Dissertations / Theses on the topic 'Saint Art'
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Spangler, Ashley Kay. "Hon's Anatomy: The Heart of Niki de Saint Phalle's Oeuvre." Bowling Green State University / OhioLINK, 2019. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=bgsu1555591478935112.
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Starzyk, Mary Celeste. "Bernini: The Magic Art." Kent State University / OhioLINK, 2019. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=kent1571831670841782.
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Dimakis, Dimitrios. "Un honnête homme philosophe, Saint-Evremond : libre pensée et art de vivre." Aix-Marseille 1, 1991. http://www.theses.fr/1991AIX10021.
Full textAbstract:
Un honnete homme philosophe, saint-evremond : libre pensee et art de vivre. Saint-evremond est surtout connu en tant qu'aimable epicurien et tres souvent cite comme le vieil amoureux de la duchesse de mazarin, ou comme l'un des meilleurs et fideles amis de ninon de lenclos, la fameuse courtisane spirituelle. Cette opinion parait depassee et peu acceptable pour l'honneur de cet honnete homme du dixseptieme siecle qui se presente avant tout dans l'histoire litteraire comme l'un des philosophes les plus pragmatiques, un precurseur de la philosophie du siecle des lumieres. On se consacrera donc a synthetiser ses idees philosophiques et a les mettre en rapport avec sa conduite mondaine et sociale. Comment saint-evremond parvient-il a construire sa propre doctrine ? par quel moyen reussit-il a se liberer du savoir preconcu ? que propose sa philosophie qui s'accomplit principalement dans l'homme mondain ? sa conduite contredit-elle ses enseignements philosophiques ou saint-evremond jouit-il d'un equilibre intellectuel ? pour satisfaire a toutes ces questions, on a cru necessaire de commencer cette enquete par l'etude de la formation intellectuelle et pholosophique de saint-evremond avant d'analyser le personnage dans sa plus complete maturite. Cette approche de saint-evremond, qui consiste a comparer les differents philosophes ou personnages qui l'ont influence, demontrera combien il est redevable a certaines ideologies et a certains courants de pensee. Ayant atteint l'elevation spirituelle, philosophe accompli, saintevremond evolue avec elegance et intelligence dans les milieux mondains, cosmopolitesSaint-evremond is most of all known as a kind epicurien and has often been quoted as the lover of the dutchess de mazarin or as one of the best and faithful friend of ninon de lenclos, the famous spiritual courtesan. This opinion seems past beyond and rather acceptable for the honour of this seventeenth century "honnete homme" who has a share in the litterary history as one of the most pragmatical philosophers, a precurseur of the philosophy of the "siecle des lumieres". Whe shall so devote, on synthesizing his philosophical ideas liking them to his mundane and social behaviour. How did saint-evremond manage to built his own doctrine ? how did he free himself from preconceived knowledge ? what does propund his philosophy which mainly achieves itself in the "man about town" ? dies his behaviour contradict his philosophical teachings or does he enjoy an intellectual balance ? to satisfy to all these questions, it has been believed necessary to start this inquiry by studing saint-evremond's intellectual et philosophical formation before analysing the presonnage in his complete maturity. This saint-evremond's approach, which consists in comparing the different philosophers or personnalities who influenced him, will demonstrate how much he owes to certain ideologies or current ways of thinking. Having reached spiritual elevation, accompliched philosopher, saint-evremond, evolves with elegance and intelligence in the mundaine and cosmopolitan spheres, in
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Renoue, Marie. "L'abbatiale Sainte Foy de Conques : de nouveaux vitraux et une nouvelle lumière : une approche sémiotique d'oeuvres d'art." Toulouse 2, 1995. http://www.theses.fr/1995TOU20017.
Full textAbstract:
En nous inspirant des travaux recents de la semiotique greimasienne et de la theorie phenomenologique qui la sous-tend, nous proposons une etude semiotique d'oeuvres d'art, situes dans leur contexte paradigmatique et syntagmatique, les vitraux concus en 1994 par p. Soulages par l'abbatiale romane sainte foy de conques et la lumiere qu'ils diffusent. Nous en offrons une analyse descriptive, ou etudes du plan de l'expression, interpretations narratives et semantiques se croisent, et tenton de les aborder sous un angle esthertique, en les considerant en interaction avec une instance observatrice-esthete presupposee.
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Raynor, Rebecca Elizabeth. "In the image of Saint Luke : the artist in early Byzantium." Thesis, University of Sussex, 2013. http://sro.sussex.ac.uk/id/eprint/45102/.
Full textAbstract:
This thesis discusses the role and place of artists who painted icons in Early Byzantium. To date, they have not been the focus of much academic attention. Instead, information about artists is spread across a range of discussions concerning Byzantium and the history of art. This thesis collates and interprets the empirical and theoretical evidence to concentrate on the people who produced religious portraits before Iconoclasm. In so doing, I seek to further our understanding of these individuals, and offer a more nuanced view of their socio-cultural context, their practices, and the images they painted. This thesis is structured around two definitions of what the Early Byzantine artist could be: ideal and real. I start with the legend that St Luke painted portraits of Christ and the Virgin from life. Part One, ‘The Ideal Artist', considers in turn: the legend of St Luke as an artist and its origins; Luke as an ideal artist; and two other ideal artists: God and the emperor. Part Two, ‘The Real Artist', considers in turn: icons; literary and legislative texts; and finally the motivation for producing religious imagery before the eighth century. The anonymity of artists working in the Early Byzantine period seems to have delayed scholarly interest in them. In this thesis, however, I consider their anonymity as crucial evidence for who artists were: believers. Christian faith in Byzantium is a recurrent theme in this thesis. I argue that artists practiced humility by not signing their work and painted icons to demonstrate, develop, and deepen their love for God. Further, I argue that artists who depicted Mary and Jesus as Mother and Child, as Luke had done, imitated the Evangelist and participated in his image.
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Dobrynin, Laura. "Bulgarini, Saint Francis, and the Beginning of a Tradition." Ohio University / OhioLINK, 2006. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=ohiou1149520563.
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Ionescu, Daniela. "The Romanian Blouse| From Matisse to Queen Marie of Romania and Yves Saint Laurent." Thesis, California State University, Long Beach, 2019. http://pqdtopen.proquest.com/#viewpdf?dispub=10979593.
Full textAbstract:
Between 1937 and 1943 the Romanian blouse plays a more pivotal role than previously acknowledged in Matisse's development of a pictorial sign language. Its embroidered oak leaf motif eventually evolves into an abstract symbol of élan vital that animates the artist's late cutouts. By tracking the Romanian blouse, this thesis offers a counter-narrative to the standard monographic study or formal reading of Matisse’s work. We learn the back story of how the blouse becomes a fashion trend set by Queen Marie of Romania who used her celebrity and national dress to promote the welfare of the Romanian people following WWI. We also see how appropriation turns into misappropriation when fashion designer Yves Saint Laurent’s 1981 collection inspired by Matisse’s images of the blouse introduce a broadly defined ethnic fashion into haute couture.
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Perez, Abraham B. "Film d'Art and Saint-Saens| Pioneers in creating art through silent film and music." Thesis, California State University, Long Beach, 2015. http://pqdtopen.proquest.com/#viewpdf?dispub=1572846.
Full textAbstract:
Film d'Art, the French production company responsible for the development of Henri Lavédan's L'Assassinat du Duc de Guise (1908), demonstrated a forward-thinking vision for film and music. Through their innovations, the company combined many elements of cinematography with new standards for quality productions. This project report will investigate the goals of Film d'Art and its unusually high ambitions, standard music practices in the silent film era, the issues revolving around the instrumentation to Saint-Saëns' score to Henri Lavédan's L'Assassinat de Duc de Guise (1908), and the performance of my arrangement in a graduate recital.
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Drapeau, Samuel. "L'église Saint-Michel, la fabrique d'un monument : étude historique, artistique et archéologique de l'église Saint-Michel de Bordeaux." Thesis, Bordeaux 3, 2016. http://www.theses.fr/2016BOR30041.
Full textAbstract:
L’église Saint-Michel de Bordeaux est construite à la fin du Moyen Âge au centre d’une paroisse urbaine très dynamique. L’activité portuaire et commerciale fait vivre de nombreux artisans et enrichit les puissants marchands du quartier de la Rousselle. Ils sont investis dans le gouvernement de la commune et financent copieusement le chantier de leur église paroissiale. Leurs pratiques pieuses et leur activité à la tête de l’administration de la fabrique et des confréries sont représentatives de la religion civique à la fin du Moyen Âge. L’église accueille depuis la fin du XVe siècle un collège de prêtres-bénéficiers, au service des nombreuses fondations pieuses et des confréries installées dans les chapelles latérales. Elles sont construites durant le second chantier gothique, qui met en œuvre à partir du second quart du XVe siècle une vaste église flamboyante de plan basilical. Celle-ci succède à une première église gothique menée à son terme durant le XIVe siècle selon un parti-pris architectural de type « halle ». Le chantier de la cathédrale, qui introduit à Bordeaux les formes du gothique rayonnant du Nord de la France, est une source d’inspiration à Saint-Michel, dans le domaine de la modénature et de la sculpture monumentale. Le chantier flamboyant voit l’arrivée de maîtres-maçons dont l’œuvre a pu être identifiée. Elle se réfère aux chantiers normands, parisiens ou financés par le roi de France. Les Lebas de Saintes apportent leur culture artistique et leur technique à l’accomplissement du transept, à la conception de la nef et du clocher isolé. La faible influence de l’œuvre de Saint-Michel sur la création artistique locale est compensée par le rayonnement de son clocher-tour, un des plus hauts clochers du royaume. Son chantier exceptionnel est très bien renseigné par 11 années de comptes de la fabrique. Ils illustrent les conditions de travail et l’équipement nécessaire à la construction à grande hauteur. Un des autres chefs-d’œuvre de l’église, le portail nord, est probablement réalisé vers 1520 par Imbert Boachon, maître-maçon, imagier, menuisier, selon la nature des travaux et selon les villes ou il travaille. Aujourd’hui, la silhouette de l’église et du clocher, tous deux isolés au milieu de plusieurs places, ne reflète plus totalement la morphologie de l’œuvre médiévale. Des faiblesses structurelles obligent les hommes du XIXe siècle à reconstruire le chevet. Le clocher est rénové par Paul Abadie et l’église reçoit une esthétique gothique influencée par l’archéologie monumentale et les doctrines de la restauration patrimoniale de l’époqueThe church of St Michael of Bordeaux has been built in the late Middle Ages, in a very dynamic urban parish. The fluvial and commercial activities of the port generate work for craftsmen and enrich the powerful merchants from the borough of La Rousselle. These merchants are invested in the communal government and finance the building of their parish church. Their pious practices and their activity at the head of the parish fabric and friaries are good examples of the late medieval civic religion. From the end of the fifteenth century, the church receives a college of priest provided by religious benefits. They are in the service of many pious foundations and friaries which are established in the lateral chapels. These chapels are built during the second gothic construction, which makes a big Flamboyant style church with the plan of a basilica. This building follows a first gothic church, conducted at its term during the fourteenth century in accordance to a “halle” architectural volume. The construction of the cathedral of Bordeaux, which introduces the gothic style from the north of France, is an inspiration for St Michael, in the domain of modenature and monumental sculpture. The Flamboyant construction induces the arrival of some master mason, whose work can be identified. That work is influenced by Norman, Parisian and French king’s financed buildings. The Lebas from Saintes give their artistic culture and their technique to the accomplishment of the transept, to the conception of the nave and the isolated bell tower. The low influence of the work of St Michael of Bordeaux on the local artistic creation is balanced with the bell tower, one of the tallest in the French kingdom. Its constructions are well informed thanks to an eleven years’ register for the fabric accounting. It illustrates the work conditions and the necessary equipment for high tall building. One of the masterworks of the church, the north portal, is probably made around 1520 by Imbert Boachon, master mason, sculptor or joiner according to the kind of the work or the town where he works. Nowadays, the silhouette of the church and the bell tower are isolated in the middle of many places and are not totally representative of the medieval made morphology. Some structural frailties oblige the nineteenth century men to rebuild the chevet. The bell tower is renovated by Paul Abadie and the church receives a gothic aesthetic which is influenced by monumental archaeology and the patrimonial restorations doctrines of that period
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Radway, Robyn Dora. "In the name of Saint George : ivory saddles from the fifteenth century." Honors in the Major Thesis, University of Central Florida, 2009. http://digital.library.ucf.edu/cdm/ref/collection/ETH/id/1311.
Full textAbstract:
This item is only available in print in the UCF Libraries. If this is your Honors Thesis, you can help us make it available online for use by researchers around the world by following the instructions on the distribution consent form at http://library.ucf.edu/Systems/DigitalInitiatives/DigitalCollections/InternetDistributionConsentAgreementForm.pdf You may also contact the project coordinator, Kerri Bottorff, at kerri.bottorff@ucf.edu for more information.Bachelors
Arts and Humanities
Art
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Cucuzzella, Jean Moore. "The Destruction of the Imagery of Saint Thomas Becket." Thesis, University of North Texas, 1998. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc278647/.
Full textAbstract:
This thesis analyzes the destruction of imagery dedicated to Saint Thomas Becket in order to investigate the nature of sixteenth-century iconoclasm in Reformation England. In doing so, it also considers the veneration of images during the late Middle Ages and the Renaissance. Research involved examining medieval and sixteenth-century historical studies concerning Becket's life and cult, anti-Becket sentiment prior to the sixteenth century, and the political circumstances in England that led to the destruction of shrines and imagery. This study provides insight into the ways in which religious images could carry multifaceted, ideological significance that represented diversified ideas for varying social strata--royal, ecclesiastical and lay.
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Poccia, Joseph D. "The Transformations of the Saints." VCU Scholars Compass, 2005. http://scholarscompass.vcu.edu/etd_retro/108.
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Heath, Anne Elizabeth. "Architecture, ritual and identity in the Cathedral of Saint-Etienne and the Abbey of Saint-Germain in Auxerre, France /." View online version; access limited to Brown University users, 2005. http://gateway.proquest.com/openurl?url_ver=Z39.88-2004&res_dat=xri:pqdiss&rft_val_fmt=info:ofi/fmt:kev:mtx:dissertation&rft_dat=xri:pqdiss:3174619.
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Larocque, Peter J. "Fine intentions, an account of the Owens Art Institution in Saint John, New Brunswick, 1884-1893." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1996. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp04/MQ35551.pdf.
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Aleman-Fernandez, Carmen Elena. "Corpus Christi and Saint John the Baptist : a history of art in an African-Venezuelan community." Thesis, SOAS, University of London, 1990. http://eprints.soas.ac.uk/29664/.
Full textAbstract:
For the past ten years I have conducted research in the town of Chuao (Aragua State), an area settled in the 16th Century, site of the oldest and most renowned cocoa plantation of Venezuela. By the mid-17th century, the owner turned control of the enterprise over to the Roman Catholic Church, which administered it through the Inter-diocesan Seminary until 1827, at which time, by direct order of Simon Bolivar, the plantation became the property of the University of Caracas (today the Universidad Central de Venezuela) until 1883. From then it came under the direct control of the State.;The inhabitants are descended from African slave populations brought in by Spanish colonists; and the area can only be reached by sea. The relative isolation of Chuao makes it a special place in which one can study the evolution of artistic and rituals forms. Chuao appears to be one of the few African communities in modem Venezuela which has actively maintained links with its past. The Chuao tradition has evolved in the local integration of official (Spanish Catholicism) and popular (slave African elements). This may well exemplify the evolution of artistical ritual forms in other coastal communities of north-central Venezuela from the time of Spanish Colonialism.;The thesis is centred around the principal festivities of the community of Chuao: Corpus Christi (featuring "devil" masquerade) and the festive cycle of Saint John the Baptist (featuring images of the Saint and his mistress). Both festivities are organized by societies, the Corpus Christi society led by men and the Saint John society, by women. These societies are thus responsible for all the different aspects of the celebrations, such as the preparation for the festival, rehearsals, stages of the festivities, masks, costumes, images, dances, music, songs, speeches and poems.;These festivities are placed within the historical background of the community, and plantation of Chuao including the possible origin of the Africans arrived in Spanish America during the period of the slave trade. Moreover, the importance of the religious tradition of Chuao for an understanding of these festivities is provided by the Doctrine of Maria Tecla.
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Indyke, Amy W. "Saint Catherine of Siena permutations of the blood metaphor in written text and painted image /." Diss., Connect to the thesis, 2007. http://hdl.handle.net/10066/993.
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Osoline, Nicolas. "L'icône de la descente du Saint Esprit : origine et évolution de ses thèmes constituants." Paris 1, 1985. http://www.theses.fr/1985PA01A048.
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Brugger, Laurence. "La façade de Saint-Étienne de Bourges : le Midrash comme fondement du message chrétien /." Poitiers : Université de Poitiers, Centre national de la recherche scientifique, Centre d'études supérieures de civilisation médiévale, 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb371936102.
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Elliott, Benjamin Wing. "An object under light : the metaphysical strength of light as revealed in Saint Augustine's Confessions." Thesis, Georgia Institute of Technology, 1991. http://hdl.handle.net/1853/23928.
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Julien, Pascal. "D'ors et de prieres - art et devotion a saint-sernin de toulouse du 16e au 18e siecles." Toulouse 2, 1996. http://www.theses.fr/1996TOU20030.
Full textAbstract:
Saint-sernin de toulouse ne fut pas qu'une grande eglise romane. Elle connut aussi une riche activite artistique du 16e au 18e siecles, que l'on peut documenter grace a des sources inedites. Une premiere partie presente les devotions pratiquees dans ce monument, son histoire et ses liens privilegies avec toulouse et sa municipalite. Une seconde partie fait la chronique des travaux menes durant trois siecles dans tous les domaines de l'art. Dans une troisieme partie sont presentes cinq chantiers majeurs mettant en valeur de artistes de premier plan comme jean baudouy, sculpteur proche du maitre de biron ou gervais drouet, disciple du bernin. Au-dela d'une autre vision de saint-sernin, cette these aborde les problemes de la commande laique et ecclesiastique, developpe le theme des relations entre l'art et les devotions et enrichit la connaissance du milieu artistique meridional a l'epoque moderneSaint-sernin in toulouse was more than a great romanesque church. From the 16th to the 18th century it also ltad a rich artistic activity that can be documented thaules to unpublished sources. The first part of the dissertation presents the liturgy used in the church, its history, and its privilegeed links with toulouse and its town council. The second part chronicles the work undertaken in all the fields of art during three centuries. The third part presents five major projects enhanced by leading artists such as jean baudouy, a sculptor close to the master of biron, or gervais drouet, a disciple of bernini. Besicles giving another vision of saint-sernin, this dissertation takes up the problems of lay and ecclesiastical commissioned work, develops the theme of the relation between art and liturgy, and contributes to the knowledge of the southern artistic milieu in the modern era
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Vallançon, François. "Domaine et propriété glose sur Saint Thomasd'Acquin, Somme théologique IIa IIae qu. 66 art. 1 et 2." Lille 3 : ANRT, 1986. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37595220f.
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Garry, Sandrine. "Le culte de saint Josse au Moyen Âge : histoire et iconographie, des origines au XVe siècle." Paris 8, 2013. http://www.theses.fr/2013PA083910.
Full textAbstract:
Cette thèse, intitulée « Le culte de saint Josse au Moyen Âge (des origines au XVe siècle) : histoire et iconographie », consiste dans une étude de l'histoire de saint Josse incluant la naissance de son culte, son développement et son expansion européenne. Elle se fonde sur différents types de sources, principalement hagiographiques, liturgiques, iconographiques et archéologiques, dont les informations sont replacées dans leurs contextes politiques, sociaux, économiques et religieux. En effet, le culte de saint Josse s'est développé au VIIIe siècle dans le cadre du monastère de Saint-Josse-sur-Mer, dont l'origine est étroitement liée au célèbre port carolingien de Quentovic, qui assurait la liaison entre les Îles Britanniques et le continent. Au Xe siècle, le déplacement des fonctions de Quentovic à Montreuil-sur-Mer correspond à l'affirmation des pouvoirs des comtes du Ponthieu et s'accompagne de l'implantation du culte de Josse en ce lieu, qui deviendra bientôt une place forte centrale du pouvoir capétien. Ce n'est donc pas un hasard si, durant les siècles suivants, la figure de saint Josse fera l'objet d'un pèlerinage de grande ampleur, célèbre dans toute l'Europe du Nord. L'étude du culte rendu à ce saint permet d'éclairer un pan encore méconnu du pouvoir royal français à l'époque médiévale.
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Steyaert, Delphine. "La sculpture polychromée néo-gothique en Belgique vue par la Gilde de Saint-Thomas et de Saint-Luc, 1863-1914." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2014. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209223.
Full textAbstract:
Ce travail doctoral se penche sur un groupe d’artistes et d’artisans actifs dans la seconde moitié du XIXe siècle dans le domaine de la sculpture, et plus précisément sur la façon dont ceux-ci ont à a fois restauré de nombreuses sculptures médiévales et réalisé des sculptures néo-gothiques. Le sujet a été circonscrit à la sculpture religieuse mobilière en bois, et plus spécifiquement aux statues et aux retables conservés dans des églises gothiques. Une approche multidisciplinaire, entre Moyen Âge et XIXe siècle, a été privilégiée. Les artistes et artisans étudiés (Jules Helbig, Adrien Hubert Bressers, les frères Blanchaert, Jean-Baptiste Bethune) posent les bases du style dit « des Écoles Saint-Luc » ou illustrent des travaux de la seconde génération (Léon Bressers). Ils sont membres de la Gilde de Saint-Thomas et de Saint-Luc et revendiquent, sous l’influence de l’architecte anglais A.W.N. Pugin, un lien exclusif avec l’art médiéval dans leurs réalisations. Au sein de la Gilde, l'étude de l'art médiéval et les discussions sur le mobilier religieux à créer se doublent d'une recherche sur les règles liturgiques (au sujet des autels principalement), de manière à retrouver, autant que possible, les formes et usages anciens tout en restant conforme avec les prescriptions en vigueur. Les membres, et en particulier les personnalités étudiées, participent ainsi au renouveau chrétien de la seconde moitié du XIXe siècle.Les sculpteurs-restaurateurs et les peintres-restaurateurs sélectionnés visent avant tout une présentation jugée digne des sculptures médiévales qui passent entre leurs mains. Ils sont, pour ce faire, imperméables à toute notion d’authenticité. Les aspects religieux primant et dans un contexte de forte pilarisation, ils adoptent sur cette question une position monolithique, alors même que la réflexion au sujet de la restauration de la sculpture polychromée se développe, notamment au sein de la Commission royale des Monuments. Dans les traitements de restauration, les Blanchaert, les Bressers et Jules Helbig font preuve d’un vrai souci archéologique mais rarement de réflexion critique sur l’opportunité ou pas de reconstituer des éléments lacunaires, sur le bien fondé de l’adjonction des attributs, ou sur les pratiques de décapage et de repolychromie. Ce travail doctoral démontre par ailleurs que les nouvelles polychromies néo-gothiques, en particulier celles confectionnées par les Bressers, sont souvent le reflet, voire des copies, des anciennes polychromies quand elles étaient bien conservées.
Les discussions menées au sein de la Gilde ont eu un impact non négligeable sur la question du démembrement des autels baroques et néo-classiques ainsi que sur la création du nouveau mobilier néo-gothique en Belgique.
L’étude d’une série de retables néo-gothiques apporte de nouvelles clefs de lecture sur la conception des programmes iconographiques globaux, la répartition des retables dans l'espace ecclésial, la typologie des œuvres, la conception des compositions et le style adopté pour les groupes sculptés. L'influence de Pugin a pu être montrée, notamment dans le caractère très hiérarchisé donné aux œuvres, et cela à tous les niveaux de la représentation.
Dans son ensemble, ce travail doctoral offre une contribution significative sur l’historicisme et l’histoire des mentalités.
Doctorat en Histoire, art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Burns, Ruth Barbara. "Reading race in Western Christian visual culture : tracing a delirium from Renaissance art to the Chris Ofili affair and contemporary religious cinema." Thesis, McGill University, 2005. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=98915.
Full textAbstract:
This thesis examines the role of the Manichean dualism, the pervasive colour symbolism of white as good and black as evil. It looks at the manifestation of this symbolism in representations of Christianity, and the subsequent implications for race and racism in Western society. Through images of Jesus Christ and the Virgin Mary, I posit that the Western conflation of holiness with whiteness is a primary means through which whiteness retains hegemony. I argue that Renaissance painting has had a pivotal role in privileging the white body through its hyper-whitening of both Jesus and Mary. Both figures emerge as improbable ideals of male and female whiteness, demonstrating the anxiety around the intersection of race, gender and religion. I am primarily interested in Mary and how the canon of Western art has didactically laid out the terms of her representation as a means of controlling the female body, dependant on the disavowal and whitening of her body. The privileging of religious Renaissance art results in the continued infection of the construction and reception of the Virgin's image as an ideal figure of feminine whiteness. As such, I analyze the lasting effects of the whitening of her image in the controversy surrounding the display of Chris Ofili's The Holy Virgin Mary (1996) at the Brooklyn Museum of Art, as well as her representation in Hail Mary (1985) and The Passion of the Christ (2004). These readings attempt to draw out the specious nature of the Manichean dualism of black and white, aiming to help in the creation of a space for alternative readings of race through the eyes of hegemonic society.
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Meiffret, Laurence. "Les cycles de la vie de Saint Antoine ermite dans l'iconographie française et italienne du XIVème au XVIème siècle : intervention des légendes et influence culturelle dans la constitution de l'image d'un Saint." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010561.
Full textAbstract:
Au milieu du XIVème siecle apparaissent les premiers cycles iconographiques de la vie de Saint Antoine ermite, le père Égyptien des moines. Ce phénomène, qui correspond à l'apogée du culte du Saint en occident grâce notamment au prosélytisme des chanoines de l'ordre de Saint Antoine, connait un développement important jusqu'au XVIème siècle, particulièrement dans le sud-est de la France et dans l'Italie septentrionale et centrale. En témoigne un corpus d'une quarantaine de cycles d'origines variées : manuscrits destinés à l'élite religieuse, retables de patriciens ou de riches confréries, fresques de chapelles rurales ou de communautés réformées. Les raisons de cette émergence et de ce déclin, aussi impromptus l'une que l'autre, révèlent la coïncidence de l'intérêt populaire pour un Saint thaumaturge et justicier et de celui des ordres, essentiellements des mendiants, pour ce modèle de sainteté érémitique des débuts du christianisme. L'occidentalisation progressive de l'ermite passe ainsi par deux procédés presque antagonistes : d'une part la substitution a son austerité d'ascète solitaire d'un paternalisme bienveillant quoi qu'intransigeant, d'autre part l'accentuation de son identité de précurseur ayant ouvert la voie du désert. Pour ce faire, l'iconographie, étayée par l'invention de légendaires apocryphes, propose un vecteur de diffusion privilégié à l'attention des commanditaires. Outre les antonins, qui développent de tels programmes iconographiques surtout dans le premier quart du XVème siècle, les augustins et les franciscains reformes vont se faire les principaux initiateurs du phenomene, trouvant avec la personnalite d'Antoine, dans leur quête d'un exemple antérieur à leurs fondateurs eux-mêmes, une caution pour justifier l'orientation de leurs choix spirituels et de leurs modes de vie. En ce sens, le redécouverte du Saint servit plus de support a une reforme interne des courants ascétiques de la fin du Moyen-Age qu'au renouveau même de leurs doctrines. C'est aussi en quoi ce phénomène iconographique particulier semble emblématique d'un processus d'appropriation plus général, conduisant à faire des Saints les plus éloignés dans le temps et l'espace, des figures initiatiques et exemplaires, rajeunies par une relecture totale de leur existence.
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Kim, Aelee. "D’Yves Saint Laurent (1936-2008) à YSL, l’invention d’un style." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080147.
Full textAbstract:
Yves Saint Laurent débute son métier dans la Haute couture, qu’il hisse au niveau d’un Art. Néanmoins, son style s’ouvre la voie du prêt-à-porter et s’impose à la rue. Sa double culture, né en Algérie avec toute sa carrière réalisée en France, l’amène à être ouvert sur le monde. Ainsi, il développe son concept de « voyage imaginaire » autour de la Chine, le Japon, la Russie, l’Amérique, l’Espagne, l’Inde, etc. A partir de sa culture originale et de ses influences dans le métier, telles que celles exercées par Christian Dior, Gabrielle Chanel ou Elsa Schiaparelli, il habille la femme d’une manière moderne, séduisante et d’une beauté contrastée : la féminité se teinte de masculin, classique dans la modernité, exotique dans le style occidental, dépouillée dans l’abondance, le chic casual. Très exotique, très abondant, très original mais aussi très moderne et attrayant. Tandis que tous ces éléments éclairent la façon d’Yves Saint Laurent, il nous vient une interrogation : quelle est la clé d’origine de son impact et de sa singularité ? A cette question, nous proposons l’hypothèse que la quintessence de son style réside dans la simplification, qui identifie parfaitement son œuvre et constitue la clé de toute sa création. Ensuite, nous déterminons la nature des liens entre cette simplification et son style, et le pourquoi de ces liens qui lui ont permis de maintenir sa place dans le domaine de la couture, malgré les évolutions industriellesThe French designer Yves Saint Laurent start as a fashion stylist Haute couture and he redound to his fashion in Art level. However, his fashion is achieved his way to ready to wear and overpower the street fashion. His double culture, born in Algeria but all his career was realized in France, was taken him more advanced over to the wide world and he develop it in a concept of « imaginary travel » : around China, Japan, Russia, U.S.A, Spain, India, and so forth. From his original culture and his great role models, such as Christian Dior, Gabrielle Chanel and Elsa Schiaparelli, Yves Saint Laurent put on women in modern, glamorous looks and compared beauty: femininity in masculinity, classic in modern, exotic in western style, minimalist in glamour, and, casual in chic. Very exotic,very abundant, very original, however, equally very modern fascinating. While all these elements were reflecting his style, several questions come to mind: what is the essence key of his impact and his originality. To define these questions, we frame a hypothesis that the essence of the style Yves Saint Laurent is simplication. This simplication is perfectly identified in his work and compose every key of his creation. We determine also to unit the nature of link between his simplication and his style. And then, this link to what is enable to maintain his position in fashion, in spite of change of fashion industry evolution
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Le, Luel Nathalie Barral i. Altet Xavier. "Le portail Saint-Ursin de Bourges recherches sur l'iconographie profane en façade des églises romanes /." Rennes : Université Rennes 2, 2009. http://theses.scdbases.uhb.fr:8000/theseLeLueldiffusable.pdf.
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Cabañas, Pedro Carmen Cecília. "A arquitetura espontânea de Niki de Saint Phalle : o jardim de tarô /." São Paulo : [s.n.], 2008. http://hdl.handle.net/11449/86999.
Full textAbstract:
Orientador: Clice de Toledo Sanjar MazzilliResumo: O presente trabalho concentra-se no estudo de um conjunto específico de obras da artista Niki de Saint Phalle, analisados sob o viés da arquitetura espontânea. Esse termo, bastante, desconhecido, é empregado para definir obras quer, pela sua escala e forma podem ser compreendidas como construções arquitetônicas diferenciadas, produzidas por "não-arquitetos". Essa produção é geralmente associada à produção de artistas outsiders , aproximando-se mais da arte e da fantasia. Essas construções vão surgindo gradualmente na obra do artista Niki de Saint Phalle, que são destacadas uma a uma nesta investigação. Para maior embasamento foi feito o levantamento de de outras manifestações da arquitetura espontânea, compreendendo o trabalho construtivo de artistas e arquitetos espontâneos. Esses esforços criativos podem ser encontrados em várias partes do mundo, principalmente na Europa e América. A segunda parte da dissertação é dedicada inteiramente ao Jardim de Tarô, parque de esculturas projetado e construído por Niki, na Toscana, Itália. O jardim recebeu a influência do Park Guell do arquiteto Gaudi e é construido por esculturas monumentais que representam as cartas do tarô. A escolha do foco da segunda parte da dissertação neste jardim justifica-se por ele concentrar a maior quantidade de exemplos da arquitetura e espontânea na obra da artista.
Abstract: The present work is concentrated on the study of a set specify of works of the artist Niki de Saint Phalle, analised under the slant of the spontaneous architecture. This term quite unknown, is employed in order that define works that , by the scale and form there can be understood how differential architectural constructions produced by "non-architets" This producation is generally associate to the outsider's artist production bringing near more near more than the art and the fantasy. These constructions are appearing gradually in the work of the artist Niki de Saint Phalle, that I detach one to one in this investigation. For bigger foundation, I do the lifting of other demonstrations of the spontaneous architecture, understanding the constructive work of these artists and spontaneous architects. These creative efforts can be found in several parts of the world, mainly in Europe and America. The second part of the work is dedicated completely to the Tarot Garden, park of sculptures projected and built bu Niki, in Tuscay, Italy. The garden received great influence of the Park Guell of the architect Gaudi, and it is constituted by monumental sculputures represented by letters of the tarot. I chose to focus the second part of the dissertation on this garden because it concentrats the biggest quantity of examples of the spontaneous architecture in the work of the artist.
Mestre
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Kordinak, Jacqueline T. "Saint Peter's Needle: The Vatican Obelisk and Its Importance in Renaissance Rome." Ohio University / OhioLINK, 2013. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=ohiou1375191561.
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Dallaire, Carol. "La place du spécialiste dans l'enseignement des arts plastiques au primaire et au secondaire dans les écoles du Saguenay-Lac-Saint-Jean / : mémoire présenté à l'Université du Québec à Chicoutimi comme exigence partielle de la maîtrise en arts plastiques option éducation par Carol Dallaire." Thèse, Chicoutimi : Université du Québec à Chicoutimi, 1990. http://theses.uqac.ca.
Full textAbstract:
Mémoire (M.A.)--Université du Québec à Chicoutimi, 1990.Programme de maitrise en arts plastiques extensionné de l'UQAM à l'UQAC. CaQCU Document électronique également accessible en format PDF. CaQCU
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Davies, Elaine Fitzback. "I came to guard you : the use of Marian icons for protection." Thesis, University of Wales Trinity Saint David, 2011. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.683026.
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Remy-Lacheny, Ingrid. "Etude des « Frères de Saint-Sérapion » d'E.T.A. Hoffmann : discours esthétiques et scientifiques." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030126/document.
Full textAbstract:
S’appuyant sur les théories esthétiques des frères Schlegel, de Novalis et de Schelling, ce travail s’attache à analyser les discours esthétiques et scientifiques dans Les Frères de Saint-Sérapion d’E.T.A. Hoffmann et à étudier dans quelle mesure et jusqu’à quel point l’écrivain se réapproprie les réflexions de ces premiers romantiques et s’en distancie. Confronté au philistinisme, aux malveillances d’autrui et à ses démons intérieurs, l’artiste sérapiontique poursuit un idéal tant social que psychique. Rêveurs, fous, enfants ou encore sous influence magnétique, les personnages hoffmanniens sont tous en quête de reconnaissance et d’identité. Polyformes, polymorphes et hétérogènes, centrés sur l’interaction artistique, le travail de création et la réception, Les Frères de Saint-Sérapion créent une sorte d’« œuvre d’art totale » avant la lettre où se mêlent aussi bien les sciences que les artsUsing the aesthetic theories of the Schlegel brothers, Novalis and Schelling, this thesis examines aesthetic and scientific discourse as it appears in E.T.A. Hoffmann’s The Serapion Brethren and considers to what extent Hoffmann appropriates early Romantic thought or distances himself from it. Faced with the philistinism and maliciousness of others and with his own interior demons, the Serapiontic artist pursues both a social and psychic ideal. Dreamers, madmen, children or those who are under the influence of magnetidm, Hoffmann’s characters are all seeking recognition and an identity. Polymorphous and heterogeneous, centered on artistic interaction and on the work of creation and reception, The Serapion Brethren is a type of ‘total work of art’ before its time in which the sciences and the arts come together
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Vagne, Marie-Pierre. "Les chemins de l'effacement : vers une métaphore de la diffraction, sur le thème de l'Apocalypse de Saint-Jean." Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010586/document.
Full textAbstract:
Ce travail met en œuvre un processus d'effacement de la figuration par la lumière, mais également par l'utilisation du blanc en tant que matière. La forme devient fantomatique, apparaît en filigrane, et disparaît aux confins de la représentation. Cette recherche se déploie à travers une installation plastique qui invite le spectateur à une lecture visuelle en épaisseur. Il s'agit de mettre en lumière par diffraction quelques figures prélevées dans l'Apocalypse de Saint Jean. J'ai ainsi imaginé de prendre appui sur ce texte fondateur. Tel le parergon Derridien, il lui a servi de cadre et de cartouche pour définir à la fois un lieu et proposer le chemin qui mène au dévoilement. C'est au dessin effacé par le geste peint et qui retourne à la blancheur, que j'ai confié cette mission, pour traduire la fragilité de la condition humaine. La représentation qui se retire laisse l'incertain de la vision d'imprimer dans un point par point. A l'horizon de cette quête, née de la lecture du texte et de son écriture plastique, se révèle enfin un visage. Un visage d'humanité alternant entre les dualités multiples de l'existence. Ce travail est un chemin vers l'effacement, vers le retrait. Il se veut un en deçà qui rencontre un au-delàThis work sets up a fading process in figuration with the use of light but also white as matter. Form becomes phantasmal appears as filigree and disappears in the confines of representation. This research is deployed via a plastic art installation which invites the spectator to experience an in-depth interpretation. Figures taken from the Apocalypse of Saint John are illuminated by diffraction. I thus used this mythical text as a support for the project like Jacques Derrida's parergon, where he used it as a framework and cartouche to define both a place and a pathway which leads to a revelation. It is the blotted out painted drawing reverting to whiteness, which serves this purpose in order to interpret the fragility of human condition. The representation which fades reveals an uncertain vision expressed in a point by point. The end result of this quest born from a reading of the scripture and the artist's gesture is ultimately, a face -a face expressing humanity, alternating between the multiple dualities of existence. This work is a pathway towards the fading withdrawal of an image. It aims to be this side which encounters the beyond
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Van, Eck Steve. "Neighborhood Economic Impacts of Contemporary Art Centers." PDXScholar, 2018. https://pdxscholar.library.pdx.edu/open_access_etds/4435.
Full textAbstract:
Do investments in Contemporary Art Centers spur investment and economic development in the surrounding community? And if so, what factors are associated with these developments' outcomes? To assess these questions, a general overview of the dominant arts-and-economic-policy perspectives were considered, and two cases of contemporary art center developments, one in St. Louis and one in Cincinnati, were compared and treated as hypothetical value-capture investments. Sale prices of properties surrounding each investment property were adjusted to reflect market factors, then compared to values before and after an investment property opened to the public. A review of supplemental documents and interviews with the developments' directors were used to determine factors that contributed to the effects observed in the study. Findings indicated that the adjusted value of properties in Cincinnati declined with distance from the site of development in the post-test period, and not in the pre-test period. Hedonic results for properties in St. Louis were not significant. However, the museum's development was one among other factors that signified to investors that the area was ready for restoration. Interviews and document review indicated that community participation in the development planning process, distinctive architecture, and commercial contexts were associated with developments meeting their stated goals.
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Taheri, Alireza. "L'évolution des formes de dragons selon l'Apocalypse de Saint Jean et la légende de "Saint Georges et le dragon" : dans la peinture du Moyen âge, de la Renaissance et dans l'art contemporain en Europe." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010595.
Full textAbstract:
Les " monstres" ont constitué une partie considérable des légendes et des mythologies des grandes civilisations. Ils ont souvent été utilisés comme des moyens efficaces pour transmettre des idées particulières aux populations ou aux fidèles. Parmi ces monstres, le rôle du dragon est remarquable. On le trouve partout dans le monde avec différents sens (négatif ou positif). Il se présente dans le Christianisme comme un principe négatif, l'incarnation de Satan qui existe toujours avec l'homme, dès la Genèse (le péché originel) jusqu'à la fin du monde (le Jugement dernier). Dès lors, la victoire sur cet être redoutable ne peut être possible que par des hommes sacrés et élus (par Dieu), comme saint Michel, saint Georges, etc. Ce combat a été représenté dans deux légendes marquantes, " l'Apocalypse" de Jean et "saint Georges et le dragon ". Nous y trouvons différentes représentations du dragon. Dans l'Apocalypse de saint Jean, Satan est décrit comme un " dragon à sept têtes ", alors qu'il a été figuré avec de nombreux autres aspects. Dans le christianisme, Satan ne meurt jamais, il apparaît toujours pour inciter les hommes à faire le Mal. Donc ,il est comme un dragon qui se renouvelle toujours. "Saint Georges combattant le dragon" est un thème traité pendant plusieurs siècles, en Europe. Le dragon est également représenté de multiples manières. Après avoir étudié de nombreuses peintures du Moyen âge, de la Renaissance et contemporaines, on peut classifier les dragons des formes simples (le dragon-serpent), aux figures complexes (le dragon ailé quadrupède).
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Keogh, Kristina M. "The Presentation of Incorruptibility: The Praesentia of the Female Saint." VCU Scholars Compass, 2014. http://scholarscompass.vcu.edu/etd/3664.
Full textAbstract:
My dissertation inserts the incorruptible body into the discussion of image devotion and relic veneration that followed the Council of Trent’s (1545-1563) decrees concerning the use of images, which affirmed Thomas Aquinas’s position that worship is passed from representation to archetype. This is addressed in terms of the image and the relic within the same sacred space, primarily in the context of the chapels of S. Caterina de’ Vigri (1413-1463; canonized 1712) in Bologna and S. Maria Maddalena de’ Pazzi (1566-1607; canonized 1669) in Florence, where there were not only man-made representations of the saint, but also the whole and entire body of the saint herself. Bringing together an array of visual and textual materials including such objects as the presentation of the preserved body, hagiographies, altarpieces, votive images, and popular prints, I analyze the powerful physical presence (praesentia) of the incorruptible body in relation to the saint’s somatic miracles, the visual commemoration of those miracles at the shrine, and the ultimate transportation of this means of access to the divine when portable images moved away from the body.
I analyze how and to what extent the presence of the saint was asserted through the intact corpse and through images of the relic body. By focusing on both the presentation of the incorruptible corpse itself and the visual and written representation of the female relic body in a variety of media, this study will analyze the reception of the powerful physical presence of the holy incorruptible body and its representations. I argue that praesentia is signified not only through the display of the relic body, but also through a synthesized emphasis on the incorruptible corpse as prototype, relic, and image.
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Bourget, Charles. "Saint-Rémy de Troyes et l'architecture paroissiale flamboyante en Champagne méridionale (1400-1550)." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1998PA040126.
Full textAbstract:
Cette thèse analyse l'architecture religieuse en Champagne méridionale à la fin du moyen âge et porte un regard plus particulier à l'église Saint-Rémy de Troyes. Une théorie de la datation et du travail des ateliers est construite à partir d'une prise en considération exhaustive des caractéristiques des églises paroissiales flamboyantes de la région de Troyes (types de plans et organisation de l'espace, formes des piliers et de moulurations, construction des portails, etc. ) et d'une recherche d'archives. Par la mise en évidence de six moments importants de création entre 1400 et 1550, il est possible de statuer avec précision sur l'évolution de la pratique architecturale dans cette zone du royaume, l'importance des maçons ayant œuvré dans les centres régionaux et leur influence sur les chantiers secondaires. Une tentative de confrontation des résultats dans le contexte plus vaste de l'architecture religieuse flamboyante française est également proposée. Par la mise en relation de la Champagne méridionale avec ses principaux voisins, Bourgogne septentrionale, Brie champenoise, Champagne septentrionale et lorraine occidentale, il est possible de comprendre certains mécanismes de diffusion des idées architecturales entre 1450 et 1550. Se tracent ainsi des axes d'influence d'abord avec le Val de Loire et la Bourgogne à la fin du 15e siècle puis avec les régions septentrionales, principalement la Lorraine au 16e siècle.
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Marval, Mary. "Johannes Vermeer's allegory of faith reconsidered." Thesis, McGill University, 1988. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=64091.
Full text
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Pierre, Marie-liesse. "Un atelier jurassien au temps des Lumières, les Rosset : sculpteurs, ivoiriers et peintres comtois à Saint-Claude dans le Jura au XVIII siècle." Phd thesis, Université de Strasbourg, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01067474.
Full textAbstract:
Le sujet traite de l'originalité de l'atelier de sculpture des Rosset de Saint-Claude dans le Jura (France) actif du XVIe au XIXe siècle. Original par sa production familiale d'objets d'art en ivoire et en marbre qui connut une diffusion européenne grâce aux portraits de Voltaire. Sculpteurs d'intérieur et "en petit", engagés dans le débat des Lumières, les Rosset sont aussi des statuaires comtois renommés et des peintres locaux. Le sujet est centré sur le XVIIIe siècle autour de l'œuvre de Joseph Rosset (1706-1786) âme de l'atelier, créateur de modèles réputés et que ses cinq fils, tous artistes, produiront en série avec lui et, après sa mort de manière indépendante, adaptant leur œuvre à l'évolution des goûts : Jean François alias Joseph Rosset (1734-1783) orfèvre, Jean-Joseph-Nicolas Rosset (1737-1809) prêtre et peintre, Jacques-Joseph Rosset (1741-1826), François-Marie Rosset (1743-1824) peintre voyageur en Turquie d'Asie et sculpteur et Claude-Antoine Rosset (1749-1818) peintre et sculpteur. Le volume I (265 pages). Le premier chapitre retrace l'histoire de l'atelier présent à Saint-Claude depuis le XVIe siècle, analyse le contexte du travail et la position sociale bourgeoise de la famille de Joseph Rosset au XVIIIe siècle. Le chapitre deux présente de manière critique la biographie de Joseph Rosset, dégage les caractères de son œuvre à tête de Janus, le sacré et le profane, à l'image de ses convictions, de sa foi religieuse catholique et de ses idées politiques libérales, qui met son art au service des Lumières. Enfin, un troisième chapitre, analyse l'œuvre de ses fils dans la continuité politique de l'idéal de leur père ; ils participent en citoyens à la mise en œuvre des réformes libérales de la Révolution. Le volume II (587 pages) présente le catalogue raisonné de l'œuvre de Joseph Rosset (1706-1786), tome 1, les œuvres religieuses, tome 2, l'œuvre en ivoire de l'atelier Rosset et, tome 3 l'œuvre profane en marbre. Le volume III (491 pages) est le catalogue raisonné de l'œuvre sculpté et peint de ses fils : tome 1, l'œuvre graphique et sculpté de Jacques Rosset (1741-1826) ; tome 2, l'œuvre peint et sculpté de François Rosset (1743-1824) ; tome 3 l'œuvre sculptée d'Antoine Rosset (1749 - 1818).
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Jousselme, Gwladys. "Enseignement, pratique de l’art et rôle du musée en Russie : le cas du Musée russe de Saint-Pétersbourg." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040117.
Full textAbstract:
La pédagogie muséale est une discipline portant sur l’introduction de l’art et du musée dans le système éducatif et sur l’utilisation particulière des ressources muséales lors des visites au musée par les enfants. L’expérience russe est à cet égard particulière et mérite une étude approfondie que propose cette thèse. En nous concentrant sur l’étude du Musée russe, musée pionnier et chantre de la pédagogie muséale, nous comprenons que le musée est en Russie une institution extrêmement dynamique et porteuse d’innovations originales. Ces avancées sont le fruit d’une forte tradition ancrée dans le monde muséal russe depuis la période soviétique, durant laquelle le musée était un lieu d’éducation majeur. Aujourd’hui, la pédagogie muséale russe a évolué et n’est plus teintée de propagande. Le Musée russe, un des plus grands musées de Russie, a théorisé et développé la pédagogie muséale à un niveau jusqu’à présent inégalé dans le monde. Le Musée russe travaille depuis plus de vingt ans à offrir à l’éducation russe une humanisation de l’enseignement au moyen de l’art. Son programme éducatif « Bonjour musée ! » appliqué dans les écoles, de la maternelle au lycée, donne aux enfants, par l’étude de l’art russe et mondial, les bases culturelles indispensables à une harmonieuse compréhension du monde environnant, alliée à l’éveil du sentiment national, un thème cher aux Russes. L’analyse de l’expérience du Musée russe dans le domaine de la pédagogie muséale vise à montrer d’une part l’impact bénéfique de l’art sur l’épanouissement de l’enfant et d’autre part les multiples applications de l’art pour l’enseignement, par le développement de l’interdisciplinarité : enseignement des mathématiques, chimie, physique et langues étrangères par le biais de l’artThe museum pedagogy is a discipline on the introduction of art and museum resources in the education system. The Russian experience in this regard is particularliar and deserves further study as it is proposed in this thesis. By focusing on the study of the Russian Museum, museum pioneer of museum pedagogy, we find evidence that the museum is an institution in Russia extremely dynamic with original innovations. These advances are the result of a strong tradition rooted in the museum world since the Soviet period that the museum is a major place for education. Today, the Russian museum education has evolved and is no longer linked with propaganda. The Russian Museum, one of the largest museums in Russia, has theorized and developed museum pedagogy at a level far unequaled in the world. The Russian Museum has over twenty years offered the Russian education humanization of education through art. Its educational program "Hello museum! "applied in schools, from childrengarden to high school, gives children, trough the study of Russian and world art, cultural foundations necessary for a harmonious understanding of the surrounding world, coupled with the awakening of national consciousness, a beloved theme for Russians. The analysis of the experience of the Russian Museum in the field of museum pedagogy is to show, first the positive impact of art on the development of the child and secondly the multiple applications of art education for the development of interdisciplinarity: teaching of mathematics, chemistry, physics and foreign languages through the medium of art
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Voyer, Cécile. "Faire le ciel sur la terre : les images hagiographiques et le décor peint de Saint-Eutrope aux Salles-Lavauguyon : XIIe siècle /." Turnhout : Brepols, 2008. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb413246543.
Full text
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Rich, Erin Marie. "Accent patterns in text and music in the songs of Amy Beach, Richard Strauss, and Camille Saint-Saëns." Thesis, University of Iowa, 2016. https://ir.uiowa.edu/etd/3173.
Full textAbstract:
I would like to understand what kinds of connections exist between musical rhythm and poetic and linguistic rhythm, particularly the phenomenon of accent, so I investigated accent in art songs, examining twelve songs in an attempt to further understand how and if the accents and patterns found in poetry correlate to those found in songs based on this poetry. This study examines how the patterns of stressed and unstressed syllables in Lieder by Amy Beach, Richard Strauss, and Camille Saint-Saëns correlate with musical rhythmic and accent patterns in the resulting music.
I systematically determined what kinds of accents were present, where they were present, and how they were related. I tracked nine different types of musical accents: agogic, contour, dynamic, articulation, metric, pitch, phrasing, structural, and textural. I then tracked the linguistic accents in the poems themselves, with the categories of meter, individual word stresses (if different from the meter), rhyme scheme, internal rhymes, and cadences (ends of sentences and questions). I then compared the accents found in the music to the accents found in the poetry.
I then compared the correlation of linguistic and musical accents through graphic representation of the values I found. I found significant correlation between musical and linguistic accents in the twelve different pieces I studied. These results suggest that, for at least these three composers, the text does in fact influence the accent patterns of the music. For the songs of Beach and Strauss, there is a visual pattern in the graphs, which matches the meter of the text. The linguistic and musical accent patterns in both Beach and Strauss songs tended to be regularly alternating in a binary fashion, in keeping with the iambic meter. For Saint-Saëns, there was overall close correlation as well. The main difference between graphs for Saint-Saëns and the others seems to be the lack of a pattern in the relative accent strengths, which can be found in both the English and German graphs. French poetry does not have an iambic pattern to it; correspondingly the music doesn't show the regular binary alteration of accents. This pattern or lack thereof is part of the correlation that all of the pieces share between the music and the language, and the lack of pattern seems to demonstrate a particularity in the music in the case of French.
Though showing how accents in music and text correlate in the songs of English-, German-, and French-speaking composers, this thesis does not fully determine how and if musical and linguistic accents correlate in music composers other than Amy Beach, Richard Strauss, and Camille Saint-Saëns.
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De, La Haye Régis. "Apogée de Moissac : l'abbaye clunisienne Saint-Pierre de Moissac à l'époque de la construction de son cloître et de son grand portail /." Maastricht ; Moissac : R. De La Haye, 1995. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb361798006.
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Clementz, Elisabeth. "Les Antonins d'Issenheim : essor et dérive d'une vocation hospitalière à la lumière du temporel /." Strasbourg (5 rue Fischart, 67000) : Société savante d'Alsace, 1998. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37034156t.
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Marie, Tiphaine. "Tradition créative : un oxymore ? Les cristalleries Saint-Louis, Baccarat et Daum." Electronic Thesis or Diss., Université de Lorraine, 2019. http://www.theses.fr/2019LORR0313.
Full textAbstract:
L’industrie verrière lorraine s’est largement tournée vers le cristal et les produits de luxe. Cette orientation a même été renforcée par les fermetures successives des verreries à vocation utilitaire. Il semblerait que seules les entreprises qui ont su innover et proposer des produits d’exception résistent aujourd’hui. Se spécialiser dans les produits « haut de gamme » et être à la pointe de l’innovation – en s’adaptant notamment aux innovations technologiques –, est désormais une condition sine qua non. Les manufactures vont s’ouvrir à des créateurs extérieurs et proposer des créations exceptionnelles réalisées dans le cadre d’éditions d’art. Les coopérations et interactivités avec des designers renommés démontrent en effet la capacité des industries verrières à s’adapter à la sensibilité de leur temps et leur volonté de s’inscrire dans le présent. Bien que Baccarat et Saint-Louis jouent sur des cultures et des esthétiques très différentes elles partagent à coup sûr le prestige de leurs signatures. Véritable élément fédérateur, le design doit s’adapter au type de fabrication de l’entreprise, à sa structure ainsi qu’à sa culture. Si les collaborations avec des designers symbolisent l’ouverture des frontières de l’entreprise sur l’extérieur, cela est aussi le signe que les deux langages que sont ceux de l’entreprise et de la création sont capables de s’entendre malgré les conflits supposés. Le design nous invitera à nous intéresser aux objets et aux formes en termes esthétiques et artistiques mais également à sa dimension économiqueThis research aims at understanding the creative process within glass manufacturing. Studying the collaborations between artists and designers, we understand how these traditional companies (Saint-Louis, Baccarat and Daum) have been able to stand the test of time. Their artistic and aesthetic commitments are to be read and analysed to take hold of the ongoing process
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Tevesz, Maria. "L'arc dans les constructions haut-médiévales des régions nord occidentales du pourtour méditerranéen : étude d'historiographie et d'histoire de l'architecture." Thesis, Bordeaux 3, 2018. http://www.theses.fr/2018BOR30062/document.
Full textAbstract:
L’étude présentée ici a pour but d’analyser la manière d’utiliser l’arc outrepassé, en plan et en élévation, et l’arc en retrait sur ses piliers, dans une région et dans un temps pragmatiquement défini du monde méditerranéen particulièrement riche en éléments architecturaux de ce type. L’arc en retrait n’est pas inconnu dans la recherche mais, faute d’identification précise et donc de terminologie adaptée, il a été confondu avec l’arc outrepassé sous des dénominations différentes. Faisant l’objet de diverses théories dans l’historiographie, ces deux types d’arcs ont été utilisés comme arguments majeurs dans la datation et dans la filiation stylistique des édifices dans lesquels ils se trouvent. L’objectif de cette approche consiste à confronter ces courants historiographiques, inscrivant un monument donné comme relevant du monde wisigothique, mozarabe ou carolingienne, à l’analyse des monuments in situ dans les régions catalano-roussillonnaises et languedociennes où ces formes présentent une concentration considérable. Dans ces théories tenaces, souvent assimilables à des idées reçues sans discernement, l’abbaye de Saint-Michel de Cuxa a occupé une place particulière de sorte que son attribution s’est répercutée sur de nombreux édifices, surtout des chapelles rurales, gravitant dans son orbite. Les monuments situés sur les deux versants des Pyrénées possédant ces formes en élévation ou dans la planimétrie constituent un corpus de 98 édifices. Ils ne révèlent pas seulement une certaine uniformité pour l’ensemble du territoire mais, au-delà, permettent également de définir des microrégions homogènes. L’étude de ce territoire est intégrée dans une analyse historiographique plus vaste de ces deux types d’arcs qui cherche la réponse à leur origine, à leur propagation géographique au fil de temps et présente les différentes réflexions sur la raison d’être de leur emploi. A côté des théories pragmatiques qui considèrent ces formes comme des procédés techniques offrant des avantages constructifs et des mesures techniques qui cherchent à établir une typologie séparant les arcs de différentes époques et de différentes aires géographiques, une attention particulière est apportée aux dimensions idéologiques, liturgiques et symboliques liées à ces tracésThis study focusses, in façade and in plan, on the horseshoe arch, the hallmark of architecture in the first flowering of the Middle Ages, and on the recessed arch on piers, its more or less unrecognised contemporary. The geographical extent of the occurrence of these two types of arch has been defined by the periodic enlargement of the area where they are really concentrated: Spanish Catalonia and French Languedoc-Roussillon. Applied often to dating a building, and becoming involved as a result in a stylistic epistemology, as well as being the targets of the entrenched dogmas of a vast historiography, these pieces of evidence are here studied on the ground in their architectural context so as to juxtapose fieldwork with the theories on their deployment developed a century ago. Given the spread of developed mediaeval arches, this work endeavours to place their corpus in a wider general study which clearly cannot depend on an exhaustive survey, but which is able to suggest, nevertheless, that the realm of the Moorish arch transcends the territorial and chronological limits of Visigothic, Mozarabic, Carolingian or Islamic culture. The origin of the recessed arch on its piers, for which we propose the term «mushroom shape» displays an undeniable origin in antiquity. Its diffusion in time and space coincides with the horse-shoe throughout the vast Mediterranean ambit. The corpus of the area studied brings together 98 buildings which preserve in their structure the Moorish arch and/or the recessed arch on piers. An analysis of arch assembly, incorporated in the overall study of a building’s construction, confirms that the Moorish design or that of the recessed arch on piers concerned not only arches but was inherent in a general building process observable in the raising of the vault, or of any transverse arches or in openings, doorways or windows. The endurance of these same building procedures for centuries, for minor works such as small country chapels, as for the great abbey church of Saint- Michel de Cuxa, testifies to a conservative art associated with basic techniques
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Siomkos, Nikolaos. "L' église Saint-Etienne à Kastoria : étude des différentes phases du décor peint (Xe - XIVe siècles)." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010566.
Full textAbstract:
L'église Saint-Etienne se trouve dans la partie nord-est de Kastoria, ville qui arbitre un nombre remarquable des églises byzantines. Il s'agit d'une basilique voûtée à trois nefs, précédées d'un narthex. A l'extérieur, la nef centrale surélevée et l'abside hémi-hexagonale sont ornées d'une riche décoration céramoplastique. Les fresques, qui décorent l'église, ont été exécutées à différentes époques. La première couche, couvrant initialement toutes les surfaces de l'église, a succédé à la construction du monument et pourrait être datée du début du Xe siècle. La deuxième couche, de la fin du XIIe - début XIIIe siècle, occupe toute la voûte de la nef centrale, (les Trois Ages du Christ entourés d'une série de prophètes, au-dessus d'un cycle évangélique) tandis qu'à partir du XIIIe siècle une série de représentations votives, indépendantes entre elles, figurant des saints en pied, a été rajoutée à différents endroits de l'église. En examinant la place des différentes couches et des représentations qui ornent l'église, nous devons noter que la première couche de peintures du IXe - Xe siècles a été recouverte progressivement par un programme iconographique dans la voûte du naos et par un grand nombre de représentations indépendantes, en prenant cependant toujours en considération avec un respect particulier les représentations plus anciennes. On remarque encore une préférence particulière et continue des donateurs pour l'église de Saint-Etienne à une époque qui s'étend dans le temps du début du XIIIe siècle jusqu'au XIVe siècle.
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Cabañas, Pedro Carmen Cecília [UNESP]. "A arquitetura espontânea de Niki de Saint Phalle: o jardim de tarô." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2008. http://hdl.handle.net/11449/86999.
Full textAbstract:
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cabanaspedro_cc_me_ia.pdf: 5295856 bytes, checksum: a8c9a5039b8aa9967830938958a1f32a (MD5)Universidade Estadual Paulista (UNESP)
O presente trabalho concentra-se no estudo de um conjunto específico de obras da artista Niki de Saint Phalle, analisados sob o viés da arquitetura espontânea. Esse termo, bastante, desconhecido, é empregado para definir obras quer, pela sua escala e forma podem ser compreendidas como construções arquitetônicas diferenciadas, produzidas por “não-arquitetos”. Essa produção é geralmente associada à produção de artistas outsiders , aproximando-se mais da arte e da fantasia. Essas construções vão surgindo gradualmente na obra do artista Niki de Saint Phalle, que são destacadas uma a uma nesta investigação. Para maior embasamento foi feito o levantamento de de outras manifestações da arquitetura espontânea, compreendendo o trabalho construtivo de artistas e arquitetos espontâneos. Esses esforços criativos podem ser encontrados em várias partes do mundo, principalmente na Europa e América. A segunda parte da dissertação é dedicada inteiramente ao Jardim de Tarô, parque de esculturas projetado e construído por Niki, na Toscana, Itália. O jardim recebeu a influência do Park Guell do arquiteto Gaudi e é construido por esculturas monumentais que representam as cartas do tarô. A escolha do foco da segunda parte da dissertação neste jardim justifica-se por ele concentrar a maior quantidade de exemplos da arquitetura e espontânea na obra da artista.
The present work is concentrated on the study of a set specify of works of the artist Niki de Saint Phalle, analised under the slant of the spontaneous architecture. This term quite unknown, is employed in order that define works that , by the scale and form there can be understood how differential architectural constructions produced by non-architets This producation is generally associate to the outsider's artist production bringing near more near more than the art and the fantasy. These constructions are appearing gradually in the work of the artist Niki de Saint Phalle, that I detach one to one in this investigation. For bigger foundation, I do the lifting of other demonstrations of the spontaneous architecture, understanding the constructive work of these artists and spontaneous architects. These creative efforts can be found in several parts of the world, mainly in Europe and America. The second part of the work is dedicated completely to the Tarot Garden, park of sculptures projected and built bu Niki, in Tuscay, Italy. The garden received great influence of the Park Guell of the architect Gaudi, and it is constituted by monumental sculputures represented by letters of the tarot. I chose to focus the second part of the dissertation on this garden because it concentrats the biggest quantity of examples of the spontaneous architecture in the work of the artist.
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Santos, Selene Candian dos. "Arte retórica em Ordinatio, de Consecratione e de Administratione de Suger de Saint-Denis." Universidade de São Paulo, 2014. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8138/tde-20012015-170252/.
Full textAbstract:
No segundo quartel do século XII, Suger de Saint-Denis, monge cluniacense, escreveu três textos nos quais mencionou e descreveu a reforma que conduziu na abadia de Saint-Denis durante seu abaciado. Essa reforma foi posteriormente identificada pela História da Arte como a origem da arquitetura gótica. Tais textos, conhecidos como Ordinatio, De Consecratione e De Administratione, publicados e traduzidos em diversas edições, foram analisados, assim, por alguns historiadores da arte, como Erwin Panofsky, Peter Kidson, Jean-Claude Bonne e Conrad Rudolph, a partir de marcos teóricos relacionados às artes, à arquitetura, à estética e à psicologia. Contudo, apesar de muitos estudiosos, como Rita Copeland e Suzanne Reynolds, advogarem a importância da retórica no século XII, as características retóricas desses textos não foram, ainda, examinadas de forma minuciosa por estudiosos. A investigação sobre os gêneros discursivos nos quais os textos foram compostos, sobre as partes do discurso e sobre as técnicas retóricas aplicadas aos textos pode revelar que algumas passagens que tradicionalmente foram tomadas à letra ou como a experiência empírica e a opinião de Suger podem ser pensadas como posicionamentos não literais e discursivos. Portanto, o objetivo desta pesquisa é contribuir para a erudição sobre os escritos de Suger por meio do reconhecimento e da análise de suas características retóricasIn the second quarter of the twelfth century, Suger of Saint-Denis, a Cluniac monk, wrote three texts in which he mentioned and described the renovation he carried out in the abbey church of Saint-Denis in his prelacy. That renovation was later identified by History of Art as the origin of Gothic architecture. Such texts, known as Ordinatio, De Consecratione, and De Administratione, published and translated in several editions, have thus been analyzed by some art historians, namely Erwin Panofsky, Peter Kidson, Jean-Claude Bonne, and Conrad Rudolph, based on theoretical frameworks related to the arts, architecture, aesthetics, and psychology. Nevertheless, although many scholars, such as Rita Copeland and Suzanne Reynolds, have been asserting the importance of rhetoric in the twelfth century, the rhetorical character of these texts has not yet been thoroughly examined by scholars. Investigation into the genres in which the texts were written, into the parts of discourse, and into the rhetorical techniques applied to the texts may reveal that some passages that have traditionally been taken at face value or as Suger\'s empirical experience and opinion may be thought of as non-literal-minded and discursive stances. Therefore, the purpose of this research project is to contribute to the scholarship on Suger\'s writings by recognizing and scrutinizing their rhetorical features
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Hamon, Étienne. "Un chantier flamboyant et son rayonnement, Gisors et les églises du Vexin français /." Besançon : Paris : Presses universitaires de Franche-Comté ; diff. Picard, 2008. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41416423q.
Full textAbstract:
Texte remanié de: Thèse de doctorat--Art et archéologie--Besançon, 1996. Titre de soutenance : Gisors et l'architecture flamboyante dans le Vexin français.En appendice, choix de documents. Bibliogr. p. 627-637. Notes bibliogr. Index.