Journal articles on the topic 'Romanticismo francese'

Storico dai molteplici interessi, bibliotecario, musicista, uomo di cultura e grande modernista, studioso, in particolare, dell’Italia settecentesca, Calogero Farinella ci ha prematuramente lasciati nel giugno del 2019, a poco più di sessanta anni. Le sue pubblicazioni sulla Genova del Settecento e sulla scienza illuminista (veronese specialmente: Francesco Bianchini, Anton Mario Lorgna e l’Accademia dei Quaranta) fanno e faranno sempre data negli studi di storia della cultura. Allievo tra i più brillanti di Salvatore Rotta (1926-2001), dal quale mutuò la passione per il XVIII secolo in particolare, Farinella si laureò sotto la sua guida su William Godwin (1756-1836), padre di Mary Shelley, filosofo e scrittore politico di area libertaria, che, con la sua fondamentale opera, marchia a fuoco il passaggio, in Gran Bretagna, dai Lumi al Romanticismo. Sulla figura e gli scritti di Godwin, ricavandoli dalla propria dissertazione di laurea, Farinella estrasse e pubblicò, negli anni Ottanta del secolo scorso, due articoli, apparsi nel volume della «Miscellanea storica ligure» contenente gli Studi in onore di Francesco Cataluccio (William Godwin ed il suo Journal all’epoca della Rivoluzione Francese, xv, 1984), e poi su Studi settecenteschi (Il governo più semplice. Il mito democratico-repubblicano in William Godwin, viii, 1987). Un terzo ampio articolo, che contiene spunti davvero interessanti sul romanzo utopistico di Godwin, rimase inedito, sino a oggi, malgrado l’oggettivo e rilevante valore del contributo di Farinella. Crediamo, pertanto, di fare cosa gradita alla memoria dell’amico e dello studioso pubblicandolo per la prima volta, in questa sede.

Emilia Pardo Bazán impartió, entre los meses de marzo y abril de 1918, un ciclo de conferencias sobre literatura francesa decadentista en el Ateneo de Madrid. La escritora, que ya había publicado tres volúmenes sobre literatura francesa, acerca del Romanticismo, la Transición y el Naturalismo, proyectaba publicar un cuarto estudio sobre el Decadentismo con parte de la documentación de estas conferencias, pero dicho proyecto nunca vio la luz. En este artículo analizo las seis conferencias inéditas que componían el ciclo, y edito aquellas parcialmente conservadas en el Archivo de la Real Academia Galega.Emilia Pardo Bazán gave, between March and April, 1918, a cycle of lectures on French decadent literature at the Ateneo of Madrid. The writer, who had already published three volumes on French literature, concerning Romanticism, the Transition and Naturalism, was planning to publish a fourth study on the Decadent Movement with part of the documentation of these lectures, but the above mentioned project never appeared. In this article I analyze six unpublished lectures which comprise the cycle, and those partially preserved in the Real Academia Galega Archive are edited.

Aquí se reseñan dos obras de Ana María Freire, cuyas fechas de publicación son parecidas. La primera obra es la segunda edición de su propia tesis doctoral, Índice bibliográfico de la Colección del Fraile. Freire da importancia a un personaje poco conocido, Fray Salvador Joaquín de Sevilla, un capuchino que escribió extensas obras que aún se conservan en distintas instituciones oficiales. La colección se basa en documentos de su hermano, tarea que no le debió de parecer muy ardua debido a su experiencia como bibliotecario y a su curiosidad, paciencia y laboriosidad. En la colección hay diversos géneros literarios que Freire se encarga de analizar y relacionar con los distintos temas que tratan, siempre conectados con algún asunto o persona relevante de la época. Por otro lado, su segunda publicación versa sobre la Ilustración y el Romanticismo, además de las secuelas de la guerra contra los franceses, comentada en la literatura española del siglo XIX. En el libro se tratan el teatro, la literatura satírica, la fábula, la pintura, el Romanticismo y la influencia francesa, que dio pie a la división de la población…

This article examines the political and interpretive possibilities of Romantic Idealism for understanding contemporary American race relations. Working with Frances Ferguson’s Solitude and the Sublime, it puts Romantic aesthetics into a mutually constructive dialogue with afropessimist thought. That is, the underlying logic of Black Lives Matter proves to be one composed of Romantic “counting” as well as an afropessimist stance on Black alterity. Black Lives Matter, in this sense, features an aesthetics of omission and accumulation that reveals how Romantic Idealism intersects with a more expansive notion of materiality. Turning to Ferguson’s reading of William Wordsworth’s “We Are Seven,” the article contends that any analysis of Romanticism’s political stakes should make use of the Idealism central to it, and that such a use does not attenuate the urgency or efficacy of Romanticist work.

En este artículo se analizan los procesos de traducción cultural, apropiación y transculturación del Romanticismo Europeo —sobre todo del francés— en la ensayística de Esteban Echeverría. En sus textos, existe una relación íntima entre romanticismo, liberalismo y modernidad. El autor se apropia de ciertos elementos de lo romántico, como el concepto de la modernidad y los principios de la Revolución francesa, pero rechaza otros como la revolución estética, la formulación radical del sujeto moderno, la cultura popular como base de la cultura nacional, o la emancipación de las mujeres. La apropiación ecléctica del romanticismo no solamente sirve para autorizar la voz del letrado y su función social, sino también para legitimar el proyecto liberal de la independencia espiritual y cultural.

Questo studio rintraccia l’evoluzione della figura di Francesca da Rimini da voce poetica dantesca, a voce scenica del Romanticismo italiano per arrivare sulla scena lirica ottocentesca in veste di primadonna, espressione del belcanto ottocentesco. In questo nuovo contesto Francesca si esprime come voce del Romanticismo medievale. Questo itinerario la libera dall’essere strumento della dottrina tomistica per diventare una figura che medita su una filosofia tutta nuova, che la spinge a riflettere sulla natura della colpevolezza e sul suo rapporto con l’innocenza. Nel campo della musica, il manoscritto riscoperto ci spinge a una rivisitazione delle voci e della tecnica vocale dei grandi interpreti dell’Ottocento e anche a una riconsiderazione della voce di tenore del periodo. Dalla poesia di Dante si passa al teatro di Pellico, al libretto di Romani per riscoprire il Personaggio lirico senza Interprete.

Si es indudable la influencia de poetas románticos y modernistas, hispanoamericanos y españoles, la lectura de obras de poetas franceses del siglo XIX y comienzos del XX, románticos, parnasianos, simbolistas y otros dejó en este poemario huellas no menos ciertas. María Rosa Sandoval leía para el grupo de jóvenes poetas textos de Baudelaire, Nerval, Verlaine, Samain, Laforgue, Mallarmé, etc. Vallejo escuchó, entre otros poemas que también examinaremos, Un coup de dés, que despertó en él una serie de resonancias debidas a los sonidos del francés cf. La música verlainiana—, interpretadas de varias maneras en su creación. Algunas resonancias recuerdan el Romanticismo y las vanguardias, otras son más originales y personales, y la presencia de sonidos puros en Trilce invita a sospechar que en el primer poemario los sonidos desempeñaron ya un papel importante en la creación vallejiana.

Las diferentes corrientes poéticas francesas del siglo XIX, desde el Romanticismo al Simbolismo, y pasando fundamentalmente por el Parnasianismo, supusieron un caudal común para el nacimiento y consolidación del Modernismo en todos los países de habla hispana. El Salvador, debido en parte a su situación geopolítica en el último tercio del XIX, desarrolló un sistema literario que desde temprano se convirtió en uno de los primeros y más rotundos baluartes de asimilación de estas corrientes. Merced a la labor traductora, difusora y creativa de autores como Mayorga Rivas, Gavidia y un joven Darío, el Modernismo salvadoreño impartió cátedra en este sentido, irradiando su cosmopolitismo poético a otras zonas bajo su influencia. Precisamente por ello, por lo prístino y cabal de su Modernismo, fue también uno de los últimos países hispánicos en superar la estética Fin de Siècle y abrirse paso a la plena contemporaneidad.

Suele decirse que el género o subgénero de viajes entraña desde el Romanticismo y a lolargo de todo el siglo XIX una poética de la trascendencia. Este breve ensayo explora en qué grado ese efecto se da en quien hereda de los viajeros franceses e ingleses, aquellos curiosos impertinentes, un modo de proyectarse en la escritura que excede los límites de la meramente viatoria. El itinerario de la creación de la autora gallega parece revelar las etapas de una permanente búsqueda de espacios y tiempos, un recorrido incansable que es trasunto del vaivén de su pluma.

Sophie Cottin fue una novelista francesa que destacó con luz propia entre la pléyade de narradoras de finales del xviii. Considerada por la crítica literaria, junto a Mme de Genlis, como la creadora en Francia de la novela histórica, sus relatos serán una especie de oasis en el desierto literario que se extiende desde los inicios de la Revolución hasta finales del Primer Imperio. Claire d’Albe es un relato imbuido del sentimentalismo fúnebre que preludia el Romanticismo. Los personajes femeninos que en ésta se describen hacen gala de innumerables virtudes morales que en la mente del lector evocarán a los de la Nouvelle Héloise de Rousseau. En esta obra de Cottin se narra la historia de una joven atrapada en un triángulo amoroso, quien se debate entre someterse a la virtud o sucumbir a una pasión desenfrenada, argumento que deja entrever el carácter preeminentemente aleccionador de la novela. El objetivo principal de este trabajo es llevar a cabo un análisis de la novela francesa Claire d’Albe, tras el que se abordará el estudio de la versión española de la obra, publicada de forma anónima en el año 1822 con el título de Clara de Alba. Novelita en cartas.Sophie Cottin was a French novelist who set above her female writer peers in the late 18th century. Literary criticism has named her, along with Mme de Genlis, as the engenderer of the historical novel in France. Cottin’s body of literary works can be regarded as a visage amid the literary desert that ranges from the very beginning of the French Revolution to the fall of the First Empire. Claire d’Albe is a novel imbibed with a melancholy and sentimental touch that foreshadows Romanticism. In like fashion, its female characters are tinged with myriad moral virtues the reader can easily acknowledge in Rousseau’s Nouvelle Héloise. In particular, Cottin’s novel tells the story of a young lady caught in a love triangle. She is constantly at war with herself when it comes down to virtue or to surrendering to unbridled passions, an inner conflict which in essence reflects the didactic tone breathed throughout the novel. The primary objective of this study is to carry out an overall analysis of Claire d’Albe and to study in depth the novel’s translated version into Spanish, entitled Clara de Alba. Novelita en cartas and published anonymously in 1822.

En este artículo se presenta el análisis realizado a una de las obras precursoras del Romanticismo francés, considerando el contexto de la época y cómo las ideas revolucionarias se hicieron presentes en las expresiones artísticas, para este caso, la pintura. Otro punto más que deseo rescatar es cómo el elemento pictórico comienza a constituir una unión más estrecha entre el autor y sus sentimientos y no sólo seguir considerándose una obra deleitase al público, como la pintura lo había sido anteriormente para la aristocracia francesa. Por otra parte, se intentará ver cómo el arte puede constituir un medio ideal para la crítica política y social, logrando una manifestación plagada de dramatismo e ideales de toda una época.

"El diablo en poesía" es un pequeño texto escrito por Jorge Cuesta en 1934 que tiene como excusa el comentario de la poesía de su amigo Xavier Villaurrutia. El artículo, en que puede verse un seguimiento de la ofensiva contra el nacionalismo que había emprendido durante el desarrollo de la famosa polémica sobre literatura y nacionalismo de dos años antes, fue publicado en el diario El Universal. En él nuestro autor arroja unas cuantas ideas fundamentales para entender su poética, siguiendo la estrategia de arrogarse el atributo de revolucionario para su personal forma de entender el arte. Jorge Cuesta se vincula a la tradición poética que surge con la lectura que hacen los franceses de la teoría poética de Edgar Allan Poe y que aúna al anhelo de Absoluto, procedente del romanticismo, en el contexto de una moderna sociedad desacralizada, otros elementos de sesgo desrromantizado como el concebir la práctica poética como un ejercicio cuasi científico, dotado de premeditación y cálculo. A partir de estas premisas, Cuesta desarrolla una muy personal teoría poética que resignifica términos de la tradición (clasicismo, romanticismo y preciosismo) en favor de la defensa de una forma de arte purista que estaban practicando él mismo y sus amigos del grupo Contemporáneos.

"El diablo en poesía" es un pequeño texto escrito por Jorge Cuesta en 1934 que tiene como excusa el comentario de la poesía de su amigo Xavier Villaurrutia. El artículo, en que puede verse un seguimiento de la ofensiva contra el nacionalismo que había emprendido durante el desarrollo de la famosa polémica sobre literatura y nacionalismo de dos años antes, fue publicado en el diario El Universal. En él nuestro autor arroja unas cuantas ideas fundamentales para entender su poética, siguiendo la estrategia de arrogarse el atributo de revolucionario para su personal forma de entender el arte. Jorge Cuesta se vincula a la tradición poética que surge con la lectura que hacen los franceses de la teoría poética de Edgar Allan Poe y que aúna al anhelo de Absoluto, procedente del romanticismo, en el contexto de una moderna sociedad desacralizada, otros elementos de sesgo desrromantizado como el concebir la práctica poética como un ejercicio cuasi científico, dotado de premeditación y cálculo. A partir de estas premisas, Cuesta desarrolla una muy personal teoría poética que resignifica términos de la tradición (clasicismo, romanticismo y preciosismo) en favor de la defensa de una forma de arte purista que estaban practicando él mismo y sus amigos del grupo Contemporáneos.

La literatura del Parnasse francés participó como ninguna otra de la génesis del modernismo hispánico, y en este sentido el primer modernismo puertorriqueño no fue una excepción. Pese a la vigencia aún tardía del romanticismo, inseparable del contexto de insularidad y lucha por la Independencia, la recepción en la isla del parnasianismo supuso la adopción de una serie de modelos que incorporaron la literatura puertorriqueña al espíritu del Fin de Siglo. El presente artículo se ocupa de la traducción y recepción del Parnasse Contemporain durante el último tercio del siglo XIX, una época marcada aún por los cánones de un postromanticismo trasnochado y los primeros ensayos renovadores de autores como José de Jesús Domínguez, inspirados en los poetas parnasianos franceses como Gautier, Heredia o Leconte de Lisle.

El artículo retorna sobre el profundo impacto que produjeron los temas reaccionarios en la modernidad francesa tras la Primera Guerra Mundial. Para ello, considera el regionalismo en las permutaciones de la Segunda Guerra Mundial y explica sus diferentes significados en Italia y Alemania como base interpretativa para el caso de España. Aplica la distinción entre el regionalismo, el parroquialismo y el provincialismo, considera su susceptibilidad a las condiciones de neo-, pseudo-, y faux-, y diferencia los conceptos de hibricidad y eclecticismo Beaux-Arts. Estas condiciones llevan a su fin la distancia de la obra de Le corbusier con el regionalismo en los años 30. Después de la Segunda Guerra Mundial lo vernacular reemplazó al regionalismo y Gran Bretaña emergió por su posición insular respecto a la vanguardia histórica europea, que por su antagonismo entre el romanticismo, nuevo humanismo, nuevo empirismo, nueva pintoresca y el abandono atropellado vernacular del nuevo brutalismo, consigue crear una ruptura con los años de entreguerras.

En su viaje por Estados Unidos de América y Europa entre 1828 y 1831, así como durante sus exilios entre 1843-1844, 1844-1864 y 1864-1876, Juan Pablo Duarte logró apropiarse de una sólida formación filosófica, política, jurídica, científica y literaria que le permitiría desarrollar una visión holística sobre el proceso de liberación a desarrollar ante la dominación haitiana o cualquier potencia que pretendiese enajenar, aunque fuese un ápice, cualquier parte del territorio nacional. A partir de la incorporación a su gran acervo de los elementos más positivos del romanticismo, del liberalismo inglés, de la ilustración francesa y española, del municipalismo imperante en Barcelona y del cristianismo comprometido que siempre abrazó, Duarte fue forjando su propia plataforma filosófica, política y jurídica revolucionaria que le serviría de base a su inmenso proyecto de liberación nacional, en pos de la conformación de una República Dominicana totalmente libre, independiente, soberana, justa, democrática y participativa.

Este artículo explora los posicionamientos estéticos que Saer sienta en sus ensayos y la relación de los mismos con la poética que despliega en sus novelas. Apunta a caracterizar la perspectiva de Saer como una posición formalista que lleva la impronta de la Teoría Estética de Theodor Adorno, así como también a distinguir su concepción de la vanguardia –ligada a la práctica de un “hermetismo programático”–, en contraste con las concepciones de otros autores y con la idea de “lo nuevo” que propugna la cultura de masas. En esa línea se abordan sus diferencias con la “nueva narrativa latinoamericana” de los años 60 y 70, y asimismo sus afinidades y distanciamientos respecto de los postulados vanguardistas de los escritores franceses que integraron el Nouveau roman. El objetivo es mostrar de qué manera Saer reivindica, con un “gesto arcaizante”, la creencia en la forma como bastión moderno que, desde el romanticismo (y mas fuertemente con Baudelaire, Valéry y Flaubert), contribuyó a la instauración de un ethos específico del arte, que aún merece tener un lugar en los debates contemporáneos.

La ciencia ilustrada en su vertiente colonial se obsesionó en tomar las medidas del territorio y en objetivar sus observaciones científicas, usando un arsenal cada vez mayor de instrumentos científicos, lo que en el caso español se tradujo en el envío de innumerables expediciones marítimas y terrestres encargadas de esta difícil misión, en la que ya estaban embarcadas otras potencias como Inglaterra y Francia. De hecho, algunas de las primeras experiencias en este sentido se hicieron de la mano de los científicos franceses, casi siempre por encargo de la Académie des Sciences de Paris, una institución de prestigio con experiencia en el uso de instrumentos científicos. En el cambio de siglo, Alexander von Humboldt siguió obsesionado por el uso de sus instrumentos científicos en el estudio de la Naturaleza, aunque se planteaba otras cuestiones más generales sobre el equilibrio natural y las relaciones globales que unían a los seres organizados con la naturaleza inanimada, guiado por un empirismo razonado característico de la ciencia humboldtiana, determinada por la medición y la sensibilidad subjetiva, en un momento clave del paso de la Ilustración al Romanticismo.

This article focuses upon Alicia LeFanu (fl. 1809–36), author of several poems, six multi-volume novels, a critical biography of her grandmother, Frances Sheridan, and articles for the Court Magazine. Descended from an eminent literary family, and since misremembered as a mere ‘petticoat novelist’, LeFanu complicates ideas of the centre and the periphery in her writing. I explore how this interest is figured in LeFanu's use of the chapter epigraph, developing work I have undertaken as editor of LeFanu's early novel, Strathallan (1816). LeFanu's epigraphs persist across her fiction as a dimension in which she not only reflects upon literary legacies, but also contests the boundaries of her own print culture. Through its consideration of LeFanu, as author and reader, the article further reflects upon the significance of her example for a broader understanding of other women writers at the edges and borders of Romanticism, and of their literary networks.

Se estudian en este trabajo las primeras novelas históricas de autoría femenina que nos ha legado el siglo XIX, poco valoradas o casi ignoradas por la crítica hasta el momento: la obra original de Casilda Cañas de Cervantes La española misteriosa y el ilustre aventurero, o sean, Orval y Nonui (1833), así como otras tres novelas que se presentan como traducciones del francés: Zulima (1817), de Micaela Nesbitt y Calleja, Reynaldo y Elina o la sacerdotisa peruana (1820), de Antonia Tovar y Salcedo, y La invención del órgano o Abassa y Bermécides (1831) de María Belloumini. El estudio y el análisis conjunto de estas cuatro novelas firmadas por mujeres nos permitirá situar en el período fernandino (1814-1832) el inicio de una tendencia característica de la escritura femenina decimonónica, el cultivo de la novela histórica, que conocemos hasta la fecha fundamentalmente a través de las obras escritas a partir del medio siglo por Pilar Sinués, Ángela Grassi o Teresa Arróniz. Relacionaremos las tres supuestas traducciones con sus fuentes –alguna de ellas, como es el caso de Reynaldo y Elina, desconocida hasta el momento–, lo cual nos permitirá comprobar que estas versiones constituyen un magnífico ejemplo de la voluntad de trasvase y adaptación de la literatura francesa a nuestro ámbito cultural en un período histórico, el primer tercio del siglo XIX, caracterizado por la escasa producción narrativa de factura nacional.

In this essay I construct a literary genealogy that situates William Dean Howells in the middle of a call-and-response literary conversation with popular women writers about race, gender, and genre. Since Howells correlated racial questions with realism, his only novel that treats intermarriage, An Imperative Duty (1891), offered Howells an opportunity to deploy his presumably objective, scientific, realist knowledge about race in order to challenge women's romantic miscegenation plots found in Margret Holmes Bates's The Chamber over the Gate (1886) and Alice Morris Buckner's Towards the Gulf (1887), two novels that he had recently read and reviewed. Yet the tragic mulatta stereotype, a stock figure of romanticism and sentimentality that was resistant to scientific discourse, ruptures Howells's goal of representing the figure according to the tenets of realism. In Iola Leroy (1892), Frances Ellen Watkins Harper cunningly recasts the tragic mulatta stereotype both to critique Howells's project and to represent the potential of black womanhood. Knowledge of Bates and Buckner can change critical conversation about the influence of women writers on Howells, the understanding of the role of the racialized woman in his fiction, and his conception of the link between the romantic mulatta and realist representation. Likewise, Harper takes issue with Howells's supposed ironic sophistication about race, and in Iola Leroy she rewrites many of his views in order to show the ways that miscegenation is at once a novelistic and a national problem.

En el siglo XIX tienen lugar las luchas por la independencia de las naciones hispanoamericanas. Para la realización de esa empresa libertaria, fueron necesarias acciones heroicas que demandaron la participación de los próceres de la sociedad, así como de sus líderes, pensadores y escritores, razón por la cual la literatura fue una valiosa arma de combate intelectual que atizó las aspiraciones y los ideales separatistas en los diferentes pueblos del Continente americano.<br /><br />La vocación de autonomía política a la que aspiraban los escritores hispanoamericanos del siglo XIX motorizó la primera generación de literatos que en América hicieron uso de la palabra al calor de las rebeliones que implicaba la Independencia Nacional. Políticos, intelectuales, escritores, maestros, sacerdotes y periodistas se alinearon en esa meta separatista que encendió la vocación literaria y el activismo social, político y cultural <br />en las capas pensantes de los pueblos americanos. Al tiempo que describe facetas de la realidad natural, la realidad histórica y la realidad social, la literatura perfila el talante interpretativo, imaginativo y cultural de <br />los países hispanoamericanos.<br /><br />Fueron narradores, poetas y dramaturgos, los abanderados del ideal independentista que asumieron la vanguardia política, social y cultural en los pueblos de habla hispana en nuestra América. La narrativa indianista, la poesía patriótica y el teatro popular fueron tres vertientes claves de la creatividad literaria que dieron cauce y brillantez al proyecto nacionalista de las diversas poblaciones de la América hispana durante el siglo XIX. Concitados por el Romanticismo, el Realismo y el Modernismo, tres corrientes estéticas de inspiración francesa, las naciones americanas de habla hispana desarrollaron sus inclinaciones intelectuales, morales, estéticas y espirituales, mientras prohijaban el ideal de independencia política bajo la llama del sueño libertario y la utopía.<br /><br />De ahí el rol estimulador de la literatura, que la poesía, la narrativa, el teatro, el periodismo y la oratoria <br />encauzaron en diferentes escenarios y tribunas, desde las aulas del magisterio universitario hasta el púlpito <br />de los templos sagrados, haciendo de la palabra el arma espiritual en las treguas del combate y la esperanza.

Background. In 2018, the 170th anniversary of the death of Gaetano Donizetti (1797–1848) was commemorated. G. Donizetti created 74 operas of various genres and themes. He was the head of the Italian opera school in the second half of the 1830s, picking up the baton from G. Rossini and V. Bellini and anticipating G. Verdi’s searching. Having an apparent melodic gift, excellent skills of composing, knowledge of musical theatre, he created his works extremely quickly and easily – up to 3–4 operas per year, which caused repeated critical attacks. Opera works by G. Donizetti got a hard futurity. This music laid hold of audience in the 1830s–40s, but practically got out of the repertoire by the end of the 19th century, giving way to the masterpieces by G. Verdi and R. Wagner. Its revival began in the 50s of the 20th century, thanks to remarkable interpretations of great performers, in particular Maria Callas, Joan Alston Sutherland, Montserrat Caball&#233; (since 1965), and others. A new success of opera masterpieces arose due to the fact that performing concepts restored the original author’s conception. Among the researchers and listeners, G. Donizetti’s operatic works eclipsed other spheres of his creativity, such as instrumental and chamber vocal music. But at the same time, G. Donizetti lived in the times of the widespread distribution of the romance, and the rapid growth of its popularity in the amateur and professional performing environment. He was an outstanding expert of vocal music and could not ignore this genre. Naturally there is a need for a more attentive approach to such a little-studied topic, as the composer’s chamber vocal music. Objectives. Gaetano Donizetti’s chamber-vocal creativity is the object of this study. The subject is the song cycle “Summer Nights in Posillipo” (“Nuits d’&#233;t&#233; &#224; Pausilippe”) in terms of individual composer style. The objectives of offered article are not so much fi ll existing gaps on this issue, as taking a closer look at the romance genre, which is eclipsed by the composer’s opera compositions. The author of this work uses classical methods of analysis of historical and theoretical musicology. Results. Studies on the composer style of G. Donizetti in the Russian and Ukrainian languages are very limited in both quantitative and thematic terms. Most sources, including in other languages, consider opera works by the composer. The exact number of Donizetti’s romances is still unknown (from 250 to 270). The song cycle “Nuits d’&#233;t&#233; &#224; Pausilippe” / “Summer Nights in Posillipo” (1836), consisting of 12 songs, is also not considered in the scientifi c literature. Typical for the fi rst third of the 19th century is the chronotope of this cycle, in which the poetics of the geographical toponym and the symbolism of the night are combined. Posillipo is a distinctive place in the northern part of the Gulf of Naples, with its unusually picturesque landscape and artifacts of ancient culture. The name of the song collection by G. Donizetti corresponds to the popular literature formula of the 1830s – “Florentine Nights” (1833) by H. Heine, “Egyptian Nights” (1835) by A. S. Pushkin, and others, in which the genre of the “night” novelistic cycle embodied. The musical implementations are “Night Pieces” op. 23 (1839) by R. Schumann, song cycle “Summer Nights” op. 7 (1841) by G. Berlioz, which were created in the period of composition writing (1836) by G. Donizetti. The novella-like character of “Summer Nights in Posillipo” is represented by incompleteness of lyric utterance, free alternation of fragments within the boundaries of a given topic, the variability of timbre solutions, varied choice of authors of poetic texts. Six solo numbers (Nos. 1–6) are supplemented by six duets for various timbre sets (Nos. 7–12, for 2 sopranos, soprano and mezzo-soprano, soprano and tenor, tenor and bass). The poems by four poets of Romanticism are involved: Leopoldo Tarantini (Nos. 1, 8, 10, 12), Carlo Guaita (No. 2), Michele Palazzolo (Nos. 7, 11), Francesco Puoti (No. 9), Victor Hugo (No. 6). Also the poems of the anonymous poet (No. 3) and the folklore text (No. 5) are used here. The cycle is “multilingual”, the Italian language coexists with the Neapolitan and French. The love theme prevails. We can talk about creation of a poetic-collective image entitled Homo amore. Solo songs (Nos. 1–6) form conditional self-contained cycle, which is distinguished by genre diversity. This is evidenced by both the designations of the composer himself (Barcarolle – No. 1, Romance – No. 2, Arietta – No. 3, Ballade – No. 4, Neapolitan song – No. 5), and signs of other genres (opera monologue – No. 1, Chivalric romance – No. 2, Serenade – No. 3, Alba – No. 6). The second little cycle is formed by the duets Nos. 7–12. The composer designates Nos. 7–11 as nocturne, while Nos. 12 as brindisi, or drinking song. G. Donizetti’s nocturnes are glad and lyrical, motile, virtuosic, theatrically spectacular. Life and earthly pleasures are glorifi ed in sounding. The atmosphere of a brilliant ball evening is felt here. The unifying factor in duets are the principles of the texture organization of vocal parts. The fi rst one is associated with the interaction of voices-parts with each other according to the principle of anti-phoning singing (Nos. 7, 9, 11). The second principle is associated with the simultaneous sounding of two voices (Nos. 8, 10, 12). The role of intonation relatedness at the songs is signifi cant. The thematism of twelve songs can be divided by the type of melodic core. As a result, there are three groups: I – themes Nos. 1, 2, 5, 8, 10; II – Nos. 3, 6; III – duets Nos. 7, 9. Conclusions. The applying of the “intonation vocabulary” of the epoch is refl ected in numerous allusions between the melodies of the romances by G. Donizetti and the works of his contemporaries (M. Glinka, F. Schubert) and successors (R. Hahn). The biggest interest is the composer work with the form. Acting within the framework of the repeatability (melodic and structural) and stanza form, G. Donizetti seeks to overcome this necessity in every possible way by various means. The structure of his romances “lives”, naturally unfolds in time, obeying the laws of vocal music. The results of “Summer Nights in Posillipo” analysis allow us to conclude about the originality of G. Donizetti’s creative decisions in the genre of romance.

AbstractAry Scheffer (1795-1858) is so generally included in the French School (Note 2)- unsurprisingly, since his career was confined almost entirely to Paris - that the fact that he was born and partly trained in the Netherlands is often overlooked. Yet throughout his life he kept in touch with Dutch colleagues and drew part of his inspiration from Dutch traditions. These Dutch aspects are the subject of this article. The Amsterdam City Academy, 1806-9 Ary Scheffer was enrolled at the Amsterdam Academy on 25 October 1806, his parents falsifying his date of birth in order to get him admitted at the age of eleven (fifteen was the oficial age) . He started in the third class and in order to qualify for the second he had to be one of the winners in the prize drawing contest. Candidates in this were required to submit six drawings made during the months January to March. Although no-one was supposed to enter until he had been at the Academy for four years, Ary Scheffer competed in both 1808 and 1809. Some of his signed drawings are preserved in Dordrecht. (Figs. 1-5 and 7), along with others not made for the contest. These last in particular are interesting not only because they reveal his first prowess, but also because they give some idea of the Academy practice of his day. Although the training at the Academy broadly followed the same lines as that customary in France, Italy and elsewhere (Note 4), our knowledge of its precise content is very patchy, since there was no set curriculum and no separate teachers for each subject. Two of Scheffer's drawings (Figs. 2 and 3) contain extensive notes, which amount to a more or less complete doctrine of proportion. It is not known who his teacher was or what sources were used, but the proportions do not agree with those in Van der Passe's handbook, which came into vogue in the 18th century, or with those of the canon of a Leonardo, Dürer or Lebrun. One gets the impression that what are given here are the exact measurements of a concrete example. Scheffer's drawings show him gradually mastering the rudiments of art. In earlier examples the hatching is sometimes too hasty (Fig. 4) or too rigidly parallel (Fig.5), while his knowledge of anatomy is still inadequate and his observation not careful enough. But right from the start he shows flair and as early as 1807 he made a clever drawing of a relatively complex group (Fig. 6) , while the difficult figure of Marsyas was already well captured in 1808 and clearly evinces his growing knowledge o f anatomy, proportion , foreshortening and the effects of light (Fig. 7). The same development can be observed in his portrait drawings. That of Gerardus Vrolik (1775-1859, Fig.8), a professor at the Atheneum Illustre (the future university) and Scheffer' s teacher, with whom he always kept in touch (Note 6), is still not entirely convincing, but a portrait of 1809, thought to be of his mother (Fig.9, Note 7), shows him working much more systematically. It is not known when he left the Academy, but from the summer of 1809 we find him in France, where he was to live with only a few breaks from 1811 to his death. The first paintings and the Amsterdam exhibitions of 1808 and 1810 Ary Scheffer's earliest known history painting, Hannibal Swearing to Avenge his Brother Hasdrubal's Death (Fig. 10) Notes 8-10) was shown at the first exhibition of living masters in Amsterdam in 1808. Although there was every reason for giving this subject a Neo-Classical treatment, the chiaroscuro, earthy colours and free brushwork show Scheffer opting for the old Dutch tradition rather than the modern French style. This was doubtless on the prompting of his parents,for a comment in a letter from his mother in 1810 (Note 12) indicates that she shared the reservations of the Dutch in general about French Neo-Classicism. (Note 11). As the work of a twelve to thirteen year old, the painting naturally leaves something to be desired: the composition is too crowded and unbalanced and the anatomy of the secondary figures rudimentary. In a watercolour Scheffer made of the same subject, probably in the 1820's, he introduced much more space between the figures (Fig. 11, Note 13). Two portraits are known from this early period. The first, of Johanna Maria Verbeek (Fig. 12, Note 14), was done when the two youngsters were aged twelve. It again shows all the characteristics of an early work, being schematic in its simplicity, with some rather awkward details and inadequate plasticity. On the other hand the hair and earrings are fluently rendered, the colours harmonious and the picture has an undeniable charm. At the second exhibition of works by living masters in 1810, Ary Scheffer showed a 'portrait of a painter' (Fig. 13), who was undoubtedly his uncle Arnoldus Lamme, who also had work in the exhibition as did Scheffer's recently deceased father Johan-Bernard and his mother Cornelia Scheffer-Lamme, an indication of the stimulating surroundings in which he grew up. The work attracted general attention (Note 16) and it does, indeed, show a remarkable amount of progress, the plasticity, effects of light, brushwork and colour all revealing skill and care in their execution. The simple, bourgeois character of the portrait not only fits in with the Dutch tradition which Scheffer had learned from both his parents in Amsterdam, but also has points in common with the recent developments in France, which he could have got to know during his spell in Lille from autumn 1809 onwards. A Dutchman in Paris Empire and Restoration, 1811-30 In Amsterdam Scheffer had also been laught by his mother, a miniature painter, and his father, a portrait and history painter (Note 17). After his father's death in June 1809, his mother, who not only had a great influence on his artistic career, but also gave his Calvinism and a great love of literature (Note 18), wanted him to finish his training in Paris. After getting the promise of a royal grant from Louis Napoleon for this (Note 19) and while waiting for it to materialize, she sent the boy to Lille to perfect his French as well as further his artistic training. In 1811 Scheffer settled in Paris without a royal grant or any hope of one. He may possibly have studied for a short time under Prudhon (Note 20) , but in the autumn of 1811 he was officially contracted as a pupil of Guérin, one of the leading artists of the school of David, under whom he mastered the formulas of NeD-Classicism, witness his Orpheus and Eurydice (Fïg.14), shown in the Salon of 1814. During his first ten years in Paris Scheffer also painted many genre pieces in order, so he said, to earn a living for himself and his mother. Guérin's prophecy that he would make a great career as a history painter (Note 21) soon came true, but not in the way Guérin thought it would, Scheffer participating in the revolution initiated by his friends and fellow-pupils, Géricault and Delacroix, which resulted in the rise of the Romantic Movement. It was not very difficult for him to break with Neo-Classicism, for with his Dutch background he felt no great affinity with it (Note 22). This development is ilustrated by his Gaston de Foix Dying on the Battlefield After his Victory at Ravenna, shown at the Salon of 1824, and The Women of Souli Throwing Themselves into the Abyss (Fig.15), shown at that of 1827-8. The last years of the Restoration and the July Monarchy. Influence of Rembrandt and the Dutch masters In 1829, when he seemed to have become completely assimilated in France and had won wide renown, Scheffer took the remarkable step of returning to the Netherlands to study the methods of Rembrandt and other Dutch old masters (Note 23) . A new orientation in his work is already apparent in the Women of Souli, which is more harmonious and considered in colour than the Gaston dc Foix (Note 24). This is linked on the one hand to developments in France, where numbers of young painters had abandoned extreme Romanticism to find the 'juste milieu', and on the other to Scheffer's Dutch background. Dutch critics were just as wary of French Romanticism as they had been of Neo-Classicism, urging their own painters to revive the traditions of the Golden Age and praising the French painters of the 'juste milieu'. It is notable how many critics commented on the influence of Rembrandt on Scheffer's works, e.g. his Faust, Marguérite, Tempête and portrait of Talleyrand at the Salon of 1851 (Note 26). The last two of these date from 1828 and show that the reorientation and the interest in Rembrandt predate and were the reasons for the return to the Netherlands in 1829. In 1834 Gustave Planche called Le Larmoyeur (Fig. 16) a pastiche of Rembrandt and A. Barbier made a comparable comment on Le Roi de Thule in 1839 (Note 27). However, as Paul Mantz already noted in 1850 (Note 28), Scheffer certainly did not fully adopt Rembrandt's relief and mystic light. His approach was rather an eclectic one and he also often imbued his work with a characteristically 19th-century melancholy. He himself wrote after another visit to the Netherlands in 1849 that he felt he had touched a chord which others had not attempted (Note 29) . Contacts with Dutch artists and writers Scheffer's links with the Netherlands come out equally or even more strongly in the many contacts he maintained there. As early as 1811-12 Sminck-Pitloo visited him on his way to Rome (Note 30), to be followed in the 1820's by J.C. Schotel (Note 31), while after 1830 as his fame increased, so the contacts also became more numerous. He was sought after by and corresponded with various art dealers (Note 33) and also a large number of Dutch painters, who visited him in Paris or came to study under him (Note 32) Numerous poems were published on paintings by him from 1838 onwards, while Jan Wap and Alexander Ver Huell wrote at length about their visits to him (Note 34) and a 'Scheffer Album' was compiled in 1859. Thus he clearly played a significant role in the artistic life of the Netherlands. International orientation As the son of a Dutch mother and a German father, Scheffer had an international orientation right from the start. Contemporary critics and later writers have pointed out the influences from English portrait painting and German religious painting detectable in his work (Note 35). Extracts from various unpublished letters quoted here reveal how acutely aware he was of what was likely to go down well not only in the Netherlands, but also in a country like England, where he enjoyed great fame (Notes 36-9) . July Monarchy and Second Empire. The last decades While most French artists of his generation seemed to have found their definitive style under the July Monarchy, Scheffer continued to search for new forms of expression. In the 1830's, at the same time as he painted his Rembrandtesque works, he also produced his famous Francesca da Rimini (Fig. 17), which is closer to the 'juste milieu' in its dark colours and linear accents. In the 1840's he used a simple and mainly bright palette without any picturesque effects, e.g. in his SS. Augustine and Monica and The Sorrows of the Earth (Note 41), but even this was not his last word. In an incident that must have occurred around 1857 he cried out on coming across some of his earlier works that he had made a mistake since then and wasted his time (Note 42) and in his Calvin of 1858 (Fig. 18) he resumed his former soft chiaroscuro and warm tones. It is characteristic of him that in that same year he painted a last version of The Sorrows of the Earth in the light palette of the 1840's. Despite the difficulty involved in the precise assessment of influences on a painter with such a complex background, it is clear that even in his later period, when his work scored its greatest successes in France, England and Germany, Scheffer always had a strong bond with the Netherlands and that he not only contributed to the artistic life there, but always retained a feeling for the traditions of his first fatherland. Appendix An appendix is devoted to a study of the head of an old man in Dordrecht, which is catalogued as a copy of a 17th-century painting in the style of Rembrandt done by Ary Scheffer at the age of twelve (Fig.19, Note 43). This cannot be correct, as it is much better than the other works by the twelve-year-old painter. Moreover, no mention is made of it in the catalogue of the retrospective exhibition held in Paris in 1859, where the Hannibal is given as his earliest work (Note 44). It was clearly unknown then, as it is not mentioned in any of the obituaries of 1858 and 1859 either. The earliest reference to it occurs in the list made bv Scheffer's daughter in 1897 of the works she was to bequeath to the Dordrecht museum. A clue to its identification may be a closely similar drawing by Cornelia Scheffer-Lamme (Fig. 20, Note 46), which is probably a copy after the head of the old man. She is known to have made copies after contemporary and 17th-century masters. The portrait might thus be attributable to Johan-Bernard Scheffer, for his wife often made copies of his works and he is known from sale catalogues to have painted various portraits of old men (Note 47, cf. Fig.21). Ary Scheffer also knew this. In 1839 his uncle Arnoldus Lamme wrote to him that he would look out for such a work at a sale (Note 48). It may be that he succeeded in finding one and that this portrait came into the possession of the Scheffer family in that way, but Johan-Bernard's work is too little known for us to be certain about this.

América Latina ha vivido procesos políticos intricados entre la influencia de occidente, con su pasión que abraza el liberalismo y protege a su hija predilecta, la democracia, y la influencia de las ideas de revolución emergentes desde el dominio marxista. Esta puja por una región inestable se encarna a partir del nacimiento de las repúblicas latinoamericanas en dos clanes: por un lado, un gran líder mundial, el hegemón, el llamado a personificar las estructuras de moralidad vista desde el orden y la reprensión; por otro lado, los movimientos revolucionarios que encarnan la sublevación a las ideas de occidente, la insurrección al capitalismo y el liberalismo, y a favor de la imposición de sistemas políticos que rayan con el marxismo: la eliminación de clases sociales, de la propiedad privada, de la libertad de prensa y opinión. Por un lado, en el contexto de occidente, el individuo sobresale sobre el comunitarismo y corporativismo; por otro lado, la idea de colectivo, representado en un gobierno, sobrepasa al individuo y a sus derechos. Durante el reinado de Luis XIV (1643-1715), Francia se hallaba bajo el dominio de una monarquía absolutista, el poder del rey y de la nobleza eran la base de este régimen. El Estado se encontraba en una situación económica bastante precaria, que se agravó por el mal gobierno de Luis XV (bisnieto de Luis XIV), y tocó fondo durante el reinado de Luis XVI, gobernante bien intencionado, pero de carácter débil, por lo que se lo llamaba el buen Luis. Las crisis de las monarquías francesas condujeron la nación a la Revolución francesa, guiada por tres principios: libertad, igualdad y fraternidad. El ejemplo francés pretendería afirmar que la libertad es la piedra angular de toda revolución, pero la historia nos deja saber que la libertad, a veces, es aparejada con el capitalismo y, en su defecto, con la democracia. Las crisis han llevado a las naciones en pensar en subversiones que cambien el sistemas político, económico y social, pero la subversión no necesariamente comprende la inclusión de la libertad como eje conductor, sino que puede incluir la eliminación de la libertad y su reemplazo por la fidelidad al revolucionario y a sus ideales.

El ensayo pretende reconstruir los debates filosóficos franco-alemanes de los años 80. La llegada del pensamiento francés de Derrida, Foucault, Lacan, etc., generó en la filosofía alemana la polaridad asimilación-rechazo. Sostenemos que dicha polaridad es producto del rechazo o integración de las propias tradiciones alemanas que los autores franceses poseen. En consecuencia, creemos que son claves las obras de Manfred Frank sobre el pensamiento francés para entender tanto el debate como sus derivaciones en las discusiones sobre modernidad-posmodernidad, sujeto-no-sujeto, deconstrucción-hermenéutica, racionalidad-irracionalidad.

El Grand Guignol du Paris fue una compañía teatral que desarrolló su actividad entre 1897 y 1962. Principalmente subía a escena obras de teatro breve del género de terror exacerbado, extremadamente violento y explícito. El período de mayor éxito de esta compañía tuvo lugar en el primer tercio del siglo XX y, más concretamente, en el período entre las dos guerras mundiales. Este período coincide con el surgimiento y desarrollo de las artes de vanguardia. En este trabajo relacionamos el Grand Guignol con el arte expresionista, usando para ello una pieza clave del mismo, la película Das cabinet des Dr. Caligari, que fue llevada a escena por el Grand Guignol en 1925: Le Cabinet du Docteur Caligari, de André de Lorde y Henri Bauche. Analizamos las diferencias y similitudes entre la película y la pieza teatral en orden a determinar de qué manera el arte expresionista fue asimilado por la escena francesa.

En este esbozo de la larga historia de la recepción —casi tres siglos— de la obra de Quevedo, se insistirá en algunos de los momentos más relevantes y particulares de la situación alemana, como son las primeras traducciones del siglo xvii, mediadas por las versiones francesas de Sieur de la Geneste, la divulgación de Quevedo durante la ilustración y el romanticismo, el uso político-religioso que hizo R. Baumstark de la vida de Quevedo en la época de la Kulturkampf y, finalmente, la doble labor de transmisión de la obra del escritor en las dos Alemanias después de la Segunda Guerra Mundial hasta la actualidad. En un segundo paso, se ofrecerá además un breve panorama del estado del quevedismo alemán actual.

Solar crosses were symbolic markers that once punctuated the rolling pathways at the foot of the French Pyrenees. For Henri Lefebvre, these “crucified suns” came to symbolize a number of time-tested traditions that could revitalize everyday life in the modern world. His efforts to resurrect the archaic confronted two contemporary contexts: the hypermodernization promoted throughout France's long Reconstruction and the degradation of provincial communities that attended it. A heretical Marxist, Lefebvre's social thought included a Romantic sensibility that was organically connected to southwestern France and Friedrich Nietzsche. Dialectical in nature, Lefebvre's revolutionary Romanticism repurposed age-old styles of symbolic expression and cyclical recurrence in order to transform everyday life and keep the deracinating forces of modernization at bay. The French sociologist's enduring interest in archaic traces, and his belief that they might one day be revived, reorients how we approach his landmark studies on space and time in the modern city.

Con frecuencia se olvida, cuando no se ignora, que Jean-Jacques Rousseau fue teórico de lamúsica y músico. Sus escritos teórico-especulativos sobre música fueron los que lepermitieron en una primera etapa darse a conocer y establecer los primeros lazos deamistad con Diderot y D'Alembert, que le requirieron en 1749, cuando ya había publicado laDisertación sobre la música moderna (1743), su primer libro, para que escribiera los artículos demúsica para la Encyclopédie. Contribuyó con más de cuatrocientos. A dichos escritos tambiéndebe la animadversión y el rechazo de buena parte de sus contemporáneos, en especial ala Carta sobre la música francesa (1753), con la que terció en la Querelle des Bouffons. Otros, encuya importancia teórica hoy todos convienen, sólo serían conocidos por el público despuésde su muerte, como el Ensayo sobre el origen de las lenguas, donde se habla de la melodía y de laimitación musical. Como compositor le debemos principalmente dos óperas-ballets -Le Devindu village y Les Muses galantes, de la cual sólo se conserva un acto- y un centenar de canciones,publicadas tres años después de su muerte en julio de 1778, gracias a la iniciativa del últimomiembro de la larga serie de sus benefactores de la nobleza: el marqués de Girardin.Palabras clave: Rousseau, filosofía de la música, estética, ilustración, romanticismo