Dissertations / Theses: 'Scénarios critiques'

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Gatti, Filippo. "Analyse physics-based de scénarios sismiques «de la faille au site» : prédiction de mouvement sismique fort pour l’étude de vulnérabilité sismique de structures critiques." Thesis, Université Paris-Saclay (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017SACLC051/document.

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Abstract:

L’ambition de ce travail est la prédiction du champ d’onde incident réalistique, induit par des mouvement forts de sol, aux sites d’importance stratégique, comme des centrales nucléaires. À cette fin, un plateforme multi-outil est développé et exploité pour simuler les aspects différents d’un phénomène complexe et multi-échelle comme un tremblement de terre. Ce cadre computationnel fait face à la nature diversifiée d’un tremblement de terre par approche holistique local-régionale.Un cas d’étude complexe est choisie: le tremblement de terre MW6.6 Niigata-Ken Ch¯uetsu-Oki, qui a endommagé la centrale nucléaire de Kashiwazaki-Kariwa. Les effets de site non-linéaires observés sont à premier examinés et caractérisés. Dans la suite, le modèle 3D «de la faille au site» est construit et employé pour prédire le mouvement sismique dans une bande de fréquence de 0-7 Hz. L’effet de la structure géologique pliée au-dessous du site est quantifié en simulant deux chocs d’intensité modérée et en évaluant la variabilité spatiale des spectres de réponse aux différents endroits dans le site nucléaire. Le résultat numérique souligne le besoin d’une description plus détaillée du champ d’onde incident utilisé comme paramètre d’entrée dans la conception structurel antisismique de réacteurs nucléaires et des installations. Finalement, la bande de fréquences des signaux synthétiques obtenues comme résultat des simulations numériques est agrandie en exploitant la prédiction stochastique des ordonnées spectrales à courte période fournies par des Réseaux Artificiels de Neurones
The ambition of this work is the prediction of a synthetic yet realistic broad-band incident wave-field, induced by strong ground motion earthquakes at sites of strategic importance, such as nuclear power plants. To this end, an multi-tool platform is developed and exploited to simulate the different aspects of the complex and multi-scale phenomenon an earthquake embodies. This multi-scale computational framework copes with the manifold nature of an earthquake by a holistic local-to-regional approach. A complex case study is chosen to this end: is the MW6.6 Niigata-Ken Ch¯uetsu-Oki earthquake, which damaged the Kashiwazaki-Kariwa nuclear power plant. The observed non-linear site-effects are at first investigated and characterized. In the following, the 3D source-to-site model is constructed and employed to provide reliable input ground motion, for a frequency band of 0-7 Hz. The effect of the folded geological structure underneath the site is quantified by simulating two aftershocks of moderate intensity and by estimating the spatial variability of the response spectra at different locations within the nuclear site. The numerical outcome stresses the need for a more detailed description of the incident wave-field used as input parameter in the antiseismic structural design of nuclear reactors and facilities. Finally, the frequency band of the time-histories obtained as outcome of the numerical simulations is enlarged by exploiting the stochastic prediction of short-period response ordinates provided by Artificial Neural Networks

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Aurouet, Carole. "Les scénarios détournés de Jacques Prévert." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030101.

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Abstract:

Outre quelques grands films connus et reconnus tels par exemple "Le crime de M. Lange", "Le quai des brumes", "Remorques", "Les enfants du paradis" ou encore "Les portes de la nuit", la filmographie de Jacques Prévert comporte également bon nombre de "scénarios détournés", c'est-à-dire de scénarios restés sur le papier ou modifiés par d'autres et qu'il n'a pas signés, donnant lieu à des films plus ou moins éloignés de la partition d'origine. .
In addition to a few well known and highly regarded great movies, suh as "Le crime de M. Lange" (The crime of Monsieur Lange), "Le quai des brumes" (Port of shadows), "Remorques" (Stormy waters), "Les enfants du paradis" (Children of paradise) and "Les portes de la nuit" (Gates of nignt), the filmography of Jacques Prévert includes a large number of "diverted scripts", i. E. Scripts which remained on the printed page or were modified by others, leading to films more or less different from the original material (so that Prévert eventually refused to see his name appear in the credits). .

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Koné, Tchoya Florence. "Contribution à la démonstration de la sécurité du véhicule autonome, basée sur une stratégie de génération de scénarios, modélisée par niveaux d’abstraction et orientée par la sensibilité du VA, pour une validation par simulation." Electronic Thesis or Diss., Université de Lorraine, 2021. http://www.theses.fr/2021LORR0182.

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Abstract:

Cette thèse CIFRE, réalisé au sein de Stellantis, fournit une stratégie de génération de scénarios, modélisée par niveaux d’abstraction et orientée par la sensibilité du VA, pour une validation par simulation. Ce travail s’inscrit dans le périmètre du standard ISO PAS 21448 /SOTIF (Safety Of The Intended Functionality). Pour ce faire, la démarche suivie s’articule autour de cinq contributions : (1) Une analyse de l’architecture fonctionnelle du VA et la mise en évidence des challenges liés à la validation de sa sécurité : aspects normatifs, chaines de simulation, la présence d’incertitude dans l’environnement opérationnel du VA. (2) La proposition d’un cadre conceptuel (modèle de connaissance) sur lequel s’appuiera la méthodologie de génération des scénarios qui sera proposée par la suite. (3) Une synthèse sur les indicateurs manipulés dans la littérature, ainsi que ceux, que nous retiendrons dans notre stratégie de génération finale dont notamment l’indicateur de sensibilité. Elle donne également une structure du système de génération des scénarios et de validation par simulation de la sécurité du VA, ainsi que la manière dont les indicateurs seront exploités dans cette structure. (4) La proposition d’une heuristique de génération des scénarios et l’estimation de l’indicateur de risque associé au VA. Cette quatrième contribution, s’appuie sur les éléments développés dans les contributions précédentes : le modèle conceptuel proposé (contribution 2), la structure du système de génération et de validation ainsi que les indicateurs associés (contribution 3). (5) Enfin, la dernière contribution est une implémentation des propositions précédentes via un cas d’étude.Mots clés : Véhicule Autonome (VA), SOTIF (Safety Of The Intended Functionality), Limitation de performances fonctionnelles, Insuffisances fonctionnelles, Scénarios critiques, Métrique de sensibilité, Stratégie de génération de scénarios, Validation par simulation
This CIFRE thesis, carried out within Stellantis, provides a scenario generation strategy, modelled by levels of abstraction and oriented by the sensitivity of the AV, for a simulation-based validation process. This work is within the scope of the ISO PAS 21448 /SOTIF (Safety Of The Intended Functionality) standard.To do this, the approach followed is based on five contributions: (1) An analysis of the functional architecture of the AV and the highlighting of the challenges related to its safety validation: normative aspects, simulation chains, the presence of uncertainty in the operational environment of the AV. (2) The proposal of a conceptual framework (knowledge model) on which the scenario generation methodology to be proposed later will be based. (3) A summary of the indicators used in the literature, as well as those that we will use in our final generation strategy, including the sensitivity indicator. It also gives a structure of the system of scenario generation and simulation based validation of the safety of the AV, as well as the way in which the indicators will be exploited in this structure. (4) The proposal of a scenario generation heuristic and the estimation of the risk indicator associated with the AV. This fourth contribution is based on the elements developed in the previous contributions: the proposed conceptual model (contribution 2), the structure of the generation and validation system and the associated indicators (contribution 3). (5) Finally, the last contribution is an implementation of the previous proposals via a case study.Keywords: Autonomous Vehicle (AV), Safety Of The Intended Functionality (SOTIF), Functional performance limitation, Functional insufficiencies, Critical scenarios, Sensitivity metric, Scenarios generation strategy, Simulation-based Validation process

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Gerber, Adam. "Planification par scénarios, une étude critique à la découverte de facteurs endogènes oubliés." Paris, CNAM, 2008. http://www.theses.fr/2008CNAM0644.

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Abstract:

La planification par scénarios "Scenario Planning" est une méthodologie collaborative qui se rattache au domaine des sciences décisionnelles. Son but est d'assister les décideurs en présentant des réalités futures possibles sous forme narrative en faisant appel au raisonnement à la fois déductif et inductif, et elle est parmi les tentatives les plus audacieuses pour concilier ces deux modes de pensée. Néammoins, il y a un tropisme marqué dans la planification par scénarios pour les facteurs endogènes aux dépens de facteurs endogènes. Ces facteurs endogènes comprennent : forces, faiblesses, compétence de coeur, et connaissance de l'organisation elle-même. Un des buts de cette thèse est de démontrer que les méthodologies actuelles de planification par scénarios sous-estiment la valeur des facteurs endogènes en évaluant un échanitllon de démarches. D'ailleurs cette thèse va examiner la chronologie de planification par scénarios, déconstruire les influences idéologiques et finalement identifier les champs prometteurs de la recherche afin de remédier ce manque de facteurs endogènes en faisant appel aux applications possibles de la psychologie analytique
Scenario Planning is a collaborative methodology situated in the domain of decision science whose aim is to assist decision-makers by modeling possible future realities in narraive form, and it is among the boldest attemps to reconcile both deductive and inductive reasoning. There is a strong preference in Scenario Planning for exogenous factors at the expense of endogenous ones. These endogenous factors include strengths, weaknee, core competencies, and knowledge about the organization itself. One of the goals of this thesis is to demonstrate this lack of endogenous focus by evaluating a representative set of contemporary Scenario Planning approaches. In addition, this thesis will examine the chronology of Scenario Planning, deconstruct various ideological influences on Scenario Planning, and finally identify promising areas for future research in order to remediate the lack of endogenous focus in Scenario Planning with a particular focus on the possible applications of anlytical/depth psychology

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Guimond, Guylain. ""Marin & Fils" (scénario) : Suivi de "Le concept de gag et son utilisation dans le scénario comique" (Essai)." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26642.

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Abstract:

Les deux parties de ce mémoire, bien qu’ayant des objectifs différents, ont tout de même un point central commun, le gag. Marin & fils est une comédie qui vise à raconter une histoire, la plus intéressante possible, tout en faisant rire. C’est pourquoi le scénario comporte plusieurs gags. L’essai, pour sa part, a pour but de définir le concept de gag et de mesurer son utilisation dans le scénario comique. Le scénario de Marin & fils peut se résumer comme suit : un jeune diplômé universitaire rêvant de mettre à profit ses connaissances pour restructurer le commerce en déclin de son père, mais déçu par le refus de ce dernier, accepte l’offre d’association que lui présente un concurrent. S’ensuit une véritable guerre ouverte entre le père et le fils dont le point culminant sera un concours pour déterminer le meilleur constructeur de chalutier. L’essai, quant à lui, se présente en deux sections. La première vise à bien identifier le gag comme phénomène distinct dans le discours filmique et à en examiner les modèles et les mécanismes à l’époque du cinéma muet. La deuxième a pour objectif de vérifier, à l’aide de plusieurs exemples et grâce aux mécanismes analysés dans la première partie, si le gag est encore présent aujourd’hui et si sa conception est toujours la même.

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Cherifi, Laakri. "L' écriture audiovisuelle dans le cinéma féminin au Maghreb : scénario original et scénario adapté." Paris 13, 2012. http://scbd-sto.univ-paris13.fr/secure/ederasme_th_2012_cherifi.pdf.

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Abstract:

Le sujet de ma thèse est inédit dans la mesure où il traite de la représentation de la femme dans le cinéma maghrébin féminin. Les réalisatrices du Maghreb, simples monteuses ou scénaristes avant et juste après l'indépendance de leur pays, ont dû opiniâtrement lutter avant d'accéder au plateau de la réalisation, réservé jusque dans les années 60 et 70 aux hommes. Il convient de resituer cette conquête de l’écran par les femmes dans le cadre de l’évolution générale du statut d’auteur(e). Depuis les années 40, le Maghreb a vu participer les femmes aux grands courants littéraires et cinématographiques qui ont marqué son histoire. D’abord ce furent des femmes écrivains qui se sont fait remarquer. La décolonisation venue, certaines femmes vont passer de l'écrit à l'écran, tout en restant fidèles au grand thème qui les préoccupe, le destin de la femme maghrébine. Elles ont choisi de passer à la réalisation parce qu'elle est la plus apte aujourd'hui à exprimer, à travers l’attraction exercée par les moyens audiovisuels et par le langage du cinéma, la situation déplorable des femmes arabo-musulmanes issue de la nuit des temps. Les films sélectionnés pour composer notre corpus montrent une société maghrébine quasi archaïque, cloîtrée dans la rigidité du code identitaire arabo-islamique et enfermée dans le cercle des valeurs traditionnelles immuables. Les héroïnes de ces films, au statut social dégradé, souffrent pour la plupart de servitude, d'encagement et de douleur, murées dans le silence du quotidien. La majorité des films réalisés par les réalisatrices du Maghreb sont inspirés par la révolte. Tout en rendant hommage à la grandeur de ces femmes humiliées, ils révèlent leur place infériorisée dans la société arabo-musulmane et dénoncent leur soumission à l'autorité masculine. C'est aussi une peinture du désir, de la frustration et de la sexualité féminine. Ces films subtils, reflétant la pérennité des sociétés patriarcales, la survivance de moeurs et de coutumes barbares, sont malgré tout d'une grande sensualité. En tout cas ils constituent une formidable plaidoirie en faveur de la libération de la femme arabo-musulmane. Les films traités dans ma thèse sont les suivants : Les Silences du palais et Satin rouge (Tunisie), La Nouba des femmes du Mont Chenoua et Rachida (Algérie), Une porte sur le ciel et Les Yeux secs (Maroc) et L'Enfant endormi et Inch'Allah dimanche (immigration)
My essay’s topic is new in the way that it deals with women’s representation in North African feminine cinema. Today’s North African women directors were mere editors or script writers before and right after the independence of their countries and they had to fight to reach the status of directors, the latter being monopolized by men until the 1960’s-70’s. First, we need to resituate this women’s screen conquest into the general evolution of author’s status. Since the 1940’s, North Africa has witnessed women’s participation to the important literary and cinematographic trends that made their mark. Women writers got to be noticed first. After the decolonization, some of them switched from writing to directing while remaining faithful to the topic they were interested in: the fate of North African women. They started directing because cinema is today’s best way to convey, through its language and audiovisual devices, the deplorable position of arabo muslim women since the mists of time. Our corpus is made up of selected films showing a quasi-archaic North African society enclosed within a rigid arabo islamic identatary code and locked up inside the circle of fixed traditional values. The different heroines of theses films have a lowered social status, most of them suffering from servitude, caging and sorrow, and shutting themselves away in their daily silence. The majority of films directed by North African women are inspired by revolt. As they pay a tribute to the grandeur of these humiliated women, the films reveal their lowered position in the arabo Islamic society and denounce their submission to male autoritary. It is also a depiction of desire, frustration and feminine sexuality. Although these subtle films are the reflect of perennial patriarchal societies and the survival of barbarian manners and customs, they still are fully sensual. In any case, they constitute a wonderful plea for arabo muslim women’s emancipation. The films I chose to deal with are: Les Silences du palais and Satin rouge (Tunisia), La Nouba des femmes du Mont Chenoua and Rachida (Algeria), Une Porte sur le ciel and Les Yeux secs (Marocco) and L’Enfant endormi and Inch’Allah dimanche (immigration)

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Topia, André. "Modèles et écarts : scénarios d'écriture de Dubliners à Ulysses." Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA080917.

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Abstract:

Ce travail analyse les strategies d'ecriture dans trois oeuvres de james joyce, dubliners, a portrait of the artist as a young man et ulysses, et cela a partir des trois notions de scenario, modele et ecart. Le scenario est ce qui fait de l'ecriture une programmation aleatoire jouant sur les ecarts possibles a partir d'un modele. Dubliners offre des recits programmatiques dans lesquels le deroulement semble obeir a une matrice virtuelle. Nous y examinons successivement la question des cycles perturbes ("the sisters"), de la mediation devoyee (du fantasme comme brouillage optique ("araby"), de la figure de la boucle ("eveline"), du mimodrame emblematique ("two gallants"), du temps programmatique ("the boarding house"), de la copie comme subversion ("counterparts"), du texte gauchi ("clay"), du cliche comme scenario ("a painful case") et du moi comme frontiere ("the dead"). Le portrait montre d'une part un modele liturgique fonde sur des rites d'incarnation, d'autre part un modele dialogique fonde sur une dynamique de l'echange verbal et gestuel. Dans ulysses, les distorsions s'amplifient : conductivite et circulation dans "calypso" ; brouillage du corps par la fluidite musicale dans "sirens" ; montage entre la repetition de la voix et la reproduction du stereotype dans "cyclops" ; decalage entre le texte trompe-l'oeil de gerty et les ecarts du laboratoire bloomien dans "nausicaa" ; fabrication dans "circe" d'un texte gigogne fantasmatique ; subversion du questionnement catechistique par la clarification scolastique dans "ithaca". Nous concluons que dans ulysses la boucle bloomienne est une dialectique de l'ecart
This thesis analyses the writing strategies in three works by james joyce : dubliners, a portrait of the artist as a young man and ulysses, and this according to the notions of scenario, model and deviation. In a scenario, writing becomes a variable programming displaying possible deviations from a model. Dubliners offers programmatic narratives whose unfolding seems to conform to a virtual matrix. We examine successively the question of perturbed cyctes ("the sisters"), of perverted mediation ("an encounter"), of the figure of the loop ("eveline"), of emblematic mimodrama ("two gallants"), of programmatic time ("the boarding house"), of copy as subversion ("counterparts"), of writing as a warping process ("clay"), of cliche as scenario ("a painful case") and of the ego as frontier ("the dead"). The portrait shows both a liturgical model based on rites of incarnation and a dialogical model based on a dynamic exchange of words and gestures. In ulysses the gaps widen : conductivity and circulation in "calypso" ; blurring of the bodily functions by the fluidity of music in "sirens" ; montage of vocal repetition and stereotyped reproduction in "cyclops" ; contrast between gerty's trompel'oeil text and the experiments in the bloomian laboratory ; constitution in "circe" of a fantasmic texte gigogne ; subversion of catechistic questioning by scholastic clarificatio in "ithaca". We conclude that in ulysses the bloomian figure of the loop involves a dialectic of deviation

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Belaubre, Yves. "Le scénario dans l'intention du film." Thesis, Toulouse 2, 2014. http://www.theses.fr/2014TOU20074.

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Abstract:

Depuis une vingtaine d’années, le scénario américain s’est imposé comme modèle du scénario de fiction auprès des acteurs de la production de cinéma et de télévision pour sa performance et sa rationalité narratives. Conçu pour assurer au film de fiction le maximum de chance de succès, il subordonne la création audiovisuelle à un dispositif narratif assurant l’identification du spectateur et sa satisfaction émotionnelle. Or, eu égard à une ambition artistique du cinéma, sa légitimité est problématique. La présente recherche développe une alternative à la formalisation narrative du film à travers un mode de scénarisation qui subordonne la narration au discours filmique. L’identification au personnage y compte moins que l’expression d’une vision-audition du monde
Since about twenty years, the American screenplay stood out as model of the script of fiction into cinema and TV production for its narrative performance and its rationality. Designed to insure public success to fiction movies, it subordinates the audiovisual creation to the narrative device, insuring identification of the spectator and its emotional satisfaction. But, in consideration of the artistic ambition of the cinema, its legitimacy is problematic. The present research develops an alternative in the narrative formalization of the movie through a mode of « scénarisation » which subordinates the story to the cinematic discourse. The identification of spectator to the character matters there less than the expression of a vision-hearing of the world

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Amâncios, Santos Maria Angelica. "Scénarios littéraires : genres et médias chez Alain Robbe-Grillet et Marguerite Duras." Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCC073.

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Abstract:

Cette thèse analyse la relation entre la littérature et le cinéma, en particulier le scénario de cinéma, auquel nous tenterons d'accorder une plus grande visibilité au sein de la Littérature Comparée. Il s'agit de démontrer que le scénario est un genre naturellement intermédiatique, étant donné l'évocation, par le texte verbal, du média cinématographique. Il s'agit également d'examiner les expériences d'hybridation et de transgression, notamment dans le mélange entre roman et scénario, en s'appuyant sur l'étude de l'intergénéricité, ce qui devra permettre d'attribuer aux "scénarios littéraires" le statut de genre littéraire. Pour cela, nous étudions l'expérience de l'écriture et de publication de scénarios réalisée par les écrivains-cinéastes Marguerite Duras et Alain Robbe-Grillet à partir de la seconde moitié des années 1950. L'analyse des oeuvres de ces auteurs nous permet aussi de mettre en évidence les références à d 'autres médias tels que la musique et le théâtre et d 'approfondir la réflexion sur le rôle du script dans le dialogue entre la littérature et les arts. Pour soutenir notre recherche nous utilisons plusieurs théories comme celles de Dominique Combe, sur les genres littéraires, Irina Rajewsky, sur l'intermédialité, Alain et Odette Virmaux, sur le ciné-roman. Cette thèse contient, en annexe, un résumé étendu, de 60 pages, rédigé en français
This thesis analyzes the text which provides the basis for most cinematic works: the screenplay. My aim is to increase the visibility of this genre in the field of Comparative Literature given the relative lack of attention it has received in literary and film studies. I intend to demonstrate that the script is naturally an intermedial genre, because it promotes numerous "intermedial references" when it uses the filmic language, which anticipates, in the reader's mind, images that he will experience as a spectator - when the movie is screened. Additionally, I intend to examine the possibilities of exchange between the script and various literary forms, such as the poem and the novel, in a dialogue that is not only intermedial but also intergeneric. In order to achieve this aim, I shall focus on the hybridization experiments, particularly of novel and screenplay, made from 1959 to 2002 by the writers and filmmakers Alain Robbe-Grillet and Marguerite Duras. Such works should be highlighted in this study because they present, besides some intergeneric peculiarities, a remarkable diversity in their intermedial references that go beyond the film and also evoke ostensibly the fields of theater, music, and painting. To support our research, we use several theories, such as the ones by Dominique Combe, about literary genres, Irina Rajewsky, on Intermedial Studies, Alain et Odette Virmaux, about the cine-novel

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Beaulieu, Renée. "Le poids des autres, suivi de La cohérence des personnages dans les scénarios de films." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2000. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk1/tape3/PQDD_0019/MQ53922.pdf.

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Başol, Öktem. "Jean-Loup Dabadie : un auteur à part entière ?" Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010501.

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Abstract:

Notre thèse de doctorat intitulée " Jean-Loup Dabadie, un auteur à part entière ? " se propose en trois parties dans le but de trouver un point commun entre les différents scénarios de l'auteur. Une partie biographique, une autre concernant son fonctionnement dans le travail scénaristique et une troisième consacrée au contenu de ses scénarios et â son style, constituent les différents axes de notre travail. Notre objectif est de prouver que Dabadie peut être considéré, tel un metteur en scène, un auteur à travers ses scénarios. Nous nous rendons mieux compte de son apport, lorsque ses réalisateurs fétiches se mettent à travailler sans lui. Des dialogues propres à lui, un style télégraphique avec des mots tranchés ou avec de la gestuelle, des scènes de groupe bien orchestrées, une écriture littéraire, une recherche méticuleuse avant de passer à l'écriture, un travail commun avec son metteur en scène et bien d'autres aspects du scénariste constituent non seulement une oeuvre cohérente mais aussi une personnalité à étudier plus attentivement

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St-Gelais, Marie-Eve. "L’homme qui murmurait à l’oreille des morts (scénario) : Suivi de 81 ans plus tard : la figure du zombie, renouvelée ? (réflexion critique)." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30077/30077.pdf.

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Abstract:

Le présent mémoire se subdivise en deux parties. La première, intitulée L’homme qui murmurait à l’oreille des morts, consiste en un scénario original d’un long-métrage de fiction d’une durée approximative de 90 minutes. Avant d’aborder le scénario à proprement parler, une présentation du projet, du sujet, des principaux personnages et du traitement cinématographique envisagé sont présentés. Par la suite, vous pourrez lire le scénario dans son intégralité. Il s’agit de l’histoire d’un musicien et père de famille (Léo Major) qui, le jour de son anniversaire, doit composer avec le décès accidentel de sa femme et de sa jeune fille. Le cadeau que lui avaient acheté les défuntes lui est rendu et bouleverse son existence, car l’objet en question, un saxophone, possède l’étrange pouvoir de réveiller les morts. La seconde partie du mémoire porte sur la figure du zombie au cinéma, de ses origines à nos jours. Elle consiste à démontrer toute la richesse et la complexité de ce type de personnage très présent sur nos écrans et elle cherche à voir si le zombie d’autrefois est le même que celui d’aujourd’hui ou s’il a évolué en une entité différente. De plus, cette partie réflexive est l’occasion de situer ma propre création par rapport à l’évolution de la figure du zombie au cinéma.

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Rojas, Amador Paula. "Les médias numériques dès une écriture intermédiale : suivi de Le monde n'arrête pas, scénario dramaturgique." Doctoral thesis, Université Laval, 2018. http://hdl.handle.net/20.500.11794/34123.

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Abstract:

Notre recherche-création porte sur la problématique que représente l’adaptation d’un texte narratif au théâtre lorsqu’il s’agit d’y incorporer les possibilités offertes par les médias numériques, et d’adopter la forme d’écriture élargie qui en découle. Pour ce processus d’adaptation qui s’éloigne de la façon de procéder traditionnelle, nous optons pour une approche intermédiale. Nous nous penchons plus particulièrement sur le théâtre hypermédia, ce qui nous permet de nous interroger sur les connexions qui surviennent entre les écritures visuelles, sonores, spatiales et textuelles, ainsi que sur leurs dynamiques de coprésence dans la scène théâtrale. Une partie essentielle de la méthodologie de cette recherche-création repose sur l’élaboration d’une série de laboratoires de recherche scénique dans lesquels ont été créés des dispositifs vidéographiques, sonores et spatiaux. Ces dispositifs ont été intégrés dans la création dramaturgique, présentée sous la forme d’une écriture intermédiale. Les chapitres 1 et 2 touchent le cadre conceptuel. Dans le premier chapitre, nous présentons les concepts d’intermédialité, de théâtre comme hypermédia, d’écriture intermédiale ainsi que d’autres notions qui nous permettent de discuter l’adaptation et sa relation avec les médias. Dans le deuxième chapitre, nous étudions la vidéo, le son, l’espace et le texte en relation avec les médias numériques. De plus, nous réfléchissons à la composition dramaturgique de chacun de ces éléments expressifs et aux points de repère qui peuvent contribuer à concevoir la dramaturgie. Les chapitres 3 et 4 discutent le volet pratique et la création. Dans le troisième chapitre, nous décrivons les dispositifs scéniques créés dans les quatre laboratoires de recherche scénique et les processus de création. Nous en faisons une analyse intermédiale. Nous présentons également un modèle de protocole de recherche en création qui a émergé de ces expériences pratiques réalisées au Laboratoire des Nouvelles Technologies de l'Image, du Son et de la Scène (LANTISS). Enfin, dans le quatrième chapitre, nous présentons l’œuvre dramaturgique intitulée Le monde n’arrête pas et son processus de création.
Our research-creation addresses the problematic of adapting a narrative text to the theater when it comes to incorporating the possibilities offered by the digital media, and adopting the expanded text that follows. For this adaptation process, which is moving away from the traditional process, we opt for an intermedial approach. We focus more particularly on the hypermedia theater, which allows us to question the connections that occur between the visual, sonic, spatial and textual writings, as well as on their dynamics of co-presence in the theater scene. An essential part of the methodology of this research-creation rests on the development of a series of scenic research laboratories in which videographic, sound and spatial devices have been created. These devices have been integrated into the dramaturgical creation presented in the form of an intermedial script. Chapters 1 and 2 touch on the conceptual framework. In the first chapter, we present the concepts of intermediality, theater as hypermedia, intermedial writing and other concepts that allow us to discuss adaptation and its relationship with the media. In the second chapter, we study video, sound, space and text in relation to digital media. In addition, we reflect on the dramaturgical composition of each of these expressive elements and the points of reference that can contribute to the conception of dramaturgy. Chapters 3 and 4 discuss the practical and creative aspects. In the third chapter, we describe scenic devices in the four scenic research laboratories and creative processes. We make an intermedial analysis. We also discuss the working protocol that emerged from these practical experiences in the Laboratory of New Technologies of Image, Sound and Scene (LANTISS). Finally, in the fourth chapter, we present the dramaturgical work entitled “The World Does Not Stop” and its process of creation.

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Terrisse, Bénédicte. "Figures et fictions de l'auteur, scénarios de la vocation poétique dans l'œuvre de Wolfgang Hilbig." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040266.

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Abstract:

La prose et la poésie de Wolfgang Hilbig mobilisent un grand nombre de topoï, clichés et scénarios de l’existence poétique et de lavocation artistique, qui revêtent à la fois une fonction légitimante et critique. Ils répondent à l’improbable vocation de cet autodidacte est-allemand d’origine prolétaire. Les figures de poètes ou d’écrivains sont les supports d’une poétologie auctoriale héritière du romantisme et de la modernité, incarnée en particulier par la figure paradoxale de Kaspar Hauser. Interprétée comme une construction littéraire, fantasmatique et mythique située en aval de l’oeuvre, l’auctorialité est ici une théorie de la littérature incarnée dans des personnages et des modèles figuratifs de vies vouées à l’art. Les figures de la rupture d’équilibre, le motif de la lettre et le dispositif narratologique de la métalepse d’auteur se lisent comme des mises en scène de la condition poétique, de la relationtexte/auteur et de la transformation de l’auteur en fiction, sur lesquelles repose le projet existentiel de littérarisation de soi qui fonde l’écriture de Hilbig. Enfin, les textes esquissent des scénarios de vie faisant pièce au modèle de la prédestination. Ils explorent des possibilités de figurer la vocation improbable à travers les formes du cercle, de l’explosion, du saut et de l’événement, opposées au schéma linéaire de la prédestination, qui a partie liée avec la temporalité. Face à cette biographie extérieure, à cette vie exotérique, l’oeuvre de Hilbig piste les mouvements de la vie ésotérique, secrète, illisible et sans nom dans laquelle se joue la vocation désormais comprise comme promesse d’éternité
Wolfgang Hilbig’s prose and poetry bring into play a large number of topoï, clichés and scenarios of the poetical life and of theartistic calling, both in a critical and in a legitimating way. They function as a response to the unlikely vocation as a writer of a selftaught,East German proletarian. In Hilbig’s work, poet or writer characters convey an authorial poetology that appear as a legacy of Romanticism and Modernity, which the paradoxical figure of Kaspar Hauser particularly stands for. Interpreted as a literary, phantasmatic and mythical construct resulting from the work itself, authorship consists here in a theory of literature embodied by models of art-dedicated lives. The figures of the loss of balance, the motif of the letter and the narratological device of the authorial metalepsis are read as means of staging the situation of the poet, the text/author relationship and the fictionalization of the author.Those are the bases of Hilbig’s existential project of self-literarization. Finally, Hilbig’s texts sketch life scenarios that thwart the predestination model, exploring the unlikely vocation through figures such as the circle, the explosion, the jump and the event, all of which go against the linear model of redestination that rely on temporality. As an alternative to this outward biography, this exoteric life, Hilbig’s work tracks the movements of a secret, unreadable and nameless esoteric life where vocation develops as a promise of eternity. The question of authorship in Hilbig’s work cannot be separated from a meditation on time and an idealistic perception of the world

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Abdellatif-Kaddour, Olfa. "Contribution au test orienté propriété pour des systèmes de contrôle-commande : construction incrémentale de scénarios de test sélectionnés par la méthode du recuit simulé." Toulouse, INPT, 2003. http://www.theses.fr/2003INPT037H.

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Abstract:

Dans ce travail de thèse, nous proposons une stratégie de test orienté propriété pour des systèmes de contrôle-commande. Les propriétés auxquelles nous nous intéressons sont des propriétés de haut niveau liées aux modes de défaillance les plus critiques du système. Notre stratégie se base sur une construction incrémentale de scénarios de test. Chaque étape explore les évolutions possibles du système à partir de situations qualifiées de " dangereuses " qui sont identifiées à l'étape précédente. À chaque étape, deux méthodes de sélection de séquences sont utilisées : la sélection aléatoire et le recuit simulé. Cette stratégie a été appliquée à l'étude de cas " la chaudière à vapeur ". Les résultats obtenus confirment la faisabilité ainsi que l'utilité de notre construction incrémentale de scénarios de test. Afin d'améliorer les performances du recuit simulé vis-à-vis de deux critères fondamentaux pour le test, à savoir la rapidité et l'efficacité, nous définissons deux approches qui permettent, à efficacité égale, de diminuer les temps de test prohibitifs requis par le recuit simulé. Ces approches ont été intégrées dans le cadre de notre stratégie de test et évaluées sur l'étude de cas de la chaudière à vapeur.

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Biserni, Marcella. "Le polyèdre de Magritte : Reflets littéraires de l’objet peint, filmé et scénarisé." Thesis, Aix-Marseille, 2013. http://www.theses.fr/2013AIXM3082.

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Abstract:

Cette thèse se propose d’analyser les différents aspects de l'art de R. Magritte dans son interdisciplinarité. Le premier chapitre prend comme point de départ le versant philosophique et linguistique que l’on peut remarquer dans son œuvre, pour analyser de façon détaillée les aspects mimétiques et sémiotiques. L'utilisation que fait Magritte de certaines formes de la rhétorique rend évidente l'importance de l'aspect graphémique du mot, gouverné par le visible. La coïncidence entre les deux contraires (sémiosis et mimesis) laisse percevoir l'espace qui les sépare. D'un point de vue comparatiste, cet entrelacs permet d’établir des rapports entre certaines œuvres littéraires (de Baudelaire et de Mallarmé, notamment) et des titres ou des représentations dans les œuvres de Magritte. Les mots deviennent des images et le rôle de la mémoire et du rêve trouve un écho dans la pensée de R. Caillois. L'artiste place le passé, le présent et le futur dans un réseau qui peut être mis en parallèle avec l'Atlas de Warburg. Dans cette mosaïque, le geste d’écrire et celui de peindre s’entrelacent, de telle sorte que, chez Magritte, la distinction entre les deux actions s’efface dans la libre association du visible, qui acquiert ainsi un sens nouveau. Cette négation et cet écart se fondent en un seul contenant qui, d’un côté, exalte la différence mais qui, de l’autre, se construit à partir de sa propre appartenance. Certaines créations de R. Magritte dans le domaine de l'illustration ou de la production filmique le révèlent. On assiste à la décomposition et à la recomposition, par le biais de l'humour, de réalités distantes entre elles, ce qui laisse entrevoir la frange minime de l’écart
This thesis aims at analyzing Magritte’s multifarious artistry in the light of its interdisciplinarity. The first chapter starts from the philosophical and linguistic côté that can be found in his work in order to deeply explore its figurative and semiotic aspects. The use of rhetorical forms in Magritte clearly shows the importance of the graphemic character of the word, dominated by the mimetic sign. The encounter, or rather the coincidence, between the two opposites (mimesis and semiosis) discloses the space that separates them: the nowhere we tried to define through various instruments. From a comparative point of view, this space of separation shows various literary ties (especially with Baudelaire and Mallarmé) inherent in the titles and in the representations of Magritte work. The words become images and the role of memory and dream attuned to the thought of R. Caillois. The artist constructs a network with the past, the present and the future, which suggests a parallelism with Warburg’s Atlas. In this mosaic, the gesture of writing mixes with the painting; similarly in Magritte the distinction between the two actions is cancelled through the free re-signified association of the visible.The painter destroys and builds at the same time, superimposing appearances, so to move away from a faithful description of reality. This rejection produces a gap in which the content of words and images fuses into a single element: page–canvas–screen. This is what some of Magritte’s creations reveal in their illustrative and film transposition, in which we see the assembling and disassembling of distant realities through the use of humor that reveals their thin divide
Questa tesi si propone di analizzare i molteplici punti di vista di Magritte alla luce della sua interdisciplinarità. Il primo capitolo si basa sul côté filosofico e linguistico rintracciabile nella sua opera, per esplorarne nel dettaglio l’aspetto figurativo e semiotico. L’utilizzo delle forme retoriche in Magritte mostra con evidenza l’importanza del carattere grafemico della parola, sovrastato dal segno mimetico. L’incontro, o meglio la coincidenza, tra i due contrari (semiosis e mimesis) lascia apparire lo spazio che li separa: il non luogo a cui abbiamo cercato di dare una definizione. Da un punto di vista comparatista questo scarto mostra vari legami letterari (soprattutto con Baudelaire e Mallarmé) insiti nei titoli e nelle rappresentazioni delle produzioni magrittiane. Le parole diventano immagini e il ruolo della memoria e del sogno trova un raccordo con il pensiero di R. Caillois. L’artista costruisce una rete con il passato, il presente e il futuro, che fa pensare a un parallelo con l’Atlas warburghiano. In questo mosaico il gesto di scrivere si mescola a quello di dipingere, cosicché in Magritte la distinzione tra le due azioni si annulla nella libera associazione risimbolizzata del visibile. Il pittore distrugge e costruisce al contempo, sovrapponendo le apparenze, in modo da annullare la mimesis stessa, nel senso di descrizione fedele della realtà. La negazione e lo scarto sorgono dalla loro fusione in un unico contenitore, che da una parte esalta la differenza ma che dall’altra vi costruisce sopra la propria appartenenza. È ciò che certe creazioni magrittiane rivelano in ambito illustrativo o filmico, dove assistiamo alla decomposizione e poi alla ricomposizione delle realtà distanti attraverso l’humour, che lascia intravedere lo spessore sottile di separazione

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Mottet, Annie. "Martin du Gard, Renoir, Lang et La Bête humaine : la fabrique d'une adaptation." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010572.

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Abstract:

Cette thèse a pour but d’étudier trois adaptations cinématographiques du roman de Zola, la bête humaine : le scenario inédit (1933) de l’écrivain Martin du Gard, les films de Renoir (La bête humaine, 1938) et de Lang (Human desire, 1954). La thèse comprend deux parties. La première fait une analyse génétique des différents scénarios conservés. Le premier chapitre examine les conceptions cinématographiques de Martin du Gard. Le deuxième inventorie les différences entre les scénarios préparatoires et le film de Renoir pour déterminer ce qui a été réécrit. Le troisième montre comment les scénaristes (Hayes, Boehm) ont progressivement mis à distance le modèle de Renoir et comment par la mise en scène Lang a tenté d’imposer sa propre lecture du roman de Zola. La seconde partie propose une étude comparative des seules adaptations françaises. L’établissement des différences au niveau de l’histoire et du récit (premier chapitre) et des personnages (deuxième chapitre) permet de cerner les méthodes d’adaptation spécifiques à Martin du Gard et Renoir. Le dernier chapitre montre comment ces deux auteurs s’éloignent conjointement du modèle romanesque à la fin de leur adaptation pour mieux retrouver leurs propres conceptions esthétiques. Par le biais donc d’une étude de cas, cette thèse propose non une théorie de l’adaptation mais une analyse de pratiques d’adaptation et recourt à une double approche: gnentique et comparative
This thesis aims at studying three cinematographic adaptations of Zola' s novel, the human beast: Martin du Gard unpublished screenplay (1933), Renoir's film (The human beast, 1938) and Lang's (Human desire, 1954). The thesis consists of two parts. The first one is a genetic analysis of the different reamaining drafts. The first chapter deals with martin du gard's cinematigraphic ideas. In the second one, the differences between Renoir's drafts and his film have been listed to determine which scenes have been rewritten. In the third chapter we have shown how the scriptwriters (hayes, boehm) progressively distanciated themselves with renoir's model and how lang, through his film direction, tried to assert his personal vision of Zola's novel. The second part of the thesis is a comparative study of the french adaptations only. We have established the differences between the story and the narration in the first chapter and between the characters in the second chapter in order to find out the methods of adaptation characterising Martin du Gard and Renoir in the last chapter we have shown how both authors tool great liberties with the novel so as to be more faithful to their personal aesthetic ideas. Therefore, through a study of cases, the aim of the thesis is not to propose a theory of adaptation but to analyse different types of praxis, using to this purpose the. .

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Roy, Martin. "Écriture d’un scénario original de genre western mettant en scène un antihéros québécois et sa réalisation en format court-métrage suivi d’une réflexion sur l'antihéros dans le cinéma québécois." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26157.

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Abstract:

Ce mémoire comporte deux parties. En premier lieu, on retrouvera dans la partie création, les différentes étapes du processus créatif qui ont mené à la réalisation du film intitulé St-Placide, y compris le scénario. En second lieu, nous tentons de définir l’antihéros québécois en le comparant au héros utilisé dans le genre western.

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Gravel, Anne-Sophie. "Figures de meurtriers célèbres dans les séries télévisées Bates Motel (2013-2017), et Hannibal (2013-2015) ainsi que dans le film Seven (1995) ; : suivi de : Les leçons de Gillian (Scénario)." Master's thesis, Université Laval, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.11794/40300.

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Abstract:

Cette recherche-création effectuée dans le cadre d’études de deuxième cycle présente une analyse de l’adaptation télévisuelle récente de meurtriers fictifs notoires. Dans la première partie, un essai retrace la façon dont ont été transposés pour la télévision les personnages de Norman Bates (Psycho, 1960) et d’Hannibal Lecter (The Silence of the Lambs, 1991) ainsi que les mécanismes qui ont été déployés afin d’étoffer ces protagonistes et leurs forces d’action. Dans la deuxième partie, on présente la création d’une série télévisée librement inspirée du personnage de John Doe (Seven, 1995). Cette section décrit les différentes étapes du processus d’élaboration d’une œuvre télévisuelle, incluant la démarche d’adaptation, le sujet de la saison, la description des personnages, la structure narrative et les milieux de l’action, les résumés et synopsis des épisodes. Par la suite, un des épisodes a été scénarisé.

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Gignac, Melissa. "Du "scénario" au film : la création du long métrage de fiction aux Etats-Unis et en France dans les années 1910." Paris 7, 2014. http://www.theses.fr/2014PA070087.

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Abstract:

Cette thèse soulève une question fondamentale en histoire du cinéma : qu'est-il advenu de la création cinématographique avec l'avènement du long métrage ? Le passage du court au long métrage constitue une révolution protéiforme qui affecte le cinéma dans sa globalité, au niveau industriel, narratif et esthétique. La comparaison entre les deux pays (par l'intermédiaire d'un corpus restreint composé de la Triangle Film Corporation, des Films Valetta et des films d'Albert Capellani au sein de la S. C. A. G. L. ) s'explique par le fait que les premiers critiques, théoriciens et historiens du cinéma ont trop souvent opposé les deux cinématographies, glorifiant le cinéma américain pour mieux décrier le « style français d'avant-guerre » (Louis Delluc, Léon Moussinac, Philippe Soupault, etc. ). La comparaison permet ainsi de traiter chacune des deux cinématographies, en révélant leurs spécificités respectives, ou au contraire, leurs points de rencontre. La comparaison permet également, parfois, de combler les lacunes de la documentation (française notamment) et fonctionne à des fins heuristiques : on ne s'enferme pas dans un seul modèle mais on résonne plutôt par analogie. Le premier axe de travail porte sur la fabrique des films : l'organisation industrielle et sociale aux sein des studios, la création de métiers relatifs à l'écriture scénaristique et la conception des films notamment. Le deuxième axe porte sur la création de genres nationaux de part et d'autre de l'Atlantique. Et le dernier axe traite des questions esthétiques et de l'évolution des formes filmiques, sur la nécessité d'entretenir la mémoire du spectateur sur du long terme
My research focused on both American and French feature-length movies from the 1910s. This work relied on three different complementary approaches: industrial, narrative and aesthetic. I focused on three different societies : the Triangle Film Corporation for the American cinema ; the Films Valetta and the Albert Capellani's movies in the S. C. A. G. L. For the French cinema. The first approach concerns screenwriting practices in the film industry in the 1910's (policy of acquiring literary materiel, creation off specific departments - scenario department, lecture department -, etc. ). The second approach - the narrative one - deals with cultural studies and demonstrates how the feature-length movie leads cinema to develop itself in both discursive and political ways. The hypothesis is this one: the feature-length movie permitted the cinema to develop the power of the movie as a social component. Some case studies about drug-films (dealing with opium), colonial films and also melodramas showed how both French and American societies used cinema to represent themselves and tried to employ films to solve their conflicts and contradictions, by a narrative way. The third approach deals with aesthetic and filmic forms

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Cherqui, Marie-Claude. "Raymond Queneau, écrivain de cinéma." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030005.

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Abstract:

Raymond Queneau, né en 1903, grandit et vit au rythme du cinématographe, à peine plus âgé que lui. Toute sa vie il rendra compte dans ses écrits intimes, journaux et lettres, de sa vie de spectateur assidu au Havre, puis à Paris. Il peuplera sa langue, sa poésie et ses romans, de l’univers foisonnant des salles de cinéma, des stars de l’écran et de ses œuvres mythiques. Il fera apparaître un monde rêvé et pensé, fait de ses ombres et de sa lumière. Nourri de cinéma, il sera aussi nourri par lui. Parallèlement à son travail de poète en littérature, il pratiquera tout au long de sa vie, et sans jamais se défaire de son humour légendaire, le travail, parfois ingrat, d’écrivain de cinéma, art dans lequel il occupera plusieurs postes : critique cinématographique, juré de festivals, auteur de commentaires de films, scénariste, dialoguiste, auteur de chansons… A l’occasion, il deviendra même réalisateur ou acteur. Rendre compte de manière chronologique puis analytique de l’ensemble de ses travaux, appréhender le traitement de l’art cinématographique dans son œuvre littéraire, c’est ce que se propose cet ouvrage : partir à la recherche de Raymond Queneau, écrivain du vingtième siècle et « homo-cinématographicus »
Raymond Queneau, who was born in 1903, grew up and lived at the pace of cinematograph that was hardly older than him. Througout his life, in his journals and letters, he reported his life as a regular movie-watcher. He filled his writings, his poetry and his novels with the blossoming universe of movie theatres, movie stars and masterpeices. In his work appears a dreamed and thougt out world, made of his shadows and his lights. Fed with cinema, he also fed it. Aside from his work as a poet in literature, he also, all along his life and without losing his legendary sense of humour, worked as a cinema writer. In this sometimes ungrateful job, he occupied many different positions : film critic, juryman in festival, writer of comments on movies, script writer, dialogue writer, songwriter, etc... He even occasionally became a filmmaker or an actor. To report chronologically of the totality of his work, to approach the treatment of the cinematographic art in his literary work, is what we suggest in this study : looking for Raymond Queneau writer of the twentieth century and “homo-cinematographicus”

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Bonnaud, Irène. "Brecht, période américaine." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030007.

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Abstract:

Bertolt brecht, en exil a los angeles de 1941 a 1947, n'a cesse d'ecrire pour l'industrie culturelle americaine. Scenarios pour hollywood ou pieces de theatre concues pour conquerir broadway, ses oeuvres d'alors empruntent aux genres populaires du cinema ou du theatre americains des armes nouvelles contre la tradition du drame. Mais la polemique continuee contre l'identification et l'illusion mimetique est accompagnee d'une autocritique permanente. Brecht met son propre theatre en crise et l'examine avec mefiance. Chaque piece devient reflexion sur l'art de la scene et ce dernier doit plus que jamais repondre de ses choix. A l'ombre de l'actualite mondiale, capitulation, collaboration et resistance a l'oppression deviennent non seulement les grands themes des textes de brecht, mais aussi les criteres qui determinent ses strategies d'ecriture. A l'heure des destructions et des massacres de la seconde guerre mondiale, la moindre decision formelle est un probleme politique : la fable du theatre narratif, souvenir d'un temps ou le recit etait encore signe de sagesse, et l'ampleur shakespearienne des personnages sont pour brecht deux facons d'etre volontairement anachronique au milieu du desastre.

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Renaut, Aurore. "L' écriture de l'histoire dans les biographies didactiques de Roberto Rossellini." Aix-Marseille 1, 2010. http://www.theses.fr/2010AIX10121.

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Abstract:

Au tournant des années 1960, Roberto Rossellini abandonne le cinéma et entreprend une série de films didactiques pour la télévision qui le passionnera jusqu'à sa mort en 1977. Si ce projet pédagogique convient parfaitement aux canons des télévisions européennes de l'époque, les films télévisuels de Rossellini ne ressembleront pourtant à aucun autre, le cinéaste ayant mis au point, avec ce nouveau médium, une nouvelle écriture, à partir de quelques paramètres de création repris et expérimentés de film en film, une écriture dans la continuité de son œuvre cinématographique antérieure, mais aussi absolument originale et insolite. La plupart des films de télévision de Rossellini sont des œuvres historiques, principalement des portraits d'hommes ayant eu un impact majeur sur leur époque et jusqu'à la nôtre : des politiques (Louis XIV et Cosme de Médicis), des religieux (les apôtres, Saint Augustin, Jésus), des penseurs (Socrate, Pascal, Alberti et Descartes). Pour écrire ces "biographies didactiques", Rossellini et ses scénaristes se sont servis de sources directes, les écrits des biographés eux-mêmes quand ils en ont laissés, mais aussi les récits de leurs proches : disciple, ami ou membre de la famille. Des témoins dont le cinéaste était certain qu'ils lui donneraient des informations concrètes aussi bien pour la chronologie que pour les détails matériels de la vie du personnage ou de la vie quotidienne de son époque, des témoins qui garantissent en quelque sorte l'authenticité par leur proximité. Mais cette proximité empathique confère à ces portraits des colorations parfois hagiographiques bien que Rossellini ne se contente jamais d'être un simple adaptateur, affirmant souvent sa propre interprétation et allant jusqu'à se glisser, en bon biographe, derrière certains traits de caractères de ses personnages.

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Gutierrez, Julia Sabina. "L'espace dans le travail de Rafael Azcona, scénariste." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030110.

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Abstract:

Au travers de cette recherche, nous nous sommes attachée à analyser la dimension narrative des scénarii, en nous penchant plus spécifiquement sur le travail de Rafael Azcona (1926-2008), auteur de comédies pour le cinémaet la télévision. Parce qu’il a créé et exploité à l'écran un univers personnel et aisément identifiable pour les spectateurs, ce scénariste est considéré, en Espagne au moins, comme un auteur au sens plein.Notre objectif est comprendre comment un style caractéristique a pu survivre à Rafael Azcona, alors même que son texte se dissolvait peu à peu dans tout le processus de la construction d’une oeuvre audiovisuelle. Ce travail analytique est d’autant plus délicat que nous devons également tenir compte du fait qu'il a collaboré avec des cinéastes aux mondes très personnels comme Marco Ferreri, Carlos Saura ou Luis García Berlanga.La principale difficulté rencontrée face au travail de Rafael Azcona était de savoir quel est le scénario original d'un film. Celui qui a été écrit avant que le tournage ne commence ? Celui qui a été modifié durant le tournage? Celui qui a été publié une fois le film projeté dans les salles ? Celui qui a été apprécié par le public ? Ce qui nous amène à poser, une question fondamentale : le scénario a-t-il des lecteurs ou des spectateurs ? Il est important, en effet, de ne pas oublier le poids des aspects socio-économiques de la filière cinématographique dans l’appréhension du travail scénaristique.Dans la mesure où un scénario, dans son format, sa structure et sa conception, n’attend en général pas un lecteur, mais une caméra pour être filmé, nous avons donc décidé de nous confronter au scénario à partir d’une perspective qui prenne en compte la construction spatiale d'une histoire, c’est-à-dire un élément habituellement attribué aux architectes d'images que doivent être le réalisateur et le monteur. L'importance que l'oeuvre d'Azcona donne aux lieux où se déroule l'histoire, la relation spéciale entre le personnage et l'espace, et la thématique omniprésente de la recherche d'intimité, nous invitent à questionner en profondeur le rôle de l'espace dans laconstruction de ses histoires.À travers ces pages nous cherchons à montrer comment le scénariste Rafael Azcona, qui savait que le scénario n'était pas écrit pour être lu mais pour être vu après dans un écran, s'est préoccupé de décrire et déconstruire minutieusement la caractéristique la plus strictement cinématographique: l'espace, cette réalité dont le cinéma ne peut jamais se détacher
This study analyses the narrative dimension of screenplays, focusing primarily on the work of Rafael Azcona(1926-2008), comedy writer for cinema and television. Due to the fact that he created and developed on the screen apersonal universe that is easily identifiable by the audience, in Spain at least, this screenwriter is considered to be atrue auteur.Our primary objective is to understand how Rafael Azcona’s characteristic style could survive even when histext dissolved little by little in the entire process of constructing an audio-visual work. The analytic work is madeeven more delicate by the fact that we must take into account his collaboration with filmmakers that had their ownvery personal universes, such as Marco Ferreri, Carlos Saura, or Luis Garcia Berlanga.The main difficulty encountered with regard to Rafael Azcona’s work was finding out which was the originalscreenplay of the film. The one written before the start of filming? The one modified during filming? The onepublished once the film was shown in cinemas? The one liked by the audience? Which brought us to a fundamentalquestion: does the screenplay belong to the readers or to those who watch? It is, in fact, important to remember theweight of socio-economic aspects in the film industry when trying to understand screenwriting.Given that a screenplay, due to its structure and form, doesn't generally wish for a reader, but for a camera, tobe filmed, we have decided to look at the scenario from the point of view of the spatial construction of a story, thatis, an element usually attributed to image architects, such as the director and the editor. The importance given byAzcona’s work to the locations where the story takes place, the special relationship between character and space, andthe ubiquitous theme of the search for intimacy invite us to explore in depth the role played by space in theconstruction of the story.In this study, we try to show how the screenwriter Rafael Azcona, who knew that the screenplay wasn’twritten to be read, but to be seen later on a screen, put great effort into describing and constructing in great detailthe most cinematic of characteristics: space, that reality which cinema can never leave

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Rafiei, Masoomeh. "L'étude thématique du théâtre et du cinéma de Yasmina Reza." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA087.

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Abstract:

Yasmina Reza, l’une des dramaturges les plus honorées de la scène internationale, n’hésite pas à faire entrer son art dramatique sur la scène de l’art cinématographique : entre la forme romanesque et la forme dramatique, l’écriture rézienne expérimente également le domaine de l’image. Nous avons souhaité, d’abord, consacrer cette thèse à une étude analytique sur le théâtre rézien et ensuite sur son adaptation au cinéma. À travers ses pièces, Yasmina Reza met en scène des personnages ayant souvent les mêmes obsessions et soucis d’une pièce à l’autre, qui recourent fréquemment au même langage. Entre tragédie et comédie, la dramaturgie de Reza mélange le monologue et le dialogue pour raconter à la fois tout et presque rien. Le temps, l’espace, le décor, souvent simple et neutre, les objets quotidiens, servent à mettre en scène la vie quotidienne dans le théâtre rézien. De ce point de vue les ouvrages de Reza se rapprochent de ceux du cinéaste iranien Kiarostami. Au-delà de la présence des éléments autobiographiques et de la musique dans l’écriture dramatique rézienne, le théâtre de Reza se distingue par un langage spécifique, entre le silence, le non-dit et le récit, entre la conversation et le dialogue. Yasmina Reza déclare s’amuser avec les mises en abyme dans son théâtre, elle expérimente ainsi son premier film en tant que réalisatrice avec Chicas, une adaptation d’Une pièce espagnole qui multiplie les mises en abyme. Yasmina Resa poursuit avec l’écriture d’un scénario, Le pique-nique de Lulu Kreutz, réalisé par Didier Martiny, puis avec l’écriture du scénario de Carnage, d’après sa pièce Le dieu du carnage, en collaboration avec Roman Polanski. Dans cette thèse, nous avons tenté d’étudier l’adaptation des pièces réziennes au cinéma, leurs mises en scène et leurs personnages qui manifestent leurs violence et angoisses face à l’écran
Yasmina Reza, one of the most honored dramaturge artist internationally, does not hesitate to introduce her dramatic art on the cinematographic scene: in between the Romanesque forme and the dramatic one, the Yasmina Reza also experiments in the pictorial art. In the first instance, we have sought to focus this thesis on an analytic study of the Rezian theater to follow with her work of adaptation to the cinema. In her theatre plays, Yasmina Reza’s characters have often the same obsessions and often use the same language. Between tragedy and comedy, Reza’s dramaturgy weaves with monologue and dialogue to relate about everything and at times almost nothing. Time, space, the setting, often simple and neutral, daily objects, are used to compose the contemporary life in Reza’s plays. From this standpoint, Reza’s theatre plays are echoing with Iranian Kiarostami’s cinema.Beyond the presence of autobiographic elements and references to music in Reza’s plays, her writing is singles out specifically, alternating between silences, the not-said and the narrative, between the conversation and the dialogue. Yasmina Reza affirms enjoying using of mise en abyme in her theatre plays, thus she experiments her first movie as script writer and director of Chicas, an adaptation of Une pièce espagnole which uses many mises en abyme. Yazmina Reza continues writing with the script Le pique-nique de Lulu Kreutz directed by Didier Martiny, then with the writing of the script of Le dieu du carnage, in collaboration with Roman Polanski. In this thesis, we have attempted to study the adaptation of Reza’s plays to the cinema, their dramatization along with their characters who display their violence and anxiety in front of the screen

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Sudoh, Kentaro. "Jean Eustache : génétique et fabrique." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA033.

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Abstract:

Le présent travail se consacre à une étude génétique de l’œuvre de Jean Eustache (1938-1981), saisie dans ses accomplissements comme dans ses projets et esquisses inachevés. En se fondant sur des archives jusqu’alors inexploitées (Cinémathèque française, Inathèque, IMEC et collections personnelles), en recueillant des témoignages inédits (producteurs, chefs opérateurs, assistants, acteurs, collaborateurs, amis et famille du cinéaste), en analysant aussi bien des scénarios, notes d’intention ou dossiers de production que les films eux-mêmes, notre recherche restitue l’ensemble du parcours créatif de Jean Eustache, dans ses tours et détours. Analyse de création, la méthode consiste à retracer de la façon la plus documentée possible la démarche qui a permis l’éclosion d’une œuvre. Comment s’articulent constance de l’entreprise autobiographique et diversité des conditions de production ? Qui amène le cinéaste à réaliser le manifeste inédit Numéro zéro (1971) ? Comment La Maman et la putain (1973) et Mes petites amoureuses (1974) sont-ils presque simultanément élaborés ? Comment l’idée des essais expérimentaux, Une sale histoire (1977) ou Les Photos d’Alix (1980), est-elle née ? Comment créer de façon aussi personnelle dans le cadre du cinéma d’auteur et dans celui de la Télévision publique ? Telles sont quelques-unes des questions factuelles auxquelles ce Doctorat répond, qui permettent d’éclairer les choix esthétiques propres à Jean Eustache
The dissertation conducts a genetic study of Jean Eustache’s work (1938-1981) as seen through his completed films as well as unfinished projects and drafts. In being based on archives, so far undeveloped (Cinémathèque française, Inathèque, IMEC and personal collections), carrying out interviews with his former producers, directors of photography, assistants, actors, collaborators, friends, or family, and in analyzing not only his movies but also his film scripts, director’s memos or production files, the dissertation reconstructs Eustache’s whole creative journey with its twists and turns. As analysis of creation, the method seeks to trace in the most documented manner possible the process that gave rise to Eustache’s œuvre. How are connected his everlasting autobiographical undertaking and the various conditions of productions? What has leaded him to produce the filmic manifesto Number Zero (1971)? How are The Mother and the Whore (1973) and My Little Loves (1974) produced almost simultaneously? How was born the idea for experimental film essays such as A Dirty Story (1977) or Alix’s Photos (1980)? How one can create originally within both the author cinema and Public Television? This doctoral study replies to these factual questions, which enable to clarify Jean Eustache’s aesthetic and cinematic specific choices

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Gérard, Fabien. "La certitude et de doute: recherche du mystère et quête identitaire dans le cinéma de Bernardo Bertolucci." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2002. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/211352.

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Licari-Guillaume, Isabelle. "« Vertigo's British Invasion » : la revitalisation par les scénaristes britanniques des comic books grand public aux Etats-Unis (1983-2013)." Thesis, Bordeaux 3, 2017. http://www.theses.fr/2017BOR30044/document.

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Abstract:

Cette thèse porte sur la trajectoire éditoriale et artistique de la collection Vertigo créée en 1993 par DC Comics, maison d’édition états-unienne spécialisée dans la bande dessinée. Je me propose d’aborder Vertigo à travers l'apport des scénaristes britanniques employés par DC Comics depuis le milieu des années quatre-vingt. Leur rôle est en effet considérable, tant au moment de la fondation de Vertigo par la rédactrice Karen Berger que dans le succès ultérieur dont jouit la collection. La genèse de Vertigo met en lumière l’importance du phénomène appelé l’ « Invasion britannique », c’est-à-dire l’arrivée sur le marché états-unien de nombreux créateurs qui sont nés et travaillent à l’étranger pour DC Comics. Cette « invasion » révélera au public américain des scénaristes de tout premier plan tels Alan Moore, Grant Morrison ou Neil Gaiman, dont la série The Sandman est considérée comme un jalon majeur de l’histoire du média. La critique existante au sujet de Vertigo en général tend d’ailleurs à se focaliser sur la portion du corpus produit par les Britanniques, mais sans nécessairement prendre acte de cette spécificité culturelle. Le travail à mener est donc double ; d'une part, il s'agira de retracer une histoire du label en tant qu'instance productrice d'une culture médiatique particulière, qui s'inscrit dans un contexte socio-historique et repose sur les pratiques et les représentations de l'ensemble des acteurs (producteurs et consommateurs au sens large), eux-mêmes nourris d'une tradition qui préexiste à l'apparition de Vertigo. Il sera dès lors possible de prendre appui sur cette connaissance contextuelle pour interroger la poétique du label, et ainsi identifier les spécificités d’une « école » britannique au sein de cette industrie culturelle
This thesis deals with the editorial and aesthetic history of the Vertigo imprint, which was created in 1993 by DC Comics, a US-American comics publisher. I shall consider in particular the contribution of British scriptwriters employed by DC and then by Vertigo from the 1980s onwards. Theise creators played a tremendous role, both at the time of Vertigo's founding by editor Karen Berger and at a later date, as the imprint gathered widespread recognition. The genesis of the Vertigo imprint sheds light on the so-called “British Invasion”, that is to say the appearance within the American industry of several UK-based creators working for DC Comics. Spearheaded by Alan Moore, the “invasion” brought to the fore many of the most important scriptwriters of years to come, such as Grant Morrison and Neil Gaiman, whose Sandman series has been described as a major landmark in the recognition of the medium. Existing criticism regarding Vertigo tends to focus on the body of work produced by British authors, without necessarily discussing their national specificity. My goal is therefore double; on the one hand, I intend to write a history of the label as the producer of a specific media culture that belongs to a given socio-historical context and is grounded in the practices and representations of the field's actors (producers and consumers in a broad sense). On the other hand, the awareness of the context in which the books are produced shall allow me to interrogate the imprint's poetics, thus identifying the specificity of a “British school of writing” within the comics mainstream industry

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Ertzscheid, Olivier. "Les enjeux cognitifs et stylistiques de l'organisation hypertextuelle : le Lieu, Le Lien, Le Livre." Phd thesis, Université Toulouse le Mirail - Toulouse II, 2002. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00006260.

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Abstract:

L'enjeu de ce doctorat est de montrer comment la perception et les pratiques liées à la figure de l'hypertexte permettent d'entrevoir de profonds bouleversements dans notre rapport à l'écrit (document numérique, nouveaux genres littéraires, textualité renouvelée), à l'organisation de la connaissance, ainsi qu'à la manière dont s'agrègent, se constituent, se développent et se transforment les différents types de rapport au réel présents dans toute organisation sociale réticulée. L'analyse critique de ces transformations nous permet de préciser comment se met progressivement en place une nouvelle écologie cognitive, en quoi elle est rendue nécessaire, et quels sont les outils (typologie englobante des processus de liaison entre entités) et les pratiques sociales émergentes qui la fondent.

Dans notre premier chapitre, nous faisons d'abord un point sur les effets déjà mesurables de l'organisation hypertextuelle dans le rapport à l'écrit pour isoler les transformations cognitives occasionnées par ce nouveau support, pour isoler également la nouvelle organisation des structures traditionnelles de l'énonciation dans le processus de communication (rapports auteur-lecteur, agencements collectifs d'énonciation). Nous concluons par une typologie des nouveaux genres hypertextuels (liés notamment à l'utilisation de générateurs) et sur le statut littéraire de ces productions.
Notre second chapitre aborde les aspects plus « théoriques » de l'organisation hypertextuelle au travers de l'étude systématique de ses procédés de liaison. Après un état de l'art de la question, nous définissons une typologie englobante des liens hypertextuels prenant en compte leurs aspects informatiques, les structures rhétoriques et formelles qui les sous-tendent et les différents types de rapport entre ces « entités-liens » autorisant à qualifier différentes organisations hypertextuelles. Sur tous ces points, les propositions formulées dans ce travail devront permettre d'améliorer les pratiques de navigation et de réduire certains effets liés (surcharge cognitive, désorientation).
Notre troisième chapitre montre que ce que ces liens révèlent du fonctionnement de la pensée humaine (mode essentiellement associatif) est en train de changer la manière dont les systèmes et les organisations sociales se constituent et se développent, en mettant en place, de manière effective, des artefacts et de processus habituellement implicites et dont l'enjeu sera, pour le chercheur, d'accompagner le passage à l'explicite. Ce dernier chapitre s'appuie sur le dispositif expérimental FoRSIC et l'utilisation qu'il fait de différents types ontologiques, ce dernier étant caractéristique des ces nouveaux rapports au savoir que notre travail essaie de qualifier plus que de quantifier.

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Ilea, Laura T. "Scénarios d’aveuglement dans la littérature d’Orhan Pamuk, d’Ernesto Sábato, et de José Saramago." Thèse, 2011. http://hdl.handle.net/1866/6236.

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Abstract:

Scénarios d’aveuglement dans la littérature d’Orhan Pamuk, d’Ernesto Sábato, et de José Saramago analyse trois œuvres importantes de trois auteurs contemporains : Mon nom est Rouge d’Orhan Pamuk ; « Rapport sur les aveugles » du roman Héros et tombes d’Ernesto Sábato ; et L’aveuglement de José Saramago. Malgré leurs différences, ces romans ont des points communs évidents, synthétisés dans la figure de l’aveuglement. Cette figure signale l’avènement, dans les textes, d’un régime de connaissance alternatif, centré moins sur le primat de la raison et du visuel que sur une nouvelle capacité cognitive, basée sur une logique spéciale du destin. L’aveuglement s’ouvre également sur une nouvelle compréhension de l’histoire, grâce à une capacité du récit de fiction qui passe par le point de fuite de la cécité. Pour Pamuk, l’aveuglement est le couronnement paradoxal d’une vision du monde, gravement mise en crise à la fin du XVIe siècle par le perspectivisme et le réalisme de la Renaissance, la voie d’entrée vers un monde imaginal qui n’est plus accessible à l’imaginaire occidental. Pour Sábato, il représente la variante renversée d’une quête de l’absolu qui passe par les antres de l’inceste, de l’enfer et du crime, tandis que le monde décrit par Saramago est un monde qui sombre sur la pente de la déchéance, en suivant une logique implacable. Il est l’équivalent de plusieurs formes de cécité qui menacent le monde contemporain, comme le fondamentalisme religieux, l’homogénéité préconisée par la société de masse, l’exclusion raciale, l’oppression idéologique. La thèse se divise en trois parties, La violente beauté du monde, Un mythe hérétique de la caverne et Une épidémie à cause inconnue, chacune d’entre elles analysant l’œuvre d’un auteur, mais établissant également des liens avec les autres chapitres. L’approche adoptée est interdisciplinaire, un croisement entre études littéraires, philosophie et histoire de l’art. Dans leur quête de nouveaux concepts et de nouvelles formes de pensée qui s’écartent du modèle rationnel dominant de la modernité, les trois auteurs partent de la présupposition que regarder les choses n’est pas du tout l’équivalent de voir les choses. Ils tentent d’articuler une logique du voir qui ressemble plutôt à la vision et à la clairvoyance qu’à la conformité logique. La figure de l’aveuglement sert de tremplin vers le monde imaginal (Pamuk), la pensée magique (Sábato) et la vision dystopique (Saramago) – des espaces ontologiquement différents où les auteurs mènent leurs attaques contre la rationnalité à tout prix. C’est précisément ces espaces que nous avons choisi d’explorer dans les trois romans. Nous soutenons également que ces trois textes proposent un nouveau régime de « connaissance » qui met en question les règles de pensée héritées de la Renaissance et surtout des Lumières, qui constituent un discours dominant dans la culture visuelle et philosophique moderne.
Blindness in the Literature of Orhan Pamuk, Ernesto Sábato, José Saramago examines three important texts by three well-known contemporary authors: My Name is Red by Orhan Pamuk; the chapter « Report on the Blind » from the novel On Heroes and Tombs by Ernesto Sábato; and Blindness by José Saramago. The trope of blindness is a common theme in these novels, despite their significant differences. Blindness introduces an alternative regime of knowledge, centered less on the primacy of the rational and the visual than on a new cognitive capacity, grounded in a specific logic of destiny. It proposes new understandings of history, due to a fictionalizing capacity, which passes through the fault lines of blindness. For Pamuk, blindness represents the paradoxical culmination of a traditional, Islamic world view, which was challenged in the 16th century by the perspectivism and the realism of Renaissance. This conception is regarded as the royal road to an imaginal world that remains inaccessible to the western imaginary. In Sábato’s novel, blindness prompts the reversed version of a quest for absolute, which passes through incest, hell and crime. In the dystopic world depicted by Saramago, this trope is symptomatic of a continuous decay, which follows an implacable logic. It also points to the many forms of blindness that threaten the contemporary world, such as religious fundamentalism, the leveling produced by mass culture and mass society, racial exclusion, ideological oppression. The thesis is divided in three chapters: The Violent Beauty of the World, A Heretical Myth of the Cave and An Epidemic with an Unknown Reason. Each chapter examines one of the three novels, but connections and cross-links among the individual chapters are also established. My investigation provides an interdisciplinary approach, which relies on paradigms from literary studies, philosophy and art history. All three authors examined in the dissertation start from the assumption that looking is not equivalent to seeing. Their texts attempt to formulate a logic of seeing indebted to vision rather than to logical accuracy. The figure of blindness serves as a springboard towards the imaginal world (Pamuk), magical thought (Sábato) and dystopia (Saramago) – ontologically different spaces where the authors counter rationality with new modes of vision. The dissertation explores the articulation of these spaces in the three novels. It argues that these texts on blindness propose a regime of « knowledge » that challenges the dominant discourses on vision, rationality, and the mind – the legacy of the Renaissance and the Enlightenment – in modern visual culture and modern philosophy.

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Papazian, Any. "Analyse critique de cinq interventions éducatives proposées pour les enfants (5-12 ans) qui ont des troubles envahissants du développement." Thèse, 2005. http://hdl.handle.net/1866/17677.

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Dissertations / Theses on the topic 'Scénarios critiques'

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