspective on Laurence Olivier's and Kenneth Branagh's Shakespearean undertakings, uncovering in them aspirations towards legitimacy. Chapter Four conceptualises Franco Zeffirelli's work as middlebrow auteur cinema - ideologically safe and commercially orientated. Chapter Five, by contrast, suggests that Derek Jarman's films exemplify auteur Shakespeare's counter-hegemonic possibilities. Chapter Six also focuses on dissident articulations: it posits Julie Taymor's oeuvre as a feminist counter-point (though, finally, a problematic one) to auteur cinema's androcentrism. Chapter Seven uses close reading to delineate Akira Kurosawa's and Grigori Kozintsev's affiliations to art cinema. The final chapter examines Vishal Bhardwaj's adaptations in light of transnational theory, positing forms of exchange as a crucial interpretive concern. These analyses yield important evidence of Shakespeare's multidimensional significance to various filmic culhlres and subcultures. In tum, they newly illuminate the essential part that commercial and political formations have played in reauthoring past and present incarnations of auteur and Shakespeare.

Includes bibliographical references.
This dissertation examines the notion of excess in film adaptations of Shakespeare's plays. It takes its critical approach from the work of Georges Bataille, who used "eroticism" to describe a confrontation with excess that destabilises the individual’s sense of identity. Bataille suggests that art can allow audiences to experience a measure of eroticism by presenting subjects that transgress established taboos and by undermining the formal conventions that allow the audience to interpret the text. This dissertation examines these ideas through an analysis of Julie Taymor's Titus and Roman Polanski’s Macbeth from the perspective of Bataille’s writing on transgression, taboos, and excess. By doing a comparative reading of each play and film, I will examine the meaning of excess in these plays and how this has translated to screen...

A presente dissertação aborda o diálogo intertextual interdisciplinar que os filmes cinematográficos Shakespeare in Love (John Madden, 1998) e Looking for Richard (Al Pacino,1996) estabelecem em relação ao conjunto da obra de William Shakespeare. A análise dos filmes demonstra que, tanto pela estruturação de suas narrativas quanto por suas posturas frente ao legado cultural shakespeariano e seu papel na cultura de massa contemporânea, tais filmes configuram-se como obras de arte pós-modernistas. Tendo por base abordagens culturais abrangentes do fenômeno pós-modernista, concluimos que Shakespeare in Love e Looking for Richard propõem um redimensionamento da obra canônica de Shakespeare e de seu legado cultural na contemporaneidade, recuperando seu forte apelo popular através do cinema de entretenimento hollywoodiano.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2010
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Este estudo trata da adaptação de peças de William Shakespeare à televisão. Abrange, em especial, duas produções da BBC Shakespeare Series, a saber, Antony and Cleopatra (1981), dirigida por Jonathan Miller, e Cymbeline (1983), dirigida por Elijah Moshinsky. Ambas foram filmadas numa época em que a maioria dos produtores e diretores da BBC concebiam a televisão como um meio no qual as produções tinham que parecer mais realísticas possíveis, como numa abordagem fílmica realística. Miller e Moshinsky, por outro lado, fizeram uso de estilização#uma abordagem não realística#em suas produções, tomando pinturas do final do século XVI e do século XVII como inspiração para a composição de cenários, figurinos, iluminação e organização do espaço. Este estudo busca fazer uma análise comparativa de elementos visuais das referidas produções, assim como verificar a presença e a eficácia de estilização como abordagem de se televisionar as peças de Shakespeare.

Submitted by Deise Lorena Araújo (deiselorena@uepb.edu.br) on 2016-09-13T17:32:59Z No. of bitstreams: 1 PDF - Eveline Alvarez dos Santos.pdf: 2630035 bytes, checksum: 500692a3a07f182e9532b825b2d8899c (MD5)
Approved for entry into archive by Irenilda Medeiros (nildamedeiros@uepb.edu.br) on 2016-09-16T13:14:20Z (GMT) No. of bitstreams: 1 PDF - Eveline Alvarez dos Santos.pdf: 2630035 bytes, checksum: 500692a3a07f182e9532b825b2d8899c (MD5)
Made available in DSpace on 2016-09-16T13:14:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PDF - Eveline Alvarez dos Santos.pdf: 2630035 bytes, checksum: 500692a3a07f182e9532b825b2d8899c (MD5) Previous issue date: 2012-10-10
The relationship between cinema and literature is well-known through time and through the theoretical comparative studies. In 1991, Peter Greenaway, an English film director, said in an interview for an important American magazine that “cinema is not an excuse to illustrate literature”. Besides that, we know literature is becoming, more and more, an object of inspiration to the cinema and television. Among these literary texts, we have many written by William Shakespeare, renowned as the England's greatest playwright and poet. According Leão (2008), there are more than seven hundred Shakespeareans translations to the cinema and TV since the nineteenth century. Peter Greenaway is one of the most important researches of the cinematographic language and its interface with different means, mainly the digital ones. According to Barros (2007), the new technologies made him rethink about his conceptions of cinema and they also helped to produce a kind of cinema based on research. Philippe Dubois (2004) and Arlindo Machado (2004) proposed a conception of video centered in an idea of a stage, which the kinetic movement is definer. The dialogue between cinema and digital video provokes many interesting discussions related to the cinematographic narrative structure and the visual conceptions of cinema. The French philosopher Gilles Deleuze (2005), in his studies about cinema, organizes two different kinds of image: movement-image and time-image. According Roberto Machado (2010), what differs these two kinds of image is their relation, directly and indirectly, with time. Based on this, Deleuze observers these images considering them important parts of the separation that we do between a narrative and a non-narrative cinema. Believing in the idea of a productive dialogue among literature, cinema and video, our research has as an objective to investigate, through intersemiotic theories and based on the studies of Peirce (2008), Gilles Deleuze (1993 e 2005), Bentes (2004) and Gérard Genette (1980) among others, how the inserts of videos in the movie Prospero’s Books (1991), written and directed by Peter Greenaway and translation of the Shakespearian play The Tempest, present themselves overlapped to the cinematographic film. Based on these overlays, we are going to observe how they contribute to new readings of the cinematographic theories. To do this, we divided our work in three different parts. In the first part, we are going to discuss about how the theories of video started and its relation with cinema; in the second part, we focus in the discussion about cinematic narration and the differences between a narrative film and non-narrative one; in the third part, we are going to analyze some images of Prospero’s Books and observe how these images build a non-narrative film.
A relação entre o cinema e a literatura é muito conhecida através do tempo e dos estudos teóricos comparativos. Em 1991, o inglês Peter Greenaway, diretor de filmes, disse em entrevista para uma importante revista americana que “o cinema não é uma desculpa para ilustrar a literatura”. Apesar disso, nós sabemos que a literatura vem se tornando, mais e mais, um objeto de inspiração para o cinema e a televisão. Dentre estes textos literários, nós temos muitos escritos por Shakespeare, renomado como o maior dramaturgo e poeta inglês. De acordo com Leão (2008), há mais de setecentas traduções de Shakespeare para o cinema e para a TV desde o século XIX. Peter Greenaway é um dos mais importantes pesquisadores da linguagem cinematográfica e de suas interfaces com diferentes meios, principalmente os digitais. De acordo com Barros (2007), as novas tecnologias fizeram-no repensar sobre a sua concepção de cinema e também o ajudaram a produzir um cinema de pesquisa. Philippe Dubois (2004) a Arlindo Machado (2004) propuseram uma concepção de vídeo centrada numa ideia de estágio, o qual o movimento cinético é definidor. O diálogo entre o cinema e o vídeo digital provoca muitas discussões interessantes relacionadas à estrutura da narrativa cinematográfica e a concepção visual de cinema. O filósofo francês Gilles Deleuze (2005), em seus estudos sobre cinema, classifica dois diferentes tipos de imagem: a imagem-movimento e a imagem-tempo. De acordo com Roberto Machado (2010), o que diferencia esses dois tipos de imagem é a relação que elas possuem, diretamente ou indiretamente, com o tempo. Baseado nisso, Deleuze observa estas imagens considerando-as partes importantes na divisão que fazemos entre cinema narrativo e não narrativo. Acreditando na ideia de um diálogo produtivo entre literatura, cinema e vídeo, nossa pesquisa tem como objetivo investigar, através de teorias intersemióticas e pautada nos estudos de Peirce (2008), Gilles Deleuze (1993 e 2005), Bentes (2004) e Gérard Genette (1980) dentre outros, como as inserções de vídeo no filme Prospero’s Books (1991), escrito e dirigido por Peter Greenaway e tradução da peça shakespeariana A Tempestade, apresentam-se sobrepostas à película cinematográfica. A partir dessas sobreposições, verificaremos como estas contribuem para uma releitura das teorias cinematográficas. Para isso, nós dividimos nosso trabalho em três diferentes partes. Na primeira parte, discutiremos sobre como as teorias acerca do vídeo tiveram início e sua relação com o cinema; na segunda parte, estaremos focados em discutir acerca da narração no cinema e sobre as diferenças entre um filme narrativo e um não-narrativo; na terceira parte, iremos analisar algumas imagens de Prosperos’s Books e observar como estas imagens constroem um filme não-narrativo.

This thesis traces the construction and evolution of the star text of Laurence Olivier as it relates to cinematic Shakespeare production and formulations of nationhood in 1940s and 1950s Britain. Organised around an examination of Olivier’s four Shakespearean film adaptations (including the unmade Macbeth), the project focuses on the ways in which the concept of 'Shakespeare' – signalled throughout by its italicisation – is appropriated through Olivier’s image in relation to the industrial and cultural contexts of the wartime and post-war British film industry. It also examines articulations of Shakespearean selfhood and related reappropriations of the filmic image in Olivier’s life writing, exploring how Olivier engages with his own star persona. In examining the relationship that exists between broader industrial-cultural appropriations of 'Shakespeare' and a sense of a star’s personal connection with the national poet, the thesis explores (in addition to the film texts) extratextual materials such as fan letters, publicity documents, theatre and film ephemera, magazine interviews, newspaper criticism, industrial reports and personal and professional correspondence in order to interrogate the national-cultural function of a star text whose image is aligned to 'Shakespeare'. This thesis seeks to make an original contribution to Shakespeare on screen studies by constituting the fullest study of Laurence Olivier’s cinematic Shakespearean career to date. In introducing and analysing previously unseen archival material (including screenplays and shooting scripts relating to the unmade Macbeth), the thesis informs our understanding of the evolving history of British Shakespeare production and, therefore, of the history of Shakespeare on screen. Rethinking Olivier’s cultural currency as a Shakespearean star in 2012 and in the space of the archive, the thesis also contributes to the theoretical thinking underpinning Shakespearean performance studies and archival studies. Finally, the thesis opens the way for further considerations as to how (and to what effect) the Shakespearean star operates as a national and transnational phenomenon.

Made available in DSpace on 2015-09-25T12:20:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PDF - Eveline Alvarez dos Santos.pdf: 3367960 bytes, checksum: 0aa0bb94c1f4bbcc6daed01dc099ba4e (MD5) Previous issue date: 2012-10-10
The relationship between cinema and literature is well-known through time and through the theoretical comparative studies. In 1991, Peter Greenaway, an English film director, said in an interview for an important American magazine that cinema is not an excuse to illustrate literature . Besides that, we know literature is becoming, more and more, an object of inspiration to the cinema and television. Among these literary texts, we have many written by William Shakespeare, renowned as the England's greatest playwright and poet. According Leão (2008), there are more than seven hundred Shakespeareans translations to the cinema and TV since the nineteenth century. Peter Greenaway is one of the most important researches of the cinematographic language and its interface with different means, mainly the digital ones. According to Barros (2007), the new technologies made him rethink about his conceptions of cinema and they also helped to produce a kind of cinema based on research. Philippe Dubois (2004) and Arlindo Machado (2004) proposed a conception of video centered in an idea of a stage, which the kinetic movement is definer. The dialogue between cinema and digital video provokes many interesting discussions related to the cinematographic narrative structure and the visual conceptions of cinema. The French philosopher Gilles Deleuze (2005), in his studies about cinema, organizes two different kinds of image: movement-image and time-image. According Roberto Machado (2010), what differs these two kinds of image is their relation, directly and indirectly, with time. Based on this, Deleuze observers these images considering them important parts of the separation that we do between a narrative and a non-narrative cinema. Believing in the idea of a productive dialogue among literature, cinema and video, our research has as an objective to investigate, through intersemiotic theories and based on the studies of Peirce (2008), Gilles Deleuze (1993 e 2005), Bentes (2004) and Gérard Genette (1980) among others, how the inserts of videos in the movie Prospero s Books (1991), written and directed by Peter Greenaway and translation of the Shakespearian play The Tempest, present themselves overlapped to the cinematographic film. Based on these overlays, we are going to observe how they contribute to new readings of the cinematographic theories. To do this, we divided our work in three different parts. In the first part, we are going to discuss about how the theories of video started and its relation with cinema; in the second part, we focus in the discussion about cinematic narration and the differences between a narrative film and non-narrative one; in the third part, we are going to analyze some images of Prospero s Books and observe how these images build a non-narrative film.
A relação entre o cinema e a literatura é muito conhecida através do tempo e dos estudos teóricos comparativos. Em 1991, o inglês Peter Greenaway, diretor de filmes, disse em entrevista para uma importante revista americana que o cinema não é uma desculpa para ilustrar a literatura . Apesar disso, nós sabemos que a literatura vem se tornando, mais e mais, um objeto de inspiração para o cinema e a televisão. Dentre estes textos literários, nós temos muitos escritos por Shakespeare, renomado como o maior dramaturgo e poeta inglês. De acordo com Leão (2008), há mais de setecentas traduções de Shakespeare para o cinema e para a TV desde o século XIX. Peter Greenaway é um dos mais importantes pesquisadores da linguagem cinematográfica e de suas interfaces com diferentes meios, principalmente os digitais. De acordo com Barros (2007), as novas tecnologias fizeram-no repensar sobre a sua concepção de cinema e também o ajudaram a produzir um cinema de pesquisa. Philippe Dubois (2004) a Arlindo Machado (2004) propuseram uma concepção de vídeo centrada numa ideia de estágio, o qual o movimento cinético é definidor. O diálogo entre o cinema e o vídeo digital provoca muitas discussões interessantes relacionadas à estrutura da narrativa cinematográfica e a concepção visual de cinema. O filósofo francês Gilles Deleuze (2005), em seus estudos sobre cinema, classifica dois diferentes tipos de imagem: a imagem-movimento e a imagem-tempo. De acordo com Roberto Machado (2010), o que diferencia esses dois tipos de imagem é a relação que elas possuem, diretamente ou indiretamente, com o tempo. Baseado nisso, Deleuze observa estas imagens considerando-as partes importantes na divisão que fazemos entre cinema narrativo e não narrativo. Acreditando na ideia de um diálogo produtivo entre literatura, cinema e vídeo, nossa pesquisa tem como objetivo investigar, através de teorias intersemióticas e pautada nos estudos de Peirce (2008), Gilles Deleuze (1993 e 2005), Bentes (2004) e Gérard Genette (1980) dentre outros, como as inserções de vídeo no filme Prospero s Books (1991), escrito e dirigido por Peter Greenaway e tradução da peça shakespeariana A Tempestade, apresentam-se sobrepostas à película cinematográfica. A partir dessas sobreposições, verificaremos como estas contribuem para uma releitura das teorias cinematográficas. Para isso, nós dividimos nosso trabalho em três diferentes partes. Na primeira parte, discutiremos sobre como as teorias acerca do vídeo tiveram início e sua relação com o cinema; na segunda parte, estaremos focados em discutir acerca da narração no cinema e sobre as diferenças entre um filme narrativo e um não-narrativo; na terceira parte, iremos analisar algumas imagens de Prosperos s Books e observar como estas imagens constroem um filme não-narrativo.

Submitted by Cynthia Nascimento (cyngabe@ufba.br) on 2013-02-14T14:10:35Z No. of bitstreams: 1 Grace Cruz Stolze Franco.pdf: 1754493 bytes, checksum: bf9f688703372484dda9f81bb884dac8 (MD5)
Approved for entry into archive by Fatima Cleômenis Botelho Maria (botelho@ufba.br) on 2013-02-14T14:19:00Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Grace Cruz Stolze Franco.pdf: 1754493 bytes, checksum: bf9f688703372484dda9f81bb884dac8 (MD5)
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Estudo sobre quatro traduções da peça A megera domada, de William Shakespeare, para o cinema – A megera domada (Franco Zeffirrelli, 1967), 10 coisas que odeio em você (Gil Jun-ger, 1999), Kiss me Kate (George Sidney, 1953) e The taming of the shrew (David Richards, 2005). O trabalho procura analisar as relações dialógicas e intertextuais entre o texto-fonte e as re-leituras, considerando as diferentes épocas em que a peça foi adaptada e a incorporação de elementos socioculturais na construção da linguagem cinematográfica, tais como os deslo-camentos de tempo, espaço, linguagem, figurino, arquitetura, contexto histórico, valores cul-turais, dentre outros, utilizados no processo intersemiótico de atualização. A análise se con-centra na figura da ―megera‖, no seu universo espaço-temporal, no seu papel social e na sua relação com a anterioridade, isto é, com o universo shakespeareano.
Universidade Federal da Bahia. Instituto de Letras. Salvador-Ba, 2010.

Made available in DSpace on 2016-08-29T14:11:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_8846_DISSERTAÇÃO FINAL 15 PDF.pdf: 1504729 bytes, checksum: 3698454d753437211f4a5d3fb32aaed0 (MD5) Previous issue date: 2015-04-24
Este trabalho analisa a adaptação cinematográfica do teatro shakespeariano, mais especificamente da obra A Megera Domada, no filme 10 coisas que eu odeio em você, a partir de uma reflexão de tradução intersemiótica, inspirada pelas definições peirceanas de signo e a entendendo como uma forma de hipertextualidade criativa. O estudo aborda as relações dialógicas entre o texto fonte e seu hipertexto, considerando seus respectivos contextos. Discutem-se questões referentes à adaptação e apropriação (cientes de que o cinema, como meio de reprodução da arte, se configura como uma das formas mais efetivas de adaptação literária ou não), que trazem à baila questionamentos sobre a perpetuação da canonicidade de Shakespeare ou a sua resistência, sob a forma de reciclagem. Discutimos ainda o conceito de intermidialidade, como forma indispensável de suporte para as releituras realizadas até o momento.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:53Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2006-11-20Bitstream added on 2014-06-13T19:55:18Z : No. of bitstreams: 1 luciosobrinho_a_me_assis.pdf: 1799076 bytes, checksum: 4ecdc97c4449c94e1fc85112e51b8c36 (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Enquanto um ser sobrenatural fia numa roca uma linha transparente e frágil, um poderoso samurai, com um punho cerrado sobre sua espada, percebe que seu destino está sendo desenrolado e partir-se-á como os fios de uma teia de aranha. Outro samurai, não tão jovem, mas com a espada em riste, derrama seu sangue em terra familiar. Um menino e uma menina vestem máscaras demoníacas para sobreviver em um mundo que não admite doçura. São esses alguns dos personagens e dos temas presentes na obra de Akira Kurosawa, motivos sinistros e dolorosos demais para serem tocados pela mente comum, mas que são tomados corajosamente pelo gênio brilhante e sensível, que transforma tudo em beleza e arte. O objetivo deste ensaio é comentar o casamento da beleza e do sofrimento em seus filmes, onde também comparecem os seguintes convidados: a vida do próprio diretor, a literatura que o influenciou, a pintura e a música que admirou e que inseriu em seus filmes e, como parte essencial de qualquer trabalho científico, como Fritjoff Capra disse em O Tao da Física, minha vida também comparece aqui, como é inevitável, já que sou eu o fotógrafo deste casamento.
While a white phantom of old-man or woman devily spins a translucent and frail thread on a distaff, a powerful samurai, with a fist strongly shut upon his sword, realizes that his destiny is being unwrapped there, and knows that will be torn as easily as a thread of a spider-web. Another samurai, not so young, but with his sword still ready, suffers the bleeding of his life in the land of his owns. A boy and a girl have to dress masks of demons in order to survive in a world that doesnþt allow sweetness at all. These are some of the characters and themes often found in the works of Akira Kurosawa; sinister and painful motives, usually refused by common peopleþs minds, but courageously taken by the brilliant and sensitive genius, who turns everything of these into art and beauty. This is what we search in this essay: the wedding of beauty and suffering in his movies, where it comes too the following guests: his own life, the books he read, the paintings he admired, the music he liked to put on his films, and, as an essential part of a scientific work, like Fritjoff Capra said in The Tao of Phisics, here comes my life too, as it is inevitable, being a photographer of this wedding as I am.

Made available in DSpace on 2017-07-21T20:49:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tania Agostinho.pdf: 1605369 bytes, checksum: b477c8324468b53be90f812bbc563a80 (MD5) Previous issue date: 2017-04-26
The aim of this study is to investigate whether, in a filmic adaptation, the narrative structure of the original text is preserved, considering the different languages and their distinctive features, highlighting the specific elements of each one and pointing which were creative solutions adopted by the media involved here. To do this research, it was chosen the Shakespeare’s plays, more specifically. One of the most popular pieces from its extensive work and it has been adapted several times for the cinema, Romeo and Juliet. The adaptations that will be part of this study and serve the purpose of this analysis are: Romeo and Juliet by Franco Zefirelli made in 1968 and West Side Story, a free musical adaptation of the same work that was successful on Broadway and then, became a classic movie. To reach the research object of this study, first it will be shown briefly the history of the creation of cinema, highlighting its greatest exponents, as well as the evolution of its language and its features. Then, the study will address the relationship between the cinema and literature as a whole, including in this regard the great novels and dramas most revered and indicating which the first records adapted theater films for cinema were and, especially, indicating the meeting of cinema with Shakespeare. Further, the study will make a brief summary of the life and work of Shakespeare, reporting on the formation of his family, cultural and artistic influences that the Bard of Avon received, and which were its main pieces and their historic context of creation. Finally, the study arrives at its main object is to analyze the film adaptations of the play Romeo and Juliet for the cinema, specifically in two different versions, Zefirelli and Wise, but not before making a short overview of André Bazin and Robert Stam’s theories about fidelity and integrity of film adaptations. The problem raised for this study is to analyze and understand if a movie version of a classic work can change the understanding of the plot due to the difference between their languages and their realities? After the theoretical research, comparisons between the original text, the classic film adaptation and the musical adaptation, this was the answer to which this work was proposed. And at the end of all readings, researches and studies, it has come to the conclusion that a story may have several narratives, but remains similar in essence. Each of these narratives will tell the story according to its idealizers and therefore, will become distinct works of the same text.
O objetivo deste estudo é investigar em que medida, em uma adaptação fílmica, a estrutura narrativa do texto original é preservada, levando-se em conta as diferentes linguagens e seus recursos distintos, destacando os elementos específicos de cada uma e apontando as soluções criativas adotadas nas mídias envolvidas. Para fazer tal investigação, escolheu-se como objeto de estudo as peças teatrais de Shakespeare, mais especificamente uma das peças mais populares dentre a sua vasta obra e que foi adaptada inúmeras vezes para o cinema, Romeu e Julieta. As adaptações que farão parte deste estudo e que servirão ao propósito desta análise são: Romeu e Julieta, de Franco Zefirelli, filme rodado em 1968, e West Side Story, a adaptação livre da mesma obra em forma de musical que foi sucesso na Broadway e depois se tornou um clássico dos filmes musicais. Para chegar ao objeto de pesquisa deste estudo, primeiramente será mostrada, de forma breve, a história do surgimento do cinema, destacando seus maiores expoentes, assim como a evolução de sua linguagem e de seus recursos. Em seguida, o estudo abordará a relação existente entre o cinema e a literatura como um todo, incluindo nessa relação os grandes romances e os textos teatrais mais reverenciados e indicando quais foram os primeiros registros de filmes adaptados do teatro para cinema e, principalmente, demonstrando o encontro do cinema com Shakespeare. Mais adiante, o estudo fará um breve resumo da vida e da obra do autor, informando sobre a formação de sua família e as influências culturais e artísticas que o Bardo de Avon recebeu, assim como quais foram as suas principais peças e o contexto em que foram criadas.Por fim, o estudo chega ao seu objeto principal que é analisar as adaptações fílmicas da peça Romeu e Julieta para o cinema, especificamente em duas versões distintas, a de Zefirelli e a de Wise, não sem antes fazer um breve apanhado das teorias existentes sobre a fidelidade e a integridade das adaptações fílmicas pelo viés de André Bazin e Robert Stam. A problematização levantada para este estudo é analisar e entender se uma versão fílmica de uma obra clássica pode alterar a compreensão da trama devido à diferença entre suas linguagens e suas realidades. Após as pesquisas teóricas, as comparações entre o texto original, a adaptação fílmica clássica e a adaptação musical, foi a resposta a qual este trabalho se propôs. E ao final de todas as leituras, pesquisas e estudos, chegou-se à conclusão que uma história pode ter diversas narrativas, mas permanece semelhante na sua essência. Cada uma dessas narrativas vai contar a história de acordo com seus idealizadores e portanto, se tornarão obras distintas de um mesmo texto.

Made available in DSpace on 2015-09-25T12:23:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Nivaldo_Rodrigues_da_Silva_Fillho.pdf: 4755428 bytes, checksum: 824a6cd93ab842cc2b99e1eb0a088acc (MD5) Previous issue date: 2008-04-15
In a general way this work tries to construct a morphological signs of the charactersking Lear and Hidetora, respectively in Shakespeare s King Lear (1606) and Japanese film director Kurosawa s film Ran (1985). Kurosawa can be considered as one of the main contemporary film maker who through his films brings an understanding through the intersemiotic translation as sign characters. This theoretical and analytical construction, construction that is the sign-character, looks forward to pass through a coherent system of generator of signs at the level of icons. From index to the symbols, there is a deep understanding of significations which in each character composes the interior and the interrelationship in each work. Thus these sign movements of each sign character are understood as a reciprocal constellation and at the same time it provokes the sentiments and meanings present in the characters-type (Lear and Hidetora). Thus, this proposal that culminates sign character finds theoretical and methodological support from the discussion which globalizes the aspects of intersemiotic translation proposed by Julio Plaza and Andre Lefevere, among others, in the context of signs theory described by Pierce and well supported in theorization and approaches about the characters and the inter discursive and schizophrenic aspect. Initially we present the formative purpose of sign characters through the examples taken from various productions in distinct languages (such as video clips, HQ, animation and cinema). Then we configure a comparative and relational space to proceed with a denominated analysis of enunciative scenes which assumes the sign action of the characters of the literary work and the film. Having the vectors, as the elements; death, power and metamorphosing the old age, the action of sign character indicates a double functionality, primarily, as a form of verifying the dynamic signs of characters in their environment, and an ample understanding related to the performance of the sign characters away from the orbit, from their initial support.
De maneira geral, este trabalho objetiva produzir uma morfologia sígnica das personagens-tipo rei Lear e Hidetora, respectivamente das obras King Lear (1606), de Shakespeare e Ran (1985) - filme que confirma Kurosawa como um dois principais cineastas contemporâneos -, conduzido-as a uma compreensão dentro da ambiência da tradução intersemiótica como personagem-signo. Desta construção teórico-analítica que é a personagem-signo, procura-se atravessar o sistema coerente de signos geradores de imagens no nível do ícone, do índice e do símbolo a uma ampla compreensão da significação que cada personagem compõe no interior inter-relacional de cada obra-abrigo. Com isso, tais movimentos sígnicos da personagem-signo passam a ser compreendidos como uma constelação recíproca e ao mesmo tempo formadora de sentidos, significados e significações presente nas personagens-tipos rei (Lear e Hidetora). A proposta que encerra a personagemsigno encontra suporte teórico-metodológico-analítico a partir da discussão que engloba teoricamente os aspectos da Tradução Intersemiótica nas postulações de Júlio Plaza, André Lefevere entre outros; na teoria dos signos descrita por Pierce, bem como se ampara nas teorizações e abordagens sobre a Personagem, a Interdiscursividade e a Esquizoanálise. Apresentamos inicialmente o escopo formativo da personagem-signo por meio de exemplos retirados em diversas produções de distintas linguagens (videoclipe, HQ, animações e cinema), em seguida, configuramos um espaço comparativo e relacional para proceder com a análise denominado de Cenas Enunciativas que reveste a ação sígnica da personagem da obra literária e do filme, tendo como vetores os elementos: morte, poder e sagrado, metaforizados na velhice. A ativação da personagem-signo indica uma dupla funcionalidade: primeiramente, como forma de verificar o dinamismo sígnicos das personagens em seus ambientes primários, e, segundo, ao assegurar uma compreensão ampliada e relacionada da performance dos signos das personagens para além da órbita de seus suportes iniciais.

El subjecte d’aquesta tesi és l'adaptació dels clàssics teatrals, amb l’obra shakespeariana com a exemple principal, particularment la peça Richard The Third, per acabar focalitzant en l’estudi de cas de l'escena segona de l'acte primer. Aquesta escena és una de les més controvertides i, per tant, una de les més conegudes entre les shakespearianes, motiu pel qual se la coneix entre els experts amb un títol concret: The wooing scene (Escena de seducció). L'adaptador -director i/o dramaturg- ha de prendre decisions que derivaran en un sentit o en un altre. L'objectiu és analitzar vàries produccions on intervé aquesta escena segons les diferents categories d'intervencions que s’han sistematitzat en la tesi per a l’estudi de l'adaptació teatral. Aquesta taxonomia va del mínim al màxim, des de la proximitat que es procura en la mera traducció a l’allunyament que reivindica la versió lliure, que utilitzarà la peça de partida com a simple pretext. En el recorregut queden operacions com ara la recontextualització, amb una pormenorització de quins són els contextos en els quals es fa incidència (ubicadors, socials, polítics, culturals, etc.); el canvi de gènere; el canvi de codi; l’acomodament a un públic diferent pel qual fou pensat en origen; però també les intervencions de fusió entre varis textos del mateix autor, o de l’autor clàssic amb textos ex-novo. L’homenatge a l’autor i/o l’obra també té cabuda en la sistematització, tot analitzant si aquesta “apropiació” del clàssic o part del clàssic té la categoria només de cita, de ressonància o d’osmosi. L’emancipació d’un personatge (spin-off) o la derivació (sequel) com a operació adaptadora, també s’exemplifiquen i no únicament com a intervencions recents. El treball arrenca amb la reflexió sobre el concepte d’adaptació i el concepte de clàssic. Un breu recorregut sobre la història de l’adaptació shakespeariana ens dona notícies sobre quines han estat les principals intervencions adaptadores en el curs de segles i en diferents latituds i ens conviden a concretar quines són les tendències actuals en matèria dramatúrgica i d’escenificació quan s’aborda un clàssic. Adaptar és reconvencionalitzar i és per això que es dedica un capítol extens a l’estudi de convencions i un altre a la posada en escena com a adaptació. Aquest últim s’emparenta directament amb l’estudi de cas que conclou la tesi i que analitza com, des de l’elecció d’una traducció a l’elecció d’una peça d’atrezzo, posem per cas, compromet el sentit últim que arribarà a la platea. En conclusió, aquesta tesi té, d’una banda, una vocació cartogràfica per tal d’analitzar les manipulacions a les que es sotmet l’obra teatral clàssica; de l’altra, explorar quines són les conseqüències de la tria de l’operació, què implica en la seva significació final. Aquests dos objectius no només estan adreçats a l’estudi de les creacions d’altri, sinó a l’estimulació creativa de qui vulgui, en les distàncies que es vulgui bellugar, enfrontar-se a una producció basada en un clàssic teatral.
The subject of this thesis is the adaptation of theater classics, illustrated mainly through Shakespeare’s plays, particularly Richard III. In the end it focuses on a case study of Act 2 Scene 2 of this play. This is one of Shakespeare’s most controversial and, therefore, one of his best known scenes. Experts refer to it as “the wooing scene”. The adapter, whether director or playwright, must make decisions one way or another. The purpose is to analyze several productions of this scene according to a system of action categories proposed in this thesis to study the scene’s stage adaptation. From minimum to maximum, this classification system ranges from the proximity sought by mere translation to the remoteness asserted by a free version, where the source theatre piece is just a pretext. Dealt with along the way are operations such as recontextualisation -with a detailed account of the contexts that are being stressed (locators, social, political, cultural, etc.)-, change of genre, change of code, adjustment to an audience other than the one the play was originally intended for, as well as actions where several texts by the same author are merged or where the classic author’s text is combined with brand new texts. Tribute to the author and/or play is also included in the classification system, where an analysis is made of whether the “appropriation” of the classic or a part of it fits the category of quotation, resonance or osmosis. Examples are also given of character spin-offs or sequels as adaptation operations, both past and present. The thesis begins with a reflection on the concept of adaptation and the concept of classic. A brief run down of the history of Shakespearian adaptations provides information on the main adaptation procedures that have been performed over the years in different places, as a means to determine the current trends in dramaturgy and staging when a classic is addressed. To adapt is to reconventionalize. That is why one extensive chapter is devoted to the study of conventions and another to staging as a means of adaptation. The latter is directly related to the case study at the end of the thesis. This chapter analyzes how the choice of a translation or a prop, for example, can affect the final meaning that reaches the audience. 
In conclusion, the aim of this thesis is, on the one hand, to provide guidance in the analysis of the manipulations to which classical plays are subject, and on the other hand, to explore the consequences of the procedure chosen and its final significance. These two objectives are not only focused on studying the creation of others, but on stimulating the creativity of whoever wants to face a production based on a theater classic, whatever the distance they are willing to go.

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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Qualquer leitor que se proponha analisar os textos do mais famoso dramaturgo inglês, certamente notará que William Shakespeare foi grande observador da história. É curioso perceber que sua obra ultrapassou séculos, e mantém-se fielmente ovacionada na contemporaneidade. Visto a notória universalidade de seus trabalhos, revisitados em diversos gêneros e áreas das artes, e ricos ainda de possibilidades de interpretação, podemos notar sua intertextualidade ao longo dos anos perpetuando-se em significativa ampliação da arte do Bardo Inglês. Neste sentido, este estudo propõe uma análise comparativa, levantando pressupostos à luz da introdução dos estudos comparados da “intertextualidade” de Julia Kristeva (1974) e das Teorias da Adaptação de Linda Hutcheon (2011) sobre a tragédia lírica mais adaptada dos últimos tempos: Romeu e Julieta, e sua releitura pelas lentes do diretor italiano Franco Zeffirelli, de 1968, relacionando as teorias do cinema de Robert Stam (2003).A proposta deste trabalho é, portanto, relacionar as produções pontuando o olhar interrompido na obra renascentista e a sua retomada através dos recursos midiáticos modernos.
Any reader, who intends to analyze the productions of the most famous British play writer in the world, will certainly notice that William Shakespeare was a big history’s observer. It’s curious to perceive that his work go forward the centuries, and keep faithfully acclaimed nowadays. It’s remarkable the universality of his works, revisited sort and areas of the arts, still rich in interpretation possibilities, we can see the intertextuality along the years, profusely growing the art of the English Bard. In this sense, this study intend to make a comparative analyze, considering the introduction of the comparative studies of intertextuality from Julia Kristeva (1974) and the Adaptation Theories from Linda Hutcheon (2011) about the lyric – tragedymore adapted from the last times: Romeo and Juliet, and the rereading through the Italian director Zeffirelli’s lenses, in 1968, making a relation in the Cinema Theories from Robert Stam (2003). The purpose of this research is, therefore, to relate the productions, emphasizing the Interrupted View in the Renaissance work and its recapture by the media resources.

Hamlet (1601), de William Shakespeare, é, desde o Fólio de 1623, circundada por um enorme e variado volume de leituras, que abrangem desde textos críticos e teóricos até as mais diversas adaptações teatrais e cinematográficas. Desde o final do século 19, o cinema vem adaptando peças de Shakespeare, fornecendo novos pontos de vista e sugestões para a encenação dessa obra ao levá-la inúmeras vezes para as telas. Dentre uma longa lista de adaptações fílmicas de Hamlet, o Hamlet mainstream de Franco Zeffirelli (1990) e o Hamlet 2000 (2000), filme independente de Michael Almereyda, compõem o corpus eleito para análise nesta dissertação. Dialogando com noções de críticos e teóricos que desenvolveram estudos sobre o conceito de adaptação, tais como André Bazin, Robert Stam e Linda Hutcheon, sugiro uma desierarquização entre a peça shakespeariana e os filmes logo, entre literatura/teatro e cinema. O objetivo final deste trabalho encontra-se na proposta de uma reflexão sobre esses filmes enquanto potenciais materiais críticos elucidativos para o estudo da peça, úteis na discussão de alguns de seus mais importantes temas e/ou questões
Hamlet (1601), by William Shakespeare, has been, since its publication in the First Folio (1623), surrounded by a huge and varied number of readings, ranging from critical and theoretical texts up to several different theatrical and cinematographic adaptations. Since the end of the 19th century, cinema has adapted Shakespearean plays, proposing alternative points of view and interpretations when transposing them to the screen. Among a list of several filmic adaptations of Hamlet, Franco Zeffirellis mainstream Hamlet (1990) and Michael Almereydas independent Hamlet 2000 (2000) make up the corpus under analysis in this dissertation. Establishing a dialogue with ideas developed by important critics and theorians such as André Bazin, Robert Stam and Linda Hutcheon about the notion of adaptation, I suggest a dismissal of the hierarchy between the Shakespearean play and the films; therefore, a dismissal of the notion of literature/theater's superiority to cinema. The main aim of this dissertation consists in proposing that the chosen films be taken as potential critical material providing access to the Shakespearean play in the discussion of its major issues

Orientador: José Carlos Zamboni
Banca: Maria Lídia Lichtscheidl Maretti
Banca: Madalena Natsuko Hashimoto Cordaro
Resumo: Enquanto um ser sobrenatural fia numa roca uma linha transparente e frágil, um poderoso samurai, com um punho cerrado sobre sua espada, percebe que seu destino está sendo desenrolado e partir-se-á como os fios de uma teia de aranha. Outro samurai, não tão jovem, mas com a espada em riste, derrama seu sangue em terra familiar. Um menino e uma menina vestem máscaras demoníacas para sobreviver em um mundo que não admite doçura. São esses alguns dos personagens e dos temas presentes na obra de Akira Kurosawa, motivos sinistros e dolorosos demais para serem tocados pela mente comum, mas que são tomados corajosamente pelo gênio brilhante e sensível, que transforma tudo em beleza e arte. O objetivo deste ensaio é comentar o casamento da beleza e do sofrimento em seus filmes, onde também comparecem os seguintes convidados: a vida do próprio diretor, a literatura que o influenciou, a pintura e a música que admirou e que inseriu em seus filmes e, como parte essencial de qualquer trabalho científico, como Fritjoff Capra disse em O Tao da Física, minha vida também comparece aqui, como é inevitável, já que sou eu o fotógrafo deste casamento.
Abstract: While a white phantom of old-man or woman devily spins a translucent and frail thread on a distaff, a powerful samurai, with a fist strongly shut upon his sword, realizes that his destiny is being unwrapped there, and knows that will be torn as easily as a thread of a spider-web. Another samurai, not so young, but with his sword still ready, suffers the bleeding of his life in the land of his owns. A boy and a girl have to dress masks of demons in order to survive in a world that doesnþt allow sweetness at all. These are some of the characters and themes often found in the works of Akira Kurosawa; sinister and painful motives, usually refused by common peopleþs minds, but courageously taken by the brilliant and sensitive genius, who turns everything of these into art and beauty. This is what we search in this essay: the wedding of beauty and suffering in his movies, where it comes too the following guests: his own life, the books he read, the paintings he admired, the music he liked to put on his films, and, as an essential part of a scientific work, like Fritjoff Capra said in The Tao of Phisics, here comes my life too, as it is inevitable, being a photographer of this wedding as I am.
Mestre

Ce travail retrace l'adaptation de Shakespeare à travers l'histoire du cinéma et s'arrête particulièrement sur le cas exemplaire de l'Othello d'Orson Welles. L'analyse s'appuie sur une lecture structurale de la pièce et du film et se concentre sur la filiation entre eux, et entre leurs moyens d'expression. L'étude des thèmes, d'articulations structurelles et de la prosodie établit où et comment le réalisateur reste fidèle au texte ou s'en écarte. La thèse présentée ici est donc celle du paradoxe que constitue l'Othello d'Orson Welles, qui se révèle au plus près de la pièce lorsqu'il semble s'en éloigner le plus. Il se montre dans cette optique un montage inhabituel et un son incongru qui transcendent les difficultés logistiques que le film a rencontrées pour se faire à la fois l'expression fidèle de la pièce et la création novatrice d'un réalisateur américain. L'examen de la filmographie de Welles révèle enfin les liens de son œuvre avec celle de l'auteur de la Renaissance ; par la récurrence de certains thèmes et par l'intérêt soutenu manifesté pour le langage et son pouvoir. Othello le film est donc en effet un cas exemplaire d'adaptation filmique en ce sens qu'il exploite le langage " verbal ", l'image et le son comme parts intégrantes de la tragédie du More
This dissertation reviews the dynamics of Shakespeare adaptation throughout film history and singles out the exemplary case of Orson Welles's Othello. It founds its analysis on the structural readings of both play and film, examines the particular filiation between the two and their means of expression. The study of theme, structural articulations and prosody set down where and how the film director remains true to the text or veers from it. The thesis of this dissertation focuses then on the paradox of Orson Welles's Othello that reveals itself astonishingly closest to the play where the greatest liberties seem to have been taken. It is in this light that unusual cutting and sound recordings transcend the logistic difficulties the film encountered during its production to become part and parcel of Othello, at once incomparable expression of Shakespeare's play and creation of an American filmographer. Orson Welles's filmography finally links his œuvre to that of the Renaissance playwright in the topological recurrence of themes and his undaunted interest in language itself, its potential and power. Othello the film is indeed then an exemplary case of film adaptation in that it deals with speech, text, image and sound as part of the drama of the More, in themselves questions of adaptation

Ce travail s'appuie sur la critique littéraire, l'histoire des mises en scène, la narratologie, la psychanalyse et la sémiologie, pour étudier la transformation des pièces shakespeariennes lorsqu'elles sont adaptées au cinéma par Kenneth Branagh. Celui-ci construit une trajectoire du regard par le montage et les mouvements de caméra, et compose un discours de mise en scène qui lève de nombreuses ambiguïtés. Par des images antérieures et intérieures, Branagh présente des personnages dotés d'un passé et de pensées. Ses adaptations oscillent entre l'exhibition forte d'interpolations et la création d'une diegese naturaliste, s'inscrivant dans une esthétique hollywoodienne qui privilégie les liens logiques et les rappels nostalgiques. Le caractère méta-dramatique du théâtre shakespearien tend alors à se dissiper au sein d'une fiction où la construction narrative prévaut sur la révélation de renonciation. Cette esthétique a des conséquences importantes sur l'interprétation de Henry V et de Hamlet. Les flash-backs, la musique, l'échelle des plans et les références à d'autres films s'ajoutent à la mise en scène et au jeu des acteurs pour opérer un brouillage générique. Chez Branagh, Henry V tend vers une tragédie du doute et Hamlet se transforme en épopée héroïque.

The thesis makes a tour on the shakespearian theatrical creations made at the Teatre Lliure in the last thirty years (1977-2007), offering a vision of their stage poetic, and studying the interrelationships between the space, the art and the culture, and specifically, between the dramatic shakespearian text and the theatrical/stage space in the plays' local and contemporary context. The thesis worked on an interdisciplinary theoretical framework, with concepts from semiotics, linguistics and literary theory, as well as sociology, anthropology, psychology, among other fields of knowledge, as aesthetics of reception and cultural studies. The research hypothesis is the presence of the space dramaturgy in the Teatre Lliure's theatrical praxis, to verify the connection between the previous approaches and goals, culminating in the plays' analysis. The Teatre Lliure was analyzed and contrasted with both currents of thought, Catalan contemporary independent theater movements, and the Shakespeare's Theatre. lt's theatrical spaces -Sala Lliure de Gracia and Sala Fabià Puigserver- as well as the plays analyzed -Titus Andrònic, Al vostre gust, Juli Cèsar, Romeu i Julieta, Ricard 3r and Otel·lo- reveal the interrelationship and dialectics between dramaturgy, space and public, specifically studied. The analysis also goals to the conditions, outcomes and meanings derived from the inclusion of a classical work of the world drama in contemporary Catalan culture, from the perspective of an architect and -considering some level of subjectivity-a spectator.
La tesis hace un recorrido por las creaciones teatrales shakespearianas propias del Teatre Lliure de los últimos treinta años (1977-2007), ofreciendo un estudio de su poética escénica. Se examinan las interrelaciones entre el espacio, el arte y la cultura, y específicamente, entre el texto dramático/espectacular shakespeariano y el espacio teatral/escénico de los montajes en su contexto contemporáneo y local. La investigación nos ha permitido abordar una gran cantidad de temas relevantes, profundizando conocimientos como modo de entender la evolución de la noción de espacio y de analizar su interrelación con la Arquitectura y el Teatro contemporáneos. Se ha trabajado con un marco teórico de referencia interdisciplinar, con conceptos provenientes de la Semiótica, Lingüistica y Teoría literaria, así como de la Sociología, Antropología, Psicología, de la Estética de la Recepción y de los Estudios Culturales, entre otros campos del conocimiento. La hipótesis de investigación es la presencia de la "dramaturgia del espacio" en la praxis teatral del Teatre Lliure, es decir, el espacio como elemento dramatúrgico en sus puestas en escena. Se ha analizado y se ha contrastado el Teatre Lliure tanto con las corrientes de pensamiento y movimiento del teatro independiente catalán y contemporáneo, como con el teatro de Shakespeare. Sus espacios teatrales -sala Lliure de Gràcia y sala Fabià Puigserver-así como los espacios escénicos de los montajes analizados -Titus Andrònic, Al vostre gust, Juli Cèsar, Romeu i Julieta, Ricard 3r, Otel·lo- revelan la interrelación y la dialéctica entre dramaturgia, espacio y público. En los análisis se ha buscado comprender también las condiciones, los resultados y significados de la inserción de una obra clásica de la dramaturgia mundial en la cultura catalana contemporánea, desde la perspectiva de arquitecta y con la mirada con cierto grado de subjetividad de espectadora

Cette thèse propose une analyse des adaptations de certaines pièces de Shakespeare au cinéma dans les années 1980-1990. Les nombreux films de cette période offrent des lectures originales de ces textes cultes. Le volet thématique montre comment les cinéastes remodèlent les intrigues médiévales pour les présenter d'une façon convaincante à un public moderne. L'actualisation du contexte et des personnages fait ressortir la dimension universelle de l'œuvre de Shakespeare. Entre la déférence scrupuleuse envers le modèle et la multiplication des figures d'écart, le cinéaste peut choisir au sein de toute une gamme de possibilités dans son travail de transposition de l'œuvre. On distinguera ici cinq degrés d'adaptation différents au cours des deux dernières décennies du XXe siècle : le film réaliste et fidèle au modèle, qui obéit aux critères du cinéma narratif hollywoodien, comme le film réaliste poétique (l'adaptation déférente) côtoient tous deux l'adaptation libre (en anamorphose) qui n'hésite pas, elle, à bousculer les conventions pour mieux saisir l'esprit du texte. La modernisation ou le déplacement dans un contexte culturel autre que la Renaissance anglaise ou l'appropriation culturelle, le film transgressif, conceptuel ou réflexif, prennent alors le pas sur la clarté didactique. Le cinéaste opte également en faveur de diverses stratégies esthétiques. Lorsque les images verbales se trouvent transcodées par la rhétorique cinématographique, l'artiste adopte sa maniera propre et il souscrit à une logique de l'imitation dans la différence. La représentation cinématographique est un moyen privilégié pour établir une correspondance entre les images du réel et les images de Shakespeare
This thesis examines a number of film adaptations of the Shakespeare plays released in the last two decades of the twentieth century. The thematic aspect is considered first before showing how modern appropriation tends to " de-historicize " " Shakespeare's world and to make its characters universal types. The nature of cinematic representation is then given pride of place. Five degrees of adaptation are being considered. In the most conventional film, the artist mainly adopts the theatrical or realistic mode and he or she follows the conventions of the Hollywood style. He or she is mainly concerned with making the story clear and easily accessible to large audiences. The filmmaker also uses cinematic space and rhetoric in order to present the real world in a poetic light. The most original adaptations often respect the essence of the text more than the letter of the text itself: modern transpositions, daring cultural appropriations or transgressive films, conceptual and meta-artistic films or biographical extrapolations, show Shakespeare's world in an indirect (anamorphotic) manner. Finally, we will try to understand how the filmmaker adopts his own maniera or his own aesthetic strategies in order to transcode the images of the play

A dissertação possibilitou a análise do filme “Looking for Richard” do ator e realizador Al Pacino, a partir do impacto gerado pela inserção do contexto da peça teatral “Richard III” de William Shakespeare, na construção da narrativa do filme. As consequências da intercessão entre dois períodos históricos distintos, para a criação de uma nova história, revelada no cinema, foram analisadas em sua essência. A era elisabetana na qual o texto teatral de William Shakespeare “Richard III” se insere, assim como a influência do final da idade média com seus costumes, em contraponto com a contemporaneidade na cidade de Nova York, cenário proposto pelo realizador Al Pacino, possibilitou a criação da obra cinematográfica “Looking for Richard.” O filme do ator e realizador Al Pacino, criado a partir do confronto entre os dois períodos históricos distintos, gerou o questionamento a respeito da autoria de uma obra, assim como o impacto do texto clássico de William Shakespeare, escrito originalmente para o teatro e as possibilidades de sua versão concretizada no cinema em um cenário contemporâneo; a cidade de Nova York.
The dissertation made it possible to analyze the film “Looking for Richard” by the actor and director Al Pacino, based on the impact generated by the insertion of the context of the play “Richard III” by William Shakespeare, in the construction of the film's narrative. The consequences of the intercession between two distinct historical periods, for the creation of a new history, revealed in the cinema, were analyzed in essence. The Elizabethan era in which William Shakespeare's theatrical text “Richard III” is inserted, as well as the influence of the late Middle Ages with its customs, in contrast to the contemporary in New York City, a scenario proposed by the director Al Pacino, generated the creation of the cinematographic work “Looking for Richard.” The film by actor and director Al Pacino, created from the confrontation between the two distinct historical periods, made it possible to question the authorship of a work, as well as the impact of the classic text by William Shakespeare, originally written for the theatre and the possibilities of its version realized in cinema in a contemporary setting; New York City.