Dissertations / Theses on the topic 'Salvatore A'

La recherche vise à comprendre les dynamiques de diffusion de la littérature de Salvatore Farina à l’étranger et plus particulièrement en France. L’écrivain, né à Sorso en 1846 et décédé à Milan en 1918, est un des écrivains italiens le plus prolifique du XIXème siècle, ayant publié en quarante ans de carrière plus d’un roman par an, parmi lesquels certains ont été traduits en 11 langues. Dans la première partie de la recherche nous mettrons en lien les thèmes clés de son activité narrative en Italie avec ses œuvres principales qui le rendront célèbre à l’étranger comme « l’humoriste italien », « le Dickens italien » ou l’écrivain italien du roman intime, en terminant avec le « Giubileo letterario » consacré à l’auteur en 1907 et avec une large réflexion sur les caractéristiques culturelles italiennes que Salvatore Farina a transmises dans ses œuvres. Dans la deuxième partie nous chercherons dans le rapport avec De Gubernatis (intellectuel, journaliste, essayiste italien) les modalités de la diffusion de sa littérature à l’étranger, par la suite nous décrirons ses voyages en soulignant les rapports de Farina avec les intellectuels, les journalistes et les éditeurs européens les plus importants. Dans la troisième partie nous nous concentrerons plus particulièrement sur son succès en France en abordant ses voyages à Paris, les problématiques relatives au droit d’auteurs et au débat né en France au sein de la « société des gens des lettres » ses relations avec le monde de l’édition française, avec les journaux et ses traducteurs et à d’éventuelles correspondances avec les grands hommes de lettre française de son époque
This research is aimed at discovering the dynamics of diffusion of Salvatore Farina’s literature abroad and particularly in France. The writer, born in Sorso in 1846 and deceased in Milan in 1918 is one of the most prolific Italian writers of the XIX Th century. He published more than a novel a year, among which some were translated into 11 languages. In the first part of the research we will link the key themes of his literature in Italy with his greatest works, those who made him famous and considered as “the Italian humorist”, “the Italian Dickens”, or the Italian writer of the “intimate novel”. We will conclude with the « Giubileo letterario » dedicated to the author in 1907 and with a broad reflection on the Italian culture characteristic that Salvatore Farina conveyed in his works. In the second part, we will study his relation with De Gubernatis (italian intellectual, journalist and essayist) and the characteristics of the diffusion of his literature abroad, we will describe the activity of Farina in the Europe, focusing on his travels and underlining Farina’s relations with the most important foreign intellectuals, journalists and editors. In the third part we will concentrate more specifically on his success in France and also dealing with the problematic of copyrights and the debate born in France within the “« société des gens des lettres », his trips to Paris, his relations with the French publishing world, the literary journals, his translators and finally with his potential correspondences with the great French literature figures of his time. This research is aimed at discovering the dynamics of diffusion of Salvatore Farina’s literature abroad and particularly in France between 19th and 20th century. We will analyse his masterpieces, his journalistic activities in Italy and abroad, his international contacts and his travels abroad. The research will be concluded with the study of his relationship with French editors, journalists and with the most important intellectuals of his time

L’obiettivo della tesi proposta è presentare le collaborazioni che le case di moda italiane hanno intrapreso con il mondo dell’arte prendendo in esame il caso della maison Salvatore Ferragamo. Il percorso inizia con l’analisi delle correnti artistiche del XIX secolo e il simultaneo sviluppo della moda facendo emergere il legame tra le due discipline: dai couturier collezionisti alla nascita delle fondazioni. Alla panoramica storica segue lo studio sulle nuove modalità di sostegno e promozione avviate da alcune case di moda italiane verso l’arte e la contemporanea nascita di musei e mostre sulla storia della moda. In seguito il percorso tratta il case study Salvatore Ferragamo evidenziando la storia della maison, il suo rapporto con l’arte e la creazione del museo-azienda presso Firenze. Parallelamente si approfondisce l’attività espositiva del Museo Salvatore Ferragamo, focalizzandosi su alcune esposizioni che sottolineano l’evoluzione dell’istituzione museale privata all’interno del contesto territoriale di riferimento. Infine la tesi intende illustrare e valorizzare il dialogo strategico costruito da questa casa di moda con il sistema dell’arte. Grazie alle sue iniziative ha conquistato un ruolo da protagonista nel panorama culturale nazionale e internazionale, diventando un esempio per altre maison.

The thesis aims at analysing the phenomenon of brand heritage in the specific case of corporate museums. In particular, it deals with the case of the Museum Salvatore Ferragamo as a successful example in the business

La scelta di studiare il Fiore delle Georgiche è motivata dallo spazio di approfondimento ancora aperto sull’attività di Quasimodo traduttore, soprattutto alla luce delle carte autografe custodite presso il Centro di ricerca sulla tradizione manoscritta di autori moderni e contemporanei dell’Università di Pavia. L’indagine rivela le motivazioni della decisione da parte del poeta siciliano di leggere il «Virgilio … mansuetus della Georgiche» e la presenza di cospicue affinità tematiche tra l’immaginario poetico quasimodiano e il poema latino, a partire dal grande tema della natura, cosmica e georgica insieme, e dalla presenza dei quattro elementi primordiali (aria, terra, fuoco, acqua) come parole-chiave dell’interpretazione del poeta. Altri motivi comuni sono: il mito dell’Eden, il binomio amore-morte e il mito di Orfeo. La versione di Quasimodo sul piano dei contenuti e dell’espressione rivela la tendenza ad attenuare i concetti maggiormente connotati dal punto di vista della cultura e del contesto storico augusteo. Il poeta traduttore crea un nuovo testo che, improntato ad accentuare la componente lirica rispetto a quella didascalica, trasmetta un messaggio universalmente valido e più vicino al lettore a lui contemporaneo. Lo studio delle carte autografe ha fugato qualunque dubbio sull’originalità dell’operazione quasimodiana e ha rivelato la serietà nell’approccio alla traduzione.
The decision to study the Fiore delle Georgiche derives from the research space still open over the activity of Quasimodo as a translator, above all in light of the autograph papers kept at the research center on manuscript tradition of modern and contemporary authors of Pavia’ University. The study reveals the reason for the decision of Quasimodo to read Virgilio as mansuetus poet of Georgics and the presence of many affinities of contents between the poetic imaginary of the Sicilian poet and the latin poem, starting from the great theme of nature, cosmic and georgic at the same time, and for the presence of the four primordial elements (air, earth, fire, water) as key words of the interpretation of the poet. Other common subjects are: the myth of Eden, the couple love-death and the myth of Orpheus. The version of Quasimodo from the point of view of contents and expression reveals the tendency to attenuate the concepts mainly characterized by culture and by the augusteus historical context. The translator poet creates a new text that, marked by a stronger lyrical component rather than didactic, sends a universally valid message and closer to his contemporary readers. The study of the autograph papers has dispelled any doubt over the novelty of the work by Quasimodo and has revealed the seriousness in the approach to the translation.

La scelta di studiare il Fiore delle Georgiche è motivata dallo spazio di approfondimento ancora aperto sull’attività di Quasimodo traduttore, soprattutto alla luce delle carte autografe custodite presso il Centro di ricerca sulla tradizione manoscritta di autori moderni e contemporanei dell’Università di Pavia. L’indagine rivela le motivazioni della decisione da parte del poeta siciliano di leggere il «Virgilio … mansuetus della Georgiche» e la presenza di cospicue affinità tematiche tra l’immaginario poetico quasimodiano e il poema latino, a partire dal grande tema della natura, cosmica e georgica insieme, e dalla presenza dei quattro elementi primordiali (aria, terra, fuoco, acqua) come parole-chiave dell’interpretazione del poeta. Altri motivi comuni sono: il mito dell’Eden, il binomio amore-morte e il mito di Orfeo. La versione di Quasimodo sul piano dei contenuti e dell’espressione rivela la tendenza ad attenuare i concetti maggiormente connotati dal punto di vista della cultura e del contesto storico augusteo. Il poeta traduttore crea un nuovo testo che, improntato ad accentuare la componente lirica rispetto a quella didascalica, trasmetta un messaggio universalmente valido e più vicino al lettore a lui contemporaneo. Lo studio delle carte autografe ha fugato qualunque dubbio sull’originalità dell’operazione quasimodiana e ha rivelato la serietà nell’approccio alla traduzione.
The decision to study the Fiore delle Georgiche derives from the research space still open over the activity of Quasimodo as a translator, above all in light of the autograph papers kept at the research center on manuscript tradition of modern and contemporary authors of Pavia’ University. The study reveals the reason for the decision of Quasimodo to read Virgilio as mansuetus poet of Georgics and the presence of many affinities of contents between the poetic imaginary of the Sicilian poet and the latin poem, starting from the great theme of nature, cosmic and georgic at the same time, and for the presence of the four primordial elements (air, earth, fire, water) as key words of the interpretation of the poet. Other common subjects are: the myth of Eden, the couple love-death and the myth of Orpheus. The version of Quasimodo from the point of view of contents and expression reveals the tendency to attenuate the concepts mainly characterized by culture and by the augusteus historical context. The translator poet creates a new text that, marked by a stronger lyrical component rather than didactic, sends a universally valid message and closer to his contemporary readers. The study of the autograph papers has dispelled any doubt over the novelty of the work by Quasimodo and has revealed the seriousness in the approach to the translation.

Sono studiati nel dettaglio, sia dal punto di vista matematico che con un certo inquadramento storico, i capitoli quinto e sesto del volume ''Le operazioni distributive e le loro applicazioni all'analisi'' di Salvatore Pincherle. La tesi si inserisce in un progetto più ampio di studio ed è già stata preceduta da un'altra tesi magistrale dedicata ai primi capitoli del libro.

Notre travail de recherche a pour objectif d’éclairer le parcours logique dissimulé derrière les compositions pour le théâtre de Salvatore Sciarrino, afin de réduire la distance entre l’artiste e le destinataire de ses œuvres. Nous avons réfléchi dans un premier temps aux conditions culturelles qui ont joué un rôle important et décisif dans la création du compositeur pour ensuite nous pencher sur l’observation, l’analyse et la compréhension de son premier essai d’esthétique : Le figure della musica da Beethoven a oggi. L’analyse des formes musicales individuées et formalisées par Sciarrino s’est révélée conséquente pour :a. mettre en évidence la forma mentis du compositeur et les innombrables aspects de sa personnalité ;b. déceler l’ensemble de normes et de lois qui sont à la base de son langage organique.Sans nous engager dans le domaine sémantique de la musique, nous avons néanmoins réfléchi avec Sciarrino sur le langage musical et sur la question de sa communication. La recherche du compositeur se présente en fait comme un cas particulier de création d’un langage conçu pour le domaine artistique en général et non pas exclusivement pour le domaine musical.Afin de retracer les aspects les plus singuliers de son travail artistique, nous avons mis l’accent sur l’un des concepts fondamentaux de son enseignement : la musique découle entièrement de la réalité sonore qui nous entoure et qui en constitue l’essence. L’événement sonore, conçu en tant qu’organisme vivant, renvoie à l’idée de Sciarrino d’une écoute écologique, qui traduit la faculté de transformation des sons naturels dans le langage musical, à travers une écoute en perspective.Le découpage dramatique et dramaturgique mis en œuvre par le compositeur propose à l’auditeur et à l’interprète de sa musique un véritable travail de perception, à la fois du texte et de la musique, et les plonge dans un monde caractérisé par l’incertitude et l’imperceptibilité. D’où l’originalité de sa recherche musicale et de ses projets dramaturgiques, qui n’ont pas pour objectif de faire coïncider la réalité visuelle avec la réalité sonore, mais de l’évoquer à travers des sons imperceptibles, à la limite du silence
The goal of this research is to shed light on the logical trail that is hidden behind Sciarrino’s compositions for theater; it will help us reduce the distance between the artist and the recipient of his works. At first, we will ponder the cultural circumstances, which played an important and decisive part in the composer’s artistic creations. Then, we will devote time to observe, analyze and understand his first writing on aesthetics : Les figure della musica da Beethoven a oggi.The analysis of the unique musical forms created by Sciarrino will prove useful as we :a. reveal the forma mentis of the composer and the innumerable aspects of his personality ;b. trace his organic language back to the system of norms and laws from which it originates.Without involving ourselves in the category of musical semantics, we will nonetheless consider musical language and its levels of communication. In fact, Sciarrino’s research appears as the special instance of a language that is being created for the artistic world in general and not exclusively for the musical world.In order to recount the most singular aspects of his artistic work, we will focus on one of the fundamental concepts of his teachings : that music derives entirely from the sonic reality, which surrounds us and which therefore constitutes its essence.The sonic event, conceived as a living organism, refers to the idea of ecological listening. It is the faculty of transforming natural sounds within a musical language, by listening in perspective.The dramatic and dramaturgic division put in place by Sciarrino offers the listener and the performer of his music a study on perception, of both text and music, and immerges them in a world characterized by uncertainty and imperceptibility. Hence the originality of his musical research and dramaturgic project, which goal is not to make the visual reality coincide with the sonic reality, but to evoke the former with imperceptible sounds, ones that border on silence

Orientador : Prof. Dr. Maurício Dottori
Dissertação (mestrado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Artes, Comunicação e Design, Programa de Pós-Graduação em Música. Defesa: Curitiba, 24/02/2017
Inclui referências : f. 123-127
Resumo: Memorial da composição de seis peças compostas a partir de ideias e contribuições de James Tenney, Salvatore Sciarrino e outros autores, relacionadas à escuta e a forma musical. O enfoque desta pesquisa tem base na fenomenologia e na percepção da música através de figuras e mecanismos perceptivos. Para Salvatore Sciarrino, são cinco processos formais principais, organizados e chamados de figuras. James Tenney usa a teoria da Gestalt em música, que opera mecanismos de segmentação e agrupamento, em vários níveis hierárquicos de escuta. Ao fim do trabalho apresento as peças e sua análise. Palavras-chave: Forma, escuta, Sciarrino, Tenney, composição.
Abstract: Composition memorial of six works taking in consideration ideas and contributions by James Tenney, Salvatore Sciarrino and other authors, related to listening and musical form. The approach is based on the phenomenology and perception of music through figures and perceptual mechanisms. For Salvatore Sciarrino, there are five main formal processes, organized and called figures. James Tenney uses the Gestalt theory in music, which operates by mechanisms of segmentation and grouping in various hierarchical levels of listening. At the end of the work I present the pieces and analysis. Keywords: Form, hearing, Sciarrino, Tenney, composition.

The dissertation entitled “Salvatore Pugliatti and his own time: for a Law between system and History” examines carefully, in a reconstructive and declarative way, the legal and methodological thought of Salvatore Pugliatti. He was a Sicilian jurist, who died in 1976. His ideas grew and developed in the decades around the half of the last century during which he founded the School of Civil Law at the University of Messina. In order to elucidate his thought, this dissertation faces the study either of Pugliatti’s works directly addressed to the analysis of theoretic and methodological matters, and of those, among his works of positive law, in which it is possible to evict, through his exposition, the fulfilment of his speculative goal somewhere else expressed. For this reason, this work is divided into three chapters. The first one has the aim to frame the scientific figure of Salvatore Pugliatti in his own times, between 1927 and the first half of the seventies, during which he operated, so it reconstructs either the historical elements and the juridical-philosophical and methodological ones which influenced Pugliatti’s thought. From the historical point of view many elements emerge and are considered: the ascent and the fall of Fascist regime, the ruin of the Second World War, the slow rebuilding of the Italian institutional order consequent upon it. From a juridical point of view the most important elements which are examined are: the special legislation of Mussolini’s regime, the fascist re-codification, the Civil Code that came into force in 1942 and, above all, the Constitution, which came forth in 1948, whose formal importance and substantial content obliged the Italian civil law doctrine, and so Pugliatti either, to redefine at least a part of the dogmatic certitudes achieved by juridical science till that moment. Moreover, concerning the philosophical and methodological context, this study inspects the main cultural trends which could have affected Pugliatti’s thought. Firstly, the direction of the juridical-formalistic Positivism which was dogmatic and post-pandettistic: it was inclined to reduce the Philosophy of Law within the borders of juridical science structured in conformity with experimental science. Secondly, the direction graviting in the orbit of Italian juridical Neo-Idealism of Gentile’s actualism and Croce’s historicism, which was inclined to exclude the chance to provide the scientific characteristic both to the Philosophy of Law and to the Juridical Science. Thirdly the direction of the Juridical Empiric Historical Idealism post- Croce which was inclined to make up, starting from Croce’s and Gentile’s idealism, the historical value of juridical character as the point of departure of any form of reflection about Law. In particular Angelo Ermanno Cammarata and Widar Cesarini Sforza embodied this idea and they influenced Pugliatti’s thought. Then the second chapter faces, in light of this context, the real nucleus of Pugliatti’s theoretic reflection, following analytically, through a careful exam of Pugliatti’s contributions dedicated in particular to methodological topics, the lines, even chronological, of his progressive evolution. First of all, this study analyses the first juvenile period of Pugliatti’s scientific production: it appears, considering his theoretic-juridical convincement, as strongly hinged on a methodological paradigm of a strict systematic rigour based on a Positivistic logical juridical nature and on an inevitable dualism between the formal abstractness of the conceptual system created by the jurist and the concreteness of historical interests that originates it. The second, more mature period of Pugliatti’s speculative iter, in the Forties, allows to single out an evolution in his methodological creed: he gathered solicitations coming in particular from his active participation to the well known polemic “about the nature of juridical concepts” and to the debate about the crisis of Law and Juridical Science, but also from his clear interest for Linguistics and from the reading and knowing of eminent figures like Santi Romano and Capograssi. In these years Pugliatti arrived to consolidate his own convincement in a new idea of Jurisprudence, that is qualified as a practical science: in fact it is undoubtedly bond to the real data and functional to the construction of a perfect, abstract, logical and conceptual juridical system, nevertheless it has also to root even in the concrete interest of consociate, in the magmatic flowing of History and in the changeable becoming of rules, so that it remains science, but qualified as a practical one, and it finds in itself the chance of a dialectic composition of the dualism form-substance, abstract-concrete, that, in other way, would remain inerasable. Finally the analysis of the third period of Pugliatti’s thought underlines a gradual perfecting of his conviction previously achieved through a deepening of the problem related to the connection between continuous and discontinuous in Law. The dialectic synthesis of the dualism between form and substance, realised through the conception of Jurisprudence as a practical science, is crystallized in the idea- conclusive in Pugliatti’s methodological course- that the complexity of juridical experience, in which coexist either the juridical synchrony of abstract discontinuous of the Law system or the historical diachrony of mobile continuous of the juridical order tout court (which couldn’t resolve in rule because it is other to them). His final idea is realised in the formula that qualifies Law as a “ synthesis of manifold in one”. At last the third chapter analyses some of the main works of Pugliatti related to some topic of Positive Law in which the author uses his own methodological tool when he faced technical problems of pure civil law. The analysis passes from the representation, whose importance is emphasized by Pugliatti, in the description of the institutes, the concrete and historical relationship between dominus and representer, to the phenomenon of coercive transfer; from the every important studies about properties (where the owner is considered plural, no more singular) to the brief exposition of the dialectic connection existing, according to Pugliatti, between the public and private Law. From this analysis, as a synthesis of the figure of Pugliatti, emerges an image of a complete jurist, gifted with a great culture and a great juridical background, constantly researching for a clarification of methodological criteria of his own action; moreover, even though his thought never manages to emancipate completely from the persistence of the dualism between abstract and concrete, between form and History, which juridical science seems condemned to, refalling into a juridical Positivism only partly, critically and consciously subdue, Pugliatti’s thought anyway leaves, as a methodological inheritance for the jurist of today, a deep and bright breath of his own solid complexity, based on the intuition of the constant necessity of exegesis and of multidisciplinary, of the strong need of the reference to a positive data and of the fundamental necessity to calibrate any philosophical, methodological or legal reflection, on and with Law, within an historical and concrete frame of reference.
L’elaborato, dal titolo “Salvatore Pugliatti e il suo tempo: per un diritto tra sistema e storia”, effettua una disamina ricostruttiva ed espositiva del pensiero giuridico e metodologico di Salvatore Pugliatti, giurista siciliano dei decenni posti a cavallo della metà del secolo scorso, morto nel 1976, fondatore della Scuola di diritto civile dell’Università di Messina, affrontando lo studio sia delle opere dell’Autore direttamente indirizzate all’analisi di questioni di indole teorico-metodologica, sia di quelle, tra le sue opere di diritto positivo, in cui è dato evincere, nelle pieghe dell’esposizione, l’attuazione dei traguardi speculativi di fondo altrove espressi. A tale scopo, il lavoro è ripartito in tre capitoli. Il primo di essi si prefigge l’obiettivo di inquadrare la figura scientifica di Salvatore Pugliatti entro il contesto temporale, compreso tra il 1927 e la prima metà degli anni Settanta, in cui l’Autore ha operato, ed è dedicato alla ricostruzione sia delle componenti storiche, sia di quelle più specificamente giuridico-normative e filosofico-metodologiche, che ne hanno maggiormente influenzato il pensiero. Se, dal punto di vista storico, emergono, e vengono analizzati, l’ascesa e la caduta del regime fascista, lo sfacelo della seconda guerra mondiale, e la lenta ricostruzione dell’assetto istituzionale italiano ad essa susseguente, dal punto di vista normativo assumono rilievo, e vengono via via analizzati, la legislazione speciale del regime mussoliniano, la ricodificazione fascista, l’entrata in vigore del Codice Civile del 1942 e, soprattutto, l’irrompere della Costituzione del 1948, che, per la sua portata formale e per il suo contenuto sostanziale, ha costretto la dottrina civilistica italiana, e dunque anche Pugliatti, a ridefinire quantomeno parte delle certezze dogmatiche sino ad allora raggiunte dalla scienza giuridica. Per quanto riguarda, inoltre, il contesto più marcatamente giusfilosofico e metodologico di riferimento, l’elaborato passa in rassegna le principali tendenze culturali che si sono manifestate suscettibili di influire sul pensiero di Pugliatti, ossia, più specificamente: in primo luogo, l’indirizzo, normativista ed astrattizzante, proprio del positivismo giuridico formalistico di matrice dogmatica e postpandettistica, tendente a ridurre la filosofia del diritto entro i confini della scienza giuridica strutturata secondo il metodo delle scienze sperimentali; in secondo luogo, l’indirizzo, gravitante nell’orbita del neoidealismo giuridico italiano, proprio dell’attualismo gentiliano e dello storicismo crociano, tendente ad escludere, seppure per vie diverse, la possibilità di munire del carattere della scientificità tanto la filosofia del diritto quanto la scienza giuridica; in terzo luogo, l’indirizzo, proprio del cosiddetto idealismo giuridico post-crociano empirico-storicistico, in cui spiccano, per l’influenza che hanno avuto sulla riflessione pugliattiana, le figure di Angelo Ermanno Cammarata e Widar Cesarini Sforza, e tendente a recuperare, a partire dall’idealismo stesso di Croce e Gentile, il valore storicamente concreto della giuridicità da cui promana qualsiasi forma di riflessione sul diritto. Il secondo capitolo affronta invece, alla luce di un simile contesto, il nucleo vero e proprio della riflessione teorica di Pugliatti, seguendo analiticamente, attraverso la disamina dei contributi dell’Autore dedicati a tematiche di indole specificamente metodologica, le linee anche cronologiche della sua progressiva evoluzione. L’elaborato analizza, innanzitutto, la prima fase, giovanile, della produzione scientifica pugliattiana, che appare ancora fortemente incardinata, sotto il profilo dei convincimenti teorico-giuridici, sui paradigmi metodologici di un deciso rigore sistematico di natura logico-normativista e di matrice giuspositivistica, e di un inevitabile dualismo tra le astrattezze formali del sistema concettuale elaborato dal giurista e la concretezza degli interessi storici ad essi sottesi ma ad essi, necessariamente, anche rigorosamente estranei. La seconda fase, più matura, dell’iter speculativo di Pugliatti, relativa agli anni Quaranta, consente di individuare un’evoluzione nel credo metodologico dell’Autore: raccogliendo le sollecitazioni provenienti in modo particolare dalla sua partecipazione attiva alla nota “polemica sulla natura dei concetti giuridici” e al dibattito sulla “crisi” del diritto e della scienza giuridica, ma provenienti anche dal manifestato interesse per la linguistica e dalla lettura e conoscenza di figure eminenti come Santi Romano e Capograssi, Pugliatti giunge in questi anni a consolidare i propri convincimenti in una concezione rinnovata di giurisprudenza, che viene qualificata come scienza pratica, cioè come scienza che, senza dubbio ancorata al dato positivo e funzionale alla costruzione di perfetti sistemi giuridici astratti, logici e concettuali, non può tuttavia non radicarsi, traendone origine, anche negli interessi concreti dei consociati, nel fluire magmatico della storia, e, con esso, nel divenire mutevole delle norme, così che essa, rimanendo scienza, ma qualificandosi come scienza pratica, trova dunque in sé stessa la possibilità di una composizione dialettica del dualismo forma-sostanza, astratto-concreto, che altrimenti rimarrebbe insopprimibile. L’analisi della terza fase del pensiero di Pugliatti, infine, evidenzia nell’Autore il graduale perfezionamento, operato attraverso l’approfondimento della problematica relativa al rapporto tra il “continuo” e il “discontinuo” nel diritto, dei convincimenti precedentemente acquisiti: la sintesi dialettica del dualismo tra forma e sostanza, operata attraverso la concezione della giurisprudenza come scienza pratica, si cristallizza così nell’idea – conclusiva del percorso metodologico di Pugliatti – secondo cui la complessità dell’esperienza giuridica, nella quale convivono la sincronia giuridica del discontinuo astratto del sistema normativo e la diacronia storica del continuo mobile dell’ordinamento giuridico tout court (che non si risolve nelle norme poiché è anche altro rispetto ad esse), trova compimento nella formula che qualifica il diritto come “sintesi del molteplice nell’uno”. Il terzo capitolo analizza, infine, alcune tra le principali opere di Pugliatti relative a tematiche di diritto positivo in cui l’Autore impiega, nel momento in cui affronta questioni tecniche di puro diritto civile, lo strumentario metodologico di cui si è dotato: l’analisi passa dalla rappresentanza, di cui è valorizzato da Pugliatti il rilievo che assume, nella descrizione dei caratteri dell’istituto, il concreto e storico rapporto sottostante di gestione tra il dominus e il rappresentante, al fenomeno dei trasferimenti coattivi, dagli importantissimi studi pugliattiani sulle proprietà (in cui l’istituto proprietario è considerato al plurale, non più al singolare, stante la polverizzazione delle tipologie di diritti dominicali rinvenibili nell’ordinamento a fronte della diversificazione dei soggetti titolari del diritto e delle funzioni proprie dei singoli beni che ne sono oggetto), alla breve esposizione del rapporto dialettico intercorrente, per Pugliatti, tra il diritto pubblico e il diritto privato. Dall’analisi effettuata emerge, quale sintesi della figura di Pugliatti, l’immagine di un giurista completo, dotato di un forte bagaglio culturale e giuridico, costantemente proteso verso la ricerca di una chiarificazione dei criteri metodologici del proprio operare, il cui pensiero, se non riesce invero mai ad emanciparsi completamente dalla persistenza del dualismo tra astratto e concreto, tra forma e storia, cui la scienza giuridica sembra essere condannata, ricadendo tendenzialmente entro le spire di un normativismo positivista solo parzialmente, criticamente e consapevolmente attenuato, lascia comunque, come eredità metodologica per il giurista di oggi, il respiro lucido e profondo della propria solida complessità, fondata sull’intuizione della necessità costante dell’esegesi e della multidisciplinarietà, dell’altrettanto forte necessità del riferimento al dato positivo, e dell’insopprimibile necessità di calibrare qualsiasi riflessione, sia essa filosofica, metodologica o di diritto positivo, sul e col diritto, all’interno della cornice storica e concreta di riferimento.

2009 - 2010
Il lavoro di testi ha avuto come obiettivo la trascrizione da manoscritto autografo delle prime due cantiche del poema dantesco, tradotto integralmente nel dialetto di Acri (Cosenza) da Salvatore Scervini. La trascrizione è stata corredata da note di commento e di traduzione, da una Nota al testo e da una ricca Bibliografia. Salvatore Scervino – letterato, appartenente al ceto medio-borghese – è stato l’unico ad aver tradotto l’intera Commedia e in arco di tempo breve, dal 1889 al 1893. La traduzione scerviniana s’impone sulle altre traduzioni calabresi ottocentesche per la sua completezza, per le sue qualità letterarie, nonché per la ricerca linguistica e stilistica. Essa asseconda una tendenza ideologico-culturale che ha visto in Dante il poeta della protesta, della palingenesi, dell’italianità in un’Italia finalmente unita. È stato trascritto con molta cura il testo delle prime due cantiche, conservato manoscritto nella Biblioteca privata della famiglia Scervini di Acri; sono stati seguiti i criteri invalsi nelle edizioni moderne di testi dialettali di area meridionale, segnalando con segni diacritici le particolarità fonetiche del dialetto acrese, per rendere, in tal modo, più agevole la lettura e la comprensione della versione dialettale. L’interpretazione di voci ed espressioni oscure ha richiesto la consultazione di dizionari specifici, nonché di saggi dialettologici, che avvicinano alla conoscenza di un dialetto piuttosto arcaico dell’area cosentina. Dal lavoro di ricerca e di analisi attenta ed articolata, per alcuni versi anche interdisciplinare, è emerso con la testimonianza della fortuna di Dante in Calabria, anche il contributo dato dalle traduzioni dialettali al cosiddetto canone plurilingue della civiltà letteraria italiana. [a cura dell’autore]
IX n.s.

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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
This study aimed to describe how extended techniques are related to sound settings and the concept of "sound figures" described by Salvatore Sciarrino, used in his pieces for solo flute, published in the book L'Opera per Flauto. Such techniques and figures are fundamental to an understanding of his works. In our analytical reading, we started from the methodological considerations of the composer, described in the book Le Figure della Musica da Beethoven a oggi, which proposes a methodology of analysis based on the concept of "sound figures" - a criteria imported from the visual arts. These sound figures are also present in his compositional works, in a way that they interact with the musical discourse organization. It was sought an understanding of how visual criteria established in its methodology also encompassed the formal considerations of his works for solo flute. So, two different methodologies were used: the qualitative one, based on the theoretical assumptions of the composer; and the quantitative one, based on the spectral analysis of the audio recordings of the pieces. Our goal was to investigate and describe the trajectory of the partial over the time, in order to investigate and demonstrate concepts created by the composer through the proposed analysis.
A presente pesquisa teve como objetivo descrever como as técnicas expandidas estão relacionadas com as configurações sonoras e as figuras descritas por Salvatore Sciarrino e utilizadas em suas peças para flauta solo, publicadas no caderno L Opera per Flauto. Tais técnicas e figuras são fundamentais para a compreensão de suas obras. Em nossa leitura analítica, partimos das considerações metodológicas do compositor, descritas no livro Le Figure della Musica da Beethoven a oggi, no qual propõe uma metodologia de análise baseada no conceito de figuras sonoras - um critério importado das artes visuais. Essas figuras sonoras estão presentes também no plano composicional de suas obras, de maneira que interagem na organização do discurso musical. Assim, buscamos compreender como critérios visuais estabelecidos em sua metodologia englobaram também as considerações formais de suas obras para flauta solo. Para tanto utilizamos duas metodologias distintas: a qualitativa, que parte dos pressupostos teóricos do compositor; e a quantitativa que parte da análise espectral das gravações em áudio das peças. O objetivo é investigar e descrever o comportamento geral dos parciais no decorrer do tempo, com intuito de averiguar e evidenciar, através das análises propostas os conceitos formulados pelo compositor.

Cette thèse se propose de mette en évidence la façon dont Salvatore Quasimodo perçoit le sensible comme un tissu de « signes » qu’il apparente à des messages de l’invisible. Celui-ci les guette dans une quête spirituelle et existentielle générée par son incapacité à habiter harmonieusement le sensible, qu’il tente de combler par un rapport fusionnel à l’invisible : ses premiers poèmes s’apparentent à une solipsiste et onirique sublimation de la souffrance du « je » lyrique dont Dieu est l’interlocuteur unique, dans un dialogue où les mots sont remplacés par les signes. La seconde guerre mondiale introduit un premier changement d’indexation dans le rapport du poète au monde, l’obligeant à une redéfinition de son rapport à l’invisible et, par conséquent, au sensible. Son catholicisme se mue alors en humanisme, manifestation laïque d’une foi qui, elle, ne vacille pas. Au moment où il cesse de croire en Dieu, le poète se met à croire en l’homme. Cet élan enthousiaste est cependant de courte durée : l’homme dont Quasimodo avait rêvé de faire un héros se révèle aussi décevant que Dieu. Le poète se sent alors trahi par l’un comme par l’autre et constate avec amertume la déréliction des signes. Le dernier recueil du Sicilien, Dare e avere, introduit une ultime rupture dans son rapport au monde : celui-ci apparaît soudainement comme réconcilié avec le sensible comme avec l’invisible, dans une plénitude épiphanique. Mais ce qui pourrait à première vue apparaître comme l’accomplissement heureux d’un douloureux parcours initiatique se révèle trompeur : ces derniers recueils sont en réalité une sublimation littéraire de la terreur que ressent le poète à l’approche de la mort
This thesis aims to show that Salvatore Quasimodo apprehends the physical​​ world as a network of signs he identifies as messages from the invisible world. He watches out for them in a spiritual and existential quest originating in his inability to live in harmony in the physical world, which he tries to overcome by developing a close relationship with the invisible world. His early poems display the solip​si​​stic sublimation of the sufferings of the poetic voice conversing with God, words being replaced with signs. The Second World War brings about the first major adjustment in the poet's relation to the world, leading him to reconsider his relation to the invisible and, consequently, to the physical world. This is when his Catholic faith turns into a form of humanism, the non-religious expression of an unfaltering faith. As the poet stops believing in God, he starts believing in man. But this fervour does not last, as Quasimodo understands that men are just as cruel as God. The poet Now feeling betrayed by both, the poet acknowledges the dereliction of signs. His last collection, Dare e avere, displays a last alteration in his relation to the world, as he appears to be reconciled with both the physical and the invisible worlds. But what might appear as the happy outcome of a painful initiatory journey proves deceptive : the last collections of poems are actually but a way for the poet to sublimate his growing terror of approaching death

Ce travail met en relation l’expérience musicale du compositeur italien Salvatore Sciarrino avec un bouleversement esthétique qui a secoué l’histoire des idées à partir des années 70, et qui a déplacé l’attention de l’objet vers le sujet, au sein du rapport entre homme et monde. On essaye d’examiner un phénomène particulier de ce tournant - l’intégration de l’esthésique dans le poïétique - dont l’oeuvre de Sciarrino présente, selon notre hypothèse, des symptômes significatifs : la prise en charge, par le compositeur, de la phénoménologie de la réception de l’oeuvre. Cette prise en charge se concrétise à différents niveaux, qu’on a essayé de réduire en trois composantes : une sensibilité aux aspects communicationnels de l’oeuvre ; une recherche sur l’écoute en tant qu’activité cognitive ; une prise de conscience que l’écoute est une activité qui dépasse les limites de la pure perception et qui implique des problématiques de nature phénoménologique et herméneutique. Ce travail montre comment ces aspects s’intègrent dans l’oeuvre de Sciarrino, à travers une analyse transversale de ses écrits (analyse du poïétique), et d’une sélection de ses pièces, dont on met en évidence les possibles stratégies perceptives et cognitives engendrés par leur réception (analyse esthésique inductive). Les cas de Lohengrin et de Vanitas, en particulier, montrent que la tactique de gestion de la temporalité de ces oeuvres correspond à leur contenu poétique et que, par conséquent, l’oeuvre sciarrinienne vise à transmettre non pas seulement un message musical mais aussi le mécanisme cognitif apte à le percevoir. C’est pourquoi on parle, à propos de l’oeuvre sciarrinienne, de composition de l’écoute
This work tries to relate the musical experience of the Italian composer Salvatore Sciarrino with an aesthetic turn that has characterized the history of ideas at the beginning of the 70’s : the shift of attention from the object to the subject, about the relationship between man and world. We try to examine a particular aspect of this turn - the integration of estesic level in the poietic one - of which characteristics appear, according to us, in Sciarrino’s work. This integration consists in the “assumption” of the reception of a work by its composer. This assumption may show itself in different ways : an attention to the communicative aspects of music, a research focused on listening as a cognitive activity, the consciousness about the hermeneutical and phenomenological dimensions that make listening something more than a mere perception. We try to show how these aspects mix in Sciarrino’s works, by means of an analysis of poietic level (Sciarrino’s writings and notes) and by means of an estesical and inductive analysis of a selection of Sciarrino’s scores. The examples of Lohengrin and Vanitas, in particular, show that the temporal conduction of these works correspond to their poetic meaning, and that Sciarrino’s music intend to communicate not only a “musical message”, but also the cognitive structure for receiving it. That is why we define Sciarrino’s working as a “listening’s composition”

This paper presents a discussion of functional silence in contemporary classical music with a particular focus on the music of Salvatore Sciarrino and Jürg Frey, two composers whose drastically-contrasting bodies of work both occupy the interstitial space between the audible and inaudible. To begin, I address three main questions: what are the functions of silence in a musical context, how do the characteristics of a work affect our perception of these silences, and how do these functions relate to our perception of music on the edge of silence. In answering these first two questions, I discuss three categories of silence---temporal, spatial, and gestural---which I use in a silence-centric analyses of Sciarrino's Let me die before I wake, Allegoria della notte, and Infinito Nero, as well as Frey's Streichquarttet III. To further apply these concepts to music on the edge of silence, I provide a fourth category---timbral silence---which describes the perception of absence or silence within the presence of sound and allows for the application of existing functional principles of silence to sounding events. In turn, this allows us to understand the music of Sciarrino and Frey in terms of timbral completion and timbral dissolution, respectively. Having established a theoretical framework for understanding the function of silence, the second half of this paper discusses the composition of A Moment on the In-between, my 2018 work for string quartet, with a focus on the intentional application of these principles of functional silence within the piece.

La tesi illustra gli step che hanno portato all’ottimizzazione del processo di gestione e riordino delle spare parts legate o meno a richieste di riparazione di merce usata proveniente dal cliente finale del canale Retail di un’azienda operante nel settore lusso, la Salvatore Ferragamo S.p.A.. Durante il periodo di tirocinio della durata di 6 mesi, ho avuto la possibilità di affiancare i responsabili del progetto soprattutto nella fase di definizione delle specifiche funzionali di un software tramite il quale gestire le richieste di riparazione e gli ordini di parti di ricambio, da distribuire a livello worldwide a tutti gli attori coinvolti nel processo. Il progetto sviluppato assume particolare rilevanza per l’azienda, in quanto il flusso legato alle spare parts risultava totalmente destrutturato e difficile da tracciare in tutte le sue fasi, e ciò comportava diverse criticità, tra cui in primis il disservizio nei confronti del cliente finale, costretto ad aspettare anche mesi per avere indietro un prodotto riparato. Grazie alla collaborazione di personale dell’azienda proveniente dalle funzioni Logistica, IT e Sviluppo Prodotto e al supporto di sviluppatori esterni è stato possibile creare uno strumento semplice da utilizzare, ma che permettesse allo stesso tempo di strutturare e monitorare il processo e raccogliere dati per elaborare statistiche funzionali ad un suo miglioramento, tutto ciò con l’obiettivo finale di offrire al cliente un livello di servizio adeguato al settore in cui l’azienda opera. Nelle pagine successive verranno illustrate in maniera approfondita tutte le fasi che hanno condotto al risultato finale, fino alla pianificazione del lancio del software agli utenti di tutto il mondo.

Le langage de Salvatore Sciarrino et celui de Brian Ferneyhough sembleraient aux antipodes : l’un doté d’une ligne épurée de tout excès, l’autre avec une notation surchargée de détails. La structure temporelle de leurs langages pourraient toutefois trouver un point de contact dans deux pièces pour flûte seule : L’orologio di Bergson de Sciarrino et Carceri d’Invenzione IIb de Ferneyhough. La pièce de Sciarrino est structurée sur la périodicité de certains éléments qui, par leur récurrence, créent une sensation de temps circulaire. Celle de Ferneyhough, bien que plus complexe à la surface, emploie la même idée de récurrence du matériau. La simplicité des éléments sonores de Sciarrino laisse la place à des unités de matériau incandescentes. Cette thèse a comme but de montrer une certaine similarité quant à la gestion du temps, et quant à son déroulement. L’analyse de plusieurs interprétations montrera aussi comment les interprètes s’approprient cette conception temporelle
At first impression, the language of Salvatore Sciarrino and that of Brian Ferneyhough seem to be antipodes, two extremes exactly opposite to each other: one simple, pure, deprived of any unnecessary excess, while the other rich, complex, decorated with all the possible details. However, in these two pieces for flute solo, there is a common ground that can be found: L’orologio di Bergson of Salvatore Sciarrino and Carceri d’Invenzione IIb of Brian Ferneyhough. The piece of Sciarrino is structured on the periodicity of certain elements, by their recurrence, which create a sensation of circular time. While the piece of Ferneyhough, although, seemingly much more complex, employs the same idea of recurrence of the material. The simplicity of the sonic elements of Sciarrino gives the space to the unity of the incandescent materials. The objective of this thesis is to demonstrate some certain similarity, concerning the time management and its development. The analysis of several interpretation also shows how the interpreters adapt themselves to this time conception

La premiere moitie du xxe siecle peut etre consideree comme l'ere des dictateurs en europe. Par contre, la fin du siecle ne confirme pas seulement l'ecroulement de ces systemes totalitaires, mais aussi la faillite morale et politique de ces ideologies utopiques. Ces dictateurs historiques sont discredites pour leur volonte de puissance absolue et pour leurs promesses chimeriques, ils sont denonces car ils ont cause un grand nombre de pertes humaines. Les dramaturges qui prennent ces personnages historiques et contemporains comme modeles pour leurs figures theatrales representent essentiellement deux aspects caracteristiques : les mecanismes de la seduction demagogique et les consequences terribles d'une << persuasion coercitive >>. Les pieces choisies montrent et les moyens de la mythification du dictateur et les souffrances humaines subies par la terreur totalitaire. Le theme central devoile l'imposture de ces personnages, divinises pendant leur regne. Certes, les procedes de demythification varient d'un dramaturge a l'autre, mais leur souci commun consiste a condamner le portrait d'une figure sacree. Le persiflage et la derision participent d'une maniere efficace a ridiculiser la figure toute puissante. Les dramaturges revelent derriere l'image mythique un homme banal et mortel, un menteur criminel et un faux prophete avec ses faiblesses et ses incapacites. Les pieces n'insistent pas seulement sur la falsification de la realite par la propagande mensongere, mais aussi sur l'elaboration systematique d'un personnage divinise. Si les dramaturges negligent certains elements reels et simplifient la complexite politique, ils soulignent pourtant une complicite irrationnelle entre la volonte du dictateur et l'attente d'un peuple abuse. Cette magie charismatique est denoncee par l'analyse de divers aspects typiques : la vacuite du dogme politique, la persuasion indirecte par le symbolisme omnipresent, par le culte du dictateur, par l'exploitation de l'art au service du systeme. Cependant, la representation de la monstruosite de ces figures totalitaire et leur surveillance policiere du caractere terroriste a travers le calvaire des adversaires, des exclus, des ennemis reste le theme central du theatre politique. La destruction de la figure ne peut pas effacer les pertes humaines, la degradation des valeurs et le deperissement de la liberte.

Une terre exotique aux moeurs archaïques, peuplée de bandits et marquée par la vendetta : c'est ainsi qu'a principalement été représentée la Sardaigne, pendant de nombreuses années, par un cinéma dit “sarde” s‟inspirant des classiques de la littérature deleddienne et de certains faits divers, et le plus souvent réalisé par des non Sardes. L‟image de l'île et des ses habitants a été forgée par le recours à un grand nombre de stéréotypes, parfois perçus comme outranciers par les spectateurs sardes. À la fin des années 80 apparaissent les premiers signes significatifs d‟une “réappropriation” du cinéma sarde par les Sardes eux-mêmes. Progressivement (et surtout dans les années 2000), plusieurs réalisateurs proposent de nouvelles approches des représentations filmées de leur île, jusqu‟à la constitution plus ou moins consciente d‟un mouvement non officiel appelé “nouveau cinéma sarde” : G. Cabiddu, G. Columbu, P. Sanna, S. Mereu et E. Pau en sont les représentants. Cette étude se propose d‟analyser, par le traitement des oeuvres significatives et une approche sociologique du mouvement, le phénomène collectif du “nouveau cinéma sarde” et les démarches individuelles des auteurs qui le composent, plaçant l‟identité au coeur de la question. Partant du modèle imposé par la littérature et le cinéma relatifs à la Sardaigne, les “nouveaux” cinéastes sardes ont su créer une cinématographie sarde basée sur l‟interprétation et la ré-élaboration des stéréotypes, dans une démarche visant à offrir une nouvelle vision de l‟île, de ses habitants et de leurs pratiques, à une instance spectatorielle hétérogène, à travers les différentes formes de distribution de leurs oeuvres
An exotic territory with archaic standards, populated by bandits and marked by vendetta : this is how has mainly been represented Sardinia for many years, by so called “Sardinian” movies inspired by the classics of deleddian literature and some news items, usually directed by non-Sardinians. The image of the island and its people was forged by using a large number of stereotypes, sometimes seen as outrageous by Sardinian spectators. In the late 80‟s had appeared the first significant signs of a Sardinian cinema “reappropriation” by the Sardinians themselves. Progressively (and especially in the 2000‟s), several directors propose new approaches to filmed representations of their island, until the more or less conscious constitution of an informal movement called “new Sardinian cinema” : G. Cabiddu, G. Columbu, P. Sanna, S. Mereu and E. Pau are its main representatives. This study aims to analyze, through the treatment of major works and a sociological approach to the movement, the collective phenomenon of “new Sardinian cinema” and the individual efforts of the authors who make it up, placing the identity to the heart of the matter. Leaving from the model imposed on Sardinia by literature and cinema, the “new” Sardinian directors have created a Sardinian film-making based on the interpretation and re-development of stereotypes, whose wants to offer a new vision of the island, its people and their practices, to a heterogeneous spectatorial instance, through the various forms of distribution of their works

Orientador: Maria Betania Amoroso
Dissertação (mestrado) - Universidade EStadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem
Made available in DSpace on 2018-08-13T14:46:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aguedo-Silva_JoseLuis_M.pdf: 911871 bytes, checksum: 44097ad9cd9946bce1fdcec2925e4b07 (MD5) Previous issue date: 2009
Resumo: A ópera sempre teve, desde seus primórdios, uma grande importância para a sociedade, tanto como fonte de lazer como transmissora do pensamento de uma época. E era esta característica que Giuseppe Mazzini (1805-1872), o maior teórico do Risorgimento, considerava primordial: a ópera repassaria a seus ouvintes os ideais risorgimentali. Para isso, era necessário que sobretudo libretistas e compositores estivessem engajados nessa causa. Era o caso de um dos mais representativos libretistas do século XIX, Salvatore Cammarano (1801-1852), prolífico autor, que escreveu libretos para diversos compositores em quase vinte anos de carreira. Dada a sua importância para a História da ópera, enquanto um de seus criadores mais ativos, ele foi escolhido como o objeto principal de nossa pesquisa. Tomamos como objeto de estudo, entre os mais de trinta libretos que Cammarano escreveu, a obra que consideramos a síntese do período: Il Trovatore (1853), ópera em quatro partes com música de Giuseppe Verdi (1813-1901). Il Trovatore nos parece essencial para ir mais a fundo nas pesquisas sobre o Romantismo na Itália. Numa época em que o romance tentava se fixar, a ópera teve uma participação fundamental na divulgação não só dos ideais do Risorgimento, como já citado, mas também na propagação de elementos do movimento romântico, então em voga. Na ópera, o período que coincide com o Romantismo europeu costuma ser chamado Bel Canto tardio, e são consideradas suas datas limite os anos de 1823 (quando da première da Semiramide, de Gioacchino Rossini e Gaetano Rossi) e 1853 (justamente com a Il Trovatore - sendo este mais um motivo para a escolha dessa obra). Dentre os objetivos de nossa pesquisa está o de proporcionar um estudo em português sobre o libreto, uma vez que a literatura relacionada ao assunto é escassa em nossa língua. Além disso, quisemos fazer um panorama da evolução do texto operístico com o passar do tempo, mostrando diferenças e pontos de vista, culminando na última obra de Cammarano, analisada mais profundamente
Abstract: Opera has always had, since its first years, a great importance to society, as a source of leisure and as a transmitter of the thoughts of a time. And the last characteristic is the one which Giuseppe Mazzini (1805-1872), the most important theorist of Risorgimento, considered essential: opera would be able to pass to its listeners the risorgimentali ideals. In order to do that, it was necessary that librettists and composers were engaged in this cause. That was the case of one the most representatives librettists of the 19th century, Salvatore Cammarano (1801-1852), prolific author, who wrote librettos for several composers in almost twenty years of a career. Given his importance to opera history, as one of its most active creators, he was chosen as the main object of our research. We chose to study, among more than thirty librettos written by Cammarano, the work that we consider the synthesis of the period: Il Trovatore (1853), opera in four parts set to music by Giuseppe Verdi (1813-1901). Il Trovatore seems essential to us in order to go further in our understanding of Italian Romanticism. In a time when the novel tried to fix itself, opera had a fundamental participation in spreading not only the risorgimentali ideals, as already said, but also the Romantic elements present in the age. In opera, the period which coincides with the European Romanticism is usually called late Bel Canto, and its limit dates are 1823 (when Semiramide, by Gioacchino Rossini and Gaetano Rossi was premièred ) and 1853 (with Il Trovatore). Among the objectives of our research is to provide a study in Portuguese about libretto, since the literature related to this subject is scarce in our language. Besides, we wanted to make an overview of the evolution of operatic text over time, showing differences and points of view, culminating in the last work of Cammarano, which we analyzed more profoundly
Mestrado
Literatura e Outras Produções Culturais
Mestre em Teoria e História Literária