Journal articles on the topic 'Polyphonie (littérature)'

Cet article vise à comparer le travail de deux écrivaines qui appartiennent toutes deux à la « littérature postcoloniale » et sont de la même génération : l’autrice italo-somalienne Igiaba Scego (née en 1974) et l’autrice franco-camerounaise LéonoraMiano (née en 1973). Le poids de la domination coloniale est une thématique omniprésente dans les deux textes que nous avons choisi d’analyser : Crépuscule du tourment de Miano et Oltre Babilonia de Scego. Notre article a pour but d’explorer la capacité de ces textes, leur pouvoir à se constituer comme des « contre-narrations » grâce au mécanismede la polyphonie, indissociable d’une écriture de l’intime.Mots clés : littérature postcoloniale, polyphonie, « Écriture de l’intime », contre-narrations.

Au Festival d’Avignon de 2010, Ludovic Lagarde a présenté Un mage en été d’Olivier Cadiot, interprété par Laurent Poitrenaux. Ce spectacle se présente comme une synthèse de leur compagnonnage. Le mage fusionne les figures de l’écrivain, du metteur en scène et du comédien, cristallise la rencontre de la littérature et du théâtre. Le motif de la réincarnation et de la métamorphose qui parcourt le texte est une définition du phénomène théâtral selon Nietzsche, mais également une métaphore des différents états du texte de Cadiot qui témoignent du processus de transposition du livre au plateau. Seul en scène, le mage n’en est pas moins le vecteur d’une polyphonie qui interroge constamment l’identité du « je ». Il s’agira de voir comment les synergies baroques, l’écriture de Cadiot et la dramaturgie lagardienne participent de ce phénomène d’instabilité.

Dar a conocer destacadas enciclopedias de literatura para niños y adolescentes en diferentes países europeos y la vinculación que se origina entre ellas, consolida nuestro propósito en este artículo. Son obras publicadas en lengua inglesa, italiana y española para educar a un público infantil que atraviesa momentos históricos, ideologías e intereses políticos diversos. L’Enciclopedia dei ragazzi (1922) italiana, nace como traducción y adaptación de la Encyclopedia of Children’s inglesa. La Scala D’oro (1932) italiana, a su vez, es la fuente de El libro de Oro de los niños. Un mundo maravilloso para la infancia (1943), publicado en Méjico en español bajo la dirección literaria del escritor español Benjamín Jarnés, exiliado allí en 1939.Se pone en juego, de esta manera, una transferencia del saber enciclopédico destinado a la infancia para (de)construir a través de la enseñanza de la Literatura, del Arte y del Conocimiento humano una identidad ¿individual, nacional, transnacional, mundial? desde una polifonía de lenguas y de culturas. Présenter des encyclopédies exceptionnelles de littérature pour les enfants, dans différents pays européens et d'interconnecter ou d’afficher le lien qui provient entre elles, notamment consolident notre but dans cet article. Ce sont des œuvres publiées en anglais, en langue italienne et espagnole pour éduquer les enfants qui traversent des moments historiques, des idéologies politiques et des intérêts différentes. L'Encyclopédie dei ragazzi (1922) d'origine italienne, est née comme la traduction et l'adaptation de l'Encyclopédie des enfants en anglais. La Scala D'oro (1932) italienne, à son tour, est la source du Livre d'or des enfants. Un monde merveilleux pour les enfants (1943), publié au Mexique en espagnol sous la direction littéraire de l’écrivain espagnol Benjamin Jarnés, dans l’exil de 1939.Il entre en jeu, par conséquent, le transfert de connaissances encyclopédiques destiné aux enfants pour la (de)construction, à travers l'enseignement de la littérature, de l'art et de la connaissance humaine, de l'identité, individuelle, nationale, transnationale, mondiale? à partir d'une polyphonie de langues et de cultures.

Michel Houellebecq est un auteur controversé, non seulement parce que certains critiques s’interrogent sur le statut littéraire de son oeuvre, qui a connu un immense succès commercial, mais aussi parce que ses romans, souvent provocateurs, engendrent chez les lecteurs des réactions contrastées, qui vont du rejet radical, accompagné par une mise en cause de la valeur morale du texte, à une forte adhésion, généralement fondée sur le constat de la lucidité de l’auteur et de sa capacité à représenter le monde tel qu’il est, avec férocité, sans complaisance, mais également avec courage et un certain humour. Au coeur de ces jugements qui engagent des valeurs essentielles pour la littérature, se pose la question fondamentale de la polyphonie romanesque. Sur la base d’une analyse de quelques extraits tirés des Particules élémentaires, seront dégagés différents facteurs, textuels et contextuels, susceptibles de conditionner la réception du texte, notamment la perception de la « voix » de l’auteur, tout en offrant un espace ouvert sur une pluralité interprétative. Je me centrerai en particulier sur la manière dont le roman présente des opinions racistes, homophobes et antiféministes susceptibles d’engendrer de violentes réactions de la part du public, tout en engageant, à des degrés différents, la responsabilité morale de l’écrivain. Cette analyse visera également, en préambule, à réfléchir sur le statut éthique des énoncés fictionnels.

Les Faux-monnayeurs d’André Gide est un (anti-)roman qui fait appel à un autre médium artistique amimétique – en l’occurrence la musique – afin de mettre en question la représentation de l’authenticité, du réel et de la subjectivité de l’écrivain. Édouard, le protagoniste romancier qui souhaite lui-même rédiger un roman intitulé Les Faux-monnayeurs, se trouve plongé dans une mise-en-abîme où le récit linéaire contrapuntique déjà complexe se colore d’ambiguïté narrative grâce à une polyphonie verticale : et ce, par le biais de l’axe paradigmatique, des récits emboîtés et de l’usage du discours indirect libre. Gide réalise, au moins en partie, le rêve d’Édouard paralysé par la page blanche : terminer l’œuvre de Bach, L’Art de la fugue, en littérature. C’est-à-dire, que d’un point de vue intermédial, Gide emploie une poétique de la fugue – style musical théoriquement interminable – afin de subvertir le genre romanesque. L’intermédialité rejoint l’interdisciplinarité et, en appliquant le théorème mathématique et philosophique de Kurt Gödel – son théorème de l’incomplétude –, la verticalité textuelle, synonyme de métarécit chez Gide, se déploie dans toute son éloquence et renforce davantage la thématique du « faux » et de la « copie » dans un roman contrefait. Fleeing Completeness or The Intermedial Metanarrative of Les Faux-monnayeurs André Gide’s Les Faux-monnayeurs is a (anti-)novel that calls upon another amimetic artistic medium – music – in order to question the representation of authenticity, of the real, and of the novelist’s subjectivity. The novel’s protagonist, Édouard, wishes to write a novel entitled Les Faux-monnayeurs, and finds himself at the bottom of a mise-en-abîme where the already complex contrapuntal narrative becomes further ambiguous alongside examples of vertical polyphony: such as the paradigmatic axis, framed narratives (mise-en-abîme), and the use of free indirect speech. Gide is capable, in part, of realizing the goal of his protagonist, who is paralyzed by the blank page: to finish Bach’s work, The Art of Fugue, in literature. From an intermedial perspective, Gide employs a fugal poetics – the theoretically endless musical style – in order to subvert the genre of the novel. Finally, intermediality joins interdisciplinarity, and by applying Kurt Gödel’s mathematic and philosophical theorem – the incompleteness theorem –, textual verticality, synonymous with Gide’s metanarrative, reaches its height and further reinforces the themes of the “false” and the “copy” in a counterfeit novel.

Novela del regreso a Guadalupe de Maryse Condé, Traversée de la Mangrove traza los rasgos de una aldea aislada perturbada por la muerte de Francis Sancher, un extranjero venido de un lugar indefinido, que reúne la población en un velatorio donde los asistentes dejan vagar sus pensamientos, revelan secretos, se cuestionan sobre su vida y, poco a poco, desvelan los misterios del difunto. A partir de esa polifonía, donde aparece la influencia de Faulkner y una intertextualidad caribeña, Maryse Condé establece una reflexión sobre la identidad antillana y las diversas corrientes que han recorrido su literatura (Negridud, Antillanidad, Creolidad). Afirma así su independencia, su desapego frente a las teorías, para concentrarse en lo humano. Capta así el carácter específico de su isla, compuesta e hibrida, modernizando el concepto de rizoma defendido por Glissant, con una lengua francesa que dice haber “canibalizado” para expresar las contradicciones, las errancias y los errores de una tierra enfrentada a lo desconocido y ávida de ideales. A novel about Maryse Condé's return to Guadeloupe, in which she paints thepicture of an isolated village disturbed by the death of Francis Sancher, an outsider coming from anundefined elsewhere, and who brings the population together in a funeral wake during which theparticipants let their thoughts wander, reveal secrets and question their own lives and gradually reveal the secrets of the deceased. From this polyphony in which one can detect the influence of Faulkner and a Caribbean intertextuality, Maryse Condé sets out a reflection on the Antilles identity and the different currents present in its literature (Negritude, Antillanity and Creolity) and thus affirms her independence, her detachment from theories in order to concentrate on the human. She thus captures the specific character of her island, both composite and hybrid, by renewing the concept of the rhizome defended byGlissant in a French language, which she herself admits to having “cannibalised” to express the contradictions, the errancies and the errors of a land confronted by the unknown and in search of ideals. Roman du retour en Guadeloupe de Maryse Condé, Crossing Mangrove brosse le portrait d’un village isolé perturbé par la mort de Francis Sancher, un étranger venu d’un ailleurs indéfini qui rassemble la population dans une veillée funéraire au cours de laquelle les assistants laissent vagabonder leurs pensées, révèlent des secrets, s’interrogent sur leur vie et peu à peu dévoilent les mystères du défunt. À partir de cette polyphonie dans laquelle apparaît l’influence faulknérienne et une intertextualité caribéenne, Maryse Condé pose une réflexion sur l’identité antillaise et les courants divers qui ont traversé sa littérature (Négritude, Antillanité Créolité,) et affirme ainsi son indépendance, son détachement des théories pour se concentrer sur l’humain. Elle capte ainsi le caractère spécifique de son île, composite et hybride, en renouvelant le concept de rhizome défendu par Glissant par une langue française qu’elle dit elle-même avoir ʺcannibaliséeʺ pour dire les contradictions, les errances et les erreurs d’une terre confrontée à l’inconnu et avide d’idéaux.

La Celestina by Fernando de Rojas was published in Spain for the first time in 1499 as a comedy, and as a tragicomedy in 1502. The first Italian translation of the play was published in Rome in 1506 and gave birth to a parallel and complementary textual tradition on which the reception and translation of the play in other modern languages (such as French and German) were based. Given the wide success of Celestina in Italy, this essay focuses on the hybrid genre of the play, which can be placed at the crossroads of comic and tragic genres but also on the boundaries between narrative and theatrical modes of expression. It emphasizes the importance of Celestina’s dialogic, parodic, and polyphonic structure, and its links with Dante’s Commedia and Boccaccio’s Decameron. Building on the “working hypothesis” of a Florentine genesis of Celestina, this essay explores its connection with humanist comedy and with Aretino’s comic-burlesque literature. La Celestina de Fernando de Rojas fut publiée en Espagne pour la première fois en 1499 en tant que comédie, puis en 1502, en tant que tragicomédie. La première traduction italienne de la pièce a été publiée à Rome en 1506 et a donné le jour à une tradition textuelle complémentaire et parallèle, laquelle en a par la suite nourri la réception et la traduction en plusieurs langues modernes (en français et en allemand par exemple). Étant donné le grand succès que reçut La Celestina en Italie, cet essai se penche sur le genre hybride de la pièce, qui participe également des genres tragique et comique, et qui, en outre, se situe à la frontière des modes d’expression narratif et théâtral. Ces observations soulignent l’importance de la structure dialogique, parodique et polyphonique de La Celestina, ainsi que ses liens avec la Divine Comédie de Dante et avec le Décaméron de Boccace. De plus, suivant l’hypothèse de travail d’une genèse florentine de La Celestina, cet article explore ses relations avec la comédie humaniste et la littérature comique-burlesque de l’Arétin.

L’une des originalités de l’œuvre de Richard Millet est d’entrer en dialogue tout à la fois avec Faulkner et avec Proust. À partir de La Gloire des Pythre (1995), l’écrivain construit autour de son village natal, rebaptisé Siom, un territoire littéraire qu’il peuple de personnages et d’histoires entre réalité et légende, à la manière du comté de Yoknapatawpha, et dans une forme polyphonique qui doit aussi quelque chose à Faulkner. Mais quand, avec Ma vie parmi les ombres(2002), il entreprend, via un narrateur alter ego, de partir à la recherche de son enfance et de son histoire familiale, tout en racontant son cheminement vers l’écriture, c’est sous le signe d’un rapport proustien à la mémoire, aux sensations, à la lecture. L’article s’attache à identifier les échos des deux grands romanciers dans ces deux romans majeurs de la littérature contemporaine.

In the context of recent African historical novels that aim to rehabilitate their protagonists through reference to the archives as they appear implicitly, both in the paratext and in the story itself, this article offers a reading of the novel Le Miraculé de Saint-Pierre by Gaston-Paul Effa (2017). This polyphonic novel traces the life of Louis-Auguste Cyparis, allegedly the only survivor of the eruption of the Montagne Pelée in 1902. In this novel, the third-person narrative of Cyparis, which unfolds in three stages (Martinique, the Barnum & Bailey circus and Panama), is interspersed by a conversation between Effa himself as a character and a reader, who could be Cyparis’s great-granddaughter. The validity of written sources is therefore questioned in favour of private remembrance, transmitted from generation to generation. By analysing the thematic of meeting or appointment, this reflection will illustrate the ethical significance of the novel, by combining the approaches of Emmanuel Levinas on the encounter with the Other and of Jacques Derrida on the archive, coalescing them in a postcolonial worldview.

L’article analyse différents aspects du jeu dans les romans de Sophie Divry, une romancière de l’actualité aux allures de militante. Son œuvre protéiforme développe l’idée de ludisme littéraire qui assure du plaisir à l’auteur et engage le lecteur tout en transmettant un message sur la société. Dans l’essai Rouvrir le roman, l’écrivaine propose de réinventer le genre romanesque au moyen de l’esprit de non-sérieux qui est un stimulant de la littérature. Fondée sur l’intertextualité, l’écriture de Divry renouvelle de façon originale des modèles connus comme celui de Madame Bovary (La condition pavillonnaire) ou de Robinson Crusoé (Trois fois la fin du monde). Les jeux narratifs conduisent la romancière à élaborer une écriture polyphonique. L’étude du roman Quand le diable sortit de la salle de bain démontre le lien entre le jeu et l’autoréflexivité et relève le potentiel du ludisme au niveau langagier, typographique et formel.

L’exotisme chinois tel que conçu à l’époque des Lumières est étudié, souvent en tant que partie de l’exotisme oriental, depuis le début du XXe siècle (citons entre autres L’Orient dans la littérature française au XVIIe et au XVIIIe siècle de Pierre Martino, L’Orient romanesque en France (1704-1789) de Marie-Louise Dufrenoy). Malgré de nombreuses recherches déjà faites, la Chine abordé du point de vue de sa présence dans les romans des Lumières n’a pas été scruté dans ses enjeux à la fois philosophique et esthétiques. Pour saisir la spécificité de l’engouement pour ce pays, nous proposons d’examiner les Lettres chinoises du marquis d’Argens, une des nombreuses œuvres de l’époque qui s’inspirent du roman épistolaire polyphonique des Lettres persanes (1721) de Montesquieu. Dans le roman du marquis d’Argens, la Chine ne constitue pas toujours un exemple positif. Les divers aspects de la réalité chinoise et occidentale sont utilisés dans des comparaisons et des analogies qui révèlent la faiblesse universelle de l’être humain: la cupidité, la vanité, l’intolérance et l’hypocrisie, etc.. En donnant la parole aux personnages chinois, l’auteur invite le lecteur à participer à la réflexion et à la critique de la situation en France par le biais d’un miroir qui lui tend l’Autre. La forme épistolaire polyphonique empêche de tirer des conclusions trop rapides et univoques. Cependant, par ces comparaisons systématiques, d’Argens formule les critères universels d’un pays bien géré et d’une condition humaine bien vécue.

Résumé Cet article tente de réévaluer le discours de la critique africaine pour esquisser ensuite une réflexion sur la question de l’écriture et de son rapport avec la dynamique des genres dans le roman africain. Il s’agit de déplacer le débat de l’africanité des textes vers celui de l’écriture romanesque afin d’élargir le cadre de réception des textes. En effet, si d’aucuns évoquent les références aux récits folkloriques qu’on rencontre dans certains textes africains pour dire que le roman africain est un simple prolongement de la littérature traditionnelle (critique afrocentriste), d’autres soutiennent que le roman africain est une pâle copie du roman européen (critique eurocentriste). Pourtant, la vie culturelle de ce début du IIIe millénaire, caractérisée par plusieurs modes et moyens de communication, fait se rencontrer diverses cultures, de telle sorte que ces éléments puisés ailleurs participent de l’esthétique romanesque elle-même, dont on sait, au moins depuis Bakhtine, qu’elle est polyphonique. Cette analyse tient compte du fait que le roman africain participe du paradoxe de la création esthétique voulant qu’une oeuvre ne puisse ni se passer de la référence aux genres et aux modèles canoniques ni les reproduire totalement.

Le discours littéraire permet d’explorer le passé pour mieux comprendre le présent et préparer l’avenir. Il remémore les événements du passé en proie à la disparition, rend hommage aux tribulations des ancêtres et lie passé et présent. La question de la mémoire et le désir de sa transmission occupent une place considérable dans la littérature contemporaine. Ainsi la question de la mémoire et la volonté de se souvenir s’avèrent omniprésents dans le roman « La Trace : Agouzou femme esclave » de l’écrivaine antillaise Monique Arrien-Carrère publié en 2021. À travers un dispositif narratif polyphonique, il réinterroge l’histoire de l’esclavage colonial, matrice de l’imaginaire antillais pour se souvenir. Cette rétrospection permet de déchiffrer dans l’esclavage des Noirs les éléments nécessaires à la construction mémorielle familiale ou collective et à l’interprétation et la compréhension de la société antillaise. Car le retour en arrière tel qu’envisagé par l’auteure permet de mieux comprendre les configurations du présent, d’avoir une conscience historique et d’entretenir la réminiscence du passé de la traite des Noirs dans l’univers antillais. Notre étude s’intéresse au récit de la mémoire dans le roman d'Arien-Carrère. Elle s'appuie tout d’abord sur l’analyse historique,puis sur l’aspect socio-anthropologique en établissant le rapport entre le passé et le présent.

S’appuyant sur les écrits de théorie musicale des années 1540 et 1550 notamment, la littérature musicologique récente tend à distinguer deux types d’écriture imitative ( fuga ) pratiqués durant la Renaissance. D’une part, les fugae « exactes », dans lesquelles la partie de comes reproduit à l’identique les intervalles chantés par la partie de dux ; d’autre part, les fugae « diatoniques », dans lesquelles la partie de comes reproduit les intervalles chantés par la partie de dux seulement dans la mesure où cette imitation préserve la structure de l’échelle d’origine. L’étude systématique des fugae attribuées à Josquin Desprez (v. 1450-1521) révèle que cette bipartition ne permet toutefois pas de décrire l’ensemble des situations rencontrées. Certaines fugae requièrent une réalisation « mixte », associant des passages en imitation exacte à des passages en imitation diatonique ; d’autres se prêtent à une pluralité de réalisations distinctes. D’autres, enfin, ne semblent pouvoir être chantées selon aucune des techniques envisagées, toutes les réalisations soulevant d’inextricables difficultés contrapuntiques. À une époque légèrement antérieure à la fixation théorique de la distinction entre fuga exacte et diatonique, la variabilité des notations relevées dans les sources musicales, la complexité, la richesse des formes et des dispositifs employés par Josquin révèlent une approche compositionnelle souple, loin des cadres binaires suggérés par la théorie ultérieure. Par une cartographie des principales difficultés posées par la réalisation des fugae attribuées à Josquin, cet article vise à montrer que les techniques d’écriture imitative constituent un terrain fécond d’expérimentation pour le compositeur. D’une importance fondamentale dans l’œuvre de Josquin, et plus largement dans les polyphonies de la Renaissance, elles soulèvent d’importantes questions quant au statut des sources musicales et théoriques, ainsi que des techniques de réalisation sonore des fugae autour de 1500.

« Le trait commun à toute chose est que tout est multiple ». Badiou, A. (2021). Alain Badiou par Alain Badiou (p. 79). PUF. Au cœur de notre contemporanéité, les interrogations sur notre identité marquent le rythme d’une construction qui n’est jamais sur le point de se figer, mais précisément pensée à travers les aléas de l’histoire et dans le bourbier des genres, des genres littéraires et, en particulier, des genres humains. Ce nouveau dossier de la revue HYBRIDA. Revue scientifique sur les hybridations culturelles et les identités migrantes, que nous coordonnons depuis l’Amérique latine, invoque précisément les modalités, les nuances et les significations autour de l’identité comme concept transculturel. En guise d’évocation augurale, nous voudrions mettre en exergue le regard très singulier sur les préoccupations politiques et humaines qu’incarnent l’œuvre et la figure de Jean Genet, sa grande littérature, mais également son travail d’action ou d’intervention sur le réel, sous l’égide de l’identité comme mutation ontologique inhérente à l’être. Cette ouverture politique et humaniste pourrait bien nous servir à trouver une cohérence dans la panoplie d’articles qui composent ce dossier ; comme si notre situation actuelle était déjà traversée, en quelque sorte, par les pressentiments genétiens, de nature transidentitaire, sur les ambivalences qui nous constituent et l’urgente nécessité de briser les archétypes et les stéréotypes à la recherche d’une réalité plutôt hétéroclite, d’identités multiples, en tension, au sein de leurs différences assumées. La condition identitaire revisitée pourrait donc être l’une des hypothèses à trouver dans ce dossier consacré à passer en revue, sous le titre d’IDENTITÉ/S, les auteur·e·s et les textes qui, abordant la question de manière hélicoïdale, tissent ce vaste rhizome. Contre « la nuit de l’esclavage » s’élèvent la rhapsodie antillaise et les contre-épopées que Mohamed Amine Rhimi analyse dans l’œuvre d’Édouard Glissant, comme l’une des manières de revendiquer une identité anéantie s’incarnant non pas dans un destin personnel mais dans un cadre communautaire. Séverin N’gatta nous démontre que la déconstruction d’un mythe tyrannique permet de lire dans les formes artistiques comment nous vivons dans un monde où les êtres hybrides prolifèrent et, bien souvent, reproduisent et multiplient les distorsions qui nous éloignent de la vérité. Claire David accorde toute sa place à la notion d’entre-deux dans l’écriture « migrante » de Fatima Daas, du point de vue linguistique, et spatial également, comme figuration des identités à l’image d’une pendule dont l’oscillation multiplie l’accentuation de la « quête identitaire ». Celle-ci est étudiée et déployée dans ses fractures, ou plutôt dans la construction définitive d’un sujet interstitiel régi par des paramètres relationnels qui sont, de nos jours, à la base de nos subjectivités toujours en transit. Dans l’article de Rolph Roderick Koumba, le concept nodal de frontière et les pièges du « fétichisme identitaire » réapparaissent à travers des postulats qui, célébrant l’itinérance et la condition transnationale, permettent l’apophthegme que les identités culturelles sont toujours en perpétuelle construction. Suivant ce mouvement de pensée, María Rodríguez Álvarez analyse trois productions audiovisuelles où la « banlieue » apparaît comme espace primordial pour rendre visibles les tensions identitaires se matérialisant dans les dichotomies dominant/dominé et dedans/dehors. Dans l’article de Rym Kheriji, la « réappropriation de soi » nous renvoie à son tour à des formes territoriales à partir desquelles l’on peut imaginer les localisations et les déplacements d’un paysage social. C’est ainsi que l’identité, ou plutôt la perte d’identité, nous est montrée sous son angle le plus complexe et contradictoire. Mourad Loudiy étudie l’expérience migrante à la lumière des constructions identitaires comme un « tiers-espace » qui fait surgir l’Autre, comme une (re)sémantisation qui offre une instance d’altérité conçue presque comme une membrane. L’article de Manuela Nave, suivant une méthodologie d’analyse comparée entre l’écrivain mexicain Carlos Fuentes et l’écrivain antillais Édouard Glissant, montre bien que la littérature offre une possibilité cosmopolite de reconfigurer de nouvelles limites, plus fluctuantes, circonscrites aux seuls bienfaits de l’interculturalité. Blanche Turck explore l’univers de la poésie à partir de la notion problématique de « sujet lyrique », trop englobante, voire généralisante. En effet, ce concept tient difficilement compte du nouveau statut des voix poétiques dans la poésie contemporaine, peuplée de présences transgenres, de polyphonies et de lyrismes relationnels. Le dossier se clôt sur l’article de Fanny Martín Quatremare qui étudie les pèlerinages d’Alexandra David-Neel où le voyage devient sans aucun doute une expérience spéculaire. Ainsi, le contact avec l’altérité pose à l’auteure des interrogations identitaires et des interpellations existentielles, comme dans un miroir déformant et révélant à la fois le reflet de soi. Nous vous invitons donc à une expérience de lecture polyphonique sur les IDENTITÉ/S qui nous permette de remettre en question nos a priori donnant accès à des univers d’ouverture et d’échange afin de raviver nos parcours personnels et nos mémoires collectives, de plus en plus hybrides et multidimensionnels.

La conception de l’enquête qu’Éric Chauvier déploie dans son oeuvre, c’est tout au moins l’idée que j’essaie de défendre dans cet article, n’est pas tant située quelque part entre anthropologie et littérature, qu’elle caractérise une forme d’anthropologie qui s’appuie sur la littérature, à la fois comme fiction et comme récit, parce qu’elle est habitée par une recherche continuelle sur la façon d’approcher ce qui échappe constamment à l’énonciation, l’altérité. Éric Chauvier a besoin de mobiliser d’autres méthodes que les formules standardisées et les protocoles de recherche savants en raison de leur impuissance à saisir l’expérience humaine dans sa polyphonie et dans son inconstance, dans sa fragilité et sa précarité aussi quand l’enquête s’attaque à rendre compte de « vies minuscules ». Keywords : Enquête fictionnelle, épistémologie de l’ordinaire, dispositifs littéraires, exigence de réel, vies minuscules

International audience Pour qui, pourquoi, comment parler de soi ? De quelle manière s’articule le discours autobiographique, les discours autobiographiques ? Le sujet est largement rebattu et la littérature foisonne d’exemples aussi célèbres que convaincants.Comment ces discours autobiographiques peuvent-ils s’inscrire dans les interstices souvent réduits que concède le pouvoir politique, mais aussi, celui de la société englobant les individus auquel nul n’échappe, fût-il lui-même l’incarnation du pouvoir ? Comment parviennent-ils à « prendre le pouvoir » le temps de leur énonciation, par surprise, par stratégie, par inertie ? À le distordre, le minoriser, le transcender. La question mérite d’être posée.Ce numéro spécial de Slovo consacré au « discours autobiographique à l’épreuve des pouvoirs en Europe – Russie – Eurasie » se veut une polyphonie de voix diverses connues ou ignorées, où résonneront celles des souverains eux-mêmes, comme celles des simples individus prenant la parole et accédant ainsi à une notoriété fugace, à côté de celles plus attendues des écrivains et autres personnalités reconnues par l’histoire.

International audience Подхождайки към литературния канон през едновременно конститутивната му и представителна функция по отношение на националната идентичност, авторката разглежда концептуалното противоречие, което лежи в основата на конфликтните отношения между постмодернизъм и канон в сръбската и българската литератури. И в двете култури постмодерното мислене и поетика допринасят за разколебаването на традиционното схващане за канон и история на литературата. Тъй като дават предимство на диалога с чуждестранната литература, сръбските автори биват обвинявани, че обръщат гръб на националните литературни особености, които дотогава критиката традиционно е изтъквала. Българските писатели пък охотно се оглеждат в текстовете на първите български класици, като ги пренаписват в пародиен план с цел да разкрият литературната структура на националните митове. Така въпреки привидната несъвместимост между постмодернизъм и литературен канон техният сблъсък в последните десетилетия на xx век играе важна роля за преминаването към едно ново схващане за история на литературата, което повече от всякога се опира на принципите на полифонията и диалогичността. By addressing the question of literary canon trough its dual constitutive and representative function with regard to national identity, the author questions the conceptual opposition on which the relations between postmodernism and canon are founded in Serbian and Bulgarian literatures. In both those cultures postmodern thought and poetics contribute to challenge the traditional understanding of canon and history of literature. Serbian authors are criticised for being more interested in dialogue with foreign literatures and thus turning away from the national specificities which were, till then, usually put forward by literary criticism. The Bulgarian writers, on the contrary, gladly look back at the texts of the first Bulgarian classics but they do so by rewriting them in a parodic way in order to reveal the literary structure of the national myths. However, despite the apparent incompatibility between postmodernism and literary canon, their encounter during the last decades of the twentieth century played a key role in moving towards a new concept of history of literature which relies more than ever on the principles of polyphony and dialogism. En abordant la question du canon littéraire par sa double fonction constitutive et représentative à l’égard de l’identité nationale, l’auteur interroge l’opposition conceptuelle sur laquelle se fondent les rapports entre postmodernisme et canon dans les littératures serbe et bulgare. Dans ces deux cultures, la pensée et la poétique postmodernes favorisent la remise en cause de la conception traditionnelle du canon et de l’histoire de la littérature. Recherchant davantage le dialogue avec les littératures étrangères, les auteurs serbes se voient reprocher de tourner le dos aux spécificités littéraires nationales qui étaient jusqu’alors mises en avant par la critique. Les écrivains bulgares en revanche se tournent volontiers vers les textes des premiers classiques bulgares, mais c’est pour les réécrire sur un mode parodique afin de dévoiler la structure littéraire des mythes nationaux. Et pourtant, malgré l’apparente incompatibilité entre postmodernisme et canon littéraire, leur rencontre dans les dernières décennies du xxe siècle a joué un rôle déterminant dans l’évolution vers une nouvelle conception de l’histoire de la littérature qui s’appuie plus que jamais sur les principes de la polyphonie et du dialogisme.

Par ses expérimentations numériques, la littérature urbaine permet une appréhension kaléidoscopique et polyphonique de l’espace. Cette pratique scripturale, essentielle dans les narrations vidéoludiques, rend également le médium intimement spatial. L’œuvre twittéraire collective montréalaise #dérive (2010, en cours) actualise les figures de lecture développées par Gervais (2007). Cette œuvre fragmentaire construit une anthologie permanente de la ville par son exploration aléatoire et ludique, actualisant la figure du museur. L’œuvre apporte une compréhension collective d’expériences urbaines pourtant personnelles, permettant la construction de significations complexes (figure de l’interprète). En s’ajoutant et se superposant, ces perceptions particulières, poétiques et narratives, apportent une transcription infraordinaire de la ville, archivant un texte urbain en perpétuelle réécriture.