Dissertations / Theses on the topic 'Scène photographique'

Durant la décennie 1980, des photographes non-blancs et des femmes photographes Noirs imaginent des formes d’opposition à un milieu qui les ignore obstinément. Individuellement et collectivement, les photographes Noirs se confrontent aux multiples dénégations au moyen de gestes de résistance. Ensemble, mais seuls, ils vont faire scène. Instigateurs d’une multitude d’actes, ils deviennent agents de leur réalisation en tant qu’artistes-photographes. La scène produit un empouvoirement et l’empouvoirement façonne la scène. Cette thèse raconte les stratégies mises en place pour défier le statu quo. Cette thèse propose ainsi d’analyser la formation de cette scène à travers deux gestes fondamentaux : la publication (première partie) et l’exposition (deuxième partie). Dans un premier temps, l’étude des objets imprimés révèlent les mécanismes d’exclusion et d’inclusion de ces individus et indique leur rôle essentiel à la rencontre, aux échanges, à l’expérimentation, au débat, à l’élaboration théorique et la monstration des productions. À cet effet, nous examinons trois magazines de photographes : Camerawork, Ten.8 et Polareyes ; et commentons l’absence de livres de photographes. Dans un deuxième temps, l’étude de la nécessité de montrer son travail sur des cimaises, à travers des expositions, nous permet d’identifier une attitude du « faire soi-même » où les artistes deviennent commissaires et coordinateurs d’espaces de monstration. La thèse se termine sur l’institutionnalisation de la scène à travers l’analyse de l’évolution de l’Association des Photographes Noirs vers la création d’une organisation, Autograph ABP. À travers ces deux axes principaux, cette thèse appréhende l’émergence d’une scène malgré une société qui s’oppose à elle et fait le récit de sa lente inclusion dans le monde de la photographie britannique de la seconde moitié du XXe siècle
During the long 1980s, non-white photographers and Black women photographers imagined forms of opposition to a milieu that consistently ignored them. Individually and collectively, Black photographers challenged continual denial with gestures of resistance. Together, and on their own they made their scene. Instigators of a multitude of acts, they became the agents of their being recognised as artist-photographers. The scene produced an empowerment which in turn shaped that scene. This thesis recounts the strategies they put in place to challenge the status quo. The creation of this scene occurred through two fundamental axes: firstly publications; and secondly exhibitions. In the first place, the study of printed matter reveals the mechanisms of exclusion and inclusion of these individuals, and indicates their essential role in encounters, exchanges, experimentation, debate, theoretical elaboration and the display of visual productions. To this end, we examine three photographers' magazines: Camerawork, Ten.8 and Polareyes; and comment on the absence of photographers' books. In the second place, our study of the need to show work on walls, through exhibitions, enables us to identify a "Do It-Yourself" attitude in which artists become curators and coordinators of spaces. The thesis concludes on the institutionalization of the scene through the history of the Association of Black Photographers as an organization. Our pivot is the emergence of a scene despite a society opposed to it, and tells the story of its slow inclusion in the world of British photography in the second half of the 20th century

Cette thèse aborde le problème de l'estimation du mouvement d'une caméra filmant une scène fixe, à partir de la séquence d'images obtenue.
La méthode proposée s'applique à l'estimation du mouvement entre deux images consécutives et repose sur la détermination d'une déformation 2D quadratique.
A partir du mouvement estimé, nous étudions ensuite le problème de l'estimation de la structure de la scène filmée. Pour cela, nous appliquons une méthode de Belief Propagation directement sur un couple d'images, sans rectification, en utilisant l'estimation du mouvement.
Enfin, nous examinons l'injectivité de la fonction associant un flot optique au mouvement d'une caméra et à la structure de la scène filmée. Deux mouvements de caméra étant donnés, nous décrivons le domaine d'observation où les flots générés sont susceptibles d'être identiques, et les surfaces filmées qui, associées aux deux mouvements, produiront ces flots ambigus.

La thèse en Arts plastiques que nous proposons associe une pratique artistique personnelle de photographie et une recherche à la croisée des sciences de l’art, de la sociologie et de la psychologie. Elle développe une analyse de la représentation du travail dans l’art à travers l’utilisation du médium photographique, du début du 20ème siècle à aujourd’hui, avec un intérêt particulier pour l’extrême contemporain. L’enjeu principal de cette recherche est de démontrer comment une pratique artistique peut traduire un fait d’actualité pourtant peu visible, ici lié à la représentation sociale du travail. Elle se focalise sur un exemple précis, celui du mal-être au travail, qui fait l’objet à la fois de la pratique artistique personnelle et de la recherche proposée. Que ce soit par une expérimentation du portrait ou par l’élaboration de mises en scène, les choix plastiques de cette représentation amènent à s’interroger sur les caractéristiques et la production de sens d’un dispositif de création qui allie théâtre vivant et images fixes assemblées en polyptyques – tout en suscitant la réflexion sur un problème humain devenu un phénomène sociétal
The thesis in Arts that we present associates a personal artistic practice of photography and a research at the crossing of arts sciences, sociology and psychology. It develops an analysis of the representation of work in arts through the use of the photographic medium, from the beginning of the 20th century until today, with a particular interest in the extreme contemporary period. The main stake of this research is to demonstrate how an artistic practice can translate a current event with little visibility, linked to the social representation of work. It focuses on a specific example, the malaise at work, which is the object of both the personal artistic practice and the research work. Whether by the use of portrait or by a staging work, the choices of this artistic representation interrogate the characteristics and the production of meaning of a creative device which combines theatre and still images assembled in polyptyches – while inciting reflexion on a human problem that has become a social phenomenon

L’enjeu de la représentation en images du corps et l’utilisation de mon propre corps comme support de création est une réaction à l’échec communicationnel contemporain. Le dispositif artistique peut-il déjouer, pour un moment au moins, la puissance d’aliénation qui réside dans l’obligation de se conformer à une certaine idée du corps, à ce « corps social », et permettre une certaine construction identitaire? Les façons de montrer le portrait, l’autoportrait et le corps et de les traiter sont les modes du « vivre ensemble » ; et manipuler ces codes me permet de réfléchir sur ma propre identité dans une société tout en interrogeant la relation du « soi » au « nous ».Les photographies et les vidéographies introduisent la notion d’identité à travers une mise en scène. Dans certaines œuvres, j’interviens sur mon corps par un travail d’autoreprésentation. Je travaille alors à la transformation de moi-même, à l’invention d’un nouveau corps, d’une nouvelle identité. Il s’agit d’abord d’un questionnement narcissique, cependant, l’autofiction, ici, n’est pas « égocentrée » et rejoint notre sujet principal, à savoir l’interrogation de l’image de soi comme médiation afin de réenvisager l’identité individuelle dans un horizon collectif
The challenge of the pictorial representation of the body and the use of my own body as the medium of creation is a reaction to the failure of contemporary communication. Can this artistic device, even for a moment, thwart the power of alienation that resides in the obligation to conform to a particular idea of the body, of this “social body”, to allow for a certain construction of identity? The ways of showing the portrait, the self-portrait and the body and their treatment are modes of “community living.” The manipulation of these codes allowed me to consider my own identity in society while questioning the relation between “self” and “us.”The photos and videos introduce a notion of identity by way of a display. In some of the works, I use my body as a means of self-representation. I work on transforming myself, on the invention of a new body, of a new identity. In the first place, it is a narcissistic questioning, although the autobiographical fiction is not “self-centred”, but is in line with our principal subject, that of the interrogation of the self-image as mediation to envisage individual identity anew by means of a collective horizon

S'inscrivant dans une approche phénoménologique, cette recherche propose une réflexion et une analyse de l'image de danse ; image fixe (photographie) et image-mouvement (cinéma, vidéo). Je me suis principalement intéressée à la rencontre entre la danse et l'image, ainsi qu'aux rouages menant à une image de danse, et non uniquement au résultat final ; c'est-à-dire l'œuvre. Il apparaissait que la photographie, la vidéo et le cinéma entretenaient depuis le début du siècle des rapports complexes, mais pour la plupart du temps mal définis, voire sous exploités. En premier lieu je me suis donc attardée à relever les données qui, dans l'histoire propre des mediums en cause, les avaient menés l'un vers l'autre, de même que la multiplicité des tangentes de création retrouvées. À la suite de ce (re)positionnement historique, il demeurait capital de faire un bref arrêt sur la nature de la danse, du corps dansant, et de la perception que j'en ai en tant que spectateur. À partir de là, le glissement qui s'opère lors de la mise en image de la danse, les rapports entretenus entre l'image et la danse, la nature même de cette image de danse, ainsi que l'identité plurielle qu'elle épouse, constituent le cœur de cette recherche. L'extension d'une approche chorégraphique à travers la pratique de l'image photographique, cinématographique et vidéographique, s'installe en dernier lieu comme une voie possible de la notion de danse à l'image. La première partie de cette recherche présente donc l'image de danse en tant qu'art impur résultant du phénomène d'hybridation propre à la création artistique du vingtième siècle. La seconde partie, quant à elle, s'attarde uniquement à témoigner de quatre expériences personnelles de création; deux séquences photographiques, flore. . . Où te caches-tu? et la mort d'Anna, une courte vidéo ssss. . . , et un film bice
Adhering to a phenomenological approach, this research consists of both a reflection on and analysis of dance images : static images (photography) and moving images (film, video). I focused primarily on the place where dance and image intersect, as well as on the structure leading to a dance image, and not only on the final result, that is, the work itself. Photography, video and film produced since the beginning of the century have been immersed in complex, but for the most part poorly defined, even underexploited relationships. At the outset, my research concentrates on revealing the historical facts and events that brought these media together, as well as on the various creative tangents pursued. Following this historical (re) positioning, it was critical to conduct a brief overview of the nature of dance, the dancing body, and my perception thereof as a spectator. From here, the transition that occurs when creating an image of dance, the relationship between image and dance, the nature of this image of dance, as well as its various identities, constitute the heart of this study. Finally, the extension of a choreographic approach applied to photographic, cinematographic and video images, is offered as possible evolution in our notion of the relationship between dance and image. The first part of this research thus presents the image of dance as an impure art form resulting from the phenomenon of hybridization inherent in the artistic process in the twentieth century. The second part explores four personal creative experiences : two photographic sequences, flore. . . Ou te caches-tu? and la mort d'Anna, a short video ssss. . . , and a film bice

Il existe désormais une grande variété de lentilles panoramiques disponibles sur le marché dont certaines présentant des caractéristiques étonnantes. Faisant partie de cette dernière catégorie, les lentilles Panomorphes sont des lentilles panoramiques anamorphiques dont le profil de distorsion est fortement non-uniforme, ce qui cause la présence de zones de grandissement augmenté dans le champ de vue. Dans un contexte de robotique mobile, ces particularités peuvent être exploitées dans des systèmes stéréoscopiques pour la reconstruction 3D d’objets d’intérêt qui permettent à la fois une bonne connaissance de l’environnement, mais également l’accès à des détails plus fins en raison des zones de grandissement augmenté. Cependant, à cause de leur complexité, ces lentilles sont difficiles à calibrer et, à notre connaissance, aucune étude n’a réellement été menée à ce propos. L’objectif principal de cette thèse est la conception, l’élaboration et l’évaluation des performances de systèmes stéréoscopiques Panomorphes. Le calibrage a été effectué à l’aide d’une technique établie utilisant des cibles planes et d’une boîte à outils de calibrage dont l’usage est répandu. De plus, des techniques mathématiques nouvelles visant à rétablir la symétrie de révolution dans l’image (cercle) et à uniformiser la longueur focale (cercle uniforme) ont été développées pour voir s’il était possible d’ainsi faciliter le calibrage. Dans un premier temps, le champ de vue a été divisé en zones à l’intérieur desquelles la longueur focale instantanée varie peu et le calibrage a été effectué pour chacune d’entre elles. Puis, le calibrage général des systèmes a aussi été réalisé pour tout le champ de vue simultanément. Les résultats ont montré que la technique de calibrage par zone ne produit pas de gain significatif quant à la qualité des reconstructions 3D d’objet d’intérêt par rapport au calibrage général. Cependant, l’étude de cette nouvelle approche a permis de réaliser une évaluation des performances des systèmes stéréoscopiques Panomorphes sur tout le champ de vue et de montrer qu’il est possible d’effectuer des reconstructions 3D de qualité dans toutes les zones. De plus, la technique mathématique du cercle a produit des résultats de reconstructions 3D en général équivalents à l’utilisation des coordonnées originales. Puisqu’il existe des outils de calibrage qui, contrairement à celui utilisé dans ce travail, ne disposent que d’un seul degré de liberté sur la longueur focale, cette technique pourrait rendre possible le calibrage de lentilles Panomorphes à l’aide de ceux-ci. Finalement, certaines conclusions ont pu être dégagées quant aux facteurs déterminants influençant la qualité de la reconstruction 3D à l’aide de systèmes stéréoscopiques Panomorphes et aux caractéristiques à privilégier dans le choix des lentilles. La difficulté à calibrer les optiques Panomorphes en laboratoire a mené à l’élaboration d’une technique de calibrage virtuel utilisant un logiciel de conception optique et une boîte à outils de calibrage. Cette approche a permis d’effectuer des simulations en lien avec l’impact des conditions d’opération sur les paramètres de calibrage et avec l’effet des conditions de calibrage sur la qualité de la reconstruction. Des expérimentations de ce type sont pratiquement impossibles à réaliser en laboratoire mais représentent un intérêt certain pour les utilisateurs. Le calibrage virtuel d’une lentille traditionnelle a aussi montré que l’erreur de reprojection moyenne, couramment utilisée comme façon d’évaluer la qualité d’un calibrage, n’est pas nécessairement un indicateur fiable de la qualité de la reconstruction 3D. Il est alors nécessaire de disposer de données supplémentaires pour juger adéquatement de la qualité d’un calibrage.
A wide variety of panoramic lenses are available on the market. Exhibiting interesting characteristics, the Panomorph lens is a panoramic anamorphic optical system. Its highly non-uniform distortion profile creates areas of enhanced magnification across the field of view. For mobile robotic applications, a stereoscopic system for 3D reconstruction of objects of interest could greatly benefit from the unique features of these special lenses. Such a stereoscopic system would provide general information describing the environment surrounding its navigation. Moreover, the areas of enhanced magnification give access to smaller details. However, the downfall is that Panomorph lenses are difficult to calibrate, and this is the main reason why no research has been carried out on this topic. The main goal of this thesis is the design and development of Panomorph stereoscopic systems as well as the evaluation of their performance. The calibration of the lenses was performed using plane targets and a well-established calibration toolbox. In addition, new mathematical techniques aiming to restore the symmetry of revolution in the image and to make the focal length uniform over the field of view were developed to simplify the calibration process. First, the field of view was divided into zones exhibiting a small variation of the focal length and the calibration was performed for each zone. Then, the general calibration was performed for the entire field of view. The results showed that the calibration of each zone does not lead to a better 3D reconstruction than the general calibration method. However, this new approach allowed a study of the quality of the reconstruction over the entire field of view. Indeed, it showed that is it possible to achieve good reconstruction for all the zones of the field of view. In addition, the results for the mathematical techniques used to restore the symmetry of revolution were similar to the results obtained with the original data. These techniques could therefore be used to calibrate Panomorph lenses with calibration toolboxes that do not have two degrees of freedom relating to the focal length. The study of the performance of stereoscopic Panomorph systems also highlighted important factors that could influence the choice of lenses and configuration for similar systems. The challenge met during the calibration of Panomorph lenses led to the development of a virtual calibration technique that used an optical design software and a calibration toolbox. With this technique, simulations reproducing the operating conditions were made to evaluate their impact on the calibration parameters. The quality of 3D reconstruction of a volume was also evaluated for various calibration conditions. Similar experiments would be extremely tedious to perform in the laboratory but the results are quite meaningful for the user. The virtual calibration of a traditional lens also showed that the mean reprojection error, often used to judge the quality of the calibration process, does not represent the quality of the 3D reconstruction. It is then essential to have access to more information in order to asses the quality of a lens calibration.

Impulsée par une pratique artistique faisant du corps le support d’une mise en signes et le cœur d’une mise en scène, l’étude ici menée est une invitation à parcourir trois voies plastiques et discursives : le corps, l’écriture et la photographie. Sur le corps, j’écris, je peins, je calligraphie. Je trace des signes. Je le crée ou le recrée par un acte éphémère. Cette mise en signes du corps, fugitive, est ensuite articulée à un rituel photographique qui la met en scène, l’image, l’expose. La mise en signes et la mise en scène du corps sont donc les deux actions (ou rituels) qui forment et transforment le corps, qui le transportent dans un ailleurs référentiel cristallisant les imaginaires les plus variés. Philosophie, anthropologie, ethnologie, histoire de l’art, sociologie, cinéma…, sont les champs métissés dans lesquels la pratique du corps écrit et imagé s’inscrit. Entre théories et plasticités, les rituels instaurent un autre corps : un corps nourri d’invocations culturelles, artistiques et disciplinaires ; un corps « tissé » de représentations, de discours et de rêves. À la rencontre des rituels d’écritures du corps dits primitifs, à la rencontre des signes, à la rencontre des regards et des images, un autre corps, une seconde peau se dessinent entre modelage plastique et jeu visuel, entre autoreprésentation et esthétique du voile, entre investissement et mise à distance. Ce travail propose d’explorer un rituel de mise en signes et de mise en scène du corps, un processus de création, de transformation et d’occultation, un entrelacement d’imaginaires, un corps à corps
Triggered by an artistic practice in which the body is a medium for written signs at the heart of a staged conceptualisation, this study is a means to discover three visual and discursive languages : body, writing and photography. I paint, write, make signs on the body. Creating it, recreating it through transient additions. These fleeting bodywritings become the pretexts for a photographic ritual that composes, stages and displays them. Creating signs and staging signs are the two steps (or rituals) which form or transform the body and then drag it into a referential elsewhere ; a place where the wanderings of imagination take shape. Written and staged bodies are used in many intertwined fields, such as philosophy, anthropology, ethnology, art history, sociology, cinema and so on. Standing on a thin line between theory and plasticity, rituals bring about another body : a body fed with cultural, artistic and disciplinary invocations ; a body made up with representations, conceptualisations and dreams… Through the so-called 'primitive' use of bodywriting, through signs, through looks and pictures, another body, a new skin is arising. It is made of artistic modelling and visual play-abouts ; self-representation and veils ; presence and absence. This study is the exploration of a ritual which consists of taking written bodies into a creative process implying transformations, concealments, interlaced imaginations and body settings

Mon travail s'appuie sur l'expérience duale du corps humain, particulièrement le corps de la femme. Pour exprimer cette expérience corporelle, je me sers de la photographie et de la vidéo où je fais interagir les corps avec des objets sculpturaux que je nomme objets portables, du fait de leur rapport étroit avec le corps. Ces objets sont dérivés de bijoux, de prothèses médicales ou d'ornements et ont une fonction de médiation. Mon travail se nourrit des souvenirs du passé, pour lesquels j'ai recours à la mémoire et au rêve. Dans les images créées pour l'ensemble de mes projets s'établit une ambigüité temporelle, située entre une réactualisation du passé et une résurgence de souvenirs d'enfance.

Récemment, le problème de la compréhension de l’image a été l’objet de beaucoup d’attentions dans la littérature. La catégorisation de scène peut être vue comme un sous-ensemble de la compréhension d’image utilisée pour donner un contexte à la compréhension d’image ainsi qu’à la reconnaissance d’objet afin de faciliter ces tâches. Dans cette thèse, nous revisitons les idées classiques de la catégorisation des scènes à la lumière des approches modernes. Le modèle proposé s’inspire considérablement de la façon dont le système visuel humain comprend et perçoit son environnement. À cet égard, je soute qu’ajouter un niveau de classificateur extérieur – intérieur combiné à des caractéristiques globales et locales de scène permet d’atteindre une performance de pointe. Ainsi, un tel modèle requiert ces deux éléments afin de gérer une grande variété d’éclairage et points de vue ainsi que des objets occultés à l’intérieur des scènes. Le modèle que je propose est un cadre hiérarchique en deux étapes qui comprend un classificateur extérieur – intérieur à son stade initial et un modèle de scène contextuelle au stade final. Je monte ensuite que les fonctionnalités locales introduites, combinées aux caractéristiques globales, produisent des caractéristiques de scène plus stables. Par conséquent, les deux sont des ingrédients d’un modèle de scène. Les caractéristiques de texture des scène extérieures agissent comme caractéristique locale, tandis que leur apparence spatiale agit comme caractéristique globale. Dans les scènes d’intérieur, les caractéristiques locales capturent des informations détaillées sur les objets alors que les caractéristiques globales représentent l’arrière-plan et le contexte de la scène. Enfin, je confirme que le modèle présenté est capable de fournir des performances de pointe sur trois jeux de données de scène qui sont des standards de facto; 15 – Scene Category, 67 –Indoor Scenes, et SUN 397.
Recently the problem of image understanding has drawn lots of attention in the literature. Scene categorization can be seen as a subset of image understanding utilized to give context to image understanding also to object recognition in order to ease these tasks. In this thesis, I revisit the classical ideas, model driven approaches, in scene categorization in the light of modern approaches, data driven approaches. The proposed model is greatly inspired by human visual system in understanding and perceiving its environment. In this regard, I argue that adding a level of outdoor – indoor classifier combined with global and local scene features, would reach to the state-of-the-art performance. Thus, such a model requires both of these elements in order to handle wide variety of illumination and viewpoint as well as occluded objects within scenes. The proposed model is a two-stage hierarchical model which features an outdoor – indoor classifier at its initial stage and a contextual scene model at its final stage. I later show that the introduced local features combined with global features produce more stable scene features, hence both are essential components of a scene model. Texture-like characteristics of outdoor scenes act as local feature meanwhile their spatial appearance act as the global feature. In indoor scenes, local features capture detailed information on objects, while global features represent background and the context of the scene. Finally, I have confirmed that the presented model is capable of delivering state-of-the-art performance on 15 – Scene Category, 67 – Indoor Scenes, and SUN 397, three de-facto standard scene datasets

Notre but est de proposer un systeme qui permettre de retrouver la position et l'orientation d'une camera de prise de vue, a partir d'une seule photographie, connaissant par ailleurs un modele de la scene photographiee. Apres avoir propose un modele de scene et de stockage (dans une base de donnees relationnelle, en rapport avec les primitives que l'on a pu extraire de facon fiable dans les images (des segments de droites), nous etudions l'etape globale de mise en correspondance 2d-3d, c'est-a-dire celle qui consiste a guider et a limiter la recherche combinatoire des correspondances entre segments d'image et segments du modele. La methode developpee est fondee sur l'emploi d'un module de traitement geometrique, qui, a partir de correspondances donnees a priori entre segments, emet une hypothese de position et d'orientation de la camera de prise de vue. Nous decrivons de facon detaillee ce module, ainsi que les contraintes que son utilisation impose a un algorithme global. Ces contraintes nous ont d'ailleurs amenes a elaborer une methode originale, fondee sur l'extraction des points de fuite dans l'image, pour estimer la rotation entre repere de l'image et repere de la scene ainsi que les collections de segments d'image, projection de segments de la scene paralleles entre eux. Ces deux donnees permettent de reduire la complexite du probleme de mise en correspondance entre segments du modele et segments de l'image, et de conclure sur la faisabilite d'une methode entierement automatique

En réponse à ma pratique artistique personnelle, cette thèse propose d'étudier les enjeux de la chute, à la fois mise en œuvre et mise en scène dans le processus sculptural. Il s 'agit dans cette recherche de spéculer sur les pertes et gains d'un tel processus créatif au cœur de mes installations, et d'analyser les portées théoriques et plastiques de la chute en tant que sujet (thème). La première partie de cette recherche propose l'étude de la mise en œuvre de la chute comme mode opératoire. Nous y exposons les modalités, contraintes et bénéfices d'un tel procédé résultant d'un laisser tomber, oscillant notamment entre maîtrise (choix) et surprise (hasard programmé). La seconde partie témoigne de cette mise en œuvre, en analysant les portées de la « destruction constructive », puisque mes installations se manifestent paradoxalement en se détruisant après leur chute. Nous analysons dans une troisième partie les enjeux à la fois plastiques et théoriques de la chute en tant que mise en scène dans le champ de l'art, et précisément au cœur de ma démarche plastique. A défaut d'être performatifs, mes travaux dont la photographie est le témoin mettent en corrélation représentation de la chute (figuration, simulation) et présentation d'objets qui sont tombés. Nous achevons notre recherche en questionnant les portées notamment émotionnelles des agents de la chute (victimes ou spectateurs), c'est-à-dire leur réceptivité entre rires et larmes face à la chute.

Cette recherche interroge la poétique du corps de mode contemporain à travers deux médias de la figuration du corps : le défilé de mode et les séries photographiques enchâssées dans la presse magazine. Au carrefour d’enjeux sémiotiques, discursifs, politiques et sociaux, la problématique centrale de notre thèse convoque le point de vue complexe et interdisciplinaire des Sciences de l’information et de la communication afin de réfléchir à la construction médiatique du corps de mode. Trois hypothèses qui appréhendent les dispositifs médiatisant le corps de mode et le produisant comme « forme réifiée » publicitaire et culturelle scindent la problématique posée. La première postule que les défilés et les séries mode sont des médias produisant un corps informé par la dimension dispositive propre à chacun d’eux. La seconde pose que si le corps de mode est produit à des fins marchandes et publicitaires, il n’en demeure pas moins « culturalisé » grâce à l’emprunt notamment au chorégraphique conçu comme écriture du corps dans l’espace de la scène du défilé à l’espace de la page photographique, le dotant d’un statut culturel qui lui permet de circuler dans l’espace social. La troisième enfin poursuit le mouvement de réification du corps de mode amorcé par sa médiatisation à travers le défilé en posant que sa mass-médiatisation par les séries photographiques en fait une production industrialisée et standardisée, le rendant semblable à une marchandise
The present research interrogates the poetry of the fashion contemporary body transmitted by two media portraying the body : fashion shows and photographic series as part of fashion magazines. At the crossroads of semiotic, discursive political and social issues, the central problem investigated in this thesis is the complex and interdisciplinary point of view of the information sciences of communication with the aim to study the media construction of the fashion world. Three hypotheses divide the investigated problem by taking the mediatised part of the fashion world and produce it as “reified form” of advertisement and culture. The first postulates that fashion shows and fashion series are medias which produce an informed body by the apparatus owned by each of them. The second hypothesis postulates that the fashion body is produced for commercialand advertisement purposes. It does not persist less “culturalized” thanks to the choreography which is perceived as writing of the body in the catwalk space or in the photographic page. This gives it a culture status allowing it to circulate in the social medias. Finally, the third follows the movement of the fashion body's reification initiated by the exposure through fashion shows. It postulates that its mass exposure by photographic series, which is an industrialized and standardized production, make it similar to a merchandise

Nous étudions dans cette thèse la possibilité de reconnaitre des objets dans des images compressées, sans les reconstruire. L'algorithme de compression le plus adapte semble celui fonde sur l'extraction des contours multi échelle quinconce des images. Le problème de la reconnaissance nous amène à introduire un nouvel outil de comparaison d'images binaires: la distance de Hausdorff censurée. Cet outil s'est avéré robuste et rapide à calculer. Ces deux points sont étudiés avec soin. Cette distance est enfin utilisée pour reconnaitre et localiser des objets spécifiques dans des scènes de grande taille. Nous proposons trois approches multi échelles pour résoudre ce problème, qui prennent en compte le fait que l'objet recherché peut être en partie caché, ou qu'il peut être vu sous un angle différent de son modèle. L'algorithme que nous avons développé est rapide sur station de travail classique. Sa robustesse a été étudiée soigneusement. Sa parallélisation nous permet d'atteindre le temps réel dans un cadre opérationnel raisonnable

L'œuvre photographique du vénézuélien Nelson Garrido (1952) présente un caractère transgresseur du régime scopique national. À travers l'esthétique de la violence et de la laideur, ses images iconoclastes mettent en scène une lecture approfondie de la culture vénézuélienne de la fin du XXème siècle. La richesse iconographique et l'efficacité symbolique des prises de vue garridiennes nous ont amenés à vouloir les interroger dans le but d’identifier et d’analyser le regard qu’elles portent sur le pays caribéen. Dans cette première approche, la notion d'hybridité et les processus d'hybridation culturelle apparaissaient, à nos yeux, comme un fil d'Ariane dans son œuvre, notamment à partir de 1989, date à laquelle il quitta le travail sur le terrain (série Muertos en Vía) et débuta son travail en studio. En raison de ces considérations, nous nous sommes proposés de construire une lecture interprétative et contextuelle du regard garridien, en partant de la théorie de l'hybridation culturelle avancée par l'anthropologue Argentin Néstor García Canclini. Notre corpus d'étude est la série Todos los santos son muertos, réalisée à Caracas entre 1989 et 1993. Nous avons choisi ce fragment de son travail car il condense le vocabulaire visuel de l'artiste et cristallise ses plus profondes inquiétudes esthétiques, intellectuelles et éthiques. Cette recherche est la première réflexion doctorale consacrée à Nelson Garrido et, pour cette raison, elle est également la première à utiliser des sources de première main qui sont conservées dans les archives personnelles de l'artiste et dans les archives nationales vénézuéliennes
The photographic work of Venezuelan artist Nelson Garrido (1952) is a transgression of the national scopic regime. Through the aesthetics of violence and ugliness, his iconoclastic images present a profound reading of Venezuelan culture at the end of the 20th century. The richness and the symbolic effectiveness in Garrido's shots have led us to question its iconography in order to identify and analyze how they represent this Caribbean country. In this first approach, the notion of hybridity and the processes of cultural hybridization appeared, in our eyes, as a common thread in his work, particularly from 1989, when he left the fieldwork (Muertos en Vía series) and devoted himself to work only in his studio. Taking this into consideration, we set out to construct an interpretative and contextual reading of the guardian gaze, based on the theory of cultural hybridization put forward by Argentine anthropologist Néstor García Canclini. Our corpus of study is the series Todos los santos son muertos, made in Caracas between 1989 and 1993. This fragment of Garrido’s work condenses the visual vocabulary of the artist and crystallizes his deepest aesthetic, intellectual and ethical concerns. Our exploration of Garrido’s work constitutes the first doctoral research based on his work and it is also the first to use first-hand sources kept in both the artist's personal archives and in the Venezuelan National Archives

Ce mémoire se décline en trois parties. La première en est une de création où se succèdent cinq nouvelles mettant en scène des personnages en quête de leur propre présence. Dans chacune des courtes histoires présentées, la photographie prend une place centrale quant à l’incarnation de cette recherche. Suit une partie théorique portant sur la présence dans trois œuvres photo-textuelles de Sophie Calle. À leur lecture, une impression de présence émane. De quoi s’agit-il, exactement? Comment cela fonctionne-t-il? Et à quel point cette matière est-elle malléable? Cette analyse tente de répondre à ces questions en s’intéressant aux rapports entre texte et photographie dans À suivre, Gotham Handbook et Des histoires vraies, et ce, à la lumière des écrits de Roland Barthes, de Georges Didi-Huberman et de Johnnie Gratton. Puis, une réflexion sur l’écriture s’ouvre sur l’idée de l’expérience comme manière d’embrasser la présence. Je propose une poétique du corps de l’écrivain qui cherche des états de présence au monde en fréquentant des magasins de vêtements de seconde main. J’ouvre ainsi mon atelier en présentant un micro-cycle de création comportant des procédés d’épuisement des sens et menant ultimement à une expression de la sensibilité à l’expérience, si cruciale dans mon processus personnel.

Cette thèse entend entreprendre un making of de la photographie de mode, sur plusieurs décennies, et à l’échelle internationale. Un déplacement épistémologique est ainsi opéré. En effet, l’enjeu de cette étude n’est pas de procéder à une analyse esthétique de la photographie de mode, mais de déconstruire certaines idées reçues sur l’identité de ces images de mode principalement étudiées jusqu’ici par le prisme de la sémiotique, du genre, ou du paradigme identitaire. Tout en révélant différentes sources annexes qui gravitent autour de l’image, cette recherche tend à débusquer des matériaux documentaires qui n’ont pas été considérés dans l’histoire de l’art et de la photographie ; elle analyse ses porosités, en décelant les manques et les lacunes. De ce fait, il s’agit de révéler l’envers du décor pour explorer trois moments de la vie de ces images de mode, à une période donnée, en montrant les coulisses d’élaboration d’une photographie de mode, les conditions de collecte, de conservation, et enfin les pratiques d’exposition. Le propos de cette étude n’est donc pas de transcrire le parcours singulier d’un art dit « appliqué » en quête de légitimation artistique, mais de mettre en lumière les significations polysémiques et valeurs culturelles de la photographie de mode. Le terme makingof est ainsi entendu au sens élargi : il ne fournit pas seulement des informations et descriptions détaillées en montrant à voir la façon dont une photographie de mode ou une série éditoriale est réalisée, mais il s’intéresse aussi aux mécanismes internes de l’industrie de la mode, aux processus créatifs, aux réseaux, aux procédés de circulation, et aux processus institutionnels concourant à la création de valeur culturelle. Cette étude propose de percevoir le making of comme le résultat de pratiques, de négociations, d’échanges et de hiérarchies qui caractérisent, et vont au-delà de l’action même de produire et de publier une photographie de mode
This doctoral thesis intends to explore the ‘making-of’ of fashion photography, over several decades and geographies. The aim is to operate an epistemological displacement to rethink fashion photography beyond certain interpretations that identified its scope with semiotic, gender or identarian paradigms. Rather, this study proposes to think the ‘making of’ as a result of practices, negotiations, exchanges and hierarchies that characterize – but also move beyond – the very action of producing and publishing a fashion photograph. By shedding light on the multiple and overlooked sources produced around the production and circulation of the fashion image, the research explores three moments in the life of fashion photographs: the making of a fashion photograph; the collecting and conserving practices; and its exhibition. Therefore, the ‘making-of’ is here understood in a broad sense. This term is not only used to identify the descriptions and detailed information showing creative processes behind the production of a fashion photograph or an editorial series, but it also takes into consideration the mechanisms of circulations beyond the industry, the networks and the institutional processes concurring to the formation of the cultural value of an image. In doing so, this thesis sheds light on the polysemic meanings and values of fashion photography, moving beyond an interpretational path that has restricted this practice into an “applied” art in search of artistic legitimization

A quelle(s) logique(s) répondent les dispositifs de création réalisés par Antonin Artaud et David Nebreda ? Quel statut attribuer à leurs « œuvres », si tant est que l’on puisse accoler cette appellation à leurs travaux ? Pour répondre à ces questions, nous mènerons une réflexion d’ordre esthétique et nous nous interrogerons parallèlement sur la spécificité du processus de création dans la psychose. Nous étudierons les productions d’Artaud et de Nebreda sous l’angle de la mise en scène et de la performativité. Nous mettrons également en lumière l’abolition de la représentation, l’effondrement de la scène et les limites du jeu / je. Nous montrerons ainsi la prédominance des registres Réel et Imaginaire conçus par Jacques Lacan. Chez ces « artistes » transgressant les frontières des genres et de l’art, les manifestations incontrôlées du corps et les conflits intrapsychiques donnent lieu à des recréations simultanées du monde et du langage, qui, en même temps qu’elles s’apparentent au déroulement d’une cérémonie de mise à mort, tracent des signes inédits, forment d’étranges parcours et s’orientent vers l’horizon d’une nouvelle naissance
Which logic is guiding the multimodal creations proposed by Antonin Artaud and David Nebreda ? What kind of status can be applied to their “(art)works” ? In order to answer these questions, we will lead an esthetical research and study concurrently the specificities of the creative process in psychosis. We will examine Artaud’s and Nebreda’s productions through the notions of setting and performativity. We will underline the abolition of representation and the crumbling of the stage as well as the limits of play / subjectivity. We will show the predominance of the Real and Imaginary registers as they have been conceived by JacquesLacan. By Artaud and Nebreda, the uncontrolled corporal manifestations and the intra-psychicconflicts generate simultaneous recreations of the body and language as, in the same time, they achieve a sort of sort killing ceremony, tracing unseen signs, outlining strange trails and pointing toward the horizon of a new birth

Cette thèse a pour objet d’explorer les situations corporelles en milieu urbain sous le filtre des appareils de prises de vues selon différents angles, échelles et placements. Les mobilités des passants, les tactiques d’évitement, les rythmes pressés des pas, les intersections des trajectoires et la polyphonie qui forment la trame changeante du quotidien de la ville sont scrutés, sondés, capturés et retravaillés par l’opération du montage au sein d’une démarche plasticienne personnelle. En partant d’une expérience vécue du dépaysement au sein de la métropole parisienne, je souhaite examiner les intrications entre la fabrique du regard de l’étrangère et la construction des images vidéographiques et photographiques. Ces intrications se trouvent orchestrées, méthodologiquement, par trois concepts opératoires à géométries variables : le déplacement, l’emplacement et le replacement. Le premier mouvement correspond à l’expérience vécue et immersive de la ville où il sera question de la dimension sensible des pratiques pédestres. Le second se positionne sous l’angle du perçu, interrogeant le regard de l’observateur, de l’enquêteur et le traitement poïétique des matériaux visuels et sonores capturés par les appareils d’enregistrement. Le troisième répond à un changement du régime plastique, où le corps plasticien se dédouble, oscillant entre le filmant et le filmé, faisant du cadre vidéographique une scène performative. Quant au cadre théorique, il est également double. Il s’agit, d’une part, de recueillir en filigrane les leçons de la phénoménologie de Merleau-Ponty, de la microsociologie de Simmel et de l’anthropologie urbaine contemporaine. D’autre part, il s’agit de faire résonner les harmoniques de ma démarche avec des démarches d’artistes issues des années 1960 et 1970, comme les Situationnistes, Valie Export, Vito Acconci ou Esther Ferrer, et d’autres plus contemporains qui sondent les scénographies du corps et ses images, tels qu’Isabelle Grosse, Valérie Jouve, Mark Lewis et Maïder Fortuné
The objective of this dissertation is to explore the situations of the body in an urban environment as mediated via different angles, scales and positions. A personal artistic démarche of editing records, surveys, and scrutinizes the mobility of passers and bystanders; the result is an audio-visual record that tracks the tactics of evasion, the speedy rhythms of steps, the intersections of the trajectories and the polyphony that form the thread of daily life in the city. Taking as a point of departure my personal experience - a change of scene (déplacement) in the metropolis of Paris - I examine the disorientations between the rendering of the foreigner’s gaze and the construction of videographic and photographic images. From a methodological point of view, three concepts of variable geometry organize these concepts in states of dynamic imbrication: delocation (déplacement), location (emplacement) and relocation (replacement). The first movement, which corresponds to the lived experience of immersion into the city, treats the sense-based dimension of pedestrian practices. The second, which concerns perception, interrogates the gaze of the observer and of the investigator and of the poetic treatment of taped visual and sonic material. The third concept entails a change of the plastic regime where the artistic body is divided in two: oscillating between the filming and the filmed where ultimately the videographic scene becomes a performative scene. The theoretical framework is likewise divided in two. On the one hand, it is inspired by Merleau-Ponty’s phenomenology, by Simmel’s microsociology and by contemporary urban anthropology. On the other hand, it consists of an evidencing of resonances between my own démarche and those of artists active in the 1960s and 1970s like the Situationists, Valie Export, Vito Aconci or Esther Ferrer, as well as more contemporaries like Isabelle Grosse, Valérie Jouve, Mark Lewis and Maïder Fortuné, who scrutinize the scenographies of the body and of its images

L'étude des caméras et des images a été un sujet prédominant depuis le début de la vision par ordinateur, l'un des principaux axes étant l'estimation de la pose et la reconstruction 3D. Le but de cette thèse est d'aborder et d'étudier certains problèmes et méthodes spécifiques du pipeline de la structure-from-motion afin d'améliorer la précision, de réaliser de vastes études pour comprendre les avantages et les inconvénients des modèles existants et de créer des outils mis à la disposition du public. Plus spécifiquement, nous concentrons notre attention sur les pairs stéréoscopiques et les triplets d'images et nous explorons certaines des méthodes et modèles capables de fournir une estimation de la pose et une reconstruction 3D de la scène.Tout d'abord, nous abordons la tâche d'estimation de la profondeur pour les pairs stéréoscopiques à l'aide de la correspondance de blocs. Cette approche suppose implicitement que tous les pixels du patch ont la même profondeur, ce qui produit l'artefact commun dénommé "foreground-fattening effect". Afin de trouver un support plus approprié, Yoon et Kweon ont introduit l'utilisation de poids basés sur la similarité des couleurs et la distance spatiale, analogues à ceux utilisés dans le filtre bilatéral. Nous présentons la théorie de cette méthode et l'implémentation que nous avons développée avec quelques améliorations. Nous discutons de quelques variantes de la méthode et analysons ses paramètres et ses performances.Deuxièmement, nous considérons l'ajout d'une troisième vue et étudions le tenseur trifocal, qui décrit les contraintes géométriques reliant les trois vues. Nous explorons les avantages offerts par cet opérateur dans la tâche d'estimation de pose d'un triplet de caméras par opposition au calcul des poses relatives paire par paire en utilisant la matrice fondamentale. De plus, nous présentons une étude et l’implémentation de plusieurs paramétrisations du tenseur. Nous montrons que l'amélioration initiale de la précision du tenseur trifocal n'est pas suffisante pour avoir un impact remarquable sur l'estimation de la pose après ajustement de faisceau et que l'utilisation de la matrice fondamentale avec des triplets d'image reste pertinente.Enfin, nous proposons d'utiliser un modèle de projection différent de celui de la caméra à sténopé pour l'estimation de la pose des caméras en perspective. Nous présentons une méthode basée sur la factorisation matricielle due à Tomasi et Kanade qui repose sur la projection orthographique. Cette méthode peut être utilisée dans des configurations où d'autres méthodes échouent, en particulier lorsque l'on utilise des caméras avec des objectifs à longue distance focale. La performance de notre implémentation de cette méthode est comparée à celle des méthodes basées sur la perspective, nous considérons que l'exactitude obtenue et la robustesse démontré en font un élément à considérer dans toute procédure de la SfM
The study of cameras and images has been a prominent subject since the beginning of computer vision, one of the main focus being the pose estimation and 3D reconstruction. The goal of this thesis is to tackle and study some specific problems and methods of the structure-from-motion pipeline in order to provide improvements in accuracy, broad studies to comprehend the advantages and disadvantages of the state-of-the-art models and useful implementations made available to the public. More specifically, we center our attention to stereo pairs and triplets of images and discuss some of the methods and models able to provide pose estimation and 3D reconstruction of the scene.First, we address the depth estimation task for stereo pairs using block-matching. This approach implicitly assumes that all pixels in the patch have the same depth producing the common artifact known as the ``foreground fattening effect''. In order to find a more appropriate support, Yoon and Kweon introduced the use of weights based on color similarity and spatial distance, analogous to those used in the bilateral filter. We present the theory of this method and the implementation we have developed with some improvements. We discuss some variants of the method and analyze its parameters and performance.Secondly, we consider the addition of a third view and study the trifocal tensor, which describes the geometric constraints linking the three views. We explore the advantages offered by this operator in the pose estimation task of a triplet of cameras as opposed to computing the relative poses pair by pair using the fundamental matrix. In addition, we present a study and implementation of several parameterizations of the tensor. We show that the initial improvement in accuracy of the trifocal tensor is not enough to have a remarkable impact on the pose estimation after bundle adjustment and that using the fundamental matrix with image triplets remains relevant.Finally, we propose using a different projection model than the pinhole camera for the pose estimation of perspective cameras. We present a method based on the matrix factorization due to Tomasi and Kanade that relies on the orthographic projection. This method can be used in configurations where other methods fail, in particular, when using cameras with long focal length lenses. The performance of our implementation of this method is compared to that given by the perspective-based methods, we consider that the accuracy achieved and its robustness make it worth considering in any SfM procedure

Thèse en cotutelle : Université Laval Québec, Canada et École nationale supérieure des télécommunications de Bretagne Brest, France
La nécessité et l’importance de représenter une scène en 3-D ont été illustrées par de nombreuses applications en télédétection, telles que la planification urbaine, la gestion des catastrophes, etc. Dans ces applications, les données issues du LiDAR et de l’imagerie optique aérienne et satellitaire ont été largement utilisées. Il existe une complémentarité entre les données issues du LiDAR aéroporté et de l’imagerie optique aérienne/satellite, qui motive la fusion de ces données permettant de représenter des scènes observées en 3-D avec une meilleure précision et complétude. Ces dernières années, l’extraction automatique de l’empreinte des bâtiments dans les scènes urbaines et résidentielles est devenue un sujet d’intérêt croissant dans le domaine de la représentation et de la reconstruction de scènes en 3-D. Avec l’augmentation de la disponibilité d’une quantité massive de données capturées par différents capteurs LiDAR et d’imagerie installés sur des plateformes aériennes et spatiales, de nouvelles opportunités se présentent pour effectuer cette tâche à grande échelle. Cependant, les méthodes de fusion existantes considèrent généralement soit des systèmes d’acquisition hybrides composés de LiDAR et de caméras optiques fixés rigidement, soit des jeux de données acquis à partir de la même plateforme à des dates identiques ou très proches, et ayant la même résolution spatiale. Elles n’ont pas été conçues pour traiter des jeux de données acquis avec des plateformes différentes, dans différentes configurations, à des moments différents, ayant des résolutions spatiales et des niveaux de détail différents. Un tel contexte est appelé contexte d’acquisition non-contraint. D’autre part, l’extraction automatique de l’empreinte des bâtiments à grande échelle est une tâche complexe. Des méthodes existantes ont obtenu des résultats relativement significatifs mais en définissant des formes a priori pour les bâtiments, en imposant des contraintes géométriques, ou en se limitant à des zones spécifiques. De telles hypothèses ne sont plus envisageables pour des jeux de données à grande échelle. Ce travail de recherche est consacré au développement d’une méthode versatile de recalage grossier puis fin de jeux de données collectés selon un contexte d’acquisition non-contraint. Il vise à surmonter les défis associés à ce contexte tels que le décalage spatial entre les jeux de données, la différence de résolution spatiale et de niveau de détail, etc. De plus, ce travail de recherche propose une méthode d’extraction efficace des empreintes des bâtiments, offrant un niveau de précision élevé tout en étant une méthode non-supervisée dédiée aux applications à grande échelle. La méthode proposée, appelée “Super-Resolution-based Snake Model” (SRSM), consiste en une adaptation des modèles de snakes—une technique classique de segmentation d’images—pour exploiter des images d’élévation LiDAR à haute résolution générées par un processus de super-résolution. Il se rapporte au contexte d’acquisition de données non-contraint, servant d’exemple d’application de premier ordre. Des résultats pertinents ont été obtenus lors des évaluations rigoureuses des méthodes proposées, à savoir un niveau de précision hautement souhaitable par rapport aux méthodes existantes. Mots-clés : LiDAR aéroporté, imagerie optique satellitaire et aérienne, recalage de données, information mutuelle, super-résolution, scènes urbaines, extraction de bâtiments, grande échelle.

À la fusion des arts dans les années soixante a succédé, durant les années soixante-dix, une volonté artistique de transgresser les interdits des schémas institutionnels au sein des disciplines. La remise en cause du processus créatif est provoquée par un déplacement de point de vue permettant d'insérer, dans des genres spécifiques, des notions inhérentes à. D'autres champs de création. Notre étude portant sur les arts plastiques et les arts de la scène, nous proposons d'éclaircir les composantes de cette voie alternative à partir de l'œuvre des six artistes qui la révèlent aujourd'hui explicitement: Jeff Wall, Cindy Sherman, Tony Oursler, Elizabeth LeCompte, Romeo Castellucci et Jan Fabre, Notre point de départ se situe dans les années soixante, en particulier dans l'art minimal qui a radicalement rejeté la doctrine formaliste pour un art autoréférentiel. Le tracé parallèle de l' œuvre des visionnaires du début du vingtième siècle rejoint notre intention de dépasser le discours restreint du postmodernisme afin de renouer avec les grandes questions de la modernité, Ayant conscience de la complexité des rapports et des risques inhérents à toute entreprise située dans des zones frontières, nous suggérons de faire de la convergence des genres, l'espace intermédiaire pour un nouvel horizon critique, digne de générer une redéfinition de la place de l'art dans la société.

Ce mémoire propose d'analyser trois séries photographiques que le photographe canadien William Notman consacre au thème de la chasse. Dans la deuxième moitié du XIXe siècle, Notman ouvre un studio de photographie à Montréal et connaît rapidement un franc succès. Chasseurs, guides et bêtes posent dans de multiples circonstances liées à cette activité. Les photographies de Notman ont cette particularité d'avoir été entièrement réalisées en studio. Tout y est mis en œuvre pour créer l'illusion de scènes se déroulant dans un cadre naturel, de manière à favoriser un mode de réception qualifié d'immersif, selon le terme de Jean-Marie Schaeffer. Une attention particulière sera accordée aux comptes rendus qu'Edward Wilson, un contemporain de Notman, réalise de ces séries photographiques. Ceux-ci permettent en effet de jeter les bases d'une analyse de la participation du spectateur à l'élaboration narrative des séquences photographiques à l'étude. Ce mémoire propose également d'examiner les stéréotypes et les mythes véhiculés par les représentations de Notman. Contemporaines de la Confédération, la circulation et la diffusion de ces images procèdent de l'élaboration d'un imaginaire national. Ce contexte historique est déterminant, puisque la jeune nation en instance de définition a recours à la production culturelle afin de promouvoir sa singularité à travers le monde. Par ailleurs, l'intérêt croissant pour les colonies encourage le développement du tourisme en Amérique de Nord. Or, l'attrait premier du Canada est la chasse et ses étendues sauvages. Ce mémoire propose en définitive une analyse des catégories identitaires mises en scène dans les œuvres de Notman (l'Autochtone, le Canadien anglais et le Canadien français) à travers une interrogation sur la symbolique du « wilderness ». ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : imaginaire, William Notman, photographie, chasse, fiction, XIXe siècle, Canada

Le présent projet doctoral se compose d'un volet théorique et d'un volet pratique. Au niveau théorique, nous abordons la notion de crise du sujet moderne - qui va de pair avec la représentation et la mise en espace du corps humain -, telle que théorisée par des auteurs français « poststructuralistes » comme Michel Foucault, Jacques Lacan et Jean-François Lyotard. Nous tentons de dresser un panorama propre à rendre compte, d'un point de vue historique, de la genèse du sujet moderne, de son déploiement à partir de la Renaissance et de son déclin dans le monde occidental « postmoderne », qui se caractérise notamment par le relâchement des liens symboliques. Nous inscrivons en outre cette histoire condensée du sujet dans le cadre d'une histoire de la peinture et nous la mettons en relation avec la naissance et l'émergence du médium photographique. Ainsi ce texte, à travers la présentation et l'analyse du concept moderne de subjectivité, tente-t-il de mettre en lumière ce que l'on pourrait appeler un « lien ontologique » qui unit des notions aussi diversifiées que le sujet moderne ou cartésien ; le rapport conflictuel que celui-ci entretient avec le corps et avec le phénomène de vision ; la mise en perspective d'un tel sujet dans l'art de la post-Renaissance ; le parachèvement du régime pictural moderne à travers la photographie ; et, enfin, la crise du sujet moderne, que nous situons dans le prolongement des réflexions développées sur la photographie, médium par excellence du morcèlement des corps et de la dissémination du sens. Au terme de ce parcours, nous essayons de voir comment ce bilan historique des idées et des concepts philosophiques s'articule dans notre travail artistique et en éclaire le fonctionnement. Sur le plan pratique, nous avons réalisé une série de neuf photographies mises en scène, intitulée La Résurrection, qui fut présentée dans le cadre d'une exposition au Centre OBORO de Montréal en septembre 2011. Avec ces images, nous avons cherché à combiner une certaine tension dramatique propre au médium photographique avec une figure extraite du panneau de la Résurrection du retable d'Issenheim (1512-16) de Matthias Grünewald afin de produire un dispositif de haute intensité propre à rendre compte de cette crise du sujet. Cette série se présente donc, d'entrée de jeu, comme une réflexion sur le statut ontologique de l'image photographique et sur les liens que la photographie entretient avec la peinture de la Renaissance. Cette réflexion se double d'une méditation sur notre incarnation dans le monde et notre rapport à la représentation en cette ère que d'aucuns voient comme celle de « la fin des grands récits ». Par l'entremise d'un dialogue inusité avec le tableau de Grünewald, cette série aborde les thèmes de l'érosion du sens et de l'aliénation par et dans l'image. La série explore par ailleurs les contraintes de la chair ainsi que la perte des repères et distinctions claires entre corps et décor, dedans et dehors, le corps et la prothèse, le soi et l'autre, le vivant et le spectral, l'autonomie et l'hétéronomie subjectives, toutes notions qui participent de cette crise du sujet moderne que nous abordons théoriquement. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Crise (sujet), Subjectivité (crise), Aliénation, Subjectivité moderne, Poststructuralisme, Postmodernité, Photographie, Jacques Lacan, Matthias Grünewald, Perspective (peinture)

Ce mémoire présente divers projets artistiques incorporant des documents d'archives. Les projets étudiés ont été réalisés dans le cadre de résidences d'artistes en milieux documentaires ou en réponse à des invitations lancées par des musées, des galeries ou d'autres institutions. De plus, quelques projets initiés par les artistes eux-mêmes et des projets d'artiste-commissaire sont étudiés. Les résultats de recherche ont permis de montrer que les artistes peuvent apporter une contribution essentielle en collaborant à la mise en valeur du patrimoine culturel avec les archivistes.

Le terme « influenceur » émerge dans les années 90 pour qualifier l’action de certains blogueurs. L’influenceur est, en fait, un médiateur entre une marque et ses consommateurs. Proche des consommateurs, puisqu’il en est un, l’influenceur s’avère souvent beaucoup plus persuasif qu’une simple campagne publicitaire. Le pouvoir de l’influence ne date pas d’hier. Au 13e siècle, on utilisait déjà le mot influencia en latin pour évoquer l’action des astres sur la destinée humaine. Des étoiles à l’influenceur moderne, le pouvoir de l’influence sur une population donnée a toujours fasciné notre curiosité. Sur les réseaux sociaux numériques, le terme « influenceur » est généralement utilisé pour décrire une personne ayant un grand nombre d’abonnés. Les recherches concernant ces « vedettes » du web sont peu cependant nombreuses dans la mesure où il s’agit d’un phénomène plutôt récent. Cette présente recherche s’intéresse plus particulièrement au rôle de la photographie dans la mise en scène de l’influenceuse Camille Dg sur la plateforme numérique à succès Instagram. Nous avons misé sur l’expérience personnelle de celle-ci en adoptant une méthodologie qui repose sur une ethnographie en ligne, de l’observation participante et des entrevues individuelles semi-dirigées. Cette recherche nous a permis de constater que la photographie joue un rôle important dans le divertissement d’une communauté, le pouvoir de faire passer un message, l’acquisition de partenaire d’affaires et l’entretien des relations. Ainsi, ce mémoire contribue à la littérature entourant le processus de mise en scène de soi sur les réseaux sociaux numériques.
The term "influencer" emerged in the 1990s to describe certain bloggers’ actions. The influencer is, in fact, a mediator between a brand and its consumers. Close to consumers, since s/he is one, the influencer often proves to be much more persuasive than a simple advertising campaign. The power of influence is not new. In the 13th century, the Latin word “influencia” was already used to evoke the action of the stars on human destiny. From stars to modern-day influencers, the power of influence over a given population has always fascinated our curiosity. On digital social networks, the term "influencer" is generally used to describe a person with a large number of subscribers. However, there has been little research on these web "stars" as they are a relatively recent phenomenon. This research focuses on the role of photography in the staging of the influencer Camille Dg on the successful digital platform Instagram. We have built on her personal experience by adopting a methodology based on online ethnography, participant observation and semi- directed individual interviews. This research has shown us that photography plays an important role in maintaining a community, getting a message across, acquiring business partners and maintaining relationships. As such, this dissertation contributes to the literature surrounding the process of “mise en scène” on digital social networks.

Ce mémoire de maîtrise a pour objectif de montrer la construction de la représentation visuelle de « l’indigène » de la région de Cuzco et sa relation avec le discours de « l’authenticité » tel que défini par l’indigénisme, l’anthropologie et le tourisme. Il s’intéresse au rôle que jouent les médias visuels et audiovisuels dans la création d’une image de l’indigène perçu comme « authentique » et d’un discours commun sur les Andes. Les documents visuels étudiés, tous produits par des Péruviens, sont une sélection de photographies prises par Martin Chambi entre 1920-1945, le film Kukuli (1961) coréalisé par les Cuzquéniens Luis Figueroa, Eulogio Nishiyama et César Villanueva et la publicité touristique de PromPerú, intitulée «Perú: Vive la leyenda» («Pérou : Vis la légende») (2008). Cette analyse fait ressortir la représentation folklorique et anthropologique de l’indigène telle que suggérée par ces documents, qui l’associent principalement avec les origines, la tradition et le passé précolombien. Elle démontre aussi comment les images constituent une alternative à la stratégie représentationnelle proposée par l’indigénisme lettré et offrent un autre regard sur la réalité. Ainsi, les images technologiques montrent des détails qui ne concordent pas avec les stéréotypes culturels et révèlent un monde d’identités plus nuancées. D’autre part, elles créent aussi un espace de collaboration –entre le photographe/cinéaste et leurs modèles– qui permet aux acteurs sociaux marginalisés de participer à leur propre représentation. Enfin, notre recherche établit le lien entre cette image de l’indigène andin et la promotion touristique du Pérou.
This thesis aims to show the construction of the visual representation of "indigenous people" of the Cuzco region and its relation to the discourse of "authenticity" as defined by indigenismo, anthropology and tourism. We are interested in the role of visual and audiovisual media in creating an image of indigenous person perceived as "authentic" and a shared discourse about the Andes. The visual documents we are studying, all produced by Peruvians, include: a selection of photographs taken between 1920-1945 by Martin Chambi, the movie Kukuli (1961) co-directed by cuzqueños Luis Figueroa, Eulogio Nishiyama and César Villanueva and the tourism advertising by PromPerú entitled "Peru: Live the Legend" (2008). Our analysis highlights the documents’ mainly folkloric and anthropological representation of “indigenous people”, who are associated with origins, tradition and the pre-Columbian past. Our study also examines how the same images are an alternative to the representational strategy of lettered indigenismo, offering another view of reality. Technological images 1) show details not consistent with cultural stereotypes and reveal a more modulated world of identities; 2) create a space for collaboration –between photographer/filmmaker and models– that allows marginalized social actors to participate in their own representation. Finally, we establish the link between this image of Andean Indians and the tourism promotion of Peru.
Esta memoria tiene como objetivo mostrar la construcción de la representación visual del “indígena” de la región de Cuzco y su relación con el discurso de la “autenticidad” definido por el indigenismo, la antropología y el turismo. Nos interesamos en el papel de los medios visuales y audiovisuales en la creación de una imagen del indígena percibido como “auténtico” y de un discurso compartido sobre los Andes. Los documentos visuales que estudiamos fueron producidos por peruanos y son los siguientes: una selección de fotografías de Martín Chambi tomadas entre 1920-1945, la película Kukuli (1961) co-realizada por los cuzqueños Luis Figueroa, Eulogio Nishiyama y César Villanueva y la publicidad turística de PromPerú, titulada “Perú: Vive la leyenda” (2008). Por un lado, este análisis destaca la representación mayormente folclórica y antropológica que estos documentos realizan del indígena, asociándolo con los orígenes, la tradición y el pasado precolombino. Por otro lado, este estudio demuestra cómo las imágenes constituyen una alternativa a la estrategia representativa del indigenismo letrado y ofrecen otra mirada sobre la realidad. Las imágenes tecnológicas 1) muestran detalles que no concuerdan con los estereotipos culturales y revelan un mundo de identidades más moduladas; 2) crean un espacio de colaboración –entre fotógrafo/cineasta y modelos– que permite a los actores sociales marginados participar en su propia representación. Por último, establecemos el vínculo entre esta imagen del indígena y la promoción turística de Perú.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal
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