Academic literature on the topic 'Psychanalyse et art – Critique et interprétation'

En plus d'être partout présente dans l'expérience et le discours ordinaires, la culpabilité a fait l'objet des discours traditionnels que sont le discours religieux et le discours philosophique. Voici qu'avec Freud et la psychanalyse apparaît dans notre culture une interprétation qui se veut nouvelle de ce spectre qui hante notre vie individuelle et collective. Quelle est donc l'originalité et la fécondité de cette approche? Quelle place occupe la culpabilité dans la théorie psychanalytique? Comment sont conçus dans cette perspective les rapports et les différences entre se sentir coupable, se sentir inférieur, éprouver de la honte et éprouver de l'angoisse? Sur chacun de ces problèmes, J. Goldberg analyse et discute les principales thèses avancées par la psychanalyse depuis sa fondation jusqu'à nos jours. Voilà un livre extrêmement riche, subtil et complexe. Il n'est pas aisé d'en faire brièvement état sans le trahir, d'autant plus qu'il se déploie dans le double registre de la clinique et de la théorie métapsychologique. Notre souci premier ici sera de montrer à des philosophes en quoi la psychanalyse se différencie du discours philosophique ou religieux. Si notre présentation de cet ouvrage se veut néanmoins une étude critique de type philosophique, c'est par les questions épistémologiques qu'elle pose et non par une confrontation des théories de Goldberg avec une théorie philosophique de la culpabilité.

ResumenEsta comunicación pretende mostrar cómo la histeria y otros fenómenos corporales históricamente conocidos (brujería y posesión demoniaca) pueden ser leídos como expresiones de un modo discursivo más allá de una mera interpretación clínica, sin decir que dicha interpretación no sea no sea posible y legítima de cierta manera. El discurso de la histeria sería aquello que se expresa desde afuera o desde adentro, pero siempre contra el conjunto de discursos dominantes en una época y en un contexto posibles y legítimos de cierta manera. El discurso de la histeria sería aquello que se expresa en lo social de modo concreto, es decir, una forma de discurso subversivo y crítico cuyo rasgo transversal ha sido el de usar al cuerpo como modalidad privilegiada de expresión.Palabras clave: histeria, discurso histérico, síntoma, poder, psicoanálisis. AbstractThis paper aims at showing how hysteria and other historically known corporal phenomena (witchcraft and demonic possession) can be read as expressions of a form of discourse instead of a mere clinic interpretation, not saying that such an interpretation is not possible and legitimate in some way. Hysteria discourse would express from the outside or from the inside, but always against the discourses dominant in a time and context that were possible and legitimate in some way. Hysteria discourse would express in the social in a concrete way, i.e., as a form of subversive and critical discourse whose transverse feature has been the use of the body as the privileged way of expression.Keywords: hysteria, hysterical discourse, symptom, power, psychoanalysis. RésuméCet article vise à démontrer que l'hystérie et d'autres phénomènes corporels historiquement connus (sorcellerie et possession démoniaque) peuvent être interprétés en tant qu'expressions d'un mode discursif, au-delà d'une simple interprétation clinique, ce qui ne veut pas dire pour autant que celle-ci ne soit pas possible et légitime d'une certaine manière. Le discours de l'hystérie serait ce qui est exprimé de l'intérieur ou de l'extérieur, mais toujours à l'encontre de l'ensemble de discours dominants dans une époque et dans un contexte donnés. Le discours de l'hystérie serait ce qui est exprimé dans le domaine social de manière concrète, c'est-à-dire, il s'agit d'une forme de discours subversif et critique dont le trait transversal a été celui de l'utilisation du corps en tant que modalité privilégiée d'expression.Mots-clés : hystérie, discours hystérique, symptôme, pouvoir, psychanalyse.

Abstract This article uncovers the backstory of two of the most important fashion-plate illustrators of nineteenth-century France, Héloïse and Anaïs Colin, in relation to their artistic and commercial production. By exploring how the sisters' commercial art is linked to their early “self-portrait,” produced in the studio of their artist father, in which female community is foregrounded, the article argues that their fashion plates express at once a personal response to their exclusion from the male-dominated world of fine arts and a pragmatic trajectory toward professionalization for women in the fashion sector. While largely conventional, some of their plates elicit readings reaching beyond an explicit commercial aim and suggest disruptions of the seamless norms of bourgeois femininity. Likewise, critical analysis of these plates expands to a consideration of the layered work practices of other women in the growing fashion industry of the period. Cet article offre un portrait de deux des plus importants illustrateurs de mode français du dix-neuvième siècle, Héloïse et Anaïs Colin, replacé dans le contexte plus large de leur production artistique et commerciale. Comme point de départ, il prend l'autoportrait de jeunesse des deux sœurs, peint dans l'atelier de leur père, un tableau qui met en valeur leur idée de communauté féminine tout en préfigurant aussi leur art commercial. Leurs gravures de mode expriment à la fois leur réponse personnelle à leur exclusion du monde masculin des beaux-arts, tout en reflétant aussi leur parcours, alors représentatif de la professionnalisation des femmes dans le domaine de la mode. Bien que conventionnelles pour la plupart, certaines des gravures suscitent une interprétation qui dépasse le cadre de la question commerciale et aborde celle de la transgression de la norme de la féminité bourgeoise. Plus loin, l'analyse critique de ces gravures touche plus largement aux pratiques complexes du travail réalisé par d'autres femmes dans l'industrie croissante de la mode.

Cette recherche a pour objet les modifications du corps, qu’elles soient présumées involontaires ou volontaires, telles que l’appréhende la psychanalyse,d’inspiration essentiellement lacanienne, dans ses dimensions tant théorique que clinique. D’un point de vue méthodologique, cet objet est pris dans une relation àdeux bandes entre philosophie et esthétique. D’une part, il s’agit de recourir aux outils critiques de la philosophie (Deleuze et Guattari, Judith Butler) pour interroger l’impensé et les présupposés normatifs du regard psychanalytique sur le corps ; et ce tout en laissant les catégories de la rationalité philosophique se modifier sous la pression de certains résultats de la psychanalyse. D’autre part, la référence à l’art (littérature, arts visuels, cinéma, performances corporelles) est utilisée comme une pierre de touche et un foyer de réinvention de la conceptualité analytique ;réciproquement, les investigations cliniques et leur formalisation amènent à redéfinir et à déplacer des cadres fondamentaux du discours esthétique (représentation, surface, forme, sublimation …). Comme fil directeur et hypothèse de recherche, nous déployons les harmoniques du concept de « sinthome », extrait par Lacan d’une réflexion sur l’art et l’écriture, pour cerner les conditions de l’invention subjective dans sa dimension corporelle
This research deals with body modifications, whether given as intentional or not, just as psychoanalysis, when essentially considered in its Lacanian stream, looks upon them in their as well theoretical as clinical meaning. From the methodological point of view, this issue gets involved in a twofold relation between philosophy and aesthetics. On the one hand, we intend to resort to the critical tools brought by philosophers (Deleuze & Guattari, Judith Butler) in order to question the unthought and normative presuppositions that underlie the psychoanalytical viewpoint on body ; in the same time, this process lets the rational categories evolve under the pressure of some specific psychoanalytical results. On the other hand, the reference to art (literature, visual arts, cinema, body performances) will be used as touchstone and source for the reinvention of the analytical conceptual network ; conversely, the clinical investigation and formalisation lead to redefine and to shift the basic frameworks of aesthetic discourse (representation, surface, form, sublimation…). As main thread and research hypothesis, we explore the harmonics of the « sinthome », a concept extracted by Lacan from his thoughts about art and writing, so as to comprehend the conditions of subjective invention in its bodily dimension

Notre étude fait suite à celle de notre D.E.A : « La ruine comme fondement », en traversant les champs croisés de la psychanalyse et de l’esthétique de l’art. Nous poursuivons le postulat analytique qui est que l’être se forme à travers la division de ses parties internes, inconscientes, ou peu conscientes et non à travers l’unité de son moi conscient. Notre étude consacre en deux parties, cette distinction fondamentale entre l’être social : “l’Unité idéalogique” et l’être créateur : « l’unité du conscient ». Nous convions les artistes et les poètes singuliers, tels que M. Rothko,Y. Reynier, J. Bosch, Arrabal, F. Pessoa, F. Kafka, L. de Vinci, F. Bacon, G. Bataille. Nous suivons la mise en forme de cette unité psychologique à l’épreuve de la création, de « la fantaisie » et de la réalité, et les limites frontalières à la toujours possible folie issue de la fragmentation. “Démembrer le corps de l’art” proclame Rothko juste avant de se trancher le bras. Nous nous sommes risqué à la tension inapaisable de l’être chez Pessoa par Heidegger pour qui, Etre, c’est être-étant hors de l’idéalité du dieu transcendental a-figural. Antigone et Œdipe ouvrent la schize … Moïse et Freud la referment. Entre ces figures mythiques, nous accompagnons « l’antre-soi » de Daniela, adolescente autiste du Mas de La Sauvagine de Vauvert et la bulle d’air de Renée, jeune patiente schizophrène de Marie Andrée Sechehaye. Ces « études de cas »nous permettent dans un premier temps de poser ce qui fait sens comme « unité » et de comprendre de façon dialectique comment cela s’articule à la notion de désir d’être et d’être de désir
Non communiqué

Le premier enjeu de la thèse est de conjoindre les termes suivants : le différend (de Lyotard), le symptôme (de Lacan) et le réel (de Lacan). Ce sont des termes qui désignent l’extérieur, non pas dans une dialectique intérieur-extérieur qui aurait recours de l'un à l'autre, mais dans le sens de l’absolument différent à notre système représentatif du phénomène. Le deuxième enjeu réside dans une lecture de l’ouvrage de Lyotard Le différend en rapport avec Lacan. Cela afin d’analyser le terme de différend dans une dimension qui englobe à la fois le domaine de la psychanalyse mais aussi celui de l’éthique et de l’art. A travers ces analyses, nous tenterons d’appliquer la théorie du différend lyotardien dans le procédé du discours psychanalytique et esthétique. Par contre, les textes de Lacan traitant du discours psychanalytique seront étudiés comme des textes de la métaphysique, car chaque texte de l'oeuvre de Lacan, sans aucune exception, implique la structure de l’étant. Nous pourrons ainsi aboutir à une conception du différend comme faisant partie de l'état général de l'étant et que par conséquent seul l’art est capable de fonctionner comme une pratique de l’évasion (au sens levinassien) de cette condition humaine. Cette démonstration sera le troisième enjeu de la thèse. Pour résumer, le différend, qui est à la fois un état primordial de l’homme et un symptôme de l’aliénation du parlêtre, doit être phrasé. Ce phrasé peut s’opérer par le biais d’une pratique de l’art qui aurait pour but d'ouvrir l'étant vers l'extérieur. Cette thèse tentera de le démontrer
The first purpose of this thesis is to connect next terms - ‘dispute’, ‘symptom’, ‘the real’. As the words that point to the outside of structure, this is not a dialectic meaning of the inside- the outside which one relies on the other one, but they just indicate the outside as the significance that is absolutely different to representative system of phenomenon. Dispute as Lyotard’s concept can accomplish its theoretical possibility eventually when it is considered with Lacan’s term together as symptom or the real. This is not a secondary offshoot as the result of language game or grammatical difference, but it means to achieve the notion of dispute as the traumatic core which exists in the center of structure. This process stops the philosophy of dispute by Lyotard to stay at the level of the relativist philosophy that emphasizes the impossibility of just identifying discourse. The concept of dispute that refers the existence through symptom immediately transfers his philosophy from danger of nihilism to the dimension of “absolute ethic” or “ethic that desires absoluteness”. Therefore, it is not coincidental that Lyotard continuously refers Levinas’ ethics of the Other. It is the purpose in order to lay the foundation for ethics that desires something, in other words, the outside of structure which exists beyond the limitation of our world that the inharmonic point (taking a completely opposite stand to Habermas) is made with emphasizing dispute in the inside of structure. The theorized concept of dispute influenced by Wittgenstein‘s language-game finally acquires the new philosophical level as Lyotard through the ethical transformation. Hence, this “desire’s ethic towards the outside” or “ethic towards the Other” becomes to reveal a little bit clearer outline with referring Lacan’s notion of symptom and the concept of the real that dispute desires. This thesis tries to prove the ethics of Lyotard’s philosophy from the perspective of Lacan. The second aim of this thesis can be a methodological explanation about the first purpose, and it is to develop Lacan’s interpretation for the book- “dispute (le differend)”. This intends to analyze the concept of dispute at the a little bit broader level, and it is also applied to the area of ethics and art as well as psychoanalysis. Through these analyses, we attempt to apply Lyotard’s dispute theory to the discourse of psychoanalytic and aesthetic genre. On the other hand, the texts of Lacan’s psychoanalytic discourse genre will be read as the texts of metaphysics because each text of Lacan’s all works is saying about the structure of a being without any exception. In fact, it can be possible that Lacan is only stating about it. Therefore, we will prove that dispute is a regular state of a being, and art can function as the practice which makes us escape from the alienated human condition. It is the third goal of the thesis to demonstrate the belief through analyzing 20th century art practice. In summary, dispute, which is the fundamental state of a human being and a speaking being’s alienation, must become a sentence, and it can be fulfilled by the art practice that intends to open a being towards the real and the outside. This is, namely the comprehensive point which the thesis tries to demonstrate

La recherche vise à esquisser le profil intellectuel d’Hubert Damisch, à travers une analyse de sa production et une description du milieu dans lequel il travaille et des rapports qu'il a établi avec d'autres savants de son temps. Après une analyse de sa formation qui vise à définir les matrices théoriques de sa pensée, la recherche décrit un parcours à travers ses textes voué à relever les traits spécifiques de sa pensée. Des premiers essais consacrés à l'art contemporain aux textes des années Quatre-vingt-dix placés sous le label de l'iconologie analytique, l'analyse reconstruit la recherche d'un auteur qui n'a cessé de mettre en perspective les disciplines différentes ; qui a fait de la conscience qu'il y ait une pensée au travail dans l'art le point de départ d'une série d'études où la considération du rôle que l'art joue dans l'horizon de la connaissance se noue à Ia conscience de la capacité des œuvres de signifier à travers la spécificité visuelle de leurs instruments ainsi que d'agir au-delà du temps dans lequel elles ont été crées. Le caractère oblique de la recherche indiqué le titre renvoie au point de vue sémiotique à partir du quel on a choisi de conduire l'analyse. L'exigence de vérifier la réception italienne de cet auteur -connu surtout dans le milieu sémiotique, c'est avec le label du sémioticien que l'histoire de l'art italienne circonscrit sa pensée -nous on induite à faire de la réflexion sémiotique de cet auteur le point de départ d'un parcours voué à dévoiler les matrices de sa position sémiotique, et dans une perspective plus générale à reconnaître les raisons et les racines du travail de Damsich en tant que historien et philosophe de l'art
The search is aimed at outlining Hubert Damisch's intellectual profile, through an analysis of his work and a description of the environment in which he works and the relationships he has established with other scholars of his time. After an analysis of his background that aims at defining the abstract matrices of his way of thinking, the search describes a path through his texts devoted to pointing out the particular features of his ideology. From the initial trials devoted to contemporary art in the texts of the Nineties given the label of analytical iconology, the analysis has recreated the search of an author who never stops putting the different disciplines into perspective; one who, so there was an ideology in the way of working art, made awareness the starting point of a series of studies where the reflection of the role that art plays in the prospects for acquiring knowledge takes shape from an awareness of works' ability to have meaning through the visual specificity of their instruments as weil as to act beyond the time in which they were created. The sidelong nature of the search indicated in the heading sends you back to the semiotic point of view from which you choose to conduct the analysis. The requirement to check how the Italians receive this author -known above ail in the semiotic milieu, it's with the label of semotician that the history of Italian art defines his way of thinking -leads us to make a semiotic reflection about this author the starting point of a path devoted to unveiling the matrices of his semiotic position, and in a more general outlook to recognise the reasons and the roots behind Damsich's work as an art historian and philosopher

Le concept de fantasme, dans le champ psychanalytique, permet de rendre compte à la fois de l'identité construite et des investissements du sujet. Dans notre revue de littérature nous en présentons les divers aspects. Nous proposons d'en cerner les incidences cliniques, au travers de publications et de rencontres d'acteurs artistiques et sportifs. Notre thèse est que le fantasme est sous-jacent à la passion liée à une activité, bien que celle-ci prenne source en un point qui reste obscur. Nous avançons de plus qu'une part du fantasme est dépassée, pour pouvoir atteindre une performance reconnue comme telle. Ce double mouvement qui se joue dans toute performance, explique les engouements qui y sont inhérents
The concept of fantasy, in the psychoanalytic field, allows us to explain both the built identity and the investments of the subject. In our litterature revue we show its various aspects. We propose its clinical implications, through publications and interviews from artists and sport players. Our thesis is that fantasy is required to explain the passion linked to an activity (sport or art), but the origin of the passion is still unknown. We promote that it is necessary to subvert a part of fantasy, to be able to achieve an artistic or a sport performance. This double mouvement can explain the enthusiasms that grow around performances

Cette étude tente une approche de certaines oeuvres esthétiques à partir de plusieurs disciplines telles que l'esthétique, la philosophie et l'analytique, disciplines qui convergent et se rejoignent au mieux pour l'exploration fondamentale d'une oeuvre d'art. Dans cette ouverture nous proposons une problématique différente qui nous semble à l'oeuvre au coeur de certaines grandes oeuvres esthétiques. Celle-ci est portée par la figure archaïque du tenseur Eros/Thanatos dont l'origine immémoriale confère à ce dernier une valeur transdisciplinaire. Notre corpus s'établit autour de quatre oeuvres artistiques qui constituent les « pivots » de soutènement de notre étude, ainsi dans l'ordre des oeuvres analysées : la toile « la tempête » du vénitien Giorgione, la fresque intitulée « La Madone del Parto » du florentin Piero della Francesca, suivie de la sculpture en bois « La Madeleine » du baptistère de Florence exécutée par Donatello et enfin, l'oeuvre inachevée de Léonard de Vinci intitulée « Saint-Jérôme ». Notre méthode d'analyse consiste à retrouver et vérifier l'existence du tenseur Eros/Thanatos et le sens fondamental des oeuvres esthétiques dans le XVème siècle italien. Notre dessein est de parvenir à montrer qu'à travers l'art, c'est de l'homme et de son rapport à la naissance, à la vie et à la mort dont il s'agit

La plastination est une méthode de conservation inventée par l'anatomiste G. Von Hagens. Développée industriellement, elle donne lieu à des expositions controversées de cadavres anonymes et préservés dans des positions de vie. Comment comprendre le succès de ces expositions, alors qu'il est devenu commun de dire la mort tabou ? En quoi les plastinats s'inscrivent-ils dans l'histoire de la représentation du corps et de l'exposition du cadavre, tout en témoignant du monde qui les a produits ? Echos des discours de l'époque et miroirs de ses corps, les plastinats permettent de penser les tensions contemporaines, lorsqu'ils génèrent des théories de la rupture anthropologique et subjective. Ils supportent les illusions moïques de complétude, au prix d'une recomposition tantalisante, et illustrent l'obsessionnalisation favorisée par la science. Abordant ce phénomène comme un symptôme, ce travail questionne le discours de l'inventeur, des visiteurs, des candidats à la plastination et de ses détracteurs, mais également les particularités esthétiques et signifiantes de ces corps
Plastination is a method of conservation invented by anatomist G. Von Hagens. Developped industrial way, it gives rise to controversial exhibitions of anonymous corpses preserved in life-like positions. How to fathom the success of those exhibitions whereas it is commonplace to consider death as a tabou ? How the plastinates fit in the history of representation of bodies anc exposure of corpses while they testify of the world they were created in ? Echoing the ideas of an era and mirroring its bodies, plastinates underline contemporary tensions, when they generate theories of anthropological and subjective rupture. They support the ego-illusions of completeness, at the cost of a tantalizing redial, and lets us see the effects of obsessionnalisation favored by science. Approaching this phenomenon as a symptom, this work questions the point of view of the inventor, visitors, candidates for plastination and its detractors, but also sensitive and significan features of these bodies

Selon la formule lacanienne qui veut que l’artiste précède le psychanalyste, cette thèse situe l’acte du comédien interprétant la théorie et la clinique psychanalytique, et non l’inverse. Il est question de la manière dont la fonction du comédien est fabriquée, à la lumière des trois questions kantiennes : « que puis-je savoir ? », « que dois-je faire ? », « que m’est-il permis d’espérer ? » ; et par la mise en place du Paradoxe sur le comédien de Diderot comme une grille de lecture possible à la question de la division subjective et ses incidences sur une clinique différentielle dans le champs analytique. Un autre axe est celui de la place du corps dans la pratique de l’acteur, aussi bien de par la valeur paradigmatique quant à la présence « réelle » (dans laquelle s’embraye le lieu du sujet – via le personnage), que de son emprise sous la fonction du regard (la pulsion scopique, le stade du miroir, l’ordre imaginaire), ainsi que sous les effets du texte (le corps marquée par le signifiant, le discours de l’Autre, l’inconscient articulé comme un langage, la parole pleine et la parole vide). Compte tenu de la manière singulière dont chaque comédien entend exercer sa praxis et transmettre son art, au dé-là de sa formation technique et des ses présupposés esthétiques, est proposée une sorte de mathème du métier qui « mettrait en scène » la façon dont, dans la méthode psychanalytique, la généralité théorique vient à se reformuler constamment dans la singularité de « l’un par un ». Tous ces arguments se trouvent ici articulés, avec la notion d’ « extimité », dans la pratique du théâtre en appartement
In the same way as Lacan posits that the artist precedes the psychoanalyst, this thesis situates the performer's actions upstream from both psychoanalytical theory and clinicity, and not the reverse. We address the way in which the actor’s profession is constructed, in the light of the three Kantian questions: “What can I know”, “What should I do”, and “What may I hope?”; and using Diderot’s “Paradox on acting” as a reference, we examine the question of subjective division and its impacts on a differential clinical diagnosis in the field of analysis. Another aspect of our reflection is the role of the actor’s body in performing, not only through its use as a paradigm for the presence of the Real (in which the location of the subject becomes engaged, through his character), but also through its influence arising from the bodily expression (the scopic drive, the mirror stage and the Imaginary order), and induced by the text (the body as incarnating the signifier, the discourse of the Other, the unconscious structured as language, and full speech and empty speech). Taking into account the unique way in which each actor exercises his praxis and transmits his art, beyond simply his technical training and his esthetic underpinnings, a “matheme” for the profession is proposed which “stages” the way in which theoretical generalities are continuously reformulated according to the uniqueness of the “one by one”. All of these arguments are structured around the concept of "extimity", and illustrated by our personal experience with theatre in the home

Peut-on parler "non-psychanalytiquement" de la psychanalyse ? il s'agit ici de transformer les concepts et les operations analytiques deja en vigueur, de lire depuis un autre savoir la theorie de lacan dans son ensemble et de deduire le concept de jouissance de celui du reel. L'objet de recherche est donc resume par ces trois termes : "lacan", "psychanalyse", "jouissance". - la premiere partie consacree a lacan et aux lectures possibles de lacan (philosophiques, psychanalytiques, non-psychanalytique) veut surtout montrer la coherence et le caractere global de cette pensee jusqu'a en extraire le paradigme qui la fonde : celui du sujet sous la forme du ternaire r. S. I. (reel, imaginaire, symbolique). La non-psychanalyse en souligne l'originalite theorique par rapport au discours philosophique ambiant. - la partie suivante engage plus directement la theorie non-psychanalytique elle-meme. A nouveau, il faut confronter la psychanalyse a la philosophie, puis a elle-meme comme pratique interpretative, et enfin a la science pour entrevoir le passage qui mene, non de la psychanalyse a la non-psychanalyse, mais de la science (ou non-philosophie) a la non-psychanalyse, et de celle-ci a la clinique analytique comme theorie devenue autonome. - la troisieme partie, consacree a la jouissance, met en oeuvre plus pratiquement la methode dite de dualyse. Ce terme signifie qu'au lieu de la reciprocite analytique - et d'abord des concepts de desir et de jouissance -, on dispose des donnees analytiques emplacees unilateralement a partir de la jouissance, et surtout du reel. Se constitue ainsi une sorte de "dictionnaire" de la jouissance. L'on y exprime que lacan multiplie les sortes de jouissance autant que les barrieres a la jouissance parce qu'il considere fondamentalement celle-ci, a l'image de la "jouissance de l'autre", comme impossible, mythique, la confondant par trop avec le reel. Il s'agit de reconstruire un concept banni par la psychanalyse, le sujet de la jouissance.

Manger est un acte existentiel. Le motif nourricier marque en particulier le théâtre de George Tabori. Fauves, sensuelles, intimistes, palimpsestes, autobiographiques et comiques, ses pièces et mises en scène remuent "les tripes" des comédiens et des spectateurs. S'inspirant de Bertolt Brecht, Lee Strasberg et de la gestalt-thérapie, Tabori travaille avec ses comédiens sur la mémoire sensorielle et émotionnelle en introduisant des aliments concrets pendant les répétitions. La faim et la mélancolie se concentrent dans Les Cannibales (1968) que 'auteur dédie à son père mort à Auschwitz. Cette pièce perturbante commémore la Shoah. Elle évoque la famine dans les camps et les obsessions culinaires des déportés se rassurant par la "masturbation d'estoma". Tabori juxtapose les récits des survivants – le témoignage de Primo Levi est sa source principale – aux passages bibliques, shakespeariens (Roi Lear et Titus Andronicus) et aux recettes de cuisine. Le refus de la nourriture est un motif central dans Artistes de la faim (1977) du théâtre laboratoire de Brême qui dramatise la nouvelle de Kafka. La démarche de la troupe taborienne suscite une vive discussion politique et esthétique. Le maire adjoint à la culture interdit l'expérience collective des comédiens ayant entamé un jeûne pour sonder le personnage kafkaïen qui s'abstient de manger. Dans sa dernière pièce Gesegnete Mahlzeit (2007), Tabori réchauffe trois textes, il dessine des personnages insatiables en quête du bonheur. La pièce comporte trois scènes de repas : le dernier petit-déjeuner de Franz Kafka et son amante Milena, un déjeuner d'affaires et le dernier repas de Don Juan qui reçoit une prostituée constipée
Eating is an existential act. Food is a particular feature of George Tabori's theatre. His autobiographical and comic plays and performances are aimed at upsetting the actors and spectators' guts in an untamed, sensual, intimate, multilayered way. Inspired by Bertolt Brecht, Lee Strasberg and the Gestalt-therapy, Tabori works with his actors on sensual and emotional memory introducing real food during rehearsals. He focuses on hunger and melancholy in The Cannibals (1968) dedicated to his father who died in Auschwitz. This disturbing Holocaust memory play shows starvation in the death camps and the culinary obsessions of the deportees trying to find comfort in "stomach masturbation". Tabori juxtaposes the accounts given by Holocaust survivors. Primo Levi's testimony is his main source as are biblical texts, Shakespearian scenes (King Lear and Titus Andronicus) and kitchen recipes. Refusing food is one of the main themes in Hunger Artists (1977), a short story by Kafka, staged by the Bremer Theaterlabor. During the preparation of this play, Tabor's group invokes an acrimonious esthetical and political discussion. The actors had started fasting in order to understand Kafka's Hunger Artist, who refuses to eat, but were forbidden by the deputy-mayor in charge of culture to continue this collective experiment. In his last play Gesegnete Mahlzeit (2007), Tabori "heats up" three texts which portray insatiable characters in search of happiness. The play is made of three scenes depicting meals: Franz Kafka's last breakfast with his lover Milena, a business lunch and Don Juan's Last Supper with a constipated prostitute