Dissertations / Theses on the topic 'Réflexivité (philosophie) – Dans l'art'
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Brosseau, Lise. "Les propositions curatoriales de designers graphiques (2006-2016) : mutations et réflexivité d’un champ par l’exposition." Electronic Thesis or Diss., Rennes 2, 2024. http://www.theses.fr/2024REN20001.
Abstract:
Durant les années 2000 et 2010, après plusieurs décennies de débats et de réflexions sur la reconnaissance des activités, de la culture et des idées du design graphique, et sur la nécessité d'en écrire le récit historique, les praticiens d'une même génération se sont engagés - en Europe principalement - dans la conception d'expositions temporaires consacrées à leur propre domaine de productions. Les initiatives curatoriales de ces designers se démarquent alors par une forme de complexité qui tient à des approches conceptuelles et réflexives, relevant souvent de l'exploration ou de l'expérimentation, usant parfois de la fiction ou de la spéculation. Il s'en dégage la volonté de valoriser les travaux de leurs contemporains - pour la plupart, issus d'un même réseau de connaissances et une disposition à mobiliser différents acteurs culturels, tels que le domaine de l'éducation et le champ de l'édition. Ces démarches traduisent plus sensiblement, l'intention de provoquer la discussion, d'interroger et de reformuler les limites du design graphique depuis la perspective du designer en exercice. Dans le contexte plus large des bouleversements technologiques qui mettent en question le rôle et le statut des designers graphiques, cette recherche propose une première lecture d'une suite d'expositions peu étudiées en France, dont il s'agit d'interroger la portée historique et théorique: à la fois comme l'espace d'affirmation de l'identité du design graphique et des professionnels de ce champ, de l'expansion et du prolongement de leurs pratiques, et le lieu à partir duquel ces derniers entreprennent l'archéologie réflexive de leurs propres discours et spécificitésDuring the 2000s and 2010s, after several decades of debates and considerations regarding the recognition of practice and culture of graphic design, and the importance to write its history, graphic designers from a same generation began to organize - mainly in Europe - temporary exhibitions dedicated to their own field of productions. These curatorial projects are characterized by a certain complexity that lies in their conceptual and reflexive approaches, often involving exploration or experimentation, and sometimes using fiction or speculation. What emerges from these graphic designers' proposals is a desire to promote the work of their peers who are mostly part of the same network of acquaintances - and a predisposition to mobilize different cultural sectors, such as education and publishing. More importantly, these approaches reflect an intention to generate discussion, to interrogate and reformulate the boundaries of graphic design from the perspective of practicing graphic designers. In the broader context of technological shifts that are challenging the role and status of graphic designers, this dissertation aims to examine the historical and theoretical significance of exhibitions that have been relatively understudied in France. These events were envisioned both as space for asserting the identity of graphic design and the professionals operating within this field, a place for expanding and extending the practices of said professionals, but also occasions during which they engage in the reflexive archaeology of their own discourses and specificities
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Lepin, Franck. "L'animalité dans l'art contemporain." Rennes 2, 2002. http://www.theses.fr/2002REN20031.
Abstract:
A une période où les valeurs prises par l'animalité ont été l'objet de profonds bouleversements, cette thèse offre une première étude de sa place et de son rôle dans l'art contemporain, depuis 1960 jusqu'à la fin des années quatre-vingt-dix. A partir d'une recherche historique et théorique inédite, elle analyse les pratiques engagées par une trentaine d'artistes parmi lesquels Joseph Beuys, Jannis Kounellis, Rebecca Horn et Rosemarie Trockel. Plusieurs axes de réflexion sont proposés à partir d'un plan thématique. Nous montrons d'abord comment certains artistes sont passés par l'animalité pour interroger la nature humaine, ses fondements et ses limites. Puis nous étudions l'usage de l'animalité dans des oeuvres questionnant l'art et la création. Plusieurs aspects de l'identité humaine sont ensuite abordés, au travers de la question de l'altérité, puis de celle de l'identité sexuée et de l'identité sociale du sujet. Enfin, cette étude s'intéresse à des oeuvres proposant, une nouvelle expérience du vivant par l'animalité, et à d'autres dans lesquelles il est question de notre rapport à la natureAt a time in which issues of animality have been the subject of many changes, this thesis provides a first study of his place and his part in contemporary art fro 1960 until the end of the nineties. From an unpublished historical and theoretical research, it analyses the work of about thirty artists among Joseph Beuys, Jannis Kounellis, Rebecca Horn and Rosemarie Trockel. Several topics are examined according to a thematic plan. It shows first how some artists have used animality to question human nature, his foundations and his boundaries. Then it explores the use of animality in works discussing art and creation. Several aspects of human identity are expanded afterwards, through the question of otherness, and next through gender identity and social identity. Finally, these survey comments on works offering a new experience of living and on others in which it is about our link to nature
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Jaffro, Laurent. "Shaftesbury et l'art d'écrire dans la philosophie morale." Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100142.
Abstract:
Cette étude prétend démontrer que le problème de l'autorité du philosophe est la meilleure manière d'articuler l'œuvre inédite et l'œuvre publiée (les characteristicks) de Shaftesbury. Que signifie devenir un auteur, pour un philosophe ? Le gouvernement des autres exige le gouvernement de soi et ce que Foucault appelle subjectivation. Le souci de Shaftesbury est d'habiliter par l'ascèse privée à la publication de la philosophie morale. L'essai sur le soliloque est la théorie publiée des askemata impubiables. L'enthousiasme est l'état primitivement indifférencie de la communication. Le développement de la communication implique la présupposition pragmatique du sensus communis, que Shaftesbury conçoit comme une forme de la civilité susceptible de grandeur et de décadence. La philosophie exige un art d'écrire, défini comme une théorie des styles et des genres, et l'art d'écrire au sens classique, comme technique de dissimulation et de communication indirecte. La foi déiste du philosophe ne peut être divulguée ouvertement. La communication de la philosophie suppose une pratique du secret et le repli du soliloque. Les relations entre espace public et autorité philosophique, communauté et foi privée, répondent a un même modèle. Ce modèle est théologico-politique. Il s'agit de la conformité occasionnelle. La philosophie morale de Shaftesbury est la tentative, dans les langues religieuses et politiques de son temps, d'une formulation de l'éthique de la communication de l'éthiqueThis study argues that the problem of philosophical authorship is the only way to unify Shaftesbury’s published (characteristicks) and unpublished writings. What does it mean for a philosopher, to become an author? The government of others requires self-government and what Foucault calls "subjectivation". The question is how to enable oneself, by the means of private askesis, to publish moral philosophy. The essay "soliloquy" is the published theory of the unpublishable askemata. Enthusiasm means a primitively undifferentiated state of communication. The development of communication implies the pragmatic presupposition of sensus communis, which is a form of civility open to improvement and decay. Philosophy necessitates an art of writing defined as a theory of styles and genres, as well as the classical art of writing: a technique of dissimulation and oblique communication. The private deist faith can't be openly published. Philosophy demands a practice of secret and the inward recesses of soliloquy. The relations between public sphere and philosophical authorship, between community and faith, are built to one pattern: that of the theologicopolitical scheme of occasional conformity. Shaftesbury's moral philosophy tries, through the religious and political languages of its time, to formulate the ethics of the communication of ethics
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Kim, Hyeon-Suk. "L'esthétique du vide (空) dans l'art." Paris 8, 2007. http://faraway.parisnanterre.fr/login?url=http://www.harmatheque.com/ebook/9782343036670.
Abstract:
L'origine du mot vide dans le bouddhisme est liée à l'idéogramme chinois 空, qui vient du sanscrit Śūnya. Śvi : la racine du mot Śūnya signifie à la fois enflé et vide à l'intérieur, comme une bulle de savon qui, formée d'un souffle, disparaît aussitôt qu'elle rencontre l'air. À la recherche de l'origine du vide, nous découvrons la spiritualité de la sagesse asiatique du confucianisme, du bouddhisme, du Tao (道) de Tchouang-tseu (莊子), du Tao de Lao-tseu (老者), du Yi-King (周易), du Juste milieu (中庸), et des Upanisads. Cette spiritualité de la sagesse asiatique évoque quelques autres notions de l’Occident : le Visible et l’Invisible de Merleau-Ponty, l’Etre et le Néant de Sartre, "l'Existence et le Néant" de Bergson, "ET, entre" de Deleuze, et "l'Origine" de Benjamin, etc. En Orient, depuis longtemps, les moines et les lettrés se livrent à la calligraphie, au poème Zen et à la peinture de paysage, comme pratiques de la méditation, tel le Mandala de Kalachakra, pour retrouver l'état de méditation et l'état du Zen qui conduisent à l'essentiel du vide. Cette réflexion peut se présenter dans l'analyse de quelque œuvres choisies, classiques, modernes et contemporaines, celles de l'Orient et celles de l'Occident, en rapport au thème de certains chapitres, à savoir le seuil du vide (空), le Zen (禪), le souffle et le poème Zen (禪詩), le souffle et la peinture du paysage (山水畵, 風景畵 : la peinture du paysage du vent), et le MandalaThe origin of the word for vacuum in Buddhism is related to the Chinese ideogram, 空, which derives from Sanskrit Śūnya. Śvi, the root of the word of Śūnya, means at the same time swollen and empty inside, like a soap bubble which forms by our breath and disappears at once when it meets the air. From research on the origin of the vacuum, we appreciate the spirituality of the Asian wisdom of Buddhism, Confucianism, Tao of Tchouang-tseu (莊子), Tao of Lao-tseu (老者), Yi-King (周易), Just medium (中庸), and the Upanishads. The spiritual aspects of Asian wisdom evoke some Western concepts as well : the Visible one and the Invisible one of Merleau-Ponty, Being and Nothingness of Sartre, “The Existence and Nothing” of Bergson, “And, between” of Deleuze, and “the Origin” of Benjamin. In the East, for a long time, monks and well-read men devoted themselves to penmanship, Zen poems, and painting landscapes, as a practice of meditation, like the Mandala of Kalachakra of Tibet, to find the state of meditation and the state of the Zen which lead to the essence of the vacuum. This way of reflecting can be found by analyzing some works -- traditional, modern, and contemporary, those of the East and those of the Occident – with attention to key topics : the threshold of the vacuum (空), Zen (禪), the breath of the poem Zen (禪詩), the breath and the painting of the landscape (山水畵, 風景畵: the painting of the landscape of the wind), and the Mandala
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Kim, Mi-Young. "Fluxus : une tentative d'insertion de l'art dans la vie." Paris 8, 1996. http://www.theses.fr/1996PA081139.
Abstract:
L'un des elements qui portent a reflechir tout au long de ce travail est le motif de la participation des divers artistes aux activites de fluxus. La plupart des artistes se reunissent par amitie et acceptent les sollicitations de george maciunas, qui est comme un missionnaire au service de la cause de fluxus. Mais pour autant, il ne se sentent pas membre officiel de fluxus. C'est donc grace a leur forte affinite qui n'est pas esthetique, mais existentielle, que fluxus peut exister en tant que tel. L'experimentation artistique abordee par les artistes de fluxus reside souvent dans le deplacement de l'art hors de ses reperes traditionnels, vers n'importe quel autre endroit dans le monde reel pour ainsi atteindre une fusion de l'art et la vie. Redefinissant l'art comme le processus de la vie, fluxus dissipe toute les limitations quant au genre de substances dont l'art peut etre constitue. Fluxus developpe certaines formes d'anarchie qui etaient limitees au domaine de la musique, vers un reve collectif dans la societe pour assurer la liberte des hommes. C'est cette liberte qu'il puisent de l'art que fluxus voudrait precisement accorder a la vie. Ainsi fluxus demontre la possibilite d'un changement d'attitude a l'egard de l'art et la vieOne of the main issues addressed by this work is the motivation of artists to participate in fluxus activities. Most of artists gather just for friendship when they are asked by maciunas. He is someone like a missionary for fluxus mission. Anyway, they do not feel nor think like an official member of the group. The great affinity between them is not aesthetic but existential; it is the only cement of fluxus. Artistical experiment by fluxus artists is located in the moving of art from its traditional place, towards anywhere else in the real world. It results into the fusion of art and life. As of this experiment, art works within real life circumstances. Fluxus gives a new definition to art that is life process while no boundaries are any longer recognized for art materials. Fluxus widens the anarchy spirit from its initial music aera, into a collective dream available for the whole society, allowing man freedom. This freedom coming from the art is wished to be raised up to entire life. So, fluxus gives a demonstration that changing attitude in front of art and life can come true
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Paillard, de Chenay Célio. ""L'art numérique" : un nouveau mouvement dans le monde de l'art contemporain." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010655.
Abstract:
L'appellation «art numérique » s'impose dans le paysage artistique français au début du XXIe siècle. Dans quel contexte est-elle apparue, quels sont ses objectifs et espoirs? Cette thèse s'intéresse aux processus de constitution de ce nouveau mouvement artistique. Pourquoi prend-il la forme d'un art spécifique, qu'est-ce qui le distingue dans le paysage artistique actuel, comment le reconnaît-on ? Une fois installé, peut-on s'affranchir de ses règles pour épouser celles du monde de l'art contemporain ? Les approches historiques, esthétiques, sociologiques sont nécessaires pour étudier ce nouveau devenir - numérique - de l'art: ce n'est pas un évènement universel et univoque mais le résultat de circonstances particulières, et la rencontre de différents acteurs, concernés par un idéal commun sinon proche. Cette étude ne se résume donc pas à l'analyse des seules oeuvres, mais prend en compte tout le contexte de monstration, et singulièrement le bagage théorique qui les accompagne.
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Collet, Evelyne. "La création comme émergence du possible dans l'art et au dehors." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010559.
Abstract:
La creation peut-elle etre entendue comme une emergence qui s'exprime par une actualisation qui ne s'epuise pas dans l'effectuation qu'elle produit ? l'emergence est-elle des lors celle de la creation ou bien celle-ci est-elle toujours interiorisee dans son produit qui en represente la possibilite? il semble que la relation creer - cree se marque de ce moment transitoi- re. La relation de l'artiste a son oeuvre instaure un espace tiers qui mediatise le mode de realite dans lequel il est implique ; en cela, il le produit. Le conflit subsistant entre monde connu et monde vecu releve-t-il d'une hierarchisation posee qui maintient la separation de realites des lors antagonistes et qui distribue ce qui est de l'ordre des valeurs de l'instance (la loi) selon une ligne verticale, tandis que ce qui est de l'ordre de la re-production est associe a une ligne horizontale, repre- sentant ce qui se joue a la surface, le represente? mais cette repre- sentation, si elle est sous-tendue par la pensee d'une origine une et statique, n'implique-t-elle pas que ce "represente" se situe lui-meme dans une position d'anteriorite par rapport a celle-ci? l'emergence du possible a-t-elle une valeur teleologique dont la resonance poursuit la determination de l'analogie etablCan creation be seen as a force ("what is possible") which expresses itself through an actualization which can't run out into the "effectuation" it produces ? therefore is emergence from creation or is it always internalized in its production which represents its possibility ? the relationship between the act of creation and creation itself may be marked by this transitory moment. The relation of the artist to his work establishes a "third space" which mediatizes the mode of reality in which it is implied ; he thus produces it. Does the conflict remaining between the known world and the "lived" world reveal a set hierarchical organization which maintains a separation of realities then antagonistic? is creation associated with what remains on the surface? if this representation is subtented by the thought of a one and static origin, does it not imply that the "represented" should be located in a position of anteriority in relation to it? furthermore has the emergence of "what is possible" got a teleological value, whose resonance seeks the determination of the analogy established between creation and the emergence of "what is possible"?
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Crémézi, Sylvie. "L'élaboration du sens dans la danse contemporaine." Paris 4, 1990. http://www.theses.fr/1990PA040082.
Abstract:
Depuis ces dernières décennies réapparait au premier plan du panorama artistique l'art scénique le plus archaïque qui recouvre sa fonction d'art majeur. La danse contemporaine, géologie de la psychè humaine et des états du corps exprime cette nécessite de renouer avec la sacralité cosmique le mouvement danse est non seulement générateur de sens mais aussi régénérateur - elle rappelle la vertu mythique de la scène, les pouvoirs de communication viscérale et métakinésique du corps dansant, pour que l'homme habite enfin son corpsFor these past ten years, the most archaic scenic art has been again in the fore ground of the artistic panorama and has regained its function of major art today's dance, the geology of the human psyche and of the states of the body expresses this necessity of being bound again with the sacred. The dance movement is not only generator of meaning but also regenerative. Dance reminds one of the mythical virtue of the stage, so that man finally inhabits his body
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Choi, Massart Young-Ju. "Perception et expression de la couleur dans l'art pictural moderne." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010718.
Abstract:
Ce travail porte sur la perception et l'expression de la couleur: y seront envisagées l'expression de la couleur par le peintre et sa perception par le spectateur, mais aussi la couleur telle qu'elle est perçue, envisagée et théorisée par le peintre, et les réactions qu'elle suscite chez le spectateur. Nous avons, pour dégager des constantes, points communs et/ou oppositions, étudié le regard porté sur la couleur par le philosophe, le physicien, l'opticien, le chimiste, le psychologue, pour ensuite envisager le point de vue croisé de l'artiste et du spectateur. La perception de la couleur d'une œuvre picturale s'effectue à partir des connaissances de l'artiste et du spectateur, de leurs émotions, leur histoire propre et de l'Histoire elle-même, au gré des progrès techniques, des modes et modèles dominants. La perception de la couleur apparaît comme un phénomène autant culturel que psychologique et physiologique. Notre perception du réel n'est pas neutre: la couleur n'est pas qu'une donnée s'imposant à nous de façon abstraite et purement physique, elle est aussi, pour le spectateur comme pour l'artiste, une construction intellectuelle et, pour ce dernier, l'expression d'un choix, le résultat d'une recherche, voire l'élaboration d'un système. La couleur nous stimule en permanence, génère de nouvelles interrogations et sensations et peut revêtir de multiples significations. D'où une approche pluridisciplinaire de la couleur, intégrant la science de la couleur, son histoire (vision objective) et sa perception (vision subjective), afin de comprendre et déterminer comment la couleur peut rendre un tableau signifiant et stimulant aux yeux du spectateur.
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Oh, Nam-Suck. "Le possible et la non-ressemblance dans l'art contemporain." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010553.
Abstract:
L'art contemporain a pour l'objectif de se donner comme un faire impersonnel qui rompt avec toute représentation ressemblante. Telle semble être la ligne conductrice qui traverse les réalisations de Marcel Duchamp et de ses successeurs. Il est vrai que cette visée nouvelle de l'art à partir de la double négation à la fois du sujet et de l'être se manifeste sous diverses formes dont, avouons-le, la complexité elle-même nous laisse désemparée. Ce n'est pas pourtant notre propos de parcourir cette complexité comme pour faire une histoire de l'art contemporain. Nous nous sommes contenté dans la présente étude de nous interroger seulement sur cette idée même. La négation de la représentation ressemblante entraine par voie de conséquence la disparition du mode interrogatif du travail dans le domaine de l'art. Là où l'interrogation disparait, le possible apparait dans toute son étendue. En l'absence de ce qui en appelle le travail artistique à venir toujours sur le mode interrogatif, l'art contemporain élargit son champ dans le possible. Élaborant minutieusement la théorie du possible et donnant à voir la figuration du possible à partir de « à perspective de l'’étant donné », Marcel Duchamp ouvre du coup la voie au faire affirmatif. Resterait toutefois à demander si la question de l'art se pose en termes de possible. Il se peut que, n'ayant ni la conscience de l'apparence, mais se donnant comme le possible même, le faire affirmatif contracte le caractère factice.
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Vauday, Patrick. "L'Image et le réel." Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081468.
Abstract:
L'image ne se reduit ni a son aura imaginaire ni a son eventuel sens symbolique, elle est pourvue d'une consistance propre qui lui vient d'un reel dont elle porte une empreinte resistante aux metamorphoses imaginaires et aux equivalences symboliques. Parce que contestee, il fallait etablir dans un premier temps l'autonomie de l'image par rapport au langage et sa tentative d'annexion via la semiologie et la psychanalyse. Cette autonomie ne se marque jamais mieux que dans la dependance des images envers d'une part leurs matieres et leurs modes de production dont s'engendre l'heterogeneite de la peinture, de la photographie et du cinema, ici pris pour appui, envers d'autre part le registre du temps dont elles declinent le reel selon un mode propre qu'on s'efforce de caracteriser. On montre que le rapport au reel du temps repond a la fois de l'unite et de la disparite des images. Mais qu'en est-il alors, dans un deuxieme temps, des rapports de l'image et du langage ? la reactivation de l'antique parallele entre les arts (paragone ) est le biais choisi pour traiter du differend entre l'image et le langage dont on decrit quatre figures majeures entre l'antiquite et la modernite. De ce qu'il ne s'ensuit nulle complementarite entre image et langage resulte un troisieme temps qui prend en charge le propre de l'image comme reste indelebile du reel. D'ou la methode consistant a produire le reel de l'image par soustraction de son habillage imaginaire (sartre) et de sa trame symbolique (freud) avant que d'en interroger le sens en compagnie de deleuze, pascal, lacan et baudelaireImage cannot possibly be reduced to its imaginary aura nor to its possible symbolic sense, it is endowed with a proper substance. The real gives it an imprint resisting the imaginary metamorphosis and the symbolic exchanges. In the first place, it was necessary to settle the autonomy of image against language that tries to invest image by means of semiology and psychoanalysis. This autonomy is nowhere so obvious than in the dependency of images, on the one hand, on their materials and their processes of production in which originates the heterogeneity of painting, photography and cinema, and, on the other hand, on the register of time whose reality gives them shape according to their own specificity. The relation to the realness of time explains both the unity and the disparity of images. But, in the second place, what of connections between image and language ? we have chosen to reactivate the ancient parallel between arts (paragone ) so as to deal with the dispute between image and language through four major figures produced by this dispute from antiquity to modernity. Because it does not result from their parallel a complementarity between image and language, it was necessary, in the third place, to set off the image as an indelible rest of the real, its very own property. Hence the method consisting in producing the realness of image by abstracting its imaginary cover (sartre) and its symbolic structure (freud) before examining it in company with deleuze, pascal, lacan et baudelaire
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Walker-Morrison, Deborah. "Auto-réflexivité et construction de la subjectivité dans le cinéma français contemporain (Alain Resnais)." Paris 8, 2001. https://octaviana.fr/document/181401274#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Abstract:
A travers l'oeuvre d'Alain Resnais (1922- ), la thèse examine la place et l'évolution de l'auto-réflexivité par rapport à la construction de la subjectivité dans la cinéma français contemporain, de 1958 à nos jours. La première partie en pose les paramètres théoriques, leur application au cinéma ainsi que l'évolution de la théorie. Les deux parties suivantes analysent l'oeuvre par rapport aux options théoriques précédemment énoncées, en partant du dernier film On connaît la chanson (1997) dont l'analyse permet de poser les jalons de l'étude. Si Resnais a été retenu comme opérateur, c'est qu'il est l'un des rares réalisateurs français à pratiquer, depuis plus de 50 ans, un cinéma anti-naturaliste et auto-réflexif dans le contexte du cinéma commercial. . .
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Predescu, Ionela Magdalena. "Structuri Hibride în artă." Lyon 3, 2008. http://www.theses.fr/2008LYO31020.
Abstract:
L'aire visuelle abordée dans ce travail est configurée du point de vue théorique par les diverses contributions de la philosophie postmoderne: les nouvelles théories de l'identité (le sujet compris comme processus de subjectivation - alternative à la mort textuelle de l'auteur); les nouveaux modèles temporels (la différance derridienne, le rhizome deleuzien) ; l'intertextualité généralisée, l'immanence et l'univocité comme alternatives à la fin métaphysique de I'art. D'autres concepts ont été empruntés aux travaux des critiques poststructuralistes américains (Rosalind Krauss, Craig Owens, Douglas Crimp): tendances allégoriques et indexicales, ruines du musée, informe, champ élargi de l'art. Le travail de recherche dans quelques archives de spécialité à Bucarest (Musée National d'Art Contemporain (MNAC), Centre International d'Art Contemporain (CIAC), Union des Artistes (UAP)) a déterminé ma familiarisation avec un certain type de culture visuelle et la sélection du matériel adéquat pour les analyses. J'ai retrouvé dans I'art contemporain roumain les tendances de l'art contemporain mondial : structures de type palimpseste, fragmentation, accumulation, durée, transgression des catégories esthétiques traditionnelles, marques indexicales, dissémination des signes, disparition du référent. Enfin, les travaux découverts dans quelques archives consultées et celles récupérées de - quelques expositions, me permettent des spéculations concernant l'existence dans I'art roumain contemporain d'un filon néo -conservateur du postmodemisme qui fonctionne par appropriation d'images de l'histoire de I'artThe visual area approached in this work is theoretically configured by the vanous contributions of the postmodem philosophy: new theones of the identity - the subject understood as process of subjectivation, altemative to the textual demise of the author; the new temporal models used for understanding the relation with the past - Denida's diffbrance, Deleuzian rhizome, travesty as pure temporal difference; the generalized intertextuality; the immanence and the univocity as altematives to the metaphysic end of arts; the diagrammatic functioning of images understood as relations of forces and not as stable forms, etc. Other concepts were borrowed from the works of the Amencan poststructuralist critics promoted by the October magazine: Rosalind Krauss, Craig Owens, Douglas Crimp: allegorical and indexial trends, the art built on the ruins of the museurn, the inform, the widened field of art. The research in some of the few specialty archives in Bucharest (Artexpo, National Museum of Contemporary Art (MNAC), International Center of Contemporary art (CLAC), Union of Artists (UAP)) allowed me to familiarize with a certain type of visual culture and the selection of the adequate material for this type of analyses. I have retrieved in the Romanian contemporary art the trends of the world contemporary art: structures of palimpsest type, fragmentarism, accumulation, duration, hybndization, transgression of the traditional aesthetic categones, indexial marks, reification, fragmentation and dissemination of signs, disappearance of the refrain. Finally, the works discovered in the few consulted archives, as well as those recovered from expositions, allow me to speculate with regard to the existence in the Romanian contemporary art of a neoconservative seam of postmodemism operating by appropriation of images in the history of art
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Peret, Amélie. "L'atelier nomade ou L'euphorie de la création." Amiens, 2007. http://www.theses.fr/2007AMIE0019.
Abstract:
Le terme d’Atelier Nomade s’applique à un art entendu comme moyen d’investigation du réel : comment trouver autour de soi, dans l’environnement proche, les éléments et la matière nécessaire pour la création. Ma pratique traite davantage du processus de formation que de la forme. Avec des techniques de cuisson rudimentaire et les matériaux verre et terre, il a était mis en place un principe d'autoformation de la Matière. Ce processus est révélateur d’une transformation de la perception d’une mouvance de valeurs. J’ai examiné cette mouvance dans la sédentarité sur une période d’un peu plus de deux ans puis au cours d’un atelier nomade de France au Niger en vélo sur une période de neuf mois et en décembre 2005 au Burkina-faso. Le questionnement fondamental de cette recherche participe d’une connaissance accrue de la matière verre et terre orienté vers la thèse d’une expérience démiurgique de l’artiste au sein de l’atelier nomade qui, par un transfert ou plutôt un « trans-faire » de l’ordre de l’extase, le conduira vers une euphorie possible et un objet personnifié. La pratique artistique réside alors dans le processus de révélation où l’expérimentation devient une matrice où se pense et se crée l’œuvreThe terms Nomadic Workshop applies to an art as a way of investigating the reality : how to find around oneself in a nearby environment the materials and elements needed for a creation. My practice worries more about the creation process rather than the form itself. With rudimentary firing techniques applied to the glass and clay materials; a principle of self forming of material has been elaborated. This process reveals the transformation of the perception of changing values. I examined these changes during a two years period of sedentariness, then during a Nomadic workshop from France to Niger cycling during nine months, and finally in Burkina Faso in December 2005. The fundamental question of this research passes through an increased knowledge of the clay and glass materials aimed to a demiurgic experience of the artist within the nomadic workshop. By the meaning of a transference of perception through the work of the hand (trance-make) very close to ecstasy, this will lead the artist towards a possible euphoria and a personified object. The artistical process resides then in the revelation process in which the experimentation becomes the matrix where the work of art is thought and created
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Dubray, Jean. "Les fondements anthropologiques et l'art social dans l'oeuvre de l'Abbé Grégoire." Aix-Marseille 1, 2004. http://www.theses.fr/2004AIX10090.
Abstract:
L'action réformatrice de l 'Abbé Grégoire s'inspire d'une conception philosophique de la nature humaine. Cette dernière, à la lumière des convictions jansénistes qui animent notre auteur paraît profondément marquée par les séquelles de la faute originelle et donc dominée par le dynamisme puissant des concupiscences, orientée dans ses choix, par l'énergie incontrôlée des trois libido. Comment ce pessimisme foncier a-t-il pu engendrer une telle ardeur pour l'entreprise révolutionnaire et pour la conquête des libertés démocratiques? Initiateur important de la plupart des réformes politiques, culturelles et sociales de la Révolution française, promoteur de l'Art social, dénonciateur véhément du despotisme et de l'Inquisition, Grégoire pose, avec acuité, le problème suivant: comment peut-on être un optimiste de la culture, en demeurant un pessimiste de la nature? Artisan de la séparation de l'Eglise et de l'état, défenseur intraitable de la tolérance civile, il replace la conscience contemporaine devant le dilemme suivant: la démocratie peut-elle subsister sans la foi religieuse? A ses yeux, l'humanisme lai͏̈c, étayé par les vertus naturelles, dont il ne conteste nullement la légitimité, pour lequel il réclame une éducation renforcée, mais dont il souligne la fragilité, reste impuissant, sans l'appui des valeurs de la Caritas chrétienne, à se maintenir durablement et à protéger efficacement l'humanité de ses dérives potentielles vers toutes les formes de l'inhumain.
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Seyral, Frédérique. "Nouvelles fluidités dans l'art vidéo et la danse : contribution à une esthétique modale." Bordeaux 3, 2008. http://www.theses.fr/2008BOR30066.
Abstract:
A l'image de la forme mouvante du Kata oriental où la manière et l'acte prédominent sur la forme close, certaines oeuvres privilégient le processus et la multiplicité des niveaux de réalité. Ces oeuvres vont à l'encontre du sentiment unitaire, uniforme et consensuel des images produites en grande masse par nos sociétés contemporaines. Dans cet univers du tout visible où l'accession aux biens de consommation rêvés est un nouvel objectif de vie, l'artiste interroge de plu en plus les fux eux-mêmes, questionnant tout autant leur surprenante rapidité, que les fluxions, épachements, stases et autre troubles de la circulation dont ils sont l'objet afin de modifier leur façon de capter et de restituer le monde et de revisiter les principes mêmes de la création. Ces approches fluidiques relayent une certaine pensée philosophique et scientifique, une pensée de la fluence qui voit, dans le mobilisme universel, dans les désirs, les agencements, la mobilité des affects, dans l'analyse des connexions et des conditions énergétiques, une critique de la substance et de la forme et nous amène à penser une esthétique qui serait à envisager en termes de modalité, d'intensité et de potentiel. A travers certains artistes, vidéastes ou chorégraphes, qui travaillent le fluctuant, l'aléatoire, le contingent, la mobilité ds points de vue, la forme en devenir, nous essaierons d'élaborer une topologie des flux en partant des essences vagues et fluentes, puis d'une cartographie nomade et intensive des flux, et enfin, en nous interrogeant sur la dimension temporelle des fluxIn the image of the changing form of Oriental Kata, where the way and the act prevail over the closed form, certain works privilege process and a multiplicity of levels of reality. These works go against the unitary, uniform and consensual sentiment of images that are mass-produced by our contemporary societies. In this all-visible universe, where access to dreamed-of consumer goods is a new life objective, the artist increasingly interrogates the flow themselves, questioning as much their amazing speed as the fluctuations, effusions, stasis and other circulation troubles that affect them, in order to modify their ways of capturing and restoring the world, and to revisit the principles of creation themselves. These fluid approaches relay a particular conception of philosophy and Science, a conception of fluidity that sees, in universal mobility, in desires, orderings, mobility of affects, in the analysis of connections and energy conditions, a critique of the substance and the form and lead us to conceptualise an aesthetic that would be envisioned in terms of modality, intensity and potential. Though the example of some artists, videographers and choreographers working with fluidity, randomness, the incidental, a mobility of viewpoints, and the form in process, we will try to elaborate a topology of flows starting with vague and fluid essences, then with a nomadic and intensive cartography of flows, and finally, by examining the temporal dimensions of flows
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Choi, Jung Min. "Signification historique et signification stylistique dans l'art contemporain : (de la légitimisation historique dans l'art contemporain)." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010685.
Abstract:
Dans ce travail, nous avons deux termes principaux : l’histoire et le style, mais le but que nous voulons atteindre est la légitimation de l’art ou la légitimation de la création de notre époque appelée, «l’art contemporain». Si l’on présente autrement la question de la légitimation, c’est pour chercher un chemin dans cette situation confuse de l’art contemporain. Ce travail commence à partir de deux termes que mentionne le titre de la thèse. Et de même que l’on tricote un tissu, ces deux termes «le style» et «l’histoire» disposés horizontalement se croisent avec le problème de l’image disposé verticalement. Cela signifie que la recherche sur«l’histoire» et «le style» couvre les aspects philosophique et sociologique. Nous allons donc à la fois évoquer la discussion sur les problèmes du sens de style et de l’histoire à l’aide de la théorie de Danto et chercher le lien avec l’art plastique. Ce dernier sera réalisé à travers la recherche sur «l’image» de Hans Belting. Nous trouverons une similarité dans les étapes historiques analysées par A. Danto et le point de vue de H. BeltingIn this study, we have two principal terms : history and style, but the goal which wewant to reach is the legitimation of art or the legitimation of the creation of ourtime called, “the contemporary art”. If the question of legitimation is differently presented, it is to look for a way in this confused situation of the contemporary art. This work starts from two terms which the title of the thesis mentions. And just asone knits a fabric, these two terms “the style” and “the history” horizontally laidout cross with the problem of the image laid out vertically. It means that the research on “the history” and “the style” covers the philosophical and sociologicalaspects. We thus at the same time will evoke the discussion on the problems of the direction of style and the history using the theory of Danto and will seek the link with the visual art. This last will be carried out through the research on “the image” of Hans Belting. We will find a similarity in the historical steps analyzed by A. Danto and the point of view of H. Belting
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Chalard-Fillaudeau, Anne. "Rembrandt dans l'histoire de l'art, la littérature et la philosophie européennes depuis 1669." Paris, EPHE, 2002. http://www.theses.fr/2002EPHE4032.
Abstract:
L'existence d'une mythologie Rembrandt et l'importance des significations rattachées au nom et à l'œuvre de l'artiste hollandais soulèvent la question de son inscription dans le paysage culturel européen ou encore la question de ses représentations en Europe. Aussi l'étude des références à Rembrandt dans l'histoire de l'art, la littérature et la philosophie européennes permet-elle de comprendre en quoi et pourquoi Rembrandt est un symbole culturel, et, partant, de comprendre dans quelle mesure le mécanisme de valorisation symbolique des artistes et des œuvres est déterminé par les différents champs culturels et par les différentes aires culturelles. Mais plus encore elle permet de dégager un phénomène culturel majeur, à savoir la reconnaissance et la représentation du génie en Rembrandt, et de faisant d'éclairer l'existence en Europe d'un univers de représentations culturelles qui s'articulent précisément autour des idées de création, de liberté, d'être et d'universalitéThe existence of a Rembrandt-mythology and the importance of the meanings related to the name and work of the Netherlandish artist arouse a certain number of questions about his belonging to the European cultural landscape, and more specifically about his representations. Thus, studying the way Rembrandt is referred to in European art history, literature and philosophy enables us to understand why Rembrandt is a cultural symbol; but it also reveals the extent to which the phenomenon of the symbolical -valorization of the artists and works is determined by the different cultural fields and by the different cultural areas; and, last but not least, it enables us to grasp the acknowledgment and representation of genius through Rembrandt, a major concept as it expresses a European specificity, a universe of cultural representations that revolves around the ideas of creation, freedom, being and universality
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Lelièvre, Samuel. "Image et sens dans l'herméneutique et la philosophie de l'art de Paul Ricoeur." Thesis, Paris, EHESS, 2020. http://www.theses.fr/2020EHES0078.
Abstract:
Le projet philosophique de Ricoeur peut être défini comme celui d’une anthropologie philosophique. Dans ce cadre, un rôle central est accordé à l’imagination à partir des ressources de la phénoménologie, de l’herméneutique, et de la philosophie réflexive. La question de l’image demeure pourtant assez mal connue et a été peu explorée ; elle serait même dévalorisée dès lors qu’elle est ramenée au cadre d’une imagination reproductrice, par opposition à l’imagination vive de l’anthropologie ricoeurienne, et en raison de l’insistance sur le rapport langagier au sens. Or, plutôt qu’une opposition entre le plan de l’image et celui du sens, c’est bien une articulation de ces deux plans qui doit être considérée. La question du symbolisme ouverte par Ricoeur depuis sa Philosophie de la volonté sert de point de départ à notre investigation. De cette première herméneutique jusqu’à La mémoire, l’histoire, l’oubli, en passant par De l’interprétation. Essai sur Freud, La Métaphore vive, et Temps et récit, on peut également dire que l’image donne à penser. La question du symbolisme ne peut toutefois être séparée de celle de l’imagination. Il est ainsi nécessaire de relier deux cheminements de la philosophie ricoeurienne à partir de la question du symbolisme, l’un qui s’oriente dans la voie d’une herméneutique – le parcours jusqu’au positionnement fixé par Du texte à l’action –, l’autre qui relie le projet d’une anthropologie philosophique aux champs de l’art et de l’esthétique. Dès lors, notre recherche s’organise autour de quatre parties. Une première partie se concentre sur l’articulation entre la philosophie ricoeurienne de l’imagination et l’esthétique philosophique en abordant la perspective herméneutique comme la condition d’effectivité de cette articulation. Prolongeant cette orientation herméneutique, une deuxième partie cherche à établir un lien entre la conception ricoeurienne d’une herméneutique critique et la question de l’image. Parallèlement au cadre d’une herméneutique critique, une troisième partie s’attache à définir l’imagination comme le lieu d’une médiation entre le plan de l’art et celui de l’expérience en revenant sur la lecture ricoeurienne de la philosophie analytique et plus spécifiquement de la philosophie analytique de l’art. Prenant appui sur les précédentes parties, une quatrième partie considère finalement le champ du cinéma, en articulant des plans ontologique, narratif, et social à une herméneutique philosophiqueRicoeur’s philosophical project can be broadly termed as a philosophical anthropology. Within this context, a main role is given to the issue of imagination through the resources of phenomenology, hermeneutics, and reflexive philosophy. The issue of picture, however, remains quite unknown and has not been much questioned; it might even be undermined by being reduced to the context of reproductive imagination as opposed to that of productive imagination within Ricoeur’s anthropology, and due to the emphasis on the linguistic relationship to sense or meaning. Yet, instead of opposing the plane of picture to the plane of sense or meaning, an articulated connection between those two planes should be sought. The issue of symbolism opened by Ricoeur in his Philosophie de la volonté provides the starting point for our investigation. From that early hermeneutics on to La mémoire, l’histoire, l’oubli, via De l’interprétation. Essai sur Freud, La Métaphore vive, and Temps et récit, one could also consider that picture makes us think. But the issue of symbolism cannot be distinguished from that of imagination. One also has to link two paths of Ricoeur’s philosophy through the issue of symbolism, one that is orientated in the path of hermeneutics – the progression to the standpoint set by Du texte à l’action –, another that links the project of a philosophical anthropology to the fields of art and aesthetics. The research is thus structured around four parts. A first part is focused on the articulated connection between Ricoeur’s philosophy of imagination and philosophical aesthetics by addressing the hermeneutical prospect as the condition for the effectiveness of this connection. Extending this hermeneutical stance, a second part seeks to establish a bond between Ricoeur’s notion of a critical hermeneutics and the issue of picture. A third part, concurrent with the context of a critical hermeneutics, aims to consider imagination as mediating the plane of art and the plane of experience by referring to Ricoeur’s reading of analytic philosophy and, more specifically, analytic philosophy of art. Relying on the previous parts, a fourth part finally addresses the field of film, articulating ontological, narrative, and social layers to a philosophical hermeneutics
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BRUNON, PIERRE. "L'oeil, la temporalite et l'enigme du tableau." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010679.
Abstract:
Ma these place au commencement, fondateur, l'oeil : celui du peintre, celui du spectateur et le regard sur nous du tableau. Sur le tableau, deux regards se concilient : le regard erudit et celui de jouissance. Les deux regards doivent convoler dans une vision commune. Si on transcende la methode iconographique, alors le tableau mettra en mouvement tout notre etre, dans notre besoin de comprehension vers notre appetence de delectation. Le spectateur va d'abord reagir d'une maniere subjective. Par cette experience perceptive, il entre dans la sphere de l'intersubjectivite. Il y a un espace pictural qui se deroule, alors apparait l'interiorite, le temps, ce grand sculpteur, il en est de meme pour le tableau : son mouvement spatial genere son temps, est son temps. Il y a. Ainsi, un univers du tableau constitue par un espace et un temps. L'imagination cree un monde plus vivant. C'est la dynamique de l'oeuvre d'art, qui est son corps physique, corps physique etonnant parce qu'il n'est la que pour qu'emane de lui quelque chose de mysterieux, un apparaitre qui nous donnera et son acces et l'acces au monde. C'est "l'aura". L'enigme est la substance de l'oeuvre de l'art, elle en emane par une etrange metamorphose, comme un appel a soulever la visibilite pour faire apparaitre la trame de l'invisible, cette autre realite. L'art est la rencontre des libertes, liberte de l'artiste d'ou decoule l'oeil du spectateur et le regard du tableau. La receptivite et la connaissance peuvent alors epanouir l'oeuvre; c'est par sa liberte que l'artiste les engendrera. L'art moderne, l'art contemporain ne font qu'exprimer, souvent qu'exacerber, cette volonte d'initiative mais aussi cette necessite de changement. C'est precisement cette resistance pour son identite de l'artiste, qui va mettre en mouvement le tableau dans sa temporalite et faire que l'enigme lui est preexistante, comme l'est le mystere de l'etre humainThe base of my thesis is the eye : of the painter, the spectator and of the painting gazing at us. On the painting, two conciliatory looks : an erudite look and one of joy. The two looks have to wed within a shared vision. If one transcends the iconographic method, then the painting will move our very being, in our need towards understand to our appetite of delight. The spectator will first react in a subjective manner. Through this perceptive experiment, he goes into an intersubjective sphere. There is a pictorial space which unfolds, then the inferiority appears, the time, the great sculptor. It's the same for a painting : its' spatial movement, which generates its' time, is its' time. There is, in this manner, a universe of the painting composed by space and time. The imagination creates a more lively world. It is the dynamic of the art work, which is its' physical body, an astonishing physique because it's only there to enamate something mysterious, an apparition which gives us access to it and to the world. This is the 'aura'. The enigma is the substance of the artwork which is enamated by a strange metamorphosis, like a call which raises the visibility to bring out the web of the invisible, this other reality. Art is the meeting of freedoms, freedom of the artist, which flows through the spectator's eye, and the painting's gaze. The receptivity and the knowledge can then light up the work ; it's by this freedom that the artist generates them. Modern art, contemporary art only expresses, often exacerbates, this will of initiative and also this necessity of change. It's exactly this resistance, which moves the painting in its' temporality and makes the enigma pre- existent, like the enigma of the human-being
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Lagouanère, Jérôme. "Intériorité et réflexivité dans la pensée de saint Augustin : formes et genèses d'une conceptualisation." Bordeaux III, 2010. http://www.theses.fr/2010BOR30014.
Abstract:
Le présent travail s'inscrit dans une démarche d'archéologie conceptuelle. Il s'agit de retracer la genèse de la notion d'intériorité et les formes prises par cette conceptualisation dans la pensée d'Augustin d'Hippone, des premiers écrits, les "Dialogues" de Cassiciacum, jusqu'à l'oeuvre centrale que constitue de "De Trinitate". La première partie s'attache à dégager les grands principes de la syntaxe de l'intériorité dans le cadre d'une démarche topologique. Le travail s'organise selon un axe syntagmatique où sont étudiées les relations qui unissent des termes aussi essentiels qu' "anima, animus, mens, ratio, intellectus, intelligentia, memoria, uoluntas et spiritus", et selon un axe paradigmatique, à travers le motif de l'ascension spirituelle. En dernier ressort, l'intériorité apparaît comme une structure dynamique où le concept d' "imago Dei" joue un rôle central. Cela conduit à la seconde partie où est examinée l'anthropo-théologie de l'image dans la pensée augustinienne. Après avoir replacé les concepts d' "imago" et de "similitudo" dans le cadre de la pensée antique, on étudie leur utilisation au sein du "De Trinitate", ce qui conduit à une réflexion sur le statut de l'analogie et sa thématisation à travers le motif paulinien du miroir en énigme, en 1 Co 13,12. En dernier ressort, cette réflexion sur l'approche spéculaire de la notion d'intériorité chez Augustin amène une réflexion sur son lien avec la réflexivité, conçue non seulement comme concept noétique, mais aussi sémiotique et herméneutiqueThis work is in keeping with a process of a conceptual archeology. Our aim is to study how the notion of interiority arises and develops in Augustine’s thought, from his first books, the Dialogues written in Cassiciacum, to his main work, the De Trinitate. On the first hand, we try to study how the concept of interiority is organized as a syntax throughout a topologic process. So, we first study, in a syntagmatic way, relations that link very important words as anima, animus, mens, ratio, intellectus, intelligentia, memoria, uoluntas and spiritus; then, we study, in a paradigmatic way, the motif of spiritual progress. In the last resort, the notion of interiority seems to be a dynamic structure, where the concept of imago Dei plays an important part. So, on the second hand, we have to examine anthropo-theology of the image in Augustine’s thought. We first put concepts of imago and similitude in the context of Antiquity’s thought, and, then, we study how these words are used in the De Trinitate. So, we have to wonder which part analogy plays in this context and how Augustine develops these notions throughout the paulinian motif of the mirror (1 Co 13, 12). In the last resort, by thinking about relations between the motif of the mirror and the notion of interiority, we have to wonder about the concept of reflexivity understood not only as a noetic one, but also as semiotic and hermeneutic one
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Gorisse, Marie-Hélène. "L'art du point de vue : étude dialogique du pluralisme Jaïn dans le Prameya-kamala-martanda." Lille 3, 2011. http://www.theses.fr/2011LIL30030.
Abstract:
Développée dans la perspective des discussions contemporaines en philosophie de la logique, cette thèse est un travail sur la notion de contexte dans les théories jaïnes médiévales de la connaissance et l'argumentation. Le corpus sélectionné est le dernier chapitre du Prameya-Kamala-Martanda, le soleil qui fait fleurir le lotus que sont les connaissables, que Prabhâcandra a rédigé à la fin du dixième siècle de l'ère chrétienne. Cette thèse fournit une édition, ainsi que la première traduction française de ce passage. Ce chapitre a été sélectionné car son enjeu est de présenter trois approches de la notion de contexte. La première approche est celle de la théorie des points de vue, selon laquelle il est possible d'avoir une connaissance partielle, c'est-à-dire une connaissance qui dépend d'un contexte théorique donné et par conséquent n'exprime qu'une sous-partie ses aspects d'un connaissable donné. La seconde approche est celle de la théorie des modes d'assertion, qui permet d'expliciter les paramètres implicitement présents dans toute assertion. Et la troisième approche est celle de la théorie des inférences cryptées, qui est une méthode de présentation des énoncés d'inférence telle que comprendre un énoncé nécessite un travail sur sa forme linguistique qui va révéler un éventail de significations plus profondesThis dissertation investigates the notion of context in Mediaeval Jain theory of knowledge, within the perspective of contemporary discussions in the field of philosophy of logic. The selected corpus in the last chapter of the PrameyaKamalaMartanda, The sun that grows the lotus of the knowables, written by the end of the tenth century of Christian area by Prabhâcandra. This chapter has not been translated in a European language yet, and our work contains a edition as well as French translation of it. The aim of the translated chapter is to present three approaches dealing with the notion of context. Among them, the first is referred as the "theory of standpoint", according to which one might acquire partial knowledge, that is to say knowledge dependent on a theoretical context and hence express but a subset of the numerous aspects of a given object of knowledge. The second approach is the theory of the modes of assertion, which enables one to make explicit the parameters implicitly present in every assertion. And the third approach is the theory of "cryptic inferences", which is a method to present inferential statements in a hidden way. From this, the comprehension of the meaning of an inferential statement calls for a work on its linguistic for, which reveals a range of deeper meanings. The aim of this presentation is to provide with an understanding in contemporary terms of the notion of context in Jainism. We chose to develop this reading within the frame of Dialogical logic, since this logical frame enables one to handlea pluralitu of sets of norms
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Prete, Nadia. "Dans l'entre-deux, l'un-possible image : recherche à partir d'une pratique de recouvrements photographiques." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010607.
Abstract:
Recherche sur l'entre-deux des images à partir d'une pratique artistique dont le trait fondamental est qu'elle agit par recouvrements. Non pas de ceux qui font disparaitre définitivement comme des couches sédimentaires, la surface inferieure, mais des recouvrements imaginés pour être soulevés, afin de laisser entrevoir l'existence de ce qu'ils ne cachent jamais totalement. Les surfaces qui recouvrent et celles qui sont dérobées à la vue peuvent avoir des matières diverses (tissu, papier, bois. Calque) mais ce que portent ces matières est toujours une image d'origine photographique, souvent photocopiée. Chaque pièce ainsi constituée est appelée "photobjet". Les recouvrements et les juxtapositions construisant les "photobjets" créent des entre-deux qui sont des lieux, des plis, des interstices ou se trouve "l'un-possible image", encore appelée "l'image de lumière". En mettant l'entre-deux à l'épreuve des images et des idées, celui-ci s'est affine comme le fil directeur de cette réflexion, tandis que l'image dite "un-possible", celle qui serait une et qui concentrerait en elle-même aussi bien ce qui l'entoure, l'espace, le réel que son imaginaire, est à jamais repoussée, condamnée à se trouver dans une béance infinie. Le dernier chapitre précise les lisières de l'espace où se mène la recherche : entre origine et obscénité. Ainsi, la thèse affirme d'un côté qu'œuvrer en direction de l'un-possible image en photogyaphie c'est espérer rencontrer l'origine elle-même et de l'autre côté elle remarque que les caractéristiques de proximité avec le réel et de fixité de celui-ci, font de la photographie un objet porteur d'obscénité. La recherche a tenté de trouver l'impossible formule alchimique capable d'ébranler la conscience, située entre un savoir que l'obscène révèle et une obligation de le prendre de biais parce qu'il paralyse. C'est pourquoi, pour contrer cette attaque médusante de la photo, le travail plastique a choisi de créer des échappéesThis research on the insert of pictures is based on an artistic practice which basic caracteristic consists in acting like a mask. Not that mask which makes definitely disappear the lower surface like layers of sediment, but a mask supposed to be lifted up in order to let appear what is never be totally hidden. Those surfaces which mask and those hidden can both be made of different material (fabric, wood, paper, tracing paper), but what remains common among those supports is the fact that they bear a photography, or very often a photocopy. Each creation thus composed is called "photobjet". Those, masks and juxtapositions building up "photobjets" create "inserts" wich can be either places, folds, interstices where is to be found the "one impossible"(un- possible) image also called "the image of light" this insert confronted with pictures and ideas affirmed itself as the main idea in this study whereas the picture, called "un-possible" the would be one concentrating within itself space, reality as will as imagination, is put aside, condemmed into a bottomless abyss. The last chapitre deals with the boarders of this research : between origin and obscenity. Thus, on the one hand, this thesis maintains that striving for the "un- possible picture" in the field of photography, is the desire to reach the origine and, on the other hand, that the characteristics of closeness with the reality and fixeness of this one, turn photography into an object bearing obscenity. This research tried to find the impossible formula of alchemy capable of disturbing our consciousness. This formula is located between knowledge revealed by obscenity and therefore the obligation to approach it from a different angle to avoid paralysis. Therefore to fight back this paralysing "medusa" that photographyis, the practical experience had to find and create different means of escape
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Gauvrit, Christiane. "Le statut de la vérité et de la réalité dans l'œuvre picturale." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040157.
Abstract:
Pourquoi le propre d'une œuvre d'art est-il de se donner toujours pour une image ? Quelle est cette réalité, irréductible et transcendante au tableau, qui concentre en elle le maximum de consistance et de densité ontologiques, et à laquelle il ne cesse de renvoyer comme à sa raison d'être ? Une analyse du statut de l'imitation, de l'image, du trompe-l’œil, montre que cette réalité n'est pas et n'a jamais pu être aucun modèle extérieur. C'est l'œuvre qui, par sa propre dynamique, crée en elle cette autre réalité dont elle semble n'être que l'expression, et qui est, la vie des formes. C'est cette vie qui est ici analysée, et qu'on voit se développer selon deux lignées esthétiques : celui de l'art et celui de la décorationWhy is it specific to a painting to present itself as an image? What is the nature of this altogether irreductible and transcendent reality to the painting, which concentrates the maximum of fullness and ontological density, and to which the painting never ceases to refer to as the very reason for its being? The analysis of the status of imitation, image, and trompe l'oeil, shows that this reality is not an external model and could not be. Through its own dynamics, it is the work that creates in itself this other reality of which it seems to be nothing other than the expression: that is the life of forms. It is this life which is here analyzed and is seen developed along two separate aesthetic lines: one is art specifically, the other is decoration
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Choi, Jiyea. "De l'"absenciel" : le ciel, d'objet transitionnel à l'objet conceptuel." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010529.
Abstract:
La mort est un objet privilégié de la représentation artistique, une source majeure et universelle d'inspiration. Le caractère lancinant de sa pensée lui a fait engendrer une abondante expression artistique, en exigeant et permettant une alchimie finalement affirmative à partir de ce vécu épouvantable. Lorsque l'artiste met en oeuvre la mort, son point de vue doit transparaître, scintiller au travers de son esthétique, sans s'imposer dogmatiquement. Par elle, son travail peut être un axes vers ce monde invisible, inconcevable, mais aux lois irrésistibles. Cette thèse commente d'un itinéraire, veut faire accueillir ce comportement en art, en tant que but possible pour l'oeuvre d'art, face à la mort et à sa place dans le monde; elle voudrait développer une perspicacité macroscopique. Mon cube de ciel, figuratif d'une relation ternaire ciel/mer/mère, témoigne en tant qu' oeuvre plastique de la mort et de l'absence. Cette expérience personnelle peut peut-être, ainsi doublement partagée, théoriquement et plastiquement, permettre à d'autres de réévaluer le sens de la mort.
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Boka, Anicet. "De la rupture. . . De la continuité : une introduction au sankofisme." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010572.
Abstract:
De san, retourne, et de kofa, va prendre, va chercher, le sankofa, mythe akan de l'Afrique de l'ouest, incite à fouiller dans le passé afin de récupérer ce qu'on a oublié, laissé ou perdu. Aussi est-il représenté par un oiseau prenant son envol tout en ayant la tête tournée en arrière. Notre travail de recherche vise à confronter notre démarche plastique au sankofa. En effet, quelle posture développe l'artiste au travail? A-t-il une manière particulière de se tenir? Par ce truchement, nous voulons montrer que la posture qu'adopte tout créateur est aussi celle de l'oiseau sankofa. Pour créer, l'artiste doit se tenir à califourchon entre le passé et l'à-venir. Il doit être un clair-voyant, être doté de métis, avoir un œil sûr pour lier le l'invisible au visible. Cette posture sankofiste nécessite ainsi un retournement afin de retourner l'origine pour la ramener dans le présent. Cette posture créatrice engendre une théorie que nommons volontiers le sankofisme
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Bonnet, Éric. "De l'arc comme variation du champ pictural." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010677.
Abstract:
Interroger les rapports et les interactions de l'arc et du champ pictural: génération, désignation, variation, sont les objectifs de cette thèse. Dans la mise en place de dualités, opposant la tension d'une ligne cursive et séparatrice, à l'intensivité d'un fond monochrome et sorud, ce dernier est identifié à l'écran d'oubli, et suscite l'anamnèse. L'écriture d’Edmond Jabes vient, en écho de cette deuxième dualité, ouvrir un dialogue entre texte et peinture. La mise en évidence du champ pictural conduit l'auteur à interroger cette notion dans son extension et sa profondeur, comme porteuse de tensions potentielles et de contradictions susceptibles de générer un nouveau type d'espace : la profondeur plate, caractéristique de l'espace Pollock ou de certaines œuvres de Mondrian. Monet, Bonnard, Malevitch, Strzeminski, Tal Coat et Ryman sont étudiés dans cette perspective. Les notions d'espace lisse et d'espace strie, chez Deleuze et Guattari, apportent un éclairage sur les conflits internes du champ, comme opposition entre la désignation concrète des termes du tableau, et la perte des repères, le trouble de la surface. La courbure de l'arc est la figure et l'opérateur de ces perturbations, ouvrant a de nouveaux champsInterrogate the connexions and the interactions between arc and painting field : generation, designation, variation, are the objectives of this thesis. The setting up of dualities, opposing the cursive and separative line tension, to the non-tensivity of a monochromatic and hollow ground, the latter is identified to the forgetfulness screen, and arouses remembrance. Edmond Jabes's writing comes, as an echo of this second duality, to open a dialogue between text and painting. The focusing on painting field leads the author to interrogate this knowledge in its extent and its depth, as a carrier of potential tensions and contradictions generating a new model of space : the flat depth, characteristic of Pollock's space, or of several Mondrian's works. Monet, Monnard, Malevitch, Strzeminski, Tal Coat and Ryman are studied in this prospect. The knowledges of soft space and striated space, with Deleuze and Guattari, carry a lighting over internal conflicts of the field, as opposition between concrete designation of the painting's terms, and the loos o f marks, the surface desorder. The arc curve is the figure and the operator of these disturbances, opening to new fields
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Tsai, Lin Yen. "Le silence du désir : l'espace corporel dans l'art féminin." Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083142.
Abstract:
L'art, pour moi, c'est s'identifier à l'"Autre". La présente thèse est une recherche sur ma création, en rapport avec la féminité et la sexualité qui m'obsèdent, et que des femmes artistes m'ont révélées. Tout au long de mon travail, la problématique de la femme artiste a évolué suivant deux axes : la différence des genres, et leur interprétation de la sexualité. Dans cette évolution esthétique, le souci et le doute éclairent et orientent mon travail vers un changement de mentalité créative. La féminité, qui ne correspond pas à un critère artistique, et la sexualité, qui n'est qu'un tabou, se manifestent pourtant dans l'art féminin. Cette anamnèse renforce la négativité de mon vécu (le Chora), en me ramenant à la source de ma recherche, et me conduit à la frontière des révoltes. L'art, c'est finalement l'espérance de se dépasser soi-même. Mon espoir est que chacune de mes œuvres incarne une renaissance. Je suis à la recherche d'une pensée réflexive et d'une thérapeutique psychologique dans la "sculpture de Soi". A travers le miroir mimétique, l'image de l'art s'associe à celle du désir dans l'anamnèse du corps et s'adapte dans une "négociation" culturelle (entre tabou et sacré, entre modèle et obstacle). L'association par similitude est "un contact" au sens figuré qui est indicible. J'ai "faim du Mot" dans la création. Le silence du désir se situe dans l'épochè de la sexualité, dans le doute de la féminité. Je m'introduis dans l'espace interactif du « je-tu(e)-elle », dont la réconciliation marque la libération. A travers un désir paradoxal, la motivation de ma recherche est de légitimer et de rétablir mon corps. Le but, ici, est de révéler que l'art est aussi divers, marginal et subversif dans ses conversions, tout comme le sujet du désir qui se résoud par sa libérationFor me, art is identifying oneself with the “Other”. This thesis, then, is an introspective examination of my work from the standpoint of femininity and sexuality – an obsession of mine that I became aware of thanks to other women artists. Throughout my work, the whole issue of woman as an artist has evolved along two lines : the difference between genders, and their respective interpretation of sexuality. Within this aesthetic evolution, anxiety and doubt have been inspiring and guiding me towards a change in my creative mentality. Though femininity is not an artistic criterion and sexuality is merely a taboo, they are nevertheless manifest in women's art. This anamnesis gives an added dimension to the negativeness of my personal experience (Chora), bringing me back to the origin of my quest, and leads me on towards the frontier of revolt. Ultimately, art is the hope to go beyond one's own limits/limitations, and it is my hope that each of my works is actually a rebirth. Through "self-sculpture", I am searching for a reflective methodology as well as for a form of psychological therapy. The mimetic mirror is linking the image of art to that of desire in the anamnesis of the body, an image that adjusts itself as in a cultural “negotiation” (between what is taboo and what is sacred, between model and obstacle). Figuratively speaking, the association by similarity constitutes a “point of contact” that is inexpressible. Creation is an expression of my thirst after the Word - to paraphrase Roland Barthe’s “j’ai faim du Mot”. The silence of desire occurs within the épochè of sexuality, the doubt as to one’s femininity. I enter the interactive space combining “I-you-she” whose reconciliation can finally lead to liberation. Based on such a paradoxical desire, my research and quest aim at legitimizing and reasserting my body. The intent here is to show that art can be as diverse, marginal and subversive in its manifestations as the subject of desire, whose liberation depends on its materialization
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Jo, Hyunah. "L' accumulation : de la surface à l'espace stratifié." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010648.
Abstract:
La plupart des expressions et des sens en lien avec notre vie renaissent grâce à la production de symboles, qui figure parmi les activités mentales hautement raffinées. Au travers des processus de condensation, de transfert et d'association, notre esprit offre à toutes les choses qui affectent les sens (aux objets), les signes de beaux et dynamiques souffles (le signe de la beauté et du ressort, la vitalité). Autrement dit au travers du processus d'accumulation. Via ces choses devenues ainsi symboles, les nouvelles marques existentielles s'accumulent en nous : enfin elles s'assimilent, s'imprègnent de la vie. C'est bien là (dans cette caractéristique du symbole) que résident sa force et sa valeur; c'est bien grâce à cela que sa force et sa valeur peuvent se loger dans notre âme à travers les siècles. Le symbole et les multiples objets et phénomènes permettant l'approche symbolique, peuvent ainsi perdurer à travers le temps immémorial, tout comme la condensation, le transfert et l'association de notre esprit: ce travail peut en conséquence se diversifier à l'infini. En ce sens, le symbole est un des archétypes que l'on peut expliquer par la notion d'accumulation. Nous pourrions nous en rendre compte ou ressentir l'existence de symboles parmi de multiples objets et phénomènes de ce monde, transformables respectivement en symboles; les spécialistes qui étudient la symbolique nous apprennent que l'on peut donner du sens à toutes les choses concrètes ou abstraites et à tout l'univers qui les comprend: l'univers est un rassemblement des symboles qui sont susceptibles à se manifester à tout moment. Au cours de notre travail, nous nous sommes penchés sur trois éléments parmi ce rassemblement et les avons traités comme proposition principale pour notre sujet portant sur l'accumulation. Mémoire, ville et nous constituent cet ensemble thématique. Nous avons de la sorte évoqué ces thèmes en les considérant sous l'aspect du système symbolique, expression d'accumulation qui pourrait refléter les environnements mentaux de notre société moderne actuelle.
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Tirzi, Alain. "La notion de génie dans la philosophie critique de Kant et son rapport à la modernité dans l'art." Nice, 2002. http://www.theses.fr/2002NICE2028.
Abstract:
Plus encore que celle de jugement en général, c'est la notion d'accord indéterminé des facultés (définies comme sources de représentations), c'est-à-dire de jugement réfléchissant, qui est au centre du criticisme, et ce en vue de la forme supérieure d'une faculté définie comme rapport avec un sujet et un objet, tout ceci dans le but de satisfaire un intérêt de la raison. Nous avons essayé de montrer que le génie, dans la philosophie critique de Kant, constituait la condition de possibilité ultime du jugement réfléchissant lui-même et donc de la réalisation du but final dans l'histoire. Ce noyau le plus vivant de l'esprit prend tout son relief mis en rapport avec la modernité dans l'art par quoi nous entendons les oeuvres de toute époque (musicales, littéraires, picturales ou cinématographiques) difficilement récupérables par la culture en tant qu'ensemble d'institutions. Bref, le génie au coeur d'un véritable activisme révolutionnaire.
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Pognan, Anne. "Dessiner, peindre le temps perdu." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010613.
Abstract:
Le temps perdu désigne a la fois Ie passe, Ie temps qui par son irréversibilité même nous est constamment enlevé et Ie temps immobile, long et pesant de l'inactivité, de la paralysie propre a la mélancolie, a la fatigue, au désespoir impuissant ou a la paresse. II s'inscrit donc dans une étude du temps vécu et des temporalités intimes, qui cherche a saisir comment ces vides, ces absences au cœur de l'existence sont déterminantes pour Ie processus créateur. Le temps se présente comme une puissance horizontale, oppressante et destructrice avant tout, et ces aspects recoupent de grands thèmes de la production artistique de la Renaissance et du XVeme siècle notamment par les notions de vide, néant, abîme et vision panoramique. Lis constituent aussi la base d'un vocabulaire plastique a l’œuvre dans la pratique personnelle du dessin et de la peinture. Cette dernière se développe en mettant en tension surface et profondeur, rythme et horizontalité, vertiges et répétitions, transparence et obscurcissement. . .
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Theodorakis, Styliani. "L'Avant-garde dans le cinéma des années vingt : le cubisme, l'art abstrait, et Dada en France et en Allemagne." Paris 1, 1985. http://www.theses.fr/1985PA01A042.
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Buret, Nelly. "L'enveloppe des corps : déplacement des limites." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010541.
Abstract:
La tension entre présence et absence au sein de tout corps témoigne d 'une chair en voie de constitution et de dissolution. Au lieu de combler une disparition, le corps met en forme un vide et donne chair à l'absence. Il est mis à l'épreuve d'une fissure qui réfléchit la fission. Il s'agit d'être attentif à ce qui circule entre, l'entre en tant qu'espace acousmatique. Comment la mémoire de notre enveloppe, tissée d'images et de mots lacunaires, en métamorphose incessante, peut-elle être circonscrite ? Le travail plastique a été envisagé dans un mouvement d'oscillation entre présence et absence de la figure. Les protocoles visuels et textuels ont permis de préciser, de localiser des images qui prennent la mémoire comme fondement de la lucidité des perceptions. Ils ont conduit un questionnement sur la matérialité qui délie la ressemblance.
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Ancel, Pascale. "La représentation sociale du temps à travers l'étude d'une pratique artistique : l'installation et "le temps qu'il fait"." Besançon, 1994. http://www.theses.fr/1994BESA1025.
Abstract:
Chaque société développe une certaine représentation du temps qui s'inscrit dans les activités sociales. L'évolution de la science et des techniques modifie notre rapport au temps. Il apparait éclaté, fragmenté. En tant que produit social, l'art traduit le mode d'appréhension de la réalité. Aujourd'hui, les artistes-plasticiens utilisent le temps comme un matériau ordinaire pouvant être travaille. L'installation, discipline artistique dont l'émergence remonte aux années 60, se construit d'objets "vulgaires", de fragments de réalité utilises comme équivalents plastiques. A la façon des cubistes avec l'objet, les artistes pratiquent l'installation en se saisissant du temps. Ils le décomposent, le manipulent pour produire une composition inédite. L'œuvre d'art comme outil de connaissance du social, permet d'étudier les phénomènes sociaux à partir d'un modèle cristallise. Ce travail tente de dégager la "forme" temporelle qui distingue notre société, forme partagée par tous a un moment donne et qui sert de référence aux constructions mentales. En admettant une homologie de structure entre l'appréhension collective du temps et sa représentation artistique, et en replaçant l'œuvre dans son contexte social, il est possible de découvrir une forme temporelle, un cadre d'expériences individuelles et collectives. A partir des travaux de Christian Boltanski, Daniel Buren et Sarkis, l’étude confirme une appréhension "intensive" et qualitative du temps.
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Barbon, Marco. "Chronotopies : pour une esthétique du temps photographique." Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0010.
Abstract:
Le sujet de cette thèse concerne la nature et les différentes modalités de la représentation photographique du temps. À travers l'analyse de différents exemples tirés de l’histoire de la photographie, cette étude se propose de montrer que l'image photographique, contrairement à ce que pensent certains théoriciens selon lesquels la prise de vue ne ferait qu'annuler le temps, nous dévoile une pluralité de figurations du temps, nous ouvrant notamment la voie pour une compréhension de la temporalité comme impermanence. C'est au niveau de la possibilité d'interrompre l'enchantement de la conjonction entre instant et éternité qui se situe en effet l'ultime enjeu de ce travail : dans certains cas au moins, la photographie semble pouvoir représenter l'éphémère sans devoir forcément le soumettre à la tyrannie de l'éternelThe subject of this thesis concerns the nature and methods of the photographic representation of time. Through an analysis of different examples drawn from the history of photography, this study offers a demonstration of how, contrary to the claims of certain theorists that the photographic image simply annuls time, the photographic image in fact unveils a host of representations of time, allowing an understanding of temporality as transience. The crux of this study lies in the possibility of disrupting the entrancing union of instant and eternity : in some cases at least, photography seems capable of representing the ephemeral without necessarily subjecting it to the tyranny of the eternal
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Jenner, Deborah. "Le spirituel dans l'art de Georgia O'Keeffe." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040138.
Abstract:
Cette thèse rassemble toutes les influences spirituelles à la base de la vision artistique d'O'Keeffe (1887-1986). Le premier volume expose les sources ésotériques de son œuvre. Les recueils de hai͏̈ku et The Livre du thé lui ouvrent la voie du Zen ; les poètes transcendantaux et la culture amérindienne, celle du monisme ; enfin, Le Secret de la fleur d'or, celle de l'alchimie. Elle trouve aussi du mysticisme dans la psychologie jungienne et dans la physique moderne. Le deuxième volume montre comment chaque élément plastique est lié au spirituel. Thought Forms de la théosophie fournit des descriptions précises d'une réalité supérieure projetée par l'esprit. Grâce à l'approche innovatrice d'Arthur Dow, basée sur l'esthétique Japonaise et la composition musicale, O'Keeffe traduit la nature en design abstrait. Son Notan et sa " vacuité " remplacent les lignes de contour et les ombres. Son style, à la fois abstrait et réaliste, fait de fleurs voluptueuses, des gratte-ciel illuminés et de canyons du Far West évoque des mirages dont les couleurs vibrantes deviennent le véritable sujet. En explorant la perception de la réalité, son art devient une pratique spirituelle. Le troisième volume présente les thèmes de ses toiles comme autant d'événements : fentes dans le néant, formations géologiques, croissance organique, construction urbaine et sensations corporelles. O'Keeffe se sert du pragmatisme et du positivisme comme moyen d'aborder l'abstrait et l'invisible Les natures mortes expriment les humeurs. Les " mindscapes " transforment les paysages. La synesthésie réexamine la perception. L'intuition évalue l'observation. L'alchimie rend interchangeables le minéral, le végétal et l'animal. La Nature se transforme en icône sacrée. Ses tableaux, maIgre leur modeste format, nous rendent conscients de la splendeur cosmique de la Création. La spiritualité de son art est jugée par son pouvoir d'éveiller le spectateur aux merveilles et de les guérirCette thèse rassemble toutes les influences spirituelles à la base de la vision artistique d'O'Keeffe (1887-1986). Le premier volume expose les sources ésotériques de son œuvre. Les recueils de hai͏̈ku et The Livre du thé lui ouvrent la voie du Zen ; les poètes transcendantaux et la culture amérindienne, celle du monisme ; enfin, Le Secret de la fleur d'or, celle de l'alchimie. Elle trouve aussi du mysticisme dans la psychologie jungienne et dans la physique moderne. Le deuxième volume montre comment chaque élément plastique est lié au spirituel. Thought Forms de la théosophie fournit des descriptions précises d'une réalité supérieure projetée par l'esprit. Grâce à l'approche innovatrice d'Arthur Dow, basée sur l'esthétique Japonaise et la composition musicale, O'Keeffe traduit la nature en design abstrait. Son Notan et sa " vacuité " remplacent les lignes de contour et les ombres. Son style, à la fois abstrait et réaliste, fait de fleurs voluptueuses, des gratte-ciel illuminés et de canyons du Far West évoque des mirages dont les couleurs vibrantes deviennent le véritable sujet. En explorant la perception de la réalité, son art devient une pratique spirituelle. Le troisième volume présente les thèmes de ses toiles comme autant d'événements : fentes dans le néant, formations géologiques, croissance organique, construction urbaine et sensations corporelles. O'Keeffe se sert du pragmatisme et du positivisme comme moyen d'aborder l'abstrait et l'invisible Les natures mortes expriment les humeurs. Les " mindscapes " transforment les paysages. La synesthésie réexamine la perception. L'intuition évalue l'observation. L'alchimie rend interchangeables le minéral, le végétal et l'animal. La Nature se transforme en icône sacrée. Ses tableaux, maIgre leur modeste format, nous rendent conscients de la splendeur cosmique de la Création. La spiritualité de son art est jugée par son pouvoir d'éveiller le spectateur aux merveilles et de les guérir
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Go, Henri. "L'obscur : sur le problème de la sagesse." Nice, 1998. http://www.theses.fr/1998NICE2008.
Abstract:
La philosophie, qui commence dans l'étonnement, est un "passage à l'obscur" dans le sens où elle est pro-vocation d'une situation adidactique. La sagesse que cherche la philosophie ne devrait alors pas être construite comme système de "vision du monde", elle devrait se faire l'abandon de toute weltanschauung. Ce mouvement de creusement de nos idées correspond à un "matérialisme pratique" (Marx-Engels), dans la mesure où nous devrons penser les conditions concrètes de l'existence humaine dans l'activité, pour instituer le sens de la vie bonne. Ce sens passe par la reconnaissance complète de l'obscurité du "vivre-incarné", antéprédicatif. L'intuition de cette obscurité du fait existentiel est portée à son expression la plus haute dans l'art, rapport d'étrangeté au réel, mais expérience de réalité comme rencontre de l'inconnu. Cette expérience conduit à la découverte de la profondeur de "l'homme intérieur", passage sous la subjectivité, et caméra obscura d'un moi idéel ou idéologique. La sagesse consiste désormais dans le creusement de la question politico-éthique du mitseinPhilosophy, which springs from astonishment, is a "passage into the obscure" in so far as it is a pro-vocation towards an adidactic situation. Thus, the wisdom sought by philosophy sould not be construed as a systematization of a global world-outlook, it should wilfully abandon any weltanschauung whatsoever. This delving deep into our ideas corresponds to a "pratical materialism' (Marx-Engels), in so far as we shall have to think out the concrete conditions of human existence as being activity, in order to institute the meaning of the good life. This meaning requires a total acknowledgement of the obscurity pertaining to antepredicative incarnate living. The intuition of obscurity as part and parcel of "existential fact" reaches its highest expression in art, a relationship of estrangement from reality, but an experience of reality as an actual meeting with the unknow. This experience leads to the discovery of the inner-man's depth, a passage deep beyond subjectivity, a camera obscura of a purely intellectual or idelogical ego. Wisdom henceforth consists in this delving deep into the politico-ethical question of the mitsein
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Lambert, Xavier. "Le corps sans bords : identité / altérité dans l'image numérique et ses résonances dans la fiction narrative." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010591.
Abstract:
Comment le corps dans l'art contemporain s'énonce-t-il sur de nouvelles bases du fait de sa confrontation aux enjeux conceptuels des technologies actuelles ? Il ne peut se concevoir que dans la permanence d'un corps in-fini parce que toujours en puissance, un corps sans bords. C'est par l'altérité du corps sans bords que l'artiste construit son identité, sa permanence, qui ne relève plus du stéréotype de la " mêmeté ", mais de l' archétype de la singularité. L ' artiste n'est pas l'individu, celui qui ne se divise pas, du corps organisé, il est la multitude de la singularité. Le corps sans bords est singulier, parce qu'antérieur à l'image, et que l'image inscrit déjà la reproduction. Mais il est multitude parce qu'il est puissance que l'œuvre d'art n'actualise que partiellement à chaque fois. Et l'outil numérique est l'outil technologique le plus approprié pour tenter d'inventorier les possibles qui naissent de la confrontation au réel que propose le corps sans bords.
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Letellier, Isabelle. "La fonction de l'oeil dans la structuration psychique : pour un dialogue entre psychanalyse et phénoménologie." Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070030.
Abstract:
L'enjeu de ce travail est de questionner la structure psychique en mettant à jour l'opération de la fonction de l'œil. Cette réflexion engage un dialogue entre phénoménologie et psychanalyse pour penser le Réel au prix d'une critique du structuralisme psychanalytique. Tandis que le primat du symbolique risque d'évacuer le Réel de la structure, le questionnement et la redéfinition de l'imaginaire comme consistance de la structure permet d'intégrer le Réel comme mouvant et d'introduire ce faisant l'articulation essentielle entre dynamique psychique et structure. La fonction de l'œil comme opérateur de la réflexivité permet le franchissement du rapport à l'objet, dans un passage du voir au savoir qui configure le clivage psychique. Loin de réduire la dynamique psychique à une réflexion totalisante, la réflexivité vient au contraire s'articuler à un reste irréfléchi qui constitue en elle une force, que Freud appelle la pulsion de mort, et qui participe de la porosité essentielle de la Spaltung: c'est le point aveugle de la structure. Le problème de la réflexivité introduit une thématisation du clivage qui est tout à la fois clivage psychique et clivage du monde. Le thème phénoménologique de l'irréfléchi est repris du point de vue psychanalytique comme ce par quoi un monde peut tenir pour le sujet : la cécité est le prix à payer du monde dans la névrose et la perversion. Le délire dans la psychose peut être interrogé comme tentative pour suppléer à l'absence de ce point aveugle qui rend possible un rapport sexuel comme non-rapport à l'autreThis work enlightens the fonction of the eye in the process of psychic structuring. It shows a path to elaborate the Real through a dialogue between psychoanalysis and phenomenology, which is based on a criticism of psychoanalytic structuralism. It is claimed that the primacy of the symbolic misses the Real in the psychic structure. It is therefore necessary to redefïne the imaginary as consistency of the psychic structure to integrate thé moving Real in which is rooted the articulation between the psychic dynamic and the structure. The fonction of the eye operates the reflexivity which enables the crossing of the objectrelation. This process structures the psyche by passing from seeing to knowing. The psychic dynamic does not reduce to reflexivity since it implies a rest of unreflected in which the death drive originates. The unreflected constitutes the blind spot of the structure and accounts for its porosity. This view on reflexivity introduces the question of splitting as both the psychic splitting and the splitting of the world. The phenomenological theme of the unreflected is read from a psychoanalytical point of view as what enables the world to be consistent: to the neurotic and the pervert, blindness is the price to pay for the world. The psychotic delirium can be considered as an attempt to compensate for the lack of the blind spot which enables a sexual relation based upon its own impossibility
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Kouassi, Konan. "Détournement : le signe comme idée de peinture." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010679.
Abstract:
Cette thèse a constitué pour moi un défi largement paradoxal. En effet, ma peinture est organisée, d'une part par l'acte de peindre qui n'est pas un procédé de destruction de l'Art de peindre mais qui propose encore de nos jours, une certaine variation des formes qui vont au-delà de la peinture traditionnelle, d'autre part elle interroge ma pratique personnelle pour justifier une conception picturale dont une fraction importante de mon idée est le Signe comme Idée de Peinture qui provient du détournement du geste. Au regard de nombreuses études connues et disponibles dans les grandes bibliothèques, tant en esthétique, qu'en histoire de l'art, l'ambition de mon travail vise à élucider le débat autour du détournement: le Signe comme Idée de Peinture, tantôt la peinture accepte d'être une idée magique, tantôt elle accepte d'être une idée du sacré. Réellement, il s'agit pour moi, tout au long de cette thèse, de spécifier mon expérience picturale. Chacune de mes réalisations est d'abord une idée incarnée par la rencontre du temps et de l'espace pictural. Ma peinture dans son sens le plus ouvert, demeure ma finalité: gesticuler, cracher, marcher, danser, égoutter et installer: toutes ces actions sont les moyens qui donnent l'origine de la forme.
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Jouret, Quentin. "L'art de la discrétion ( l'infranuance et le petit usage)." Thesis, Toulouse 2, 2015. http://www.theses.fr/2015TOU20141/document.
Abstract:
De même que Maurice Blanchot observait que le quotidien, « c’est ce qu’il y a de plus difficile à découvrir », Quentin Jouret constate qu’il ne cesse de changer d’apparence et échappe à notre désir de maîtrise. Le problème n’est dès lors pas tant de définir le quotidien, mais plutôt de voir comment « la discrétion serait la manière dont le quotidien change imperceptiblement ». De façon plus pratique, la discrétion devient un moyen d’apprendre à mieux voir le monde qui nous entoure, à en saisir les modulations infimes. Pour le dessinateur comme pour le photographe, il s’agira d’être attentif aux occasions qui se présentent, l’espace d’un bref instant. Tout comme Roland Barthes ambitionnait, autour du terme de « diaphrologie », de construire une science des nuances, Quentin Jouret appelle tour à tour les notions de neutre chez Roland Barthes, de dettaglio chez Daniel Arasse, de fadeur chez François Julien, d’inframince chez Marcel Duchamp ou encore d’infraordinaire chez Georges Pérec. Le mémoire consiste en un volume de 590 pages, impression recto verso, dont la particularité est d’intercaler entre chaque page un feuillet moins large, non folioté, réservé à la reproduction des images de l’auteur et dans une moindre mesure celles des œuvres des artistes cités en référence. Ce travail entend mettre en avant le primat de l’expérience artistique dans la recherche en arts plastiquesAs Maurice Blanchot observed that daily, "is what is most difficult to find," Jouret Quentin finds that keeps changing appearance and beyond our control desire. The problem is therefore not so much to define the everyday, but rather to see how "the discretion is how the daily exchange imperceptibly." More practically, discretion is a way to learn how to see the world around us, to grasp the tiny modulations. For the artist as for the photographer, this will be attentive to opportunities that arise, just for a brief moment. As Roland Barthes aspired around the term "diaphrologie" to build a science of nuances, Quentin Jouret called alternately the neutral concepts Roland Barthes, to dettaglio at Daniel Arasse of blandness in François Julien, of inframince with Marcel Duchamp or to infraordinaire at Georges Perec. The memory consists of a volume of 590 pages, duplex printing, whose characteristic is to insert between each page a narrower slip, non folioté, reserved for the reproduction of images of the author and to a lesser extent those works referenced artists. This work intends to emphasize the primacy of artistic experience in research in the visual arts
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Gongalves, Flavio. "Où se trouve le dessin? : une idée de dessin dans l'art contemporain." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010582.
Abstract:
Cette étude analyse le rôle du dessin comme pratique constitutive de mes travaux artistiques. Le dessin s'avère le principe conceptuel qui les imprègne dès leur origine jusqu'à leur achèvement. Cela soulève la réflexion que mes travaux, malgré l'apparent éloignement de certains du champ du dessin, portent en eux les traces qui permettent la compréhension à la fois du dessin lui-même et du processus qui les a engendré. La question où se trouve le dessin ? Cherche alors à déterminer les lieux ou le pouvoir projectif du dessin demeurerait concentre dans l'œuvre, comme un spectre dévoilant les actions qui ont été déployées. Dans ce sens, l'action du dessin est vue ici comme l'établissement d'un champ mnémonique, ouvert à tous les genres d'additions techniques et de matériaux. L'analyse des aspects phénoménologiques et archaïques du dessin est issue de la pensée de Walter Benjamin, ainsi que les concepts d'origine, d'allégorie et d'image dialectique. L'œuvre et les textes de certains artistes comme entre autres René Magritte, Jasper Johns, Luciano Fabro, Carlos Pasquetti, sont analysés a titre de référence dans la caractérisation du champ du dessin et de son expression dans l'art contemporain. La thèse est que le dessin se trouve dans l'enfance des images et dans nombre. L'enfance représente le commencement du travail ou toutes les possibilités de transformation se donnent à voir. Quant à l'ombre, elle est le premier indice de la vocation projective du dessin mais aussi et en mémé temps le lieu où l'image semble cacher son secret. L'enfance et l'ombre demeurent ainsi inscrits dans l'œuvre comme instances évocatoires de la présence du dessin.
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Sung, Jihae. "La réflexibilité comme moteur de renouvellement dans l'œuvre cinématographique de Jean Eustache." Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082662.
Abstract:
Cette thèse est une étude sur les films de Jean Eustache. En tant que cinéaste venant à la mise en scène juste après la Nouvelle Vague, Eustache est considéré comme l’héritier de celle-ci tout en s’en démarquant tout au long de sa carrière. A travers ses films, il est souvent jugé d’une manière contradictoire : sentimental, intellectuel, personnel, marginal, réaliste, expérimental, moderne alors qu’il est considéré unanimement comme cinéaste maudit, en décalage avec son temps. Sa carrière cinématographique témoigne de l’oscillation entre le film de fiction et le film de documentaire, entre le long métrage et le court métrage, de format 35mm à 16mm. De cette oscillation provient une réflexivité particulière chez Eustache, le moteur de renouvellement de son cinéma. Ses films montrent une évolution : ses films s’interrogent au fur et à mesure du temps sur les possibilités et les limites des expressions filmiques. Pour ces interrogations, Eustache s’appuie sur le retour à Lumière, la première phase du cinéma, la répétition, la primauté de la parole sur l’imageThis thesis is devoted to the study of the films by Jean Eustache. As a director who came to realise his first film just after Nouvelle Vague, Eustache is considered as the direct heir of Nouvelle Vague though his films showed personal tone with the evolution. His films are appreciated in divers ways: sentimental, intellectual, personal, marginal, realistic, experimental, modern whileas Eustache is unanimously considered as the director who couldn’t get along with his epoque. His filmic career shows the balancement between the fiction film et the documentary film, between the feature film and short film, between 35 mm format and 16 mm format etc. From this balancement comes the particular form of reflexivity in his films, which is a driving force of renewal. His films show the evolution in which Eustache is interested in posing questions about the possibilities and the limits of the means of filmic expressions. For this questioning, his films adopted the return to the primary phase of film’s evolution, the repetition, the emphasis on speech
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Cho, Nan-Young. "Rupture, restitution, prolifération dans les arts visuels entre orient et occident : trois moments créateurs de l'espace contemporain." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010603.
Abstract:
Mon travail s’origine dans la maison natale disparue, qui est recrée par le geste artistique, lequel se développe en trois moments : rupture, restitution, prolifération. La rupture, manifestée par le déchirage d'un matériau, le papier coréen, à partir duquel commence ma création, dit la perte de la maison. La restitution, opérée par le collage des morceaux déchires, signifie l'enracinement dans un nouvel espace, elle dit le recommencement sous une forme mutante, non habitable, de la maison natale. Enfin I' expansion des morceaux associes les uns aux autres dans un espace donne, celui où je vis, crée la surface artistique. Cette expansion induit la notion de prolifération au sens de "inachevé, toujours ouvert" et ainsi elle manifeste la continuité de la vie à partir de l'origine, la maison natale. Rupture, restitution, prolifération, les trois moments de la composition visuelle sont lies dans une approche faisant appel a des concepts de l' art et de la vie, aussi bien du monde occidental ou je vis que de la sphère orientale où j’ai grandi.
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Guillot, Marie. "Déixis et subjectivité : essai sur l'indexicalité dans le langage et la pensée." Paris, EHESS, 2010. http://www.theses.fr/2010EHES0027.
Abstract:
Ce travail est un examen critique de la «conception indexicale de la subjectivité», thèse selon laquelle le mode déictique de la référence, tout particulièrement à soi, serait constitutif du phénomène mental de la subjectivité. Trois questions cumulatives sont traitées. Existe-t-il une forme d'indexicalité mentale, comme il existe une indexicalité linguistique? Si oui, comment-transposer au mieux, sur le plan mental, notre connaissance du fonctionnement des déictiques dans le discours? Enfin, le caractère déictique putatif de certains états psychologiques suffirait-il à rendre compte du phénomène de la subjectivité? Le Livre 1 (Chapitres 1 à 3) fait l'examen détaillé du phénomène de l' indexicalité linguistique, dégage une notion très générale de déixis, transversale à une typologie de variations. Le Livre Il est consacré aux différentes manières envisageables de transposer cette notion sur le plan des représentations psychologiques. Dans les Chapitres 4 à 6, je présente le phénomène épistémique de « l'indexicalité essentielle », motivation principale de la conception indexicale de la subjectivité. Dans les Chapitres 7 à 9, je discute trois modèles sémantiques concurrents de l'indexicalité mentale: un modèle descriptiviste et token-réflexif (Ch. 7) ; un modèle bi-dimensionnaliste externaliste fondé sur la notion de« fichier mental» (Ch. 8) ; enfin, un modèle relativiste appuyé sur la sémantique des « mondes possibles centrés» (Ch. 9). Chacun de ces modèles rencontrant des limites dans l'explication du profil cognitif dont dépend la possession du statut de sujet, je conclus à l'insuffisance d'une théorie purement indexicale -et, plus généralement, purement représentationnelle -de la subjectivitéThis is a critical study of the « indexical view of subjectivity », according to which the deictic mode of reference ¬especially deictic reference to oneself under the pronoun “1”-is constitutive of the mental phenomenon of subjectivity. Three questions are addressed. (i) Is there a kind of mental indexicality in thoughts, analogous to the kind we find in language? (ii) How best to transpose to thought the account of the mechanisms of deixis we see at work in discourse? (ii i) Does the deictic character of certain mental states provide a sufficient account of the phenomenon of subjectivity? Book I (Chapters 1 to 3) is a detailed analysis of indexicality in speech. It elaborates a very general notion of deixis, which can apply to all the variations of the phenomenon, as classified in the typology proposed in Chapter 3. Book Il considers various possible ways to adapt this notion to the domain of psychological representations. In Chapters 4 to 6, 1 present the epistemic phenomenon of «essential indexicality », which is the main motivation behind the indexical conception of subjectivity. In Chapters 7 to 9, 1 discuss three competing semantic models of mental indexicality: a descriptivist, token-reflexivist model (Chap. 7); a bi-dimensional, extemalist model that relies crucially on the notion of a mental file (Chap. 8); and finaIly, a relativist model, spelled out in the framework of centered-world propositions (Chap. 9). Each one of these models is found to provide only a partial account of the cognitive profile that is a necessary condition for being a subject 1 therefore conclude that a strictly indexical theory of subjectivity -and more generally, a strictly representational theory thereof -is insufficient
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Roland, Céline. "L'autre de l'art : l'échange de rue comme mode d'intervention créatif dans mon quartier d'habitation." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010576.
Abstract:
L'institution limite souvent l'art à une pratique culturelle et sociale divertissante, au sein de laquelle médiatisation et commercialisation vont de concert. Face à cette situation qui maintient selon Bourdieu, le clivage entre art et " non-initié" , j'envisage un autre de l'art, explorant la création faite par et pour la population, au sein de mon quartier d'habitation. L'intervention y opère dans la marge, questionnant la liberté d'expression en rapport à la législation de l'espace public. Influencée par les happenings, Fluxus ou l'art sociologique de Forest, l'intervention de rue interroge la notion d'altérité explorant notre identité en rapport à la territorialité et au tribalisme. Le passage d'une pratique picturale à l'intervention répond au besoin d'engager un contact direct avec le passant, acteur et auteur, dans l'élaboration collective de l'œuvre. " L'expérience du visage", définie par Levinas, instaure la rencontre dans une attitude martiale des corps. De l'ordre de l'art et de la sociologie. L'intervention de rue, opère dans " l'entre" comme pourvoyeur d'émotions, de communications, utilisant aussi bien la parole, le sondage que la carte postale. Art contextuel, l'intervention, préétablie dans le cadre d'une partition, agit dans notre réalité quotidienne, en tant qu'espace social transformateur. Ephémère, elle questionne notre besoin de survivance et la notion d'archivage. Récusant le prima du visuel, la trace se fait témoignage, privilégiant le vécu: c l'art comme expérience ", dans la lignée des réflexions menées par Dewey. Sorte d'ekphrasis enregistrée sur bande, la vidéo, fait renaître le conteur oublié au travers de la parole d'un vécu singulier. La pluralité des témoignages et la diversité des interprétations font alors de l'intervention "oeuvre ouverte" au sens où l'emploie Eco
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Haddad, Michèle. "L'art de Courbet : transgressions/création, sources." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040239.
Abstract:
Quels sont les sources et les ressorts principaux de l'art de Courbet ? A partir de la découverte d'une image d'Epinal dont la composition est très proche de celle de l''Enterrement à Ornans',ce travail s'interroge sur l'élaboration des oeuvres du peintre et propose des hypothèses nouvelles sur ses toiles les plus célèbres,tout en procédant à la révision générale nécessitée par la publication de sa 'Correspondance' par Petra ten D. Chu en 1992. La démarche créatrice de Courbet se fonde sur deux axes principaux,une volonté affichée de trangression et un intérêt marqué pour les processus de la création. De l''Enterrement' à 'L'origine du monde',son regard trangressif impose son témoignage dans une exigence jusqu'au-boutiste de tout voir pour pouvoir tout montrer. Renouant avec la lignée des peintres français qui,tel Gueuze,se sont insurgés contre l'Académie,et se sont plus nourris en Hollande qu'en Italie,Courbet,au même titre que Balzac et Flaubert,apparaît comme l'un des grands témoins de son tempsWhat are the sources and the principal forces of Courbet's art ? Starting from the discovery of an Epinal image whose composition is very close to that of the 'Burial at Ornans',this study examines the elaboration of the painter's works and proposes new hypotheses about this most famous canvases. .
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Foulon, Eloïse, and Eloïse Foulon. "Objet, langage et (re)présentation." Master's thesis, Université Laval, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.11794/37727.
Abstract:
354241\u J’ai commencé par regarder les objets et les murs. Je me suis demandée à quel point ces objets et ces murs, en fait, toutes les choses matérielles, étaient vraies. J’ai pensé qu’elles trouvaient leur vérité dans une double existence : une existence matérielle et une existence par le langage. Mais il y a quelque chose de factuel et d’acquis qui nous fait requestionner ces deux vérités. Alors, j’ai voulu déconstruire, comme on regarderait chaque timbre dans une collection de timbres. Et c’est par l’art que je m’applique à cet exercice-là, déconstruire pour être la plus proche de ce qui existe vraiment, et pour comprendre l’existence, aussi, par la représentation. Pour cette déconstruction je parlerai sans hiérarchisation d’espace, d’étendue, de grille, de maison jaune, d’image mentale, de lieu, de cuisine, de tapis, d’objet, de chaise, de table au milieu de la route, d’Idée, de «monde des idées», d’acquis, d’utilité, de traduction, de langage, de mots, d’intellectualisation du concret, d’observation contemplative, d’inutilité, de (re)présentation, d’image, de peinture bien sûr et, de forme.354241\u J’ai commencé par regarder les objets et les murs. Je me suis demandée à quel point ces objets et ces murs, en fait, toutes les choses matérielles, étaient vraies. J’ai pensé qu’elles trouvaient leur vérité dans une double existence : une existence matérielle et une existence par le langage. Mais il y a quelque chose de factuel et d’acquis qui nous fait requestionner ces deux vérités. Alors, j’ai voulu déconstruire, comme on regarderait chaque timbre dans une collection de timbres. Et c’est par l’art que je m’applique à cet exercice-là, déconstruire pour être la plus proche de ce qui existe vraiment, et pour comprendre l’existence, aussi, par la représentation. Pour cette déconstruction je parlerai sans hiérarchisation d’espace, d’étendue, de grille, de maison jaune, d’image mentale, de lieu, de cuisine, de tapis, d’objet, de chaise, de table au milieu de la route, d’Idée, de «monde des idées», d’acquis, d’utilité, de traduction, de langage, de mots, d’intellectualisation du concret, d’observation contemplative, d’inutilité, de (re)présentation, d’image, de peinture bien sûr et, de forme.
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Martinez, Aurélie. "Anatomies monstrueuses : de la science à la scène de l'art actuel." Bordeaux 3, 2009. https://hal.science/tel-04196852.
Abstract:
Dans le langage scientifique, un individu que l'on qualifie de monstrueux est atteint d'une perturbation de la morphogenèse. Il est alors rejeté par la norme corporelle instaurée par la société. Liés par la chair, les frères siamois représentent deux identités fusionnées dans un seul corps. Quant aux androgynes et hermaphrodites, ils regroupent les deux entités sexuelles au sein d'une anatomie unique. Ces corps hors norme, non séparés, aux identités duelles, sont mis en scène par les artistes contemporains. C’est ainsi, qu’ils utilisent l'image des frères siamois comme une métaphore de la structuration de l’identité dans le rapport à l’autre. Ils s’inspirent aussi de l’anatomie bisexuelle des androgynes et des transsexuels oscillant entre deux sexes, pour projeter un nouvel équilibre identitaire entre l’homme et la femme. Enfin, ils inventent ou s’inspirent de créatures hybrides et mythiques en mélangeant le corps de l’homme à celui de l’animal. Ses diverses représentations monstrueuses traduiraient-elles une inquiétude sur l’avenir de l’être humain manipulé par la science et la technique ?In the scientific language, a person who is qualified as monstrous is reached with disturbance of morphogenesis. It is then rejected by the body standard founded by the society. Bound by the flesh, the Siamese twins represent two identities amalgamated in only one body. As for the androgynies and hermaphrodites, they gather two sexual entities in a single anatomy. These bodies except standard no separated double identities. They are represented by the contemporary artists. They use the Siamese image as a metaphor of the identity structure in the relation with the other. They are also inspired by the bisexual anatomy of the androgynies and the transsexual’s oscillation between two sexes, to project a new equilibrium identity between the man and the woman. At last, they invent or take as starting points with the hybrids and mythical creatures to mix the human body of the animal body. The question can be put: do these various monstrous representations translate the restlessness of the human future, manipulated by science and technology?
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Cho, So-Hee. "Transparence de la vie quotidienne." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010531.
Abstract:
La thèse se divise en trois grandes parties : sur la vie quotidienne réelle éprouvée dans mon travail, ce qui est enfermé, définissant I'ouverture et la transparence. Les concepts théoriques et artistiques démontrant, s'il est possible, cette problématique Deux axes réciproques : la vie quotidienne et la transparence définissant ainsi notre hypothèse. Peut-il y avoir une vie quotidienne fermée et qu'en même temps, cela soit un état d'ouverture? Le premier chapitre s'intitule : « Objets annecdotés de I'armoire ». C'est une partie du problème d'avoir ce regard contemporain sur les objets étudiés. « Mythologie individuelle », ce sera une histoire de I'objet dans I'art suivi de ce dernier chapitre « système des objets ». L'étude des perceptions se porte vers des émotions sensibles et à des principes élargis vers les auteurs modernes; Bachelard, Lyotard ; Ie petit-récit, la narrativité, I'intimité, I'objectivation. L'ensemble de cette perspective est présente par rapport aux travaux plastiques exposés, les objets « visagéifiés ». Le deuxième chapitre « I'aura de la vie quotidienne » est une réflexion sur la vie quotidienne au sens philosophique ; le temps et I'espace. La répétitivité de la vie quotidienne ne représente pas seulement I'ennui, mais contrairement, peut être une ouverture. Nous considérons que la vie quotidienne comme ici maintenant est une fluidité par sa continuité dans I'itération. Ainsi est décrit I'état de milieu. Or, « I'art de vivre », dans la pensée chinoise, est une autre inspiration de ce sujet. Le troisième chapitre sera cette conclusion théorique, estimant nos recherches plastiques comme étant « I'ensemble ferme et le tout ouvert». Les matériaux transparents ouvrent visuellement mais, sont matériellement fermes comme le système d'ouverture fermeture de la boîte. Cependant cette transparence est. Un vide potentiel qui désigne Ie plein comme notre vie quotidienne et comme notre Être.