Dissertations / Theses on the topic 'Sculpture sur bois allemande'

Le corpus de sculptures romanes en bois de la région de Bourgogne est réuni pour la première fois dans un catalogue, complété par une documentation photographique et bibliographique. Les vingt-cinq sculptures répertoriées sont étudiées du point de vue stylistique, iconographique, technique. Au XIIe siècle, une véritable école de sculpture en bois monastique semble se déployer dans les limites du duché de Bourgogne, à l’origine d’une grande variété d’apports formels et techniques. Les sculptures les plus représentatives pour la compréhension des nombreux apports sont étudiées dans le détail. Leurs relations stylistiques avec les manuscrits de la renaissance carolingienne, la sculpture ottonienne et la sculpture monumentale contemporaine en pierre sont indiquées par l’analyse des caractéristiques internes qui distinguent les différents langages formels. La description iconographique montre la dénotation précise avec laquelle le sujet sacré est figuré. Les procédés techniques de création sont comparés par l’examen direct des sculptures, et par la récolte des données disponibles. Pour plusieurs œuvres, de nouvelles datations sont proposées ; des sculptures inédites et des artistes précis sont mis en lumière. Les apports de la sculpture sur bois de la région auvergnate sont précisés. La tradition des reliques insérées dans les sculptures est vérifiée par rapport au rôle plus ou moins significatif qu’elle peut avoir dans l’élaboration de la forme. Un chapitre est consacré à la méthodologie de l’étude de la polychromie des sculptures en bois. Les conservateurs-restaurateurs sont investis d’un rôle crucial dans la collecte scientifique des données qui témoignent de l’histoire des techniques artistiques. Des propositions pour améliorer les procédures d’examen et de documentation sont avancées
For the first time, the corpus of Roman wood sculptures from Burgundy is gathered together in a catalogue, with added photographic documents and bibliography. The twenty-five sculptures are listed and studied from a stylistic, iconographic and technical point of view. In the XIIth century, an actual school of monastic wood sculpture seemed to develop within the boundaries of the duchy of Burgundy, bringing a great diversity as far as formal and technical contributions are concerned. The sculptures that are the most representative to help the understanding of those numerous contributions are thoroughly studied. Their stylistic relationships with manuscripts dating back from the Carolingian Renaissance, with the Ottonian sculpture and the contemporary monumental stone sculpture, are pointed out with the analysis of internal characteristics, setting apart different formal languages. The iconographic description shows the specific denotation used in the representation of the holy character. The technical processes of creation are compared through the direct examination of the sculptures and through the collection of usable information. For several pieces, a new dating was suggested; new sculptures and specific artists are brought to notice.The contributions of the wood sculpture from the Auvergne region are specified. The tradition of inserting relics into sculptures is put in relation to the relatively important influence it can have on the building of the shape. One chapter is dedicated to the methodology in the study of wood sculptures’ polychromes. The conservators-restorers play a crucial part in the act of scientifically collecting information attesting the evolution of artistic techniques. Some suggestions are put forward to improve the processes of examination and the collecting of information

Bien que le Japon soit connu pour être un pays de bois et de "culture du bois", les sources écrites sur l'aspect pratique de l'artisanat du bois sont réduites. Cette recherche s'appuie donc essentiellement sur une enquête approfondie menée sur le terrain auprès d'artisans spécialisés dans divers métiers traditionnels, et analyse successivement le matériau, les techniques, la nomenclature, l'esthétique et la culture propres à cette élite artisanale, héritière des traditions du passé. En proposant de considérer le bois au travers du regard des artisans traditionnels japonais, pour ses propriétés non seulement techniques mais aussi symboliques et esthétiques, cette étude ouvre aux historiens d'art comme aux ethnobotanistes, aux archéologues et aux japanologues un nouveau champ d'études, complémentaire à leurs recherches, et s'inscrit dans une approche originale qui se développe depuis quelques décennies à partir du Japon
Japan is known to be a country of wood and "wood culture". Written sources on the practical aspect of traditional woodcraft, however, are scarce. Hence it was decided to undertake a study based on in-depth interviews of craftsmen who are specialised in various fields of traditional woodworking. From the data thus obtained it was possible to study the materials, the techniques, the nomenclature, the aesthetics and the culture of the various fields of woodcraft. As a result the technical, symbolic and aesthetic properties of wood and woodworking become apparent, as seen from the point of view of Japanese craftsmen who owe their skills to traditions passed from one generation to the next. As such, this study contributes towards opening a new field of research for art historians, ethnobotanists, archaeologists and japanologists by supplying them with new tools to supplement their own. This study ties in with an academic trend that has been developing in Japan over the past few decades

Mémoire (M.A.)-- Université du Québec à Chicoutimi, 1991.
Ce travail de recherche a été réalisé à l'UQAC dans le cadre du programme de maîtrise en arts plastiques de l'UQAM à l'UQAC. CaQCU Bibliogr.: f. 18. Document électronique également accessible en format PDF. CaQCU

Des stalles en bois de la fin du Moyen Age, qui formaient à l'intérieur des églises un lieu particulier, dédié à la liturgie des heures, il ne subsiste que quelques exemples dispersés, exceptionnellement en très bon état de conservation comme à Amiens. Si l'emplacement de ces sièges varie quelque peu selon les édifices, leur organisation interne reste toujours la même. Les multiples sujets sculptés qui les décorent illustrent les textes sacrés, évoquent les saints tutélaires ou décrivent le monde foisonnant de la création, en des scènes saisies sur le vif ou surgies de l'imaginaire. L'élaboration d'un programme iconographique, fût-il voué à la liturgie, est tributaire d'incidences diverses, dont le facteur humain est la plus importante ; des considérations de prestige ne lui sont pas étrangères. Pourtant, chaque image s'intègre dans un ensemble à l'intérieur des stalles, ensemble qui, à son tour, entre en cohérence avec les multiples images du choeur et du sanctuaire
From the wooden choir stalls of the late Middle Age, which create a special place dedicated to the canonical liturgy inside the churches, only a few scattered examples remain. Some of these, such as those in Amiens, are still in good condition. Although the position of these seats varies slightly from edifice to edifice, the internai organisation is always the saine. The numerous carved subjects that ornament them illustrate the Holy Scriptures, evoke the patron saints or describe the plentiful world of the creation in scenes from daily life or the imaginary world. The working out of an iconographie programme, though dedicated to the liturgy, is subject to various influences of which the human factor is the mort important including consideration of prestige. Each image nevertheless combines with the others to form a coherent whole inside the stalls that then incorporates with the various images located around the choir and the sanctuary

Les arts plastiques du Sud-Cameroun et du pays Beti en particulier n'ont jusqu'ici pas fait l'objet d'études poussées, ceci a fait croire à certains chercheurs que cette région n'a pas développé une culture artistique respectable. De même, sur la plupart des cartes stylistiques d'Afrique Equatoriale, le style beti est absent ou simplement représenté par le style fang. Pourtant, l'art Beti se distingue de l'art Fang. Aussi, dans cette étude de la sculpture chez les anciens Beti, nous mettons en relief ses manifestions et ses messages. Cette approche morpho-stylistique, esthétique et fonctionnelle se fait en rapport avec les groupes voisins « pahouinisés » ou non, car nous attachons une grande importance aux zones de contact et de réseaux où naissent parfois des «styles de synthèse ». Enfin, la sculpture en apparaît ici comme une vitrine susceptible de permettre une lecture pertinente du passé de ces populations, de leurs migrations et des contacts avec les peuples voisins.

Cette recherche présente un aspect original de la création artistique bretonne : la production des sablières sculptées des charpentes, conçues entre le XVe et le XVIIe siècle. Le répertoire iconographique constitue, jusqu'à présent vierge de toute investigation à grande échelle, offre à l'étude plusieurs milliers d'images et un sujet qui permet d'aborder les problèmes posés par la méthodologie de l'inventaire et les questions débattues dans le cadre de la recherche historique. Cette étude rend compte des difficultés liées a un recensement du patrimoine et expose les méthodes utilisées dans le cadre de l'enquête sérielle menée sur le terrain. L'intérêt d'un fonds photographique, l'utilité d'une informatisation des données, la gestion matérielle d'un répertoire iconographique de grande ampleur, et enfin, le traitement de l'image sont les grands points traités en prélude à l'étude historique et iconographique des sablières. L'étude du contexte de la commande, des individus impliques (clercs, fabriques et artisans), des choix iconographiques et des modèles en circulation permet de mieux cerner la nature de cette production et de revenir sur l'emploi rebattu de l'expression art populaire. Cette recherche s'inscrit plus largement dans l'étude de l'environnement culturel des bretons : les images médiévales et renaissantes choisies par les sculpteurs livrent des indices précieux sur les centres d'intérêt et la culture artistique des individus entre les XVe et XVIIe siècles. Cette iconographie enrichit également notre connaissance de la vie paroissiale et des comportements religieux des bretons sous l'ancien régime: la pérennité de cette production, active durant près de trois siècles, est en particulier l'occasion de saisir les grands changements culturels opérés dans le sillage de la reforme catholique
This research offers an original aspect of the Breton artistic creation: the production of carved beams' frames, designed between the XVth and the XVIIth century. The composed iconographical catalogue-free from any large scale investigation until now - offers, for us to study, several thousands of images and one subject that allows us to start on the problems raised by the inventory's methodology and the questions debated on within the historical research. This study shows the difficulties linked to a patrimony's inventory and sets out the methods used during the serial inquiry accomplished in the field. The interest in a photographic background, the usefulness of the data computerization, the management of a large iconographical catalogue, and finally, the image processing, are the main points treated prior to the carved beams' historical and iconographical study. The study of the order's context as well as the people involved - clerks, manufactures and craftsmen - but also the one of the iconographical choices and the circulating patterns allow us to understand better the native of this production and to go back to the usual use of the expression "popular art". More widely, this research fits in with the study of the Bretons' cultural environment: mediaeval and reviving pictures chosen by the woodcarvers give precious indications of the interests and artistic culture of men between the XVth and the XVIIth century. This iconography also enriches our knowledge of the parish life and the religious behaviours of the Bretons in the "ancien regime". The chronological extent of the catalogue notably provides the opportunity to understand the cultural changes occuring in the catholic reform's wake

Dernièrement, les études sur le patrimoine artistique en Argentine ont fait des progrès importants. Notamment, la recherche des collections d’art publiques et privés a bien avancé. Cependant, l’étude des œuvres médiévales a été presque toujours négligée. L’art médiéval en Argentine est rare, si on le compare avec des styles plus modernes. Mais, il s’y trouve de pièces de haute qualité qui sont très peu connues. Puisque l’étude de ces œuvres est nécessaire pour une meilleure appréciation de notre patrimoine artistique, de sa valorisation et préservation, le principal objectif de cette thèse est de contribuer à la connaissance de ce patrimoine. La grande diversité d’œuvres nous demande de définir un corpus qui deviendra notre sujet d’étude. L’iconographie de la Vierge à l’Enfant est plus représentée que d’autres thématiques, c’est pourquoi nous l’avons privilégié. Etant donné que la quantité de sculptures est supérieure à la quantité de peintures, on a opté pour cette seule technique. Finalement, dans un souci de clarté et d’homogénéité on a délimité notre champ d’étude á la sculpture en bois. La grande diversité d’œuvres nous demande de définir un corpus qui deviendra notre sujet d’étude. L’iconographie de la Vierge à l’Enfant a été le premier critère qu’on a suivi pour faire cette sélection d’œuvres. Etant donné que la quantité de sculptures est supérieure à la quantité de peintures, on a opté pour cette seule technique. Finalement, dans un souci de clarté et d’homogénéité on a délimité notre champ d’étude à la sculpture en bois
During the last years, the building process and history of art collections became a prolific field of study in Argentina. However, research on medieval art in private and public collections in our country received little or no attention. But even if medieval art is considerably less represented than modern styles, there is an interesting amount of high quality medieval pieces exhibited at several museums in Argentina. The main purpose of this thesis is therefore to expand our knowledge of the medieval works of art in public Argentine collections, as related to their origin, dating, interpretation, technique and provenance. These pieces show great diversity of styles, provenance and technique. Such heterogeneity demanded a selection, in order to define a homogeneous corpus of study. Among the many works of medieval art in Argentine museums, the Virgin and Child iconography is the most represented subject - accordingly, that subject has been our first focus of attention. Finally, owing to the abundance of sculpture, we have decided to limit our study to this technique; and in order to give further thematic consistency to our research; we decided to circumscribe our research to woodwork sculpture

Le projet de recherche présenté ici est le résultat d'un recensement territorial, accompagné d’une action d'identification et de reconnaissance du patrimoine mobilier des XVe et XVIe siècles de la Corse, que j’ai entrepris pour le compte de la Direction du Patrimoine de la Collectivité de Corse à partir de 2004. La présente dissertation présente donc pour la première fois un inventaire analytique des retables en bois de la période chronologique considérée, dans lequel les œuvres picturales sont associées à leurs possibles matrices culturelles sur la base des valeurs formelles et stylistiques. En 1453, la République de Gênes céda l'île au Banco di S. Giorgio, une institution puissante, qui la conserva au moins jusqu'en 1562. Cependant, l'île, qui était génoise d'un point de vue politico-administratif, ne l'était pas exclusivement d'un point de vue culturel et figuratif. D'une manière générale, les artistes locaux semblaient remanier, de manière réductrice et plutôt modeste, les méthodes des maîtres qui opéraient dans la zone nord-ouest de l'Italie (de la Ligurie à l'Oltregiogo, en passant par la Bassa Padana et la région niçoise), créant ainsi leur propre langage, tellement retravaillé dans la simplification qu'il rendait à peine reconnaissables les matrices figuratives du continent. Néanmoins, grâce aux flux commerciaux et aux relations politiques constantes avec la mère patrie, l'île s'est montrée réceptive aux impulsions provenant de l'ensemble du littoral, et dans la même mesure des rives occidentale et orientale, comme l'atteste le retable de Cassano, signé et daté en 1505 par Antonio da Calvi. Mais on observe aussi, le long des voies de circulation transalpines, un retour vers la Corse de produits déjà modernisés, comme le polyptyque de l'Assomption de Canari, attribué à la phase de maturité de l’artiste piémontais Agostino Bombelli (1530 ca.). L'envoi de cette œuvre atteste de la diffusion sur le territoire d'un modèle architectural de type « serlienne » avec un arc de triomphe, basé sur des critères plus modernes, semblable aux polyptyques de Moltifao (1545) et Tox. Il ne manque pas non plus d’exemples suggérant une adhésion au naturalisme lombard, et plus particulièrement au naturalisme liguro-pavesan, comme la Vierge à l'Enfant de Piedicroce. La récupération cruciale du patrimoine figuratif de la Corse est donc le résultat de conjonctures hétérogènes, exprimées par les maîtres autochtones qui revisitaient les multiples éléments stylistiques selon leurs propres moyens, de sorte que l'on peut peut-être enfin parler d'une « école de peinture corse »
The research project carried out here is the result of a territorial census connected with an action of identification and recognition of the movable heritage of the XV-XVI century in Corsica, which I commenced on behalf of the Directorate of the Heritage of the Collectivité de Corse, back in 2004. This discussion therefore presents for the first time an analytical inventory of the wooden altarpieces of the chronological phase in question, in which, on the basis of formal and stylistic values, the pictorial evidences are linked to their possible cultural matrices of reference. In 1453 the Republic of Genoa transferred the island to the powerful institute of the Bank of Saint George, which possessed it at least until 1562. However, the island, Genoese from a political-administrative point of view, was not Genoese from a cultural-figurative one. In general, it would seem that the local artists refashioned in a reductive and basically modest way the styles of the masters working in the North Western Italian area (from Liguria to the Oltregiogo, to the Po Valley, and to Nice region), creating their own language, so much reworked in its simplification to make hardly recognizable any figurative matrices of the mainland. However, thanks to the commercial flows and the constant political relations with the Motherland, the island proved to be receptive to the impulses coming from the entire coastal arc of Liguria, in equal measure from the two shores of Ponente and Levante, as proved by the retable of Cassano, signed and dated by Antonio da Calvi in 1505. There was also a flow of up-to-date creations along the transalpine traffic routes into Corsica, such as the polyptych of the Assumption of Canari attributed to the mature phase of the Piedmontese Agostino Bombelli (1530 ca.). The sending of this work documents the spread in the territory of a "Palladian window" architectural scheme, with a triumphal arch, based on more modernized criteria, similar to the polyptychs of Moltifato and Tox. There are also cases that suggest adhesion to Lombard naturalism, and more specifically the Ligurian-Pavese one, such as the Madonna and Child of Piedicroce. The critical rediscovery of the figurative heritage of Corsica thus highlights how much this is the product of heterogeneous conjunctures, expressed by native masters who reworked multiple stylistic features according to their own means, so that perhaps we can finally speak of a "Corsican pictorial school"

Ce mémoire veut refléter l'exercice d'introspection proposé par le cheminement de la maîtrise en arts visuels. Il accompagne la réalisation d'un corpus d'œuvres en pratique sculpturale qui se conclue par une exposition à la Galerie des arts visuels de l'Université Laval. Cette étape de mon cheminement artistique se veut un moment privilégié pour approfondir mon dialogue avec la matière, source première de mon travail sculptural. C'est la matière provenant d'objets banals, voués à la destruction, qui est retrouvée, réutilisée, revalorisée. Elle est devenue un matériau différencié par l'usage auquel elle a été destinée. Ses qualités formelles acquises sont source d'inspiration. Son passé participe à son avenir. D'objets d'utilité de la vie quotidienne, ils deviennent objets de connaissance qui font naître de nouveaux réseaux de sens. La métamorphose leur donne une nouvelle vie en les transformant en objets qui n'ont pas d'autre finalité que d'être vus.

Le passage de la statuette sacrée, de l'obscurité des sanctuaires à la lumière des musées et des galeries, implique nécessairement, qu'à ses valeurs utilitaires et commémoratives se sont substituées de nouvelles significations : esthétique et marchande. Ce phénomène a entraîné en "pays lobi" du Burkina Faso, un fait social qui éclaire les divers changements que vit cette population, sommée de réaliser une difficile synthèse entre tradition et modernité. La création du musée provincial du poni a gaoua, l'importance de ses collections et l'intérêt de la population pour celles-ci, illustrent cette réalité, en dépit du caractère encore élitiste de l'institution muséale. Malgré de multiples difficultés (formation, conservation, organisation, etc. . . ), le musée reste un instrument de sauvegarde de l'héritage culturel et de la cohésion sociale. À partir d'entretiens libres semi-directifs, de méthodes par questionnaires, d'investigations bibliographiques, cette étude ethnologique et muséologique, appliquée à la culture matérielle lobi, s'est efforcée de démontrer que les conséquences de la mutation du statut de la statuette (objet de culte et/ou objet d'art), témoignent, clairement, de la mise en place progressive de nouvelles identités sociales. En effet, aussi bien en Afrique qu'ailleurs, les statuettes tribales continuent, au-delà de nombreux obstacles, de susciter des sentiments et d'offrir aux visiteurs, la possibilité de se relier à un imaginaire. Ceci est la traduction de ce que la sacralité est quelque chose de mouvant.

Les stalles de l'ancien duché de Bretagne forment un corpus exceptionnel du point de vue de l'art autant que de l'histoire. Cette thèse en propose une approche globale depuis leur inventaire jusqu’aux mécanismes de leur création en passant par l’iconographie. Dans un premier temps, le recensement de ce mobilier a révélé la présence d’une dizaine de groupes encore en place, soit plus de 300 sièges comportant plus de 1000 éléments sculptés, réalisés pour l’essentiel entre la findu XVe et le milieu du XVIe siècle. Par ailleurs, les documents d’archives permettent la compréhension du contexte de création, les exigences des commanditaires et le travail des huchiers. Ces derniers apparaissent comme des travailleurs indépendants, très qualifiés et bénéficiant d’un savoir-faire étendu. Les modalités de la commande diffèrent selon leszones géographiques et linguistiques concernées, et selon les commanditaires, a fortiori dans le contexte politique de cetteépoque. Le rôle joué par la noblesse francobretonne est ici déterminant, notamment dans la diffusion des motifs italiens. L’iconographie des stalles bretonnes constitue, enfin, un point essentiel de ce travail par la richesse des motifs et la variété des références. L’ouverture du duché au commerce international à la fin du Moyen Âge contribue à la diffusion des modèles et aux échanges artistiques. Mêlant dans un joyeux syncrétisme thèmes religieux et profanes, images du Gothique international et vocabulaire de la première Renaissance, les sculptures des stalles mettent en scène la vision d’un monde, celle du clergé, où cohabitent discours moral, herméneutique chrétienne et culture carnavalesque
The choir stalls of the ancient Duchy of Brittany present an exceptional corpus from the historical point of view as well as from that of the history of art. This thesis focuses on this particular church furniture, supplying its inventory, a study of its iconography and the history and conditions of its creation. The first step of the inventory reveals about ten groups of choir stalls still preserved in Breton churches, which, at least, represent more than 300 stalls and a thousand of sculptures. Themajority of those groups were created between the last decades of the 15th century and the middle of the 16th century. Furthermore, archives give a certain number of useful information for the comprehension of a context of their creation, patrons’ wishes and woodcarvers’ work. Carvers appear to be qualified independent workers possessing an important experience and qualification. The conditions of work depend on geographic and linguistic areas, type of patronage and, afortiori, the specific political and religious context of this period. For example, the Franco-Breton nobility plays a key role in this context, especially in the diffusion of Italian motifs. Iconography of the choir stalls is, finally, of a high interest because of the richness of motifs and the variety of references used in its. The opening of the duchy to the world trade in the late Middle Ages contributes to the diffusion of models and the development of artistic exchanges. Mixing in joyful syncretism religious and profane themes, images from International Gothic and new vocabulary of the first Renaissance, the choir stalls’ carvings of Brittany show us the clerical vision of a world, where moralistic meanings, Christian hermeneutic, satirical views of the society and carnival culture are merged together without contradiction

Recherches sur la création en Bretagne du début du vingtième siècle aux années cinquante, au travers de l'étude monographique de l'oeuvre du sculpteur René Quillivic. Né dans un milieu populaire, il accède à l'école des beaux-arts de Paris grâce au soutien d'un politique régional. Devenu dès le début de sa carrière, spécialiste des monuments aux morts en Bretagne, il sait conjuguer savoir-faire académique, réalisme et inspiration régionaliste. En 1925, comme J. J. Lemordant et les Seiz Breur, mais en toute indépendance, il participe à l'affirmation d'une création bretonne originale, en céramique, comme M. Méheut, à Quimper, ainsi qu'en gravure sur bois. Son succès se ralentissant nettement à partir de 1937 dans les milieux parisiens, l'artiste se tourne davantage vers la Bretagne. Apres la seconde guerre mondiale, il bénéficie à nouveau, mais dans une moindre mesure, de la demande commémorative. C'est à ce moment précis qu'il semble trouver une place nouvelle, celle de symbole d'une création bretonne originale. Il doit cette position privilégiée, délicate pour un artiste en activité, à une triple adéquation historique, culturelle et stylistique. Il a été à l'apogée de sa carrière entre les deux guerres, au moment même de la montée d'un renouveau culturel breton. Ses oeuvres apparaissent comme la preuve tangible que la création régionale équivaut à la création parisienne. Issu du peuple, il donne la démonstration d'un contact possible entre l'art et l'artisanat. Mais la principale adéquation est stylistique. Il répond à la demande populaire qui assimile talent et savoir-faire ressemblant, en donnant à ses sculptures les traits de modèles précis, en même temps qu'il distancie et synthétise les formes des costumes, comme l'exige l'académisme même réaliste. Ce faisceau de coïncidences est apparu clairement après la seconde guerre, au moment ou la réflexion sur l'art breton s'est faite plus urgente. Quillivic s'est alors trouvé doté du lourd statut de père de la sculpture bretonne moderne
Research about art in Brittany between the beginning and the middle of this century, through the monograph of René Quillivic's work. Born in very simple surroundings, he comes up to Ecole des beaux-arts in Paris by the favour of a local statesman. Since the beginning of his career he gets the war memorial's expert. He knows haw to join academic traditions, realism and regionalism. In 1925, as J. J. Lemordant or the Seiz Breur, but very alone among them, he has share in the Brittany’s art revival, especially in ceramics and wood-engraving. Since 1937, in Paris, his works get less and less estimated among the critics therefore he prefers to turn back about Brittany. After the second war, he appears as the symbol of Breton invention especially for historical, cultural and stylistic opportunities. Indeed, between the first and the second mondial war, when Quillivic's career was at the top, that was just the beginning of a cultural revival in Brittany. His celebrity comes also from his birth in a popular family. His work seems to realise the connexion abetween manual trade and art. But the most important opportunity is his own style: he mingles realism and stylization: faces are generally portraits, volumes and dress are schematized. After the last war, thoughts about an original Breton culture are more and more imperious and René Quillivic appears as the modern Breton sculpture's forefather

L'art des basileele, du kasai occidental, au zaire, concerne essentiellement l'etude des objets de bois, remarquables par leur sculpure et par leur decor. Le groupe apparente des " wongo peripheriques " est assimile au groupe leele. Notre but etait de degager les caracteres stylistiques des objets d'art, et, en explorant leurs fonctions, de preciser les structures sociales et l'histoire de ce peuple. L'etude des objets d'art leele nous permettra donc d'apprehender, diachroniquement et synchroniquement, la culture leele dont les composantes sont difficilement seriables. Tris livres composent cette these. Dans le livre un, une approche generale de la societe leele est tentee. Elle insiste sur les structures sociales complexes dues a une mise en place des populations echelonnee, des le dix septieme siecle. En consequence, trois entites se partagent le territoire. Les bakumu de tundu (les chefs), les baowa et les "wongo interieurs" emancipes. Les bakumu de tundu, diriges par le nyimi, ont une autorite nomi nale et tutelaire. Baowa et "wongo interieurs" ont une autonomie seculie re et sont groupes en "villages-freres" a la politique agressive temperee par les lois de la polyandrie. La diversite brouillonne des objets d'art rend compte de ces turbulences. Le livre deux est specifiquement consacre a l'analyse morphologique des objets et au degagement des styles et des sous-styles. Les variations formelles dans le temps sont analysees. Le reperage des fonctions polymorphes des objets d'art donne lieu a des constatations historiques indiquant: des mises en place migratoires successives (kete, kongo, mongo), et un amalgame ancien. Le pays leele fait donc figure de carrefour culturel. Le livre trois pose des questions et des hypotheses. Le systeme des decors est faiblement interpretable comme un appareil pictographique. La determination des styles et des sous-styles indique des influences venues de l'exterieur (kuba, pende, cokwe). La position de repli historique des bashileele est par la nettement mise en relief.