Academic literature on the topic 'Reprises de chansons'

La fin des années 1970 et les années 1980 ont constitué pour la gauche britannique une période difficile. Alors que le Parti conservateur de Margaret Thatcher dominait la scène politique, les travaillistes perdirent les élections législatives à trois reprises consécutives et les syndicats subirent de lourdes défaites. L’un des aspects originaux à l’opposition au Premier Ministre fut la présence de nombreux groupes et musiciens parmi lesquels les Specials, Crass, Billy Bragg et Paul Weller. Ces artistes composèrent non seulement des chansons critiquant le Premier Ministre, sa politique et l’impact de celle-ci sur les gens ordinaires, mais ils exprimèrent par ailleurs leur opinion dans les médias et participèrent à des mouvements d’opposition. Les termes «contacts», «frictions» et «heurts» peuvent contribuer à créer une typologie des diverses activités de cette période auxquelles les musiciens prirent part. La dimension politique de ces activités peut être mise en évidence en appliquant les concepts gramsciens de «guerre de position» et «guerre de manœuvre » aux «frictions » et aux «heurts » que les musiciens ont engendrés.

Les chants de guerre repris ou composés en 1939 laissent la place, après la défaite, à un vaste répertoire de « chansons légères ». Après la victoire en chantant s’impose la défaite en silence. Ou plutôt en soupirs : les chansons d’amours comme les airs de bal musette composés entre 1940 et 1944 font de discrètes allusions aux temps meilleurs de l’avant-guerre et aux conséquences de la défaite (les restrictions alimentaires et vestimentaires par exemple). La chanson comique est sans doute celle qui en parle le plus ouvertement. C’est dire si le thème de la guerre est alors dénué de toute référence à la lutte armée et vidé de son contenu politique. Bien sûr la Marseillaise, interdite en zone nord, demeure l’hymne officiel du régime de Vichy. Mais les couplets en sont soigneusement sélectionnés et une nouvelle interprétation en est proposée mettant l’accent sur « l’amour de la patrie » et sur la relève de la jeune génération plutôt que sur les appels au combat. Il en va de même des hymnes composés en l’honneur du nouveau régime. La discrétion qui s’impose dans la chanson française au sujet de la guerre entre 1940 et 1944 doit permettre de s’interroger plus largement sur les fonctions sociales et politiques de la chanson. Celle-ci sert tour à tour à mobiliser et à consoler, à entraîner et à rassurer, à rappeler un passé glorieux et à se projeter dans un futur meilleur. Dans tous les cas, elle contribue à la définition d’une identité collective qu’il est évidemment plus difficile de forger dans la défaite que dans le feu de l’action ou l’enthousiasme de la Libération.

Dans La Mulâtresse Solitude, André Schwarz-Bart nous livre un récit à la jonction de plusieurs textes de chansons dont il fait à la fois l’écho, la transmission, la réinterprétation, l’accentuation, la reprise et la transformation. Appliquer à ce récit la transposition du principe de l’approche intertextuelle au domaine musical, ainsi que le suggère Florence Mouchet dans son étude sur les chansons médiévales, paraît comme une évidence. Il sera donc ici question d’intermélodicité dont le récit secondaire peut se lire comme un long ‘récituel’ dédié à la mémoire des esclaves et plus particulièrement à celle de la Mulâtresse Solitude. Les travaux réalisés par Kathleen Gyssels, Élie Duprey ou encore Francine Kaufmann permettent d’étendre la réflexion dans ce sens. C’est pourquoi cette analyse tente d’apporter un autre éclairage sur le caractère profondément énigmatique de la musique schwarz-bartienne.

Une des caractéristiques fondamentales de la musique populaire demeure la réutilisation constante du matériel musical en provenance d’une multitude de styles et de courants (remix, adaptation, échantillonnage, etc.). Cette pratique nommée la transphonographie provient de l’intertextualité, un concept élaboré par le littéraire Gérard Genette et adapté à la musique populaire par le musicologue Serge Lacasse. Dans ce texte, l’auteur emploiera la transphonographie pour relever les différentes transformations musicales et thématiques survenant dans la chanson « Summer Night City » de ABBA, lorsque celle-ci est reprise par le groupe de gothique metal symphonique Therion. En plus des éléments musicaux propres à la musique d’ABBA modifiés pour correspondre à l’esthétique de Therion, ces transformations induisent aussi un changement dans la signification même de la chanson.

Depuis la publication du poème Évangeline. A Tale of Acadie par Henry W. Longfellow en 1847, s’est développé un mythe fondateur américain qui est devenu, au fil du temps, un mythe constitutif de l’identité culturelle en Acadie et en Louisiane. Cet article propose une analyse des reprises médiatiques du mythe d’Évangéline et de la réinterprétation de ce personnage dans divers médias (drame musical, cinéma, roman ou chanson) depuis la publication du poème de Longfellow il y a cent cinquante ans. Cette exploitation très variée de la figure d’Évangéline révèle d’un côté un succès économique important, mais de l’autre, la déconstruction du mythe originel par les Acadiens. La trajectoire médiatique et dialogique d’Évangéline permet de suivre le développement de ce mythe oscillant, selon le contexte, entre américanité et américanisation.

« Le roman vient de là, de cette ombre que l’épopée ignore ». À elle seule, cette formule de Francis Dubost résume un pan important des recherches menées depuis plus d’un demi-siècle sur les romans d’antiquité. Depuis les articles fondateurs d’Ernest Hoepffner (1938) et d’Erich Köhler (1963) jusqu’aux travaux d’Aimé Petit (1984) et de Francine Mora (2008), une certaine constante continue d’infléchir l’analyse de ce corpus : les romans de Thèbes (ca. 1150), d’Énéas (ca. 1152), de Brut (1155) et de Troie (ca. 1165) signeraient la naissance du genre romanesque en adoptant une posture critique par rapport à l’héritage épique de la chanson de geste. Premier en date de ce corpus, le Roman de Thèbes est présenté comme le texte qui marquerait « le passage de l’épopée au roman » tandis que le Roman de Troie qui achève le « cycle » devient celui qui permet l’affranchissement des impératifs épiques, ouvrant ainsi la voie au projet proprement romanesque de Chrétien de Troyes (ca. 1176-1189) et de ses nombreux successeurs. Malgré ses accents lukácsiens, voire hégéliens, ce récit des origines épiques du genre romanesque repose sur une filiation esthétique réelle. Associées à juste titre à la « naissance du roman », ces œuvres pionnières affirment la spécificité de leur projet poétique à travers un jeu de reprise et de mise à distance avec différentes traditions littéraires antérieures (épopée, historiographie, hagiographie, littérature didactique, etc.). Parmi ces traditions, la chanson de geste occupe un rôle indéniable attesté par les nombreuses études qui ont démontré l’importance fondatrice du modèle épique dans la structure, les thèmes et les procédés poétiques mis en œuvre par les premiers romanciers.

Cet article aborde le fado par le prisme du répertoire, un concept fortement structurant dans les pratiques et sans cesse débattu par les acteurs. Ce choix permet de réfléchir à ce qui fait l’unité, la continuité et la créativité de cette chanson intermédiale, à la fois traditionnelle et moderne, orale et écrite, performative et médiatique. Le fado peut dès lors être abordé comme un art de la reprise : chaque interprète, en se réappropriant des éléments du répertoire et en proposant de nouvelles configurations lors de sa performance, réactive et renouvelle ce dernier, tout en laissant sa trace dans une mémoire collective des interprétations. On adopte ici une perspective historique afin d’observer comment le répertoire est réinvesti et redéfini à chaque époque, et quels sont les affects, les valeurs et les mémoires que ses mises en oeuvre véhiculent.

Les reprises (ou covers en anglais) sont des interprétations différentes d’une même œuvre musicale originale. Elles partagent typiquement une ligne mélodique ou une structure harmonique similaire, mais diffèrent généralement dans plusieurs autres dimensions, telles que la structure, l’instrumentation, le genre, etc. La détection automatique de covers est la tâche consistant à retrouver dans un corpus audio toutes les covers d’une chanson donnée. Elle a longtemps été considérée comme un problème théorique ardu et est récemment devenue un problème pratique posé par le développement de larges corpus audio. Dans ce travail, nous abordons la détection de covers en utilisant le paradigme d’apprentissage de métrique. Nous montrons que cette approche permet d'extraire d’une chanson une représentation expressive et compacte – son embedding – appropriée pour une recherche rapide dans de larges corpus audio. Nous proposons ensuite une étude comparative de différentes représentations et montrons que les systèmes combinant représentations mélodiques et harmoniques surpassent ceux qui s’appuient sur une seule représentation d'entrée. Nous illustrons par une analyse qualitative et quantitative comment mélodie et harmonie se complètent efficacement et décrivons divers types de fusion permettant d'établir un nouvel état de l’art sur de larges corpus publiquement accessibles. Nous étudions alors théoriquement comment l’espace des embeddings est structuré pendant l’entraînement, et introduisons une nouvelle fonction de coût qui améliore encore les résultats. Nous décrivons enfin une implémentation opérationnelle de la méthode et démontrons son efficacité dans un contexte industriel
Covers are different interpretations of the same original musical work. They usually share a similar melodic line or harmonic structure, but typically differ greatly in one or several other dimensions, such as structure, tempo, key, instrumentation, genre, etc. Automatic cover detection – the task of finding and retrieving from an audio corpus all covers of one or several query tracks – has long been seen as a challenging theoretical problem. It also became an acute practical problem for with the ever-growing size of modern audio corpora.In this work, we propose to address the cover detection problem with a solution based on the metric learning paradigm. We show that this approach allows training of simple neural networks to extract out of a song an expressive and compact representation – its embedding – suitable for fast and effective retrieval in large audio corpora. We then propose a comparative study of different audio representations and show that systems combining melodic and harmonic features drastically outperform those relying on a single input representation. We illustrate how these features complement each other with both quantitative and qualitative analyses. We describe various fusion schemes and propose methods yielding state-of-the-art performances on publicly available large datasets. Finally, we describe theoretically how the embedding space is structured during training, and introduce an adaptation of the standard triplet loss which improves the results further. We finally describe an operational implementation of the method, and demonstrate its efficiency both in terms of accuracy and scalability in a real industrial context