Journal articles on the topic 'Programa de Artistas'
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Marcondes, Guilherme. "DESLOCAMENTO, FORMAÇÃO E LEGITIMAÇÃO: uma análise de programas de residência artística no Brasil." Caderno CRH 32, no. 87 (December 31, 2019): 561. http://dx.doi.org/10.9771/ccrh.v32i87.30772.
Full textAbstract:
<p>No universo da arte contemporânea brasileira, instituições públicas ou privadas divulgam anualmente editais voltados para jovens artistas, cujo objetivo é fomentar o seu deslocamento para espaços diferenciados de interação social e trocas, a fim de incentivar sua produção. Nas residências, o artista complementa e aprimora sua formação através de novas experiências com o entorno, desenvolvendo seu trabalho longe do ambiente de costume. Neste artigo, objetiva-se compreender como tais programas têm alterado os processos de formação e legitimação de artistas no Brasil. Para isso, são analisados os editais de seleção de três programas de residência artística: o Programa Bolsa Pampulha, promovido, desde 2003, pela Prefeitura Municipal de Belo Horizonte, no Museu de Arte da Pampulha; a Casa B-Residência Artística, lançada em 2016 pelo Museu do Bispo Rosário Arte Contemporânea (MBRAC), no Rio de Janeiro, com incentivo da FUNARTE; e a Residência Artística Red Bull Station, iniciativa financiada pela empresa austríaca Red Bull em São Paulo, desde 2013.</p><p> </p><p>DISPLACEMENT, TRAINING AND LEGITIMATION: an analysis of artistic residency programs in Brazil</p><p>In the universe of Brazilian contemporary art, public or private institutions annually publish notices aimed at young artists, whose purpose is to encourage<br />their displacement to different spaces of social interaction and exchanges, in order to encourage their production. In the residences, the artist complements and improves his formation through new experiences with the surroundings, developing his work away from the usual environment. This article aims to understand how such programs have altered the processes of formation and legitimation of artists in Brazil. For this, the selection notices for three artistic residency programs are analyzed: the Programa Bolsa Pampulha, promoted since 2003 by the Belo Horizonte City Hall at the Museu de Arte da Pampulha; the Casa B-Residência Artística, launched in 2016 by the Museu do Bispo Rosário Arte Contemporânea (MBRAC), in Rio de Janeiro, with the encouragement of FUNARTE; and the Residência Artística Red Bull Station, an initiative funded by the Austrian company Red Bull in São Paulo, since 2013.</p><p>Keywords: Contemporary art. Young artists. Artistic residences. Displacement. Legitimation. Career.</p><p> </p><p>DÉPLACEMENT, FORMATION ET LÉGITIMATION: une analyse des programmes de résidence artistique au Brésil</p><p>Dans l’univers de l’art contemporain brésilien, les institutions publiques ou privées publient annuellement des avis destinés aux jeunes artistes, dont le but est d’encourager leur déplacement vers différents espaces d’interaction et d’échanges sociaux, afin d’encourager leur production. Dans les résidences, l’artiste complète et améliore sa formation à travers de nouvelles expériences avec l’environnement, en développant son travail loin de l’environnement habituel. Cet article vise à comprendre comment ces programmes ont modifié les processus de formation et de légitimation des artistes au Brésil. À cette<br />fin, les avis de sélection pour trois programmes de résidence artistique sont analysés: le Programa Bolsa Pampulha, promu depuis 2003 par la mairie de Belo<br />Horizonte au Museu de Arte da Pampulha; la Casa B-Residência Artística, lancée en 2016 par le Museu do Bispo Rosário Arte Contemporânea (MBRAC), à<br />Rio de Janeiro, avec l’encouragement de FUNARTE; et la Residência Artística Red Bull Station, une initiative financée par la société autrichienne Red Bull à São Paulo, depuis 2013.</p><p>Mots-clés: art contemporain. Jeunes artistes. Résidences artistiques. Déplacement. Légitimation. Carrière.</p>
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Antonini de Souza, Paulo César, and Maria Carolina Rodrigues. "Arte popular na região fronteiriça Brasil-Paraguai." MOTRICIDADES: Revista da Sociedade de Pesquisa Qualitativa em Motricidade Humana 3, no. 3 (December 8, 2019): 154–66. http://dx.doi.org/10.29181/2594-6463-2019-v3-n3-p154-166.
Full textAbstract:
Resumo Este artigo descreve o percurso investigativo originado por uma pesquisa vinculada ao Programa Institucional de Bolsas de Iniciação Científica – PIBIC desenvolvida no biênio 2016/2017, objetivando compreender a inexistência de artistas visuais bidimensionais na região de fronteira seca, situada no encontro entre Ponta Porã e Pedro Juan Caballero. Com abordagem qualitativa e condução fenomenológica, a pesquisa situada abarcou o período de 04 a 10 de abril de 2017 e se fundamentou pela análise do conteúdo de cinco Diários de Campo, considerando o registro de conversas desenvolvidas com seis interlocutores em atuação na área de artes. Os resultados da investigação denotam quatro elementos que podem auxiliar a superar os fatores da inexistência de artistas populares bidimensionais naquela região, promovendo um espaço que os acolha e considere.Palavras-chave: Artistas Populares. Fronteira Seca. Epistemologia. Intencionalidade. Popular art in the Brazil-Paraguay border region Abstract This article describes the course of a research originated from the Programa Institucional de Bolsas de Iniciação Científica – PIBIC developed in the 2016/2017, in order to understand the absence of bidimensional visual artists in the border region between Ponta Porã and Pedro Juan Caballero. Using a qualitative approach of phenomenological conduct, the situated research it happened in April 4 to 10, 2017 and was based on the analysis of the content of five Field Diaries, considering notes of conversations developed with six interlocutors working in the arts. The research results indicate four elements that can help overcome the lack of bidimensional popular artists in that region, promoting a space that welcomes and considers them.Keywords: Popular Artists. Dry Frontier. Epistemology. Intentionality. Arte popular en la región fronteriza Brasil-Paraguay Resumen Este artículo describe el camino de investigación originado por una investigación vinculada al Programa Institucional de Bolsas de Iniciação Científica – PIBIC, desarrollada en el bienio 2016/2017, con el objetivo de comprender la inexistencia de artistas visuales bidimensionales en la región de la frontera seca, ubicada en la reunión entre Ponta Porã y Pedro Juan Caballero. Con un enfoque cualitativo y una conducción fenomenológica, la investigación abarcó el período del 4 al 10 de abril de 2017 y se basó en el análisis de contenido de cinco diarios de campo, considerando las anotaciones. Se desarrollaron conversaciones con seis interlocutores que trabajan en el área de las artes. Los resultados de la investigación denotan cuatro elementos que pueden ayudar a superar los factores de la ausencia de artistas populares bidimensionales en esa región, promoviendo un espacio que los acoge y los considera.Palabras clave: Artistas Populares. Frontera Seca. Epistemología. Intencionalidad.
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Antonini de Souza, Paulo César, and Maria Carolina Rodrigues. "Arte popular na região fronteiriça Brasil-Paraguai." MOTRICIDADES: Revista da Sociedade de Pesquisa Qualitativa em Motricidade Humana 3, no. 3 (December 8, 2019): 154. http://dx.doi.org/10.29181/2594-6463.2019.v3.n3.p154-166.
Full textAbstract:
ResumoEste artigo descreve o percurso investigativo originado por uma pesquisa vinculada ao Programa Institucional de Bolsas de Iniciação Científica – PIBIC desenvolvida no biênio 2016/2017, objetivando compreender a inexistência de artistas visuais bidimensionais na região de fronteira seca, situada no encontro entre Ponta Porã e Pedro Juan Caballero. Com abordagem qualitativa e condução fenomenológica, a pesquisa situada abarcou o período de 04 a 10 de abril de 2017 e se fundamentou pela análise do conteúdo de cinco Diários de Campo, considerando o registro de conversas desenvolvidas com seis interlocutores em atuação na área de artes. Os resultados da investigação denotam quatro elementos que podem auxiliar a superar os fatores da inexistência de artistas populares bidimensionais naquela região, promovendo um espaço que os acolha e considere.Palavras-chave: Artistas Populares. Fronteira Seca. Epistemologia. Intencionalidade.Popular art in the Brazil-Paraguay border regionAbstractThis article describes the course of a research originated from the Programa Institucional de Bolsas de Iniciação Científica – PIBIC developed in the 2016/2017, in order to understand the absence of bidimensional visual artists in the border region between Ponta Porã and Pedro Juan Caballero. Using a qualitative approach of phenomenological conduct, the situated research it happened in April 4 to 10, 2017 and was based on the analysis of the content of five Field Diaries, considering notes of conversations developed with six interlocutors working in the arts. The research results indicate four elements that can help overcome the lack of bidimensional popular artists in that region, promoting a space that welcomes and considers them.Keywords: Popular Artists. Dry Frontier. Epistemology. Intentionality.Arte popular en la región fronteriza Brasil-ParaguayResumenEste artículo describe el camino de investigación originado por una investigación vinculada al Programa Institucional de Bolsas de Iniciação Científica – PIBIC, desarrollada en el bienio 2016/2017, con el objetivo de comprender la inexistencia de artistas visuales bidimensionales en la región de la frontera seca, ubicada en la reunión entre Ponta Porã y Pedro Juan Caballero. Con un enfoque cualitativo y una conducción fenomenológica, la investigación abarcó el período del 4 al 10 de abril de 2017 y se basó en el análisis de contenido de cinco diarios de campo, considerando las anotaciones. Se desarrollaron conversaciones con seis interlocutores que trabajan en el área de las artes. Los resultados de la investigación denotan cuatro elementos que pueden ayudar a superar los factores de la ausencia de artistas populares bidimensionales en esa región, promoviendo un espacio que los acoge y los considera.Palabras clave: Artistas Populares. Frontera Seca. Epistemología. Intencionalidad.
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Macaya, Albert, and Eloisa Valero. "Confluencias creativas. Un análisis interpretativo de las colaboraciones entre artistas y centros educativos." Arte, Individuo y Sociedad 34, no. 1 (January 10, 2022): 295–315. http://dx.doi.org/10.5209/aris.73872.
Full textAbstract:
Las colaboraciones de artistas profesionales en entornos educativos son relativamente nuevas entre nosotros, pero cuentan con una larga tradición en países como el Reino Unido, Estados Unidos o Australia. En esos ámbitos, ha existido desde hace años una preocupación por sopesar el impacto de los programas de colaboración artista-escuela. Esta preocupación, sin embargo, no está exenta de debate. Mientras para unos los indicadores objetivables utilizados justifican (o, eventualmente, refutan) los beneficios de tales programas, para otros los resultados adolecen a veces de sesgos de confirmación o son difíciles de cuantificar en base a indicadores objetivos. Una alternativa son los estudios de corte etnográfico o interpretativo, que nos permiten comprender desde la cercanía lo que sucede realmente en casos concretos. Inspirándonos en la segunda opción, abordamos una investigación interpretativa sobre el programa XXX. Más allá de la (acaso) previsible valoración positiva de los implicados, la investigación revela las interacciones entre docentes, artistas y participantes, su percepción de la experiencia vivida y el sentido y alcance que dan a los proyectos que comparten. Se revela cierto grado de coincidencia entre los tres grupos en algunos aspectos, mientras que en otros se observan algunas divergencias y fricciones.
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De páginas interiores, Nuestras artistas. "Nuestras artistas de páginas interiores." La Palabra y el Hombre, revista de la Universidad Veracruzana, no. 45 (November 23, 2018): 104. http://dx.doi.org/10.25009/lpyh.v0i45.2685.
Full textAbstract:
Atenea C.B es pintora e ilustradora egresada de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. En 2016 ganó el premio de selección de la Tercera Bienal de Arte en Veracruz. Ha participado en alrededor de quince exposiciones colectivas y cinco individuales, la más reciente: Unus Mundus. En 2014 fue beneficiaria del Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico en Veracruz.Paulina Vilchis ha sido acreedora de la beca Jóvenes Creadores otorgada por el Ivec. Su técnica consiste en trabajar el grabado para intervenirlo después con otros materiales como el collage y la acuarela.
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Tinoco, Bianca Andrade. "O Programa Patronos da Arte Contemporânea e a coleção da Pinacoteca do Estado de São Paulo." MODOS: Revista de História da Arte 7, no. 3 (October 31, 2023): 648–78. http://dx.doi.org/10.20396/modos.v7i3.8673304.
Full textAbstract:
Mantido pela Pinacoteca do Estado de São Paulo desde 2012, o programa Patronos da Arte Contemporânea permitiu a aquisição de mais de 130 obras em 11 anos. O quantitativo altera o percentual de mulheres artistas representadas no museu, inclui os primeiros trabalhos de artistas indígenas contemporâneos, amplia o conjunto de artistas afro-brasileiros e insere no acervo categorias de linguagem até então ausentes ou pouco exploradas, como o vídeo e a performance. Favorável para a instituição, a parceria também traz benefícios para os patronos, porém enseja a discussão de questões éticas. A análise do programa inspira a consideração de medidas que permitam um equilíbrio entre interesses relacionados ao patrimônio artístico e aqueles relativos ao mercado de arte.
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Bortolanza, Elaine. "Artistas de Programa: fabulações radicais de putas e michês." REVISTA POIÉSIS 24, no. 42 (December 30, 2023): 187–94. http://dx.doi.org/10.22409/poiesis.v24i42.61298.
Full textAbstract:
Dissertação de Mestrado em Estudos Contemporâneos das Artes BRAZ, Augusto. Orientador: Mariana Rodrigues Pimentel. Banca: Eliana Bortolanza/PUC-SP; Guilherme Altmayer/ESDI-UERJ; Luiz Guilherme Vergara/PPGCA; Jorge Luiz Rocha de Vasconcellos/ PPGCA. Dissertação defendida no dia 08 de novembro de 2023, às 14H. Local: Xow Rumi, à Rua Benjamin Constant, 125, Bairro da Glória/Rio-RJ.
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Cinto, Sandra, and Albano Afonso. "Um breve relato sobre o Ateliê Fidalga e o Projeto Fidalga." Revista Farol 16, no. 23 (January 24, 2021): 30–36. http://dx.doi.org/10.47456/rf.v1i23.34027.
Full textAbstract:
Os artistas Sandra Cinto e Albano Afonso relatam sobre a transformação do grupo de estudos do Ateliê Fidalga, em que assumiam o papel de mediar o diálogo e fomentar trocas num processo horizontal de aprendizado mútuo em arte, para o Projeto Fidalga, composto de 4 ateliês coletivos, três salas expositivas, e um programa de residência artística com o objetivo de abrigar exposições experimentais e trabalhos desenvolvidos pelos artistas residentes e artistas convidados.
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Escritos em arte, Equipe Escritos de artistas,. "ESCRITOS DE ARTISTAS, ESCRITOS EM ARTE: NOTAS SOBRE O LEGADO DE FERREIRA E COTRIM / Artists writings, writings in art: notes on the legacy of Ferreira and Cotrim." arte e ensaios 27, no. 42 (January 3, 2022): 234–49. http://dx.doi.org/10.37235/ae.n42.17.
Full textAbstract:
A partir do legado deixado pelo livro Escritos de artistas: anos 60-70, organizado por Gl�ria Ferreira e Cecilia Cotrim, apresentamos nossa reconstitui��o desse contradispositivo (Agamben), a publica��o Escritos de artista, escritos em arte (v.1) feita por discentesdo Programa de P�s-gradua��o em Artes da Uerj. Entendemos o livro de Ferreira e Cotrim como uma atitude editorial (Morais) que permeia os campos da hist�ria da arte, da cr�tica, da curadoria e do fazer art�stico ao evidenciar a escrita de artista como um contradiscurso que coloca em di�logo tais segmenta��es. Neste artigo, demonstramos como as pesquisadoras nos fornecem as partituras editoriais para nossa execu��o atual e espec�fica ? sob uma perspectiva colaborativa e plural, respondendo a demandas locais de alunos do PPGArtes-Uerj.Palavras-chave:Escrita de artista. Gl�ria Ferreira. Uerj. Contradiscurso. Dispositivo.AbstractIn this article we present the reconstruction of the counterapparatus (Agamben): the publishing of Escritos de artista, escritos em arte (v. 1) by the students of the post graduation program of UERJ following the legacy of the book Escritos de artistas: anos 60-70, from authors Gl�ria Ferreira and Cecilia Cotrim. The book is understood as an editorial attitude (Morais) that permeates the fields of art history, critics, curatorship and art making by highlighting the artistic writing as a counterdiscourse that promotes dialogue between these segments. We demonstrate how the researchers provide the editorial guidelines for our current and specific execution ? under a plural and collaborative perspective as an answer to local demands of the students of PPGArtes-UERJ.Keywords:Artist writing. Gl�ria Ferreira. Uerj. Counterdiscourse. Apparatus.
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Osses, Patricia, and Paula Cristina Masoero Ernandes. "muitas vozes." ouvirOUver 17, no. 2 (January 19, 2022): 303–20. http://dx.doi.org/10.14393/ouv-v17n2a2021-61347.
Full textAbstract:
Este artigo surge da vontade de reflexão e entendimento do processo de ensino-aprendizagem ocorrido em uma equipe do Programa Vocacional, a partir da intensidade de experiências interlinguagens ocorridas no decorrer do ano de 2016. O programa é apresentado a partir de seus pressupostos e referências (como o educador Paulo Freire) e dos eventos levados a cabo pela equipe de artistas orientadores na Vila Curuçá, Zona Leste paulista. A intenção, a partir de ações artístico-pedagógicas que ainda reverberam em nossas trajetórias, é trazer à luz uma experiência que, em sua potência, continua nos modificando como educadoras e como artistas até hoje.
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Huni Kuĩ, Etnia. "Textos Huni Kuĩ." Em Tese 22, no. 2 (April 7, 2017): 328. http://dx.doi.org/10.17851/1982-0739.22.2.328-330.
Full textAbstract:
Os Huni Kuĩ estão localizados no Brasil, no estado do Acre, e no Peru. Falam a língua Hatxã Kui e tem uma população de mais 10.000 pessoas no lado peruano e 2.500 do lado brasileiro.Ibã Huni Kuĩ é txana, mestre dos cantos da tradição, pesquisador e artista visual do grupo MAHKU – Movimento dos artistas Huni Kuĩ.Maria Ines de Almeida é doutora em Comunicação e Semiótica pela PUC de São Paulo (1999), realizou pós-doutorado no Programa de Pós-Graduação em Antropologia Social da UFRJ. Pesquisa a experiência literária em território indígena e coordenou a área de Múltiplas Linguagens do curso de Formação Intercultural para Professores Indígenas da UFMG (2006-2011). Como diretora do Centro Cultural da UFMG criou o projeto Mira! Artes Visuais Contemporâneas dos Povos Indígenas, formado por exposições e seminários com os artistas indígenas da América do Sul.
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Marín-Díaz, Dora. "Prácticas de enseñanza en la formación de artistas danzarios en la Facultad de Artes ASAB." Praxis & Saber 14, no. 36 (March 15, 2023): e15199. http://dx.doi.org/10.19053/22160159.v14.n36.2023.15199.
Full textAbstract:
Este artículo de investigación presenta resultados parciales de un estudio sobre la relación entre saberes y prácticas de enseñanza en la formación de artistas danzarios en el programa ofrecido por la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Esta formación supone la inserción de los noveles en el conjunto de reglas y técnicas que delimitan y orientan la práctica de ese arte. Para el análisis de esa relación, se construyó un corpus documental ―textos académicos, entrevistas a profesores y programas de curso― y se recurrió a las nociones de saber y práctica desde la perspectiva arqueo-genealógica. El artículo está dividido en tres partes: descripción de los aspectos metodológicos; principales hallazgos en torno a los saberes que enmarcan y organizan las prácticas de enseñanza en el programa curricular, especialmente aquellas relativas a danza, pedagogía y didáctica; y algunas conclusiones sobre la articulación entre saber y práctica de enseñanza, elemento clave para comprender la formación profesional en el marco normativo e institucional de la universidad.
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Martínez Espinosa, Raúl Alejandro, and Sonia Alexandra Barbosa Ortiz. "Diseño curricular de un programa de Artes Visuales en modalidad virtual." Revista de Investigaciones UNAD 14, no. 1 (December 1, 2015): 171. http://dx.doi.org/10.22490/25391887.1351.
Full textAbstract:
<p>El texto aborda nociones involucradas en los procesos de enseñanza - aprendizaje de las artes visuales a partir de una propuesta de diseño curricular en la modalidad virtual. Éste desarrolla aspectos de la relación entre los seres humanos y las artes visuales, para sustentar la necesidad de formar artistas que comprenden su entorno cultural y que provoquen transformaciones en él a partir de la creatividad y la expresión. A continuación se dedica al desarrollo del programa y las conexiones existentes entre el entorno, la técnica, la teoría, la creatividad, la sensibilidad y la obra, que contribuyen a la formación de artistas visuales autónomos comprometidos con su práctica y el entorno en el que viven.</p><p> </p>
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SANTOS, Geisa Lima dos. "Costuras Performativas." Pontos de Interrogação – Revista de Crítica Cultural 12, no. 1 (August 29, 2022): 71–95. http://dx.doi.org/10.30620/pdi.v12n1.p71.
Full textAbstract:
O presente artigo é um recorte da dissertação realizada no Programa de Crítica Cultural finalizada em 2019 e traz para o debate questões relacionadas aos processos de apagamento das mulheres artistas no campo da arte, levando em consideração os padrões ainda vigentes do patriarcalismo, sexismo, falocratismo que ainda permeiam o contexto artístico dificultando as mulheres artistas a visibilização de seus trabalhos, o que ainda fica mais agravado no interior do estado da Bahia. Para além disso, a pesquisa mostra o percurso da artista Ana Fraga, baiana de São Félix, destacando algumas de suas produções e em especial fazendo uma abordagem mais próxima da obra A Mesa Posta de 2005, realizada na Galeria Aliança Francesa, na exposição em homenagem ao artista José Pancetti. A obra em questão propôs de forma ácida a quebra de padrões e das violências direcionadas as mulheres, pois se constituía de metáforas que sinalizava – principalmente pela quebra da louça na qual estavam impressas frases machistas, na cor azul criada pelo artista Pancetti – uma proposição para que todos desfizessem os estereótipos, estilhaçassem as normas impostas. Vale destacar que um dos pontos norteadores para a produção da Mesa Posta foi a relação violenta de Pancetti com sua esposa Anita Caruso, por isso, a artista inverte a lógica de “homenagear” e usa o tema proposto pela curadora da exposição para questionar os transeuntes sobre o papel, lugar da mulher no seio social. [Recebido em: 21 mai. 2022 – Aceito em: 18 jun. 2022]
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Rocha, Maria Eduarda da Mota. "O NÚCLEO GUEL ARRAES, DA REDE GLOBO DE TELEVISÃO, E A CONSAGRAÇÃO CULTURAL DA "PERIFERIA"." Sociologia & Antropologia 3, no. 6 (December 2013): 557–78. http://dx.doi.org/10.1590/2238-38752013v369.
Full textAbstract:
Resumo Desde a década de 1980, uma geração de artistas e intelectuais tem contestado a oposição entre "alta" e "baixa" culturas e se valido de seu capital midiático para produzir programas de TV em que desponta uma nova estrutura de sentimentos anti-intelectualista, apegada ao valor da "diversidade", refratária ao nacionalismo, ao partidarismo e a uma visão tradicionalista de "povo". Esta geração tem no Núcleo Guel Arraes (NGA), da Rede Globo, um espaço institucional e simbólico muito importante. Para entender esta estrutura de sentimentos e apontar de que maneira ela ecoa e intensifica uma mudança no campo cultural brasileiro, este artigo está dividido em dois itens que tratam, respectivamente da estrutura de sentimentos dos artistas e intelectuais abrigados no NGA e da conversão desta estrutura de sentimentos em um projeto estético-político de visibilidade midiática da periferia, sobretudo a partir do programa dominical Esquenta, da Rede Globo.
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Botelho, Shannon. "LEMBRAR PARA NÃO ESQUECER: ARTE E POLÍTICA NO SALÃO PRETO E BRANCO (1954) / Remember to not forget: art and politics in the Salão Preto e Branco (1954)." arte e ensaios 26, no. 40 (December 2, 2020): 247–59. http://dx.doi.org/10.37235/ae.n40.17.
Full textAbstract:
O III Salão Nacional de Arte Moderna (Salão Preto e Branco,1954) foi marcado pela força de seu ineditismo. Ao se contraporem ao programa varguista de sanções econômicas para a aquisição de matérias-primas, os artistas organizaram uma exposição inteiramente em preto e branco como forma de protesto. Este artigo busca resgatar os antecedentes deste Salão, destacar os enfrentamentos sociais e elucidar as permanências simbólicas logradas por ele para o sistema artístico no Brasil.Palavras-Chave: Salão Preto e Branco; Salões; Arte moderna; Arte e política.AbstractThe 3rd National Salon of Modern Art (Salão Preto e Branco, 1954) was marked by the strength of its originality. By opposing the Vargas’s program of economic sanctions for the acquisition of raw materials, the artists organized an exhibition entirely in black and white as a form of protest. This article seeks to rescue the background of this exhibition, highlighting its social confrontations and elucidating the symbolic permanencies for the artistic system in Brazil.Keywords: Salão Preto e Branco; Arts sallon; Modern art; Art and politics.
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Fráguas, Márcia Cristina, and Vinícius Rangel Bertho da Silva. "Literatura e arte: escritos de artistas, expressões de palimpsestos." Palimpsesto - Revista do Programa de Pós-Graduação em Letras da UERJ 23, no. 45 (May 14, 2024): 10–15. http://dx.doi.org/10.12957/palimpsesto.2024.84107.
Full textAbstract:
Nesta edição, a Palimpsesto – revista discente do Programa de Pós-graduação em Letras da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (UERJ) – apresenta o Dossiê “Literatura e arte: escritos de Artistas”, volume 23, número 45. Pela primeira vez em sua trajetória, uma edição da revista contou com a organização feita por dois convidados: Márcia Cristina Fráguas – doutoranda em Teoria da Literatura pela UERJ e bolsista pela Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) – e Vinícius Rangel Bertho da Silva – doutorando em Literatura e Crítica Literária pela Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP) – foram os responsáveis por este trabalho.
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Azuela de la Cueva, Alicia. "La Ciudad de México en 1921: arte popular, escaparate de la nación." Revista de Ciencias Sociales Ambos Mundos, no. 3 (March 10, 2022): 39. http://dx.doi.org/10.14198/ambos.21056.
Full textAbstract:
En 1921, México organizó una celebración emblemática del primer centenario de la consumación de la Independencia. Esta conmemoración fue paradigmática y jugó un papel fundamental político y cultural, construyendo y promoviendo una imagen positiva de México y del régimen posrevolucionario liderado por Álvaro Obregón. Este trabajo describe los proyectos artísticos del centenario y el imaginario sobre México mostrado a través de eventos artísticos y culturales del programa oficial, tales como exposiciones de arte y representaciones populares. Además, este trabajo observa el caso del Teatro Nacional, un protagonista polémico y un proyecto fallido dentro del programa cultural del centenario. Mi objetivo es explicar cómo los artistas produjeron y mostraron imágenes del México posrevolucionario moderno y artístico, revalorizando las artes populares a través de influencias vanguardistas. Este trabajo busca demostrar que el arte y el artista fueron actores principales dentro de la celebración, pero también, que la conmemoración fue el punto de partida de una política cultural promovida hasta la década de 1960.
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Ruoso, Carolina, and Rita Lages Rodrigues. "Artistas, curadores e valores de musealidade: diversidades e branquitude na exposição da 7a Edição do Bolsa Pampulha." Revista PerCursos 20, no. 44 (March 13, 2020): 35–55. http://dx.doi.org/10.5965/1984724620442019035.
Full textAbstract:
O presente artigo abordará a exposição da 7ª. Edição do Programa Bolsa Pampulha do Museu de Arte da Pampulha (MAP); analisaremos o papel dos artistas e dos curadores na elaboração de critérios de valores de musealidade. Em um primeiro momento, apresentaremos como uma residência artística pode contribuir para a formação da coleção dos museus; considerando um processo de diálogo entre artistas e curadores, o modelo de organização em série da coleção do MAP, do tipo exclusivo, possibilita uma escuta qualificada dos artistas, que questionaram nestas duas primeiras décadas do século XXI a identidade do referido museu. Em um segundo momento, descreveremos a exposição de 2019, em meio ao contexto de sensação de censura. Apresentaremos os valores identificados nas obras dos artistas, suas perspectivas plurais em defesa da presença da diversidade, tanto relacionadas à história da edificação como à história da cidade. Palavras-chave: Residências artísticas. Critérios de musealidade. Museu de Arte da Pampulha. Exposições de arte.
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Di Bella, Daniela V. "Arte Tecnomedial: Programa curricular." Cuadernos del Centro de Estudios de Diseño y Comunicación, no. 25 (October 25, 2019): 39–75. http://dx.doi.org/10.18682/cdc.vi25.1671.
Full textAbstract:
Este trabajo se define como un estudio exploratorio tendiente a delinear los contenidos del programapara una carrera de arte tecnomedial y/o electrónico en Argentina. Surgirá del análisis de la situación delhombre y la cultura contemporánea, de valorar las razones por la que los artistas ingresan a los mediacomo soporte expresivo y constitutivo de creación de la obra de arte; y de la evaluación del relevamientode las propuestas teóricas y prácticas, del ámbito educativo y de la cultura, del medio local y el internacional que vienen definiendo el recorte de campo. La obra de arte de media adquiere a través del soporte,cualidades técnicas y expresivas que son propias de la materialidad, es decir del “dispositivo”, traslada alcampo del arte atributos de la topología de la interface y de la comunicación, que lo define como un artemediado y mediático. Se inscribe en las prácticas del arte conceptual y su generación experimental lejosde ser estática, propone un universo relativo como variable fija del sistema.
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Zan, José Roberto. "Jovem guarda." Música Popular em Revista 2, no. 1 (November 2, 2013): 99–124. http://dx.doi.org/10.20396/muspop.v2i1.12970.
Full textAbstract:
Pouco mais de um ano após o golpe que implantou a ditadura militar no Brasil, a TV Record lançou o programa Jovem Guarda voltado para o público juvenil. Idealizado e produzido por uma equipe de especialistas em propaganda e marketing, o programa atingiu elevados índices de audiência e promoveu novos artistas que passaram a ser reconhecidos como ídolos da juventude. Montado a partir de um grande empreendimento publicitário, o programa não se destinava apenas a veicular música popular através da exposição desses ídolos, mas de anunciar uma série de produtos associados ao estilo de vida jovem. Desse modo, contribuía para a formação de novos hábitos de consumo num momento em que o governo ditatorial adotava medidas para implementar uma política de modernização conservadora do país. Porém, a eficácia das estratégias dependia fundamentalmente do artista. Era ele quem ao colocar em ação as técnicas que desenvolvera a partir da confluência entre a criação cancionística, a manipulação dos equipamentos e a gestão dos negócios estabelecia profunda empatia com o seu publico criando condições para promover integração ou para recolocar em outro patamar o campo de tensões entre produção e consumo.
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Maranhão, Romero de Albuquerque, and Raphael dos Ramos Maranhão. "THE VOICE BRASIL: UMA OPORTUNIDADE PARA ARTISTAS OU EMPREENDEDORES CULTURAIS?" RECIMA21 - Revista Científica Multidisciplinar - ISSN 2675-6218 4, no. 5 (May 10, 2023): e453111. http://dx.doi.org/10.47820/recima21.v4i5.3111.
Full textAbstract:
O objetivo desta pesquisa é analisar se o reality show de talento musical “The Voice Brasil” pode ser considerado uma oportunidade para empreendedores culturais a partir de uma pesquisa exploratória, documental e explicativa. Os resultados obtidos a partir da revisão bibliográfica e dados primários possibilitam concluir que o programa televisivo consolidou sua marca no Brasil e tornou-se um indutor de empreendedores culturais por necessidade e por opção, estabelecendo fortes relações afetivas entre os candidatos com o público, bem como um atrativo para grandes investidores.
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Maribondo Barboza, Leila. "A montagem do painel e a montagem de si: corporeidades e sociabilidades de artistas plásticos em Feira de Artesanatos." Revista Ensaios 8 (December 26, 2015): 117. http://dx.doi.org/10.22409/re.v8i0.1760.
Full textAbstract:
O pesquisa apresentada consiste na exploração de um aspecto desenvolvido na dissertação de mestrado “Formas de sociabilidade e constituição de identidades de artistas plásticos da Feira de Artesanatos do Campo de São Bento”, defendida em 2013, pelo Programa de Pós-graduação em Sociologia da Universidade Federal Fluminense. A metodologia da pesquisa se baseou na etnografia, somado à análise dos relatos orais e histórias de vida das pessoas que compõem a Feira de Artesanatos do Campo de São Bento, sobretudo dos artistas plásticos. Teve como objetivo explorar as possíveis relações e interseções entre o fazer das artes plásticas e o fazer do artista plástico, a fim de perceber suas constituições de identidades e formas de sociabilidades no espaço da venda: a Feira de Artesanato do Campo de São Bento. A feira acontece no bairro de Icaraí, Zona Sul da cidade de Niterói (RJ), de 9 horas às 15 horas nos finais de semana e feriados. Na busca por explorar os símbolos e códigos compartilhados pelos grupos sociais, o estudo visou perceber como são tecidas as interações, as pessoas e objetos, e como os últimos podem agenciar discursos valorando determinadas formas ditas como “artísticas” e outras como “não-artísticas”.
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Marcondes dos Santos, Guilherme, and Talisson Melo de Souza. "Premiações e Instâncias Legitimadoras das Artes Visuais no Uruguai (1980 a 2018)." Estudos de Sociologia 1, no. 29 (December 8, 2023): 60–84. http://dx.doi.org/10.51359/2317-5427.2023.241562.
Full textAbstract:
Apresentamos uma análise dos processos de legitimação de artistas e as características da arte contemporânea realizada no Uruguai. A pesquisa foi desenvolvida durante um programa de residência no Espacio de Arte Contemporáneo (EAC), situado em Montevideo, em que ambos os autores participaram. Focalizamos quatro exposições promovidas no contexto nacional de 1980 a 2018: o Premio Paul Cézanne, a Muestra Nacional de Plásticos Jóvenes, o Premio Nacional de Artes Visuales e o Salón Municipal de Artes Plásticas. Através destas mostras, o universo artístico uruguaio tem selecionado e legitimado artistas ao longo dos anos. Com este estudo, visamos compreender quem eram os/as/xs artistas que haviam sido selecionados/as/xs e premiados/as/xs. Este texto apresenta um relato dos processos de pesquisa de dois sociólogos em uma residência artística e os dados obtidos acerca do tema investigado.
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Perillo, Danilo Roberto, and Luise Weiss. "Página de um livro nunca impresso: a memória inventada de uma história conhecida| Page of a book never printed: The invented memory of a known history." Pós-Limiar 2, no. 1 (October 24, 2019): 93. http://dx.doi.org/10.24220/2595-9557v2n1a4530.
Full textAbstract:
Este texto traz uma seção da tese de doutorado A Eterna Permanência: genealogia de uma apropriação defendida em fevereiro de 2019 no Programa de Pós-graduação em Artes Visuais da Universidade Estadual de Campinas. A pesquisa apresenta a relação entre dois artistas, Danilo Perillo e Angelo Perillo, bisneto e bisavô, separados por mais de 80 anos, e que estabelecem uma conexão através de seus trabalhos, apesar de nunca terem se conhecido. Uma pintura de 1937 de Angelo Perillo é o elo que liga os artistas. Mais do que acessar uma memória familiar distante, a pesquisa trouxe a possibilidade de que este retorno ao passado se desse através de uma experiência exclusivamente visual, num diálogo entre uma pintura e artes gráficas. O material apresentado aqui, “Página de um livro nunca impresso”, é parte dessa pesquisa, em que a história dos dois artistas é construída simultaneamente, num misto de realidade e ficção.
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Almeida, Tarcisio. "Políticas do toque." DAT Journal 6, no. 2 (May 24, 2021): 95–110. http://dx.doi.org/10.29147/dat.v6i2.392.
Full textAbstract:
Buscando perseguir e conjugar performativamente as políticas instauradas pelo toque, em suas dimensões clínicas, filosóficas e artísticas, proponho aqui uma reunião de textos elaborados em distintos momentos, com o intuito de prolongar as práticas de trabalho desenvolvidas pelo programa de formação para jovens artistas - Práticas Desobedientes - em curso desde 2019.
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Oliveira, Felipe Henrique Monteiro. "“Kahlo em mim Eu e(m) Kahlo”: A Performance do meu Corpo Diferenciado." Conceição/Conception 2, no. 2 (February 26, 2014): 119. http://dx.doi.org/10.20396/conce.v2i2.8647706.
Full textAbstract:
Este artigo se pauta na pesquisa desenvolvida para a elaboração de dissertação de mestrado, no Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da UFRN, sob orientação da Profa. Dra. Nara Salles e objetiva refletir sobre as questões relacionadas aos artistas com corpos diferenciados nos processos de criação cênica, sobretudo no teatro pós-dramático.
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Dias, Natacha. "Formas e funções das políticas públicas brasileiras para a cultura: uma reflexão a partir do modelo de publicização do Programa Fábricas de Cultura." Revista Aspas 9, no. 2 (December 31, 2019): 162–78. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2238-3999.v9i2p162-178.
Full textAbstract:
O artigo propõe uma reflexão sobre os modelos de políticas públicas culturais adotados historicamente pelos gestores do Estado brasileiro, com foco especial no modelo de publicização aplicado ao Programa Fábricas de Cultura. A partir de uma metodologia qualitativa, de viés documental, reflete sobre os eventos da greve de artistas-educadores e ocupação de aprendizes do Programa, em 2016, propondo uma análise sobre a relação entre os modos de condução dessa crise pela OS gestora na ocasião e os discursos sociais a ela intrínsecos, à luz dos princípios básicos da administração pública.
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Adam, Luciana. "Athos Bulcão: Transformações e Permanências nas Décadas de 1940 e 1950." Art&Sensorium 6, no. 1 (June 16, 2019): 046–65. http://dx.doi.org/10.33871/23580437.2019.6.1.046-065.
Full textAbstract:
Resumo: Este artigo procura construir uma narrativa sobre Athos Bulcão nas décadas de 1940 e 1950, com o intuito de elucidar sua trajetória artística naquele período. É fruto das pesquisas realizadas para a dissertação de mestrado apresentada ao programa de Pós-Graduação em História da UFPR em 2018, intitulada A relação arte-arquitetura no trabalho de Athos Bulcão para o Teatro Nacional de Brasília: concepções e materializações (1958 – 1981). O conteúdo aqui exposto contém a parte da pesquisa voltada à investigação das Diretrizes do artista que, aliadas ao contexto artístico do período, facilitam a compreensão de sua produção formal. Nessa medida, o conceito de Troc desenvolvido por Baxandall (2006) contribuiu para o estudo entre pares ou grupos de artistas í quela época, suas trocas formais e escolhas temáticas. Depoimentos e entrevistas de Athos Bulcão serviram como fontes para a escolha dos artistas a serem com ele articulados. As investigações de Bueno (1994/1995) sobre a formação de um mercado de arte no Brasil entre as duas décadas estudadas ajudaram a contextualizar o meio no qual Athos Bulcão circulou. A contribuição de autores como, por exemplo, Moraes (1986), Amaral (1987), Cocchiarale (1998) e Chiarelli (2003) também formaram bases importantes a partir das quais se pôde pensar a obra de Athos Bulcão.
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Gálvez Gonzalez, José Ricardo, and Leonel De Gunther Delgado. "Arte y creatividad para el desarrollo humano. Representaciones sociales de artistas escénicos y audiovisuales en el estado de Sonora, México." Arte, entre paréntesis 1, no. 14 (June 23, 2022): 14–28. http://dx.doi.org/10.36797/aep.v1i14.102.
Full textAbstract:
En este artículo se presenta un análisis de los elementos constituyentes para una construcción y representación social intersubjetiva de la realidad acerca del desarrollo humano en relación con las prácticas artísticas y creativas de profesionales escénicos y audiovisuales. Se toman definiciones sobre desarrollo humano del Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo (PNUD) y aportes de Martha Nussbaum sobre el desarrollo humano democrático como bases para relacionarlo con las representaciones sociales de los artistas participes del estudio. Se siguió una metodología interpretativa sobre narraciones obtenidas de entrevistas a artistas de trayectoria en la región del estado de Sonora, México. De entre los principales resultados se destaca la importancia del acercamiento al arte en las etapas de socialización secundaria.
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Bruce, Caitlin Frances. "Grafiti legal y evolucionado." Entretextos 11, no. 31 (April 5, 2019): 1–7. http://dx.doi.org/10.59057/iberoleon.20075316.201931191.
Full textAbstract:
En este artículo explico cómo hoy en día la forma de grafiti legal en León puede ser mejorada. A través de teorías del derecho a la ciudad, críticas de la idea de “ventanas rotas” y “tolerancia cero”, así como la idea de “inclusión excluyente” de Rossana Reguillo-Cruz, desarrollo un modelo de instituto de grafiti legal. Dicho programa consta de cuatros partes: 1) espacios libres de permiso, 2) murales artísticos, 3) talleres para jóvenes, y 4) eventos y exposiciones. Este programa debería ser encabezado por los mismos artistas y jóvenes, y no los hombres y mujeres de negocios o los partidos políticos.
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Ferraz, Tatiana Sampaio. "O espaço delas: a participação de artistas mulheres nos panoramas tridimensionais do MAM-SP (1972-1991)." ARS (São Paulo) 19, no. 43 (December 30, 2021): 155–226. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2178-0447.ars.2021.188228.
Full textAbstract:
Sob uma visada feminista, o artigo investiga a presença de artistas mulheres nas edições do Panorama de Arte Atual Brasileira (programa do Museu de Arte Moderna de São Paulo) dedicadas ao campo tridimensional, entre 1972 e 1991. O objetivo é verificar de que modo a justaposição desses indicadores produz um campo de obliteração generificado, raramente abordado pela historiografia. A partir de amplo diagnóstico quantitativo da participação delas e de artistas homens, teceu-se comparações por gerações e níveis de legitimação, buscando entender as razões socioestruturais dos desequilíbrios de gênero do sistema da arte no período. De par com isso, analisou-se o conjunto de obras selecionadas, de modo a identificar certas recorrências e singularidades e como elas foram incorporadas pelo sistema.
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Carvalho, André Luiz Piva de. "OS FAZERES JORNALÍSTICO-CULTURAIS DO PROGRAMA DE EXTENSÃO ‘PARAÍBA CRIATIVA’." Revista Observatório 5, no. 4 (July 1, 2019): 102–26. http://dx.doi.org/10.20873/uft.2447-4266.2017v5n4p102.
Full textAbstract:
Relatamos os trabalhos jornalísticos realizados pela equipe do Programa de Extensão “Paraíba Criativa - a cultura paraibana no mundo da economia criativa”, em atividade desde 2012. Discorremos sobre o cotidiano do programa: as pesquisas inventariantes sobre o mundo artístico e cultural do Estado, a produção de notícias sobre o mesmo objeto, assim como a elaboração da agenda cultural. Os conteúdos produzidos alimentam diariamente o site www.paraibacriativa.com.br, provavelmente o maior do País no quesito de inventariação das artes e culturas de uma unidade federativa do Brasil. A pesquisa do inventário é realizada no formato e com técnicas da pesquisa em Jornalismo, com base em fontes secundárias, mas também de forma presencial, em procedimentos etnometodológicos, na linguagem acadêmica da extensão, ou de imersão jornalística, segundo a nomeação do ensino em Jornalismo, oportunidades de descobertas surpreendentes do mundo cultural paraibano, entre seus artistas e comunidades, gratas vivências entre emotividades e o fazer de um jornalismo cultural diferenciado, que nos levaram a desenvolver um texto que mistura linguagem acadêmica e prosa literária, com alguns enunciados empregando recursos da licença poética, em tentativa de mais fielmente retratar as narrativas do invisível, entre as artes e culturas da Paraíba.
PALAVRAS-CHAVE: extensão universitária; jornalismo cultural; cultura; narrativa.
ABSTRACT
We report on the journalistic work carried out by the team of the Extension Program “Paraíba Criativa - Paraíba culture in the creative economy world,” which has been active since 2012. We discuss the daily routine of the Program: the inventoried researches on the state’s artistic and cultural scene, the production of news about the same object, as well as the preparation of the cultural agenda. The content produced on a daily basis feed the site www.paraibacriativa.com.br, probably the largest in the country in terms of inventory of arts and cultures of a Brazilian state. The inventory research is carried out in the format and with the techniques of journalism research, based on secondary sources, but also in person, in ethnomethodological procedures, in the academic language of extension, or of journalistic immersion, according to the designation of journalism teaching. This work gives opportunities for surprising discoveries on the cultural scene of Paraiba, amongst its artists and communities, grateful experiences between emotions and the practice of a differentiated cultural journalism. This led us to develop a text that mixes academic language and literary prose with some statements using resources of the poetic license, in an attempt to portray more faithfully the narratives of the invisible, from the arts and cultures of Paraíba.
KEYWORDS: University extension; cultural journalism; culture; narrative.
RESUMEN
Relatamos los trabajos periodísticos realizados por parte del equipo del Programa de Extensión “Paraíba Creativa – la cultura paraibana en el mundo de la economía creativa”, en actividad desde 2012. Reflexionamos sobre lo cotidiano del Programa: las investigaciones de inventarios sobre el mundo artístico y cultural del estado, la producción de noticias sobre el mismo objeto, como también la elaboración de la agenda cultural. Los contenidos producidos alimentan diariamente la página web www.paraibacriativa.com.br, probablemente la más grande del país, en lo que se refiere a inventario de las artes y culturas de una unidad federativa de Brasil. La investigación del inventario se realiza en la forma y con técnicas de investigación en periodismo, basadas en fuentes secundarias, y también de manera presencial, en procedimientos etnometodológicos, en el lenguaje académico de la extensión, o de inmersión periodística, según la designación de la enseñanza en periodismo, oportunidades de descubrimientos sorprendentes del mundo cultural paraibano, entre sus artistas y comunidades, gratas experiencias entre emociones y el quehacer de un periodismo cultural diferenciado, lo que nos llevó a desarrollar un texto que mezcla lenguaje académico y prosa literaria, con algunos enunciados que emplean recursos de licencia poética, con la intención de retratar lo más fielmente posible las narrativas de lo invisible, entre las artes y culturas de Paraíba.
PALABRAS CLAVE: extensión universitaria; periodismo cultural; cultura; narrativa.
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Ferraz, Tatiana Sampaio. "Obras tridimensionais do acervo do MAM São Paulo feitas por artistas mulheres premiadas nos Panoramas da Arte Brasileira." MODOS: Revista de História da Arte 8, no. 1 (January 25, 2024): 54–85. http://dx.doi.org/10.20396/modos.v8i1.8673790.
Full textAbstract:
O artigo busca contribuir para os estudos sobre o campo ampliado da escultura no Brasil, pouco historicizado entre nós, tomando como objeto o conjunto de obras tridimensionais feitas por artistas mulheres premiadas nos Panoramas da Arte Brasileira do Museu de Arte Moderna de São Paulo e que foram incorporadas ao acervo do museu. O recorte sobre a produção tridimensional das artistas Mary Viera, Valquíria Chiarion, Ada Yamaguishi e Lídia Sano, Eliane Prolik, Nazareth Pacheco, Vera Chaves Barcellos, Rosana Paulino e Marilá Dardot fortalece o crescente interesse pelos estudos feministas que buscam visibilizar a atuação das mulheres. A pesquisa sobre as aquisições de obras expostas nos Panoramas sinaliza a importância do programa institucional para o fomento e a difusão da produção nacional, e foi viabilizada por meio do Edital Laboratório de Pesquisa do museu em 2022.
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Avelar, Ana Candida, Samara Correia, and Victor Zaiden. "Casa Niemeyer Digital: uma jovem coleção universitária de arte contemporânea nas redes sociais." Revista ARA 10, no. 10 (February 20, 2021): 191–212. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2525-8354.v10i10p191-212.
Full textAbstract:
Neste artigo, apresenta-se uma reflexão sobre as estratégias de construção de um lugar digital para a Casa Niemeyer ao criar-se um programa de atividades educativas do museu universitário na esfera digital, dado o fechamento temporário diante da pandemia de SARS-CoV-2. Tais atividades procuraram agenciar a coleção de arte contemporânea "Triangular", formada por artistas brasileiros de diversas gerações, regiões e realidades sociais, em 2019, nas redes sociais.
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Gerner, Vera. "Sistema para el arte y la identidad en Mesoamérica y el Caribe (SAVIA) del programa ICAT." Universidad en Diálogo: Revista de Extensión 6, no. 1 (July 1, 2016): 139–49. http://dx.doi.org/10.15359/udre.6-1.9.
Full textAbstract:
En sus investigaciones, el Programa Identidad Cultural, Arte y Tecnología (ICAT) siempre ha colaborado estrechamente con artistas, comunidades, entidades públicas y privadas y organismos nacionales e internacionales. En estos procesos pudimos observar que los distintos entes y actores se relacionan con el arte de maneras diferentes, generando propuestas de exploración creativa e investigación que son distintas, pero que a la vez comparten temáticas y desarrollan metodologías complementarias. A pesar de esta compatibilidad, hay poco intercambio más allá de los confines de cada ámbito u oficio, y espacios de comunicación como foros, redes sociales y convocatorias no solo tienden a segregar el arte en categorías que dificultan pensar más allá de límites habituales, sino también suelen dirigirse específicamente o a artistas o a gestores o a investigadores. Fue a partir de esta inquietud que el Programa ICAT creó la plataforma SAVIA. Esta plataforma busca incentivar el intercambio de materiales, experiencias e iniciativas en torno a la exploración, documentación e investigación del arte y de la identidad cultural regional, trascendiendo los confines de los ámbitos y oficios específicos. Ello a través del desarrollo de proyectos compartidos de documentación, una plataforma informática, un sistema para el manejo de archivos y actividades tendiente a crear una red de apoyo mutuo.
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(Felipe Saldanha Odier), Mamutte. "CORPOGRAFIAS EM PERFORMANCES DE CANÇÃO AO VIVO." Revista Científica/FAP 28, no. 1 (June 30, 2023): 209–36. http://dx.doi.org/10.33871/19805071.2023.28.1.7546.
Full textAbstract:
Nesse artigo ensaiaremos a aproximação entre a arte da performance e o fazer do artista da música atuando ao vivo. Para sustentar essa ideia introduziremos a noção de corpografia, cunhada por Ricardo Aleixo, que corrobora para o entendimento de abordagens interartes em um show de música cantada, em que há repertórios estéticos de fazeres corporais que se borram como disciplina ou área específica, ou definida/definitiva. Outras noções que contribuem para o entendimento teórico-prático da corpografia são, máquina performática, proposto por Gonzalo Aguilar e Mario Cámara, verbivocovisual, termo citado por Haroldo de Campos desde a poesia e programa performativo, de Eleonora Fabião, relacionados aos comportamentos identificados nas artes ao vivo. Esses acontecimentos performativos se encontram em um campo experimental, mesmo estando em contextos mercadológicos que se constroem desde o pop. Como exemplos desse estudo identificamos alguns casos em shows dos artistas Caetano Veloso, Adriana Calcanhotto, Rogério Skylab e Sílvia Machete.
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Da Mota Rocha, Maria Eduarda. "Nacionalismo e diversidade: do Programa “Esquenta”, da Rede Globo, à cerimônia de abertura das Olimpíadas do Rio 2016." Política & Sociedade 16, no. 35 (June 9, 2017): 159. http://dx.doi.org/10.5007/2175-7984.2017v16n35p159.
Full textAbstract:
http://dx.doi.org/10.5007/2175-7984.2017v16n35p159O artigo propõe uma análise das formas de articulação entre o nacionalismo e a diversidade na cultura brasileira atual, tomando como objetos o programa Esquenta, da Rede Globo, e a cerimônia de abertura das Olimpíadas Rio 2016. Eles têm em comum uma alternância entre momentos de unidade e fragmentação que indicam os impasses e as saídas encontradas para falar em “Brasil” em um contexto político e cultural de crítica à assimilação do “outro” pelo discurso dominante. A participação de Regina Casé na cerimônia é muito mais do que casual. Ao mesmo tempo em que é vista como a “embaixadora da periferia” na TV, ela é um elo importante na rede de artistas e intelectuais que emergiram na cena cultural brasileira a partir dos anos de 1980, no teatro, no vídeo, no cinema e na TV. Os diretores da cerimônia de abertura também fazem parte da primeira geração de artistas e intelectuais formados após a consolidação de uma indústria cultural no Brasil, o que repercutiu no seu percurso formativo na medida em que a TV e a publicidade foram importantes espaços de socialização profissional para muitos dessa geração. Da mesma forma, a partir de 1980, respiraram os ares de crítica ao nacionalismo por sua associação ao Regime Militar e de crescente valorização da “diversidade”. Nessa chave analítica, partiremos do Núcleo Guel Arraes (NGA), da Rede Globo, que foi um ponto de agregação para muitos artistas dessa geração,até chegar ao programa Esquenta no qual o projeto estético-político de visibilidade da “periferia” é a principal forma de expressão da “diversidade”. Depois, identificaremos ecos desse projeto na cerimônia de abertura, tentando mostrar que ela esboçou uma solução semelhante para a difícil conciliação entre o problema da identidade nacional e o valor da diversidade.
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Fernandes, Márcio Luiz. "A inserção de Claudio Pastro no contexto da arte e da teologia do Concílio Vaticano II." Estudos Avançados 35, no. 103 (December 2021): 297–308. http://dx.doi.org/10.1590/s0103-4014.2021.35103.017.
Full textAbstract:
RESUMO Este artigo desenvolve uma reflexão sobre a figura de Claudio Pastro (1948-2016) como artista pós-conciliar. É comum recordar o papel dos bispos e dos teólogos\as como responsáveis por difundir e desenvolver as forças renovadoras do Vaticano II, mas com facilidade se esquece do esforço de rejuvenescimento e atualização da Igreja promovida pelos artistas cristãos. O Concílio Vaticano II se ocupou com o tema da reforma litúrgica que, por sua vez, impactou diretamente na elaboração de critérios para a execução do programa iconográfico e arquitetônico do espaço sagrado. O Concílio, ao recuperar a compreensão da liturgia como ação do próprio Mistério que dá vida à Igreja e superar a eclesiologia societária, típica do II milênio, provocou o despertar para a promoção e favorecimento da arte sacra. Neste estudo mostramos como os princípios teóricos presentes nos documentos conciliares foram recebidos e atualizados nas obras de Claudio Pastro na fidelidade ao espírito deste revolucionário evento eclesial do século XX.
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De Oliveira, Salomão Mendonça, Heliana Castro Alves, Beatriz Chiapina Ambrósio, Camila Bahia Leite, and Rosimár Alves Querino. "A Arte de Ocupar: O Direito à Cidade e a Produção de Territórios Existenciais por Usuários(as)-Artistas Atendidos em Serviço Comunitário de Saúde Mental/ The art of occupy: the right to the city and the production of existential territories by user-artists assisted in a community mental health service." Revista Interinstitucional Brasileira de Terapia Ocupacional - REVISBRATO 7, no. 3 (August 15, 2023): 1959–77. http://dx.doi.org/10.47222/2526-3544.rbto58621.
Full textAbstract:
Introdução: Oficinas em serviços comunitários de saúde mental são espaços para produzir diferenças; romper com a normalização dos sujeitos, reinvenção de modos de ser, cuidar, viver e efetivar o direito à cidade. Experiências num programa de extensão em um Centro de Atenção Psicossocial agenciaram reflexões acerca da efetivação do direito à cidade por pessoas com transtornos mentais. Objetivos: Investigou-se possíveis contribuições das oficinas artísticas na produção de territórios existenciais, do cotidiano e da ocupação dos espaços da cidade por parte de usuários-artistas de um CAPS. Métodos: Desenvolvido com método etnográfico e entrevistas, o estudo envolveu dez usuários-artistas. Realizou-se análise de conteúdo temática dos dados. Resultados: A partir dessa análise, obteveram-se as seguintes categorias: Ocupações e cotidiano; Caminhar, habitar e resistir; Oficinas de arte: produção artística e afetos. Os participantes apresentam variados cursos e atividades profissionais. A estruturação da rotina e das atividades do cotidiano foram agenciadas a partir das idas ao serviço comunitário. Deslocamentos territoriais nos bairros que residem e suas imediações, em instituições de saúde, educacionais, religiosas e lugares para lazer revelam diferentes níveis de autonomia e circulação pela cidade. As repercussões da oficina de artes na cidade giram em torno de idas e vindas proporcionadas pelas exposições, acompanhamento terapêutico e desejos pessoais. Conclusão: O serviço alimenta a tessitura de linhas de fuga, trocas materiais e simbólicas desses usuários-artistas e de tantos outros que por lá transitam. A Terapia Ocupacional como Produção de Vida, pode contribuir para a produção de agenciamentos, criação de fazeres e afetos que povoem os acontecimentos da vida.Palavras-chave: Serviços Comunitários de Saúde Mental; Cidades; Arte; Terapia Ocupacional; Liberdade de CirculaçãoAbstractIntroduction: Workshops in community mental health services are spaces intended to produce differences; break with the normalization of subjects; reinvent ways of being, caring or living; and fulfilling the right to the city. Experiences in an extension program at a Psychosocial Care Center facilitated reflections on the realization of the right to the city by people with mental disorders. Objectives: To investigate possible contributions of the arts workshop in the production of existential territories and the occupation of spaces in the city by the artist-users. Methods: Developed using an ethnographic method and interviews, the study involved ten user-artists. Thematic content analysis of the data was performed. Results: From this analysis, the following categories were obtained: Occupations and daily life; Walk, dwell and resist; Art Workshops: artistic production and affections. The participants present varied courses and professional activities. The structuring of routine and daily activities were arranged based on trips to community service. Territorial displacements through neighborhoods where they reside and their surroundings, in health, educational or religious institutions and places for leisure reveal different levels of autonomy and circulation around the city. The repercussions of the arts workshop in the city revolve around comings and goings provided by the exhibitions, therapeutic follow-up and personal desires. Conclusion: The service feeds the texture of lines of flight, the basis of material and symbolic exchanges of these user-artists and many others who transit there. Occupational Therapy as a Production of Life can contribute to the production of agencies, creation of actions and affections that populate the events of life.Keywords: Community Mental Health Services; Cities; Art; Occupational Therapy; Freedom of MovemeResumemIntroducción: Los talleres en los servicios comunitarios de salud mental son espacios para producir derecho a la ciudad. Experiencias en un programa de extensión en un Centro de Atención Psicosocial facilitaron reflexiones diferencias, romper con la normalización de los sujetos, reinventar formas de ser, cuidar, vivir y realizar el sobre la realización del derecho a la ciudad por las personas con trastorno mental. Objetivos: Posibles contribuciones de usuarios-artistas en el talleres de artes para la producción de territorios existenciales y la ocupación de espacios en la ciudad por los artistas-usuarios. Métodos: Desarrollado mediante un método etnográfico y entrevistas, el estudio involucró a diez usuarios-artistas. Se realizó un análisis de contenido temático de los datos. Resultados: Se obtuvieron las siguientes categorías: Ocupaciones y vida cotidiana; Camina, habita y resiste; Talleres de Arte: producción artística y afectos. Los participantes presentan variados cursos y actividades profesionales, organizan su rutina y actividades diarias en función del servicio comunitario. Los talleres de arte tienen repercusiones en la ciudad en términos de exposiciones, acompañamiento terapéutico y deseos personales. Los desplazamientos territoriales en los barrios donde residen y su entorno revelan diferentes niveles de autonomía y circulación por la ciudad. La Terapia Ocupacional como Producción de Vida puede contribuir a la producción de agencias, creación de acciones y afectos que pueblan los acontecimientos de la vida. Conclusión: La Terapia Ocupacional como Producción de Vida puede contribuir a la producción de agencias, creación de acciones y afectos que pueblan los acontecimientos de la vida.Palabras clave: Servicios Comunitarios de Salud Mental; Ciudades; Arte; Terapia Ocupacional; Libertad de Circulación.
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Espinoza Cartes, Carolina Andrea. "El Tren Popular de la Cultura: expresión del arte para todos." Kamchatka. Revista de análisis cultural., no. 17 (July 30, 2021): 93. http://dx.doi.org/10.7203/kam.17.17792.
Full textAbstract:
La medida número 40 del programa de gobierno de la Unidad Popular encabezado por el presidente Salvador Allende, tenía por objetivo la creación del Instituto Nacional del Arte y la Cultura a través de la instauración de escuelas de formación artística en todas las provincias de Chile. La experiencia estandarte que logró aunar todos los simbolismos tras esta medida fue el Tren Popular de la Cultura, un tren que viajó con artistas de diversas disciplinas durante cuarenta días al sur de Chile, llevando diferentes expresiones artísticas a lugares donde nunca habían llegado. La actividad llevada a cabo en febrero de 1971 fue exitosa en cuanto a artistas que participaron en ella y a población beneficiada con las actividades. Sin embargo, nunca más se repitió debido a los acontecimientos que dificultaron la continuidad del gobierno de la Unidad Popular, al punto de provocar su caída en el golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973. ¿Qué quedó de esa experiencia en la población chilena? ¿Puede ser considerado uno de los primeros intentos por descentralizar la cultura de la capital y promocionar a los jóvenes artistas desde su más cercano entorno geográfico y cultural? ¿Dejó huella la experiencia en los artistas que posteriormente debieron luchar contra la dictadura desde el interior o desde el exilio? Es lo que se intenta descubrir en este artículo que se complementa con testimonios captados en el proceso de grabación del documental “El tren popular de la cultura”, dirigido por la autora en 2015.
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Alcalá Mellado, José Ramón. "La narrativa digital en el MIDE. Caso de estudio: Sotos, un multimedia interactivo de Fred Adam." Artnodes, no. 20 (December 15, 2017): 111–22. http://dx.doi.org/10.7238/a.v0i20.3130.
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A comienzos de la década de los noventa del siglo pasado, con la comercialización de los primeros programas infográficos para la producción de arte digital, surgen las primeras propuestas creativas que renuevan las formas narrativas clásicas. El Museo Internacional de ElectrografÃa de Cuenca, a través de su programa de artistas residentes y su apertura a nuevas propuestas, acogió durante la época incipiente del arte digital a artistas de todo el mundo que experimentaron con estos nuevos medios. Uno de los primeros que visitó el MIDE fue el artista francés Fred Adam (por aquel entonces todavÃa alumno de la Ãcole de Beaux Arts de Nantes), el cual, durante su estancia, realizó innumerables investigaciones dentro de este campo creativo. Una de las que obtuvo mayor repercusión fue la que se centró en el desarrollo de narraciones digitales en multimedia interactivo. Lamentablemente, todavÃa hoy, casi treinta años después, esas pioneras creaciones de arte digital no solo no tienen su propio relato historiográfico que las ponga en valor y las contextualice entre las prácticas artÃsticas del periodo entre siglos, sino que, debido a la obsolescencia de la tecnologÃa con que fueron creadas, ya no son accesibles. En este trabajo se persigue la puesta en valor de algunas de estas obras pioneras, construyendo su relato a la par que recuperarlas y preservarlas, y asà actualizar sus lenguajes para que vuelvan a ser accesibles. Solo a través de este compromiso institucional y personal con la historia podremos recuperar, divulgar y dar acceso al inmenso patrimonio artÃstico que generó y sigue generando el arte que usa o tiene como referencia los nuevos medios. El presente trabajo desarrolla esta investigación al amparo de la nueva disciplina denominada Media Art Histories, la cual emplea como una de sus herramientas metodológicas de normativización la Media Archaeology.
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Cases Cunillera, Jaume, Ruben Del Río Sáez, Neus Vila-Mumbrú, and Salvador Simó-Algado. "Parelles Artístiques: Experiencias creativas para la salud mental (2006-2023)." Arteterapia. Papeles de arteterapia y educación artística para la inclusión social 19 (April 11, 2024): e91702. http://dx.doi.org/10.5209/arte.91702.
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Los esfuerzos comunitarios de recuperación han aumentado considerablemente en las últimas décadas para promover programas destinados a personas con problemas de salud mental. En el presente artículo se expone el proyecto Parelles Artístiques2 (PA) experiencias creativas para la salud mental, una intervención comunitaria que produce encuentros sociales y colaborativos a través del arte, entre personas con algún problema de Salud Mental y artistas externos a las instituciones de salud. El proyecto nace y se consolida como una apuesta para desestigmatizar la salud mental y para favorecer la recuperación y la inclusión social. El programa facilita que las personas puedan disfrutar del arte como forma de expresión y crecimiento trabajando con otras personas que comparten un interés artístico. El arte es una herramienta que permite crear espacios de co-creación, conversación, colaboración, aprendizaje mutuo y de unión entre personas.
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Mattos, Claudia Valladão de. "Da Palavra à Imagem: sobre o programa decorativo de Affonso Taunay para o Museu Paulista." Anais do Museu Paulista: História e Cultura Material 6-7, no. 1 (1999): 123–45. http://dx.doi.org/10.1590/s0101-47141999000100006.
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O presente artigo analisa a decoraçÃo interna do Museu Paulista, criada e implementada por Affonso d'Escagnolle Taunay durante sua gestÃo como diretor daquela instituiçÃo, procurando compreender as estratégias utilizadas por ele para traduzir suas convicções teóricas em uma linguagem visual convincente. A autora analisa ainda os vínculos do projeto proposto por Taunay com a vasta tradiçÃo de ciclos decorativos europeus e, mais especificamente, com os projetos de construçÃo de uma identidade nacional através da pintura, defendida por alguns artistas ligados à Academia de Belas Artes durante o século XIX.
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Pires, Bárbara Luísa. "A construção do olhar de intérprete: o ensaísmo crítico de Gilda de Mello e Souza." Humanidades em diálogo 8 (June 14, 2017): 39–50. http://dx.doi.org/10.11606/issn.1982-7547.hd.2017.140536.
Full textAbstract:
O presente artigo tem como objetivo apresentar alguns aspectos da produção ensaística de Gilda de Mello e Souza (1919–2005). Tentaremos, neste artigo, traçar um esboço referenciado no contexto da trajetória intelectual da autora que, estruturada no ensaísmo crítico, estabeleceu um método de escrita livre e original no campo das artes, da estética e do pensamento social. Acreditamos que o programa e a metodologia presentes nos ensaios de Gilda propõem um programa crítico interdisciplinar que envolve uma análise estética e sociológica dos autores e artistas que a crítica toma como objeto. Para dar base a esse argumento, o artigo buscará, num segundo momento, compreender o olhar crítico com que Gilda analisa alguns aspectos dos processos sociais no Brasil e constrói um tipo particular de análise interpretativa da cultura e da sociedade brasileiras.
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Barros, Maria Cristina Amoroso Lima Leite, and Elizabeth Aparecida Piva da Silva Oliveira. "Encontro com artistas/2016 -uma parceria entre a cdc e o gpecis do cis-guanabara." Sínteses: Revista Eletrônica do SIMTEC, no. 6 (October 27, 2016): 105. http://dx.doi.org/10.20396/sinteses.v0i6.8282.
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A violência e a ausência de sensibilização da sociedade frente aos problemas sociais e a falta de contato com a arte, nos levou a desenvolver este projeto em que os participantes tem oportunidade de conviver com artistas que trabalham as mais diversas técnicas , bem como desenvolver o olhar e as técnicas artísticas. Pretendemos sensibilizar todos os participantes para a arte e a vida.O subprojeto em andamento a partir de março de 2016, é uma parceria entre o GPECIS (Grupo de Projetos de Extensão em Cultura e Arte) do CIS-GUANABARA e a CDC (Coordenadoria de Desenvolvimento Cultural). Tem como objetivo aproximar a criança, jovem e o adulto aos artistas às artes, por meio de 16 oficinas, tendo como intuito o desenvolvimento de habilidades artísticas, da criatividade da sensibilidade em relação às artes e a vida. Serão homenageados 16 artistas entre eles 4 alunos, 1 funcionário e 1 professor da Unicamp . Até o presente momento 25 Alunos do PRODECAD (Programa de Integração e Desenvolvimento da Criança e do Adolescente) , 15 professoras da creche da área da saúde e do CECI e 25 jovens e adultos de Campinas participaram ativamente das oficinas.Utilizamos como materiais, papéis, seda, bastidor , guache, aquarela, revistas, jornais, lápis de cor e lápis preto, entre outros. O projeto aproximou o público às artes, levando-os a prática, além de tornar os participantes mais sensíveis.
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Loponte, Luciana Gruppelli. "Arte, verdade e pesquisa em educação." ETD - Educação Temática Digital 21, no. 2 (April 30, 2019): 479–94. http://dx.doi.org/10.20396/etd.v21i2.8651387.
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O texto pretende apresentar relações entre arte, verdade e pesquisa a partir de discussões filosóficas empreendidas principalmente por Michel Foucault e Friederich Nietzsche, além da reflexão em torno do trabalho de alguns artistas contemporâneos e seus processos artísticos que desafiam verdades estabelecidas. Tais questionamentos abrem espaço para uma possível abordagem a respeito das emergentes metodologias de pesquisa educacional baseadas em arte. A discussão apresentada dialoga com a experiência de orientação de pesquisas em educação em conversa com o campo das artes, realizadas no âmbito de um programa de pós-graduação em educação.
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Mora Cerdas, Jorge. "Preservación de documentos en formatos nativos: obras de arte digital realizadas con Adobe Illustrator." ESCENA. Revista de las artes 77, no. 1 (July 31, 2017): 111. http://dx.doi.org/10.15517/es.v77i1.30034.
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El artículo analiza aspectos relacionados con la preservación de los documentos digitales en formatos nativos, generados por medio del programa de diseño Adobe Illustrator, para realizar proyectos de arte. Esto permitirá conocer las principales formas en las cuales los artistas digitales almacenan dichos documentos, así como los factores que inciden en la cantidad de espacio físico y/o virtual que estos ocupan. Además, se realiza un estudio en cuanto a la factibilidad de incorporar procesos archivísticos para solucionar la problemática de almacenamiento, lo cual permitiría optimizar el uso de recursos y mejorar el tratamiento documental.
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Veloso, Josafá. "Luz vital ao poço escuro." Significação: Revista de Cultura Audiovisual 48, no. 56 (July 18, 2021): 293–99. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2316-7114.sig.2021.185550.
Full textAbstract:
Resenha do e-book Pandemídia: vírus, contaminações e confinamento, idealizado pelo LabArteMídia (Laboratório de Arte, Mídia e Tecnologias Digitais), grupo de pesquisa vinculado ao Departamento de Cinema, Rádio e Televisão e ao Programa de Pós- Graduação em Meios e Processos Audiovisuais da Escola de Comunicações e Artes. Por nove meses, a partir de abril de 2020, um transdisciplinar grupo de pesquisadores e artistas se propôs a elaborar uma série de textos que vão do artigo acadêmico, crônica, ficção, ao ensaio, passando pelo relato de experiências artísticas de resistência poética em pleno isolamento.
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Costa Martins Silva, Karla Lidiane. "THÉRÈSE, GUERREIRA DA SAGRADA FACE." Arte da Cena (Art on Stage) 2, no. 2 (October 11, 2016): 128. http://dx.doi.org/10.5216/ac.v2i2.42097.
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Este artigo tem por objetivo refletir sobre a relação entre o sagrado e a arte na pesquisa encampada pela artista-pesquisadora Karla Lidiane Costa Martins Silva, acerca do mito Santa Teresa do Menino Jesus e da Sagrada Face, em andamento, no Programa de Pós-graduação Stricto Sensu - Mestrado, da Universidade Federal do Rio Grande do Norte – UFRN. Da busca pela experiência com o divino para além dos muros do convento a que frequentava, a autora encontra no teatro um solo fértil para uma alquimia entre as forças do sagrado e a arte, recriando-as e articulando-as. Lança mão da Mitodologia em Arte, “que consiste num complexo de procedimentos de cunhos ritualísticos e míticos, que estimulam a eclosão de pulsões pessoais dos artistas, aperfeiçoando o pluralismo das imagens colhidas nas experiências ditas artetnográficas” (LYRA, 2014), um conceito / prática desenvolvido pela Prof.ª PhD Luciana Lyra (UERJ), que em si trafega pela Antropologia da Experiência (Antropologia da Performance), do antropólogo Victor Turner, e à Antropologia do Imaginário, do sociólogo Gilbert Durand.