Academic literature on the topic 'Primitivisme et études postcoloniales'

La généalogie des études postcoloniales, qui ont connu une réception tardive en France, incite à distinguer les faux procès qui leurs sont faits dans le monde académique hexagonal de critiques légitimes. Si l’intérêt prononcé des études postcoloniales pour les textes littéraires tend à appauvrir la diversité des sources historiques, à l’inverse, l’accent mis sur la parole des subalternes leur permet de relever les formes de la domination coloniale dans le présent. En multipliant leurs champs d’études pluridisciplinaires et originaux, les théories postcoloniales contribuent à l’élargissement des corpus théoriques et des savoirs.

Avec le thème Construire des Mondes, la 53e biennale de Venise plaçait la présentation des productions artistiques dans la perspective d’un questionnement sur la mondialisation. Cette problématique sur les divers métissages et hybridations propres à un domaine artistique globalisé contribua à un retour au politique dans les considérations esthétiques et dans le discours sur l’art. Un glissement s’opère et l’on passe d’un projet artistique révolutionnaire à un projet relativiste. La fin proclamée des idéologies, par l’action conjuguée des théories postmodernes et postcoloniales, autorise la naissance d’un primitivisme original dans son articulation entre art et politique.

Les études postcoloniales tendent à mettre l’accent sur l’importance du lien entre colonisation et flux migratoires. Il faut cependant relativiser ce lien, des diasporas puissantes ne provenant pas nécessairement d’anciennes colonies des pays d’accueil. De plus, si la pluralité des formes institutionnelles du passé colonial et de la gestion de ses populations conserve un impact sur le traitement des populations dites postcoloniales, d’autres phénomènes pèsent sur l’imaginaire et sur le regard porté sur les migrations.

Dans cet article, nous souhaiterions revenir sur la traduction des études postcoloniales en France au milieu des années 2005 afin d’explorer les frontières qui peuvent exister entre traducteur et monde académique. Il s’agira d’articuler un certain nombre de questions comme qui sont les traducteurs de ces théories ? Comment le traducteur doit-il répondre à des injonctions contradictoires avec d’un côté la rentabilité économique demandée par l’éditeur et d’un autre côté à une exigence intellectuelle forte ? Quelle est la place du traducteur dans le cadre de la production des savoirs et comment cette place est-elle perçue dans le monde académique ? En effet, dans le cadre de la théorie postcoloniale, les traducteurs ont dû retraduire des concepts philosophiques en français déclenchant souvent les critiques du monde académique. Nous avons identifié deux espaces principaux de la traduction de ces théories : Payot et Amsterdam, deux maisons d’éditions jouant un rôle différent dans l’espace français de l’édition. En s’appuyant sur des entretiens menés auprès des éditeurs et des traducteurs, ainsi que sur les recensions des ouvrages traduits, cet article souhaite donc, à partir de la position du traducteur, interroger la réception des études postcoloniales en France au milieu des années 2000.

Résumé Les auteurs présentent et analysent le projet théorique de Dipesh Chakrabarty – un important représentant des études postcoloniales – de « provincialiser » certains développements sociohistoriques de l’Europe. Ils se penchent également sur la critique de l’eurocentrisme de John M. Hobson, un important représentant de la sociologie historique néowébérienne des relations internationales. Après avoir présenté ces contributions aux théories postcoloniales et au virage anti-eurocentriste de certains sociologues néowébériens, les auteurs soulignent que ces théories ont tendance à s’élever contre une version dépassée du marxisme, ce qui les conduirait à négliger l’étude de l’articulation entre la modernité des relations internationales et l’émergence d’un ordre global capitaliste. Les auteurs concluent en défendant l’importance d’un détour par la théorie sociale classique pour l’examen des spécificités des arguments eurocentristes dans les relations internationales passées et contemporaines.

Les études postcoloniales, développées dans le champ anglo-saxon depuis la fin des années 1970, reposent sur des sources multiples. De Frantz Fanon à Salman Rushdie, en passant par Edward Said ou Ranajit Guha, la pensée postcoloniale croise l’histoire et la littérature pour saisir et critiquer les effets des relations, des discours et des imaginaires coloniaux dans le présent. Elle débouche aujourd’hui, sur l’exigence d’actions concrètes anticoloniales que relèvent des approches décoloniales, au croisement de l’activisme et de la recherche.

La ville postcoloniale africaine a suscité des attentions critiques alors que les chercheurs s’interrogent sur ses possibilités et potentialités discursives. Under Siege: Four African Cities d’Okwui Enwezor et al, African Cities de Garth Myers, The African City de Bill Freund et d’autres sont des études notables sur les villes postcoloniales africaines. Aussi engageantes et perspicaces que soient ces études, leurs perspectives choisies sont particulièrement historiques, sociologiques et architecturales. Cependant, ces études factuelles des villes donneront un aperçu des représentations littéraires par les écrivains de fiction et de l’utopisme postcolonial qu’elles dépeignent. J’utiliserai la théorie de l’utopisme postcolonial de Bill Ashcroft pour examiner Un nègre a violé une bonde à Dallas de Ramonu Sanusi, Commissaire Kouamé de Marguerite Abouet & Donatien Mary, et Partir de Tahar Ben Jelloun en vue de démontrer comment Lagos, Abidjan et Tanger en tant que villes africaines postcoloniales sont représentées comme des épicentres de subjectivités, de subversions et de survivances dans la fiction africaine francophone. Ces villes africaines textualisées ne sont pas seulement des représentations culturelles, mais aussi réalistes de la postcolonialité africaine. Dans ces textes, les personnages sont dépeints comme des sujets abandonnés qui deviennent des « prisonniers du désir » afin de changer leurs récits de vie. Alors que les fantasmes urbains et les complexités dystopiques de ces villes jettent les bases et expliquent la pensée utopique et son audace d’espoir dans ces corps socialement démunis, les crimes et les vices (violence, meurtre, viol, vol, prostitution) font partie de leurs pratiques subversives et de survie dans les paysages urbains socialement construits et économiquement fragmentés de Lagos, Abidjan et Tanger.

Résumé Frantz Fanon s’est concentré principalement sur la violence comme moyen de résistance et de libération anticoloniale, mais aussi sur l’humanisme et les possibilités de sa réalisation. Il s’agit pour lui de dépasser la conception manichéenne de l’Europe, mais aussi de la Négritude à propos de l’homme et d’inventer comme il dit « l’homme total ». Le silence a régné assez longtemps sur la réception des œuvres de Fanon après sa mort, à l’exception de sa réhabilitation vingt ans après aux Antilles lors d’une commémoration. Depuis sa disparition, on est passé de la simple critique du colonialisme à partir du champ économique et politique vers le champ culturel plus complexe et l’essai d’une compréhension plus approfondie de notions telles que celles de « nation », « identité », « imaginaire » ou « hybridité ». De plus, à cette évolution a participé aussi bien le discours foucaldien à propos des pouvoirs que les études abordées par Gilles Deleuze et Jacques Derrida sur la connaissance et le sujet. Ces thèmes ont influencé énormément les auteurs américains des Études postcoloniales dans leurs approches critiques du fait colonial et des phénomènes socioculturels qui en résultent. Ce fut surtout le cas pour Edward Said ainsi que pour d’autres penseurs tels Achille Mbembe, Gayatri Chakravorty Spivak, Homi K. Bhabha et bien d’autres. Mais ce sont avant tout Aimé Césaire, Frantz Fanon et Albert Memmi qui furent les théoriciens pionniers de ce mouvement. Ils ont en effet vécu la situation coloniale de manière directe et l’ont problématisée conceptuellement de sorte qu’ils ont dévoilé les différents aspects d’oppression et d’exclusion du colonialisme et donné ainsi une voix aux colonisés, subalternes et marginalisés. Cet article va tenter tout d’abord de rappeler la part critique de Frantz Fanon à l’égard de l’humanisme classique européen, mais aussi à celui de la Négritude. Par la suite il essaie de présenter sa conception d’un humanisme radical qui prend en considération l’homme, dire même l’humanité dans toute sa totalité, et à la fin il aborde les répercussions de la pensée fanonienne sur l’évolution politique actuelle ainsi que sur les Études postcoloniales.

Les questions portant sur l´écologie politique féministe sont stimulantes pour l’examen des vieilles dichotomies qui insistent sur l’association fallacieuse de la femme avec la nature et de l’homme avec la culture. Le présent article accomplit un parcours visant à discuter des constructions identitaires des femmes et de l´appropriation de la nature, sillonné par des questions de genre, race et niveau socio-économique des femmes au Brésil, au travers de quelques perspectives des études culturelles et postcoloniales.

L'art du Mithila désigne des formes rituelles et artistiques pratiquées au Bihar (Inde) et au Teraï (Népal). Issue de fresques réalisées par les femmes, aux marges de valeurs brahmaniques androcentrées, l'artification marchande globalisée des peintures conduit à des reconfigurations créatives, discursives, sociales, déplaçant vers le centre les peintres du Mithila.Le montage de plus de 500 expositions dans 36 pays (1935-2019) montre une accélération des circulations des œuvres artifiées et de leurs créatrices du Sud global, jouissant de formes de reconnaissance dans un monde de l'art dominant dont elles sont souvent exclues, en raison de subalternisations multiples (genre, caste, classe, clivages Nord/Sud et urbain/rural). L'histoire connectée de la réception transnationale de leur art s'étend du moment colonial tardif et de la postindépendance au moment postmoderne, en lien avec le tournant global, catalysé par le kairos indophile et contreculturel des Long Global Sixties. Une pensée critique prônant l'empowerment, basée sur le lien entre féminismes et indophilie contreculturelle favorise l'engagement sur le terrain de l'artification de médiateurs transculturels.Le moment colonial tardif et de la postindépendance est représenté par M. et W. Archer et des artistes-médiateurs gouvernementaux indiens comme U. Maharathi, fondateur de l'institut de design de Patna. Les Archer interprètent des pratiques à l'aune d'une vision organique de l'art et d'une esthétique universelle liées au freudisme et aux avant-gardes. Leader indépendantiste, Maharathi expose et commercialise l'art du Mithila. Ses ambitions de patrimonialisation résonnent avec l'affirmation d'une indianité liée à la construction de l'identité nationale. L'artification marchande se construit vers les années 1930, avant qu'une crise agricole, alimentaire et politique (1966-67) n'agisse comme catalyseur des circulations globales et de la légitimation des peintres. Avec l'entrée dans la première phase de mondialisation de la réception, celle de l'indophilie contreculturelle, des médiateurs transculturels (Y. Véquaud, E. Moser Schmitt, R. et N. Owens, T. Hasegawa) se situent dans un champ culturel transnational postbourdieusien traversé par des tensions, des convergences idéelles (féminisme, justice sociale) et des dissonances: bohème artistique et littéraire vs anthropologie appliquée au développement; intensification des flux marchands globaux vs idéalisme critique contreculturel et utopie communautaire villageoise. L'éphémère convergence de passeurs de (contre)culture et de médiateurs indiens autour d'un modèle alternatif fait advenir un kairos et un monde de l'art transculturel, décloisonné. Ce nexus entre médiateurs construit des figures féministes de peintres autour d'un art des marges et de la résistance créative. Le moment postmoderne de la globalisation tardive introduit pluralité discursive et déconstruction de visions du Nord-global réifiées, androcentrées et primitivistes et de la triangulation féminisme libéral-développement-tourisme. Les peintures sont réinterprétées à l'aune d'une « contemporanéité multiple » axée sur le flux ou d'identités imbriquées translocales, subversives au prisme des tournants postcolonial et de genre.Le kairos contreculturel est unique dans l'histoire de la réception de l'art maïthil, dont l'éphémère convergence des artificateurs est souvent occultée. Il ouvre la voie aux circulations globales, à la construction d'un champ transnational, à la déconstruction de la valeur d'«authenticité». L'art des femmes peintres entre sur la scène contemporaine globalisée, réapprécié à l'aune de canons transnationaux. En résultent transferts et hybridations entre contreculture et féminismes, en Inde et dans le Nord global. S'y forge une pépinière artistique et un catalyseur du mouvement des femmes, ouverts au féminisme inclusif et à une effervescence créative, leviers d'un changement de paradigme dans les renouvellements des artistes du Mithila
Mithila art refers to ritual and artistic forms practised in Bihar (India) and the Terai (Nepal). Originating in frescoes painted by women on the margins of androcentric Brahmanic values, the globalised commercial artification of paintings has led to creative, discursive and social reconfigurations, moving the Mithila painters from the periphery to the centre.The setup of more than 500 exhibitions in 36 countries (1935-2019) illustrates an acceleration in the circulation of artified artworks and their creators from the global South, who are enjoying forms of recognition in a dominant art world from which they are frequently excluded, due to multiple oppressions (gender, caste, class, North/South and urban/rural divides). The connected history of the transnational reception of their art can be traced from the late colonial and post-independence moment to the postmodern moment, in connection with the global turn that was catalysed by the indophile and countercultural kairos of the Long Global Sixties. Critical thinking that advocates empowerment, based on the nexus between feminisms and countercultural indophilia, fosters a commitment to the artification of transcultural mediators.The late colonial and post-independence moment is represented by M. and W. Archer and Indian government artist-mediators such as U. Maharathi, the founder of the Patna Design Institute. The Archers employ practices an organic conception of art and a universal aesthetics, which is linked to Freudism and the avant-garde, to interpret practices. Maharathi, an independence leader, exhibits and commercialises Mithila art. His ambitions for heritagisation resonates with the assertion of an Indianness linked to the construction of national identity. Commercial artification began to develop in the 1930s, preceding an agrarian, food and political crisis (1966-67) that acted as a catalyst for global circulation and the legitimisation of painters. With the entry into the first phase of globalisation of the reception, that of the countercultural indophilia, transcultural mediators (Y. Véquaud, E. Moser Schmitt, R. and N. Owens, T. Hasegawa) are situated within a post-Bourdieusian transnational cultural field characterised by an array of tensions, ideological convergences (feminism, social justice) and dissonances: artistic and literary bohemia vs. anthropology applied to development; intensification of global trade flows vs. critical countercultural idealism and village community utopia. The ephemeral convergence of (counter)cultural brokers and Indian mediators around an alternative model has given rise to a kairos and a transcultural, decompartmentalised art world. This nexus between mediators constructs feminist figures of painters around an art of the margins and creative resistance.The postmodern moment of late globalisation introduces a discursive plurality and the deconstruction of reified, androcentric and primitivist visions of the Global North, as well as the ‘liberal feminism-development-tourism' triangulation. The paintings are reinterpreted in terms of a ‘multiple contemporaneity' centred on flux, or of overlapping translocal and subversive identities, in the prism of postcolonial and gender shifts.The countercultural kairos is unique in the history of the reception of Maithil art, whose ephemeral convergence of artificators is often overshadowed. This paves the way for global circulation, the construction of a transnational field, and the deconstruction of the value of ‘authenticity'. The art of women painters enters the globalised contemporary scene, reappraised in the terms of transnational canons. This has resulted in transfers and hybridisations between counterculture and feminism, in India and in the Global North. An artistic incubator and a catalyst for the women's movement is being forged, open to inclusive feminism and creative effervescence, which serve as levers for a paradigm shift in the renewal of Mithila artists

Petits, isolés, vulnérables, les territoires insulaires apparaissent comme les symboles des interrogations sur la soutenabilité des systèmes économiques. Cette coïncidence n’a rien de fortuite. Les expériences insulaires et coloniales occupent une place centrale dans la formation de l’économie politique, qui s’intéresse initialement tant à l’accroissement des richesses qu’à la pérennité de cette dynamique, notamment en raison des contraintes écologiques. Réciproquement, l’économie politique nourrit la formation d’un nouvel art de gouverner qui influence en profondeur les trajectoires insulaires et produit des rapports de pouvoir, qui persistent encore. Notamment à travers la notion de développement (durable) qui naturalise une lecture utilitariste de la soutenabilité. En rapprochant le paradigme de la complexité, l’économie écologique et les approches poststructuralistes, cette thèse propose d’explorer la construction de ce concept puis de le repenser dans un cadre institutionnaliste qui intègre pleinement les facteurs écologiques, symboliques et sociaux et la pluralité des formes d’organisation des économies. Elle étudie ensuite la construction et les ressorts de l’économie de plantation, à La Réunion et dans les Caraïbes, en interrogeant le paradoxe de l’ « insoutenabilité durable » : comment une économie fondée sur la destruction et incapable de satisfaire les finalités assignées en raison de ses contradictions, peut-elle se maintenir dans la longue durée ? Une troisième partie questionne la soutenabilité du projet départemental : décréter le développement, métamorphoser une colonie ruinée en une économie moderne, équilibrée, tirée par une croissance auto-entretenue
Small, isolated and vulnerable, islands have become symbols in current debates on the sustainability of economic systems. This is no coincidence. For colonial and insular experiences have played a key role in the emergence of political economy, which, initially focused on the creation of wealth as much as on its durability. Conversely, political economy nurtured the development of a new “art of government” which has deeply influenced islands trajectories and engendered new relations of power that persist today. In particular through the concept of (sustainable) development that naturalizes a contingent, utilitarian, view of sustainability. By bringing together the paradigm of complexity, ecological economics and poststructuralist works, this thesis aims to deconstruct this concept and reframe it through an institutionalist and interdisciplinary approach that fully integrates ecological, symbolic and social factors as well as the multiplicity of economies. It then studies the formation and evolution of plantation economies, both in Reunion Island and the Caribbean, to question the paradox of “durable unsustainability”: why and how can an economy grounded on destruction and unable to satisfy the ends it was designed for, maintain itself on the long term? A third part queries the sustainability of the “departementalisation” project, i.e. decreeing development: turning a ruined colony in a modern economy, able to reach European standards through self-sustained growth. It thus emphasizes the retroactions that wiped this utopia out to give birth to an original, yet fragile, model of resilient dependence

Petits, isolés, vulnérables, les territoires insulaires apparaissent comme les symboles des interrogations sur la soutenabilité des systèmes économiques. Cette coïncidence n’a rien de fortuite. Les expériences insulaires et coloniales occupent une place centrale dans la formation de l’économie politique, qui s’intéresse initialement tant à l’accroissement des richesses qu’à la pérennité de cette dynamique, notamment en raison des contraintes écologiques. Réciproquement, l’économie politique nourrit la formation d’un nouvel art de gouverner qui influence en profondeur les trajectoires insulaires et produit des rapports de pouvoir, qui persistent encore. Notamment à travers la notion de développement (durable) qui naturalise une lecture utilitariste de la soutenabilité. En rapprochant le paradigme de la complexité, l’économie écologique et les approches poststructuralistes, cette thèse propose d’explorer la construction de ce concept puis de le repenser dans un cadre institutionnaliste qui intègre pleinement les facteurs écologiques, symboliques et sociaux et la pluralité des formes d’organisation des économies. Elle étudie ensuite la construction et les ressorts de l’économie de plantation, à La Réunion et dans les Caraïbes, en interrogeant le paradoxe de l’ « insoutenabilité durable » : comment une économie fondée sur la destruction et incapable de satisfaire les finalités assignées en raison de ses contradictions, peut-elle se maintenir dans la longue durée ? Une troisième partie questionne la soutenabilité du projet départemental : décréter le développement, métamorphoser une colonie ruinée en une économie moderne, équilibrée, tirée par une croissance auto-entretenue
Small, isolated and vulnerable, islands have become symbols in current debates on the sustainability of economic systems. This is no coincidence. For colonial and insular experiences have played a key role in the emergence of political economy, which, initially focused on the creation of wealth as much as on its durability. Conversely, political economy nurtured the development of a new “art of government” which has deeply influenced islands trajectories and engendered new relations of power that persist today. In particular through the concept of (sustainable) development that naturalizes a contingent, utilitarian, view of sustainability. By bringing together the paradigm of complexity, ecological economics and poststructuralist works, this thesis aims to deconstruct this concept and reframe it through an institutionalist and interdisciplinary approach that fully integrates ecological, symbolic and social factors as well as the multiplicity of economies. It then studies the formation and evolution of plantation economies, both in Reunion Island and the Caribbean, to question the paradox of “durable unsustainability”: why and how can an economy grounded on destruction and unable to satisfy the ends it was designed for, maintain itself on the long term? A third part queries the sustainability of the “departementalisation” project, i.e. decreeing development: turning a ruined colony in a modern economy, able to reach European standards through self-sustained growth. It thus emphasizes the retroactions that wiped this utopia out to give birth to an original, yet fragile, model of resilient dependence

Cette étude de la littérature kenyane, qui concerne principalement des auteurs féminins, a comme postulat que les écrivaines du Kenya, bien que prolifiques, ont été pendant très longtemps négligées par la critique littéraire et souvent étudiées dans le cadre de la littérature feminine du soi-disant "tiers monde." Leur spécificité était ainsi occultée. Cette étude entreprend de remédier à cette situation en faisant une analyse détaillée de quelques romans représentatifs tout en utilisant le genre romanesque comme document social reflétant la position de la femme dans la société kenyane. Le roman, qui est ici le document principal, est donc examiné en tant qu'outil culturel. Etant donné le nombre élevé de romans écrits par des auteures kenyanes, cette étude utilise une méthodologie orientée vers des cas, sélectionnant les romans les plus représentatifs de la littérature féminine kenyane. Ces textes recouvrent une longue période allant des premières publications romanesques dans les années 60, juste après l'indépendance du Kenya, jusqu'au début du millénaire.Les théories utilisées dans cette analyse émanent des études postcoloniales, des "cultural studies," et des études de genre. Cette étude fournit donc un survol détaillé du roman féminin kenyan, qui ambitionne de susciter des études semblables sur les écrivaines du Kenya mais également d'autres pays de l'Afrique de l'Est et, de manière plus large, du continent africain.

Cette étude de la littérature kenyane, qui concerne principalement des auteurs féminins, a comme postulat que les écrivaines du Kenya, bien que prolifiques, ont été pendant très longtemps négligées par la critique littéraire et souvent étudiées dans le cadre de la littérature feminine du soi-disant “tiers monde.” Leur spécificité était ainsi occultée. Cette étude entreprend de remédier à cette situation en faisant une analyse détaillée de quelques romans représentatifs tout en utilisant le genre romanesque comme document social reflétant la position de la femme dans la société kenyane. Le roman, qui est ici le document principal, est donc examiné en tant qu’outil culturel. Etant donné le nombre élevé de romans écrits par des auteures kenyanes, cette étude utilise une méthodologie orientée vers des cas, sélectionnant les romans les plus représentatifs de la littérature féminine kenyane. Ces textes recouvrent une longue période allant des premières publications romanesques dans les années 60, juste après l’indépendance du Kenya, jusqu’au début du millénaire.Les théories utilisées dans cette analyse émanent des études postcoloniales, des “cultural studies,” et des études de genre. Cette étude fournit donc un survol détaillé du roman féminin kenyan, qui ambitionne de susciter des études semblables sur les écrivaines du Kenya mais également d’autres pays de l’Afrique de l’Est et, de manière plus large, du continent africain
This study of Kenyan literature, which focuses specifically on female writers, is based on the premise that female writers, though prolific, have for a long time been neglected by literary critics, and even when focused upon, are lumped together with other so-called ‘Third world’ female writers. Thus, the idiosyncrasies in their particular works are very often overlooked. This study seeks to correct this by undertaking an in-depth study of each of the novels explored, while at the same time using each of them to undertake a study of the Kenyan society with particular attention to the situation of the woman as depicted in the texts. The novel, which is here the primary source, is examined as a cultural tool. Given the large number of novels that have been written by Kenyan women writers, this study uses a case-oriented methodology to select a few novels that are used as representative samples for Kenyan writing by women. The texts selecte! d cover a long time period; published from the mid-sixties just after Kenya’s independence, to the outset of the present millennium. The study is guided by theories that are drawn from postcolonial studies, cultural studies, and gender studies. It is our hope that this study gives a comprehensive state of the art survey on the Kenyan novel, with a specific focus on the state of the Kenyan woman, thus clearing the way for similar studies to be carried out on women writers not only in Kenya, but in the other countries in the East African region and the African continent at large

La poétique de l’étrangeté est l’une des expressions d’un “retour au corps” du roman contemporain, par lequel celui-ci interroge sa propre capacité à représenter le monde social. Dans l’oeuvre de Suzette Mayr, de Marie NDiaye et de Yoko Tawada, le corps apparaît comme un objet étrange, dont l’évidence naturelle ne va plus de soi. Il est caractérisé par sa malléabilité voire par ses métamorphoses ; en même temps, il porte les marques des catégories de la domination. La poétique de l’étrangeté peut être interprétée comme une traduction littéraire du tournant théorique « matérialiste queer », qui s’efforce de penser à la fois la dynamique du pouvoir à partir de la production des subjectivités et le caractère structurel de la domination à partir de bases économiques. Au sein du corpus, le corps est à la fois « dénaturalisé » et ressaisi comme le signe d’une histoire intersectionnelle, déployée par le processus narratif. Il n’est pas tant l’expression d’une vérité de l’identité que la construction fictionnelle d’un « point de vue situé ». C’est pourquoi son étrangeté est indissociable de sa valeur narrative : c’est à partir d’un corps fictif que s’écrit une certaine perception du monde, que se redéfinissent les formes romanesques, et que se crée un usage « étrange » de la langue. Ces mutations esthétiques rendent compte, dans des termes propres au corpus, d’une possible rupture épistémique, à partir de laquelle la nature même du corps se voit réévaluée. En s’appuyant sur un dialogue entre la théorie et la fiction, qui prend source dans leur étrangeté réciproque, il s’agit d’ouvrir quelques pistes de réflexion sur l’imaginaire contemporain du corps. Par-là, c’est aussi une certaine reconfiguration littéraire du monde social qui est impliquée
The poetics of strangeness is one of the expressions of a “return to the body” in contemporary fiction, a return through which fiction questions its own ability to depict society accurately. In the works of Suzette Mayr, Marie NDiaye and Yoko Tawada, the body appears as a strange object, the natural evidence of which can no longer be taken for granted. Its main characteristics are its plasticity, or even its tendency towards metamorphosis, and the fact that it bears the signs of domination. The poetics of strangeness can be viewed as the literary translation of the “queer materialist” turn operated in feminist studies to show how the production of subjectivity affects the dynamics of power while at the same time exposing the economically-determined, structural forms of domination. In the texts under study, the body is de-naturalized and simultaneously used as the sign of an intersectional history that shapes the narrative process. It is not so much the expression of a true identity as the fictional construction of a “situated standpoint”. That is why its strangeness cannot be separated from its narrative value : the description of a fictitious body allows to capture a certain perception of the world, to redefine narrative models, to create a “strange” use of language. These aesthetic mutations reflect, in terms proper to our corpus, a possible epistemological rupture, that leads to the reevaluation of the very “nature” of the body. Through a dialogue between theory and fiction based on their reciprocal strangeness, this thesis seeks to offer new perspectives on contemporary representations of the body and shed light on the literary reconfiguration of the social world it entails

La théorie de l’intersectionnalité issue du « Black feminism » permet de concevoir les expériences vécues de la domination par les personnages métis comme intersectionnelles ; s’y mêlent inextricablement des rapports de pouvoir fondés sur la race, le sexe et la classe. Incarnation de relations interraciales perverties par des relations de pouvoir entre peuples dominants et dominés, le personnage métis est interprété par un entourage qui tente de le subsumer à des catégories- raciales et sexuelles- prédéfinies. C’est à cette crispation de la pensée et à cette cécité partagée que nous nous intéressons.Mots-clés : études postcoloniales, genre/gender ; sexualités ; théorie queer ; métissage ; identité ; approche intersectionnelle
The theory of intersectionnality - resulting from « Black feminism » - is a precious concept to analyze the domination experienced by the « métis » characters as intersectionnal experiments in which power struggles based on race, sex and class are inextricably mixed. Incarnating interracial relations perceived as essentially violent the mestizo/mulatto characters are interpreted by a society which tries to subsume them into preset racial and sexual categories. This crispation of the thought is what we are interested in.Key words: postcolonial studies; genre/gender; sexualities; queer theory; mestizaje/ miscegenation; identity; intersectional analysis

Jean-Claude Eloy est un compositeur passionné de musiques extra-européennes (et en particulier de musique japonaise) qui revendique un multiculturalisme militant et refuse farouchement que sa démarche puisse être associée à un quelconque exotisme. Pourtant, et sans que la sincérité de son positionnement idéologique puisse être remise en cause, certaines ambiguïtés apparaissent au fur et à mesure de l’étude de sa production. Ainsi, si l’exotisme de surface caractéristique du XIXe siècle a disparu au profit d’un intérêt largement documenté pour les cultures musicales non occidentales, on n’en décèle pas moins la permanence de thèmes caractéristiques de cet exotisme. Il s’agira d’analyser ce paradoxe et d’en proposer des explications. Le travail part de l’hypothèse que l’exotisme repose sur un imaginaire anthropologique à partir duquel prennent naissance des expressions différentes selon les lieux et les époques. L’exotisme répondrait ainsi à des réalités humaines dans lesquelles le contexte colonial aurait joué un rôle uniquement facilitateur (et non suscitateur). Cet exotisme ne pourrait donc pas avoir disparu avec la fin des empires. Il s’agira ainsi de lire les ambiguïtés d’Eloy à la lumière d'un « mythe exotique » toujours vivace dans l’imaginaire collectif contemporain. S’appuyant sur le courant des postcolonial studies, cette lecture interrogera les résurgences exotiques présentes dans l’œuvre d’Eloy pour aboutir à la définition d’un exotisme postcolonial différente de celles qui ont pu être développées dans le domaine littéraire
Jean-Claude Eloy is a French composer. He is passionately fond of extra-European music, especially Japanese music. He calls for muticulturalism and refuses his works to be associated with exoticism. Even so - and without questionning Eloy’s intellectual honesty - it is possible to find out some ambiguities in his works. For instance, even though superficial exoticism, typical of XIXth century, no longer appears in his music, several themes of this exoticism can be found in some of this works. We will analyze this paradox and suggest some explanations. Our thinking is based on the proposition that exoticism comes from anthropoligical imagination and takes a variety of forms depending on the era. According to this proposition, colonialism has made the development of exoticism easier but didn’t create it. As a result, exoticism could not completely disappear with the end of colonial empires and still exists as a human reality. Postcolonial studies, semiotics and hermeneutics will be used as a background approach to explain the existence of exoticism in Eloy’s works

L’institutionnalisation des études postcoloniales et l’essor récent du champ décolonial ont mis en évidence la reconnaissance dont bénéficient aujourd’hui les intellectuels issus d’anciens territoires colonisés. Parmi eux, Ngugi wa Thiong’o et Valentin-Yves Mudimbe sont des figures respectées dont les écrits, aussi bien théoriques que fictionnels, cherchent à résoudre les crises générées par l’expérience coloniale. Conscients que celle-ci ne s’est pas achevée avec la vague des indépendances, ils maintiennent éveillé dans leurs œuvres le désir utopique qu’elles avaient vu naître, celui de concevoir un monde nouveau où les relations entre les peuples et les individus seraient renégociées, et ce, malgré les désillusions de la période qui leur succéda. Pourtant, la survenue, en 1994, du génocide des Tutsi du Rwanda aurait bien pu symboliser l’échec de leurs entreprises de détachement épistémique avec la modernité occidentale. Celui-ci consistait en effet en la réitération, sur le continent africain, d’un crime semblable à celui qui avait poussé nombre d’intellectuels à vouloir rompre avec l’ordre dont la Shoah était la conséquence. Néanmoins, bien au contraire, les textes de Scholastique Mukasonga témoignent de la reprise de l’impératif formulé par Ngugi wa Thiong’o et Valentin-Yves Mudimbe, à savoir le besoin de parvenir à une décolonisation des subjectivités pour initier une renaissance africaine. L’étude de chacune de leurs trajectoires a pour ambition de montrer la complémentarité de ces deux processus dans leurs œuvres qui, séparément, ouvrent la voie à de multiples futurs possibles pour l’humanité
The institutionalization of postcolonial studies and the recent development of decolonial studies have highlighted the recognition that intellectuals from former colonized territories enjoy today. Among them, Ngugi wa Thiong'o and Valentin-Yves Mudimbe are respected figures whose writings, both theoretical and fictional, seek to resolve the crises generated by the colonial experience. Aware that this did not end with the wave of independence, they kept alive in their works the utopian desire, that of conceiving a new world where relations between peoples and individuals would be renegotiated, despite the disappointments of the postcolonial regimes. However, the 1994 genocide of the Tutsis in Rwanda could well have symbolized the failure of their epistemic detachment efforts with Western modernity. This consisted in the repetition, on the African continent, of a crime similar to the one that had pushed many intellectuals to want to break with the order of which the Shoah was the consequence. On the contrary, Scholastique Mukasonga's texts bear witness to the repetition of the imperative formulated by Ngugi wa Thiong'o and Valentin-Yves Mudimbe, namely the need to achieve a decolonization of subjectivities to initiate an African renaissance. The study of each of their trajectories aims to show the complementarity of these two processes in their works which, separately, open the way to multiple possible futures for humanity

En France et en Allemagne, l’immigration est devenue dans les dernières décennies une problématique centrale. C’est dans ce contexte qu’est apparu le rap. Celui-ci connaît une popularité énorme chez les populations issues de l’immigration. Pour autant, les rappeurs ne s’en confrontent pas moins à leur identité française ou allemande. Le but de ce travail est d’expliquer cette apparente contradiction : comment des personnes issues de l’immigration, exprimant un mal-être face à un racisme qu’ils considèrent omniprésent, peuvent-elles se sentir pleinement françaises / allemandes ? On a divisé le travail entre les chapitres suivants : Contexte de l'étude,méthodologie et théories (I) ; Analyse des différentes formes d’identité nationale au prisme du corpus (II) ; Analyse en trois étapes chronologiques du rapport à la société dans les textes des rappeurs (III-V) ; étude de cas de Kery James en France et Samy Deluxe en Allemagne (VI)
In France and in Germany, immigration as become one of the main issues in the past decades. In this context rose also the rap music. It has a huge popularity for young people with migration background. However rappers dowrite a lot about their French or German identity. The goal of this work is to explain the paradox : how can people with migration background, expressing critics against the racism they regard as omnipresent, still feel fully French/German? We divided the work between following chapters: Context, methodologyand theories (I); analysis of different identity forms within the text corpus(II); analysis of the way rappers see their society in three chronological steps(III-V); case studies of Kery James in France and Samy Deluxe in Germany(VI)