Dissertations / Theses on the topic 'Poéticas orai'

Essa tese é o resultado de uma pesquisa etnográfica realizada junto às atividades do Grupo de Capoeira Angola Pelourinho – GCAP – em Salvador (Bahia/Brasil) e em Cremona (Itália). Trata-se de narrativa centrada em experiência autoral nômade, que se fez oportunidade para investigar os processos culturais, artísticos, bem como as dinâmicas politíco-sociais que obras, marcadas por várias autorias, do final do século XIX aos dias atuais, trazem sobre a capoeira, com mudança de seu estatuto: de prática criminalizada (e sempre posta à margem) à Patrimônio Imaterial da Humanidade. Crítico em relação a esse projeto de institucionalização, o GCAP, orientado pelo Mestre Moraes (Pedro Moraes Trindade), vem desenvolvendo um projeto, interessado em compreender, no contexto atual, narrações orais e corporais, levando adiante princípios e práticas que distinguem essa arte em sua complexidade. Como transmitida no GCAP, a capoeira angola sugere um pensamento de entre-lugar, estimulando a constante busca por outras verdades, ancorado num aprendizado sem ponto final. Para ressaltar essa perspectiva, a narrativa de minha experiência etnográfica não tratou de aspectos meramente visíveis da capoeira – materialização que, pessoas com seus corpos, fazem da capoeira -, mas de como sua prática estimula emoções, interesses e conhecimentos. Minha experiência, em diálogo com outros integrantes do GCAP e suas produções, trouxe à tona a existência de uma tradição poética da capoeira angola, que chamei de poética mandinga, ressaltando sua ancestralidade africana. Essa poética envolve as diversas partes do ritual da capoeira - textuais-corporais-musicais-relacionais – e permite entender a capoeira angola como uma ambiência comunicacional, artístico e expressiva, divulgada e atualizada no encontro entre diferentes culturas.
Questa tesi è il risultato di una ricerca etnografica condotta frequentando le attività del Grupo de Capoeira Angola Pelourinho - GCAP - a Salvador (Bahia/Brasile) e a Cremona (Italia). É una narrativa centrata in un’esperienza d’autore nomade, che è diventata l'occasione per indagare i processi culturali e artistici, così come le dinamiche politiche e sociali che l’operato di diversi attori, della fine del XIX secolo ad oggi, ha prodotto sulla capoeira, cambiando il suo status: da pratica criminalizzata (e sempre marginalizzata) a simbolo del Patrimonio Immateriale dell'Umanità. Critico nei confronti di questo progetto di istituzionalizzazione, il GCAP, orientato da Mestre Moraes, Pedro Moraes Trindade, sviluppa un progetto interessato a comprendere, nel contesto attuale, narrazioni orali e corporali, portando avanti principi e pratiche che contraddistinguono quest’arte nella loro complessità. Como trasmessa nel GCAP, la capoeira angola suggerisce un pensiero del intermezzo (in-between), stimolando la costante ricerca di altre verità, ancorato in un processo di apprendimento privo di punto finale. Per sottolineare questo aspetto, la narrazione della mia esperienza etnografica non ha affrontato solo gli aspetti visibili della capoeira - materializzazione che le persone con i loro corpi fanno della capoeira -, ma di come questa pratica stimola emozioni, interessi e conoscenze. La mia esperienza, in dialogo con gli altri membri del GCAP e le sue produzioni, ha fatto emergere anche l'esistenza di una tradizione poetica della Capoeira Angola, che ho chiamato poetica mandinga, sottolineando la sua ascendenza africana. É importante accentuare che, dal XX secolo, questa manifestazione poetica ha iniziato ad essere registrata, sviluppando una conseguente produzione discografica accessibile a persone provenienti da diverse parti del mondo.

O principal objetivo desta tese é cartografar conceitos, perspectivas e práticas relativos à pesquisa de poesia oral na região Sul do Brasil, realizada pelos estudos folclóricos entre 1945 e 1995. Contextualiza-se o desenvolvimento desses estudos ao serem analisadas publicações representativas do período. A pesquisa foca, em especial, folcloristas os quais possibilitam um panorama do que era discutido e estudado na época. A metodologia consiste, basicamente, de levantamento e análise bibliográfica de publicações referentes a estudos folclóricos nessa região, as quais apresentam relevância para entender perspectivas e verificar práticas de abordagem da poesia oral. A tese encontra-se dividida da seguinte forma: conceitos e perspectivas que envolvem o termo folclore (objeto de estudo) e Folclore (disciplina/área do conhecimento), concepções e posicionamentos relativos a semelhanças e diferenças entre literatura e poesia oral, perspectivas e práticas de folcloristas relativas ao processo de construção de fonte e aos métodos de abordagem e análise da poesia oral, pressupostos e práticas quando são enfocadas a formação e a afirmação de identidades.
The main goal of this thesis is to map concepts, perspectives and practices related to the research on oral poetry in Southern Brazil conducted within the field of folcklore studies between 1945 and 1995. The development of these studies is contextualized by analyzing the publications that represent particular rationalities of the period. The research focuses specially on folklorists which enables an overview of what was discussed and studied at the time. The methodology consists basically of a bibliographic survey of publications concerning folklore studies in this region and its analysis. These publications are relevant to understand and verify perspectives and approaches to the oral poetry. The thesis is divided as follows: concepts and perspectives concerning the term folklore (object of study) and Folklore (subject/field of knowledge); conceptions and positionings concerning the similarities and differences between literature and oral poetry; perspectives and practices of folklorists concerning: 1.the methods used to constitute an oral source and 2.ways of approaching and analyzing the oral poetry. These are assumptions and practices that come into question when the issue is building and statement of identities.

El origen y significado de la inspiración poética” ha sido siempre objeto de considerable controversia. Lo que los críticos no preguntan muy a menudo es: ¿cuáles son las palabras o frases que los textos poéticos tempranos, previos al Período Clásico, usaron para expresar el genio poético o mousikē que nosotros asociamos con la inspiración en la poesía griega temprana? En este ensayo examino, en primer lugar y principalmente, tanto la terminología empleada por Homero y Hesíodo para expresar la experiencia poética, como el rol del aoidoso cantor/poeta en sus descripciones respectivas. Sostengo no solo que se confunden en Homero y Hesíodo las nociones físicas y figurativas de inspiración”, es decir, que no son diferenciadas por los poetas de manera consciente, sino que la poesía misma debe haber sido vista por Homero y Hesíodo como un don divino –de acuerdo a la voluntad de los dioses–. También sostengo que diversas etimologías y contextos sugieren fuertemente que un tipo de mania o posesión extática fue una parte importante del proceso poético temprano. El trabajo aquí presentado es una versión abreviada de un proyecto de investigación más amplio que busca examinar el origen y desarrollo de las actitudes pre-platónicas, platónicas y post-platónicas hacia la inspiración y la alegoría. --- Some Reflections on the Early Greek Notion of Poetic Inspiration”. The origin and meaning of poetic inspiration” has always been the subject of considerable controversy. What critics rarely ask are: what words or phrases did the early poetic texts use to express the poetic genius or mousikē we associate with inspiration in the early Greek poetry, and thus prior to the Classical period? In this paper, I examine first and foremost both the terminology employed by Homer and Hesiod to express the poetic experience and the role of the aoidos or singer/poet in their respective accounts. I argue that not only are the physical and figurative notions of inspiration” in Homer and Hesiod confused, that is, they are not consciously distinguished for the poets, but poetry itself for Homer and Hesiod must have been seen as a divine gift –as willed by the gods. I also argue that a number of etymologies and contexts strongly suggest that a type of mania or ecstatic possession was very much a part of the early poetic process. The work presented here is an abridged part of a larger research project that seeks to examine the origin and development of pre-Platonic, Platonic and postPlatonic attitudes toward inspiration and allegory.

Cette thèse étudie la trajectoire de Festivals de Violeiros realisées dans le Nord-est du Brésil, en ayant comme fil conducteur de la recherche la poétique orale, notamment la cantoria improvisée. Pour construire une cartographie des festivals, on réfléchit sur les changements sociaux qui ont motivé l'émergence de cette structure plus moderne, le festival, avec des éléments dirigés au spectacle urbain comme transformation d'une pratique plus traditionnelle, o pé de parede, qui avait lieu dans les régions rurales. Le trajet entre la permanence d'une modalité et le renforcement de l'autre passe par la production de rencontres et de congrès qui occupent les espaces de cantoria improvisée, connu aussi como repente. La première partie, intitulé Improviso e pé-de-parede, met en évidence la nature structurelle de ce type de poésie orale, en mettant l'accent sur le processus de création des vers improvisés, ainsi comme la réflexion sur la performance à partir du trépied: la voix, le corps et l'image, qui module la figure du repentista. On offre également une discussion sur la participation des chanteurs et chanteuses dans l'univers de la cantoria depuis l'enfance, à partir de l'analyse des entrevues réalisées au cours de la recherche. La deuxième partie, intitulée Festivals: entre les routes et les vagues, se concentre sur les festivals et cherche à présenter une trajectoire à partir des événements organisées en Europe et comme le modèle adopté au Brésil a cherché son inspiration dans la manière en vogue dans les festivals de musique populaire brésilienne, par exemple. Bien que la structure était utilisé dans une grande tradition de congrès et de rencontres réalisées encore dans les années 1940, le nom festival n’était adopté que dans les années 1970. La recherche a mis en évidence l'existence de routes qui conduisent le mouvement des festivals. Dans le même temps, il était aperçu des changements dans la configuration des événements, en tranformant l’esthétique par rapport à la viola, au vers et à la voix ainsi que leur inclusion dans le circuit de l’industrie culturelle, encourageant la création de spectacles dirigés à la consommation de masse et de l'utilisation des médias comme réseaux de permanence et d'expansion
This thesis investigates the trajectory of Violeiros Festivals held in Northeast Brazil having as common thread of the research the oral poetry, notably the improvisation singing. To build a cartography of these festivals, the research reflects on the social changes that led to the emergence of this more modern structure, the festival, with elements facing the urban spectacle as a transformation from a more traditional practice, o pé de parede, which occurred in rural areas. The route between the permanence of a modality and the strengthening of other involves the production of meetings and conferences which occupy the spaces of improvised singing, known as repente. The first part, entitled Improvisation and pé de parede, aims at the structural nature of this type of oral poetry, focusing on the process of creating improvised verses, as well as thinking about performance from the tripod voice, body and image, which modulates the “repentista” profile. It also offers a discussion of the involvement of the singers and “cantadoras” with the universe of “cantoria” since childhood, from the analysis of the interviews conducted during the research. The second part, entitled Festivals: between routes and waves, addresses festivals and aims at presenting a trajectory from the events held in Europe and how the model adopted in Brazil found inspiration in the pattern still in practice in Brazilian Popular Music Festivals for example. Although the structure had already been used in a wide tradition of conferences and meetings performed in the 1940s, the noun “festival” started to be adopted only from the 1970s. The research revealed the existence of routes that drive the movement of the festivals. At the same time, there are changes in the configuration of events, changing aesthetics in relation to the viola, the verse and the voice as well as the inclusion in the cultural circuit industry, encouraging the creation of shows geared for mass consumption and making use of the media as maintenance and expansion channels

Submitted by Déa Silva (andreabetania@gmail.com) on 2014-10-03T00:43:53Z No. of bitstreams: 2 VOLUME 1 PARA DEPÓSITO NO BRASIL corrigido em 16.09.pdf: 11308548 bytes, checksum: 34c00c50193e2dee1353c16f8f1116cb (MD5) VOLUME 2 (1) EM 16.09.pdf: 24020552 bytes, checksum: 789ec6bac24716a1aea3505d000e1cc6 (MD5)
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Esta tese investiga a trajetória dos Festivais de Violeiros realizados no Nordeste brasileiro, tendo como fio condutor da pesquisa a poética oral, notadamente a cantoria de improviso. Para construir uma cartografia dos festivais, reflete sobre as mudanças sociais que motivaram o surgimento dessa estrutura mais moderna, o festival, com elementos voltados para o espetáculo urbano como transformação de uma prática mais tradicional, o pé de parede, que acontecia no âmbito rural. O percurso entre a permanência de uma modalidade e o fortalecimento de outra passa pela produção de encontros e congressos que ocupam os espaços da cantoria improvisada, conhecida como repente. A primeira parte, intitulada Improviso e pé-de-parede, volta-se para o caráter estrutural dessa modalidade de poesia oral, enfocando o processo de criação dos versos improvisados, assim como pensa sobre performance a partir do tripé voz, corpo e imagem, que modula a figura do repentista. Além disso, traz uma discussão sobre o envolvimento dos cantadores e das cantadoras com o universo da cantoria desde a infância, a partir da análise das entrevistas realizadas ao longo da pesquisa. A segunda parte, intitulada Festivais: entre rotas e ondas, debruça-se sobre os festivais e busca apresentar uma trajetória a partir dos eventos realizados na Europa e como o modelo adotado no Brasil buscou inspiração nos moldes já em voga nos Festivais de Música Popular Brasileira, por exemplo. Embora a estrutura já fosse utilizada numa vasta tradição de congressos e encontros realizados ainda nos anos 1940, o nome festival passou a ser adotado apenas a partir dos anos 1970. A pesquisa trouxe à tona a existência de rotas que impulsionam o movimento dos festivais. Ao mesmo tempo, verificou-se mudanças na configuração dos eventos, alterando a estética no que se refere à viola, ao verso e à voz, bem como a inserção no circuito da indústria cultural, fomentando a criação de espetáculos voltados para o consumo de massa e valendo-se dos medias como canais de manutenção e expansão.
This thesis investigates the trajectory of Violeiros Festivals held in Northeast Brazil having as common thread of the research the oral poetry, notably the improvisation singing. To build a cartography of these festivals, the research reflects on the social changes that led to the emergence of this more modern structure, the festival, with elements facing the urban spectacle as a transformation from a more traditional practice, o pé de parede, which occurred in rural areas. The route between the permanence of a modality and the strengthening of other involves the production of meetings and conferences which occupy the spaces of improvised singing, known as repente. The first part, entitled Improvisation and pé de parede, aims at the structural nature of this type of oral poetry, focusing on the process of creating improvised verses, as well as thinking about performance from the tripod voice, body and image, which modulates the “repentista” profile. It also offers a discussion of the involvement of the singers and “cantadoras” with the universe of “cantoria” since childhood, from the analysis of the interviews conducted during the research. The second part, entitled Festivals: between routes and waves, addresses festivals and aims at presenting a trajectory from the events held in Europe and how the model adopted in Brazil found inspiration in the pattern still in practice in Brazilian Popular Music Festivals for example. Although the structure had already been used in a wide tradition of conferences and meetings performed in the 1940s, the noun “festival” started to be adopted only from the 1970s. The research revealed the existence of routes that drive the movement of the festivals. At the same time, there are changes in the configuration of events, changing aesthetics in relation to the viola, the verse and the voice as well as the inclusion in the cultural circuit industry, encouraging the creation of shows geared for mass consumption and making use of the media as maintenance and expansion channels.

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:30:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Victor Martins de Souza.pdf: 14114209 bytes, checksum: b000d73d7ade4a48657730af000956ac (MD5) Previous issue date: 2012-05-18
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico
We discuss the relation between Glauber Rocha and Sembene Ousmane s cinematographics and political projects considering images dialogues. The focus of our analysis is on the movies Der Leone have sept cabeças (1969-70), by Glauber, and Ceddo (1976), by Sembene. Using the technique of historians, these filmmakers problematized the present from the re-intepretation of the past. In Ceddo, Sembene reinvented traditions with the intention of questioning the history of his time, and denounced West African colonialism to be more sophisticated than previously imagined. In Der Leone have sept cabeças there exists different historical periods to question the present. In this process, the oral traditions have a preponderant role because they are used to critize the deformed European view concerning the Third World. Therefore, the relationship between the cinema of Glauber and Sembene enables us to gain a new perspective of their work, through the diasporic, tri-continental, and politically-cultural dialogue
Discutimos os projetos cinematográficos e políticos de Glauber Rocha e Sembene Ousmane à luz do diálogo em imagens. Assim, centramos nossa análise em dois filmes: Der Leone have sept cabeças (1969-70), de Glauber, e Ceddo (1976), de Sembene. À maneira dos historiadores, estes cineastas recorreram ao passado para problematizar o presente. Em Ceddo, Sembene reinventou tradições para questionar a história do seu tempo, mostrando aspectos mais sofisticados do colonialismo da África do Oeste. Em Der Leone have sept cabeças, há a convivência de tempos históricos distintos, nos quais o presente é posto em suspenso, portanto passível de questionamento. Neste processo, as tradições orais possuem papel preponderante, pois é a partir delas que é criticado o olhar enviesado do europeu em relação ao Terceiro Mundo . Assim, as afinidades aqui elencadas entre os cinemas de Glauber e Sembene permitem delinear novos olhares à filmografia de ambos, a partir de um diálogo diaspórico, tricontinental e político-cultural

Submitted by Nerivaldo Araújo (neriaraujo@hotmail.com) on 2017-04-21T14:26:49Z No. of bitstreams: 1 TESE NERIVALDO ARAUJO PARA REPOSITÓRIO.pdf: 14902710 bytes, checksum: b0c18c3a3e2e4b819d20cd430003a14d (MD5)
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RESUMO: Este trabalho é resultado de um estudo sobre a poética oral do samba de roda do grupo É na pisada ê, o qual é formado por moradores da região ribeirinha da cidade de Xique-Xique, Estado da Bahia. Nesta tese, tem-se o objetivo de investigar o processo de construção das identidades dos povos do respectivo lugar, a partir da análise desse gênero de maior notoriedade dentro da poesia oral ribeirinha: o samba de roda com as suas cantigas, ritmos, danças e demais práticas performáticas, buscando destacar o seu papel na consolidação da memória e na manutenção das tradições ribeirinhas. A memória aparece discutida sob uma perspectiva de ação, na qual se utiliza do passado para servir ao presente, já as tradições são vistas como práticas ideológicas que se adaptam e se reinventam. Neste estudo, busca-se trazer a história e as principais características do samba de roda, além de ressaltar a importância do corpo e da dança como elementos fundamentais desta manifestação poética, musical coreográfica e festiva. Procurou-se apresentar, através da poética oral do seu samba de roda, um retrato da cultura dos povos ribeirinhos dessa região, com seus costumes, valores, ideologias e crenças, ressaltando as marcas das etnias culturais formadoras da nação brasileira, dentre elas, a afrodescendente, de presença mais marcante. A metodologia desenvolvida encontra-se amparada nos princípios da pesquisa qualitativa de cunho etnográfico, na qual se procurou, por meio das observações de práticas como as rodas de samba e análise das cantigas, buscar uma construção de sentidos e ideias para as conclusões necessárias. Foram importantes também, nesse processo, a pesquisa bibliográfica e documental. Diante das análises, observações e estudos teóricos-documentais, tornou-se possível depreender que a poética oral do samba de roda ribeirinho retrata uma cultura baseada na diversidade, cujas identidades dos seus povos se estabelecem de modo provisório, a partir das relações exercidas com outros povos e com o contexto no qual se encontram inseridos. As suas tradições são moventes e se reinventam de acordo com as ideologias e os interesses do grupo. As identidades dos integrantes desta comunidade poética em estudo encontram-se em estado de liquidez, pois são capazes de se adaptar, amoldar-se às circunstâncias e realidades diversas, proporcionadas por uma espécie de hibridização permanente. Conclui-se, portanto, que diversos fatores têm contribuído, como foi possível observar através da poética oral do seu samba de roda, para que os sujeitos das margens do Velho Chico, na região de Xique-Xique, encontrem-se em estado perene de autoconstrução identitária, em busca de um reconhecimento cultural, de um porto possível.
ABSTRACT: The following Dissertation is the result of an in-depth study of oral poetics of the samba de roda of the group É na pisada ê, composed of inhabitants of the city Xique-Xique, in the riverside region of the Bahia State. Its main objective is to survey the process of construction of identities of the peoples of the area through the analysis of this genre – the “samba de roda” with its songs (cantigas), rhythms, dances and other performance practices – which is the most remarkable among the oral poetic forms of the region, with a view to emphasize its role in the consolidation of cultural memory and in the preservation of the traditions of the river bank. Memory is here discussed from an active perspective that makes use of the past to serve the present, since traditions are conceived of as ideological practices that are adapted and reinvented. This study intends to recuperate the history of samba de roda and its characteristics, while bringing to the forefront the relevance of the body and of dance as fundamental elements of this poetic, musical, choreographic and festive expression. Through the oral poetics of their samba de roda, it is offered a portrait of the culture of the coastal peoples of this region, their customs, values, ideologies and beliefs, emphasizing the traces of cultural ethnicities composing the Brazilian nation, among them most notably that of Afro-Descendants, which is the most influential. The methodology employed follows the principles of qualitative ethnographic research, which has procured, through the observation of practices such as samba circles and the analysis of cantigas (songs), the construction of sense and ideas to draw the necessary conclusions. Bibliographical and documentary research was equally relevant in this process. From such analyses, observations, and theoretical and documentary studies, it is concluded that the oral poetics of the coastal samba de roda reflects a culture based on diversity, whose people’s identities are provisionally established according to the relations developed with other peoples and within their own context. Their traditions change and are reinvented in agreement with the group’s ideologies and interests. The identities of the members of the poetic community under scrutiny are fluid, able to adapt to new circumstances and diverse realities due to a certain kind of permanent hybridity. Therefore, we may conclude that, as observed in the oral poetics of their samba de roda, a variety of factors contribute to the state of permanent identitarian self-construction of the inhabitants of the Velho Chico riverside in the region of Xique-Xique, constantly in search of cultural recognition, looking for a possible port.

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:32:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria Jose Ferreira da Costa.pdf: 475693 bytes, checksum: a52b8fb6ae3a51c54aa68da86913bf4c (MD5) Previous issue date: 2009-11-16
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico
That research intended to discuss the transformations that art of the surprise, the singing, is passing in elapsing of the time in his displacement between the field and city. In view of that, I propose the recognition of the singing as a cultural expression of resistance. In that direction, he became vital to reconstitute Geraldo Alves' memory and of people that he interacts with yours to create poetic. This way, the oral sources made possible the identification of many languages that they interlaced the existences, the preservation processes, the strategies of sociability and the changes of that manifestation Northeastern cultural imbricate of memories brought that they in the spaces field / city. The theme of that research was defined, mainly, for the conception of the culture popular view in her dynamicity, that allowed to be considered the interviews of the abrupt and listeners as the central source of that research. For so much, I used the interviews as impregnated texts of meanings, trying to build a history capable to think the present as a dimension of the social transformation of those that were the margin of the official historiography, daily subjects that they live and they make her own one recounts. Besides the oral reports, I chose as source, pamphlets of popularization of singings as well as the book "Entranhas da Terra by Geraldo Alves. Verses were done of surprise and the register of the informal conversations in the intervals of the singings. My objective when I interviewed those social agents went to know their life paths, looking for to understand the perception that they bring of singings and their involvements with that art, in the attempt of understanding as their memories of the past are rebuilt in the present. The theoretical presuppositions of that research are anchored in the Popular Culture, in the Social History and in the presuppositions of the Oral History. Authors as Hall, Benjamin, Portelli, Canclini, among other, were fundamental for this work. I could notice in the research that when changing their experiences, the singers and the public they are going weaving a net, in the webs of the narrative singing, gathering do and pleasures in rememorization exercises. At the same time in that the body enters in action, the mind works memories "planted in those fertile soils", of seeds and future memories, guaranteeing the possibility to the reproduction of the memory. Verification, in that research, was that the singing in the urban spaces, like São Paulo, is a resistance practice that became the thread that weaves the singers' identity and his/her public, expressing values, habits, memories, dreams and desires of the Northeasterners that had to leave the field with the dream of a better life in the city
Essa pesquisa pretende discutir as transformações que a arte do improviso (a cantoria) sofreu ao longo do tempo, sobretudo no que diz respeito ao seu deslocamento entre o campo e a cidade. Em vista disso, proponho o reconhecimento da cantoria como uma expressão cultural de resistência. Nessa direção, tornou-se vital reconstituir a memória de Geraldo Alves e de pessoas que tiveram uma considerável interação com o seu criar poético. Desta forma, as fontes orais possibilitaram a identificação de muitas linguagens que entrelaçaram as vivências, os processos de preservação, as estratégias de sociabilidades e as mudanças dessa manifestação cultural nordestina, que sempre esteve imbricada de lembranças mediadas ora pelo espaço do campo, ora pelo espaço da cidade. O tema dessa pesquisa foi definido, principalmente, pela concepção da cultura popular vista em sua dinamicidade, que permitiu considerar as entrevistas dos repentistas e dos ouvintes como a fonte de informação central dessa pesquisa. Para tanto, foram usadas entrevistas (impregnadas de significados), para construir uma história capaz de pensar o presente como uma dimensão da transformação social daqueles que ficaram à margem da historiografia oficial, ou seja, pessoas que vivenciaram e fizeram sua própria historia. Além dos relatos orais, escolhi como fonte, panfletos de divulgação de cantorias, assim como o livro Entranhas da Terra, do poeta Geraldo Alves, além dos versos feitos de improviso e dos registros das conversas informais nos intervalos das cantorias. O objetivo das entrevistas a esses agentes sociais foi o de conhecer suas trajetórias de vida, e entender a percepção que eles trazem de cantorias e seus envolvimentos com essa arte, para compreender como suas lembranças são reconstruídas no presente. Os pressupostos teóricos dessa pesquisa estão ancorados na cultura popular, na história social e nos pressupostos da história oral. Autores como Hall, Benjamim, Portelli, Canclini, entre outros, foram fundamentais para este trabalho. Foi perceptível nesta pesquisa que, ao trocar suas experiências, os cantadores e o público tecem uma rede, através da narrativa da cantoria e reúnem fazeres e prazeres nos exercícios de rememorização. Ao mesmo tempo em que o corpo entra em ação, a mente aciona lembranças plantadas nesses solos férteis , de sementes e futuras recordações, o que garante a possibilidade de reprodução da memória. Outra constatação, nessa pesquisa, foi a de que a cantoria nos espaços urbanos, como em São Paulo, é uma prática de resistência que se tornou o fio que tece a identidade dos cantadores e de seu público, através da expressão de valores, de costumes, de lembranças, de sonhos e de desejos dos nordestinos que tiveram de deixar o campo com o sonho de uma vida melhor na cidade

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Ciências Sociais, Departamento de Antropologia, Programa de Pós-graduação em Antropologia Social, 2009.
Submitted by Allan Wanick Motta (allan_wanick@hotmail.com) on 2010-05-20T19:33:16Z No. of bitstreams: 1 Tese DAN-BCE.pdf: 5451707 bytes, checksum: 01d60fb3889290e2c9e2fa9f0ec61e73 (MD5)
Approved for entry into archive by Lucila Saraiva(lucilasaraiva1@gmail.com) on 2010-06-24T00:58:54Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese DAN-BCE.pdf: 5451707 bytes, checksum: 01d60fb3889290e2c9e2fa9f0ec61e73 (MD5)
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O presente estudo aborda o repente ou cantoria, modalidade de poesia cantada e improvisada praticada na região Nordeste do Brasil, especialmente nos estados de Pernambuco, Paraíba, Rio Grande do Norte e Ceará. Seus praticantes são chamados de repentistas, cantadores ou violeiros e cantam sempre em dupla, alternando-se na composição de estrofes de acordo com parâmetros rígidos de métrica, rima e coerência temática. Há um conjunto de regras formuladas nesse sentido, mas os repentistas improvisam seus versos a partir de fundamentos práticos como o ritmo poético incorporado. O improviso coloca o repentista em relação com modelos estéticos como o ritmo da poesia, os padrões melódicos e as regras da cantoria, ao mesmo tempo em que o põe em diálogo com o outro cantador e com as demandas e reações da platéia. O improviso, portanto, não é apenas a criação poética, mas também o desenrolar de um jogo de interação dos poetas com os outros sujeitos na situação da cantoria. O elemento central da cantoria é a disputa entre dois cantadores, que se pauta em valores relativos à construção da masculinidade, e pela qual os poetas constroem sua imagem pessoal e seu prestígio. O caminho escolhido para a análise dessa arte é a antropologia da prática, buscando compreender a relação entre ação e estrutura, e a reprodução das formas da vida social por meio das práticas. Um ponto metodológico relevante na realização desta pesquisa foi o aprendizado da cantoria como estratégia etnográfica. Dessa maneira, são abordados o campo social da cantoria, a diferenciação e a reciprocidade entre cantadores, a formação do cantador, as habilidades do improviso poético e o ritual da disputa entre cantadores. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT
This study concerns the singing called repente or cantoria, a modality of improvised sung poetry, practiced in the Northeast region of Brazil, especially in the states of Pernambuco, Paraíba, Rio Grande do Norte and Ceará. Its practitioners are called repentistas, cantadores or violeiros, and they always sing in duets, alternating in the composition of strophes according to strict parameters of meter, rhyme and thematic coherence. There is a set of rules formulated for this purpose, but the repentistas improvise their verses on a practical basis, such as the poetic rhythm incorporated. The improvisation places the repentista in relation to aesthetic models, such as the rhythm of the poetry, the melodic patterns and the singing rules, at the same time it puts him into a dialogue with the other singer and with the expectations and reactions of the audience. The improvisation, therefore, is not only the poetic creation, but also the unfolding of a game of interaction between the poets and the other participants in the singing situation. The central element of the singing is the dueling between two singers, based on values regarding the construction of masculinity, and on which the poets build their personal images and prestige. The path chosen for analysis of this art is the anthropology of the practice, seeking to understand the relation between action and structure, and the reproduction of the forms of social life by means of the practices. The significant methodological point in the carrying out of this research was the learning of the singing as an ethnographic strategy. Thus, it deals with the social field of the singing, the differentiation and reciprocity among singers, the personal development of the singer, the skills of poetic improvisation and the ritual of the dueling between the singers.

Made available in DSpace on 2014-06-12T18:33:57Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo9441_1.pdf: 10613902 bytes, checksum: 80a82ac06a7a1531cc464ad08950ca57 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2011
No inicio dos anos 1980, especificamente na configuração das artes plásticas, uma narrativa crítica entre outras que marcaram o importante debate sobre a arte contemporânea e seus circuitos de atuação nacional , alimentou e foi alimentada pelos modos de fazer de jovens artistas, e produziu alguns enunciados sobre as maneiras e os modos de se fazer arte naqueles anos. O retorno ao fazer da pintura é anunciado em oposição a uma arte conceitual vista como fria, hermética e cerebral , marcadamente localizada nos anos 1970. Grosso modo, o discurso da crítica criara um rótulo para sintetizar a novidade: Geração 80 , pretendendo traduzir as performances de jovens artistas, em sua maioria pintores, oriundos de formação das escolas de arte localizadas no eixo Rio de Janeiro e São Paulo. Não obstante, tal generalização, como qualquer outra, não deu conta de dizer de toda uma produção artística que se espraiava em diversas poéticas e práticas, seja nessas duas metrópoles, e muito menos ao considerar as artes realizadas em outras geografias e lugares do Brasil. Nesse sentido, fez-se imperativo desnaturalizar o rótulo Geração 80 e a chamada Nova Pintura feita pelos jovens artistas, que não foi adequadamente problematizada pela crítica brasileira, considerando que a produção pictórica era desprovida de um discurso crítico que a [objetivasse] como produto pictórico portador de uma conceituação específica (Basbaum, 2001, p. 307). O processo realizado para desnaturalizar tais pressupostos imprimiu-se com a construção de uma cartografia das artes plásticas na cidade do Recife na década de 1980, feita por meio de relatos orais e de memória de artistas plásticos e críticos de arte. Realizei 42 entrevistas com roteiros abertos e essas se constituíram em textos narrativos que estão analisados no corpo da tese. Trabalhei com fontes documentais gráficas jornais, revistas, catálogos - e com as narrativas pictóricas realizadas por artistas brasileiros, sobretudo pelos artistas jovens do Recife que à época aspiravam reconhecimento para ocupar o meio artístico local e nacional. Ao longo da pesquisa um desenho cartográfico se esboçou, sendo, por meio dele, localizáveis lugares de produção, formação e exibição das artes plásticas na cidade do Recife, e maneiras de fazer e praticar a configuração e as linguagens das artes plásticas naqueles anos. Entre tensões, rearranjos e negociações os artistas plásticos jovens e os já estabelecidos à época reinventaram o campo das artes na cidade. No entanto, foram os novatos , jovens artistas, outsiders, que produziram deslocamentos nas maneiras de fazer e praticar as artes plásticas, re-atualizando os diálogos entre as tradições e o novo

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão
Made available in DSpace on 2012-10-19T08:38:31Z (GMT). No. of bitstreams: 0Bitstream added on 2014-09-25T23:24:42Z : No. of bitstreams: 1 178894.pdf: 11310724 bytes, checksum: e7454ac9d021a2f3af16ad8f152341d5 (MD5)
A pesquisa tem como principal objetivo o resgate dos processos de narrar e ouvir textos literários destinados às crianças em projetos desenvolvidos em hospitais, bibliotecas e escolas. Tais procedimentos de atividades fundadas na oralidade e na escrita, realizam o diálogo entre narrador e ouvinte e narrador e leitor com funções de acordo com a natureza de cada projeto: terapêutica, social e pedagógica. A articulação do literário com a biblioterapia permite enfocar a leitura como catarse, consolo e entretenimento, que envolvem emocionalmente os agentes com a narrativa ficcional. A articulação do literário com o social tem por base uma função de compromisso e engajamento da Literatura com seus receptores. A articulação do literário com as atividades de ensino entende a leitura como uma ação intelectiva, visto atribuir aos textos literários conteúdos educativos e formadores. Os procedimentos adotados pelos projetos e o uso dos textos literários foram objeto de uma leitura crítica e de algumas reflexões, constituindo-se no objetivo secundário da dissertação

O presente trabalho, resultado do contato com sociedades da Reserva Indígena Kadiwéu, localizada no Pantanal Sul-mato-grossense, verifica a cerâmica ali produzida pelas índias, no período compreendido entre o final do século XIX e a atualidade. A investigação focaliza o processo de produção, os padrões ornamentais, a forma e a função dos objetos, além dos materiais e técnicas utilizados. A cerâmica Kadiwéu difere, atualmente, das demais produções brasileiras principalmente pela ornamentação, marcada por grafismos e cores muito peculiares. Essa produção sofreu, durante o período ao qual a pesquisa se ateve, transformações significativas no que se refere aos padrões e técnicas ornamentais, possivelmente devido à fixação dos índios próximo a Serra da Bodoquena, que oferece grande variedade de matérias-primas, incorporadas às produções correntes. Foram utilizadas como referência para esta pesquisa duas importantes coleções etnográficas: a de Guido Boggiani, que esteve entre os Kadiwéu em 1892 e 1897 e se encontra, sobretudo, em museus da Itália e a coleção recolhida por Darcy Ribeiro na década de 1940, período em que conviveu com eles. Essas coleções diferem muito da produção atual, conforme verificação feita durante os anos 2000 e 2005. A aproximação aos processos de produção, das formas, cores e padrões, impressos na cerâmica Kadiwéu, possibilitou a compreensão da real dimensão das inúmeras possibilidades de exploração do barro transformado pelo fogo, propondo, então, uma tradução poética dessa observação. São de essencial importância a apresentação desse percurso, a verificação e o registro dos processos de produção atuais, usados pelas mulheres índias para preparar, modelar e submeter o barro à ação mágica e transformadora do fogo. A tradução poética aqui delineada nasceu desse encontro, que provocou reflexões manifestadas por dois conceitos: persistência e tradição oral.
This work, resulting from contact with Reserva Indígena Kadiwéu (Kadiweu Indian Reserve) societies, located in South Mato Grosso state marsh region (Pantanal), focuses on pottery made by female Indians between late XIXth century and today. Besides material and techniques used, the investigation focuses on objects production process, ornamental patterns, form, and function. Nowadays, Kadiweu pottery differs from other Brazilian natives production mainly in ornamentation, marked by distinctive graphisms and colors. During the period researched, this productions patterns and ornamental techniques have significantly changed, possibly due to the settlement of that native group near Bodoquena Range, where they find a variety of raw material, incorporated to their current production. Two important ethnographic collections were used as a reference for this research: that of Guido Boggiani (who visited the Kadiweu Indians in 1892 and 1897), now specially found at Italian museums, and that accumulated by Darcy Ribeiro in the last century 40s, when he lived with them. These collections differ a lot from current production, as verified in 2000 and 2005. Approaching production processes, forms, colors and patterns imprinted in Kadiweu pottery provided comprehension of the actual dimension of the numberless possibilities of fire-transformed clay exploitation, leading then to a poetic translation of this observation. Of essential importance are presenting this trajectory, checking and registering present production processes used by female Kadiweu Indians in preparing, modelling and subjecting clay to the magic and transforming action of fire. The poetic translation here outlined was born from this meeting, which caused reflections manifested through two concepts: persistence and oral tradition.

O presente estudo foi levado a cabo numa escola do 1º Ciclo do Ensino Básico com alunos do 2º ano de escolaridade. Após a construção de um quadro teórico que se pretende reflectido e reflexivo, no âmbito mais particular das competências do Currículo Nacional, desenvolvemos uma panóplia de actividades alicerçadas no texto poético, tentando que as nossas crianças se sentissem, sem excepção, verdadeiros e mágicos poetas.

This dissertation aims to investigate the relations between music and literature in songs that make the work of the pernambucano group Cordel do Fogo Encantado in order to understand the meanings of these interartistics compositions and how they reinvent the crystallized traditions about the image of the Brazilian backland. Therefore, we chose a corpus consisting of seven songs by Cordel do Fogo Encantado (Profecia, Profecia Final, Chover, A Matadeira, Pedra e Bala,Vou saquear a tua feira e Morte e Vida Stanley), chosen not only for their intersection between literature and music, since the whole work of this group has such intersection, but for their expression of the Brazilian backland, the place of origin of the group. Several implications of this approach appeared and to answer them we followed the pioneering work of Steven Paul Scher, who under the name Melopoetic (melos = singing + poetic) includes studies of musical-literary comparativism, seeking connections between the arts. Along the ideas of this author, the notion of Cultural Melopoetic present in the works of Solange Ribeiro de Oliveira, also served as basis. Furthermore, we consider appropriate the dialogue between melopoetic and the concept of oral poetry developed by medievalist Paul Zumthor, comprising the study of orality not only in literature, but in different manifestations in which the voice is the driving force, as well as his idea of performance coupled with the work of Ruth Finnegan under the same topic. The work of Cordel do Fogo Encantado, uniting the afro indigenous music in the backland of Moxotó to the sound of violas and rhythms of popular folklore was increased of literature to portray the backland where tradition and modernity are intertwined, creating a peculiar work. The analytical process sought to demonstrate how the presence of literature and music manifests itself in the songs worked and how this connection is responsible for transcreate a hybrid backland that insists on reinventing itself
Esta dissertação se propôs a investigar as relações entre música e literatura nas canções que compõem a obra do grupo pernambucano Cordel do Fogo Encantado de forma a compreender os sentidos destas composições interartísticas e como elas reinventam as tradições cristalizadas sobre a imagem do sertão. Para tanto elegemos um corpus composto por sete canções do Cordel do Fogo Encantado (Profecia, Chover, Profecia Final, A Matadeira, Pedra e Bala,Vou saquear a tua feira e Morte e Vida Stanley), escolhidas não apenas por sua intersecção entre literatura e música, visto que toda a obra do grupo apresenta tal relação, mas sim por sua expressão do sertão, lugar de origem do grupo. Várias implicações surgiram desta abordagem e para respondê-las nos valemos do trabalho pioneiro de Steven Paul Scher, que sob a denominação de Melopoética (melos = canto + poética) abarca os estudos de comparativismo musical-literário, buscando as conexões entre as artes. Junto às ideias deste autor, a noção de Melopoética Cultural presente nas obras de Solange Ribeiro de Oliveira, também nos serviu de base. Além disso, consideramos pertinente o diálogo entre a melopoética e o conceito de poesia oral desenvolvido pelo medievalista Paul Zumthor que compreende o estudo da oralidade não apenas na literatura, mas nas diversas manifestações em que a voz é a força motriz, bem como a sua ideia de performance aliada aos trabalhos de Ruth Finnegan sobre o mesmo tema. A obra do Cordel do Fogo Encantado, unindo a música afro-indígena do sertão do Moxotó à cantoria de viola e aos ritmos do folclore popular foi acrescida da literatura para retratar um sertão em que tradição e modernidade estão imbricadas, criando uma obra peculiar. O processo analítico por nós utilizado buscou demonstrar como se manifesta nas canções trabalhadas a presença da literatura e da música e como esta conexão é responsável pela transcriação de um sertão híbrido que teima em se reinventar

Reúno a perspectiva da performance, a teoria da enunciação de Benveniste e os gêneros do discurso de Bakhtin para refletir acerca das circunstâncias de produção da narrativa oral - tudo o que envolve o ato enunciativo de performance - de um narrador no bairro Restinga, periferia de Porto Alegre, Brasil. Na confrontação e aprendizagem com o campo, incorporei conhecimentos vindos da prática no meu horizonte teórico e busquei compreender quais são as possibilidades abertas ao ato de narrar neste ambiente. Tratei de um tópico que se encaixa em um campo pouco explorado pelos Estudos Literários: a oralidade inserida no ambiente urbano e na esfera do cotidiano. Parti de uma abordagem que tomasse a relação entre oralidade e escrita fora da dicotomia, pensando as contraposições constitutivas. Diante da materialidade adversa da voz, construí o corpus a partir da seleção dos fatos de discurso a ser compartilhados, já que qualquer pesquisador que estude a produção oral será um receptor e terá ele que definir o todo do enunciado narrativo. A delimitação dos enunciados foi aprendida a partir da exposição e escuta das narrativas em campo. Todo o encontro com o narrador é uma reiteração do evento narrativo. A delimitação dos enunciados foi aprendida a partir da exposição e escuta das narrativas em campo. Todo o encontro com o narrador é uma reiteração do evento narrativo. É uma volta à tomada de conhecimento e aprendizagem da sua forma de narrar. Essa é a essência da minha experiência de campo e do meu trabalho: é uma atualização constante dos princípios de como e por que narrar. É por esta estrutura, a qual se mantém sempre aberta à criação, que o narrador consegue elaborar toda sua trajetória de vida. A observação da narrativa se produzindo, leva-me a propor que, dentro de um fluxo indiferenciado de conversa, o condensamento da narrativa ocorre a partir do redimensionamento do espaço enunciativo, o qual constitui um centro de referência, inserindo o narrador como sujeito na e pela enunciação e possibilitando a abertura à dimensão estética. A cada ato de narrar, a prática de reorganização espaço-temporal é atualizada, carregando as marcas, as inovações, que o narrador deixa entrever no enunciado. É um princípio formal movente, sempre renovado e aberto à criatividade.
Aproximo la perspectiva de la performance con la teoría de la enunciación de Benveniste y los géneros del discurso de Bakhtin para reflexionar sobre las circunstancias de producción de la narración oral - todo lo que implica el acto enunciativo de performance - de un narrador del barrio Restinga, en las afueras de Porto Alegre, Brasil. Frente al aprendizaje proveniente del campo, intenté incorporar sus conocimientos prácticos en mi horizonte teórico y traté de entender cuáles son las posibilidades que el acto de narrar tiene en este ambiente. Se trata de un tema poco explotado por los Estudios Literarios: la oralidad urbana en el ámbito de la vida cotidiana. Desde un enfoque que toma la relación entre la oralidad y la escritura fuera de la dicotomía, reflito las contraposiciones constitutivas. Fente a la adversidad de la voz, construí el corpus partiendo de la selección de los hechos de expresión que pude compartir, una vez que, cualquier investigador que estudie la producción oral será un receptor y tendrá él que fijar el conjunto del enunciado narrativo. La delimitación de los enunciados se conoció desde la escucha de las narraciones en el campo. Cada encuentro con el narrador es una repetición creadora del evento narrativo. Se vuelve a conocer y aprender su manera de narrar. Esta es la esencia de mi experiencia en campo y de mi trabajo: es una actualización constante de los principios de cómo y por qué narrar. Es a través de esta estructura, la cual permanece siempre abierta a la creación, que el narrador puede desarrollar toda su trayectoria de vida. La observación de la narración mientras se produce, me lleva a proponer que, en un flujo indiferenciado de conversación, la aglutinación de la narración empeza con la reorganización del espacio enunciativo, lo cual es un centro de referencia, que incluye el narrador como sujeto a través de la enunciación, lo que posibilita la apertura a la dimensión estética. En cada acto de narrar, la práctica de la reorganización del espacio-tiempo se actualiza llevando junto las marcas, las innovaciones, que el narrador muestra suavemente en el enunciado. Es un principio formal movente, siempre renovado y abierto a la creatividad.

Este trabalho está centrado na Arte de Contar Histórias e o sopro do narrador, fundamento da vocalidade poética. Ao pensar nos diversos caminhos possíveis para a sua composição, foi aprofundada uma visão direcionada para o entrelaçamento das experiências subjetivas com a própria narrativa. Essa é uma vereda que tem como base a Palavra Viva, proveniente dos narradores tradicionais, onde é ressaltado o seu aspecto artesanal. Paralelos com a contemporaneidade foram cercados, assim como imagens e metáforas, dentre os quais se destacam a criança, o peregrino e o selvagem, que permeiam a reflexão sob ângulos diversos. Para abordá-los é sugerida a ideia de despreparo que se contrapõe a uma ideia de formação mais linear e acentua o chamado à experiência.
This work is centered on the Art of Storytelling and the breath of the narrator, the foundation of the poetic vocality. In thinking about the different possible paths for its composition, a vision was focused on the intertwining of subjective experiences with the narrative itself. This is a path based on the Living Word, from the traditional narrators, where their artisan aspect is emphasized. Parallels with contemporaneity have been surrounded, as well as images and metaphors, among which the child, the pilgrim and the savage stand out, which permeate the reflection under different angles. To address them is suggested the idea of unpreparedness that opposes a more linear idea of formation and accentuates the call to experience.

Se a tradução envolve leitura e reescrita, nós poderíamos questionar o modo como se lê antes de questionar o modo como se reescreve. A tradução de poesia parece continuamente lidar com problemas de ritmo, rima, sintaxe, sentido, registro linguístico. Mas e se o tradutor, entendendo a leitura como performance, recolocar tais questões sob a perspectiva de outra mídia, que possa libertá-lo das restrições da escrita? O pesquisador Peter Low (2003) provoca os tradutores de poesia a se questionarem se desejam que seus textos sejam vocalizados (recitados, musicados etc.), e não apenas lidos silenciosamente. Haveria, então, uma alteração funcional e, consequentemente, um texto de chegada com um skopos diferente (REISS e VERMEER, 1996). Trata-se de trabalhar com a força latente da voz no texto; com uma possibilidade de performance inscrita na mídia escrita: a vocalidade, como coloca Paul Zumthor (1993). O poeta negro estadunidense Langston Hughes (1902-67) escrevia poemas semelhantes a letras de blues e recitava seus versos no ato da criação, o que pode sugerir algo a respeito de um possível modo de ler, absorver e recriar sua poesia em outra língua. Nosso objetivo, portanto, é traduzir seus poemas de blues ao cantá-los e tocá-los no violão. As canções de blues resultantes, em português, estão registradas em CD que foi inserido como apêndice da tese. Nosso método consiste em musicá-los enquanto os traduzimos, pois a simultaneidade dos processos é precisamente aquilo que interfere nas escolhas linguísticas, influenciando aspectos de ritmo, sintaxe, sentido etc. Nossa hipótese envolve, então, a questão de como os modos de dizer da canção popular, numa dada língua-cultura, determinariam o resultado da tradução. Essa experimentação deve, segundo esperamos, contribuir para os Estudos da Tradução por redimensionar alguns aspectos do texto de acordo com a dinâmica da vocalização. Esses resultados são tanto acadêmicos, em termos da discussão sobre a própria tradução, quanto artísticos, como música de blues composta para o público brasileiro, apresentando Langston Hughes, relativamente pouco conhecido e traduzido no Brasil, na forma de um gênero musical que é amplamente disseminado por aqui.
If translation involves reading and rewriting, we might question how we read a text before questioning the rewriting. Poetry translation seems to continually deal with problems of rhythm, rhyme, syntax, meaning, register. What if the translator understands reading as performance in order to reconceive all those issues within the perspective of another medium, which could free him from the constraints of writing? Researcher Peter Low (2003) suggests that poetry translators ask themselves whether they would like their texts to be recited, set to music etc., rather than just silently read. There would be, then, a functional alteration, and the target text would have a different skopos (REISS and VERMEER, 1996). We propose working with the latent force of the voice in the text; with a possibility of performance inscribed in the written medium: the vocality of Paul Zumthor (1993). The Afro-American poet Langston Hughes (1902-67) wrote poems very similar to blues lyrics and knowingly spoke (or even sung) his lines while creating them. That might suggest something about a way to read, absorb and recreate his poetry in another language. Our goal, therefore, is to translate his blues poems while singing and playing them on the guitar. The resulting blues songs in Portuguese are registered on a CD attached to this thesis. Our method is to set them to music while translating them, because the simultaneity of the processes is exactly what might interfere in the linguistic choices, influencing aspects of rhythm, meaning etc. Our hypothesis involves, then, the discussion of how the modes of expression of the popular song, in a given system of language-culture, would determine the results of the translation. That sort of experimentation will hopefully contribute to the Translation Studies by rearranging certain aspects of the text according to the dynamics of vocalization. These results are both academic, in terms of the discussion about translation itself; and artistic, as blues music composed for the Brazilian audience, presenting Langston Hughes, relatively unknown and non-translated in Brazil, in the form of a musical genre which is widely disseminated here.

O presente Relatório Final é parte integrante da Prática de Ensino Supervisionada em Educação Pré-Escolar e, destina-se à obtenção do grau de Mestre em Educação Pré-Escolar. O tema do estudo está relacionado com a linguagem poética da criança, teve inspiração no Cancioneiro Infanto-Juvenil para a Língua Portuguesa, do Instituto Piaget e, foi objeto de um Projeto de Intervenção designado “Escrever para Não Esquecer”. Pretende-se alertar para a importância de estarmos atentos e disponíveis para ouvir o que as crianças têm para nos dizer, de forma a valorizarmos o seu património oral, realçar estratégias que o adulto pode encontrar e adotar, para promover e desenvolver estados poéticos nas crianças, especialmente junto das que se encontram em educação pré-escolar. Importa referir que as brincadeiras de palavras e jogos de linguagem permitem transformar o que as crianças dizem em textos poéticos, mas para isso é fundamental que o adulto lhes permita iniciativa e que acima de tudo esteja disponível para as ouvir. A investigação desenvolvida teve por base a metodologia qualitativa, de investigação-ação, com recurso a notas de campo, registo fotográfico e entrevistas, aos pais e à educadora cooperante. Os resultados demonstram o quanto é importante que os adultos estejam atentos ao património oral das crianças, de forma a contribuir para o desenvolvimento da sua produção poética e, sugerem a necessidade de promover ações que sensibilizem educadores, professores, famílias acerca da importância da presença da poesia, nas escolas e em casa.

Tese de doutoramento em Literatura, especialidade de Literatura Oral e Tradicional, Faculdade de Ciências Humanas e Sociais, Universidade do Algarve, 2002
Foi em 1985 que, primeira vez, nos interessámos pelo Romanceiro do Algarve. Estávamos, na altura, a preparar os comentários para a série televisiva O Romanceiro, de que fomos o autor. Ao chegarmos às duas versões madeirenses de Testamento de Fernando I + Queixas de D. Urraca + Afuera, afuera, Rodrigo que surgem na série, fomos ler a versão publicada por Estácio da Veiga, a primeira atestação portuguesa daqueles temas, tentando perceber o nela haveria de verdadeiramente tradicional e de inventado pelo editor. Ainda lá estão, no exemplar do Romanceiro Geral de Teófilo Braga onde lemos a versão algarvia, os traços a lápis com que assinalámos os versos que lembravam os dos textos castelhanos antigos. E as linhas onduladas com que marcámos o que parecia pura invenção de Estácio da Veiga. Anos depois, em 1987, dedicámos algumas linhas ao problema, integradas na comunicação que lemos no congresso do Puerto de Santa María. 2 Ali, pouco pudemos concluir, uma vez que, para dar uma resposta satisfatória, teria sido necessário conhecer o manuscrito original de Veiga.